Cher ha anunciado un disco navideño a través de sus redes sociales. De momento se desconoce cuándo llegará, si serán solo canciones originales o habrá alguna versión. Sabemos que se llama ‘Christmas’ y conocemos su portada… salvo que lo que ha colgado sea un troleo.
En lo que parece la portada de ‘Christmas’ vemos a la cantante recortada entre bolas de Navidad plateadas y rojas, todas ellas con la reproducción de su misma imagen. Entre lo random de la composición de la portada, y también de vestuario, quizá lo peor es el modo en que la propia Cher irrumpe en el nombre de Cher: ella en sí misma parece una «i» latina, por lo que leeríamos más bien CHIER en lugar de CHER. Es decir, «cagar» en francés.
En cualquier caso, sabemos que ‘Christmas’ de Cher tendrá al menos algunas canciones originales porque Leland ha posteado que ha escrito 2 temas para este disco, y «aún no puede creérselo». Brett Leland es, aparte de artista en solitario, uno de los autores de confianza de Troye Sivan. Está en los créditos de ‘Rush’ o ‘My My My’, y además ha escrito para Selena Gomez y MNEK, entre otros.
Esta noche se ha celebrado en Reino Unido la ceremonia de entrega del Mercury Prize, el galardón más prestigioso del país. Desde su creación en los años 90 se han llevado el premio artistas del reconocimiento crítico de Portishead, The xx, Primal Scream, Suede, Dave, Little Simz, James Blake o alt-J.
En esta ocasión, el jurado se ha decantado por el jazz. El premio ha sido para Ezra Collective, una de las formaciones más conocidas de la escena de Londres. En su disco ‘Where I’m Meant to Be’, publicado a finales de 2022, encontrábamos colaboraciones como las de Emeli Sandé, Nao o Sampa the Great en el tema principal ‘Life Goes On’. El tema escogido para la gala por Ezra Collective era ‘Victory Dance’, con elementos de salsa.
El grupo se compone de Femi (que también toca con Gorillaz) como baterista, Joe Armon-Jones al teclado, James Mollison al saxofón, Ife Ogunjobi a la trompeta, y el hermano menor de Femi, TJ, al bajo. Se formaron en 2012, cuando eran adolescentes y miembros de la banda juvenil de Tomorrow’s Warriors, una iniciativa de educación musical en el South Bank Centre de Londres. Femi Koleoso ha sido claro al recoger el premio: “Si que una banda de jazz gane el Mercury Prize no te hace creer en Dios, no sé qué lo hará”. Ezra Collective han estado este año de gira por nuestro país, por ejemplo agotando entradas a su paso por Barcelona (Razzmatazz 2).
En la ceremonia han actuado todos los nominados excepto Arctic Monkeys y Fred again.. por estar de gira. Se han proyectado vídeos en directo de ambos. Entre los temas que sí han sonado en vivo, ‘Free Yourself’ de Jessie Ware’, ‘Concrete Over Water’ de Jockstrap, ‘Woe’ de Shygirl, ‘The Thrill Is Gone’ de RAYE, ‘HGU’ de Loyle Carner, ‘Carmen’ de Olivia Dean o ‘I Saw’ de Young Fathers. Os dejamos con el listado de nominados-derrotados, y con los vídeos de las actuaciones.
Arctic Monkeys – ‘The Car’ Ezra Collective – ‘Where I’m Meant to Be’ GANADOR
Fred again.. – ‘Actual Life 3 (January 1 – September 9 2022)’
J Hus – ‘Beautiful And Brutal Yard’
Jessie Ware – ‘That! Feels Good!’
Jockstrap – ‘I Love You Jennifer B’
Lankum – ‘False Lankum’
Loyle Carner – ‘hugo’
Olivia Dean – ‘Messy’
RAYE – ‘My 21st Century Blues’
Shygirl – ‘Nymph’
Young Fathers – ‘Heavy Heavy’
Sia ha anunciado un nuevo single que se llama ‘Gimme Love’. Saldrá el 13 de septiembre. Podría ser un gran comeback tras la polémica que despertó su proyecto sobre autismo, la malograda película musical ‘Music’ y su olvidable banda sonora. En verdad, la cantante no tiene disco de estudio desde que en 2016 salió ‘This Is Acting‘. Después, hubo un disco navideño, varios singles y colaboraciones, pero no un gran proyecto de estudio. De lo que sí puede presumir Sia es de haber visto cómo un tema de aquel 2016 se viralizaba en TikTok, ‘Unstoppable’. Haciendo honor a su nombre, se acerca a los 1.000 millones de streamings en Spotify.
Un día cualquiera de esta semana, sin necesidad de esperar al viernes de rigor, se ha publicado el nuevo disco de Tirzah. La particular artista que se diera a conocer con aquella rareza llamada ‘Devotion‘ (2018) continúa trabajando mano a mano junto a su colega de confianza Mica Levi, Micachu.
De todas las ideas bordeando la música de baile, el R&B, el jazz o la experimentalidad que han desarrollado en los dos discos anteriores a este ‘trip9love…???’, ahora se han concentrado sobre todo en una. Una línea de piano, una caja de ritmos, y unas pocas palabras por encima. Hasta el punto de que han buscado que todo el disco entero fluya como si fuera una sola pista. Esto es muy perceptible en el paso de la inicial ‘F22’ al track 2 ‘Promises’, pues este es claramente una continuación del anterior. Eso sí, esperemos que en la edición física que saldrá el 17 de noviembre, el asunto fluya mejor que en las ediciones de Spotify o Apple Music, con ese silencio tan incómodo.
En cualquier caso, la intención de recrear un mundo lleno de dudas y nubarrones hace de los primeros instantes de ‘trip9love…???’ algo muy paranoide que a la vez atrapa. La sensación generada es como la de observar tu imagen deformada frente a un espejo. Digamos que estas líneas de piano no son sobre las que basa su música Adele. A la altura del recitado de «promises, promises, deal, deal», la sensación es de zozobra, como cuando aparece ‘6 Phrazes’ o ‘today’, ambas comenzando como sendas bandas sonoras terroríficas.
El focus track ‘No Limit’ presenta uno de los beats más potentes, mientras Tirzah se pregunta cuáles son tus límites y cuáles son los suyos, a su vez, si bien el efecto de los juegos vocales a veces sugiere que los coros están retratando más bien las múltiples voces sonando en su cabeza. En la línea, ‘their love’ podría ser una canción a capella, con un encanto fantasmagórico que hipnotiza. La interpretación vocal de Tirzah vuela totalmente libre, ajena a los dos pianos que suenan a la vez. Parece una improvisación, pero una que funciona, es decir una fruto del trabajo y el esfuerzo previos.
En medio de toda la confusión que generan las melodías oscilantes de ‘trip9love…???’ hay dos detalles que terminan de elevar este disco minimalista. Uno es cierto carácter poético en los textos, que en general funcionan como repeticiones de mantras o como relatos de una obsesión. Cuenta la distribuidora en España Music as Usual que el álbum se compone de «anotaciones en el diario de un momento». Una de las canciones más gráficas sería ‘6 Phrazes’: «Lo sabía entonces. Lo sé ahora. Esto no podía ser suficiente para ti. Y si pensabas que necesitabas a alguien, yo no podía ser ese alguien».
No obstante, tampoco hay que buscar un sentido narrativo, pues la temática es de amor, «tanto real como imaginario». Y en verdad, ‘trip9love…???’ es un triunfo, más por lo que sugiere que por lo que expresa. En ese sentido, cumplen un papel fundamental las guitarras eléctricas que van abriéndose camino a medida que va avanzando el disco. Las distorsiones tienen su hueco en ‘today’, marcan a continuación ‘Stars’, son imprescindibles en la casi metalera ‘2 D I C U V’ y también en la pista final, cuyo título lo dice todo: ‘nightmare’. Quién lo iba a decir de este supuesto disco de piano y electrónica, pero esto sí que es rock y no lo de Olivia Rodrigo y Måneskin.
The Rolling Stones no sacaban un disco de estudio con material propio desde 2005. Así que había mucha curiosidad por averiguar cómo sonaba el single de presentación del largo que sacan el 20 de octubre y que se llama ‘Hackney Diamonds’.
A falta de averiguar qué respeto rinden a ‘Angry’ las playlists de novedades de mañana, si es que guardan algún tipo de respeto por los artistas mayores de 40 años en absoluto, el debate sobre el single no ha decepcionado. De “es un temazo para los Rolling de 2023” a “una absoluta mediocridad”, hemos leído de todo, y sin salir de nuestra sección de comentarios.
18 años de espera pueden pesar mucho en lo que a expectativas se refiere, pero sin duda me inclino a favor de los optimistas: ‘Angry’ me parece una canción identificable, fácil de recordar desde la primera escucha y de lo más digna para un concierto de los Rolling de 2024. Es nuestra Canción del Día hoy.
La inspiración en su clásico ‘Start Me Up’ es evidente, tanto como que los artistas disfrutan de autorreferenciarse a cierta edad; pero también lo es que el estribillo machacón se pega tanto como ese riff, y la melodía de las estrofas también fluye con la cualidad de lo memorable. El único gancho de la composición NO es el «don’t get angry with me» repetido hasta la saciedad.
Ahí es donde algunos apuntan a un abuso del productor Andrew Watt del Autotune (como afinador) al final de algunas frases, como nos asegura nuestro colaborador Jaime Cristóbal (El «I wanna know why», por ejemplo).
Con todo, estamos ante una grabación en la que cada elemento funciona. La incorporación de piano y el solo de guitarra amenizan la segunda mitad. Además, es importante que una persona de 80 años nos cante sobre sus ganas de follar, en medio de lo que parece una pelea conyugal relatada con todo el humor: “No ha llovido en un mes, el río se ha secado / No hemos hecho el amor y quiero saber por qué”.
Last but no least, el vídeo definitivamente funciona en su intento de acercar a los Rolling a las nuevas generaciones, con la colaboración nada anecdótica de Sydney Sweeney de ‘Euphoria‘ (!!). Ya le salió muy bien a Bob Dylan lo de llamar a Scarlett Johansson para un vídeo, y ellos no iban a ser menos. No sé qué esperaba la gente de los Stones ahora mismo, pero pienso en ‘Get On Your Boots’ de U2, y no veo color.
Måneskin han publicado esta semana una nueva canción que ya no está en su disco ‘RUSH!‘. Y es tan importante para ellos que es la que van a presentar en los próximos VMA’s de la MTV el 12 de septiembre.
‘HONEY (ARE U COMING?)’ es una producción inmediata y electrizante, uno de los singles más directos de los italianos, lo cual es mucho decir. Si el pre-estribillo les emparenta con los primeros Muse, la contundencia coral del estribillo «Meet me there where it never closes», con bien de «oh-oh-oh», nos hace pensar en llenaestadios tipo The Killers o Bon Jovi.
La letra contiene la típica sensualidad de Damiano («I’m gonna show you how this Italian amor is gonna love you harder than ever before»), y además él asegura que protagoniza un chique: «Es la historia de alguien que no tiene género ni nada, tú decides quién es. Encuentra a otra persona y pueden ver en sus ojos que hay algo de tristeza porque se siente fuera de lugar. Es una invitación de una persona a otra a unirse a ellos, en esta nueva aventura, sin saber lo que realmente van a encontrar, sino simplemente para disfrutar de la aventura».
Con «HONEY», Måneskin parecen estar pasando página del disco ‘RUSH!’, en el cual colaboraron con el productor Max Martin, pero sin igualar el impacto de ‘Teatro d’Ira Vol. 1‘. El sueco estuvo detrás de temas como ‘BABY SAID’ y ‘SUPERMODEL’, aunque parece que el público ha preferido a la larga -dentro de ese disco- ‘GOSSIP’ con Tom Morello. En este caso en el equipo que acompaña a Måneskin en «HONEY» encontramos a autores habituales de otras estrellas como Sylvester Sivertsen o Justin Tranter.
‘HONEY (ARE U COMING?)’ ha llegado al top 78 del Global de Spotify, nada mal para una canción de rock, sea del subgénero que sea. Después, es cierto que de momento solo ha aguantado 3 días de los 6 que lleva en circulación en el top 200. Los países grandes más fieles al grupo son Polonia, Alemania y Holanda, aparte de por supuesto Italia.
‘Everything Is Alive’ de Slowdive es nuestro Disco de la Semana. Una nueva maravilla de la banda de shoegaze sobre la que hemos podido hablar con la banda estos días. Podréis leerlo en breve. De momento, en celebración de que el sucesor del enorme ‘Slowdive’ está a la altura, regalamos una camiseta de ‘Everything Is Alive’ como esta que estáis viendo. El plazo del concurso terminará con la semana, el domingo 10 de septiembre a las 23.59 horas.
Regalamos una talla M y otra talla L. Para participar no olvides indicarnos en el asunto del mail qué talla preferís. Ganarán las camisetas de Slowdive las 2 respuestas más divertidas, concisas y originales recibidas en el mail jenesaispop@gmail.com a esta pregunta: «¿Qué te sugiere el título ANDALUCIA PLAYS?».
‘Everything Is Alive’ es una nueva joya de shoegaze. Tanto ‘kisses’ como ‘alife’ han sido “Canción del Día” en nuestra web al ser extraídas como single de adelanto del álbum. Pero también tracks como ‘chained to a cloud’ merecen nuestra atención por una voluntad más electrónica, no tan frecuente en la que es una de las bandas más queridas por el público underground. Este concurso es cortesía de la distribuidora de Slowdive en España, XL/Everlasting.
Cuando Mila se muda con su novio a la casa en la que solía veranear desde niña, comienza a experimentar la incapacidad de sentir satisfacción sexual. No es que le haya dejado de atraer su pareja, sino que el problema aparentemente reside en sí misma.
‘Creatura’, el segundo largometraje de Elena Martín Gimeno tras ‘Júlia Ist’, se empeña en viajar a la raíz de este, hurgando en los recuerdos de la infancia y la adolescencia para intentar encontrar el sentido a ese bloqueo sexual somatizado a través de un alarmante sarpullido que empieza en la vulva y se va extendiendo hasta cada centímetro de su piel. Este elemento corpóreo, casi cronenbergiano, le sirve a la cineasta para retratar el cuerpo como una prisión de la que no se puede huir. El cuerpo como fiel reflejo del alma. En este caso, un alma vapuleada por las crueles dinámicas de una sociedad que limita y reprime la sexualidad femenina desde la más tierna infancia hasta prácticamente anularla.
Martín Gimeno comienza su valiente exploración del trauma con un primer acto misterioso y oscuro. La Mila adulta (interpretada por ella misma), confusa y aturdida ante su dificultad para mantener relaciones sexuales, intenta buscar soluciones junto con su novio (Oriol Pla), pero en cierto momento se da cuenta de que no es en el presente donde encontrará respuestas, sino en edades significativas de su feminidad, representadas a través de flashbacks repentinos. Ahí es donde la película se abre y se expande como un ejercicio de cine meticulosamente atento en su retrato de la experiencia femenina.
La segunda parte, en la que Mila es adolescente (encarnada por una gran Clàudia Malagelada), eleva el ligero didacticismo de la línea temporal del presente a algo más sorprendente e interesante. Martín Gimeno imprime veracidad y tensión a esa etapa de crecimiento tan compleja que es la pubertad de forma similar a aquel luminoso acercamiento a la amistad de ‘Libertad’ de Clara Roquet (aquí, co-guionista junto a la directora). Las primeras fiestas, los primeros ligues, esas conversaciones banales llenas de machismo arraigado que se quedan grabadas o las acaloradas discusiones con los padres están plasmadas en pantalla con una admirable capacidad de observación.
De la misma manera, en el tercer acto dedicado a la infancia, encontramos esa agudeza en la representación de un periodo vital en el que la sexualidad es absolutamente tabú. Martín Gimeno propone aquí un arriesgadísimo ejercicio de valentía fílmica del que sale sorprendentemente airosa. Los primeros descubrimientos sexuales aparecen inconscientemente en la pequeña Mila (Mila Borrás), pero pronto se le enseñará a ignorarlos porque son incómodos y motivo de vergüenza.
El cine de Elena Martín Gimeno da un gran salto con ‘Creatura’ (premiada como mejor película europea en la Quincena de Cineastas de Cannes), un trabajo mucho más complejo y maduro que su predecesor, y que sabe suplir sus carencias (un desarrollo un tanto escueto de la relación de pareja, un discurso demasiado subrayado en ciertas ocasiones) con una puesta en escena sugerente y un tono psicológico inquietante.
María Jiménez ha muerto esta noche, a la 1 de la madrugada, a los 73 años en Triana, donde nació, como informa su familia a través de un comunicado. «Con profunda tristeza y dolor en nuestros corazones, despedimos hoy a María Jiménez, mujer amada y respetada por su compromiso inquebrantable con su familia, amigos, y admiradores. Un espíritu indomable, una personalidad arrolladora, una mujer fuerte y valiente que luchó contra todas las adversidades más allá de lo imaginable”.
María Jiménez publicó 18 álbumes a lo largo de una carrera musical de 50 años. Su gran éxito fue ‘Se acabó’ en 1978, el tema titular de un disco así llamado en el que denunciaba el maltrato. Jiménez pasaba página de una relación tóxica, cuando todavía no se hablaba en estos términos. Lo había escrito José Ruiz Venegas:
«Se acabó
Porque yo me lo propuse y sufrí
como nadie había sufrido y mi piel
Se quedó vacía y sola
Desahuciada en el olvido y después
de luchar contra la muerte, empecé
a recuperarme un poco y olvidé
Todo lo que te quería y ahora ya
Y ahora ya, mi mundo es otro».
María Jiménez nos deja, así, en el mismo verano en que #SEACABÓ se ha consolidado como lema feminista histórico, tras la polémica por el beso no consentido que Luis Rubiales, presidente de Real Federación Española de Fútbol, dio a una de las jugadoras españolas ganadoras del Mundial, Jenni Hermoso.
Antes de ‘Se acabó’, el primer disco publicado por María Jiménez en 1976 incluiría rumbas, tangos, bulerías, boleros y rancheras, estilos que marcarían su discurso. Su fuerza sobre el escenario y su carácter deslenguado, la convirtieron en un absoluto icono.
Su último disco salió en 2020 bajo el nombre de ‘La vida a mi manera’, con colaboraciones como Pitingo y Miguel Poveda. Especialmente exitoso en 2002 fue su largo ‘Donde más duele (canta por Sabina)’, que la devolvió al podio de ventas en España cuando las listas estaban copadas por ‘Operación Triunfo 1’.
También actuaba en películas tales como ‘Manuela’, ‘Perdóname, amor’, ‘Yo puta’ y series como ‘Hostal Royal Manzanares’ y ‘Todos los hombres sois iguales’. En 2022 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, otorgada por el Ministerio de Cultura. Su hijo Alejandro ha indicado que “Se nos va la última gran diva”, aunque ha consolado: “una nueva estrella pasa a formar parte del firmamento, con un brillo intenso”.
Drake se había posteado con el pelo lleno de 2 y de 9, lo que muchos habían interpretado como que su nuevo disco saldría el 22 de septiembre. Tenían razón.
‘For All the Dogs’, que así se llamará el álbum, llegará al mercado el mismo día que ’Scarlet’ de Doja Cat, dejando a este pocas opciones de ser número 1 en Estados Unidos pese al éxito en listas de ‘Paint the Town Red’, que acaba de subir al top 5. De momento no se conoce el tracklist de ninguno de los dos álbumes.
‘For All the Dogs’ acompaña al primer libro de poesía de Drake, ’Titles Ruin Everything: A Stream of Consciousness’, que salió en junio. La portada de ‘For All the Dogs’ la ha hecho su hijo Adonis. Otra colaboradora del álbum más talludita será Nicki Minaj, que declaraba hace unos días en Apple Music: “También tengo una canción en el álbum de Drake que saldrá pronto… Me encanta esa canción, sólo diré eso, que me encanta. Sé que a mis fans les va a encantar, sé que al mundo le va a encantar ese tema. Esto es todo lo que diré al respecto”.
Breaking: Drake uses hair to declare FOR ALL THE DOGS is dropping in 2 weeks.
La gira de Bruce Springsteen y la E Street Band que vimos en Barcelona tenía que llegar a Nueva York este 7 de septiembre. No va a ser posible. Todos los conciertos del Boss de este mes han tenido que ser pospuestos hasta nuevo aviso por enfermedad. Lo que no indica el comunicado es que en octubre no había fechas programadas, por lo que el tour se retomaría en Vancouver el 3 de noviembre. Los conciertos aplazados son un total de 8, incluyendo Baltimore, Pittsburgh y Washington DC, entre otras ciudades.
El comunicado indica que “Bruce Springsteen y la E Street Band han pospuesto todas las actuaciones actualmente pendientes para septiembre de 2023, comenzando con el show de mañana en Syracuse, Nueva York. El señor Springsteen está siendo tratado por síntomas de una úlcera péptica y la decisión de sus consejeros médicos es que debería posponer lo que queda de conciertos en septiembre».
Bruce ha añadido unas palabras en referencia a unas fechas de Philadelphia, que han pasado de agosto de 2023 a agosto de 2024: “Nos duele en el alma tener que posponer estos conciertos. En primer lugar, pedimos disculpas a nuestros fabulosos fans de Philly, a los que no pudimos ver hace unas semanas. Volveremos para recuperar estos shows. Gracias por vuestra comprensión y apoyo. Volveremos pronto”.
Nicki Minaj ha revelado estos días una de las portadas de su nuevo disco ‘Pink Friday 2’. Es esta que veis. Aprovechamos para reseñar el single con el que se ha presentado tan esperado álbum, ‘Last Time I Saw You’.
«Llevaba tiempo desenganchado de Nicki Minaj. Escuchaba cosas como ‘Super Freaky Girl’ o el remix-destrozo de ‘Barbie World’ de Aqua que hizo con Ice Spice, y se me escapaba el éxito que tenían. Pero tengo que reconocer que ‘Last Time I Saw You’ ha hecho que quiera escuchar el nuevo disco que la rapera prepara, un ‘Pink Friday 2’ que ella anuncia como “el mejor disco que hemos escuchado en años”.
No es la primera vez que Nicki baja los bpm con buenos resultados (ahí están temas como ‘Pills N Potions‘ o ‘Fly’ junto a Rihanna), pero puede que sea la vez que más vulnerable parece, en un tema que se especula que sea sobre el fallecimiento de su padre, y las cosas que le gustaría haber hecho de otra forma con él, cuando aún era posible.
Los productores acreditados aquí (Hendrix Smoke, ATL Jacob, Bak, Frankie Bash y TooDope) son gente con los que la intérprete de ‘Anaconda’ nunca había trabajado, así que parece que estaba decidida a sorprender con su sonido, en un tema que en ese sentido recuerda a ‘Tus gafitas’ de Karol G o, salvando las distancias, a ‘Video Games’ de Sufjan Stevens. Incluso la garra de Nicki cuando rapea tiene aquí un matiz: la rabia en su voz es más de tristeza que de agresividad… y ese final repitiendo “quizás te aparté de mí porque pensé que te aburría” hace pupa. Lo mejor de Nicki Minaj en mucho tiempo». Pablo N. Tocino.
«La balada que presenta el nuevo disco de Nicki Minaj está guiada por un precioso riff a la guitarra eléctrica. Su pesar por la «última vez que vio a alguien» se transmite también en un estribillo recordable y melódico. En una palabra, es bonito. La segunda estrofa, en la que cambiamos de tono para asistir a un recitado tipo «spoken word», y donde la voz de Minaj es más reconocible, es un 10. Y de repente… la canción se acaba. Parece que a los 6 autores del tema les ha costado concretar el último minuto y medio de ‘Last Time I Saw You’, haciéndolo sonar inacabado. O eso o han hecho una metáfora perfecta sobre de qué manera en los últimos instantes de nuestras vidas, el ser humano solo puede ir a la deriva. Voy a ponerme la tronchante ‘Super Freaky Girl’ para animarme un poco». Sebas E. Alonso.
Por increíble que pueda parecer a muchos seguidores de Måneskin, hay más grupos de rock en el mundo. Y de éxito. Royal Blood han logrado el número 1 de Discos en Reino Unido con sus tres primeros álbumes, y esta semana sumarán el cuarto con ‘Back to the Water Below’. Cuatro de cuatro.
Bajo la premisa de que un productor -aunque con buenas intenciones- a veces te empuja a un lugar donde tú nunca irías, el grupo formado por el bajista y vocalista Mike Kerr y el batería Ben Thatcher ha producido este trabajo por sí mismo. ¿Quizá en contraposición a ese disco anterior que decían influido por Daft Punk, pero que luego quedó a medio gas? Hoy por hoy Royal Blood continúan teniendo a Jack White en un pedestal, y hablan con emoción de un brevísimo encuentro con él, pero curiosamente el consejo que el ex líder de White Stripes les dio les ha hecho abrazar diferentes caminos.
Tal consejo venía a decir algo así como que lo primero que te sale para una canción es lo más importante («the thing»). Así que Royal Blood han querido respetar la personalidad de cada composición según les salía, sin necesidad de empujarla a lo que se entendía por sonido «Royal Blood».
Por un lado, es cierto que el single ‘Mountains at Midnight’ les salió espontáneamente a imagen y semejanza de su hit primigenio ‘Loose Change’, porque necesitaban otro momento concreto con el que la gente se volviera loca en sus directos. Por otro, los intentos de convertir pistas como ‘The Firing Line’ o ‘How Many More Times’ en temas más propios de Royal Blood los abortaron, y dejaron que las canciones quedaran tal cual.
Esta libertad empuja este cuarto trabajo hacia la universalidad, llevándolo a territorios ajenos a la tradición más blues-rock o stoner, ahora sin artificios. ‘Pull Me Through’, que culmina con una outro poética, casi susurrada, tiene un piano inspirado en The Beatles. Pero si te dicen que lo ha tocado Fiona Apple, te lo creerías. Y la canción que abiertamente sí que está empapada de sonido McCartney/Lennon es ‘There Goes My Cool’, en la que además emerge un puente muy glam, según ellos mismos inspirado en T-Rex y también en la Electric Light Orchestra.
La versatilidad sienta muy bien a Royal Blood, pues aunque ‘Tell Me When It’s Too Late’ y ‘Triggers’ son canciones plenamente efectivas, hacia la última parte de esta media hora de música, los encantos de ‘Back to the Water Below’ se empezaban a disipar. Más o menos a la altura de ‘How Many More Times’ y ‘High Waters’. Sin embargo, de la misma manera que en el disco anterior ‘Typhons’, lo último que escuchábamos era una balada llamada ‘All We Have Is Now’, en este ejercen de cierre la mencionada ‘There Goes My Cool’ y un tema titulado ‘Waves’ de cierto aroma a Chris Isaak o Lana del Rey. La variedad tiene ahora más cohesión.
Hablan en este disco Royal Blood de la sobriedad de Mike lograda desde hace unos años (‘Triggers’), de rozar el abismo (‘How Many More Times’), de encontrar fuerza para pedir ayuda a los demás (‘Pull Me Through’), de nuestra atracción hacia el peligro (‘The Firing Line’). Pero lo más importante es el lenguaje global al que están llegando Royal Blood a través de la música, dejando marchar viejos corsés. Esa guitarra en ‘The Firing Line’ es la viva representación del peligro. Y las notas de piano, el placer culpable de caminar hacia él. «Nada me devuelve a la vida / Como caminar hacia la línea de fuego».
Con motivo del que habría sido el 52º cumpleaños de Dolores O’Riordan, se ha anunciado en sus redes sociales que habrá algo parecido a un tercer disco en solitario de la artista. Saldrá en BMG, sello que ya publicara el álbum póstumo de Cranberries, ‘In The End’, que terminara nominado a un Grammy en la categoría rock. Fue la primera nominación de toda su carrera.
El mensaje de Instagram dice que Dolores O’Riordan trabajó en un tercer disco en solitario los años anteriores a su muerte y que, aunque no lo pudo terminar, estaba en su deseo que dichas canciones vieran la luz. Sus seguidores sabían que existe un segundo álbum de su proyecto paralelo D.A.R.K. junto a Andy Rourke y su pareja Olé Koretsky. Pero nada se sabía sobre un tercer trabajo de la artista. Se darán más detalles próximamente.
Por otro lado, lo que sí se ha concretado en los últimos días es la reedición del tercer disco de Cranberries, que saldrá alrededor del 13 de octubre. Tras la necesaria reedición de los dos primeros álbumes, se reeditará también el menos exitoso ‘To the Faithful Departed’, con maquetas totalmente desconocidas hasta ahora y directos de aquella gira que no llegó nunca a Europa debido a los problemas de salud de O’Riordan. Este será el tracklist. Más detalles, aquí.
Disc 1 – To The Faithful Departed – Deluxe Remaster
1. Hollywood
2. Salvation
3. When You’re Gone
4. Free To Decide
5. War Child
6. Forever Yellow Skies
7. The Rebels
8. Intermission
9. I Just Shot John Lennon
10. Electric Blue
11. I’m Still Remembering
12. Will You Remember?
13. Joe
14. Cordell
15. Bosnia
16. The Picture I View
17. Go Your Own Way
Disc 2 – Unreleased Demos and Outtakes
1. When You’re Gone (Paris demo)
2. I Just Shot John Lennon (Paris demo)
3. Free To Decide (Paris demo)
4. The Rebels (Outtake)
5. Hollywood (Outtake)
6. Cordell (Early mix)
7. Bosnia (Early mix)
8. Salvation (Early mix)
9. When You’re Gone (Early mix)
10. Electric Blue (Early mix)
11. Intermission (Early mix)
12. Joe (Early mix)
13. Free To Decide (Alternate mix)
Disc 3 – 1996 Free To Decide tour
1. Intermission + Forever Yellow Skies (Live in Toronto)
2. Sunday (Live in Toronto)
3. Linger (Live in Toronto)
4. The Rebels (Live in Toronto)
5. Waltzing Back (Live in Toronto)
6. I Can’t Be With You (Live in Toronto)
7. Free To Decide (Live in Detroit)
8. Dreams (Live in Detroit)
9. Hollywood (Live in Detroit)
10. Zombie (Live in Detroit)
11. Dreaming My Dreams (Live in Detroit)
12. The Icicle Melts (Live in Detroit)
13. Salvation (Live at Milton Keynes Bowl)
Como se venía rumoreando durante las últimas semanas, los Rolling Stones tienen listo su primer disco de estudio con material original en 18 años. Se llamará ‘Hackney Diamonds’ y saldrá el 20 de octubre.
Es el sucesor respecto a material original de los Rolling de ‘A Bigger Bang’ (2005), aunque en medio ha habido directos, reediciones y discos de versiones, a destacar las «covers» de ‘Blue & Lonesome‘.
El nuevo disco ha sido presentado a través de un directo de Youtube. Mick, Keith & Ronnie han sido entrevistados por el presentador Jimmy Fallon ante medios de todo el mundo. Allí han contado que el álbum lo gestaron sobre todo en torno a Navidad y que para febrero de este año lo estaban mezclando. Además, habrá colaboraciones de Charlie Watts, pues antes de morir, grabó baterías de un par de temas en 2019. Otra invitada será Lady Gaga, apareciendo en el corte ‘Sweet Sounds of Heaven’.
El primer single se llama ‘Angry’. En algún momento valoraron que ese fuera el título del largo, pero al final optaron por algo más «ecléctico» que reflejara mejor el espíritu del álbum.
El single ‘Angry’, estrenado al término abrupto de esta conferencia, mantiene la esencia rock de los Rolling Stones, como si el tiempo no hubiera pasado, y su estribillo es tan directo y potente como “Don’t get angry with me”. El vídeo alterna los planos sexys de la actriz protagonista, Sydney Sweeney, en un coche, con imágenes históricas de los Rolling.
Universal indica que la lista completa de temas se revelará «a su debido tiempo». Sí se comenta que el disco se grabó en varios lugares del mundo, incluyendo los Henson Recording Studios, de Los Ángeles; Metropolis Studios, de Londres; Sanctuary Studios, de Nassau, Bahamas; Electric Lady Studios, de Nueva York; y The Hit Factory/Germano Studios, también en Nueva York. El productor ha sido Andrew Watt, conocido por haber colaborado con Pearl Jam, Iggy Pop y Elton John.
A lo largo del último par de años, hemos venido compartiendo en diversas playlists las primeras canciones de Lea Leone. El medio tiempo guitarrero y épico ‘oxígeno’, la balada con cuerdas ‘hazme un pequeño favor’, su tema ‘la droga’… Ahora se ha publicado una 5ª composición, fresca y original, que puede ser su himno definitivo.
Lea Leone es hija de Fernando Alfaro (Chucho, Surfin Bichos) e Isabel León (Is), dos leyendas del indie de nuestro país. Su nombre real es Natalia Alfaro León. Ha fichado por Subterfuge, donde prepara un disco «a fuego lento». En principio, parecía explorar caminos parecidillos a los de sus padres en sonoridad, enfocados a veces en la canción de autor, otras en el rock. Entre sus influencias figura gente algo dispar, como Alvvays y Boo Radleys.
‘aquel sábado’ es otra cosa. Se trata de una composición a toda hostia (143bpm’s, nada menos), de melodía alegre y contagiosa, quizá influida por el catálogo de Elefant, más bien. La letra es optimista y es un ánimo para que alguien deje de sumergirse en el fango, pero el entorno que retrata es muy poco radiable. Aparecen el PP («te sigues quejando del PP»). La República. La vida sin internet. El Corte Inglés:
«Nos iremos a una isla, muy lejos,
que sin rey funciona bien
En la tele no hay política rancia
ni violencia contra la mujer
Hay un gran gremio de artistas ilustres
que han sustituido a El Corte Inglés».
Oficialmente es «una canción sobre huir a un lugar abstracto, desconocido», que invita a «encontrar una realidad alternativa lejos de las desgracias mundanas, el sol entre las nubes agridulces del día a día». Lo consigue gracias a unas guitarras vibrantes, esa melodía ciertamente tan soleada o las notas de teclados.
Por último, no podemos evitar compartir las bonitas palabras anti-paternalismo que pronunció su padre Fernando Alfaro en la última entrevista que hicimos a Surfin Bichos: «(Natalia) Tiene un arrojo que yo nunca tuve. El que le lleva a salir ella sola con la guitarra acústica a cantar su repertorio. Yo eso tardé… pues empecé en el 88 con Surfin’, y el primer acústico solo lo hice en 2004. Tardé 16 años en atreverme a salir solo. En cambio ella…»
Esta semana se ha presentado el nuevo programa de Ana Rosa Quintana, el sustituto en franja horaria de ‘Sálvame’. Un espacio que algunos intuían ideado para influir en las elecciones de fin de año, que Pedro Sánchez anticipó al 23-J. De hecho, Quintana llegó a afirmar que seguiría también en las mañanas, «en la mesa política, por lo menos hasta las elecciones».
En cualquier caso, y como no está tan claro que no vayamos a otras elecciones generales en unos meses, el proyecto sigue adelante bajo el nombre de ‘TardeAR’.
Esta semana se han presentado sus colaboradores, y entre ellos figuran Alaska y su marido, Mario Vaquerizo. Hay que recordar que Jorge Javier Vázquez escribió una carta en la que anunciaba más o menos que «cancelaba» a Alaska y Mario por su ambigüedad política, en concreto por «compadrear» con «representantes de un partido que se opone a la consecución de derechos y libertades» de las mujeres y el colectivo LGTBI+. Por este motivo, quizá el fichaje de Ana Rosa, que sustituye a Jorge Javier en franja horaria en Telecinco, podría tener su punto de justicia poética para el polémico matrimonio.
Otros colaboradores de TardeAR serán Cristina Cifuentes, Xavier Sardá o las influencers Marina Rivers y Madame de Rosa, como informa Vertele.
Más tarde se ha conocido la noticia de que Alaska no continuará en RTVE con sus labores de presentación de ‘Cine de Barrio’. Tras 3 años en que se ha podido verla al frente de este espacio de nostalgia cada sábado por la tarde, cederá el testigo a Inés Ballester. Según El Televisero, Ballester comenzará las grabaciones a finales de septiembre.
Ante el titular generalizado de la prensa «Alaska cambia Cine de Barrio por Ana Rosa», la cantante ha acudido a Instagram para aclarar que ella no ha dejado Cine de Barrio. Indica que le hubiera gustado alternarlo con otros programas: «Nunca hubiera dejado de presentar Cine de Barrio voluntariamente, los que me conocen saben que para mí ese programa es vocación más allá de lo profesional. Me entristece muchísimo no seguir formando parte de ese proyecto. Pero entiendo que en las cadenas se toman las decisiones que se consideran adecuadas en cada momento».
Alaska también será este año investigadora de la cuarta edición de ‘Mask Singer’. Por su parte, Mario Vaquerizo ha sido noticia este verano por portar una camiseta de la Legión Española. Su compañero en Nancys Rubias Juanpe escogía el Valle de los Caídos y el lema franquista «Una grande y libre».
‘In Utero’ fue el tercer y último disco de estudio de Nirvana, publicado unos meses antes del suicidio de Kurt Cobain. Sucediendo al gran clásico de su carrera, ‘Nevermind’, fue una grabación muy controvertida, que incluyó cambio de productor por el camino. De Steve Albini pasaron a Scott Litt, para cabreo monumental del primero. A pesar de que no se igualó el impacto de ’Nevermind’, el disco incluye algunos de los clásicos de Nirvana, como ‘Heart-Shaped Box’, ‘Rape Me’, ‘Dumb’ y ‘All Apologies’.
En cualquier caso, se va a celebrar su 30º aniversario por todo lo alto, como ya se hizo con el 20º aniversario. El 27 de octubre se publicará una reedición de ‘In Utero’ en varios formatos, como por ejemplo una edición Super Deluxe de 5 CD’s. Esta incluye el disco original, 5 caras b y temas extra recién remasterizados, 2 conciertos completos de Los Ángeles ’93 y Seattle ’94 (el penúltimo de todos) más 6 canciones extra en directo de la gira. De las 72 pistas que se ofrecen, 53 serán temas inéditos.
Otras de las cosas que se ofrecen en la caja deluxe son un panel de ángel sobre acrílico; un libro de 48 páginas con fotos inéditas; nuevo fanzine de 20 páginas; póster litografiado del concierto de Los Ángeles; 2 talones de entradas; réplicas del ángel móvil promocional, 3 flyers de conciertos, laminado de acceso total a la gira y 4 pases de backstage.
En exclusiva para Universal Music Online, los 25 primeros fans que compren los sets de 5CD y/o 8LP Super Deluxe recibirán un soporte acrílico de Nirvana para exponer el panel acrílico. Tenéis todos los detalles en la web de Universal.
CD 1
IN UTERO
Album original remasterizado
1 Serve The Servants
2 Scentless Apprentice
3 Heart-Shaped Box
4 Rape Me
5 Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle
6 Dumb
7 Very Ape
8 Milk It
9 Pennyroyal Tea
10 Radio Friendly Unit Shifter
11 Tourette’s
12 All Apologies
BONUS TRACKS & B-SIDES
Remasterizado
13 Gallons Of Rubbing Alcohol Flow Through The Strip
14 Marigold
15 Sappy
16 Moist Vagina
17 I Hate Myself And Want To Die
CD 2 & 3
LIVE IN LOS ANGELES
Great Western Forum – 30 Diciembre 1993
CD 2
1 Radio Friendly Unit Shifter*
2 Drain You*
3 Breed*
4 Serve The Servants*
5 Come As You Are*
6 Smells Like Teen Spirit*
7 Sliver*
8 Dumb*
9 In Bloom*
10 About A Girl*
11 Lithium*
12 Pennyroyal Tea*
CD 3
1 School*
2 Polly*
3 Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle*
4 Rape Me*
5 Territorial Pissings*
6 Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam*
7 The Man Who Sold The World*
8 All Apologies*
9 On A Plain*
10 Heart-Shaped Box
11 Blew*
12 Feedback Jam*
CD 4 & 5
LIVE IN SEATTLE
Seattle Center Arena – 7 Enero 1994
CD 4
1 Radio Friendly Unit Shifter*
2 Drain You*
3 Breed*
4 Serve The Servants*
5 Come As You Are*
6 Smells Like Teen Spirit*
7 Sliver*
8 Dumb*
9 In Bloom*
10 About A Girl*
11 Lithium*
12 Pennyroyal Tea*
CD 5
1 School*
2 Polly*
3 Frances Farmer Will Haver Her Revenge On Seattle*
4 Milk It
5 Rape Me*
6 Territorial Pissings*
7 Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam*
8 The Man Who Sold The World*
9 All Apologies*
10 On A Plain*
11 Scentless Apprentice*
12 Heart-Shaped Box*
13 Blew*
BONUS LIVE 1993/1994
1 Serve The Servants (Live in Rome)*
2 Scentless Apprentice (Live in Rome)*
3 Heart-Shaped Box (Live in Rome)*
4 Very Ape (Live in Rome)*
5 Milk It (Live in Springfield)*
6 Tourette’s (Live in New York)*
* Inéditas
iuky es el alias de Yuki López Cho, artista canario-japonés afincado en Madrid que lleva publicando música desde 2019. Los singles ‘mata, me’ y ‘gen’ fueron los primeros lanzamientos de iuky, de 2019, y después ‘「mi cielo」’, de 2021, marcó un parón en la carrera de iuky que ha terminado este 2023, con la publicación hace unos meses del disco ‘ai, nostalgia++‘. Un trabajo dedicado a la nostalgia de la niñez, creado después de la pérdida de un ser querido, tras la cual iuky ha querido regresar al pasado, a tiempos más sencillos.
Hay un fondo nostálgico evidente en las canciones de iuky, que tampoco andan lejos del sonido de los artistas asociados al sello Rusia-IDK, como rusowsky o Ralphie Choo. Son miniaturas pop que florecen en la intersección entre el pop clásico y el tratamiento digital extremo, sobre todo en unas voces que suenan alienígenas. Tirando tanto de drum ‘n bass (‘superloved’) como de ambient (‘ai love’), apoyándose tanto en el piano (‘oyo’) como en el clavecín (‘mi cielo’), las canciones de iuky invitan a sumergirse en un mundo extraño pero reconfortante.
En toda la nostalgia que transmiten las canciones de iuky es posible hallar una influencia indirecta, la de las películas de la productora japonesa Studio Ghibli. iuky creció viéndolas junto a su madre y le marcaron de por vida. Por eso, iuky ha escogido hablar de Studio Ghibli en una nueva entrega de «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic. Su admiración por el trabajo de Hayao Miyazaki y compañía va mucho más allá de las películas típicas, como ‘El viaje de Chihiro’ o ‘La princesa Mononoke’. Y, ojo, iuky ha sampleado algunas de ellas en sus canciones, como ya hiciera Flying Lotus años atrás.
¿Por qué has elegido hablar de Hayao Miyazaki en esta sección?
Realmente mi primera opción eran los videojuegos, pero se me habían adelantado ya jaja. Igualmente, las películas de Miyazaki Hayao / Studio Ghibli han sido y siguen siendo una parte muy importante de mi vida, y sinceramente me hace muy feliz poder compartir esto en público :) ¿Cuál fue la película de Miyazaki que te introdujo a su obra, o la de Studio Ghibli en general? ¿Qué te llamó la atención inicialmente?
Según mi madre, la película de ‘Laputa (Castillo en el Cielo)‘ fue la primera película “larga” que conseguí ver de principio a fin cuando era un niño, y todo gracias a que le prestó el VHS una amiga suya que había venido de Japón (en aquel entonces, viviendo en Canarias era complicado conseguir pelis japonesas).
Sin querer sonar demasiado romántico, siempre he sentido que lo que vi en esa película, las cosas que ocurren en ella, los sentimientos que pasa el personaje, fueron cosas que realmente ocurrieron en mi propia vida cuando era pequeño.
No sé, creo que la suma de un dibujo tan característico, la naturalidad de las animaciones, la música, y la forma de narrar la historia en la que prioriza transmitir sensaciones, hizo que sin entender muy bien el valor de cada cosa, me atrapara en ese mundo y me hiciese parte de ella.
‘El viaje de Chihiro’ es la peli más popular de Studio Ghibli, de 2001, pero antes vinieron muchas otras. ¿Cuál destacas y por qué?
Como había comentado, ‘El Castillo en el Cielo’ fue la que me introdujo al mundo de Miyazaki Hayao, siendo esta mi obra favorita desde un punto nostálgico y personal. Sin embargo, de la misma manera ‘Totoro’ y ‘La Princesa Mononoke’ fueron obras que me cautivaron de una forma muy parecida (incluso teníamos mucho merch esparcido por el piso, sobre todo de Totoro) y son obras que también vi muuchas muchas veces en casa.
Aunque ‘La Princesa Mononoke’ me parece una obra tan redonda que se me hace demasiado fácil recomendarla, creo que me gustaría destacar algunas obras que creo que se quedaron un poco en la sombra, como ‘Porco Rosso’, ‘Pom Poko’ y ‘Kiki’s Delivery Service’.
Entre ellas, la que más se ha quedado conmigo es ‘Porco Rosso’, la cual de pequeño me pareció relativamente aburrida, pero tras verla de nuevo muchos años más tarde me encantó de una manera que no me esperaba. ¿A quién no le puede gustar un cerdo tan cool?
Aparte, ‘Pom Poko’ de Isao Takahata me parece muy folklórica y súper divertida al mismo tiempo. Solo digo que hay una escena en la que los tanukis vuelan y atacan con sus testículos…
Como fan de Studio Ghibli, ¿qué diferencias aprecias entre los estilos de dirección de Hayao Miyazaki y Isao Takahata?
Aunque ambos tienen aspectos/temáticas similares en sus obras en los que a veces es complicado diferenciar si una obra es de uno u otro, creo que “Paku-san” intenta fluir por ciertas temáticas que creo que a Miyazaki no le gusta explorar tanto. Por ejemplo, siento que Takahata no ha tenido miedo a tratar historias con un atractivo más de nicho como en ‘Mis vecinos los Yamadas‘, ‘Pom Poko’ o la deprimente ‘La tumba de las luciérnagas‘, todas basadas en folklore japonés bastante específico, a diferencia de Miyazaki que a menudo mezcla temáticas más agradables con un folklore japonés más estético junto a temáticas y mundos occidentales.
No sé, creo que en el caso de Takahata me atrae su toque de “autor”, su manera personal de intentar narrar historias mediante medios diferentes (ha dirigido incluso un documental “realista” sobre la polución del agua, la única de Ghibli que no es mayormente animada), aun sin poder dibujar el mismo, y a día de hoy me siento algo representado con eso, ya que por ejemplo yo no sé tocar ningún instrumento y aun así intento crear música a mi manera.
¿Hay algún personaje de Studo Ghibli con el que te sientas identificado?
Quizás esté tirando por la respuesta más fácil, pero a día de hoy sigo pensando de vez en cuando en el personaje de Kaonashi de «Chihiro». En la película, este es un espíritu que no tiene personalidad o emociones, el cual aprende o se deja influenciar por las personalidades o tratos de los seres a su alrededor. Obviamente no creo que yo sea una persona con cero personalidad propia, pero sí que siento que a menudo he sido y sigo siendo muy influenciado por lo que veo a mi alrededor, quizás por mis inseguridades, o quizás por intentar pasar desapercibido con algunas cosas.
Flying Lotus sampleó ‘La princesa Mononoke’ en ‘Cosmogramma’. ¿Te tienta samplear alguna película de Studio Ghibli? ¿Cuál sería?
Ya lo he hecho varias veces xdd. Nada que esté público, pero cuando empecé a producir beats e instrumentales, en varias ocasiones he sampleado melodías de canciones de Hisaishi Joe, como ‘One’s Summer Day’, ‘Innocent’, ‘My Neighbour Totoro’… Todo esto fue en la época del iuky más lo-fi jajaj
Incluso en alguna carpeta enterrada debería tener una cover de ‘Teru no Uta‘ de Teshima Aoi, de la película ‘Cuentos de Terramar‘.
En ese sentido, ¿qué influencia ha tenido Studio Ghibli en tu manera de pensar, imaginar, o crear música?
En cuanto a la música, no estoy seguro si ha tenido una influencia como tal, pero quizás haya alguna relación con el hecho de que intento que una condición para terminar de sacar una canción sea que yo crea que esta provoque algún sentimiento personal en cada oyente, en el caso de ‘ai nostalgia++’, por ejemplo, serían la nostalgia o los recuerdos de cada persona.
Incluso, hilando con lo que comentaba en la segunda pregunta, creo que otra relación que puede haber es el hecho de que siempre he querido intentar crear música que, aunque contenga una letra que no se entiende, transmita una sensación igualmente, de la misma forma que me transmitió ‘El Castillo en el Cielo’ de niño sin entender del todo lo que veía.
¿Qué peli de Miyazaki menos conocida crees que debería ser más valorada y por qué?
De nuevo, creo que no se habla lo suficiente del ‘Castillo en el Cielo’ (aunque quizás esto tenga algo de subjetividad por mi parte) y me parece una película increíble, con una estructura clásica que para mí es muy redonda, y nunca me canso de verla las veces que sea. Aparte, me gustaría mencionar ‘Porco Rosso’ y ‘Pom Poko’ como obras esenciales en la lista de cualquiera.
¿Qué impacto han tenido en ti las bandas sonoras de Joe Hisaishi?
Quizás nada a nivel práctico con mi forma de hacer música, pero enormemente en lo personal creo yo. Creo que a día de hoy, su música es la que más nostalgia me causa hacia mi infancia, y me es inevitable asociarla con mi madre y mis recuerdos con ella cuando la escucho.
¿Algún cortometraje o colaboración de Studio Ghibli que destaques?
Sinceramente conozco pocos cortos o trabajos fuera de las películas, pero de lo que he visto me quedo con ‘Mei to Konekobasu’, un corto sobre Mei y el Nekobus que funciona como una mini secuela de la peli de Totoro. Creo que legalmente solo se puede ver en el museo de Ghibli, así que animo a cualquiera que vaya a verlo si puede :)
Ya por último, casualmente por mi cumple iré esta misma semana a ver la nueva película, ‘El niño y la garza’, con mi madre, que es muy fan de Ghibli desde siempre, y siendo esto un evento que nos une a los dos, la verdad es que me hace muy feliz poder seguir viendo estas obras con ella a día de hoy :)
«‘Perfect Saviors’ es nuestro sincero y nada irónico esfuerzo por crear el mayor y mejor álbum de rock del siglo XXI». Esta es la (nada) modesta declaración que Tony Wolski, el portavoz del colectivo The Armed, hizo a Stereogum. La web a su vez, se deshace en elogios en el mismo artículo: “The Armed es una de las mejores bandas del mundo: un colectivo en expansión y algo misterioso con un elenco rotativo de cantantes y músicos, que tocan música fiestera intensa y a un volumen atronadoramente alto, salpicada de momentos de accesibilidad pop”.
Aún hay más: en cuanto salió el disco, un amigo muy fan de la banda le dio un 10 y me lo proclamó uno de los mejores del año. Pero… ¿hay para tanto? Pues me temo que voy a ejercer de crítica vinagres y voy a decir que para tanto-tanto tampoco hay.
Lo que no significa que ‘Perfect Saviors’ sea un mal disco. Al contrario: es divertido, es entretenido, es adhesivo, y todo lo ultrapop que no fue el anterior, irónicamente así titulado. La banda ha abierto sus miras y, en vez de parir una obra sofocante y hardcoreta como nos tiene acostumbrados, nos ofrece un variado fresco de temas que oscila entre la pegada pop de los Strokes, el indie rock con toques de electrónica de los 90 que pusieron de moda Garbage, el post emocore y el punk abrasivo.
Todo con sazonado de efectos especiales, voces tratadas, redobles sobre redobles, riffs sobre riffs y una sobreproducción de lo más desvergonzada. Pero a pesar de todas estas virtudes, no llega a la categoría de obra maestra. Es probable que tantos parabienes previos redunden en contra de su apreciación. También se echa de menos algo de profundidad. ‘Perfect Saviors’ tiene un sonido atronador, pide ser escuchado sin auriculares, al máximo volumen, para poder gozar plenamente de todo su aparatoso despliegue de guitarrazos acelerados y baterías al borde del infarto, pero quizás peque de ser superficial, de no llegar al fondo de las canciones y tener un exceso de brilli-brilli.
Eso sí, tiene una gran entrada. ‘Sport of Measure’ es un desbocado y barroco número de pop con distorsión, rupturas y guitarrazos hardcore, que sirve para sumergirse en la propuesta, para interesarnos profundamente en ella y de la que no importaría que se alargara al menos un minuto más de los 2:45 que dura. Conecta con ‘FKA World’, una versión “Viva la gente” del típico hit tardonoventero, pero que también es deslavazada, como si no supieran a dónde tirar: quieren meter tantas cosas, quieren que suene tan deslumbrante, que se pierden un poco por el camino. Aunque en ‘Clone’ calman la dispersión y nos regalan un estribillo avasallador, como si Simon and Garfunkel se hubieran hecho hardcoretas, tachonado de riffs y redobles abrumadores. ‘Everything’s Glitter’ une a los Strokes con los riffs a lo Tom Morello. Es una de las piezas donde la coctelera funciona a pleno rendimiento: acelerada, loquísima, con su puntito de locura comunal, de desquiciamiento.
Quizás a partir de aquí los temas no son tan redondos. Ni el single con la participación de Julien Baker, ‘Sport of Form’ con su bien de mesianismo y épica acaba de arrancar. ‘Patient Mind’ sí que logra elevar con sus emocionantes gritos a lo Black Francis, sin embargo su continuación, ‘Vatican Under Construction’, satura al final. Recuperan pegada con la muy sintética ‘Liar 2’, casi fusilando al ‘Cars’ de Gary Numan, que sí tiene madera de hitazo principio de los dosmiles.
The Armed se guardan para el final los más grandes cambios. La balada casi acústica ‘In Heaven’ donde la voz no aparece por primera vez sofocada por multitud de efectos, y el alud tecnológico se cambia por un saxofón muy corpóreo, propio de BC,NR. El brillo y el arrebato lo recuperan en el final ‘Public Grieving’, deriva jazz incluida.
‘Perfect Saviors’ tiene la duración justa (41 minutos, 12 canciones) y suena brillante. Pero deja la sensación de que aún podría haber sido más intenso, más arrebatador, más emocionante. Como si se quedaran en la superficie y no se atrevieran a abrazar la parte más emocional y tocarnos la patata del todo. Habrá que esperar a verles en directo, la gran baza de la banda.
El próximo jueves 14 de septiembre será el regreso de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP. Lo grabaremos con público en directo a partir de las 20.30 horas en el Teatro Off Latina de Madrid. Las entradas están a la venta a 10 euros y las podéis conseguir aquí.
Este episodio será un repaso a todo lo que dio de sí el verano de 2023. Hablaremos del fenómeno ‘Barbie’. De las canciones y discos del verano, lo que incluye los memes sobre gordofobia de Troye Sivan o la explosión definitiva de ‘Nochentera’. De festivales y conciertos, como los de The Weeknd o Björk. De polémicas como la de Róisín Murphy. De series que debes ver, como ‘Poquita fe’. Del fenómeno PERRO SANXE y La Pija y La Quinqui.
Este fue el verano en que el feminismo triunfó y cambió todo. Al fenómeno ‘Barbie’ hay que sumar la revolución generada por las tetas de Eva Amaral, después de las de Rocío Sáiz. Y por supuesto del Mundial que ha ganado el Fútbol Femenino para España, con todo lo que ha repercutido en una sociedad que ha dicho #SEACABÓ para siempre a personajes como Rubiales.
Habrá regalos, como en el caso del episodio número 100. En este caso regalaremos entre los asistentes 2 abonos para el festival BRAVA, que se celebra en Madrid este mes de septiembre, con las actuaciones de Sugababes, Mika, Melanie C, Vicco, Belén Aguilera o Samantha Hudson.
Os esperamos el jueves día 14, y os dejamos con los dos directos realizados hasta la fecha, con gran éxito de crítica y público.
Demasiado se había hypeado el regreso al estudio de Timbaland con Justin Timberlake y Nelly Furtado. Tanto con uno como con otra, el productor grabó muchos de los mejores hits de 2006: ‘Sexyback’, ‘Maneater’, ‘My Love’, ‘Promiscuous’… Ahora vuelve con lo que se considera su primer single en solitario en 8 años, y su debut como artista en el sello Mosley Music Group con Def Jam Recordings.
Para averiguar que la cosa no va muy en serio basta con echar un vistazo a la portada del sencillo: el título del tema con forma de globos. O el montaje fotográfico de los tres, cada cual en su casa.
Este ‘Keep Going Up’ empieza con muchas ganas de sonar a ‘Promiscuous’, recientemente viral en Tik Tok, y aproximándose a los 1.000 millones de streamings. El vídeo muestra a Nelly Furtado en un entorno futurista y a Justin Timberlake grabando en un entorno más místico, portando una camiseta de AC/DC por alguna razón. Cada uno ya un universo diferente, sin tiempo para un reencuentro, de lo liados que deben de estar con sus compromisos en solitario (LOL).
Ofrecen una toma vocal que nunca suena viva ni orgánica, sino apagada y artificiosa. Timberlake se queda el puente final con cambio de acordes (“I feel some kind of way”), pero justo entonces la crudeza del beat no logra sino reforzar ese cierto sabor a maqueta.
Y todo esto es bastante extraño, porque como revela Universal, el tema tiene su origen en Beatclub, la plataforma de creación musical de Timbaland y sus miembros, Last Trip to the Moon. La base del tema surgió de una sesión con los miembros de producción de Timbaland Brandon Stewart y Brandon Cordoba, seguramente porque ese es uno de los servicios que ofrece Beatclub, el de la creación de bases. Quizá si pensaban venderlo para inspirar a la gente, deberían haber depurado todo un poco… Quizá podamos esperar mejores cosas de los inminentes singles de Furtado.
rusowsky continúa siendo uno de los productores más excitantes de nuestro país. El madrileño de ascendencia bielorrusa ha deslumbrado por completo deconstruyendo géneros como el flamenco, el R&B o lo urbano, en producciones absolutamente maravillosas como ‘Dolores’ y ‘mwah :3’. Hace rato que etiquetas como el bedroom pop o el lo-fi se le quedan muy pequeñas.
Y eso es algo que vuelve a pasar en el nuevo single que encontramos entre las novedades de la semana. El próximo 12 de octubre, el artista ha sido invitado a actuar en el Foro Alarcón de la Ciudad de México y, como para celebrarlo, ‘LOTO’ parece un homenaje a los sonidos folclóricos de este país, que tan de moda están a través de nombres como Peso Pluma.
El tema comienza realmente como una composición acústica que -esta vez, sí- podríamos considerar lo-fi. Después, el ritmo de otra guitarra emprende un particular viaje al corrido tumbado, en medio del cual esos «No saldría bien» ejercen de mantra para esta canción triste sobre desamor. «Por ser tan fría te noto de hielo, solo quiero flores pa’ tu pelo».
El final de la canción termina de inclinar la grabación hacia México. Y haciendo gala de su particular sentido del humor y su carácter campechano, muy visible en sus conciertos, rusowsky ha posado en redes con tremendo sombrero, aunque lo que es la portada del single en sí, está más en sintonía con el carácter vanguardista y refinado de lo que escuchamos.
Renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del mes, con las canciones que hemos ido recomendando a lo largo del mes de agosto. Es el momento de recordar los que han sido los «discos de la semana» y que encontraréis en nuestro resumen con lo mejor de 2023. Hablo de noname, Slowdive, Victoria Monét, JUNGLE o Genesis Owusu. No pueden prometer más los avances de álbumes que aún no han salido, como Sofia Kourtesis, Jamila Woods, Oneohtrix Point Never, Kylie Minogue o Doja Cat.
Continuamos viendo en NewJeans una revelación del k-pop, y también debuta con un EP la influencer Addison Rae. Sextile, Zaho de Sagazan o Mushkaa están entre los artistas que no debemos perder de vista.
Sofia Kourtesis / Si te portas bonito
Jamila Woods / Boomerang
Slowdive / alife
Noname / black mirror
Doja Cat / Paint the Town Red
Victoria Monét / On My Mama
Oneohtrix Point Never / A Barely Lit Path
Peggy Gou / (It Foes Like) Nanana
Kylie Minogue / Tension
Carly Rae Jepsen / Psychedelic Switch
Birdy / Paradise Calling
The Killers / Your Side of Town
Hot Chip, yunè pinku / Fire of Mercy
Addison Rae, Charli XCX / 2 die 4
Selena Gomez / Single Soon
Olivia Rodrigo / bad idea right?
Genesis Owusu / Stay Blessed
Sigrid / The Hype
Kali Uchis, El Alfa, JT / Muñekita
Jungle / Back on 74
Travis Scott, Teezo Touchdown / MODERN JAM
Sextile / Crassy Mel
Zaho de Sagazan / Tristesse
Mae Stephens, Meghan Trainor / Mr Right
Del Water Gap / All We Ever Do Is Talk
Aleesha / Chulita
The Japanese House / Sad to Breathe
Jess Williamson / Hunter
Tinashe / Needs
SZA / Snooze
Charli XCX / Speed Drive
NewJeans / Super Shy
Young Miko / wiggy
Mushkaa, Julieta, roots / No m’estima +
Doja Cat / Demons
Sofia Kourtesis / Vajkoczy
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