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Marcelo Criminal y Nacho Vegas «matan» a Pedro Sánchez

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Ayer Depresión Sonora, La Paloma y Alba Morena tocaron en el arranque de campaña del PSOE. Desde el mismo sello de Depresión Sonora, Sonido Muchacho, hoy nos llega otra sorpresa en opuesta dirección: un tema llamado ‘El día que murió Pedro Sánchez’.

Lo firma Marcelo Criminal, tan acostumbrado a lo costumbrista como a lo surrealista o a lo indescifrable, aquí haciendo honor más que nunca a su apellido. Como recordaréis, Marcelo Criminal es el peculiar autor de «Perdona (ahora sí que sí)«, el inesperado hit de Amaia con Carolina Durante. Y en este caso, le acompaña Nacho Vegas.

‘El día que murió Pedro Sánchez’ es un adelanto del que será el tercer álbum de Marcelo Criminal -el mes pasado se revelaron otros 3-. El tema se define como «folk de ciencia ficción, canción protesta, una broma extraña, una distopía cañí…» En su imaginación, Marcelo sitúa los hechos en pleno viaje oficial del Presidente a Lugo, inaugurando un hospital, cuando repentinamente alguien comienza a disparar. El asesino de Pedro Sánchez en la canción se llama Javier, tiene 26 años y se quita la vida cuando se le acerca un Guardia Civil. La canción narra luego el hipotético funeral de Estado, con Zapatero y Aznar.

Hemos preguntado a Marcelo Criminal por el sentido de esta canción tan turbadora, y nos ha respondido lo siguiente: «Va más de la facilidad con la que se puede descalabrar nuestra ilusión de «estabilidad» que de partidos políticos, y sospecho que si gobernase cualquier otro, la canción sería bastante parecida».

Por otro lado, el periodista Nacho Lorente ha escrito un texto oficial para la nota de prensa sobre este tema, en el que habla de la pandemia y del auge de la extrema derecha. Os dejamos con este complemento compartido por el sello Sonido Muchacho:

“Existió un meme surgido en el confinamiento, es decir, hace dos siglos. “No quiero vivir más momentos históricos”. Triunfó relativamente y recuerdo haberlo visto aplicado, además de a pandemias mortíferas, a guerras y a desastres naturales cada vez más desastres y menos naturales. El mensaje era claro: una llamada a la calma muy contemporánea. Ya nadie desea ser piel roja, sino el niño de la piscina de Teruel. Sin embargo, nos cuesta más llamarle “momento histórico” al descubrimiento de una vacuna en tiempo récord, a la legislaciones avanzadas que salen adelante contra viento y marea o a la firma de acuerdos de paz.

La oscuridad ha conquistado en exclusiva las condiciones de verosimilitud y posibilidad. Pareciera que estuviéramos hablando del auge desacomplejado de la extrema derecha. Y sí, seguramente de eso vaya en parte el nuevo tema de nuestro bardo Marcelo Criminal, esta vez con Nacho Vegas. Que nadie se quede en la escandalosa ficción: la verdadera carga de estos casi tres minutos es que nunca se va a sospechar de la maldad si esta se convierte en sentido común. Eso nos jugamos en la realidad.”

El Himno de C. Tangana para el Celta es cosa seria

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Hace un par de años que C. Tangana se postuló como autor del himno que celebrara el Centenario del Celta de Vigo. Resulta que el padre de El Madrileño es vigués y «celtista de cuna». Algunos se lo tomaron a broma. No lo era. Pucho se lo ha tomado tan en serio como esto.

Hoy se publica ‘Oliveira Dos Cen Anos’, una composición que ha realizado junto a sus colegas habituales Alizzz, pablopablo y Harto Rodríguez, y en la que Antón Álvarez ha acertado al ponerse en segundísimo plano. Su voz no suena. Él «solo» compone, produce y dirige la superproducción que ha sido el videoclip producido por Little Spain y grabado en la ría de Vigo, la isla de San Simón y el icónico Puente de Rande. Ah, también se muestra como hincha del Celta al final del vídeo. Por lo demás, ha dejado todo el protagonismo en el Celta, y sobre todo en Galicia. En la cultura gallega.

Para elaborar ‘Oliveira Dos Cen Anos’ C. Tangana se ha documentado mucho. Ha hablado con el escritor Pedro Feijoo, con músicos como Rodrigo Romaní, uno de los fundadores de Milladoiro, o Alfredo Dourado, miembro del grupo de folk gallego A Roda.

Además, se empapó de la escena de folk local de Vigo, a través del activista cultural Xisco Feijoo y del equipo docente de la ETRAD, la escuela municipal de música tradicional de la ciudad. Así, la letra está sacada de viejas cantigas tradicionales, pero le ha dado un toque de modernidad. Por ejemplo, hay silencios con efecto de entrecortado, y aparece Sime, líder del grupo punk Keltoi!

A la hora de grabar, le acompañaron la Coral Casablanca, el grupo de pandereteiras As Lagharteiras y la popular peña celtista Tropas de Breogan. Particularmente ha querido poner en «especial relevancia, la mujer como eje central de la sociedad gallega y la arrolladora energía de la afición celeste».

El resultado eleva al cubo la apuesta de ‘El Madrileño‘ por el folclore vista en temas como ‘Un veneno‘. No piensa nada en las listas de éxito, ni tampoco en quien no sienta nada con el fútbol, sino que prefiere apostar por sonar en la imaginería del hincha del Celta de Vigo -que seguirá ahí cuando Éxitos España no signifique nada- durante el mayor tiempo posible. ¿Serán días, meses, años o décadas?

Britney denuncia la agresión del guardaespaldas de un deportista

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El pasado miércoles Britney Spears acudió a cenar a un restaurante de Las Vegas en compañía de su marido y dos personas más, cuando se produjo un altercado.

Según su propio relato, Britney se encontró con el jugador de la NBA Victor Wembanyama y, como ella es fan, se acercó para saludarlo. Cuál fue su sorpresa cuando un guardaespaldas de Victor la detuvo y le dio un bofetón que hizo caer sus gafas al suelo, y casi la derriba a ella misma.

Pese a que según la versión de Victor, ella recibió posteriormente una disculpa en su mesa, Britney llamó a la policía y ha decidido denunciar públicamente la agresión. Dice que ella es asediada por gente constantemente, esa misma noche por “al menos 20 fans” y que su «equipo de seguridad nunca ha pegado a nadie». “Me da vergüenza compartir esta historia, pero creo que es importante hacer ver a la opinión pública que hay que tratar a la gente con respeto. Hay demasiada violencia en este mundo”.

Añade: “No creo que sea una cosa de risa. Ver al jugador sonreír y reírse de esto fue cruel y desmoralizador. Mido 1,60 y él 2,20”.

También la ha defendido su marido: «No me puedo creer que una fan desarmada expresando cualquier tipo de emoción o aprecio por una celebridad pueda llegar a ser atacada físicamente, y mucho menos ser pegada en la cara por haber tocado un hombro. Se necesitan cambios desde arriba, los espero. La culpa debe recaer en el cobarde que hizo esto, en la gente que lo contrató sin una investigación adecuada y en una cultura sistemática de desprecio por las mujeres del mundo del deporte y el entretenimiento».

Por su parte, el jugador de baloncesto Victor Wembanyama ha declarado que no vio lo que pasó, pero ha negado que Britney le tocara el hombro. Asegura que le agarró: «No vi lo que pasó porque iba caminando hacia delante y me dijeron: ‘No pares’. Pero esa persona me agarró por detrás, no me tocó el hombro, me agarró por detrás, y la seguridad la alejó. No sé con cuánta fuerza, la verdad”.

RFTW: PJ Harvey, ANOHNI, Taylor Swift, Adiós Amores…

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Este viernes 7 de julio salen discos tan importantes como el primero de PJ Harvey en 7 años, el primero de ANOHNI en otros tantos, y el primero de Julie Byrne en más o menos. Otro que saca álbum es Gus Dapperton. Igualmente tenemos una nueva entrega de las “Taylor’s Versions” de Taylor Swift, en este caso ‘Speak Now’, y en España hay disco de Rauw Alejandro (featuring Miguel Bosé) y nuevo EP de Oddliquor.

Entre las grandes novedades internacionales hay tema de NewJeans, de PARTYNEXTDOOR, de Anne-Marie, de Skrillex con Boys Noize, de Dominic Fike con Weezer o de The Weeknd para la banda sonora de ‘The Idol’. También se conoce otro tema de la banda sonora de ‘Barbie’.

En España, nuevo hit de Quevedo, balada de Adiós Amores, nuevo adelanto de lo próximo de Belako, tema suelto de Sila Lua y ese himno del Celta de C. Tangana.

La Mala pide no salir más en JNSP: por qué no le haremos caso

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El vídeo que nos ha dedicado La Mala Rodríguez en las Stories de Instagram («je ne sais pas, je ne sais pop, je ne sais su puta madre») ya es un meme en nuestros foros gracias al usuario elanonimotranquilo. Que la autora de títulos tan gráficos como ‘Bruja‘, ‘MALA’ o ‘Alevosía’ nos haya puesto en su punto de mira, es un honor hasta cierto punto. ¿Ya puedo decir que «me ha tirado La Mala»?

Pero también nos deja un sabor amargo, y no solo por esos micropenes que nos ha mandado a chupar (que también), sino por la reflexión que conlleva sobre la relación entre artistas y medios de comunicación. Los medios, que mediamos entre ellos y el público, no tenemos por qué estar del lado del artista. Hace poco alguien nos felicitaba en Twitter por suspender el segundo disco de Arde Bogotá: tal servilismo hay hacia los artistas y la industria que hasta se nos estaba olvidando que esto se podía hacer. «Siento que hay muchos medios que lo único que hacen es tirar flores al artista de turno sin haber dedicado su tiempo real a escuchar las canciones», argumentaba. Diría que incluso hay fans a los que este concepto ni les suena. «¿Qué necesidad había de publicar esto?», se preguntaba otra persona en relación a la misma reseña, ajena a décadas de historia de crítica musical.

A La Mala le ha sentado mal que nos hayamos hecho eco de su irrupción del escenario durante un concierto de Jere, en un evento que ha terminado siendo nada Rrandom de Rubí. Un pueblo que ya ha dejado de ser para siempre una frase de ‘No hay nada más triste que lo tuyo’ de Hidrogenesse para lanzarse a los anales de la historia por la puerta grande. La artista se subió allí, al escenario del Festival Rrandom, por su propia voluntad para decirle a Jere que tenía que terminar ya, que le tocaba salir a ella.

Los artistas tienden a llamar a la prensa «sensacionalista» cuando no les gusta lo que reportamos. En este caso concreto, habríamos propagado «odio». Es el viejo «¡La culpa es de la prensa!». En los últimos años, el miedo a ser «amarillista», buscar el «clicbait» o, peor, resultar «tóxico» en tiempos de concienciación sobre salud mental -todo eso y no los cheques o los imperativos publicitarios, como alguna gente cree- convierte en una rara avis una crítica negativa en un medio musical. A diferencia de lo que ocurre en medios cinematográficos, donde las críticas negativas son habituales y están asumidas y aceptadas. Pero es que esto ni siquiera era una crítica negativa, sino un relato muy somero de unos hechos. Y los medios de comunicación tenemos la obligación de contar los hechos, sobre todo cuando estos son raros y excepcionales. Como se explicaba en las Facultades de Periodismo: que «hombre muerde a perro» es más noticiable que «perro muerde a hombre». ¿Y quién ha mordido en esta historia? Pues, ni más ni menos que quien manda aquí, y en Rubí.

En festivales, es habitual que de un concierto se recorte una canción o un bis por falta de tiempo. Más excepcional es que se interrumpa un concierto durante una canción, dejando esta a la mitad. Y más marciano aún es que sea un cabeza de cartel el que se suba al escenario para decirle a otro artista que tiene que marcharse. Hace tiempo que hay quien dice que, entre declaraciones extravagantes y genialidad, la Mala es la Kanye West española. Quizá siente un precedente, y esta noche veamos a Lizzo subiéndose al show de Machine Gun Kelly en Mad Cool para decirle que vaya terminando para que la gente se desplace a su escenario a tiempo, pero de momento esto no es lo normal que acontece en un festival.

Hay algo de guasa en todo esto, y hay que quedarse con la parte positiva, la jocosa. Al fin y al cabo, ella misma presume de ser «LA MALA» en los Stories de Instagram, mientras se come un helado verde y nos pone ídem, en el mejor momento de toda la retahíla de los Stories. A posteriori hemos sabido -porque a posteriori ha publicado los mensajes en Twitter- que la Mala Rodríguez escribió a Jere a través de las redes sociales para disculparse. El equipo de La Mala tenía que madrugar y no podían asumir más retraso. Que ella decidiera subir por sí misma al escenario porque «así le podía conocer» (sic) es mi parte favorita de todo esto. «Me quedé un poquito descolocado», admite Jere. Ambos artistas acordaron colaborar, quizá, en el futuro. Todos saldremos ganando si pasa eso.

Por nuestra parte, obviamente seguiremos informando sobre la música y la carrera de Mala Rodríguez, cuando lo consideremos oportuno, pese a que ella nos ha pedido que no lo hagamos. Como hemos hecho siempre, entrevistándola en numerosas ocasiones, desde que señalamos ‘Lujo ibérico’ como uno de los mejores discos del siglo XXI, hasta que apoyamos su último disco ‘MALA’ con un 7,8 sobre 10. Quizá las revistas de moda funcionen de otra manera, pero no es el artista quien ha de decidir en qué medios musicales y de qué manera aparece. Ni tampoco debería dejar de conceder entrevistas a los medios que no le gustan. El Presidente del Gobierno acaba de comprobar en carne propia qué error tan grande ha sido dejar de ir a lo de Ana Rosa: ahora ha rectificado, y ha salido a hombros.

Hace poco, Mala Rodríguez realizaba unas declaraciones interesantes en Shangay, al tiempo que hablaba de un nuevo disco que está finiquitando, y en el que hay colaboraciones con tan buena pinta como la de Villano Antillano. A raíz de un tema que ha grabado con JC Reyes -el del desnudo inventado de Rosalía– para un proyecto de él, alerta: «Me la suda si me cancelan (por hacer un tema con JC Reyes), y además me parece un poco nazi esa actitud. Y la gente nazi también me da miedo, porque no tiene criterio y se suben a una ola sin pensar, todos a una… Nadie es perfecto, todos cometemos errores». Esperemos que no seamos nosotros sus únicos cancelados. Si esa es su decisión, la respetaremos, pero nosotros siempre estaremos aquí para escuchar lo que tenga que contarnos.

King Krule / Space Heavy

En la portada de ‘Space Heavy’, el cuarto disco de Archy Marshall como King Krule, un barco de vela navega a la deriva en un mar embravecido levemente iluminado por la luna, reflejando su figura en el agua. Es una imagen inquietante, melancólica y bella en su propia desolación, precisamente como la música a la que ilustra.

El artista londinense de 28 años escribió este álbum poco después de que naciera su primogénito, cuando estaba continuamente entre dos ciudades: Liverpool, donde su mujer y su hijo viven, y la capital británica donde él trabaja. De ahí viene el título del proyecto, de ese espacio que hay de un lugar a otro, refiriéndose principalmente al estado mental en el que se encontraba el artista, a ese sentimiento casi nómada de estar dividido entre dos sitios.

Como cualquier trabajo de King Krule, en ‘Space Heavy’ no encontraremos grandes dosis de optimismo, sino más bien divagaciones existencialistas envueltas en delicados pasajes jazzísticos y toques post-punk. La atmósfera que crea es tan densa que parece que uno tuviera que hacerse hueco con las manos entre una nube de humo para penetrar en ella. ‘Flimsier’ asienta con firmeza el tono general, hablando de una relación que no tiene futuro sobre unos psicodélicos acordes de guitarra eléctrica. La voz de Marshall, tímida y frágil, cargada de una angustia que nunca llega a explotar. En contraste, en ‘Pink Shell’, el breve corte punk que le sucede, canta en un registro más alto, casi gritado.

La preciosa ‘Seaforth’ cuenta con la melodía más pegadiza del proyecto y muestra la sensibilidad más pop del artista. Las canciones de King Krule casi siempre sorprenden conforme evolucionan, ofreciendo sonidos inesperados, construyendo mundos inhóspitos en los que paradójicamente quieres quedarte a vivir. Como en el final de ‘That Is My Life, That Is Yours’. Lo que parecía una sutil balada acústica culmina con un sorprendente saxofón. O en la progresión que va intensificando el dramatismo de ‘Empty Stomach Space Cadet’.

‘Hamburgerphobia’, situada en la mitad del proyecto, recoge una imagen que puede ser cómica (comerte una hamburguesa por la calle y que los pájaros te la quiten) y la transforma en una trágica reflexión existencialista autodestructiva ahogada en la tensísima y fantástica instrumentación (percusión frenética, ligeros toques de saxofón, una sombría melodía de guitarra acústica…) En la sugerente ‘Seagirl’, Marshall se junta por primera vez en un disco suyo con una voz que no es la propia, donde la dulzura de Raveena le acompaña con admirable química.

La música de King Krule siempre ha tenido un componente algo extraño: madura, exigente, nada complaciente. A Marshall no le interesan los ganchos fáciles ni busca que el oyente se sienta particularmente cómodo escuchándolo. Más bien parece estar continuamente retándonos, intentando encontrar nuevas formas de expresión artística, retorciendo su fórmula para no repetirse.

Si todo ‘Space Heavy’ refleja un estado de ánimo triste y amargo, en su último tramo esto se hace incluso más evidente. ‘When Vanishing’, una pieza prácticamente instrumental de violines y piano consigue erizar la piel con sus tonalidades casi fúnebres. ‘If Only It Was Warm’, que recuerda a Low, también muestra a un King Krule depresivo, repitiendo ciertas frases como un mantra (“Estoy tan decepcionado contigo”, “Si solo fuera calidez lo que tienes”) hasta lograr esa emoción genuina tan presente en todo el álbum.

‘Space Heavy’ retrata sentimientos desagradables y la fealdad del mundo desde una profunda belleza, una cruda y sin alardes. Es un proyecto denso y delicado, dotado de un universo sonoro repleto de preciosos matices en los que perderse.

Mad Cool se hace más paritario… y también triunfa

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En 2022 nos quejábamos de un Mad Cool que solo había invitado a hombres en su primera línea de cartel. En tiempos en que tanto se habla de paridad e igualdad, los nombres que encontrábamos en letras grandes en este gigante festival de Madrid eran los de Metallica, Twenty One Pilots, Placebo, Imagine Dragons, The Killers, Muse, Faith No More, Kings of Leon y Pixies.

El cambio editorial era drástico respecto al año en que apostaban por Taylor Swift y Billie Eilish, y lamentablemente no podíamos verlo por obra y gracia de la pandemia. Dejando de lado filias y fobias personales, el cambio de 2022 parecía un retroceso, más que una evolución, pues el cartel del año pasado implicaba que un porcentaje absolutamente escandaloso del presupuesto multimillonario de Mad Cool iría a bolsillos masculinos, y en concreto de hombres blancos, heterosexuales y cisgénero. Solo Dios Black Francis sabe cuánto cobra la nueva bajista de los Pixies, pero seguro que menos que en su momento Kim Deal.

Es justo reconocer que el festival que comienza hoy en Madrid, en un nuevo Espacio, es otro festival. Ahora no solo encontramos a rockeros como Queens of the Stone Age, Liam Gallagher y a Red Hot Chili Peppers, sino que también figuran en letras grandes Lizzo y M.I.A. (en sustitución de Janelle Monáe, que ha cancelado).

E igualmente hay que destacar la apuesta por artistas no binarixs, como Sam Smith, y ya en una segunda línea de cartel, varios artistas LGTB+. Nada menos que Sigur Rós y Years and Years comparten la segunda línea del cartel con gente como Franz Ferdinand. En cuanto a mujeres, también están por ahí Rina Sawayama y Ava Max, aunque esa segunda línea sí llegaba a incluir artistas femeninas el año pasado (Carly Rae Jepsen y St Vincent, por ejemplo).

En estos meses y a raíz de aquellas quejas que expresamos en la web y en redes, algunos promotores -no los de Mad Cool- me han expresado sus dificultades para contratar artistas femeninas para sus eventos. No todas las que a un promotor/a se le apetecen están de gira. Alguno ha expresado su frustración porque algunas firman exclusividad con otros festivales gigantes, que presumen de ser paritarios. Alguno me ha dado a entender que la contratación de grandes nombres femeninos se ha convertido en la guerra en aras de la paridad.

Es una buena noticia que al menos el debate esté sobre la mesa, frente a otros festivales, grandes y pequeños, que continúan apostando por una abrumadora mayoría masculina. Pero la mejor noticia que podemos tener es que Mad Cool también triunfará como festival paritario.

A veces parece que no es otro que el público el que inclina la balanza de manera aplastante en favor de los hombres. No hay más que recordar que Coldplay han llenado el mismo estadio de Barcelona que Beyoncé durante CUATRO días, mientras ella solo lo ha hecho UNO. En Primavera Sound 2022, Lorde convocó a mucho menos público que The Strokes, pese a aparecer en letras más grandes. El Anuario de la Música en Vivo editado por APM reportaba que de las 10 giras españolas más exitosas de 2022, tan solo 2 eran de mujeres, y ocupando los últimos lugares (Rosalía en el puesto 9, Aitana en el top 10).

Las bandas de pop y sobre todo de rock fidelizan más que las divas pop: tal lista estaba encabezada por Fito y los Fitipaldis. Su grupo fue el que más espectadores congregó en España en 2022, 329.820 asistentes, frente a los 147.924 de Rosalía. Así que es fácil aventurar que Metallica y los Red Hot Chili Peppers te venden más entradas para un festival que Lizzo, que además no tiene tal trayectoria. Pero este año Mad Cool ha arriesgado con otro tipo de cartel y también ha colgado el cartel de «abonos agotados». Puede presumir de haber agotado las entradas de sábado, y ya solo quedan tickets de jueves y de viernes. Parece, al menos para los que defendemos la diversidad, que vamos por el buen camino. Esperemos que dure.

Oddliquor se enamora y es correspondido en la extática ‘Mi Team!’

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El madrileño Oddliquor es uno de los talentos fundamentales de la electrónica nacional. También conocido por su trabajo junto a gente como Alba Reche y Ona Mafalda, tiene a punto un EP de 7 canciones llamado ‘BLINDAO’ del que ya han dado a conocer temas como ‘CURSIII’, que acaba de superar las 500.000 escuchas en Spotify.

Otro de los muchos adelantos del EP que sale mañana 7 de julio se llama ‘Mi Team!’ y es nuestra Canción del Día hoy.

Él mismo la introduce para fans y prensa: «Después de ‘CURSIII’, que habla de la toxicidad del amor cuando uno no ha trabajado en sí mismo, en ‘Mi Team!’ hablo en el momento en el que estás conectado contigo mismo y eres capaz de ver los puntos bonitos de una persona y viceversa, pero eres consciente del punto personal en el que te encuentras para tomar decisiones con madurez emocional”.

La letra de ‘Mi Team!’ no narra otra cosa que un crush, un amor a primera vista. «¿Cómo es posible que en menos de dos semanas ya se quiera a alguien? / Bueno, no sé si es querer, pero sí me lo pregunto».

Además, el sexo es pura complicidad, lo que lleva a ambos amantes a sentirse del mismo «team». «Me encanta que me folles cuando me estoy rayando / Y que acabemos a la vez cuando no podamos más». Esta celebración se corresponde con una producción menos oscura y mucho más extática que la de ‘CURSIII’, que sonaba más abrumada. Por no decir que esta es más orgásmica.

La sensación de trance popero elegante puede hacer pensar en nombres como Jamie xx y Caribou, aunque son los nombres de The Blaze, Enfant Sauvage o Fred Again.. los que aparecen reconocidos en la nota de prensa. El EP completo, a partir de esta medianoche.

Rayden cancela su despedida en Alcalá por el gobierno PP-VOX

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Recientemente, Rayden ha anunciado que se despide de los escenarios con un último disco, ‘La victoria imposible’, ya en el mercado, y con una gira de despedida. El artista tenía ideado despedirse definitivamente con un show en Alcalá de Henares, su ciudad de origen, que había negociado con el equipo municipal anterior.

Tras las elecciones del 28-M, PP y VOX gobiernan esta ciudad de Madrid de 200.000 habitantes. Debido a la deriva que los primeros gobiernos de PP y VOX están teniendo en cuanto a Cultura (películas de Disney eliminadas de programaciones, obras de teatro clásicas censuradas, etc), este concierto no va a tener lugar.

El artista indica que lamenta «profundamente las molestias que pueda ocasionar esta decisión». Continúa: «pero mi conciencia no me dejaría tranquilo si fuese de la misma mano que fomenta y rentabiliza el odio, que “manda a la basura” al colectivo LGTBI+, que vota en contra de la ley trans y que los ve, junto a la población inmigrante, como ciudadanos de tercera, desprovistos de los mismos derechos que el resto».

Según ha podido saber JENESAISPOP, había una fecha acordada y confirmada con el gobierno municipal anterior, de alcalde socialista, pero para los nuevos partidos estaba en el aire y no podían confirmar que pudiera llevarse a cabo. En sintonía con sus ideas, Rayden ha decidido darla por perdida, pues considera que la música y los conciertos han de ser en «salas libres de violencia machista y espacios donde el colectivo LGTBI+ se sintiera seguro» y considera que esto ya no va a ser posible.

Este es su comunicado completo:

«Siempre he entendido los conciertos como un punto de encuentro. Un lugar donde el público se reúne, junto a sus seres más queridos, con cantantes, grupos, músicos y todo su equipo técnico para rememorar y corear, por un par de horas, esas canciones que un día se escribieron. Un sitio donde la música es un diálogo en el que todas y todos nos sentimos un poquito menos solos y tenemos cabida en esta sociedad.

Durante todo mi periplo musical, he intentado hacer canciones que hablaran del respeto, de la autoestima, de la salud mental, de la reciprocidad, de la equidad, del feminismo, de la integración, de la inmigración, del amor (en todas sus formas), de la vulnerabilidad y he criticado cualquier estamento que atentara contra todo esto. Uno de los grandes hitos que he tenido, en este camino, ha sido tener un público que ha hecho suyas estas canciones hasta llenar y agotar recintos. Salas libres de violencia machista y espacios donde el colectivo LGTBI+ se sintiera seguro.

En marzo de este año, anuncié mi retirada de la música (en primera línea) tras mi último disco y una gira de conciertos que finalizaré en el mes de septiembre de 2024. En mi propia hoja de ruta había empezado a trabajar, conjuntamente con el anterior gobierno de Alcalá de Henares, para dar el último concierto de mi carrera en esta mi ciudad.

Con la llegada de la extrema derecha a las concejalías y, viendo con estupefacción, la censura y cancelación cultural con la que está siendo castigado el arte en localidades con la misma representación, me veo con el deber moral de cancelar mi actuación prevista para finales de agosto de 2024, siendo mi concierto, en el Wizink Center (agendando para el 2 de diciembre de 2023), mi último concierto en la comunidad de Madrid. Sin incluir festivales o fiestas grandes (ya que estaremos en algunos de los mejores de la comunidad).

Lamento profundamente las molestias que pueda ocasionar está decisión, pero mi conciencia no me dejaría tranquilo si fuese de la misma mano que fomenta y rentabiliza el odio, que “manda a la basura” al colectivo LGTBI+, que vota en contra de la ley trans y que los ve, junto a la población inmigrante, como ciudadanos de tercera, desprovistos de los mismos derechos que el resto».

Un fan le pide a Machine Gun Kelly que le dé un puñetazo: él cumple sus deseos

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«He venido desde México para que me des un puñetazo en la cara». Esto se podía leer en la pancarta de un fan en el concierto de Machine Gun Kelly en el festival Rock Werchter. El artista le preguntó por qué quería eso y la respuesta fue «porque te quiero».

Antes de decidir si cumplía los deseos del chaval, Machine Gun Kelly se lo pensó bien: «Tengo anillos puestos, tío. Te va a doler. No sé si hacerlo, es una situación con la que no voy a ganar nada». Y siguió con el concierto. Solo cuando bajó del escenario y se paseó cerca del público, fue cuando se volvió a acercar al fan con la pancarta. Después de leerla otra vez, le dio el puñetazo que tanto ansiaba mientras le gritaba: «¡Te quiero!».

El artista, que actuará hoy en el Mad Cool, también protagonizó ayer un momento bastante caótico en Madrid. Vía Instagram, Gun Kelly, avisó a todos sus fanáticos para que fueran a su hotel, donde pensaba darles una sorpresa: «No puedo aguantar hasta el festival, tengo muchas ganas de veros». Quiso tocar un par de canciones desde el balcón de su habitación, pero la policía española no se lo permitió porque sus fans habían colapsado una de las calles más grandes de la ciudad.

El PSOE, más indie aún: el gran cartel de su arranque de campaña

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La campaña electoral para las próximas elecciones del 23J comienza ya. El PSOE lo hace con el «Festi Arranque», un mitin en el que actuarán Depresión Sonora, La Paloma y Alba Morena. Tendrá lugar hoy, día 6, a las 17.30h en el Pabellón de Convenciones de la Casa de Campo, en Madrid, según ha informado la diputada por la Asamblea de Madrid Manuela Villa.

El evento, al que, por supuesto acudirá Pedro Sánchez, llega en un momento en el que el Presidente del Gobierno ha alabado mucho la música y cultura española. Por ejemplo, hace una semana se hacía pública la imagen del encuentro entre él y J de Los Planetas en la Moncloa. En Twitter, la gente ha bromeado con que más que un evento político, el «Festi Arranque» parece un perfecto festival indie.

Además de este concierto inusual, La Paloma actuará en el Bilbao BBK Live este sábado.

Madonna se recupera lentamente; su gira, en vilo

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Aunque parece que ya está fuera de peligro, Madonna sigue recuperándose de la infección bacteriana grave que sufrió el 24 de junio, según informaba la CNN. US Weekly informa ahora de que su recuperación será un proceso a medio plazo («work in progress») y que sabe que tiene que anteponer su salud a su carrera.

Por tanto, no da la impresión de que ‘The Celebration Tour’ vaya a comenzar pronto, y menos el 15 de julio (primera fecha en Canadá), como ya advertía su mánager desde que se conocía su ingreso. Pero ha generado cierta incertidumbre que la firma Vetements haya recordado justo ahora que vestirá a la artista en su gira.

Guram Gvasalia, director creativo de Vetements ha publicado una foto con Madonna (no se sabe cuándo fue tomada) en la que escribía: «¡Muchas gracias por los últimos meses, Madonna! Hemos trabajado muy estrechamente en el vestuario de tu gira, hemos unido nuestras visiones y creatividad en una gran CELEBRACIÓN. Diseñar tu ropa ha sido un honor y un privilegio. Verte trabajar, ver tu impulso y determinación es inspirador, ahora entiendo por qué eres quién eres. Eres una luchadora, un icono, ¡LA REINA!». Esto ha desconcertado a muchos fans, que desconocen aún cuándo comenzará el tour.

A esto se le suma el hecho de que el club de fans Império Madonna advirtió ayer de que los bailarines de la artista publicaron un story desde el hotel que está frente del Nassau Coliseum, donde se estaban haciendo los ensayos. En la publicación se leía: «Dios, ¡lo echo de menos!». Desde el equipo de Madonna, pidieron al club de fans que eliminasen esa información «por motivos contractuales».

En el comunicado que compartió su mánager, Guy Oseary, en Instagram quedaba claro que el primer concierto no será en la fecha inicial: «compartiremos nuevos detalles con vosotros tan pronto como sepamos, incluyendo la nueva fecha de inicio de la gira y el resto de nuevas fechas». Además, lo único que se sabe de la salud de la artista lo ha compartido su amiga Rosie O’Donnell: «Ella se encuentra bien».

Ghouljaboy / OH NO SYZYGY!

Entre los talentos actuales de lo inclasificable, Ghouljaboy. El proyecto de Jordi Arroyo ha dado prueba evidente de su versatilidad, no solo a través de colaboraciones tan dispares como las realizadas con Depresión Sonora o Marcelo Criminal, sino al asociarse lo mismo a la escena trap que al sad emo o lo que sea. También se ha declarado un enamorado de la literatura beat.

‘OH NO SYZYGY!’, editado por BMG, es el nuevo disco del jerezano. Y si «sizigia» es el término que se refiere a la alineación del Sol y la Luna con respecto a la Tierra, el título del álbum en negativo parece celebrar el caos, la «no alineación» en absoluto. «Me siento tan ambiguo» es una de las pocas frases claramente identificables en castellano, a lo largo del desarrollo del álbum, en este caso extraída del corte 1, ‘SUNSET BY YOUR WINDOW’.

Y eso es porque las composiciones de Ghouljaboy gustan de moverse, de ser «ambiguas». Si las letras nos hablan de «astros que chocan» en temas como ‘STAR COLLIDER’, los géneros «chocan» también de una canción a otra, o incluso dentro de la misma canción, bien esté esta dividida en partes… o no.

Por ejemplo, ‘HYDROCITY ANTHEM/STAR ALIGNER’ se compone de dos partes, una intro de indie pop más guitarrera y otra pululando entre el synth-pop y el trance. Pero es que ‘TORNADO!’ también podría ser ‘TORNADO 1’ y ‘TORNADO 2’, pues de un drum&bass aceleradísimo pasa a ser sensual y lenta, con una outro de psicodelia setentera.

Algunos de los referentes de Ghouljaboy están claros: la mezcla del disco es de Pat Jones (Toro y Moi) y la masterización, de Erik Thorsheim (boy pablo). Hay quien encontrará a Daft Punk (o a algunas de sus influencias de prog setentero) en ‘ADVENT FOR LACSAREL THE SYZYGY HERETIC’. Pero el mayor atractivo de una obra de Ghouljaboy continúa siendo qué aventura nos deparará un tema o un verso siguientes, sosteniéndose por sí mismas también algunas de las canciones, al margen de sus escarceos.

Además de ‘TORNADO!’, elevan el disco las muy dispares colaboraciones de Dent May (la veraniega ‘CONVICT LOVE HYDROCELL’) y la de Myd, con cierto espíritu de hip hop feliz (‘WANNA SAVE U!’ te gustará si te gusta Cupido). Y ya sin necesidad de featuring, la final ‘WHEN THE VOID TAKES ME PLEASE DON’T ME MAD’ es una galáctica huida hacia un «más allá», tan épica como los cierres de álbumes de indie rock noventero.

#STOPCENSURA: Artistas protestan contra la censura de PP y VOX

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Desde el primer acuerdo de gobierno entre Partido Popular y VOX, el de la Generalitat Valenciana, se empezó a entrever la predilección de VOX por las consejerías de Cultura, o por influir en ellas. En aquellos primeros días se contaban varias localidades en que la Cultura quedaba en manos de la ultraderecha. Finalmente han sido 25 las consejerías de Cultura en toda España que han caído en manos de VOX. De hecho Cultura y Educación son las áreas favoritas de VOX, sólo superadas por Familia y Asuntos Sociales (tienen 26 en toda España), como muestra este gráfico de El País.

Como consecuencia de estos acuerdos o del auge de la ultraderecha, se han sucedido varias noticias rocambolescas en toda España. Rocío Saiz era increpada por un policía de Murcia por exhibir sus pechos como parte de su performance en el Orgullo de la ciudad. La película ‘Lightyear’ ha sido retirada de la programación cinematográfica de un ciclo de un pueblo de Cantabria por contener un beso de dos mujeres. VOX ha vetado la obra ‘Orlando’ de Virginia Woolf en Valdemorillo, Madrid, alegando problemas presupuestarios.

El autor de una obra sobre la memoria histórica ha denunciado la censura del Ayuntamiento de Briviesca, Burgos. Para salvar la Seminci de Valladolid, pasará a depender de Turismo (PP) en lugar de Cultura, finalmente también en manos de VOX.

Ante esta circunstancia, son muchos los artistas que hoy comparten el hashtag #STOPCENSURA junto a un pantallazo de algunas de estas noticias y el siguiente texto: “Profesionales del mundo de la cultura denunciamos la censura que está atentando contra la libertad de expresión. Un derecho consolidado democráticamente en la Constitución. Exigimos protección de nuestros derechos porque sin CULTURA no hay democracia”.

Entre los artistas compartiendo el texto están el cineasta Juan Antonio Bayona, actores como Alba Flores, Hugo Silva, Asier Etxeandia y Natalia de Molina, cantantes como Rozalén, Rayden, Rodrigo Cuevas, Rocío Saiz, Leonor Watling, Juan Escribano y Laura Sam, o escritores como Bob Pop. Entre los grupos, aparecen Ladilla Rusa y Los Chikos del Maíz. Entre las instituciones o salas, el CCCB catalán, Razzmatazz o la Sala Apolo.

La Resistencia sorprende a Ozuna con la aparición de Eva Longoria

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A simple vista puede parecer que Ozuna y Eva Longoria jamás compartirían lugar, tiempo y una charla. Pues bien, ha ocurrido. Ozuna asistía como invitado a La Resistencia para, entre otras cosas, presentar su último single ‘Eva Longoria’ («Siempre está dura y se parece a Eva Longoria»). La actriz iba a asistir al programa con motivo de su película ‘Flamin’ Hot’, así que, uniendo estas coincidencias, Broncano le dio una sorpresa a Ozuna.

Tras el shock inicial, Ozuna definía a Eva Longoria como «una dura, es la madre». A ella le sorprendió que el cantante la conociese: «pero si yo soy viejita, no sé cómo él sabe quién soy». La actriz de ‘Mujeres Desesperadas’ reconoció que nunca había tenido sexo con una canción de Ozuna de fondo, cosa que Broncano dijo que sí había hecho.

Ambos respondieron las preguntas clásicas del programa: Ozuna tiene entre 100 y 120 millones (Top 3 de invitados más ricos que han ido al programa) y ha mantenido 30 veces relaciones sexuales en el último mes. Aunque Eva Longoria mencionó que tenía «muchos millones», no puede competir contra él en lo segundo: «Mucho menos que Ozuna, ¡estoy casada! No, gracias».

Durante el doble programa que fue La Resistencia, Ozuna adelantó un nuevo tema que saldrá en las próximas semanas con Saiko.

Olivia Rodrigo triunfa con ‘vampire’… ¿pero a quién está dedicada?

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Olivia Rodrigo estrenaba ‘vampire’ hace casi una semana y todavía es número 1 global en Spotify, como el día de su lanzamiento. Eso sí, el deseado regreso de la artista parece que se quedará con el top 2 en Reino Unido, y tendrá una entrada moderada en España, donde es número 65 ahora mismo.

Por otro lado, los rumores sobre a quién se refiere Rodrigo en ‘Vampire’ cuando habla de un «chupasangre» y «fame fucker» no han tardado en llegar.

Tras un primer señalamiento a los dos exnovios de la artista, Adam Faze y Zack Bia, Olivia Rodrigo ha asegurado que «no se trata de Adam Faze». Simplemente estaba «disgustada por cierta situación e hizo una canción sobre sentirse confusa y dolida», según ha informado NME. Tras esta aclaración, los rumores han cambiado de posible protagonista y han llegado hasta Taylor Swift.

Un usuario de Tik Tok publicaba un vídeo en el que explicaba: «es obvio que Rodrigo está tratando de que parezca que habla de un hombre, pero en realidad se refiere a Taylor Swift, porque ¿chupasangre? ¿fame fucker? Está hablando de Taylor Swift». El usuario explica que estos adjetivos podrían hacer referencia a cuando Olivia Rodrigo tuvo que mencionar en los créditos de su tema ‘Deja Vu’ a Taylor Swift como coautora. Pese a esto, la cantante de ‘drivers license’ siempre ha hablado de lo mucho que se inspira en Swift. El vídeo de la teoría que acumula 21 mil likes.

Y para rematar: ‘Vampires’ ha sido comparado con el tema ‘Selfish’ de Madison Beer. Ambas hablan del mismo desamor en sus canciones, y ambas comparten exnovio. Esta teoría ha contribuido a que el tema de Madison Beer haya tenido una subida de escuchas, cosa que la artista ha agradecido en Twitter: «Thank u miss olivia <3".

Bilbao BBK Live y Coca-Cola te invitan a elevarte este verano con Jon Batiste

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Clásicos como ‘Don’t worry, be happy’ o ‘I Will Survive’ han contribuido a hacer un mundo mejor. Uno en el que nos sintamos mejor con nosotros mismos. Ese ha sido el cometido de temas más recientes como ‘Beautiful’ de Christina Aguilera, ‘Born this Way’ de Lady Gaga o ‘Happy’ de Pharrell. Y ese parece también el objeto de ‘Be Who You Are’, el nuevo single de Jon Batiste, ganador del Grammy a Álbum del Año, entre otros, en 2022. El artista volverá este año y de momento ha entregado este aperitivo para COKE STUDIO, la plataforma musical de Coca-Cola, que este verano nos presenta jugosas novedades.

La primera es justo este tema de ritmo jamaicano. ‘Be Who You Are’ nos invita a querernos y a mimarnos, a desarrollar nuestras «propias alas» para volar, en compañía de artistas tan variados como NewJeans, J.I.D., Camilo o Cat Burns. Tan diferentes entre sí, se unen en pos de un mensaje común: celebrar la felicidad y la aceptación de quiénes somos, en compañía de nuestros amigos. «La música tiene una capacidad inigualable para elevar y conectar a las personas» es el lema para este verano de COKE STUDIO, según Javier Meza, Director de Marketing de Coca-Cola en Europa.

Y porque precisamente esto va de compartir cosas con otras personas, la segunda acción que destacamos de este verano es que COKE STUDIO se ha implicado en festivales como Bilbao BBK Live, que se celebra entre los días 6 y 8 de julio con cabezas de cartel tan apetecibles como Florence + the Machine, Arctic Monkeys o Pavement, y nombres tan suculentos como Fever Ray, Róisín Murphy o Röyksopp. En Kobetamendi se hará imprescindible una Coca-Cola bien fría, sola o en forma de tu combinado favorito, en una acción muy especial. Para festivales, Coca-Cola ha preparado un espacio donde la artista Be Fernández estará pintando los días previos un mural interactivo. Una obra de arte interactiva que permitirá a los participantes crear música al tocarlo y podrán llevarse un miniclip dinámico para compartirlo en sus redes sociales.

Pero habrá más sorpresas por parte de Coca-Cola y su plataforma musical COKE STUDIO. Tras el tema de Jon Batiste junto a NewJeans o J.I.D., habrá otros más de Imagine Dragons (Estados Unidos), Sam Smith (Reino Unido), Diljit Dosanjh (India/Canadá), Evdeki Saat (Turquía), Inner City Youth Orchestra of Los Angeles (Estados Unidos), Jessie Reyez (Estados Unidos), Shae Gill (Pakistán), Shreya Ghosal (India), XIN LIU (China) y Zack Tabudlo (Filipinas).

El colofón a todo esto en nuestro país será la nueva edición de Coca-Cola Music Experience, el festival de música y ocio de referencia entre el público joven. Aquel en el que el año pasado pudimos ver y entrevistar a Måneskin. La edición 2023 tendrá lugar los próximos 1 y 2 de septiembre en el Nuevo Espacio de Festivales de Madrid. Más de 30 nombres, 48 horas de música en directo y una ambiciosa oferta de experiencias sorpresa volverán a hacer de CCME un plan imprescindible. Están confirmados artistas de primer nivel como Quevedo, Yungblud, Maria Becerra, Lali, Nil Moliner, Maikel Delacalle, Saiko, La La Love You, Mae Muller, Vicco, Dylan, Luc Loren, Paula Koops, Charlie USG, Meler, Ters, Megara o Noan. En las próximas semanas se desvelará la identidad del resto de artistas del cartel.

Los envases de Coca-Cola en Europa serán un portal clave para desbloquear algunas de estas experiencias. A través de códigos QR escaneables, este verano los fans podrán acceder a la app de Coca-Cola, donde tendrán la oportunidad de ganar entradas para festivales y otros premios relacionados con la música.

Astrid S carga contra el típico fanfarrón: «¿tan pequeña la tienes?»

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Astrid S es responsable de hits como ‘Hurts so Good’, canciones tan apañadas como ‘Dance Dance Dance’, ha colaborado con Röyksopp y también ha publicado un disco llamado ‘Leave It Beautiful’. Ahora ha publicado un single nuevo, que os presentábamos entre las novedades de la semana en Ready for the Weekend.

Con ‘That Guy’, Astrid S inaugura una era que en redes ha llamado “no me lances mierda”. En inglés, “my don’t bullshit me era”. Y el propósito es claro atendiendo al lyric video de ‘That Guy’, nuestra Canción del Día hoy.

Astrid S ofrece aquí una de sus grabaciones más bailables, pese a que curiosamente uno de los elementos es una guitarra eléctrica en un punteo totalmente indie pop. Pero el tono es totalmente festivo -también podríamos calificarlo como desafiante-, pese a que la letra es reivindicativa y feminista.

‘That Guy’ carga contra el típico tío que no deja hablar a las mujeres, que no las escucha y que solo se dedica a fanfarronear. “¿Sabes lo que encuentro atractivo? Los tíos que recuerdan mi nombre”, comienza diciendo, para después burlarse de cómo él pide “champagne que no puede pagar” o habla de clichés. “¿Dios, tan pequeña la tienes? ¿Estás compensando que tus padres no te dieran suficiente atención?”.

En Instagram, Astrid S ha explicado que esta canción es sobre “un tipo de homo sapiens con el que desgraciadamente he tenido que interactuar demasiadas veces en los pasados años. Cuantos más conoces, más fácil es reconocerlos. Y no tengo más tiempo para ellos”.

Almodóvar defiende a Pedro Sánchez; Garó carga contra «la mierda izquierdista»

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En el mismo día en que Pedro Sánchez acudía al programa de Ana Rosa Quintana, obteniendo en este caso 100.000 espectadores más que Feijóo el día anterior, justo lo contrario de lo que sucedía en El Hormiguero; se viralizaba una columna de opinión de Pedro Almodóvar. Su texto para El Diario era una defensa del Presidente del Gobierno, pese a sus «errores y temas que no comparte», motivada por la amenaza de la llegada de la ultraderecha al poder el próximo 23-J.

Tras escuchar unas declaraciones de un concejal de Mérida de VOX que comparaba la bandera LGTB+ con «la bandera de los pedófilos», Almodóvar se preguntaba: «¿Nos estamos olvidando de nuestra lucha postfranco? ¿De que nos estamos viendo obligados a defender todos los derechos que con tanto esfuerzo nos costó conseguir en estos cuarenta años, tanto a los ciudadanos de derechas como de izquierdas?».

Almodóvar se siente «atrapado en una burbuja» en la que «nadie le va a oír»: «Da la sensación de que estamos viviendo bajo una maldición imposible de romper. Pero yo quiero creer que podemos cambiar el rumbo de esta maldición». Cree que si ganan las elecciones PP y VOX, a los que equipara, no vamos a retroceder 20 años, como dice Pedro Sánchez, sino 60: «La derecha cavernícola ha acabado vampirizando al PP. Yo creo que hemos retrocedido sesenta años o más».

El director del reciente ‘Extraña forma de vida‘ critica la entrevista de Alsina a Sánchez por su ferocidad, y también las respuestas de Feijóo en El Hormiguero. Y no por desconocer el precio del kilo de naranjas, sino por no distinguir la eutanasia de los cuidados paliativos, y por sus críticas a la ley trans. Almodóvar se extiende especialmente al hablar de la transexualidad: «La transexualidad es todo menos un capricho y lo que oímos por parte de toda la derecha acabaría convirtiendo la transexualidad en una maldición sin solución. Resulta tal perogrullada pensar que el transexual cambia de género como quien cambia de camisa, que es muy difícil prestarle oídos a semejantes afirmaciones con calma (“hombres” entrando en el cuarto de baño de mujeres). ¿Nos estamos acostumbrando a oírlas y simplemente poner cara de no dar crédito? Me niego a hacerlo». Entre muchos recuerdos a lo que sufre una persona trans durante su infancia, le recomienda a Feijóo que lea el libro de Alana S. Portero ‘La mala costumbre’.

En el otro lado de la moneda, el cómico Ángel Garó, muy popular a principios de los 90, también ha viralizado un vídeo en el que se reconoce «homosexual y de derechas». Como informa 20 Minutos, Garó dice a colación del Orgullo: «Me hace mucha gracia que se hagan los dueños del LGTBI, ¿verdad? Yo soy homosexual y soy de derechas. Sin embargo, veo la injusticia día a día porque leo, estudio. Me parece tremendo el socialcomunismo que estamos viviendo en estos momentos. Y, como estamos en democracia, yo digo lo que me sale del alma, igual que lo hacen los izquierdistas negacionistas de la historia, porque ahora Putin no es comunista, no, es amigo de Franco».

A continuación define a Podemos como «una manada de sinvergüenzas». El mismo día en que bajaba el paro hasta mínimos históricos de los últimos 15 años, Garó aparecía en redes indicando que este gobierno nos lleva «a la ruina»: «Repito, yo soy homosexual, y a mucha honra, pero yo voto a lo que hay que votar. Tengan cojones y voten lo que es bueno y déjense de tanta mierda izquierdista y comunista que nos va lleva a la ruina. Qué bonita es Venezuela».

The Jesus and Mary Chain, también en Barcelona

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The Jesus and Mary Chain están entre los confirmados de Primavera Weekender. Se trata del pequeño «Primavera Sound» que se celebra en un complejo turístico tipo ATP, cada otoño en Benidorm. Por allí también estarán Blonde Redhead, Alan de Low, Biig Piig, Renaldo & Clara y un largo etcétera. JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador del evento.

Sin embargo, The Jesus & Mary Chain han informado de que el mismo fin de semana estarán también en Barcelona, en concreto en la Sala Apolo. Será el 17 de noviembre y las entradas ya están a la venta en DICE a un precio de 36 € más gastos de distribución.

Será ocasión de ver un nuevo concierto de los que fueran representantes del noise pop de los 80. Gracias a discos como ‘Psychocandy’ y temas como ‘Just Like Honey’ o ‘Darklands’ se convirtieron en uno de los grupos más influyentes del rock de aquella década, marcando el camino de gente como The Raveonettes, A Place to Bury Strangers o The Pains of Being Pure at Heart.

Vuelve el mejor Wes Anderson con ‘Asteroid City’

Parodiado, homenajeado e imitado hasta la saciedad, el estilo de Wes Anderson es inconfundible: planos simétricos, una juguetona paleta de colores pastel, cierto estatismo en la forma en la que sus personajes navegan por la pantalla, un humor aparentemente naíf…

Aunque por mucho que sus formas seas tan reconocibles y fáciles de reproducir, en realidad un auténtico plano de Wes Anderson no lo puede hacer nadie más que Wes Anderson. Se ha debatido muy a menudo en los últimos años si su cine se ha convertido simplemente en una exposición formal vacía de contenido. ‘Asteroid City’ responde con rotundidad a ese argumento: absolutamente no.

La nueva película del director texano, rodada en Chinchón (si bien podría ser literalmente cualquier lugar del mundo), es una perfecta síntesis de todo lo que hace un cineasta mayor. Bajo su ligero y despreocupado envoltorio subyace una importante necesidad de plasmar las preocupaciones de nuestro tiempo. Anderson propone un juego meta-narrativo con el espectador, mostrando que la teatralidad de su cine es siempre compatible con una propuesta profundamente cinematográfica.

El filme, ambientado en los años 50, presenta a un grupo de personajes que se reúnen en Asteroid City, una diminuta población que cuenta con poco más de 80 habitantes, donde se celebra una convención de astronomía para niños prodigio. El concurso se verá interrumpido por hechos insólitos en la historia de la humanidad.

El guión de Anderson, engalanado con piruetas narrativas y dividido en actos y escenas, explora el dolor de la pérdida de un ser querido, el amor en diferentes etapas vitales y la incertidumbre de un mundo cambiante (preciosa manera de abordar la pandemia y sus estragos). La ansiedad de sus personajes adultos, atrapados en una existencia anodina y sin propósito, choca con las rebosantes ganas de vivir y descubrir de los más jóvenes. En ‘Asteroid City’, el simpático humor absurdo de Anderson se vuelve más amargo que nunca. Es su película más triste y, sin embargo, verla es puro disfrute.

En su prodigioso apartado visual (con la cámara buscando la composición perfecta en sus meticulosos paneos, el trabajo deslumbrante de iluminación, la extraordinaria dirección artística, etc.) no hay ningún plano que no esté al servicio de la narración. El cine de Anderson depende de manera evidente de sus formas, pero estas imágenes no funcionarían si no hubiese detrás un realizador humanista, enamorado de su universo y sus personajes. Rodeado, como siempre, de un reparto estelar (Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Tilda Swinton, Tom Hanks, Adrien Brody, Margot Robbie, etc.), el cineasta logra sacar lo mejor de sus intérpretes, convirtiéndolos en piezas irremplazables de su casa de muñecas.

‘Asteroid City’ funciona como cine de evasión y como una inquietante alegoría de tiempos inciertos. Es, en definitiva, una triunfante y melancólica exaltación de lo mejor de Wes Anderson.

Adele dice que «matará» a quien le tire algo al escenario

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Lil Nas X, Bebe Rexha, Kelsey Ballerina y Pink han sido las últimas víctimas de la fiebre de «lanzamiento de regalos al artista». Estos incidentes (a veces graciosos, a veces peligrosos) han hecho que mucha gente se esté replanteando el riesgo de esta forma de relacionarse en los conciertos.

Para curarse en salud, Adele no ha dejado lugar al diálogo sobre este tema. En su último concierto, con lanzador de camisetas en mano (parece más bien un lanzallamas), ha dicho alto y claro: «Os reto, joder. Atreveos a tirarme algo a mí y os mataré». Oído, Adele.

Acto seguido, lanzaba la camiseta al público mientras gritaba: «¡Dejad de tirar cosas a los artistas!». Al darse cuenta de la incoherencia de su gesto y sus palabras, le ha dado la risa. Aunque ha sido cómico, no ha dejado de poner palabras al momento que se está viviendo en los conciertos: «Parece que a la gente se le está olvidado cómo coño hay que comportarse en los shows».

Vestida de Schiaparelli y muy elegante, la cantante ha terminado su discurso reivindicativo, lanza camisetas en mano, diciendo: «¿Habéis visto a esa gente que tira cosas? Se les ha ido la pinza completamente, ¿os lo podéis imaginar». El momento ha sido gracioso, cuando menos.

Arde Bogotá agotan 3 Rivieras en 4 horas

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Monica Figueras

Arde Bogotá han agotado en 4 horas las entradas para verles en La Riviera durante 3 días consecutivos: del jueves 9 de noviembre al 11 de noviembre. Presentarán su segundo disco publicado el pasado mes de mayo. Tres fechas con entradas agotadas en la Sala La Riviera de Madrid, dentro de la Gira Cowboys de la A3 de 2023.

Arde Bogotá señala: «La noche que la banda tocó en La Riviera por primera vez fue un sueño, por lo especial que es el lugar y por la entrega tan singular del público aquel día. Gracias al impagable apoyo de la gente, en noviembre ese sueño se repetirá tres veces».

COWBOYS DE LA A3‘ es un trabajo producido y mezclado por Lalo GV, que ya les acompañó a los mandos en su primer trabajo (‘La Noche’). Destaca, de este último disco, el cuidado del universo estético y artístico, cargado de simbolismos. Como afirman Antonio, Dani, Jota y Pepe: «Se trata de un disco sobre lo que nos ha pasado componiendo un disco…» Por ello, cada canción de este álbum representa un viaje a alguna parte: viajes de huida, hacia la fiesta, al pasado, al olvido, a la venganza, al sexo… El disco ha entrado en la lista de ventas en España, sin caerse el enlistamiento de su disco anterior.

Grian Chatten / Chaos for the Fly

En un mundo dominado por los solistas y los obligados featurings, Fontaines DC es uno de los poquísimos grupos interesantes que se ha hecho un nombre durante la pandemia. Cualquier melómano puede identificar su poético sentido del post-punk, en gran parte gracias a la grave y afectada voz de Grian Chatten. ¿Por qué el artista ha tenido la necesidad de publicar un disco en solitario tan pronto? La explicación es sencilla y convincente: como banda todos tienen claro hacia dónde quieren ir Fontaines DC -eso lo veremos en el futuro-, y por otro lado, lo cierto es que Grian tenía un grupo de canciones que no encajaban en esa dirección.

‘Chaos for the Fly’ es un disco que ha surgido de las giras, de una revelación en un casino decadente a 40 kilómetros de Dublín, e incluso de una larga estancia en España, tanto en Madrid como en Jerez de la Frontera. El artista se negaba a llevar las sonoridades que le estaban viniendo a la cabeza hacia los territorios post-punk. En este caso le han inspirado mucho más cantautores como Nick Drake y Leonard Cohen.

La idea de que «lo que es normal para una araña, puede ser un caos para una mosca» da título a un álbum que habla sobre depresión, adicción y muerte, siempre de una manera abierta, sin dar demasiado detalle sobre la inspiración concreta. Por ejemplo, solo las entrevistas revelan que ‘East Coast Bed’ se debe al fallecimiento de una mujer que cuidó de Grian de pequeño. Esa «cama» es la que le dio cuando sus padres no podían estar, pero también su lecho de muerte.

El single ‘Fairlies’ concluye que «cuando el diablo se lleva tu alma, no le importa si te derriban como a un perro o mueres en unas escaleras». La canción se pregunta «cómo puede la vida ir tan despacio y la muerte llegar tan deprisa». ‘The Score’ es un tema sobre la lujuria que decide sonar oscuro. Todo lo contrario que ‘Bob’s Casino’, un relato sobre alguien que bebe hasta morir que decide sonar festivo, casi easy-listening. De estos contrastes es que surgen muchas grandes canciones y en este álbum Grian Chatten no ha querido limitarse a sonar como un cantautor apesadumbrado y trágico, digamos en la estela de Nick Drake.

El oyente agradecerá la diversidad de arreglos, las ideas de producción de Dan Carey y la ligereza que aportan sobre todo las trompetas. Aunque por otro lado, ‘Chaos for the Fly’ no termina de ofrecer un discurso propio de su autor cuando las influencias son tan dispares como Bob Dylan (‘I Am So Far’) y Almodóvar (atención a la entrevista que publicaremos con Grian Chatten estos días). La canción de la que está más orgulloso en esta era, ‘All of the People’, pasaría por composición inacabada de Adele.

Un pequeño peldaño por debajo, por tanto, de la grandeza de Fontaines DC, ‘Chaos for the Fly’ sí pone sobre la mesa lo confortable que está este gran vocalista en territorios muy diferentes, en este caso más folkies: uno de los mejores temas es el acústico ‘Salt Throwers off a Truck’, un vistazo en este caso a un Nueva York nevado, aunque te parezca mentira.

Todos estos viajes pueden recordar a los escarceos que ha tenido Alex Turner fuera de Arctic Monkeys (con y sin The Last Shadow Puppets) y que finalmente, a largo plazo, han terminado de ser decisivos en el discurso de su banda principal. Gracias a discos como «Hotel Casino» y ‘The Car‘, AM son una banda más rica, y ahora Fontaines DC tienen pinta de serlo también en el futuro.