Muchos conocimos la historia del luchador Saúl Armendáriz, alias Cassandro, en el documental ‘Cassandro, the Exotico!’ (disponible en Filmin), de Marie Losier, autora del también fabuloso documental sobre Genesis P-Orridge ‘The Ballad of Genesis and Lady Jaye’. La mirada heterodoxa de la autora, siempre atenta a las manifestaciones artísticas surgidas en los márgenes, casaba muy bien con la personalidad apabullante y extravagante de Cassandro, un luchador abiertamente gay con desafiante expresividad drag en un mundo tan machirulo como la lucha libre mexicana.
No se puede decir lo mismo del también documentalista Roger Ross Williams. ‘Cassandro’ (Prime Video), su debut en la ficción, no puede ser más convencional. La película sigue al pie de la letra la gramática del biopic estándar en su vertiente épico-deportiva. Ross Williams no se sale nunca del cuadrilátero como hacía Cassandro. No vuela por los aires ni da volteretas imposibles por el ring.
El filme está más calculado que la aparición de Bad Bunny en varias escenas. Su personaje de camello sexualmente “confuso” tiene la relevancia dramática de un refresco de cola. Es puro márquetin. Por no hablar de la “arriesgada” playlist que acompaña las apariciones de Cassandro en el ring: ‘I Will Survive’, ‘Call Me’, ‘Yes Sir, I Can Boogie’… La que sí que no te esperas es la canción que suena en una discoteca de Ciudad de México: ‘Así me gusta a mí’, de Chimo Bayo.
Pero que todo esté fuertemente codificado, constreñido como las mallas de los luchadores y convenientemente blanqueado (la vida de Cassandro, que aparece como consultor en los créditos, tiene momentos mucho más escabrosos de los que aparecen en el filme), no quiere decir que no sea eficaz. ‘Cassandro’ funciona muy bien como entretenimiento plataformero.
Gael García Bernal se luce dando vida al luchador, interpretando él mismo casi todas las escenas de peleas y dotando de carisma y veracidad a su personaje. La narración es ágil y efectiva, con un buen equilibrio entre las partes dramáticas y las deportivas, entre el drama familiar y la historia de superación. Y la recreación del ambiente, esa mezcla tan “exótica” de folclore, representación circense y espectáculo deportivo, está muy lograda. Aunque al filme le hagan falta unas cuantas patadas voladoras y chorretones de maquillaje, se disfruta como una buena peli de tarde.
Empress Of, autora de temazos como ‘How Do You Do It’ y recientemente del EP ‘Save Me’, ha publicado una nueva canción esta semana, acompañada de Rina Sawayama, quien además ha sido noticia estos días por hablar de los abusos que sufrió por parte de un profesor. Estos hechos inspiraron su álbum ‘Hold the Girl’ aunque en su momento, no se sabía.
La colaboración de Empress Of y Rina Sawayama es menos truculenta, pues se trata de una producción bastante celestial llamada ‘Kiss Me’. Es nuestra Canción del Día hoy. Estamos ante un tema con cierto ritmo R&B pero con un piano y unas ambientaciones tan densos que la referencia podría estar más en Reino Unido (Kate Bush, Bat for Lashes) que en América (Tori Amos podría venir también a la mente).
La letra no puede ser más explícita en su anhelo de un beso, lento, «en el agua, en el cine, junto al fuego o bajo la luz de la luna», con una referencia a unas «alas» («And when I breathe / I’m breathing life / Into our wings») que han terminado inspirando el videoclip del tema. Una de esas eficientes producciones sencillas de Empress Of, que han producido Billboard y el dúo Valley Girl.
Jessie J, muy conocida en el mundo del pop por haber cantado y/o compuesto un puñado de hits multimillonarios durante la primera mitad de los 2010, como ‘Price Tag’, ‘Domino’, ‘Bang Bang‘ (con Ariana Grande y Nicki Minaj) o ‘Flashlight’, ha anunciado que ha dejado la discográfica multinacional en la que llevaba fichada durante 17 años, Republic Records.
En un vídeo subido en Instagram, Jessica Cornish ha dicho que tomó la decisión de abandonar su discográfica meses atrás, cuando todavía estaba embarazada, pero ha aclarado que en su partida no ha habido ninguna desavenencia. «No ha ocurrido nada malo y no ha sido dramático. Simplemente no me sentía cómoda estando en una discográfica y llevo sintiendo esto años. Así que he decidido dejar de confiar en mis instintos y directamente actuar».
En el comunicado, Jessie J comenta que «me siento agradecida por haber estado fichada en la mejor discográfica del mundo, pero debo ser honesta con quién soy en este momento y con lo que quiero para mi carrera». La británica bromea con que está «en el paro», pero aclara que no dejará la música, sino que se dedicará a una carrera independiente, y que sacará la música que quiera cuando quiera.
La de Jessie J no es la única partida discográfica ocurrida solo en 2023: en abril se conocieron las marcha de Halsey de Capitol Records (ahora está en Columbia Records) y de Anitta de Warner (ahora está en Republic Records). No hace falta recordar el caso de RAYE, que dejaba Polydor en 2022 y este año ha logrado un enorme éxito como artista independiente.
Jessie J ha publicado tres álbumes de estudio, ‘Who You Are‘ (2010), ‘Alive‘ (2013) y ‘Sweet Talker‘ (2014), además de la serie de epés ‘R.O.S.E.‘ (2018). Realmente hace 10 años de la última vez que Cornish logró un hit propio en las listas de éxitos. En 2018, de manera completamente insólita, ganó un concurso de talentos chino. Su último single, ‘I Want Love‘, data de 2021.
Un hombre vinculado con el asesinato de Tupac Shakur ha sido detenido y acusado de asesinato con uso de un arma mortal. Es la primera vez que una persona es detenida en vinculación directa con este caso, que nunca ha sido resuelto desde el asesinato de Tupac en 1996.
El hombre detenido, Duane Keith “Keefe D” Davis, es conocido por haber admitido públicamente en entrevistas y en su propio libro de memorias de 2019, ‘Compton Street Legend’, que se encontraba en el coche junto a Tupac en el momento de los disparos.
Davis no es la persona acusada como autora de los balazos, pero se le considera el capo, la persona que organizó la emboscada a Tupac, y en el estado de Nevada la persona que ayuda a que se cometa un asesinato puede ser acusado de ese mismo delito.
«Duane Davis era el que daba las órdenes a este grupo de individuos que cometió este delito y orquestó el plan que se llevó a cabo», ha declarado el teniente Jason Johansson, de la policía de Las Vegas, en declaraciones recogidas por The Associated Press.
Tupac Shakur falleció en septiembre de 1996 a la edad de 25 años, después de ser atacado a tiros desde un vehículo detenido en un semáforo en rojo en un cruce de Las Vegas. El rapero sufrió heridas de bala en el pecho, el brazo y la pierna, y tras seis días ingresado en el hospital, sucumbió a sus lesiones.
Además de asesinato, Davis ha sido acusado con la intención de promover, impulsar y ayudar a las actividades de una organización criminal.
A los 33 años que ha cumplido este viernes, Roosevelt se siente diferente a sus amigos. El «trabajo serio» que tienen sus colegas le hace sentir a menudo un bala perdida. Titulando ‘Embrace’ su cuarto álbum, el proyecto de Marius Lauber ha querido «abrazar», «aceptar» cuál es su labor en este mundo. En principio un nombre provisional, ‘Embrace’ se consolidó después como la palabra idónea para esta era, porque Roosevelt siente que son muchas las ocasiones en que tratamos de ocultar nuestros propios sentimientos o huir de ellos.
Autor y productor en solitario de toda su música, Lauber continúa en este disco la senda del synth-pop más espacial, el disco-funk más deudor de los años 70 y la densidad de aquello que se conoció como chillwave. «Nunca me ha interesado reinventarme a mí mismo disco tras disco», confesaba recientemente sin tapujos. «Creo que la evolución viene por sí misma y cuando escuchas mi primer álbum, hay arreglos de producción que ahora haría de otra manera, pero sé que para la gente es una diferencia pequeña». ‘Embrace’ es ese cuarto álbum en el que un artista mejora su fórmula en los detalles, no la transforma en absoluto.
El modo de abrazarse a sí mismo es por tanto aceptar también su estilo propio, como siempre dividido entre el desenfreno extático y el dolor. El single principal ‘Ordinary Love’ lo escribió en una cabaña aislada en California, inspirado por la euforia de un nuevo amor y también por su incertidumbre, resultando uno de sus clásicos medios tiempos contemplativos. Por el contrario, otro de los sencillos, ‘Rising’, se acerca a la energía de la EDM, por supuesto sin rozar tal cosa. Él es más sutil que todo eso: digamos que su filosofía es más próxima a la de un Caribou o un Flume.
El álbum incluye el funk de guitarras 70’s de ‘Luna’, los vientos sintetizados de otros singles como ‘Paralyzed’ -que escribió en Barcelona inspirado por Melba Moore y Gwen Guthrie- y temas que podrían explotar en el futuro, a destacar ‘Forevermore’. De nuevo en él lo mejor es la melodía realizada con los teclados, el gran gancho del tema, por encima del mismísimo estribillo.
Y es que en contra de lo que digan los números o los fans de esa voz que siempre deja las historias y las letras en segundo plano -en un lugar a menudo ininteligible-, en Roosevelt es esencial la labor de los instrumentales, que llena de capas y capas construyendo un pequeño «muro de sonido». Mucho mejor que esa anécdota llamada ‘Lake Shore’, el instrumental ‘Yucca Mesa’ no es una mera introducción para ‘Paralyzed’. Es la mejor descripción de ese espacio entre el cielo y el suelo en el que te sitúan las producciones de Roosevelt. A veces uno desea que esas secuencias de sintetizadores del artista durasen para siempre.
Roosevelt actúa el 13 de diciembre en Sala Apolo y el 14 de diciembre en Lula Club. Entradas, aquí.
Sencillamente divertido, sencillamente bonito, ‘Manual de Romería‘ es el disco definitivo de Rodrigo Cuevas. El artista asturiano nos atiende por teléfono desde una bicicleta estática en el gimnasio, añadiendo un adjetivo a nuestra definición del álbum: político. El performer que se ha hecho un nombre aunando la canción tradicional con los ritmos actuales se ha unido ahora a nombres como Eduardo Cabra y Guille Galván para parir una obra que, celebrando una romería, va a auparle aún más dentro de la escena española. Es nuestro Disco de la Semana.
Las melodías del disco son preciosas. Cuando se habla de tu música se suele hablar de su mezcla de tradición y vanguardia. Para mí la melodía, la canción, es siempre más importante. ¿Cómo lo ves tú?
Lo veo como tú. Creo que los discos hay que juzgarlos por su estética al completo, no solo por su valor etnográfico (que también). Pero esa mezcla ya no es nueva y está bien que el disco se juzgue por algo más. Como cuando valoras un disco de Beyoncé más allá de que mezcle electrónica con soul y ella venga del R&B.
‘Allá arribita’ y ‘Dime ramo verde’ son dos de esas melodías maravillosas del álbum. ¿Van seguidas por alguna razón? ¿De dónde viene cada una?
‘Allá arribita’ no está basada en la tradición, es una canción escrita por mí. Y ‘Dime ramo verde’ está basada en una canción tradicional de Sanabria que se llama igual. Es una de las canciones con el poderío lírico más impresionante que tenemos en España.
‘Allá arribita’ me ha recordado a la canción de autor de Vainica Doble, Serrat… Es muy 70s. ¿Es por un tema de acordes?
Me inspiré mucho en todo eso, en Serrat, a Vainica Doble las escuché mogollón. Creo que el secreto está en utilizar la métrica de las canciones populares para escribir canciones modernas. Modernas en el sentido de que tienen una estructura más amplia. Lorca hacía lo mismo, utilizaba las métricas tradicionales para escribir su propia poesía. Por eso ‘Allá arribita’ suena a los 70.
Estás hablando mucho en la promoción de la influencia de las polifonías vocales corsas. ¿Qué son exactamente? ¿En qué canciones aparecen?
La polifonía vocal corsa solo aparece en ‘BYPA’, la primera canción. Una polifonía vocal es un conjunto de voces que hacen distintas notas a la vez. Por el contrario, en una monofonía todo el mundo canta al unísono, que es lo que se ha solido dar en la tradición española. En Córcega tienen una tradición de polifonía vocal muy potente y A Filetta es uno de sus grupos más emblemáticos. Por eso les invité a colaborar en ‘BYPA’.
¿Esas otras veces “operísticas” a qué se corresponden?
En ‘Dime ramo verde’ llamé a un coro de niños en San Juan de Puerto Rico y grabamos la canción, que va destinada a mi yo de niño. Y me pareció guay que un coro de niños hiciera las voces. En ‘Yo nun soy marineru’ canta Beatriz Díaz, que es soprano y cantante de zarzuelas, entre otras cosas, pero sale solo por un motivo estético.
¿En ‘Valse’ no hay otra voz así?
Sí, pero es un sample creado a partir de mi propia voz.
¿Cómo has dado unidad a influencias tan dispares? ¿Cuál sería el elemento unitario, si es que has buscado tal cosa?
Lo que da unidad al disco es el concepto de romería. En el disco he buscado referencias a momentos de celebración, de exaltación, del paisaje… de esos momentos en que la belleza te embriaga, o eres consciente de lo maravilloso que es algo que tienes alrededor. Las pequeñas romerías. Las “petite romeries” que tenemos a lo largo del día.
Esa sensación de celebración se ha culminado con la actuación de ‘Cómo Ye?’ de TVE con la gente tirándote besos.
Sí (ríe) Ha quedado muy divertido, muy de romería.
¿Cómo has decidido la estructura del disco? En la secuencia hay varios interludios en los que no apareces etiquetado. Parece que el disco se divide con ellos en varias partes, y cada una de ellas incluye al menos una canción muy potente.
En los interludios no me he etiquetado porque yo ahí no he hecho nada (ríe). No son mías, ni las produje, ni las canté. Son personas que conozco, o que conozco a través de amigos que se dedican a la recogida de campo. Es gente del folclore.
En cuanto a la estructura, el disco no se divide en cuatro temáticas, la secuencia es la que me parecía que quedaba bien, pero en realidad está todo muy mezclado.
Has escrito con Guille Galván, de Vetusta Morla. Me gusta el grupo pero no precisamente por las letras, me gusta sobre todo por la evolución que han tenido produciendo y haciendo música. Pero con Guille has escrito letras.
Yo no soy letrista, realmente, o no lo he sido hasta ahora, y me sentía un poco inseguro. De Vetusta, el último disco me gustó mucho, sobre todo la parte de las letras, por cómo crean imágenes con palabras. Me parece un disco con mucha imaginería. Guille se ofreció y le dije que se viniera a trabajar conmigo. Juntos hicimos composición pero sobre todo trabajamos en la revisión de las letras.
«Hay gente que siente que se traiciona a sí misma cuando cambia de gustos o de estética, pero a mí me gusta mucho hacerlo»
Es llamativo la elección del productor, Eduardo Cabra. Has hablado del grupo Trending Tropics. Yo llegué a verlo en directo con el robot que sacaban al escenario. Pensé que era la única persona que recordaba a ese grupo. ¿Cómo has caído en sus brazos? Es muy diferente a Refree…
Soy de dar volantazos y me apetecía irme a una parte más bailonga y disfrutona. Evidentemente el disco es más de Calle 13. Trending Tropics fueron una referencia también durante le creación de ‘Manual de cortejo’ aunque no lo parezca, los escuchaba mucho en la época y se me quedaron grabados. Después, el disco de Rita Indiana me vuelve loco, así que decidí trabajar con Eduardo Cabra.
¿A qué te refieres cuando dices que eres de dar volantazos?
Me gusta una cosa y mañana la contraria, y creo que casi todo el mundo es así. Hay gente que siente que se traiciona a sí misma cuando cambia de gustos o de estética, pero a mí me gusta mucho hacerlo.
Tu trayectoria realmente es muy coherente, no es que hayas pasado del rap al kraut-pop. Dame un ejemplo de volantazo.
Dentro de mis discos, de ‘Tengo que subir al puerto’ a ‘Cómo Ye?’ hay bastante diferencia. Luego me gustan muchos tipos de músicas diferentes. Se ve en mis sesiones cuando pincho: mi nombre de DJ es DJ Volantazo (ríe).
¿A tus colaboradores les vuelves locos dando volantazos o eres una persona tranquila?
Les vuelvo un poco locos. Las estructuras de mis canciones nunca son regulares. En ‘Allá arribita’, el estribillo es muy ordinario, pero ni siquiera el primer “aaaay” mide lo mismo que el segundo. Al segundo le falta un tiempo. Así en todo. Nunca pongo la misma cantidad de versos en la primera estrofa y en la segunda. Esto me pasa porque me confundo en la grabación, y luego la confusión me gusta y la dejo. Y para estudiar las canciones, claro, los músicos se vuelven un poco locos.
‘Matinada’ es de mis favoritas, tiene una electrónica muy intrigante. Cuéntame sobre ella.
Es un resacón. Tenía que estar en el disco de la romería porque no hay romería que no se pague el siguiente día. Es un resacón la música, la letra, la forma de cantarla…
¿Para ti es importante hacer algo de vanguardia o rompedor?
Es importante para mí divertirme, y para divertirme tengo que hacer cosas que no haya hecho antes o que no me aburran. Repetir me aburre. Pero no hay una intención de ser vanguardista. Yo no creo que haga música experimental o intencionadamente vanguardista. Mi intención es divertirme, sorprenderme, y divertir y sorprender al público.
«Yo no creo que haga música experimental o intencionadamente vanguardista. Mi intención es divertirme, sorprenderme»
Fue muy divertido por ejemplo el videoclip de ‘Más animal’. ¿Crees aún en el formato videoclip?
Me gusta mucho ver videoclips, a través de ellos das al público más referencias estéticas de lo que va a ser el disco. Hacer vídeos por hacerlos es tontería porque te gastas un dinero enorme, en comparación con hacer discos son carísimos. Pero si tienes ideas hacer videoclips es una maravilla. Ahí está el de ’CASARES’.
Todo el mundo tiene clara tu función como performer. Es evidente que te encanta un escenario. ¿Cuán importante es la performance en tu música? ¿Se puede disociar música y performance? ¿Te imaginas un disco tuyo sin performance?
¡Qué va! ¿Pa qué? Para mí el disco es la presentación de lo que después voy a hacer en un escenario. Si por mí fuera casi no haría discos, haría espectáculos. Haciendo discos sufro muchísimo.
¿Por qué?
Porque en el estudio te enfrentas a todos tus demonios. El estudio es muy sufrido.
¿A qué te refieres?
El estudio se parece a verse desnudo delante de un espejo todo el rato, y delante de gente con la que lo estás grabando. Sale a flote todo: los defectos… todo lo que sale mal se ve muchísimo. Luego queda maravilloso, pero en el momento no lo disfruto.
¿Te refieres a carencias técnicas en el estudio, o a que escribiendo salen tus fantasmas?
Me refiero a inseguridades tipo “vaya canción de mierda”, “qué mal cantas”, “es el fin de tu carrera”, “te vas a meter en una deuda que no vas a poder devolver porque esto no es una mierda”.
No pareces ese tipo de persona.
Porque en el escenario me lo paso bien. En el escenario estás cobrando, en el estudio estás pagando (ríe) En los conciertos te ve gente que ha pagado por verte, pero cuando haces un disco, no puedes saber si alguien lo va a comprar.
«Las personas que tenemos voz y plataforma debemos dar opinión y denunciar. Si nos ponemos todos de lado, acabamos como la Alemania nazi»
En JENESAISPOP nos hemos mojado mucho políticamente por las elecciones. ¿Como artista crees que debes implicarte o crees no es necesario? El disco, en sí, no es político.
Yo creo que el disco sí es político. En las canciones hablo de muchas cosas que son políticas. ‘Valse’ es política, hablo del bullying. ‘Dime ramo verde’… Todo es política, incluso la diversión. El silencio también es político. Intentar ser una lechuza y que nadie te pueda ver ni recriminar una sola palabra es política. Las personas que tenemos voz y plataforma debemos dar opinión y denunciar. Si nos ponemos todos de lado, acabamos como la Alemania nazi.
¿Te han dicho algo en Sony de esta portada? Sales desnudo y en tacones.
No me han dicho nada, a Sony les encantó. Una tía mía sí me dijo que no le gustaba. Es la única persona.
¿A tu familia le has tenido que explicar algo?
A mí es que me da igual explicar estas cosas. Tienes que querer a la persona que tienes delante. Si quieres a una persona maquillada, para eso no me quieras.
Pasándose el día de lanzamientos por el sopapo, Eartheater ha publicado nuevo disco un miércoles cualquiera. ‘Powders’ está disponible desde el pasado 20 de septiembre y es el sucesor de ‘Phoenix: Flames Are Dew Upon My Skin‘, uno de los discos más sorprendentes que dejó 2020.
Y ojo porque ‘Powders’ no es el único disco que ha anunciado Eartheater recientemente: el siguiente, ‘Aftermath’, sale en 2024.
De momento, ‘Powders’ contiene nuevos alicientes para seguir hipnotizado con la voz de Eartheater y sos conjuros electrónicos. ‘Pure Smile Snake Venom’ ha sido uno de sus singles más inmediatos, ‘Chop Suey’ ha ahondado en su faceta folk… pero hoy nos detenemos en el último.
‘Crushing’, la Canción Del Día de hoy, es una canción 100% trip-hop, tanto por su base rítmica como por su elegantísimo arreglo de cuerdas. En ‘Crushing’, los violines se mecen como las olas del mar a las que alude la letra. ‘Crushing’ habla de las olas que rompen en la orilla… pero seguro que el segundo sentido de la palabra «crush» (cuando te pillas de alguien) también está muy presente en la historia.
Al fin y al cabo, ‘Crushing’ es una metáfora sobre el amor y el magnetismo del contacto físico. Alexandra utiliza la letra como si fuera una matrioshka poética, descubriendo en cada frase una nueva que se esconde debajo: «eres la llama que convierte la arena en cristal, eres el cristal que recoge el vino, eres el vino que me emborracha» o «eres la apertura de la concha, eres la concha que contiene la perla, eres la perla que brilla iridiscente» son algunas de sus anáforas.
Cuando el amor se transforma en deseo, Alexandra habla de un chico que le «pone», que es «sexy» y que «come bien el coño». Conclusión: «Me das bien de razones para seguir cayendo en tus brazos». Eartheater, enamorada hasta las trancas.
Kylie mantiene el número 1 de JNSP en la semana de salida de ‘Tension’ con el corte titular. En X ha obtenido el 46% de los votos. La entrada más fuerte llega hasta la 2ª plaza, ‘Got Me Started’ de Troye Sivan, que de momento no ha repetido el top 1 de ‘Rush’. También llega al top 10 lo último de Olivia Rodrigo.
Las entradas de la zona media son los nuevos singles de The National, el viral de Kenya Grace y Ralphie Choo junto a rusowsky. En las dos últimas plazas encontramos temas de Recycled J con Villano Antillano y Belako.
El pasado 22 septiembre salió ‘Tension’, el decimosexto álbum de Kylie Minogue y el primero desde 2020, cuando lanzara ‘Disco’. En esta ocasión, la artista vuelve a publicar un trabajo pop compuesto por once canciones.
El disco, en la línea de álbumes anteriores de Kylie Minogue, ha ido directo al número 1 de Reino Unido. La artista ha logrado vender más de 53.000 unidades en su primera semana, superando así al resto del top 5 combinado, donde se encuentran álbumes como ‘GUTS’ de Olivia Rodrigo.
Por otro lado, en cuanto al éxito individual de las canciones, Kylie Minogue ha conseguido posicionar su single ‘Padam Padam’ dentro del top 10, uno de los mejores temas de ‘Tension’. De hecho, gracias al lanzamiento ha regresado a las 200 canciones más reproducidas a diario en Spotify UK.
La cantante ha tenido un buen recibimiento en los distintos formatos de música, liderando también en la lista de vinilos. En cuanto al streaming, recibió más de 3 millones de reproducciones en Spotify durante sus primeras 24 horas, convirtiéndose en uno de sus mejores días en la plataforma.
Los 35 años de carrera musical de la artista la han consagrado como una de las más exitosas de nuestro tiempo. Al igual que hiciera con su debut ‘Kylie’ en 1988, Minogue todavía es capaz de reinar en la lista de álbumes con sus nuevos lanzamientos. ‘Tension’ la ha llevado a empatar con Bob Dylan y Coldplay en cantidad de números 1, con 9 cada uno, tan solo por detrás de Taylor Swift (10) y Madonna (12).
Rodrigo Cuevas está viviendo una de sus semanas más importantes del año. El pasado viernes publicó su tercer trabajo discográfico, ‘Manual de Romería’, que se ha convertido en nuestro Disco de la Semana. Ahora está sumergido en la promoción del disco y, para ello, ha visitado el plató de ‘Cafè d’idees’, donde ha hablado públicamente sobre si se ha presentado al Benidorm Fest.
Desde su primera edición en 2022, Rodrigo Cuevas ha sido uno de los nombres más reclamados por los eurofans para participar en la preselección española de Eurovisión. Sin embargo, el artista no había aclarado sus intenciones sobre una posible candidatura. Hoy, cuando se le ha preguntado al respecto, ha confesado que no se ha presentado y que tampoco planea hacerlo.
Los motivos los tiene claros: «Los eurofans son muy crueles y hunden a la gente, y yo no estoy para eso». El artista ha comentado que no quiere que nadie lo juzgue, tan solo su público, y que no desea ir a un programa «así de masivo»: «Quiero llegar al público a través del boca a boca, a través de una entrevista, a través de que me escuchen en la radio, en Spotify o donde sea». Rodrigo Cuevas ha confesado que no quiere ser tan famoso de un día para otro.
Además, ha expresado que le parece horrible que la «competitividad insana» que genera el fútbol haya saltado a la música, explicando que «los eurofans quieren mucho, pero quieren mal». No obstante, abre una pequeña puerta a la esperanza: «Cuando la gente aprenda a ver las competiciones con un poco más de deportividad iré, pero hasta entonces no».
El único de los participantes del Benidorm Fest que se ha manifestado por estas declaraciones ha sido Rayden, que ha aprovechado para felicitarle por su nuevo álbum. «Espero convencerte de que el Benidorm Fest no es un concurso donde competir, es un festival y espacio donde compartir relatos tan necesarios como el tuyo. Gracias por tu arte», ha escrito en Twitter.
La respuesta de Rodrigo Cuevas no se hizo esperar, y ha continuado en la línea de su discurso inicial: «Muchas gracias!! Me temo que no es lugar para mí, demasiada exposición, pero gracias por todo».
Discazo de @RodrigoCuevasG. Espero convencerte de que el BF no es un concurso donde competir, es un festival y espacio donde competir relatos tan necesario para el tuyo. Gracias por tu arte.https://t.co/OHOBrRhLv2
Imaginar a un dictador que ha provocado el sufrimiento de millones de personas como una suerte de vampiro decrépito puede tener su gracia. Desgraciadamente, Larraín nunca consigue dársela en las casi 2 horas que dura ‘El Conde’, su nueva sátira política que ha ido a parar directamente al catálogo de Netflix sin pasar por las salas españolas.
El chileno sigue desmarcándose de su propio estilo en cada película, aunque su cine siempre parece estar ligado, de una forma u otra, a una causa política. Tras dos películas biográficas centradas en la reivindicación de dos célebres mujeres en cargos públicos de alta responsabilidad (‘Jackie’, sobre Jacqueline Kennedy; y ‘Spencer’, sobre Lady Di), el cineasta regresa a su país para reinterpretar en clave de comedia negra la vida de Augusto Pinochet. No es la primera vez que el dictador aparece en su filmografía, ya lo hizo en ‘No’, pero frente a la tensión dramática y realismo de aquella, ‘El Conde’ pretende ser una sátira gamberra y mordaz.
El principal problema aparece ya en los primeros minutos. La película comienza evidenciando su interés por lograr una estética intrigante y, sin duda, consigue crear imágenes potentes y sorprendentes, pero es su extrañísimo tono -primero marcado por una desconcertante voz en off en inglés, después por todo lo demás- lo que impide que visualmente generen el impacto que deberían. Larraín está convencido de lo brillante de su idea -que, sobre el papel, puede serlo- y se olvida de desarrollarla o simplemente de generar algún discurso interesante.
Resulta frustrante ver cómo los actores se esfuerzan en dar vida a estos personajes tan planos, en aportar una intención cómica en sus intervenciones, y cómo dichos esfuerzos no pueden traducirse en la más mínima de las sonrisas por culpa de un guion ensimismado y superficial.
Intermitentemente, ‘El Conde’ ofrece tímidos momentos de interés -ciertas conversaciones entre la monja y Pinochet o alguna idea visual estimulante- pero se diluyen rápido en una narrativa que nunca encuentra el tono y a la que le falta garra por todas partes. Toda esa mala leche con la que claramente está escrita no traspasa la pantalla, se queda en tierra de nadie. Tiene mérito, eso sí, que Larraín se embarque en propuestas tan extrañas y personales como estas, pero la valentía en este caso no consigue levantar un proyecto que siempre se siente inerte, falto de vida. Su supuesta irreverencia -tan obvia- tampoco la hace particularmente transgresora. Todo se queda en una anécdota extraña y decepcionante dentro una filmografía en la que ya suman muchos más los fallos que los aciertos.
Cuando esta noche Ana Mena ha sacado su nueva canción, había quienes ya se sabían el ritmo y la letra de memoria. Y es que ‘Madrid City’, sin haber sido publicada, era la canción estrella de los últimos conciertos de la artista. Hoy, por fin, los fans pueden escucharla oficialmente en todas las plataformas musicales.
Se conoce la existencia del tema desde que, en su paso por el Arenal Sound este verano, Ana Mena sorprendiera con un pequeño adelanto del mismo. Los vídeos empezaron a correr como la pólvora en redes sociales y, desde entonces, los seguidores de la cantante llevan reclamándole su fecha de lanzamiento. Después de tanta espera, Ana Mena ha publicado este viernes la canción acompañada de su propio videoclip.
En la línea de ‘Children’ de Robert Miles y la reciente ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding, en ‘Madrid City’ vuelve a apostar por ese pop-electrónico que ya caracterizó a ‘Las 12’. De hecho, el nacimiento de la canción ha sido muy similar, desde su proceso de composición junto a Mauricio Rengifo y Andrés Torres, hasta su campaña de promoción viralizándose previamente en Internet.
En cuanto al videoclip, Ana Mena hace gala de coreografía para enseñar una noche de fiesta con amigas. Hay referencias a su canción ‘Las 12’ y un cameo de la influencer Marta Díaz. «Esta canción está hecha para todas esas personas que busquen una canción que les emocione, que les alegre el día y con la que disfrutar; es la canción perfecta para la fiesta de Madrid”, ha comentado la artista.
Pese a que todavía no sabemos mucho sobre el proyecto en el que está trabajando actualmente, Ana Mena ha revelado a Revista GQ que guarda relación con una segunda parte de su segundo álbum ‘Bellodrama’. Dado que el disco fue publicado hace tan solo unos meses, induce a pensar que podría lanzar una edición deluxe. De momento, la cantante seguirá recorriendo España con su Bellodrama Tour.
El título del primer disco en solitario de J de Los Planetas viene de una de las citas más célebres de ‘Arrebato’, la gran película de culto del cine español del siglo XX. La «plena pausa» es una manera de expresar ese momento en el que una obra de arte (y/o las drogas) te absorben por completo, y es el resumen más gráfico de todo el contenido de la película: «Dime, ¿cuánto tiempo te podías llegar a pasar mirando este cromo…? ¿Te acuerdas?… ¿Y este?… ¿Y esta orla?… ¿Y esta página?… ¡Años, siglos…! ¡Toda una mañana! Imposible saberlo, estabas en plena fuga… éxtasis… colgado en plena pausa… ¡Arrebatado! ¡Mira!».
Recientemente la Filmoteca Española adquirió una serie de pequeñas películas perdidas del director Iván Zulueta, y le pidió a J que las musicara para una presentación en directo. El proyecto se redondea con la edición de un vinilo + DVD en el que puedes encontrar 10 canciones y 15 cortos (algunas pistas no cabían en la edición vinilo y J no quería que fuera doble), que aúnan las imágenes inéditas de Zulueta con las composiciones de J ideadas para ellas.
El líder de Los Planetas se ha inspirado en la música y el cine que «arrebataba» a Zulueta, poniendo también una parte de sí mismo y de folclore andaluz por el camino. Pero la referencia principal es la Velvet Underground y la Factory de Andy Warhol, de manera colateral el trabajo en solitario de Lou Reed, y finalmente el glam de los 70, lo que explica por ejemplo esos efectos de guitarra tan Bowie que aparecen en ‘Y la nave va’.
En España, la principal referencia sería Family. Los bajos de ‘Un soplo en el corazón‘ se asoman por canciones como ‘Mi ego está en Babia’, al tiempo que atendemos a algunas de las letras más naíf de J: «este avión me va a llevar al país donde vive Peter Pan». Redondeando todo el proyecto, dada la amistad entre Zulueta y Javier Aramburu, y su origen donostiarra, es este quien se ha encargado del diseño del LP.
‘Plena pausa’ es, por todo esto, una obra que se regocija en lo «meta», al mismo tiempo que un disco en solitario de J que puede degustarse sin mayor trasfondo intelectual. Hay que subrayar que el álbum no se inspira principalmente en ‘Arrebato’ -aunque hay muchísimos guiños- sino en las películas inéditas de Zulueta. En general, son cortos de 3 o 4 minutos más asequibles, lo que ha condicionado que el autor de ‘Ya no me asomo a la reja’, ‘La Copa de Europa’ y ‘El manantial‘ no haya podido entretenerse en grandes desarrollos, sino que haya tenido que terminar las canciones casi de manera abrupta.
En su consecuencia, la mencionada ‘Mi ego está en Babia’, ‘Natalia dice’ o ‘Arrebato (Un buen día para Iván)’ están entre las canciones más inmediatas que ha grabado J recientemente. Además, sin la carga sociopolítica de su último disco hasta ahora ‘Las canciones del agua‘. En la saltarina ‘Natalia dice’ realiza un paralelismo entre una miembro de su nueva banda -Natalia de 107 Faunos-, que es argentina, y Cecilia Roth, y también entre las películas que han visto durante el confinamiento tanto J y Natalia como los personajes de Cecilia Roth y Eusebio Poncela en las cintas.
Y ni que decir tiene que la transformación de ‘Un buen día’, el gran clásico de Los Planetas, en esta adaptación para Iván Zulueta, es el gran triunfo de este disco. Las imágenes de la película, pura cultura queer en sintonía con Warhol y el cine posterior de Almodóvar, con quien Zulueta trabajó en varias ocasiones, son pura poesía. Uno desearía que esa pieza durara mucho más.
Más psicodélica pero casi igual de pop es ‘Tormenta eléctrica’, con una inspiración más Jesus & Mary Chain, y un estribillo precioso:
«lo estuvimos intentando de verdad
en el mundo no había nadie que molara más
vivíamos en medio de una tempestad
por eso soy feliz cuando empieza a diluviar».
Uno más de los muchos paralelismos que podemos encontrar entre todos los artistas mencionados. «A mí me llaman el loco porque vivo arrebatado, estoy loco de cuidado» (‘Soleares del loco’) sería otra de esas frases que podrían aplicar a Zulueta, J, Aramburu y Reed. Hablando de lo cual, otra de las piezas imprescindibles aunque no disponible en vinilo, tan sólo en la versión DVD, es la película «Hotel», que se corresponde con dos temas llamados ‘Fandangos del rascacielos’ y ‘Los Desalmados’.
Forma parte de la mitología de la ciudad la relación de Zulueta con la Torre de Madrid y las palabras de J mientras Iván observa la ciudad en 1975, embelesan. Una persona parece que va a caer desde una enorme altura, desde arriba «todos nos parecen pequeños», atormenta «la angustia de saber que no hay ninguna esperanza y ha empezado a llover». Una estrofa rinde homenaje a Family (“Desde aquí domino el gran país, este rascacielos es gigante”). Otra fusila ‘Perfect Day’ de Lou Reed. Quizá por eso esta maravilla no podrá encontrarse en las plataformas de streaming.
Las películas familiares de los Zulueta incluso antes del nacimiento de Iván (‘Y la nave va’), ese momento de las ‘Romerías de Betty Boop’ en que vemos a Cecilia Roth maquillarse para una escena de ‘Arrebato’ y J canta «cuidadito con ella, que es peligrosa y está soltera», ese plano de ‘Película de Plata’ en que no sabes si un guapísimo Will More llora o bosteza mientras J dice que «no fuiste especial» o la importancia de ver a Ugarte (Santi) pasear por ‘Jaleo en la calle’, cuando fue él quien acuñó el término «Donosti Sound», son solo algunos de los infinitos detalles de esta obra que aglutina el mejor underground del siglo XX. Y solo se fabricarán 2.992 copias.
Delaporte, uno de los mejores grupos de pop español de la actualidad, por sus discos ‘Como anoche‘ (2019) y ‘Las montañas‘ (2020), vuelve con nuevo single y nueva gira. ‘Me la pegué’ es el primer adelanto de su próximo disco, que verá la luz en 2024. También es la producción más tecno que jamás hayan firmado Sandra Delaporte y Sergio Salvi. Y tiene su razón de ser: el directo será más importante que nunca en esta nueva era.
«En esta canción y en las que se publicarán próximamente», explica la nota de prensa, «la gente es el foco de atención a lo largo de todo el proceso creativo, haciendo protagonistas a las personas que acuden a los conciertos; también en las portadas y en los videoclips».
‘Me la pegué’ surge de una ruptura que lleva a Sandra a querer sudar sus preocupaciones en la pista de baile. “No quiero seguir hablando de amor romántico, es mentira, y la mejor forma de salir de ello es viviendo una fiesta con tu gente; es un proceso sanador», relata. «El invierno pasado me fui de Madrid, donde parece que tiene que pasar todo. Fue en Asia central y después en Cantabria donde empecé a componer el nuevo álbum y me di cuenta de que bailar me cura, de que el techno me cura y me llena el corazón y que es tan verdad como que respiro. En mis pedradas interiores que me impiden pasármelo bien, utilizo mis letras como mantras”.
Así, ‘Me la pegué’ habla de escapar lo que duele, de sacar un clavo con otro y de «borrar ese Disney de mi cabeza», y las duras percusiones de la base cumplen ese cometido de borrar de un plumazo cualquier sentimiento de angustia o desconsuelo. A su vez, la música se mira en el espejo de aquel electroclash que tanto bailamos allá por 2007, en la era «bloghouse», a la que recuerda.
Además, Delaporte han anunciado la gira ‘Aquí y ahora’ y un concierto el 9 de febrero en la sala La Riviera de Madrid, que incluye la posibilidad de adquirir una entrada doble para los compradores que quieran disfrutar, además, de una sesión especial en directo en la sala El Sol el 7 noviembre (hasta completar aforo). Los tickets estarán a la venta.
También están anunciados los conciertos del 13 de octubre en la fiesta de la Hispanidad de Madrid, el 14 en Love To Rock de Valencia, el 28 en la sala Camelot de Salamanca (Directos Vibra Mahou), el 3 de noviembre en la sala Universonoro de Palencia (Directos Vibra Mahou) y el 25 en el Valladolid Intro Music Festival (sold out). Próximamente se comunicarán más fechas.
PinkPantheress, la cantante británica curtida en TikTok que ha vuelto a poner de moda los ritmos garage y las canciones de 2 minutos o menos, ganadora del BBC Sound of 2022, vuelve con nuevo single. ‘Mosquito’ es presumiblemente el primer adelanto de su debut largo oficial.
Aún co-producida por Greg Kurstin, aliado de un sinfín de estrellas internacionales, de Harry Styles a Kelly Clarkson, ‘Mosquito’ conserva la gracia de las mejores canciones de PinkPantheress. De hecho, ella dice que es su favorita de todas las que ha escrito. Es la Canción Del Día de hoy.
Con una duración de 2 minutos y 26 segundos, ‘Mosquito’ es una de las canciones más largas firmadas por PinkPantheress (la de mayor duración es ‘Take Me Home’, que dura 3 minutos y 20 segundos). En ‘Mosquito’, a PinkPantheress ese tiempo le basta y sobra para entregar una simpática producción que alterna el sonido de una guitarra acústica con fantasías de producción varias, incluidos unos silbidos.
Ese es el envoltorio de ‘Mosquito’. En el interior de la composición encontramos una de esas melodías melancólicas que tanto gustan a la autora de ‘Boy’s a liar’ o ‘Just for Me’. Aunque la canción a la que más se parece, por sonido, es ‘Passion’.
Curiosamente, ‘Mosquito’ no habla de ningún desamor, sino de la relación de PinkPantheress con el dinero. Canta que despilfarra de tal manera que no entiende «qué ha pasado conmigo». Es lo que tiene hacerte de oro gracias a tu trabajo. Pero ella lleva su relación con la moneda a un punto de obsesión: «He soñado que estaba muerta y solo me importaba porque me separaba de ti». Same!
Jung Kook, integrante de BTS, sigue sumando éxitos en solitario antes de su retirada de la industria musical para iniciar su servicio militar en Corea del Sur. Después de colaborar con Charlie Puth en ‘Left and Right‘, un tema que está a punto de alcanzar los 800 millones de reproducciones en Spotify, el cantante surcoreano se ha apuntado un éxito mayor con ‘Seven’.
Top 2 en el global de Spotify, pues solo ‘Paint the Town Red‘ de Doja le impide volver al número 1, ‘Seven’ ha dado el mayor éxito en las carreras de Jung Kook (a solas) y Latto. Se trata de una agradable producción de inspiración UK garage que, en la letra, se vale del típico recurso de enumerar los días de la semana (de ahí el título de la canción) para ilustrar la intensidad de un amor. Y de algo más: la versión explícita directamente dice «te follaría todos los días de la semana».
Publicado a mediados del pasado mes de julio, ‘Seven’ -una producción de Andrew Watt y Cirkut- ha conseguido en apenas unos meses los mismos streamings que ‘Left and Right’ en todo un año. Antes de que acabe 2023 es más que probable que ‘Seven’ rebase la cifra diamante: los mil millones de streamings.
Mientras, Jung Kook no se queda de brazos cruzados y publica nueva música. ‘3D’, su nuevo single, está disponible desde hoy. Es una colaboración con otro de los raperos más populares de Estados Unidos, Jack Harlow, y una producción de Bloodpop y Davis Stewart que prueba un sonido diferente al de los singles anteriores. El funk de ‘3D’ recupera el sonido que concibieron Justin Timberlake y Pharrell Williams a principios de siglo, con resultados muy dignos.
‘3D’ habla de una relación virtual, vivida «a través del teléfono». Jung Kook canta: «si estás lista, te quiero ver en movimiento, en 3D». El pegajoso groove es irresistible, y el single de Spotify tiene a bien de incluir la versión instrumental como pista 2, por si te apetece seguir regodeándote en el seductor sonido que la producción ofrece.
Britney Spears ha convertido en una costumbre personal subir a su cuenta de Instagram vídeos de ella bailando en el salón de su casa. El último ha dado mucho de qué hablar en redes, pues Spears ha decidido grabarse realizando una intensa coreografía con dos cuchillos de cocina agarrados en cada mano. Detrás de ella, sus perritos no saben si acercarse o huir de la escena.
El vídeo ha provocado comentarios de asombro pero también de preocupación por el riesgo para la salud que supone bailar con un objeto afilado aparentemente sin un entrenamiento previo. Britney ha asegurado que los cuchillos son «de mentira».
El vídeo viral ha dado lugar a parodias inenarrables como la del actor y cómico Max Clayton, que ha reproducido la coreografía paso por paso disfrazado de Michael Myers de ‘Halloween’, aprovechando que de hecho Halloween está a la vuelta de la esquina. De hecho, Spears mencionaba esta festividad en la leyenda de su vídeo original.
A su bola, Britney ha levantado a sus seguidores esta mañana con un segundo vídeo de ella bailando con cuchillos. La cantante de ‘Oops! I Did It Again’ ha vuelto a asegurar que las navajas no son reales: «Sé que he asustado a la gente con el último post, pero los cuchillos son falsos, mi equipo los alquiló en una tienda Hand Prop de Los Ángeles. No son cuchillos reales. Nadie tiene por qué preocuparse o llamar a la policía». En las últimas horas, Spears ha recibido una nueva visita de la policía, informa TMZ, a raíz del vídeo.
Además, Spears ha dicho que el vídeo es un homenaje a Shakira. «Estoy intentando imitar a una de mis artistas favoritas, Shakira, en concreto una actuación que me inspiró mucho. Brindo por nosotras chicas malas porque no nos da miedo romper barreras ni correr riesgos». Spears se refiere a la reciente actuación de Shakira en la gala de los MTV Video Music Awards, donde la colombiana bailó con dos dagas. Como recordaréis, Spears y Shakira coincidieron en 2001 en una portada de Rolling Stone.
«Algo cambiará cuando empiece septiembre», cantaba Luna Ki. Y lo que cambia es que las novedades musicales se apilan, se amontonan. Hoy 29 de septiembre salen nuevos discos de Wilco, J de Los Planetas, Blonde Redhead, Animal Collective, Oneohtrix Point Never, Kinder Malo, Jorja Smith, Melenas, Del Water Gap, Mae Muller, LP, Ed Sheeran, Molly Burch, Marcelo Criminal o Slow Pulp o Natalia Lacunza (EP). El disco de Celia Becks está disponible desde hace días.
Hemos avanzado la playlist «Ready for the Weekend» con algunas de las novedades que han llegado en los últimos días, como el dueto de Empress Of y Rina Sawayama, el single guitarrero de Dani Dicostas (antes dani), el regreso de Debby Friday después de ganar el Polaris, el nuevo tema de Lacunza, el enésimo adelanto de Blonde Redhead o el dueto de Sexy Zebras y Rufus T. Firefly.
Hay plancha con las novedades de U2, Delaporte, Madness, Ana Mena, Villano Antillano, The New Raemon, Two Door Cinema Club, Hemlocke Springs, Mujeres, L’Rain, Apartamentos Acapulco, The Streets, Bejo, El Buen Hijo, FEID, Ty Segall, The Mountain Goats, Sexxy Red, Florentino con Shygirl, Daneshevskaya, Sweet Pill, Helena Deland y más.
Hace una semana se cumplía un año desde el lanzamiento de ‘Hold the Girl’, el segundo álbum de estudio de la británico-japonesa Rina Sawayama. Y ha sido después de todo este tiempo cuando la artista, en una entrevista para la BBC, ha desvelado el verdadero trasfondo del disco: un abuso.
Rina Sawayama se ha sincerado en el programa ‘In Conversation’, donde ha contado por primera vez que un profesor la acosó cuando tenía 17 años, tratando de ganarse la confianza de una menor para luego abusar de ella. El proceso de escritura del álbum fue condicionado a raíz de ese suceso, pues la cantante ha estado yendo a sesiones de terapia sexual, en las que se dio cuenta de lo que sucedió realmente con ese hombre.
«Me manipularon», comenta la artista. «Fue un profesor del colegio. Para mí, tener diecisiete años es ser una niña. Estás en la escuela. Si un profesor del colegio se te insinúa, es un abuso de poder. Pero no me di cuenta hasta que tuve su edad». Rina Sawayama cumplió 33 años en agosto. «Fue a través de esta forma tan intensa de terapia, a la que me siento tan afortunada de poder acceder, que pude llegar a aceptarlo. Y rompió por completo todo mi mundo».
La cantante, además, señala concretamente al tema ‘Your Age’, séptima pista del disco y donde aborda el tema más directamente. «Recuerdo lo incómoda que me sentí, pero no até cabos. Desarrollé tanta vergüenza en torno a mi sexualidad que perdí completamente el sentido de mí misma».
Rina Sawayana ha confesado que, aunque necesitaba tocar este trauma en ‘Hold the Girl’, quiere cerrar esta etapa de cara a su tercer disco, dejando estos sentimientos a un lado. «Aún no sé sobre qué voy a escribir, pero me encantaría que llegara un día en el que pudiera escribir una canción que solo hablara de amor o sexo. Ya lo estoy consiguiendo», ha afirmado.
De momento, su último movimiento musical ha sido su colaboración con Empress Of en ‘Kiss Me’, una balada de amor protagonizada por el piano.
Una de las artistas que han dominado el verano es, sin duda, Billie Eilish. Su canción ‘What Was I Made For?’, que forma parte de la banda sonora de ‘Barbie’, es uno de los temas más exitosos de los últimos meses y hasta se empieza a considerar uno de los mejores de la artista. En sus dos más recientes entrevistas, una para Allure y otra para The Cookout, ha hablado de la creación de la canción, su relación actual con la fama y sus proyectos musicales.
«Fue como si esta canción hubiera sido una pequeña criatura dentro de mí durante años, arañándome por dentro», comenta Eilish a Allure, confesando que ella y su hermano Finneas escribieron el tema en una o dos horas. Esta última declaración sorprende porque la artista ha reconocido que estaban pasando por un periodo de tiempo en el que no podían estar «menos inspirados y menos creativos».
La autora de ‘Happier Than Ever’ siempre ha hablado sin tapujos respecto a las consecuencias de la fama y lo abrumador que puede llegar a ser el mundo del entretenimiento. En esta ocasión lo ha vuelto a hacer, dejando sensaciones más pesimistas. «Empiezo a sentirme mejor, pero últimamente no me ha ido muy bien. Tengo sentimientos de angustia la mayor parte del día. Cuando pienso demasiado en que nunca volveré a tener intimidad, es suficiente para querer hacer todo tipo de locuras. Pero tienes que dejarlo pasar».
Pese a ello, en The Cookout ha revelado que no ha dejado de trabajar. «Hay mucha música en camino. Hay todo un álbum en camino y estamos en las fases finales de su creación, así que eso no significa que esté a punto de salir, pero se está acercando y es muy emocionante». Aunque se fuera de vacío en los Grammys con su segundo disco, Billie Eilish acumula ya un total de siete gramófonos.
Orbital, Death Grips, Opus III, Beastie Boys… estos eran algunos de los nombres que le rondaban en la cabeza a Doja Cat hace meses durante la creación de su nuevo disco. Incluso llegó a afirmar -por si alguien lo ha olvidado– que el sonido estaría inspirado en el de las “raves alemanas de los 90”. Después troleó al personal diciendo que estaba haciendo un disco de “jazz experimental” y después uno de “rock”.
‘Scarlet’ puede ser el troleo definitivo de Doja Cat, pues, comparado con esos proyectos inventados, es el menos interesante. Centrado en un sonido de hip-hop y R&B clásicos que efectivamente saben al año ’97’, ‘Scarlet’ es un trabajo coherente con su discurso, pero que termina aburrido de sí mismo. También es peor que sus discos más pop aunque ella reniegue de ellos.
La campaña de ‘Scarlet’ ha sido un pequeño incordio. Empeñada en ponerse a sus seguidores en su contra, Doja se las ha dado de punk y ha pedido a sus fans tóxicos que se “busquen un trabajo” y le dejen en paz. El problema es que el punk funciona de abajo a arriba, y no de arriba a abajo, así que la “polémica” ha sido fastidiosa, pero de relevancia ha ido algo corta.
La fama y la toxicidad de las redes sociales, y de esa cosa llamada relación parasocial, son temas que atraviesan ‘Scarlet’. También la relación de Doja con las críticas, que la artista convierte en letras desafiantes como la de ‘Demons’. Aquí, Doja responde a quienes creían no sabía rapear y lanza sus opiniones “a la basura”. ‘Scarlet’ es el examen definitivo de Doja en el rap, un disco que Amala Dlamini ha hecho exclusivamente para demostrar que sabe escribir barras y rapear como “los mejores”. A veces literalmente: en ‘Ouchies’ es evidente que está imitando a Nicki Minaj, con la que ha colaborado. No hay beef.
‘Demons’ es uno de los mejores singles de la carrera de Doja Cat, y su loco sonido de cuerdas psicópatas no tiene nada que ver con el de ‘Paint the Town Red’. El gran éxito de Doja en 2023, número 1 global, otro primer single que devorará al disco que presenta, samplea ‘Walk on By’ de Dionne Warwick y es una canción de rap que sabe ser tan asequible como la más popular de Eminem (solo que con mejor gusto) gracias a un estribillo que va al grano, que es pop aunque Doja no quiera. «Mi felicidad es vuestra miseria», rapea en los versos, orgullosa.
En ‘Paint the Town Red’, Doja viene a contarte que ella prefiere ser famosa por mala a ser buena o políticamente correcta. El problema es que ni ella es tan mala (se necesita algo más que pelearte con tus propios fans en Twitter para serlo) ni ‘Scarlet’ es un disco que pase de lo políticamente correcto. Es tan clásico en sus mejores momentos, como ‘Ouchie’, que sí recuerda a los Beastie Boys, el durillo ‘Wet Vagina’ o el envolvente -y fantástico- single ‘Agora Hills’, como lo es en los más anodinos, los cuales pueblan una segunda mitad que es demasiado redundante, durante demasiado tiempo.
Y también poco divertida. En ‘Scarlet’, Doja encuentra maneras graciosas de atacar a sus “stans”, como en el rap agresivo de ‘F.T.G. (Fuck the Girls)’, donde, en la primera mitad del largo, rapea: “¿Desde cuándo sois mis hijos bastardos? Criaros a vosotros mismos”. Después, las llamadas telefónicas de ‘Agora Hills’ son un puntazo. Sin embargo, la sensación que deja ‘Scarlet’ es que Doja ha confundido el ser tomada en serio con el dejar de ser divertida. ‘Attention’ es una canción demasiado seria y, cuando, en la letra, Doja desafía a sus fans porque “me seguís pero no os interesa la música”, cabe preguntarse si realmente esta la música más interesante que Doja puede ofrecer. Sabemos que no. Sabemos que Doja es capaz de más que de sonar a unos noventa desactualizados, o de calcar nota por nota el sonido de Erykah Badu (‘Often’), o de perderse rellenando hueco en una segunda mitad que se hace bola entre producciones de R&B y neo-soul (‘Love Life’) que difícilmente alguien más allá de sus seguidores recuperará.
Entre los momentos que logran ofrecer algo más en la segunda mitad de ‘Scarlet’ se encuentra el sample de ‘I’m Not in Love’ de 10cc en ‘Shutcho’ y su suculenta melodía vocal (para eso Doja tiene un gusto exquisito) y, sobre todo, la pista final. ‘Balut’ está lejos de ser la mejor canción de ‘Scarlet’, pues su recuperación del trip-hop primigenio es un mero homenaje, no una revisión demasiado personal o contemporánea. Pero atentos a la letra: “copiar a los grandes es mi estrategia número uno / pero ojo que las estadísticas no se pueden copiar”. Ahí ya nadie puede decirle nada.
Vivimos en un mundo en el que Woody Allen ya no puede sacar una película al año como ha sido habitual durante décadas porque Hollywood le ha dado la espalda hasta el punto de que ningún actor de renombre quiere trabajar con él para no manchar su carrera. Ahora el cineasta neoyorkino no lo tiene tan fácil para encontrar financiación y tiene que irse de su país para continuar rodando.
Pero Europa aún no le ha cerrado las puertas ni parece que vaya a hacerlo pronto. En 2020 estrenó ‘Rifkin’s Festival’, película que se ambientaba en el Festival de San Sebastián. En 2023, viaja a París para aventurarse en su primer trabajo completamente en francés (o en cualquier otra lengua que no sea inglés), y resulta todo un placer contemplar que su gracia e ingenio no se han perdido en absoluto.
‘Golpe de Suerte’ presenta el matrimonio aparentemente perfecto de Fanny y Jean. Ella tiene un buen trabajo en una oficina, él es millonario y ni siquiera su mujer comprende demasiado bien a qué se dedica. Tienen una vida cómoda, son cariñosos el uno con el otro, todo va bien. Hasta que en la vida de Fanny se cruza Alain, un antiguo compañero de su instituto que está pasando una temporada en la capital francesa para escribir un libro, y saltan las chispas del amor. Como en todas -o casi todas- las películas de Woody Allen, la infidelidad es el núcleo del conflicto, pero también como en todas las películas de Woody Allen, hay mucho más que eso.
En esta ocasión, el cineasta parte de una premisa que no es demasiado original pero que no tarda en llevarse a su terreno, haciendo de ella una excusa perfecta para explorar los temas que tanto le obsesionan: la infidelidad, sí, pero también el amor, la muerte, el azar. La película se acerca -aunque con otro tono y otras inquietudes- a su grandísima ‘Match Point’, añadiendo una trama policíaca a lo que hasta entonces parecía una simple y agradable comedia romántica.
El cineasta neoyorkino hace gala una vez más de su talento para sacar lo mejor de sus intérpretes. Lou de Laâge y Niels Schneider, además de ser una presencia luminosa en pantalla, son pura química. Melvil Paupaud, está fantástico como ese meticuloso e improbable villano, y Valerie Lemercier divertidísima en uno de esos papeles secundarios cómicos que Allen sabe escribir tan bien.
Los ingeniosos diálogos, marca de la casa, tampoco fallan a la hora de arrancar risas, y los giros de guion pese a ser quizá un poco toscos, funcionan estupendamente con el tono desenfadado de la propuesta. No estaremos ante el mejor Woody Allen, pero sí ante uno bastante inspirado. ‘Golpe de suerte’ es divertida, sorprendente y juguetona y, por supuesto, está impregnada de ese estilo tan imitado y a su vez tan inimitable del cineasta. Él sigue a lo suyo, y qué bien que así sea.
Los próximos 17 y 18 de noviembre, Benidorm acogerá la cuarta entrega de Primavera Weekender. JENESAISPOP vuelve a tener el honor de ser medio colaborador de este festival que tiene lugar en el resort Magic Robin Hood Camp de Benidorm con cabañas y opciones de alojamiento. Además, también hay disponibles entradas individuales por 55 € y 65 € cada jornada (115 € el abono) para aquellos que prefieran hospedarse en otro lugar.
Los abonos para Primavera Weekender 2023 que incluyen el alojamiento incluyen también régimen de pensión completa (desayuno, comida y cena) durante el fin de semana y dicho alojamiento durante dos noches en bungalows con un mínimo de 2 personas y un máximo de 6. Las cabañas son de lujo y cuentan con TV, WI-FI gratuito, aire acondicionado y calefacción, mini-frigorífico, microondas y servicio de té y café, entre otras comodidades. Todos los precios y modalidades de entradas ya se pueden consultar en la página web de Primavera Sound.
El cartel de Primavera Weekender vuelve a ser una delicia para fans de ese Primavera Sound primigenio que todavía no se había convertido en el festival colosal que es hoy. Un Primavera «de bolsilibro», en palabras de la propia organización, que ofrece una experiencia más cercana con tu música favorita. En la programación, nombres clave de los 90 como Dinosaur Jr. o The Jesus and Mary Chain conviven con promesas como DOMI & JD Beck y Biig Piig a las que vale mucho la pena descubrir. En este artículo repasamos 10 artistas imprescindibles de la agenda.
Dinosaur Jr.
Detrás de una gran banda hay otra banda. Y sin Dinosaur Jr. posiblemente no habrían existido grupos que han reconocido su influencia tan importantes como Nirvana, Radiohead o My Bloody Valentine. Las guitarras distorsionadas de Dinosaur Jr., la dramática voz de J Mascis y sus emotivas letras básicamente definieron el sonido del rock alternativo de los 90, y discos como ‘Without a Sound’ (1994) suenan tremendamente vigentes hoy. Su último disco, ‘Sweep it Into Space‘, salió hace un par de temporadas.
Alan Sparhawk (Low)
La partida de Mimi, cantante de Low, con apenas 55 años, ha sido una de las noticias musicales más tristes del último año. Al fin y al cabo, ¿quién no quiere a Low? El dúo, que definió el sonido slowclore durante los 90, ha sabido reinventarse en este siglo publicando una serie de innovadores discos que han marcado época. Afortunadamente, no es el fin de Low y Alan Sparhawk defenderá el legado del grupo con una pequeña gira en noviembre que cuenta el Primavera Weekender entre sus paradas.
Blonde Redhead
Entre los grandes regresos de la música alternativa que suceden en 2023 hay que contar -y subrayar- el de uno de los mejores grupos de los 90, Blonde Redhead. ‘Sit Down for Dinner’ será su primer disco en 9 años y los singles vuelven a ser maravillosas cápsulas de su sonido, aún guiado por la voz doliente de Kazu Makino. Estos días se puede escuchar el tema titular, dividido en dos partes.
Off!
Para fans del hardcore punk es indispensable no perderse el concierto de Off!, el supergrupo formado en 2009 por miembros de Black Flag, Hot Snakes o Burning Brides. Con un debut largo publicado en 2012, un segundo elepé lanzado en 2014 y un tercero álbum editado en 2022, ‘Free LSD’, Off! ha construido un repertorio excitante en el que destacan temas como ‘Black Thoughts’ o ‘Void You Out’.
The Jesus and Mary Chain
Dos grupos incluidos en el cartel de Primavera Weekender llegaron a salir de gira juntos hace años: Dinosaur Jr. y The Jesus and Mary Chain. Los autores de ‘Just Like Honey’, que concibieron un particular sonido de noise-pop y rock alternativo durante los 80 y 90, publicando discos legendarios como ‘Psychocandy’ (1985), volverán a España para presentar su disco ‘Damage and Goods’ y también su icónico repertorio. El mismo fin de semana, por cierto, estarán en Barcelona.
Fucked Up
Con una discografía que abarca seis álbumes de estudio, Fucked Up es una de las bandas de hardcore punk que más gusta a la gente que no escucha hardcore punk. Así se puede resumir el impacto de canciones como ‘The Other Shoe’ o ‘Queen of Hearts’ o la calidad de discos como el reciente ‘One Day’, uno de los más asequibles que el grupo canadiense -en activo desde 2001- ha publicado.
Antònia Font
El regreso de Antònia Font ha sido una de las grandes sorpresas del último año. El grupo mallorquín, venerado por su particular visión del pop de autor, la de entre otros su compositor Joan Miquel Oliver, publicaba en 2022 su primer álbum en 10 años. ‘Un minut estroboscòpica’ era un trabajo clásico de Antònia Font, compuesto por buenas y bonitas canciones como ‘Amants perfectes’ o la favorita de los fans ‘Una daixona de pols’.
Deerhoof
Otro dato curioso que relaciona a dos bandas confirmadas en Primavera Weekender: Deerhoof es la banda favorita de JD Beck. Y no extraña porqué: el sonido de Deerhoof es uno de los más peculiares del rock underground de las últimas décadas. Entre el noise pop, el punk y la vanguardia más juguetona, la música de Deerhoof sigue influyendo a las nuevas generaciones de músicos. Su último disco, ‘Miracle-Level’, ha salido este año.
DOMI & JD Beck
El festival hermano del Primavera brindará una gran oportunidad de ver por primera vez en España el directo de DOMI & JD Beck. El dúo, compuesto por dos millennials de extravagante estilo, se ha convertido en una de las promesas del nuevo jazz estadounidense. Así, ya cuenta dos nominaciones a los Grammy anglosajones y con el beneplácito de colaboradores como Bruno Mars, Anderson .Paak o Thundercat.
Biig Piig
‘Kerosene’ fue una de las primeras Canciones Del Día de 2023… extraída de la mixtape ‘Bubblegum’, uno de los primeros lanzamientos del año. Alérgica a casarse con un único sonido, la británica Biig Piig es como una cantautora de rock alternativo a la que le encanta coquetear con la música disco, el trip-hop o el R&B. ‘Sunny’ o ‘Feels Right’ se cuentan entre los singles destacados de esta artista revelación que, curiosamente, a veces canta en español porque vivió en España de niña.
Dua Lipa es una de las personas que forman parte del reparto de ‘Argylle’, la nueva película de Matthew Vaughn (‘Stardust’, la saga ‘Kingsman’). ‘Argylle’ está basada en la novela homónima de Ellie Conway y cuenta que el mejor espía del mundo (Henry Cavill) sufre amnesia y cree ser un escritor de novelas de espionaje. Dua Lipa interpreta a su pareja romántica, una femme fatale clásica y una «mujer de armas tomar»… literalmente, como se puede ver en el tráiler estrenado hoy.
En ‘Argylle’, Dua Lipa ofrecerá su gran debut en el mundo de la interpretación, después de haber protagonizado un curioso cameo en ‘Barbie‘ este año, en el verano rosa. Dua compartirá reparto con John Cena, Bryce Dallas Howard, Samuel L. Jackson, Bryan Cranston y Ariana DeBose, entre otros.
Como con ‘Barbie’, también, Dua interpretará la canción principal de ‘Argylle’. Bueno, en ‘Barbie’ son muchas las canciones principales… pero ponemos la mano en el fuego en que aquí hay un intento de lograr al menos una nominación al Oscar. ¿O hay alguna posibilidad real de ‘Dance the Night‘ se haga con uno? ¿Damos por hecho que irá a otra persona?
‘Argylle’ se estrena en Apple +TV, presumiblemente, en febrero de 2024. Ese mismo año se espera que Dua Lipa publique su tercer álbum de estudio, que será más psicodélico, de acuerdo a lo que la cantante ha declarado en una entrevista reciente. Parece que Tame Impala es uno de los artistas involucrados en el proyecto.
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