Axl Rose, vocalista de Guns N’ Roses, ha sido denunciado por violación tras la acusación de haber agredido sexualmente a la modelo y actriz Sheila Kennedy. Los hechos habrían ocurrido en la habitación de un hotel en 1989, según ha podido saber Rolling Stone.
Sheila Kennedy, en una demanda presentada este miércoles en la Corte Suprema de Nueva York, alega que Axl Rose abusó de ella sexualmente la noche que se conocieron, cuando ella tenía 26 años. Según la denuncia, ambos se vieron por primera vez en un club nocturno, justo el día en que la habría violado más tarde en una habitación de hotel.
Sheila Kennedy ha afirmado en la demanda que un amigo la había invitado a dicho club para conocer a la banda, según detalla Rolling Stone. Más tarde, Axl Rose invitaría a Kennedy a una fiesta organizada en una de las habitaciones del hotel. Allí, cuando Kennedy fue al baño, Rose supuestamente estaría esperando fuera de la puerta y, cuando la modelo salió, la «empujó contra la pared y la besó».
«Kennedy encontró atractiva a Rose y no le importó este encuentro. Ella estaba dispuesta a acostarse con él si las cosas progresaban», dice la demanda. Sin embargo, ella cuenta que no dio su consentimiento para el supuesto encuentro sexual con Rose que ocurriría esa misma noche.
Luego, según relata la demanda, Rose tendría relaciones sexuales con otra modelo, e incluso llegaría a proponer sexo en grupo. Más tarde se pelearía con la otra modelo, a la que llamaría «puta de mierda», para después encontrarse con Kennedy y agarrarla de malos modos hasta violarla.
Esta no es la primera vez que Sheila Kennedy comparte los detalles sobre su supuesta experiencia con Axl Rose, escribiendo sobre ello en su autobiografía de 2016, ‘No One’s Pet’. Axl Rose, quien ha sido acusado de abuso doméstico y sexual varias veces en el pasado, ha negado tales acusaciones.
Sound Isidro cumple sus primeros 10 años y, para celebrar el aniversario de su décima edición, ha presentado un cartel con más de 30 nombres entre los que destacan Cecilio G, Hofe x 4:40 y rusowsky.
La edición se llevará a cabo en casi una veintena de salas del circuito madrileño de música en directo entre los meses de abril y junio de 2024. Entre los artistas confirmados también se encuentran Mushkaa, Finale, Nerve Agent, John Pollõn, Zuaraz, sistema de entretenimiento, Atención Tsunami, The Change, El Bobo de las 3000 o Ferran Palau.
El festival ha anunciado que estos 30 artistas no serán los únicos que se suban a los escenarios del Sound Isidro 2024, pues hay nombres que todavía no se han revelado. De momento, ya es posible comprar las entradas para quienes sí han sido anunciados.
Viernes 5 de abril: Mushkaa @ Shoko [entradas]
Viernes 5 de abril: Carmen Xía @ Café La Palma [entradas]
Sábado 6 de abril: Zuaraz @ Sala Villanos [entradas]
Sábado 6 de abril: Marala @ Clamores [entradas]
Lunes 8 de abril: Folly Group @ Maravillas Club [entradas]
Martes 9 de abril: Courting @ Maravillas Club [entradas]
Viernes 12 de abril: Mundo Prestigio @ Siroco [entradas]
Viernes 12 de abril: Hofe x 4:40 + Mirua @ El Sol [entradas]
Martes 16 de abril: Francis of Delirium @ Maravillas Club [entradas]
Viernes 19 de abril: Cecilio G @ Shoko [entradas]
Viernes 19 de abril: Casapalma @ Cadavra [entradas]
Sábado 20 de abril: airu @ Sala Vesta [entradas]
Jueves 25 de abril: Xina Mora @ Clamores [entradas]
Viernes 26 de abril: Nerve Agent @ BUT [entradas]
Viernes 26 de abril: Atención Tsunami @ El Sol [entradas]
Sábado 4 de mayo: Dellachaouen @ El Sótano [entradas]
Jueves 9 de mayo: Júlia Colom @ Clamores [entradas]
Viernes 10 de mayo: rusowsky @ La Riviera [entradas]
Viernes 10 de mayo: The Change @ The Bassement [entradas]
Sábado 11 de mayo: Quentin Gas & Los Zíngaros @ Siroco [entradas]
Jueves 16 de mayo: sistema de entretenimiento @ El Sol [entradas]
Viernes 17 de mayo: John Pollõn @ Shoko [entradas]
Viernes 17 de mayo: Bulego @ Hangar 48 [entradas]
Sábado 18 de mayo: Prison Affair + Finale @ BUT [entradas]
Sábado 18 de mayo: Playback Maracas @ Clamores [entradas]
Viernes 31 de mayo: kindapatri @ Clamores [entradas]
Viernes 31 de mayo: El Bobo de las 3000 @ El Sol [entradas]
Viernes 14 de junio: Ferran Palau @ Sala Villanos [entradas]
‘La novia’ fue una de las sensaciones españolas de 2015. La película de Paula Ortiz llegó en un momento en el que el cine español se encontraba algo estancado de ideas. Su adaptación de ‘Bodas de sangre’ de Federico García Lorca, que proponía una vistosa puesta en escena, no tardó en llamar la atención y en despertar pasiones entre cierto sector de la cinefilia española. A esas pasiones, como siempre sucede, también se le unieron fervientes detractores, que alegaban que no había demasiado que rascar detrás de su grandilocuente envoltorio.
El siguiente proyecto de la directora se ha hecho esperar. Recientemente en cartelera pudo verse una película británica que rodó por encargo y que se estrenó en festivales el año pasado llamada ‘Al otro lado del río y entre los árboles’. En cambio, ‘Teresa’, su cuarta película, es mucho más personal y la que sigue la senda que dejó ‘La novia’. Adaptando esta vez una obra de Juan Mayorga, la película muestra una lucha dialéctica entre Santa Teresa de Jesús y el Inquisidor, interpretados por Blanca Portillo (Greta Fernández en su versión joven) y Asier Etxeandía.
Ortiz sigue insistiendo en un cine presuntuoso, con cámaras lentas, símbolos y voces en off, solo que esta vez, al servicio de un guion más endeble que en la película que la puso en el mapa. Todas esas imágenes preciosistas y sinuosas de mujeres levitando por las praderas y personajes atrapados en la grandiosa arquitectura de un monasterio nos recuerdan lo valioso que es el cine de Terrence Malick y lo difícil que es de imitar.
En ‘Teresa’ todo suena impostado, y no únicamente en su pretenciosa propuesta visual. También en un texto extremadamente teatral que no ha sabido adaptarse a la gran pantalla. En la película de Paula Ortiz co-existen dos universos que nunca llegan a complementarse ni a converger: lo visual y lo textual. No hay fluidez narrativa, sino una contaste sensación de letargo. Ni la situación está expuesta de manera atractiva, ni los personajes generan el más mínimo interés. El conflicto de Santa Teresa queda constantemente diluido por el ímpetu de la cineasta en ser ella misma la protagonista de su película, en que se note que ella está detrás de cada plano, de cada movimiento de cámara.
Las interpretaciones, que deberían ser el punto fuerte de la historia, también quedan relegadas a un segundo plano, ya que no se sustentan en nada que funcione. Blanca Portillo intenta darle enjundia a su personaje y plasmar su dolor, pero el guion la sabotea continuamente, haciéndola enunciar discursos feministas que jamás hubieran salido de la boca de una mujer del siglo XVI y que no son más que una forma muy poco elegante de sobreexplicar la importancia histórica de Santa Teresa. Por otro lado, Etxeandía cae de lleno en la sobreactuación con un personaje que ni él mismo parece comprender.
Las ambiciones de Ortiz por hacer una obra importante le juegan una mala pasada en esta ocasión. La película, que fusila la fórmula de ‘La novia’, necesitaba ser mucho más que un ejercicio estético; necesitaba, sobre todo, un objetivo.
Marina Herlop es una de las grandes curiosidades salidas desde Cataluña o España en los últimos tiempos. Músico formada en conservatorio, Marina Hernández López se da a conocer con dos álbumes ambientales y, en el tercero, abraza la electrónica cantando en un idioma inventado. Los puzzles sonoros de ‘Pripyat’ (2022) reciben elogios de medios internacionales como Pitchfork y Björk pincha una de sus canciones, ‘abans abans’, en una sesión.
La proyección de Herlop es internacional desde que el sello berlinés PAN edita ‘Pripyat’, y sus giras son globales. Hoy colabora lo mismo con Clara Peya que con Loraine James que con Iglooghost. ‘Nekkuja’, su nuevo disco, ha salido haciendo poco ruido, pero confirmando la singularidad de su visión.
‘Nekkuja’ parte del sonido del disco anterior, pero abraza un concepto vinculado a la naturaleza. Poco antes del lanzamiento de ‘Pripyat’, Herlop se sienta insegura sobre el devenir de su carrera. Para serenarse, Marina se tumba en el suelo de su balcón, cierra los ojos y se imagina a sí misma regando las plantas de su jardín. Sin darse cuenta las primeras semillas de ‘Nekkuja’ se plantan en su imaginación.
Las bases del sonido de Herlop que tan fascinados nos dejó con ‘Pripyat’ -y a cualquiera que la haya visto en directo- siguen presentes en ‘Nekkuja’. Las (auto)armonías vocales salen proyectadas como un chorro de luz, dibujando ángulos rectos, y recordando a las de los Dirty Projectors de ‘Bitte Orca’. La música, sin embargo, sale disparada hacia mil direcciones. Marina crea su propia orden dentro del caos. O su propio caos dentro del orden.
En el laberinto sonoro de ‘Nekkuja’ las referencias a la naturaleza son constantes. ‘Busa’ abre el disco deslizándose en un glissando de arpa, pero cuando los beats electrónicos entran en acción, lo hacen atacando y dejando una sensación de peligro. Sin embargo, la voz de Marina alivia la tensión cantando la melodía “damunt de tú només les florS” (“encima de ti solo las flores”), la cual recupera en ‘Babel’, la pista final. El disco vuelve a su punto de origen.
Las referencias naturales en ‘Nekkuja’ son constantes y aportan equilibrio a un disco que resulta deliberadamente desconcertante. En el rompecabezas jazz-funk de ‘Cosset’ Herlop sostiene “un trozo de luz” en sus manos mientras la base rítmica se entrega a la hiperactividad. En ‘Karada’, Herlop canta a la tierra acompañada del sonido de los pájaros y del punteo de un arpa. Y ‘La Alhambra’ puede ser la producción de Marina Herlop más ambiciosa hasta la fecha. Y la canción señera de este disco.
Por un lado, ‘La Alhambra’ es una canción interpretada desde el punto de vista de unos árboles a los que los “ojos les queman” y que están “cansados de los humanos”. Por otro, las baterías jazz y polifonías vocales típicas de Marina Herlop dan paso a una segunda parte más dramática y solemne donde las voces agudas de Marina le guían en el camino como si fueran el quejido de esos mismos árboles. Al final, un acorde de guitarra eléctrica sume la pieza en la melancolía.
‘La Alhambra’ también representa un elemento de ‘Nekkuja’ que no hemos mencionado: su visión global. Aún utilizando un idioma inventado, ‘Busa’ transmite ecos del gagaku japonés, ‘Reina Mora’ pasa del frenesí total a un piano de ecos etíopes (parece un remix de una pieza de Emahoy Tsegué‑Maryam Guèbrou) y ‘Babel’, aunque melódicamente vuelve al principio del disco, incorpora el sonido de unas cuerdas que no pueden sonar más italianas, más mediterráneas. En la fotosíntesis de Marina Herlop cabe todo.
En 2021, Björn Ulvaeus de ABBA, y el actor británico Ian McKellen, protagonizaron un curioso gag en el que tejían juntos ropa navideña, como gorros o jerséis. En 2022, Björn y Ian volvieron a sentarse juntos en el sofá para tejer y felicitar las fiestas a sus seguidores.
A punto de convertirse en una tradición navideña, como la canción de Mariah Carey, Björn y Ian se han vuelto a reunir en 2023. Y esta vez, han recibido una inesperada llamada, la de Kylie Minogue.
Kylie llama a Björn para pedirle un favor. «Estoy en Las Vegas, es Navidad… ¿Podrías improvisar algo para la banda, los bailarines y para mí? Lo que has estado haciendo últimamente es increíble». Björn contesta a Kylie que no puede hablar y promete que le llamará más tarde.
En redes, ABBA ha anunciado que «un pedido especial ha llegado este año para nuestro famoso dúo de tejedores. ¿Quién le diría que no a Kylie Minogue?» Ni Kylie ni ABBA confirman el motivo exacto de esta colaboración navideña. En el vídeo, Björn explica a Ian que Kylie le ha llamado para «hacer algo para el estreno de su show en Las Vegas», a pesar de que el show se inauguró hace semanas. Björn anuncia que viajará a Las Vegas para ayudar a Kylie y pide a Ian que le acompañe, y este acepta encantado.
Por supuesto, Kylie Minogue tiene su historia con ABBA, pues en el año 2000 cantó ‘Dancing Queen’ durante la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos en Sídney. En 2009, Kylie apareció como artista invitada en el concierto tributo a ABBA celebrado en Londres, y cantó ‘When All is Said and Done’ de ABBA acompañada de Benny Andersson. Además, existe una foto de Kylie y Anni-Frid Lyngstad juntas y cogidas de la mano, pues ambas se conocieron hace años.
‘Voyage‘, el último álbum de estudio de ABBA, vio la luz en 2021, 40 años después del último. ‘Voyage’ contenía un tema navideño, ‘Little Things’, que era lanzado como single en diciembre de ese año. En mayo de 2022 se estrenaba el espectacular concierto de ABBA protagonizado por avatares digitales.
Girls Aloud ha anunciado gira de reunión. ‘The Girls Aloud Show’ abrirá el 18 de mayo en Dublín y cerrará el 29 de junio en Liverpool. Las fechas confirmadas abarcan únicamente Reino Unido e Irlanda (Glastonbury, que se celebra del 26 al 30 de junio, encajaría por agenda). Las entradas para la gira de Girls Aloud se ponen a la venta el 1 de diciembre.
Girls Aloud es ahora el cuarteto formado por Cheryl Tweedy, Nadine Coyle, Kimberley Walsh y Nicola Roberts. Sarah Harding falleció en 2021 a consecuencia de un cáncer de mama.
En nota de prensa, Girls Aloud ha explicado que su vuelta a los escenarios se habló mucho antes de que Harding enfermara, pero que, una vez Harding recibió su diagnóstico, «nuestras prioridades cambiaron». Cuando Harding falleció, al grupo naturalmente le pareció «demasiado pronto» para reunirse. 2022 fue el año que marcó realmente el 20º aniversario de Girls Aloud.
Girls Aloud anunció parón indefinido en 2013, una vez finalizada su gira de éxitos ‘Ten’. El último álbum de estudio oficial de Girls Aloud, ‘Out of Control’, data de 2008. Por separado, sus integrantes han emprendido proyectos musicales: especialmente reivindicable era el disco de Nicola Roberts.
Acorde con UK Official Charts, Girls Aloud «no ha grabado» nuevo disco, pero el portal ni confirma ni desmiente que vaya a salir, al menos, un nuevo single. Se limita a informar de que el grupo «no ha anunciado nuevo material».
Sat 18 May – 3Arena Dublin
Mon 20 May – SSE Arena Belfast
Thurs 23 May – Manchester AO Arena
Fri 24 May – Manchester AO Arena
Mon 27 May – Cardiff Utilita Arena
Fri 31 May – Newcastle Utilita Arena
Sat 1 Jun – Newcastle Utilita Arena
Tues 4 Jun – Aberdeen P&J Live
Sat 8 Jun – Glasgow OVO Hydro
Weds 12 Jun – Nottingham Motorpoint Arena
Sat 15 Jun – Leeds First Direct Arena
Tues 18 Jun – Birmingham Resorts World Arena
Sat 22 Jun – London The O2
Sun 23 Jun – London The O2
Sat 29 Jun – Liverpool M&S Bank Arena
Christina Rosenvinge publicará nuevo disco el 15 de diciembre, ‘Los versos sáficos’. Rosenvinge, que, en los últimos tiempos, ha protagonizado la obra de teatro ‘SAFO’, basada en la vida de Safo de Lesbos, la conocida poetisa griega, continuará explorando al personaje en este nuevo trabajo, el primero que firma en un lustro.
El primer avance de ‘Los versos sáficos’ es ‘Poema de la pasión’, una adaptación del poema 31 de SAFO, que habla sobre el deseo sexual femenino y, en palabras de Rosenvinge, fue «todo un hit en la antigüedad».
En ‘Poema de la pasión’, las guitarras eléctricas que ya estaban presentes en ‘Un hombre rubio‘ (2018) no se van a ningún lado, pero, esta vez, se rinden a la distorsión, como Rosenvinge al deseo cuando canta «siento que muero de amor» y la grabación se electrifica.
“El poema 31 de SAFO es probablemente la primera canción de la historia donde se habla de los síntomas físicos que produce el deseo sexual», cuenta Rosenvinge en la nota de prensa oficial. «Fue todo un hit en la antigüedad, se transmitió boca a boca y se versionó por reyes y poetas. Safo era una estrella pop en el siglo VII A.C , pero posteriormente su obra se censuró y enterró por ser demasiado explícita sobre su sexualidad líquida. La hice originalmente para la obra de teatro SAFO presentada en el Festival de Mérida, pero esta versión es totalmente distinta a la que se interpretaba en la obra. La grabamos una vez acabada la gira como una canción pop que se podría haber escrito ahora mismo».
Christina Rosenvinge estará presentando su nuevo disco este invierno: este sábado 25 de noviembre estará en L’Hospitalet de Llobregat (Festival Acròbates), y el 10 de enero llegará al INVERFEST de Madrid.
Vuelve a no ser especialmente abultado el calendario de lanzamientos discográficos de hoy 24 de noviembre, viernes de Black Friday. Sí salen nuevos discos de Tulsa (ya reseñamos ‘Amadora‘ en portada), Take That (les entrevistamos), Spector, Guided by Voices, Busta Rhymes, Stella Maris, Musgö o Muchachito Bombo Infierno.
La cosecha es mayor en materia de singles. Ya puedes escuchar en nuestra playlist «Ready for the Weekend» nuevos temas de Christina Rosenvinge, Kali Uchis con Karol G, Viva Suecia con Valeria Castro, Queralt Lahoz, Zara Larsson, Blanca Paloma, Galantis, Marc Seguí, Paloma Faith, bb trickz, Danny Ocean, Tu Otra Bonita con Bebe, Winona Oak…
El single destacado de la semana no ha sido otro que ‘Oral‘ de Björk y Rosalía, publicado en el día de cumpleaños de la islandesa. Por otro lado, en portada hemos estrenado el nuevo single de BRAVA y su loco vídeo.
Algunas de las curiosidades que deja el día de lanzamientos de hoy son la versión de ABBA por The Japanese House, la versión de Pet Shop Boys por Sleaford Mods, el nuevo single de Diplo que samplea a Tove Lo a saco, o el nuevo tema navideño de Abraham Mateo.
Más novedades de hoy son las que presentan Santa Salut, Emily Burns, Oliver Heldens, Chill Mafia Records, Suerte Campeón, Besmaya con Yarea, Gucci Mane, Rels B, Eyedress, María Blaya y más.
Es una de las mayores canciones del año y todavía no había sido interpretada en directo… hasta ahora. Miley Cyrus ha sorprendido con su primera actuación en directo de ‘Flowers’, el gran hit de su reciente disco ‘Endless Summer Vacation’.
La artista, que lleva ignorando las galas de premios o los festivales durante todo el año, posiblemente por su desprecio a los macroconciertos, ha ofrecido una actuación intimista de la canción en un evento privado en Los Angeles, donde pocos fueron los afortunados de disfrutarla.
Miley Cyrus interactuó con el público y agregó pequeños cambios a la letra del tema, como “Match the roses that you left… now they’re dead!” o “Then remembered I… ¡no sé cómo podéis cantar mientras grabáis!”.
Además, la artista aprovechó para interpretar un trozo de una canción inédita: “Don’t know if it’s ever gonna stop / I wouldn’t mind if it don’t / Don’t leave me high / Don’t let me down / ‘Cause I want you more”. Aún no se conoce el título.
Aunque Miley Cyrus cantara ‘Flowers’ en las Endless Summer Vacation (Backyard Sessions), sorprende que hayan tenido que pasar 10 meses desde el lanzamiento del single hasta su primera interpretación en directo, pero la realidad es que Miley Cyrus ni siquiera está pensando en realizar giras. La artista optará a 6 Grammys el próximo febrero, incluyendo la estatuilla a Canción del Año por ‘Flowers’.
El grupo fictio de ‘La Mesías’ parece que ya no es tan ficticio: Stella Maris traspasa la pantalla y publicará su primer disco, ‘La Casa Huele a Gloria’, esta noche en Spotify. Estará compuesto por un total de 9 canciones, muchas ya escuchadas en la propia serie, creadas por Hidrogenesse.
Esta noticia llega tan solo unos días después de que Stella Maris fuera anunciado como parte del cartel del Primavera Sound 2024, por lo que todo indica que este proyecto va muy en serio. De momento, recuerda a lo que se hizo a principios de año en la serie ‘Todos quieren a Daisy Jones’ cuando se lanzó en plataformas ‘AURORA’, el álbum que la banda fictia canta a lo largo de los episodios.
‘La Mesías’, la serie de Los Javis que se estrenó el 11 de octubre en Movistar Plus+ y cuyo capítulo final se emitió la semana pasada, ha obtenido una buena recepción por parte de la crítica. Sin embargo, también ha habido bastante polémica por la similitud entre Stella Maris y el grupo pop religioso Flos Mariae, que expresó su rechazo ante la misma.
Este es el tracklist de ‘La Casa Huele a Gloria’:
1. Stella Maris
2. La casa huele a Gloria
3. La alcantarilla
4. Jesucristo dónde estás
5. La noche que nació el niño Dios
6. Cristo por ti existo
7. Las flores de mi jardín
8. Amada Madre
9. La puerta del Cielo (Bonus Track)
Oh, See! Málaga ha confirmado los primeros nombres de su cartel de 2024, en el que destacan La Casa Azul, Dani Fernández, Delaporte y Ginebras. La quinta edición del festival se celebrará el 24 y 25 de mayo del próximo año.
Esta semana, la organización ha comunicado parte de los grandes conciertos que pasarán por el Auditorio de Málaga, incluyendo el de La Casa Azul. Junto a ellos, Dani Fernández, Delaporte y Ginebras completan los cabezas de cartel de la nueva edición del festival. No obstante, también participarán Sexy Zebras, Veintiuno, Niña Polaca o Besmaya, entre otros que ya han sido anunciados o que lo serán próximamente.
Por otro lado, dentro de los DJs confirmados que pasarán por el Oh, See! Club, se encuentran el productor y músico de Fuel Fandango, Ale Acosta, Dani Less, Don Fluor, Isaac Corrales, Le Marchand de Sable y Xtrtnt.
Ya se encuentran disponibles los abonos generales, vip y premium. Las entradas para Oh, Kids (zona exclusiva para niños de entre 4 y 12 años con diversos talleres) se pondrán a la venta próximamente: www.ohseemalaga.com y www.entradastickbox.com.
El álbum debut de Bad Gyal ya está aquí. La artista ha anunciado hoy a través de redes sociales que el próximo enero publicará ‘La Joia’, su primer disco. Para promocionarlo, la artista recorrerá España con su La Joia · 24 Karats Tour.
Bad Gyal, que hasta ahora había destacado por sus singles ‘Chulo pt.2’ o ‘Fiebre’, y sus mixtapes ‘Slow Wine’ o ‘Worldwide Angel’, se atreve por fin con su primer trabajo discográfico. Se titulará ‘La Joia’ y, pese a que aún no ha desvelado su día de lanzamiento, sí ha adelantado que será en enero.
La gira arrancará con 7 fechas en nuestro país a lo largo del 2024, y todo apunta a que serán los únicos conciertos que dará a nivel nacional ese año. Comenzará el 2 de febrero y seguirá por Barcelona, A Coruña, Bilbao, Madrid, Valencia y Granada.
El lunes 27 de noviembre a las 12h tendrá lugar una preventa exclusiva de entradas durante 24h. Se podrá acceder a esta preventa registrándose en este link. La venta general de las entradas será a partir del martes 28 de noviembre a las 12h a través de este link.
LA JOIA · 24 KARATS TOUR
02/02 – Zaragoza · Pabellón Príncipe Felipe
09/02 – Barcelona · Palau Sant Jordi
17/02 – A Coruña · Coliseum
16/03 – Bilbao · Bilbao Arena Miribillas
06/04 – Madrid · Wizink Center
12/04 – Valencia · Plaza de Toros de Valencia
13/04 – Granada · Plaza de Toros de Granada
Ha sido un año histórico para la mujer en la cultura pop. Del inesperado taquillazo de ‘Barbie’ en el mainstream a himnos underground como ‘k pesao’ de Aiko el Grupo, pasando por el momento en que Eva Amaral se sacó las tetas en Sonorama. Al grito de ‘Revolución’, Tulsa fue una de las destinatarias expresas de tan extático momento, junto a “Rigoberta, Zahara, Rocío y Bebe”, así que no se me ocurre mejor colofón para 2023 que un álbum del proyecto de Miren Iza. En concreto uno que reflexiona sobre la mujer y el dolor.
Se refiere la artista en primer lugar al dolor físico, plasmado en el tema ‘Cuando venga el león pálido’, con frases como «Me duelen las pestañas, el pelo y el maléolo tibial». Y después también al dolor social, cultural, el que siente una mujer que se ve obligada a ejercer de cuidadora de un hogar, y que en esta obra conceptual de autoficción, recibe el nombre de «Amadora». Pide la protagonista de la minimalista, oscura y sequísima ‘Una parte de mí»: «Si ya no soy Amadora, si ya no tengo amor que ofrecer / Cámbiame el nombre, te pido, llámame por ejemplo Isabel».
La canción inmediatamente posterior ‘SANTAMÁRTIR’ adapta el himno de Santa Águeda, la santa a la que cortaron los pechos, lo que produce esa imagen de «tetas exprimidas» y «latigazos en pantorrillas», en lo que parece otra reflexión sobre la figura maternal: «Si nadie te lo ha pedido, nadie tampoco te lo va a agradecer».
‘Laguna’ es un canto a la sororidad de igual a igual, una agradable canción de folk que ya ha ejercido como single de adelanto, aunque hay que reconocer que el enfoque de ‘Tacones lejanos’, por mucho que la melodía sea menos inmediata, es más interesante. Se trata de una canción sobre la maternidad que no se dedica a una madre de manera tierna, sino que reflexiona sobre la falta de empatía entre madre e hija. El relato es triste: «No heredé la belleza, no heredé la bondad / Solo conseguí transmitir esta herida antigua, como me la transmitiste tú a mí». Explica el distanciamiento: «Después solo he querido, lo siento, separarme del todo de ti / Y no sé si lo conseguí». Y sobrevuela la composición la impotencia de impresionar a una madre: «Eras para mí como un cielo estrellado de verano, al que mirar sabiendo que nunca lo vas a alcanzar / Solo podrás aspirar a vivir bajo su mirada omnipotente».
El álbum empieza con esta sombría referencia al Almodóvar más dramático, pero después va encontrando la luz. Y esto explica que la segunda parte del disco sea mucho más accesible que la primera, menos árida. Hay un sentido narrativo en esta historia y ‘024’ es un punto inflexión. Este tema, que aparece tras el inesperado guiño a Lana del Rey de ‘¿Amor o transferencia?’, se refiere al teléfono contra el suicidio. Está lleno de dudas sobre si seguir adelante o no, con un divertido listado de cosas que nos quedan por hacer en esta vida, por ejemplo ir a Egipto, cultivar marihuana o -mi favorita- vivir el cambio en Madrid.
Es a partir de ese número que el disco se vuelve más optimista sumando ‘Melocotón’, que tanto nos invita a dejar de divagar entre tonterías, para centrarnos; la mencionada ‘Laguna’ y el cierre de ‘La estrella’, tan particular. Este parte de un canturreo de Morente y trata de ahuyentar las penas del día a día fregando cacharros y rodeándose de sobrinos a los coros.
Que Tulsa tenga una buena idea conceptual -hay obra de teatro relacionada, a cargo de María Velasco- no se sostendría sin las que son algunas de las mejores composiciones de su carrera. Especialmente ‘No quiero hacer historia‘ sobresale, como lo hacía ‘Autorretrato‘ en el álbum anterior. De manera coyuntural en algún momento aislado de este disco, Miren Iza habla de su propio devenir en la industria musical, y aquí se regodea en ese doble sentido («No quiero hacer historia, nadie se va a acordar de mí») sin perder el hilo del álbum. Su fraseo en «Dices que ya no soy tan sexy, que mis tetas y mi culo ya no están ahí / Decides marcharte con alguien más turgente, claro que sí, Joaquín» supone otra cumbre para la autora de ‘Espera la pálida‘.
Take That es uno de los grupos de pop más vendedores de la historia. En Reino Unido, 12 de sus singles han alcanzado el número 1 de la lista oficial. Las cifras de ventas de sus discos rondan los 14 millones de copias solo dentro de su mercado principal, acorde con los datos publicados por la Industria Fonográfica Británica. Tres de sus álbumes se encuentran entre los 60 más vendidos de todos los tiempos en Reino Unido. Por supuesto, España tampoco fue ajena a la fiebre Take That y varios de sus singles, como ‘Back for Good’, se posicionaron en el número 1 del país.
Take That se dio a conocer a principios de los 90 con una serie de singles y discos que movían cifras asombrosas en los días de gloria de la industria musical. En la época de ‘Back for Good’, ‘Never Forget’ o ‘Relight My Fire’, Gary Barlow, Mark Owen y Howard Donald aún no habían despedido a Robbie Williams, que dejaría la formación en 1995 pero volvería en 2010 para la grabación de un único disco, el exitoso ‘Progress’ (el más vendido de ese año en las islas), ni a Jason Orange, que abandonaría la banda en 2014 para emprender nuevos proyectos.
Las mil vidas de Take That continúa. Porque después de su separación en 1996, de su reunión en 2006, de que Robbie volviera por un disco en 2010 y de que Jason se bajara del barco hace unos años, el grupo no ha parado y ha continuado en formato trío. Después de ‘III‘ (2015) y de ‘Wonderland‘ (2017), Gary, Mark y Harold presentan ‘This Life’, un disco luminoso, nostálgico, influido por la Americana, grabado de hecho en el sur de Estados Unidos, que se publica ya, este viernes. Vía Zoom, Take That nos hablan de su nuevo álbum, de «esta vida» y también de su carrera.
¿Por qué habéis grabado el disco en Savvanah, Georgia?
Mark Owen: El productor del disco, Dave Cobb, tiene un estudio montado en su casa, en Savvanah, así que fuimos ahí a grabar por eso. Le conocimos en Nashville, donde grabamos ‘Windows’ en enero de 2023, justo después de Navidad. Decidimos que él produciría el disco y acabamos en Savvanah. Fue una experiencia estupenda. Cuando llevas tantos años haciendo música, viene bien cambiar de aires, descubrir una nueva ciudad. Antes de viajar a Savannah pasamos una semana en España, de hecho.
Gary Barlow: ¡En Barcelona!
¿Sí? ¿Dónde en Barcelona?
Mark: Cerca de la playa, no recuerdo exactamente dónde.
Gary: El motivo por el que viajamos a otros lugares para trabajar en los discos es que en casa todos tenemos familias. Para nosotros es refrescante abandonar nuestra zona habitual e ir a otro sitio, entrar en el estudio y concentrarnos en escuchar canciones y escribir letras. Nuestra intención fue tomarnos todo el tiempo del mundo para escribir las canciones, pero grabarlas rápidamente. De hecho, escribir las canciones del disco nos tomó cerca de un año.
¿Jennifer Decilveo cuándo entra en el disco? Ella ha trabajado con Bat for Lashes, Albert Hammond, Marina…
Mark: Jennifer entra después de que nos quedamos sin tiempo para trabajar en el disco en Savvanah y cada uno de nosotros regresa a sus respectivas casas. Jennifer trabaja desde Los Ángeles así que la grabación fue fácil de navegar en ese sentido. Grabamos con ella en The Record Plant, que es donde Whitney Houston cantó ‘I Will Always Love You’.
En 2019 anunciasteis que os tomabais un descanso. Este disco lo escribisteis durante un año. ¿Cuándo tuvo lugar ese descanso?
Howard: El disco empezamos a escribirlo a principios de 2022. Ya estábamos preparados para todo lo que vendría después, claro: la grabación, la gira el año siguiente, porque evidentemente hay que organizar las fechas, el escenario, las ciudades… eso lleva un año o dos de preparación. Antes de empezar el trabajo serio, estuvimos preparando, planificando…
El sonido del disco suena influido por la Americana. ¿Llegasteis a Savannah con la intención de hacer un disco que sonara así de tradicional, o más bien os dejasteis influir por el lugar después?
Gary: Cuando escribimos ‘Windows’ supimos que teníamos un single entre manos. Teníamos una lista de productores posibles a los que enviársela, y alguien nos recomendó a Dave. Le encantó y aceptó producirla. Nos comentó que le encanta nuestro trabajo y que conoce todas nuestras canciones. A nosotros nos parece raro sacar a un productor de su ambiente. El productor debe estar cómodo, debe poder fácilmente coger su guitarra o su teclado, así que en lugar de hacerle venir a Londres, decidimos viajar al sur de Estados Unidos. Nosotros habríamos grabado el álbum en Nashville encantados, pero Dave nos comentó que a él le gustaría volver a casa y nos pareció ideal porque nos apetecía viajar. Entonces, puedes planear que tu disco suene de una manera u otra, pero creo que, cuando viajas al sur, y cuando trabajas con una persona como Dave, que es un músico de verdad, es imposible que el sonido de ese lugar no empape tu trabajo.
Parece que estáis en un momento vital muy bueno, el disco es muy luminoso y las letras transmiten un mensaje de esperanza. ¿Cuál sería el mensaje principal del disco?
Howard: El disco habla sobre la vida en general. En concreto, sobre el momento actual, o el momento en el que nos encontrábamos cuando lo escribimos. Cuando escribimos canciones juntos, o por nuestra cuenta, estamos hablando de experiencias que son compartidas con todo el mundo, porque hablamos de seres queridos o de la vida en general. El mensaje es de la vida que estamos viviendo en este momento concreto.
«Gary Barlow: Me gusta mi trabajo porque me hace sentirme un poco más lejos del mundo real»
¿Entre vosotros habláis, reflexionáis sobre el sentido de la vida? ¿Qué da sentido a la vida para vosotros?
Howard: Tenemos muchas conversaciones sobre muchos asuntos. Somos amigos y nos conocemos muy bien entre nosotros. Para mí, lo que da sentido a la vida es quererse a uno mismo. Solo cuando te cuidas a ti puedes cuidar a los demás, sobre todo mentalmente.
Mark: ¡Dios mío! No estoy hoy para pensar sobre el sentido de la vida.
Gary: Es una pregunta muy grande, pero creo que las canciones del disco se hacen esa pregunta de una manera u otra. Creo que hoy en día cargamos con demasiada información, todos los problemas del mundo están en nuestro teléfono móvil. Es abrumador. Me gusta mi trabajo sobre todo porque me hace sentirme un poco más lejos del mundo real. Evidentemente debemos formar parte del mundo real, pero la música me lleva a otro lugar, cantar encima de un escenario me lleva a otro lugar. Creo que a nuestra manera estamos ayudando a que el mundo sea un poco mejor.
En el disco hay una canción llamada ‘The Champion’, y luego otra titulada ‘Days I Hate Myself’. ¿Es un contrasto buscado? ¿De qué hablan estas dos canciones?
Gary: Curiosamente, estas dos canciones hablan de lo mismo.
Mark: En la vida puedes estar en tu momento más alto, y luego en el momento más bajo. Ese balance existe y tienes que aceptarlo. Es un proceso de aceptarse a uno mismo.
Gary: Puedes ser el campeón del mundo, o estar en el apogeo de tu carrera musical, pero aún hay algo dentro de ti que está roto, que la gente no ve. Crees que eres invencible y que nada va mal en tu vida, pero hay muchas cosas que van mal. La gente solo ve al campeón, pero no lo que hay detrás.
«Mark Owen: Puedes estar en tu momento más alto, y luego en el más bajo. Ese balance existe y tienes que aceptarlo»
¿Cuál es vuestra canción favorita del disco?
Gary: Es tan nuevo que cada semana tengo una favorita diferente. Ahora mismo diría la pista que abre el disco, ‘Keep Your Head Up’.
Mark Owen: Yo digo ‘Windows’.
¿Qué les diríais a los Take That que empezaban hace 30 años?
Gary: Nosotros estamos más sorprendidos que nadie de seguir aquí. Es una locura. La industria musical es muy dura. Tener éxito con un disco, una vez en tu vida, es una cosa, pero mantener una carrera durante 30 años no es nada fácil. Volvería a lo que he dicho antes: creo que lo importante es seguir haciendo música y esperar que la gente conecte con ella. Por alguna razón el público quiere que sigamos ahí para ellos, y nosotros vamos a seguir haciendo lo que hacemos lo mejor que podamos.
¿Escucháis música nueva? ¿Algo que os haya fascinado últimamente?
Howard: Escucho mucha música para inspirarme, pero no te puedo decir un artista en particular.
Mark: Rosalía. Gran voz, gran performer, la vi en Coachella con mi hija. Hay muchos artistas muy buenos actualmente. Muchos los he descubierto a través de mis hijos: Billie Eilish, Bad Bunny, Taylor Swift. Descubrir nueva música me inspira.
DELLAFUENTE continúa lanzando singles sueltos meses después de publicar el disco ‘Lagrimas pa’ otro día‘, uno de los mejores de su carrera. En las últimas semanas ha presentado al mundo ‘Supersaiyan’ con Maka, ‘1000 Veces’ con Beny Jr o la colaboración con Lola Indigo ‘Mala suerte‘.
El último movimiento de Pablo Enoc Bayo ha sido colaborar con Morad en un nuevo single conjunto. En menos de una semana, ‘Manos rotas’ supera los 2 millones de reproducciones en Spotify y se sitúa en el quinto puesto de canciones más escuchadas en España.
Morad, autor de uno de los discos clave del pop nacional de 2023, ‘Reinsertado‘, y DELLAFUENTE entregan una canción dedicada al desamor. Frases como «dio tanto que se rompió», «te quise a mi lado, no con el otro bando» o «me tienes aislado como un vagabundo» dibujan la imagen de una ruptura amarga, y otras líneas parecen describir un desgaste provocado por las peleas y las adicciones. «No hay razón en corazón de adicto» es una de las reflexiones que deja la letra.
‘Manos rotas’ no supone ninguna ruptura artística ni para DELLAFUENTE ni para Morad, lo cual no significa que su fusión de reggaetón y flamenco no vuelva a ser tremendamente efectiva. Envuelta en una producción atmosférica, etérea, ‘Manos rotas’ vuelve a ser una composición escrita con las emociones a flor de piel. Que esté conectado con la audiencia no puede sorprender a nadie.
Francesc Picas, quien fuera integrante de la formación de Locomía que gozó de mayor popularidad durante los 80 y 90, ha muerto a los 53 años de edad. Así lo ha comunicado su familia: «A todos los amigos y seguidores de FRANCESC PICAS: La Luz de Francesc se ha apagado en esta vida, pero nunca lo hará en la eternidad. Queda en el corazón y la memoria de todos aquellos que tanto le hemos querido. La familia y amigos, en esta tan dolorosa situación, pedimos privacidad y que su legado humano y artístico se preserve con todo el amor y respeto que él se merece. Gracias por vuestra comprensión y apoyo».
El comunicado concluye con una cita de Francesc Picas: “Si somos Luz, todo es posible. Y si somos Luz, todos somos Uno».
Nacido en 1970, Francesc Picas no había cumplido la mayoría de edad cuando se unió Locomía en 1989 en sustitución de Xavier Font, que pasó a ejercer de mánager. Picas, que antes de irrumpir en la industria de la música se dedicaba a la moda y cursaba la carrera de periodismo, apareció en el segundo álbum de Locomía, ‘Loco Vox’ (1991), y realizó con la banda sus exitosas giras por España y Latinoamérica, antes de que la formación original se separase en 1992.
En 1994, Picas publicó un álbum en solitario, ‘Bendición’, y en 1999 participó en la reunión de Locomía, pero, poco a poco, el artista nativo de Barcelona fue dejando la primera línea de la música para dedicarse a escribir letras para otros artistas o ejercer de psicólogo. Durante el siglo XXI, Picas estuvo inmerso en el mundo de la moda y de la literatura, sobre todo de la poesía, y escribió cuentos y novelas de diversos géneros.
El éxito de la canción final de los Beatles se ha reflejado también en nuestro país, ya que el tema tuvo una gran entrada en Singles España. Sin embargo, este éxito ahora se traslada ahora a la lista de álbumes, ya que el grupo ha añadido la canción a su disco ‘1967-1970’. Los Beatles, de esta forma, entran en la décima posición de la lista. No obstante, ese no es el único disco de los Beatles que entra en la lista: en el puesto 23, el grupo mete su álbum ‘1962-1966’.
Por otro lado, Melendi alcanza el número 1 de la semana con ‘20 Años Sin Noticias’, un homenaje a sus 20 años de carrera musical. El artista ha cantado sus mayores éxitos de la mano de compañeros de la industria que le han inspirado, como Manuel Carrasco, David Bisbal, India Martínez, Rosario o Taburete.
Más abajo, en la posición 6, Stray Kids sigue contribuyendo al auge del k-pop y disfruta de un buen debut en España con ‘Rock-Star’. Junto al grupo, Ysy A con ‘El After del After’ y B10 de la mano de su ‘Resiliencia’ completan el top 10, en el puesto 37 y 46 respectivamente.
Con respecto al resto de entradas, New Order cuela una reedición de ‘Substance’ en el lugar 55. Después aparece Mecano con cinco de sus discos, ‘Mecano’ en el 64, ‘Entre El Cielo Y El Suelo’ en el 67, ‘Aidalai’ en el 78, ‘Descanso Dominical’ en el 91 y ‘Ya Viene El Sol’ en el número 100, gracias a sus reediciones en vinilo recién publicadas. Solo ha faltado uno por entrar, ‘Donde está el país de las hadas’.
Las dos últimas entradas de la semana son ‘Drama’ de Aespa en la posición 79 y ‘El Rey del Dembow’ de El Alfa en la posición 94. Rels B con su ‘Afrolova’ sube hasta el puesto 30 y se convierte en el disco que mayor incremento logra en ventas esta semana gracias a su concierto en Barcelona y su cierre de gira en Madrid.
La cantante Jamala, ganadora de Eurovisión en 2016 representando a Ucrania con su tema ‘1944’, ha sido declarada en busca y captura por Rusia, tras su inclusión en la lista negra de prófugos del Ministerio del Interior de Rusia.
La ucraniana, cuyo nombre real es Susana Jamaladinova, está acusada de violar el Código Penal del país, aunque todavía no se han desvelado los cargos que se le imputan a la cantante. No obstante, lo que sí se sabe es que Jamala ha mantenido un fuerte activismo tras la invasión rusa en Ucrania.
Esta no es la primera vez que se toman accionan contra Jamala, pues Rusia la incluyó en abril del año pasado en la lista de los artistas ucranianos a los que se les prohibe la entrada a Rusia durante 50 años.
Curiosamente, la canción que la hizo ganadora de Eurovisión está dedicada a los tártaros de Crimea, que fueron expulsados durante el estalinismo sufriendo deportaciones masivas. En febrero de 2022, la artista publicó una fotografía en Instagram abandonando Kiev con sus hijos por la invasión de Rusia: «¡Ucrania es enorme, hermosa y tan devastadoramente independiente! Sí, creo que esa es la clave. ¡No pueden quitarnos nuestra libertad de expresión!».
The Warning es una banda de hard rock de Monterrey, México que, con canciones como ‘Money’, ‘Choke’ o ‘Disciple’, en los últimos años ha alcanzado enorme popularidad. Queens of the Stone Age, The White Stripes o Muse -a los que han teloneado- se cuentan entre las referencias que evoca su música. El último disco de The Warning, ‘ERROR’, se publicó el año pasado llevando a su público español a agotar entradas en los conciertos que el trío ofrecía en La Nau de Barcelona y la sala Soko de Madrid.
El grupo, formado por las hermanas Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal Vélez, está imparable y ha anunciado nueva gira en España para 2024, en la que dará un salto a salas de mayor capacidad: las fechas son el 4 de abril en La Riviera de Madrid, el 6 de abril en la sala Capital de Santiago de Compostela, el 8 de abril en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 9 de abril en el Kafe Antzokia de Bilbao. Las entradas estarán a la venta el viernes 24 de noviembre a las 10 horas, con preventa el 23 de noviembre también a las 10 horas.
The Warning se da a conocer allá por 2013 después de subir sus actuaciones ensayadas en el videojuego Rock Band a Youtube. En un momento en que sus integrantes cuentan entre 9 y 14 años (Daniela nace en el año 2000, Paulina en el 2002 y Alejandra en el 2004), uno de sus vídeos, en el que el grupo versiona ‘Enter Sandman’ de Metallica, se viraliza a lo grande, obteniendo 20 millones de visualizaciones y llegando a la atención del guitarrista Kirk Hammett, que elogia el talento de las chicas.
A partir de este momento, The Warning empieza su ascenso. En 2015, las jovencísimas hermanas se apuntan un tanto mediático apareciendo en el programa de Ellen DeGeneres y, en 2017, publican su disco de debut, ‘XXI Century Blood’, que lleva al trío a tocar de telonero de The Killers en Monterrey. Su segundo álbum, ‘Queen of the Murder Scene’, ve la luz en 2018. ‘Survive’ y ‘Dust to Dust’ se cuentan entre los primeros grandes éxitos de The Warning antes de que el trío dé el paso, en 2020, de firmar por Lava Records, discográfica subsidiaria de Universal que le acompaña en su actual etapa.
Es ese año en que se edita ‘The Metallica Blacklist‘, el mastodóntico disco de colaboraciones y versiones de Metallica, en el que The Warning, cerrando círculo, aparece recuperando su versión de ‘Enter Sandman’ acompañadas de Alessia Cara. Sumando otro hito a su carrera después de telonear a Foo Fighters a principios de 2022, en verano de ese año se publica el tercer disco de las hermanas, ‘ERROR’, que da a The Warning sus primeras entradas en las listas rock de Billboard. Las escuchas multimillonarias de ‘Money’ o ‘Choke’, a las que se han agregado, este año, las del single suelto ‘More’, confirman que The Warning ha venido para quedarse.
Empieza la semana Alhambra Monkey Week 2023. El festival vuelve a Sevilla los días 23, 24 y 25 de noviembre armado con un cartel que incluye nombres fundamentales como Los Planetas, Jimena Amarillo o El Último Vecino, y también un puñado de joyas escondidas que vale la pena descubrir. Después de repasar los 10 artistas imprescindibles de Alhambra Monkey Week 2023 hoy nos centramos en 10 gemas más desconocidas pero entre los cuales se encuentra probablemente tu próximo artista o grupo favorito. Buceando más allá de yavy, Teo Planell o laura katze, de los cuales ya os hemos hablado en más de una ocasión, o de Espineli, cuyo disco reseñamos hoy, te invitamos a descubrir a SanIsidro, Ada Oda…
Faizal Mostrixx
El productor, bailarín y coreógrafo Faizal Mostrixx explora la estética del afrofuturismo mezclando sonidos y ritmos tradicionales de Uganda (de donde es oriundo) y de otros lugares “del este y el sur de África” (según su biografía oficial) con electrónica pensada para los clubs y grabaciones de campo. Su música, como la contenida en el disco ‘Mutations’, busca crear un espacio épico e íntimo al mismo tiempo.
Monikaze
Hay más pop creado en Lituania del que ves en Eurovisión cada año. Con su proyecto Monikaze, la cantante y productora Monika Zenkeviciute comparte sello -Moshi Moshi Records- con Hot Chip, Lykke Li, Bloc Party o Architecture in Helsinki y cuenta a Caribou entre los artistas a los que ha teloneado. Pepinazos como ‘Monster’ o ‘Give Me Your Soul’ deberían gustar a fans de todos los artistas mencionados.
Ada Oda
Sonando a un cruce entre Wet Leg, la frescura de los primeros Strokes y las voces chilladas de The B-52’s, Ada Oda es una banda tan divertida como suena, y más aún, pues, viniendo de Bélgica, cantan en italiano. Esto se debe a que su vocalista Victoria Barracato es hija de un inmigrante siciliano. César Laloux es el músico principal de banda que, con hits como ‘Un amore debole’ o ‘Niente da offrire’, te hará recobrar la fe en aquella cosa llamada post-punk que ya nadie sabe muy bien qué es.
Ángeles, Víctor, Gloria y Javier
Sumándose a la tradición de grupos que se llaman con el nombre de pila de sus integrantes, como Victor y Diego, José y Manuel o Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Ángeles, Víctor, Gloria y Javier es el nuevo supergrupo de la cantante Ángeles Toledano, el líder de Rufus T. Firefly Victor Cabezuelo, la baterista Gloria Maurel y el productor de electrónica Javier Martín, conocido por su proyecto The Flow Flying Panick Atack. ‘Suspiro tierno (La Soleá)’ o ‘Paisaje’ se cuentan entre sus singles ya publicados.
Johnny Labelle
Con un nombre tan de crooner como los de Roy Orbison o Elvis Presley, aunque él es de Atenas, Johnny Labelle posee una voz que haría temblar a Stephen Sanchez. Musicalmente, los ecos a los 50 están ahí, muy presentes por ejemplo en ‘In the Sun’, pero él los cruza con electrónica ambiental a lo ‘Twin Peaks’ o a lo John Maus y con unas melodías que le hacen parecer un trovador salido de otra época.
Fin del Mundo
Entre los grupos de guitarras hispanohablantes más comentados de los últimos meses se encuentra Fin del Mundo, el cuarteto de Buenos Aires que, con singles como ‘La noche’ o ‘El próximo verano’, suma varios cientos de millones de escuchas. Explorando las capas del shoegaze y la emocionalidad del post-rock, Fin del Mundo es un grupo imperdible para los fans de ese rock de guitarras que te hace levitar.
Lorenzo Soria & Sebastian Orellana
Por un lado, Lorenzo Soria, responsable de la dimensión electrónica de Califato 3/4. Por el otro, Sebastián Orellana, cantautor chileno afincado en Sevilla desde 2017. Juntos exploran las posibles intersecciones entre flamenco, electrónica y músicas tradicionales latinoamericanas en ‘Caleuche’, su disco de debut. En Monkey Week ofrecerán un concierto especial donde contarán con la visita de Dandy Piraña de DMBK, entre otros.
MÁQUINA
Desde Lisboa, la música de MÁQUINA replica los sonidos de las “máquinas” y los de una “fábrica plenamente operativa”. Con influencias por supuesto del kraut y del ritmos motorik, pero también la primera electrónica industrial, la música de MÁQUINA recupera el espíritu de Faust y los Eisturzende Neubauten de ‘Kollaps’ y los traslada a la pista de baile, como promete el título de su disco de debut.
SanIsidro
Isidro Rubio se presenta al mundo trajeado, a su guitarra agarrado. A él ya le conocíamos por su trabajo en Wau y Los Arrrghs!!!, pero el de SanIsidro representa un nuevo comienzo. Abrazando todas sus influencias, que son globales, pues van más allá del Mediterráneo y llegan a América Latina o al Caribe, SanIsidro incorpora influencias de flamenco y rock psicodélico magrebí a un proyecto que, como se percibe en su imagen, aspira a la atemporalidad.
Simo Cell
Curtido en algunos de los clubs más importantes del mundo, pues ha pinchado lo mismo en el Fabric de London que en el Berghain de Berlín, el francés Simo Cell lleva quince años de carrera a sus espaldas. En este tiempo, Cell ha co-fundado el sello TEMƎT y ha cultivado un sonido electrónico inteligente, avanzado y que, en su disco de debut ‘Cuspide Des Sirènes’, suena cristalino, elevado a la más alta definición.
BRAVA es la DJ donostiarra a la que probablemente has visto montando una buena fiesta en algunos de los festivales destacados del país. ‘HOLA HOLA’ o ‘TXORIA TXORI’ se cuentan entre los sencillos más escuchados de esta artista que también le da al botón de mayúscula a su sonido y actuaciones.
Una artista como BRAVA hace honor a su nombre y vuelve a quedar claro en su nuevo proyecto. Esta vez, BRAVA se alía con IRL, la sesión de directos de la discográfica y colectivo VLEX que busca ofrecer una visión diferente de los artistas más punteros de la escena nacional, preparando con ellos puestas en escena originales que se adecúen a sus propuestas.
BRAVA utiliza el alias de «unta la salsa» en Instagram, por lo que su conexión a la gastronomía siempre ha estado ahí. Y ahora más porque su nuevo single, producido junto a DJ YAKUZA, se llama ‘La Panadería’ y habla de comer, untar, mojar. Ya os imagináis por dónde va la cosa.
En su sesión de IRL, BRAVA presenta ‘La Panadería’ mientras prepara bocadillos bañados en ketchup y se los va comiendo. En el vídeo, producido por HYPERHOUSE bajo la dirección de TURIAN BOY, BRAVA cambia la mesa de mezclas por una cocina y, rodeada de verduras y dos torres de rebanadas de pan de molde, canta con un micrófono de oreja delante de una cortina hecha con más rodajas pan de molde que crean una rebanada gigante que dibuja su cara. Es como la Ted Talk más loca que puedas imaginar.
Reuniendo influencias de la electrónica rave y del hip-hop de los ochenta, traídas a nuestro tiempo por la vía de un autotune extremo, ‘La Panadería’ llega cargada de dobles sentidos («tiene la barra dura como pan de pueblo», «le como las setas al natural») o no tan dobles («pa que me untes con cariño», «pa que la mojes en mi aliño»). No suena precisamente «tierna, como pan bimbo», sino bastante dura (como la barra del pueblo) esta producción que promete levantar aún más las sesiones de BRAVA futuras.
Hace poco pude entrevistar a rusowsky y bromeamos sobre la ida de olla que supone que algunos medios lo estén calificando como «flamenco». Aun aceptando como tal cualquiera de sus formas. Lo mismo podría pasar con la revelación Espineli si algún curador de playlists o redactor despistado atiende tan sólo a los primeros beats de ‘ALMA EN PENA’, el primer tema de ‘PURGATORIO’. O a ese fragmento con palmas de ‘MICPAPALOTL’… antes de que la producción se pase al drum&bass.
Si tuviera que encajar en alguna etiqueta, Espineli tendría más sentido cerca de un hyper pop generoso en mutabilidad. Porque la gracia es que aquí hay trap, hardcore, reggaeton… el signo de los tiempos, vaya. En resumen, la artista encajaría en la factoría Rusia-idk, hogar de rusowsky, Ralphie Choo y amigos, solo que ella ha fichado por Mushroom Pillow. Así de diversificada está la escena ya: post-todo es una palabra que aparece en la nota de prensa.
Espineli es el proyecto de una productora de Madrid en torno a los 20 años, con gran devoción por el mundo de los dibujos animados, el ciberpunk, «los sonidos dark de gente como ThxSoMch y el urbano de última generación». El tema más popular de ThxSoMch es un cruce entre post-punk, synth-wave y rap, lo seguro es que realmente oscuro, y el disco de Espineli, oscuro es un rato.
Inmerso en referencias a la ciencia ficción, como ‘Poltergeist‘, ‘Regreso al Futuro’, quizá ‘Buffy Cazavampiros’, el disco rebosa romanticismo. Su ‘PACTO’ trance es con el diablo, el disco no hay que olvidar que se llama ‘PURGATORIO’, y ‘BISTURÍ’ dice cosas como «Dicen que eres el diablo, fui a buscarte al infierno, vi que te salieron cuernos, mi alma salió de mi cuerpo y desde entonces no la encuentro».
Todo ese carácter darks parece tener origen en el desamor. Espineli habla de estas canciones de estar «en un agujero» y «con un nudo en el pecho» (‘ME DICE’), de ser asediada continuamente por «fantasmas» (‘Bisturí’). Como parece decir ‘RELATIVO’ («no entiendo qué quieres de mí, no sé qué soy para ti»), la imposibilidad de entenderse con alguien la lleva a ese estado. La riqueza del álbum es plantear ese desamor desde el humor, en las letras y en los arreglos.
En las letras encontramos referencias a Tarantino bastante bien calzadas («después de unas horas, muere más gente que en Django», en ‘ROCKY BALBOA’), y en la música, momentos tan divertidos como las dos notas de piano de ‘VENIER’, en medio de un señor pepinaco. ‘FONDO’ juega con el funk carioca, con lo clásico y con el rap en un delicioso caos, mientras la aportación de Poseck en ‘DETONA’, aunque no sea lo mejor del disco, prueba que hasta el reggaeton es posible en tan tenebrosa habitación.
Juan Sanguino, que ya realizara un ránking de videoclips de Spice Girls del peor al mejor, acude a REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, para analizar la carrera del grupo. Compara su impacto cultural con el de ABBA, y habla de cómo ha evolucionado la percepción que tenemos de la «girl band», desde el entusiasmo generalizado que causaron en 1996, cuando vendieron 30 millones de copias de su debut, al proceso de crecimiento de su fan, cuando muchos renegaron de ellas, para finalmente llegar a la reconciliación sobre todo a partir de 2007, con motivo de la gira de reunión.
Recuerda Sanguino sobre lo que significaron en los años 90: «Las Spice Girls tumbaron todo lo que representaba Nirvana. La primera mitad de los 90 es el grunge, «lo que quiero es credibilidad artística, que me tomen en serio y soy antisistema». La segunda mitad es pijerío, es «quiero ser rico, quiero vender, quiero poner mi cara en todos los productos».
En el podcast repasamos la discografía de Spice Girls, que incluye 3 álbumes, comenzando por supuesto por su explosivo debut ‘Spice’, que aun presentado por una canción con trazos de punk y rap, vendió 30 millones de unidades. Analiza Juan: «Vender muchos discos es difícil siempre, pero vender 46 millones discos de ‘Thriller’ es más fácil que vender 30 millones de ‘Spice’, porque su público potencial es toda la gente que está viva. ‘Spice’ es un disco de nicho que vendió 30 millones de copias. ¡Un disco que supuestamente solo le gustaba a las niñas y a los niños mariquitas vendió 30 millones de discos! Eso significa que todas las niñas del mundo se lo compraron. Para vender 30 millones para un público tan reducido tienes que llegar al 100% de ese público. Es fácil hablar del fenómeno Spice a posteriori, pero era imposible de predecir».
Una de las claves fue su conexión con la gente: «Todas las niñas de fin de curso hicieron el baile de Spice Girls, porque sentían que podían ser una Spice Girl. Una niña nunca hubiera intentado ser Madonna. Una niña nunca hubiera intentado ser Whitney Houston. Una Spice sí porque es muy fácil. O parece muy fácil. Esa conexión surge, pero no puedes planificarlo».
Hablamos de ‘Spice World’ como la réplica casi calcada del álbum de debut, la primera sensación de decadencia en la banda y el abandono de Geri Halliwell. Sanguino nos cuenta cómo consiguió conectar con su último disco ‘Forever’, ya como cuarteto, y hablamos de su legado, así como de la carrera en solitario de Geri, Mel C, Mel B, Emma y Victoria.
Otros temas tratados a lo largo de estos 90 minutos de conversación son el feminismo o la condición de grupo prefabricado. ¿Cuánto había de auténtico en ellas? ¿De dónde surgieron nicks como «posh» y «sporty Spice»?
Os recordamos que podéis comprar los libros de Juan Sanguino en la tienda de JENESAISPOP, esta semana con gastos de envío gratis para la península. Quedan las últimas unidades de ‘Cómo hemos cambiado‘ y de ‘Apriétame más fuerte‘. Los otros dos se nos han agotado.
Está en marcha la preventa del Anuario 2023 de JENESAISPOP en nuestra tienda online. Las personas en la península que lo reservéis hasta su salida -aproximadamente 19 de diciembre- no pagaréis gastos de envío. El año pasado nos sugeristeis en los comentarios una sección con la opinión de los lectores sobre el año, y concordamos inmediatamente. Os animamos a enviárnosla a jenesaispop@gmail.com a lo largo de esta semana, hasta este domingo a las 23.59. Los mejores mails, los más divertidos, serán reproducidos en el Anuario junto a algunas de las opiniones más populares. Será una especie de «Cartas al Director». Os dejamos con un cuestionario que podéis responder en su totalidad o parcialmente. Os recordamos que el Anuario incluye las obras del 1 de diciembre al 30 de noviembre del año siguiente, por imperativos de imprenta.
1.-¿Qué ha sido para ti lo mejor de 2023 y por qué?
2.-¿Qué ha sido para ti lo peor de 2023 y por qué?
3.-Disco del Año
4.-Canción del Año
5.-Videoclip del Año
6.-Concierto del Año
7.-Película del Año
8.-Serie del Año
Os recordamos las packs en que podéis comprar el Anuario:
-ANUARIO 2023 + ANUARIO 2022: 12,95 € (Por tiempo limitado)
-DOS ANUARIOS 2023: 14,95 € (Resérvalo aquí)
-PACK ANUARIO 2023 + LIBRO SIGLO XX: 30,95 € (Resérvalo aquí)
-PACK ANUARIO 2023 + ANUARIO 2022 + LIBRO SIGLO XX: 31,95 € (Resérvalo aquí)
