En la lista de Discos España de esta semana ha habido dos escasas entradas, pero las dos han sido en la primera mitad del ranking. Una de ellas ha sido la de Travis Scott, que le ha quitado a Karol G el 2º puesto que tanto tiempo llevaba teniendo ‘MAÑANA SERÁ BONITO’. Lo de Scott y ‘UTOPIA’ se veía venir, el día de su salida el álbum debutaba con 128 millones de escuchas en Spotify.
Además, pese a seguir manteniendo que el show enfrente de las pirámides de Giza se hará, Travis Scott presentaba ayer su trabajo en Roma, en el Circus Maximus. Para sorpresa de los asistentes, el rapero se desvió del show que se esperaba e invitaba a Kanye West al escenario para cantar ‘Praise God’ y ‘Can´t Tell Me Nothing’.
Antes de entrar, así le agradecía a Ye: «No hay ‘UTOPIA’ sin Kanye West, no hay Travis Scott sin Kanye West. Haced ruido para el mejor artista de todos los tiempos». Esta era la primera aparición pública de Kanye tras las numerosas polémicas que ha protagonizado.
La otra entrada en la lista de Álbumes de España ha sido la de Post Malone con ‘Austin’. El artista ha colocado su trabajo en el número 18.
Corría el año 2017 cuando conocimos el proyecto musical de Amber Bain, The Japanese House. Sus influencias iban de Fleetwood Mac a Bon Iver, a la postre su amigo y colaborador. Sus melancólicas y atmosféricas canciones, en especial ‘I Saw You in a Dream’, le valían el fichaje de Dirty Hit, el sello de The 1975, y también Matty Healy terminaría colaborando con ella en su disco de debut, ‘Good at Falling’, publicado en 2019. Un precioso disco de ruptura en el que encontrábamos singles tan certeros como ‘Maybe You’re the Reason’ o joyas como ‘Lilo’ que eran difíciles de olvidar.
En este tiempo, a The Japanese House le ha dado tiempo de enamorarse y desenamorarse, de probar una relación a tres, de explorar su sexualidad, de reflexionar sobre su identidad como persona lesbiana -en el pop no sobran referentes precisamente- y, también, de volver a vivir una dolorosa ruptura. Sobre todos estos temas habla Bain en su segundo álbum, ‘In the End it Always Does’.
Es ‘In the End it Always Does’ un disco poblado de pequeños momentos. En ‘Spot Dog’, Bain es feliz recostada en la falda de la persona amada. ‘Touching Yourself’ es el recuerdo de una noche de sexting. La maravillosamente titulada ‘Indexical reminder of a morning well spent’, Bain rememora una mañana de desayuno con su chica, tomando café y mirando vídeos. ‘Friends’ es el relato de un trío.
Pero ‘In the End it Always Does’ también es un trabajo reflexivo, que contempla la propia existencia en tanto “somos el producto de lo que hemos vivido”, pero que también observa con lágrimas en los ojos el inminente fin de una relación, el recuerdo de un antiguo amor que pudo ser maravilloso hasta que terminó, la complicada relación de Bain con el amor o su aversión a las despedidas, de la que surge el título del disco: lo que ocurre “siempre” es la inevitabilidad de que las cosas -sobre todo las cosas buenas- lleguen a su fin.
Todo este fondo lírico, en ‘In the End it Always Does’ se encuentra al servicio de unas canciones que continúan por el camino del debut de The Japanese House pero que, inevitablemente también, suenan más sensibles y maduras. El trotón primer single, ‘Boyhood’, es una nueva muestra del tacto con el que Bain combina elementos acústicos y electrónicos para crear una joya pop, pero hasta puede llevar a engaño, porque en ‘In the End it Always Does’ las baladas tristonas ocupan una importante cuota de espacio.
Y algunas se encuentran entre las mejores canciones que Bain ha escrito, en especial ‘Sad to Breathe’: el título lo dice todo, pero, en el estribillo, Bain suena aún más desolada. Y esa desolación deja huella. Emocionalmente más descargada y ligera, “Indexical reminder” es otra maravilla dream-pop que invita a soñar como lo hacen las mejores composiciones de Mazzy Star. Y ‘Over There’ logra emocionar de la misma manera añadiendo un bello motivo de teclado que te hace sentir en una nube.
Pero ‘In the End it Always Does’ no es solo un disco de baladas. Empieza en ese lugar con el vals dream-pop de ‘Spot Dog’, pero el repertorio se va animando con las influencias californianas de ‘Touching Yourself’, con las guitarras inspiradas en Paul Simon de ‘Friends’ o con los inexorables ecos a Fleetwood Mac de otro de los singles, ‘Sunshine Baby’, en el que Matty Healy vuelve a asomar la cabeza para hacer coros.
En este estupendo segundo disco de The Japanese House en el que, curiosamente, NO hay que contar entre lo mejor la colaboración de MUNA, ‘Morning Pages’, por redundar en lo mismo y porque las voces se terminan confundiendo; hay que aplaudir la serenidad que Bain infiere a todas sus composiciones, la melancólica belleza que extrae de sus vivencias más personales. El disco concluye con ‘One for sorrow, two for Joni Jones’, otra balada de las que tocan la patata, en la que Bain se rinde ante la posibilidad de encontrar la felicidad en el amor de otra persona y celebra la lealtad de su perrito. Al menos se tienen el uno al otro.
Parece que el verano va a ser de Quevedo y ‘Columbia’, o eso dice la lista de éxitos de Singles España. Esta semana su canción vuelve a ser top 1, lleva 4 semanas coronando la lista y parece que así va a seguir siendo. También se mantiene en la 2ª posición la oda al sexo oral vaginal de Myke Towers: ‘LALA’. El bronce también es el mismo que la semana pasada con Sebastián Yatra, Manuel Turizo y Beéle, que se unen en ‘Vagabundo’.
En esta ocasión, solo hay una entrada en la primera mitad de la lista, y es en el número 38: Anuel AA, Jay Wheeler, Bryant Myers y Hades66 con el remix de ‘Pacto’. Aunque se queda cerca, Jhayco se coloca en el puesto 51 con ‘Holanda’. El estribillo se ha hecho muy viral en Tik Tok, es inevitable entrar en la red social y no escuchar: «Ella quiere que le dé y después le de banda / Blanquita parece de Holanda».
También entra Eladio Carrión con ‘6PM EN MALLORCA’ en número 67 y el freestyle lo hace desde un barco en el mar de Mallorca, obviamente. El verano es de los latinos parece, porque otra de las que se cuela en la lista esta semana es Young Miko. Lo hace en el puesto 74 con ‘wiggy’, su interpretación personal del ‘Aserejé’. La artista acaba de acabar un mes de conciertos en España.
Aunque salía hace más de 2 meses, Ozuna consigue que ‘Eva Longoria’ aparezca en el top 82 de Singles ahora. Bueno, Ozuna, o, mejor dicho, el algoritmo de Tik Tok (otra vez). También Billie Eilish entra con ‘What Was I Made For?’ en el puesto 85. Su delicada aportación para ‘Barbie’ entra esta semana, al igual que Karol G con ‘WATATI’, que lo hace en el número 100. Por último, Chanel y Ptazeta meten su ‘Ping Pong’ en el puesto 90.
Cuando parecía que ya no se podía tirar más de Las Ketchup, Young Miko saca ‘wiggy’ y en su estribillo le da otra vida al ‘Aserejé’. Pero una vida mucho más rapera, claro. Y es que la artista entremezcla el baile y verso icónico con su estilo hip hop: «Aserejé, ja, dejé / Ella se dejó y yo me la llevé, ah». Es nuestra Canción del Día.
Young Miko usa una base en la que la percusión le marca el ritmo perfecto mientras ella suelta las barras secas. Puede entonar más o menos, pero su estilo es el rapeo tajante pero un poco sobrado, de ligona: «Mami, you know what’s up, aquí no hay excusa’ / Súbete la falda, me gusta esa blusa», canta en uno de los versos. En la segunda parte de la canción, la artista le mete al beat golpes de reggaetón que completan un estilo que ya le estaba funcionando.
No le faltan las referencias de moda, que compagina con frases más coquetas: «Salí piquetúa, hoy salí de Bulgari / Se dio par de trago’ y se puso vulgari». Eso le encanta a la cantante de ‘Lisa’, contar todas las mujeres que tiene (o dice tener). Y lo hace sin dejar de bailar: «Qué muchas mamis hay en el club / Baby, muévelo al revé’ / ¿Cuál yo quiero? Yo no sé».
Aunque habla de cosas que no ha inventado, Young Miko crea un sonido y un lenguaje que no suenan vulgares. Y ella está encantada de mostrarse segura en ese tonteo.
Troye Sivan repite en el número 1 de JNSP con ‘Rush’, seguido a bastante distancia por el resto. Aun así, entran fuerte el nuevo single de Carly Rae Jepsen, extraído de su disco de caras B, y el dúo entre Jessie Ware y Róisín Murphy. NewJeans, Calvin Harris con Sam Smith, Blur y Queens of the Stone Age completan las entradas de la semana.
‘Busy Earnin’ es una de esas canciones que hacen carrera. Desde su lanzamiento, Jungle se han convertido en la banda favorita de tu mejor amigo, de tu madre, de tu compañero de trabajo. Con tres discos, ‘Jungle‘ (2014), ‘For Ever‘ (2018) y ‘Lovin in Stereo‘ (2021), el dúo británico compuesto por los amigos de la infancia Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland ha desarrollado un feliz sonido de funk y disco retro y cálido que ha conquistado a millones de personas. ‘Volcano’, su nuevo trabajo, que sale el viernes 11 de agosto, promete no decepcionar. De hecho, es su disco en años. Hablamos con Josh vía Zoom de cara a la publicación de ‘Volcano’, que Jungle presentarán en España en octubre: el 27 de octubre estarán en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 28 de octubre en el Palacio Vistalegre de Madrid.
¿Cómo habéis vivido este último año?
Hemos estado de gira, tocando en festivales, ha sido intenso, dimos nuestro concierto más grande en México, en octubre de 2022, que fue increíble. De ahí volvimos al estudio, en diciembre, y nos pusimos un plazo de un año para terminar este disco. Hemos intentado hacer un disco rápidamente, al contrario que los otros, que nos han solido tomar dos o tres años.
Te iba a preguntar qué diferencia ‘Volcano’ de vuestros discos anteriores. Por lo que dices, ha sido el proceso.
Hemos intentado no pensarlo mucho. Nos pusimos la condición que el disco que tengamos llegada la Navidad será el definitivo. Es como cuando preparas una galería de arte o una cena con amigos, los últimos detalles son los que los hacen especiales, pero los añades al final, no al principio. Si no, no terminas la obra nunca, te puede llevar toda la vida.
¿Qué significa para ti llegar al cuarto disco de Jungle?
Es muy emocionante, creo que cada vez hacemos mejor música, los sonidos evolucionan, pero creo que es importante cambiar y evolucionar, si no, no seguiríamos emocionados. No es humano querer hacer la misma cosa una y otra vez. Conservamos una curiosidad por encontrar diferentes sonidos. Nos gusta que cada disco tenga un concepto. Y me gusta cuando la gente dice “esto no suena a Jungle”. A eso respondo: “OK, perfecto”. Para mí Jungle es un escape. Y no sería un escape si sonara todo el rato igual.
Pero sí suena a Jungle, ¿no?
Claro, en el fondo suena a Jungle porque somos nosotros dos quienes tomamos las decisiones. Pero los colores con los que pintamos, el acabado, cambian a cada disco. La música siempre da buen rollo, no intentamos hacer lo que hace Aphex Twin, pero las herramientas cambian.
Si vuestro debut fue el disco de recién llegados a la industria, el segundo fue de ruptura y el tercero vuestro despertar espiritual, ¿qué es ‘Volcano’?
Es un ejercicio sobre capturar una energía y una armonía. No creo que haya necesariamente un concepto. En este momento hacemos música porque nos divierte. Toda la música que hacemos habla de las relaciones humanas, el amor que encuentras y el amor que pierdes… En ‘Volcano’ no hay tanto concepto, nos enfocamos en la energía y en la vibra.
Al menos el sonido es más orgánico que en anteriores discos. Hay mucha guitarra y melodías vocales que suenan sampleadas, pero no lo están.
Las únicas canciones del disco que tienen samples son ‘Dominoes’, que contiene un pequeño bucle de ‘Love is a Hurtin Thing’ de Gloria Ann Taylor, y ‘Don’t Play’. La mayoría de voces las hemos grabado nosotros.
El sonido tiene influencias del R&B y el soul clásicos, me vienen a la mente Al Green o Minnie Ripperton. ¿Cómo ha podido ser el «moodboard» de ‘Volcano’?
Intentamos no escuchar la música demasiado, preferimos trabajar desde la memoria y capturar un feeling. Con Minnie Ripperton, por ejemplo, sabemos que su música tiene un componente ligero y juvenil. Nosotros intentamos capturar su aura, pero no miramos directamente a la fuente porque, si lo hacemos, se nos graba en la conciencia. Preferimos recordar esas vacaciones en las que escuchamos una canción suya y nos inspiró esa cosa ligera que tienen sus canciones.
Otro ejemplo es ‘Holding On’, que es más discotequera y agresiva. Para componerla nos imaginamos a una chica salvaje que está en la discoteca bailando y tomando drogas. Entonces nos acordamos del vídeo de ‘Smack that Bitch Up’ de Prodigy y tratamos de componer una banda sonora de eso que estábamos imaginando. Así es como trabajamos.
«Me gusta cuando la gente dice “esto no suena a Jungle”. A eso respondo: “OK, perfecto”»
¿Aún empezáis todo vuestro trabajo en vuestros ordenadores y luego lo lleváis al estudio?
Lo hacemos como podemos. Normalmente trabajamos en el estudio, ya que nuestras canciones están más enfocadas en el sonido, no es que compongamos una canción a la guitarra y construyamos desde ahí. Normalmente empezamos con un beat o con una idea al teclado o con algo que tenga un poco de chicha, y escribimos a partir de esa idea.
¿Qué significa el título de ‘Volcano’?
Precisamente buscamos un título que hiciera a la gente preguntarse eso. ‘The Car’ de Arctic Monkeys ha sido la inspiración de ‘Volcano’. Recuerdo ver la portada de ese disco y preguntarme exactamente eso, ¿qué significa “el coche”? Probablemente no mucho. De ‘Volcano’ probablemente la gente dirá que es un disco “explosivo” y esas cosas, pero para nosotros simplemente es un título misterioso. Es un título que evoca una imagen muy concreta, los títulos de discos anteriores eran más etéreos, pero este juega con una imagen, es parecida al título de ‘Jungle’, nuestro primer disco.
¿Las cuerdas, por ejemplo las de ‘Problemz’, son reales?
Las cuerdas de ‘Problemz’ y ‘Good Times’ son reales. Justamente son las dos canciones que marcaron el sonido del disco. ‘Good Times’ la dejamos fuera porque era demasiado BETA, y en el disco no encajaba. ‘Problemz’ nos pareció demasiado guay como para no incluirla. El resto de pistas apenas incluyen cuerdas y si lo hacen son sintetizadas.
«A la gente que nos dice cómo debe ser nuestra música les respondo: montad vuestra propia banda»
Seguís en Caiola Records, que es vuestro sello propio. ¿Estáis definitivamente más contentos que cuando estabais en XL?
Nos parece importante mantener el control creativo. XL al final es una empresa y quiere ganar dinero. Y ves el mundo de otra manera cuando te liberas de tener relación con gente que te dice cómo debería ser tu música. Es raro vivir en un mundo en el que otra persona te dice cómo debería ser tu arte. Mi respuesta a esa gente solía ser que formara su propia banda. Antes había gente que nos decía que nuestra música no era suficientemente loca, o que no llamaba suficientemente la atención, y cuando eso pasaba yo no paraba de dudar de mí mismo. Somos nosotros quienes aplicamos el control de calidad a lo que hacemos.
¿Qué idea tenía XL de vuestra música?
Nada específico a comentar, más bien querían un single claro, las canciones que hacíamos no le parecían suficientemente «single». ¿Pero qué demonios es un single? A mí me parece bien que vengas al estudio y me digas que lo que estoy haciendo es una mierda, pero si no me presentas una alternativa, para mí tu argumento no es válido.
¿Como músico buscas consejo, o no?
Realmente no. Nadie tiene las respuestas, y si dicen tenerlas, te están mintiendo. Me gusta hablar con la gente que tengo a mi alrededor, hablar de ideas, pero no voy a pedir consejo a nadie.
¿Cómo ha evolucionado tu relación con Tom en estos 10 años?
Somos hermanos, hemos crecido juntos, hemos aprendido que nada es tan profundo, que la música tiene que ser divertida. El estrés de las giras, la industria musical, nada es tan importante. Te quedas con la experiencia de estar con tus amigos y con la gente que quieres, ver mundo, crear música. Tom y yo hemos madurado juntos e intentamos no tomarnos nada de esto demasiado en serio.
El año que viene habrá nuevo disco de Dua Lipa, según ha anunciado ella misma en una entrevista para T Magazine. Aunque ella no lo ha confirmado, es muy posible que Kevin Parker de Tame Impala haya trabajado con ella. Según la autora de la entrevista, es rumor que «se confirma al ella negarlo».
Dua Lipa parece que cumplirá el calendario y no tendrá que retrasar la salida de este nuevo trabajo, que también ha dicho, «es diferente». «Sigue siendo pop, pero con un sonido diferente y una temática lírica más marcada», decía la artista. Eso sí, no ha querido decir el título: «Si lo dijera todo tendría sentido, pero por el momento vamos a tener que esperar».
La cantante ha actuado en la película de ‘Barbie’ y también es parte de la banda sonora con su ‘Dance The Night’. Recientemente, el productor Bosko Kante ha demandado a Dua Lipa y a Warner Music por ‘Levitating’. El demandante, que trabajó en la versión original de esta canción, ha alegado que él nunca dio permiso para que se usara la grabación en posteriores remixes. Parece que es un tema que nunca dejará de estar en el punto de mira de lo legal.
Hace unos días Lizzo respondía a las acusaciones de abuso sexual y de ambiente laboral hostil que le hacían 3 ex bailarinas. Y, cuando la reputación de la artista pende de un hilo, Grimes ha salido a defenderla. «Amo a Lizzo. No digo que no crea cuando a la gente le pasan cosas malas, pero yo he tenido bailarines que han sido maltratados bajo mi mirada y no me di cuenta hasta mucho después», escribía la artista en Twitter.
En su versión, Grimes continuaba: «La lealtad me importa. Lizzo fue amable conmigo y con otra gente antes de que fuese «guay» y se preocupó por mí cuando nadie lo hacía. Solo he visto comportamiento ejemplar por su parte, especialmente cuando todo el mundo me odiaba. Y no tenía razones para hacerlo, excepto ser una buena persona. Es solo mi opinión. Me cuesta creer que haya cambiado de una forma tan radical».
Pero en su perfil, algunas personas comparaban esta defensa con la gente que defiende a Chris Brown solo porque «aunque haya pegado a Rihanna, conmigo ha sido majo», como decía el usuario @ryanlikesyou en tono irónico. Grimes respondía. Y lo ha hecho diciendo que «la misma Rihanna ha apoyado a Chris Brown cuando ha habido consecuencias por lo que hizo, porque parece que ella cree en la justicia restaurativa».
Grimes comes to Lizzo’s defence following hostile work environment lawsuit:
“Not saying I don’t believe ppl when bad things happen, but I had dancers mistreated on my watch in ways I didn’t found out about until way later… Lizzo was kind to me and others for a decade before she… pic.twitter.com/bPCEYBPlRQ
Rihanna has supported chris brown in the aftermath cuz Rihanna seems to care about restorative justice. *assuming* Lizzo is guilty (without a trial – which flies in the face of democracy) – it's funny to me the same people who fight for restorative justice seem against it for…
Solo un año después de ‘Twelve Carat Tootache’, uno de los discos más exitosos de 2022, Post Malone ha vuelto con nuevo trabajo. ‘Austin’ es un disco improvisado que Malone y sus músicos escribieron prácticamente en una semana, antes de salir de gira. En inicio un disco de canciones acústicas, Posty les agregó percusiones después para redondearlas.
Que ‘Austin’ es un disco improvisado se nota: las canciones, aunque no son grandes hallazgos de Post Malone en su mayoría, sí se sostendrían en un formato 100% acústico. Sin embargo, el acabado del conjunto es deficiente. Las baterías ‘Enough is Enough’, por ejemplo, suenan a maqueta mal grabada.
Quizá la intención ha sido darle a las canciones de ‘Austin’ un aura de mixtape. O quizá estas canciones de pop-rock no merecían mejor barniz. Por suerte, Post les sigue aportando un carisma innegable, y el repertorio es suficientemente variado como para mantener el interés a lo largo de 17 pistas.
Después del éxito de ‘Circles’, una de sus canciones más escuchadas, era de esperar que Post Malone escribiera un disco como ‘Austin’. Ninguna canción aquí se iguala a ‘Circles’, pero ‘Chemical’ es aún un single estupendo, dedicado a una chica que Posty no puede olvidar. En un estilo más cercano al rock universitario de los 90, ‘Overdrive’ es una balada encantadora, rematada con una melodía silbada.
Que el nuevo disco de Post Malone se llame ‘Austin’ no significa que este sea su disco más personal. Al fin y al cabo, las letras de Posty han solido hablar de amores, desamores, y también de su adicción a las drogas o el alcohol. Nada de esto cambia en ‘Austin’: en ‘Something Real’, animada por un coro góspel, Post busca “algo real” más allá de las riquezas materiales; en ‘Novacandy’ su dependencia de los estupefacientes le hacen sentir una “sobredosis de dopamina”, en ‘Mourning’ directamente reconoce que no quiere dejar de beber, rodeado de falsos amigos que solo le quieren por su dinero.
Hay en ‘Austin’ algún instante lírico especialmente inspirado que vale la pena comentar. ‘Too Cool to Die’ es una canción decepcionante porque es evidentemente una copia pobre del sonido nostálgico de ‘Last Christmas’. Sin embargo, es adorable que Posty cante que es “demasiado guay para morir” e incluso para dejarse derrotar por el cambio climático… porque expone muy claramente que se está engañando a sí mismo. Más adelante, ‘Green Thumb’ es un bonito relato de un desamor: Post muere de amor, copa de Brandy en mano, como mueren las plantas secas de su ex.
“No entiendo por qué te gusto tanto / porque yo no me gusto nada” es una de las frases más honestas de ‘Austin’. La canción que la incluye, ‘Don’t Understand’, que da inicio al disco, podría haber marcado su sonido general, pues parece la típica canción folk que graba un grupo de rock de vez en cuando. A Posty le salen canciones correctas también en el R&B de ‘Mourning’, en las vibras californianas de ‘Speedometer’ o en el country de ‘Landmine’, su canción favorita del disco.
Katy Perry está acabando su residencia en Las Vegas, ‘PLAY’, y en una entrevista para ‘Good Morning America’ ha estado hablando de sus planes de futuro. La artista ha confesado que sí, que volverá a sacar música, pero pide paciencia para poder «hacerlo bien».
Aunque desde que fue madre Katy Perry no ha sacado música, no habla de ello con ninguna pena, al contrario. «No he estrenado nada desde mi querida Daisy. Pero he escrito muchísimo y lo he hecho desde un lugar muy amoroso porque estoy llena de amor. Un amor incondicional que no sabía que existía», explicaba en la entrevista.
Su álbum ‘Smile’ salía dos días después de dar a luz, y por eso sus prioridades se han transformado en cierta manera. «Siempre estoy escribiendo, lo he estado haciendo, pero ahora es importante para mí celebrar el mundo que he conseguido construir, con canciones preciosas y siendo responsable de la vida de una persona de 3 años. Volveré, pero dejadme hacerlo bien».
Sobre la experiencia de la residencia en Las Vegas, la artista ha dicho que ese sentimiento de «familia, comunidad y unión» los recordará siempre. Aunque quedan algunos meses para que acabe, Katy Perry ya afirma que la «energía y la alegría» que había en los conciertos ha sido «preciosa».
Jungle publican este viernes ‘Volcano‘, su nuevo disco. En los próximos días publicaremos una entrevista con uno de sus dos integrantes, Joshua Lloyd-Watson, que nos hablará sobre los entresijos del que será el Disco de la Semana en estas páginas.
‘Volcano’ es el disco más retro y orgánico de la carrera de Jungle, un trabajo de funk y disco radiante que se deja influir por el R&B y el soul clásico de gente como Al Green o Minnie Riperton, especialmente en sus minutos finales. De manera interesante, la mayoría de melodías vocales de ‘Volcano’ son originales, no sampleadas, aunque lo parezcan.
Entre las vocalistas acreditadas en ‘Volcano’ se encuentra Lydia Kitto, colaboradora habitual de Jungle. Kitto canta y co-escribe varios cortes en ‘Volcano’, como ‘Candle Flame’, y también aparece en el reciente single, ‘Back on 74’, la Canción Del Día de hoy.
‘Back on 74’ es otro caramelo funky de Jungle decorado con luminosas armonías vocales luminosas y animadas percusiones que invita a soñar en otra época. 1974 es el año de lanzamiento de álbumes de funk tan importantes como ‘Up for the Down Stroke’ de Parliament o ‘Live it Up’ de los Isley Brothers. Sin embargo, el título de ‘Back on 74’ se refiere en realidad al número de una calle, probablemente la 74 Street de Manhattan, en la que es una historia de regreso al hogar: «no lloraré nunca más», canta la narradora.
Os recordamos que Jungle presentarán ‘Volcano’ en España: el dúo estará el 27 de octubre en la sala Razzmatazz, y el 28 de octubre el Palacio Vistalegre de Madrid.
Un retrato de Harry Styles pintado por David Hockney, autor de obras míticas del arte pop como ‘A Bigger Splash’ (1967) o ‘Portrait of An Artist’ (1972), podrá verse expuesta en la National Gallery de Londres a partir del 2 de noviembre de 2023. La obra forma parte de la exposición ‘David Hockney: Drawing from Life’ que recopila una treintena de nuevas piezas creadas por el pintor durante los últimos dos años, así como otras clásicas, sumando 160 piezas en total.
La exposición, que concluirá el 21 de enero de 2024, estuvo abierta brevemente en marzo de 2020, antes de que la pandemia obligase a cerrar sus puertas. En los años posteriores, Hockney creó nuevas piezas que podrán verse exhibidas en la galería, entre ellas, el retrato de Styles.
El proceso de creación del retrato de Styles empezó en mayo de 2022, cuando el autor de ‘Adore You’ visitó la casa del pintor en Normandía, Francia. En declaraciones a Vogue, Styles se ha mostrado «emocionado y honrado por el privilegio» de ser retratado por Hockney, y ha afirmado que el pintor «ha estado reinventando la forma en que vemos el mundo durante décadas».
La gira de ‘Love On Tour’ de Harry Styles, que precisamente en mayo de 2022 no tenía ninguna fecha programada, concluyó recientemente en Reggio Emilia, Italia. En este concierto, Styles estrenó una composición nueva, instrumental. Antes, la gira pasó por Barcelona.
‘Until I Found You‘, el hit multimillonario de Stephen Sanchez, ha devuelto el sonido del pop de los años 50 a la actualidad musical. Tanto su versión original como el remix con Em Beihold acumulan, indistintamente, en torno a 700 millones de streamings, sumando más de mil millones en total. Es uno de los mayores éxitos de los últimos años, básicamente.
Stephen Sanchez ha seguido publicando canciones después de ‘Until I Found You’, como la maravillosa ‘Evangeline‘, u ‘Only Girl’. Con la última, ‘Be More’, otra balada doo-wop romanticona marca de la casa, Sanchez ha decidido anunciar, por fin, su primer disco.
‘Angel Face’ será el álbum de Stephen Sanchez y verá la luz el 22 de septiembre. La portada sigue fiel a la estética vintage de Sanchez, y el tracklist incluye todos los singles mencionados, además de una colaboración con Laufey (The Voice Ireland). Así queda el tracklist dividido en las dos caras del vinilo: ‘Until I Found You’ cierra la cara A.
Side A
Something About Her
Evangeline
I Need You Most Of All
Only Girl
Be More
Until I Found You
Side B
Shake
High
Doesn’t Do Me Any Good
No One Knows (with Laufey)
Caught In A Blue
Death Of The Troubadour
Send My Heart With A Kiss
El imprevisible temporal cántabro hizo de las suyas en el último día del Santander Music. Ayer, no solo llovió desde primera hora, a eso de las 20, sino que llovió tanto que los conciertos de dani, REYKO y Alice Wonder tuvieron que ser cancelados por la gran cantidad de agua que se había colado en el escenario pequeño. El lado bueno es que el resto de conciertos fueron lo suficientemente sólidos como para despedir el Santander Music por la puerta grande.
En un momento dado, se pretendía reubicar alguna de las actuaciones canceladas al escenario principal, pero no fue posible. La única consolación la tuvieron REYKO, que habían tocado esa misma mañana en el Centro Botín. La solución para suplir este vacío fue las DJs santanderinas Compañeras De Piso, que se encargaron de amenizar la espera entre actuación y actuación.
Queralt Lahoz salió al escenario para una audiencia de unos 30 chubasqueros con una sonrisa imborrable, pese al pésimo día que estaba haciendo. Según avanzaba el show se fueron uniendo cada vez más personas, lloviese lo que lloviese. Normal, porque el espectáculo lo merecía. Es que hasta el volumen, que parecía que lo habían subido al 11, estaba pensado para atraer más y más gente. Me perdí su concierto en Tomavistas por ver a Depresión Sonora y ayer me di cuenta de lo equivocado que estuve.
Lahoz dio un recital de arte, sentimiento y conciencia, intercalando rompepistas tales como ‘Con Miedo a Ti’ o ‘No Me Salves’, dedicada a su tóxico exnovio; temas con un sabor urbano como ‘Ya No’ o ‘De a Cueva a los Olivos’; y otros más tradicionales como la sentida ‘María la Molinera’, dedicada a su abuela.
En este punto, Lahoz se tomó unos minutos para explicar «quién soy y por qué estoy ocupando este espacio». Queralt habló de cómo su familia se vio obligada a irse de Granada por los caciques y por qué piensa que «la memoria histórica tiene que estar presente en todos los lugares», ganándose un gran aplauso de los presentes. Apenas un día antes conocíamos la triste noticia de la derogación de la ley de Memoria Democrática que habían pactado el PP y Vox en Aragón. Una cosa es ser artista y otra tener arte, y Queralt Lahoz lo tiene todo.
Gonzalo Rogina
La lluvia seguía cayendo y los de La M.O.D.A. salieron con sus típicas camisetas de tirantes. Se nota que son de Burgos. Tocaron los primeros acordes de ‘Nubes Negras’ y, como obra del destino, se cortó el sonido de repente: «Ahora volvemos, un minuto». Diez minutos después regresaron, empezando directamente por ‘Catedrales’, y la fiesta ya no tuvo fin.
El concierto de La M.O.D.A. fue un éxito tremendo y hubo solo una razón, pero en dos partes: la predisposición, tanto del público, que no dejó de botar, como del grupo. El vocalista, David Ruiz, no podía expresarlo mejor: «Venimos con toda la motivada para hacer el mejor concierto del año». No sé si lo consiguieron, pero sí que lograron uno de los conciertos más memorables de esta edición de Santander Music. Especialmente emocionante fue el momento en el que Ruiz bajó al foso para cantar ‘Hay un fuego’, mirando a los ojos y dando la mano a los afortunados de la primera fila. Para cuando sonaron los tres maravillosos temas finales (‘1932’, ‘Héroes del Sábado’ y ‘Mañana voy a Burgos’) todo el mundo se había olvidado de que había estado lloviendo a mares hasta hace unos minutos.
Queralt Lahoz y La M.O.D.A. tuvieron que luchar contra la lluvia y el malestar que conlleva, y sus actuaciones fueron un éxito total. El concierto de Viva Suecia, el gran evento del Santander Music, también fue un éxito, pero lo tuvieron más fácil. La lluvia ya había parado hace rato y todo el mundo quería acercarse a ver al grupo del momento, que continúa en su victory lap tras la gran acogida de ‘El Amor De La Clase Que Sea’. La reacción del público a ‘No Hemos Aprendido Nada’, ‘Los años’ y ‘La Voz Del Presidente’ es una prueba clara de que los murcianos están en su mejor momento.
Sónicamente, el concierto de Viva Suecia también es un portento. Especialmente ‘Algunos tenemos fe’ y ‘El Rey Desnudo’, esta última sonando infinitamente mejor que su versión de estudio, con unas guitarras que hicieron temblar a toda La Magdalena. Viva Suecia se gustaron, disfrutaron y prepararon algunas sorpresas para amenizar la hora y media de concierto que tenían. De hecho, tenían tanto tiempo que tocaron ‘Parar La Tierra’, un tema «que no solemos hacer por los horarios de los festivales». Para terminar, La M.O.D.A. volvió a salir al escenario para acompañar a Rafa Val y a los suyos en ‘El Bien’, firmando uno de los mejores momentos de la noche.
Se podría decir que para cuando salieron Iseo & Dodosound estaba todo el pescado vendido, pero el público estaba entregadísimo a continuar con la fiesta y los dos grupos que quedaban estaban dispuestos a entregar a la gente lo que querían.
El dúo de reggae y dub de Iruña dieron comienzo a su segundo concierto en Santander con ‘Infinity’, que fijó el ambiente para el resto del show: una espiral de buen rollo y trompetas en la que cabían tanto temas originales (‘Dame’,’Frozen Desert’) como versiones (‘Chan Chan’ de Buena Vista Social Club). Por otro lado, Ladilla Rusa no perdieron ni un momento y dieron comienzo a su recital de humor y verbena directamente con ‘Macaulay Culkin’ tras salir de una jaula y hacer el escenario suyo: «Han llegado las mariconas de Barcelona».
Gonzalo Rogina
La mayoría de los presentes nunca habían visto al dúo catalán, y aunque estos se quejaron de que «siempre nos ponen para cerrar», ayer fue la mejor decisión posible. El público se rindió ante la particular fiesta de Ladilla Rusa, con temas sobre la rutina de mierda en el trabajo, las princesas de Disney republicanas o los «fachas de mierda». Hubo hasta una misa a las 4 de la mañana por todos aquellos ídolos que se fueron a «criar malvas». A mitad de show, Tania y Víctor preguntaron al público si los que no les habían visto nunca pagarían por verles en una sala y todo el mundo levantó la mano. De esta forma, lo que había empezado como una jornada más que complicada acabó siendo un éxito total para Santander Music.
El que fue teclista de The Kinks, John Gosling, ha fallecido a los 75 años, según ha contado la propia banda en un comunicado. El artista formó parte de The Kinks entre 1970 y 1978 y sus ex compañeros han lamentado su muerte en Instagram: «Estamos increíblemente tristes con la noticia del fallecimiento de John Gosling. Nuestras condolencias a su mujer y familia».
Gosling tocó con la banda en temas como ‘Lola’ y participó en álbumes como ‘Muswell Hillbillies’ y ‘Everybody’s in Show-Biz—Everybody’s a Star’. En el año 2008 el teclista se retiró. Además del mensaje de cariño colectivo, cada miembro le ha dedicado unas palabras.
«Condolencias a su mujer Theresa y a su familia. Descansa en paz querido John», escribía Ray Davies. Su hermano Dave añadía: «Estoy profundamente consternado por la muerte de John Gosling. Ha sido un amigo y un importante colaborador en la música de The Kinks durante el tiempo que estuvo con nosotros. Mi más sentido pésame a su mujer. Siempre le guardaré un profundo afecto y cariño en mi corazón. Gran músico y gran hombre». Mick Avory suscribía las palabras de ambos y además celebraba el «fantástico sentido del humor», que dice «le hizo popular en el grupo».
El Disco de la Semana está siendo ‘UTOPIA‘ de Travis Scott y no solo por los espectaculares números que está produciendo. ‘UTOPIA’ es una superproducción de hip-hop que incluye beats realmente asombrosos como los de ‘Hyaena’, ‘Forever Lost’ o ‘Modern Jam’.
‘Modern Jam’ se desmarca del resto de pistas de ‘UTOPIA’ por su sonido electrónico. Resulta que es Guy-Manuel de Homem-Christo, ex integrante de Daft Punk, quien firma esta base de electro futurista, sobre la que Travis escupe sus versos.
La historia de ‘Modern Jam’ está directamente relacionada con Kanye West, mentor de Travis. La base de ‘Modern Jam’ es la misma que sonaba en la versión inicial de ‘I Am a God’ de Kanye, antes de que esta llegara al acabado que todos conocemos, incluido en el histórico ‘Yeezus‘ (2013).
Puede que la base de ‘Modern Jam’ cuente ya más de diez años, pero no se nota. Los sintetizadores aún te llevan «al espacio exterior», como rapea Travis en uno de los versos cuando se compara con sus colegas raperos. Él está más alto que ellos.
En ‘UTOPIA’, ‘Modern Jam’ ofrece un oasis de pop. En primer lugar porque Travis se marca unas barras bastante pegadizas. Y no, a Travis no le van a dar el Pulitzer por escribir «Hey, Guy-Man, brought him home from France / This shit punk, put it on the Bible / I like a bi girl on a bi-cycle» o «Then I bought a car, now she feel entitled / My dick so hard, pokin’ like the Eiffеl», pero las rimas son memorables. Puede que no digan nada, pero la sonoridad de las palabras hace que se peguen.
Y después está la colaboración de Teezo Touchdown. El rapero de Texas, una promesa del rap, pues aún no tiene un solo disco en el mercado, ofrece uno de los mejores momentos de ‘UTOPIA’ cantando el puente: «I know you’re lyin’ / Outside waitin’ in the line / Gettin’ told one at a time». La épica melodía, y su dramática melodía de cantarla, elevan la canción, sí, a la categoría de «temazo moderno».
Jessy Lanza es una de esas artistas que allá por 2013 supieron decirnos algo nuevo del pop electrónico. La suprema elegancia de sus producciones, su reconocible falseto, su evidente admiración a Janet Jackson, convirtieron su debut ‘Pull My Hair Back’ es un clásico del sello Hyperdub (Burial, Kode9). Después, ‘Oh No’ (2016) nos dio ‘It Means I Love You’, uno de los mayores pepinazos de la pasada década. ‘All the Time’, su tercer disco, siguió una línea más pop, casi por defecto, dándonos otro hit del calibre de ‘Lick in Heaven’.
Lanza, que es canadiense, de Ontario para más señas, entonces se había mudado a California, pasando de Bay Area (San Francisco) a Los Ángeles durante la pandemia. Fue en esa época en que Lanza empezó a componer las canciones que hoy forman parte de su nuevo disco, ‘Love Hallucination’. Algunas las escribió para otros artistas pero, por razones contractuales, no puede revelar nombres.
Curiosamente, la canción más pop del disco, Lanza dice que no se la ofreció a nadie. Y normal, porque ‘Limbo’ es un caramelo de pop ochentero que te hace desear haber vivido la época inicial de Whitney Houston o del ‘Forget Me Nots’ de Patrice Rushen. Sobre todo porque, en general, las canciones de ‘Love Hallucination’ rara vez son tan inmediatas.
‘Don’t Leave Me Now’, que abre contándonos la historia de un casi atropello, abre con un beat nervioso inspirado en el footwork, uno de los estilos favoritos de Lanza. Es otra de sus producciones finas como la seda -Jonny Greenspan vuelve a acompañarle en los créditos- e incluye un elegante motivo de piano que suena reconfortante. Esa misma sensación deja ‘Midnight Ontario’, que parece una versión pop de Burial, pues consigue capturar la magia de pasear por una ciudad hipormoderna a altas horas de la noche, mientras llueve.
Después las canciones van tomando diferentes formas. Y algunas quedan más claras que otras. ‘Casino Niagara’, que narra un romance furtivo, es otra de esas slow jams de R&B nocturno que a Lanza tan bien se le dan: esos teclados suenan a puro lujo. ‘Gossamer’, que aparece más adelante, incorpora beats que remiten al Minneapolis funk de Prince, muy aptos para una historia sobre la ansiedad: “todas mis preocupaciones, me van apareciendo en la cabeza, mientras no hago nada”.
Luego es cierto que a Lanza le siguen quedando canciones demasiado difuminadas: no hay mucho a lo que agarrarse en el funk de ‘Don’t Cry on My Pillow’, ‘Big Pink Rose’ es graciosa pero parece una improvisación inacabada, y lo mismo se puede decir de ‘I Hate Myself’, una canción que recibe su título de una frase de ‘Wild Horses’ de Prefab Sprout, con la que poco hace realmente. Lanza podría sacar un disco de hits si quisiera, pero, de momento, parece que no quiere.
El Santander Music sigue siendo garantía de sorpresa. La edición de 2023 ha abierto con una jornada en la que se podía encontrar de todo un poco: post punk moderno, indie rock, electro pop, flamenco pop, hip hop… Vamos, que aunque la potencia de SFDK superase a todo lo demás, había algo para todo el mundo.
La organización sigue siendo de lo mejorcito, «forzando» a la gente a ir y venir entre los dos escenarios sin dejar un momento en el que no suene la música y evitando que se formen aglomeraciones. El único pero que se le puede poner es ese cambio total de horarios a última hora, que realmente creo que ha sido un acierto en algunos aspectos, como en el adelanto del concierto de SFDK, pero que inevitablemente va a dejar descontentos.
Así lo expresó Markusiano de Depresión Sonora cuando comenzó su actuación a las 20:30 en el «escenario chiquipark»: «Hay medialunas, Coca-Cola y diversión», soltó sin perder la sonrisa de la boca. En principio, su concierto iba a empezar a las 23:00 de la noche. Teniendo en cuenta el tipo de música que hace Depresión Sonora, este no es un cambio menor.
Pese a todo, Markusiano llevó adelante su show apoyándose tanto en sus grandes temas como en los fieles de primera fila que nunca faltan y te bailan hasta lo imbailable. Con ‘Bienvenido al Caos’ y ‘Veo Tan Dentro’, el ambiente todavía estaba tímido, pero empezó a remontar con ‘Fumando en mi Funeral’ y se terminó de prender con ‘Apocalipsis Virtual’, en la que pidió un «mini pogo» a los niños de primera fila, y especialmente con «Hasta Que Llegue la Muerte’. En esta última hasta Markusiano bajó del escenario para darlo todo en el pogo colectivo final. Y vi una cerveza volar: éxito para Depresión Sonora.
Disfruté en cierta medida el concierto de Second, uno de los grupos que se enmarcaba totalmente en el público objetivo del festival y además en su gira de despedida. El público estuvo activado, Sean Frutos demostró una gran presencia en el escenario y la banda dio un sólido show, pero teniendo en cuenta todo lo que vino después los murcianos han quedado como lo menos reseñable de la jornada. El caso de Ana Tijoux, la siguiente en tomar el escenario principal, fue todo lo contrario.
Tijoux es alguien que no es normal ver en el cartel de ningún festival nacional y se trata del único nombre internacional de toda la edición. Fue un concierto muy diferente a todos los demás. A Tijoux no le daba miedo tomarse su tiempo para explicar el concepto o el sentido detrás de una canción y presentó un concierto de rap pausado, con instrumentación en directo y solos de bajo, piano y batería. Comenzó con una versión sofisticada de ‘1977’, que muchos la conocerán por su aparición en Breaking Bad, y fue intercalando temas del pasado y el presente, como ‘Sacar La Voz’ (2010) y ‘Niña’ (2023). Fue uno de los conciertos más especiales de la jornada, pero no pareció llegar a todo el mundo.
Gonzalo Rogina
Toda la energía que le faltaba a Tijoux la tuvieron SFDK. No pensaba que fuese a disfrutar tanto su show, pero fue el único concierto del día que realmente se puede calificar como espectáculo. Supongo que se podría decir lo mismo del concierto de La Casa Azul, pero los sevillanos no tienen todos los medios efectistas que sí tiene Guille Milkyway (confeti, visuals…) y aun así lo superaron. Si antes dije que no se formaron aglomeraciones, SFDK rompieron la norma e hicieron que un buen bulto de gente cogiese sitio antes de su salida.
Zatu y Acción Sánchez tienen una química inigualable en el escenario y lo que menos me esperaba era que fuese a ver coreografías en un concierto de SFDK. A ver, semi coreografías. Dentro de lo estudiado y trabajado que tienen su show, inmersivo y con un ritmo frenético que hace que se te pase en nada (siendo el más largo de la jornada), también hay cabida para momentos espontáneos, como una pequeña improvisación de Zatu o los juegos constantes con el público. No tenían una banda como Tijoux, pero tampoco la necesitaban. Aun sin conocer ninguna canción sería difícil no contagiarse por la energía del ambiente.
En cuanto a su repertorio, poco puedo decir. En 2024 el dúo sevillano cumple 30 años de carrera y eso no es posible sin una colección de temas a la altura: ‘Lucifer’, ‘Bajo el Mismo Sol’, ‘Mambo’, ‘Agua Pasá’, ‘Ringui Dingui’, la emotiva ‘Ovarios y Pelotas’ y ‘Un Pobre Con Dinero’, entre muchas otras, fueron las más celebradas. El público parece que quedó satisfecho porque, al terminar, la mayoría se fue a su casa.
La Casa Azul y Soleá Morente se encargaron del punto fiestero y de verbena que no puede faltar en un festival y hasta hubo crossover en el escenario pequeño para cantar la rumbera ‘Vamos A Olvidar’ juntos por primera vez. En el resto del concierto de Morente, creo que nadie dejó de bailar. Lo mismo con La Casa Azul, que fue el evento multitudinario de la jornada. Milkyway habló de «lo que ha hecho Juan de Pablos por nosotros» y de ese punto medio del amor entre «me quedó aquí para siempre y mándame a la puta mierda porque no puedo más». Y eso que normalmente no se explaya mucho.
Matty Healy se ha burlado de la polémica que The 1975 protagonizó en Malasia. Lo ha hecho durante su concierto en Lollapalooza. Y es que ya es tradición para la banda que cuando van a ‘It’s Not Living If It’s Not With You’, Healy suelta alguna broma controvertida, pero antes de que acabe la música le silencia.
En este último concierto la broma fue en relación con el tema de Malasia: «¿Queréis que os de un consejo de viajes? No vayáis a…», y la música de su banda le cortaba la coña. Aunque el mes pasado, cuando The 1975 actuó en el festival Good Vibes en Kuala Lumpur, parecía que el alegato pro-LGTB+ se iba a quedar en eso, únicamente, la polémica ha ido a más.
No solo el festival les cortó el show por el discurso de Matty Healy y el posterior beso al bajista Ross MacDonald, también canceló el resto del festival. Además, el Gobierno de Malasia prohibía a The 1975 que volviese a tocar en el país.
Y lo último que ha ocurrido en esta larga polémica es que el grupo podría enfrentarse a una denuncia colectiva por parte de un bufete de abogados malasio, según ha informado NME. Lo cuál podría costarles a los 4 miembros de la banda la indemnización de las perdidas sufridas, porque según han indicado los abogados, fue «un acto deliberado e imprudente que se hizo a sabiendas de las consecuencias».
Bethany Cosentino ha dejado atrás a Best Coast y debuta con su primer disco a su nombre. El texto de presentación nos explica que Bethany se había encontrado varada en medio de «una pandemia global; el cambio climático asolando el mundo; un patriarcado enfermo pisoteando a diario la democracia y los derechos humanos básicos; innumerables tragedias nacionales; una interminable y omnipresente sensación de fatalidad. Con este telón de fondo, Cosentino se vio obligada a hacer balance de todo ello y saltar del tiovivo de incontables ciclos de álbumes y giras para decir «¿qué coño estoy haciendo con mi vida?»
Todo pinta muy bien sobre el papel. Sobre la oreja, ya es otro cantar. La premisa parece anunciar un álbum de canciones furiosas y potentes, pero nada más lejos de la realidad. De hecho,en ese mismo texto se destaca el nombre de Sheryl Crow como influencia principal de ‘Natural Disaster’, y se nota: Bethany ha abandonado el pop indie y soleado de Best Coast y ha abrazado el pop rock adulto noventero. Al fin y al cabo, ya tiene 35 años, como canta en ‘Easy’. Para reforzar esta adultez, su característico tono aniñado de voz ha mutado en otro más recio.
¿Hace todo esto de ‘Natural Disaster’ su disco de madurez? Pues más bien de “manidez”, porque todo suena a ya muy oído. Se aprecia el esfuerzo de Cosentino por avanzar y encontrar nuevas vías, pero las nuevas vías que nos ofrece no solo no son nuevas, sino que están trilladísmas. Todo suena demasiado convencional, Bethany pierde parte de su personalidad, queda diluida en temas demasiado tópicos de rock de radiofórmula, al que le falta la chispa comercial que le podían poner Crow o “one hit wonders” como Meredith Brooks. Aun así, es un disco de escucha agradable. Las letras son narrativas y directas, y la entonación clara de Bethany hace que se entiendan de maravilla.
De entrada, ‘Natural Disaster’ (la canción), suena como volver a casa. Su riff ensoñador te arrastra en medio de una letra sobre catástrofes y fin del mundo. Pero Cosentino no suena angustiada, sino más bien apesadumbrada, y al final se impone la necesidad de avanzar y tirar adelante. Pero enseguida llegan los temas de “AOR”, con introducciones y puentes bastante anodinos, que Cosentino logra salvar en el último momento por su buena mano en los estribillos. Es el caso de ‘Outta Time’, donde nos regala uno muy bueno de power-pop. En ‘A Single Day’ nos ofrece otro coro estupendo metido en un tema que resultaría aburrido sin él. Pero muchas veces se impone más la necesidad de dar un mensaje que la canción en sí: la balada ‘Easy’ es una declaración de amor, en la que Bethany confiesa: «tengo miedo de que suene a cliché y facilón’. Y sí que suena. Pero la canción, no la declaración.
La cosa mejora cuando Cosentino se olvida de la contención y vuelve al arrebato, como en ‘Only for a Moment’, un himno al carpe diem, un medio tiempo intenso donde su voz recupera la pasión. O ‘O ‘Hope You’re Happy Now’, otro medio tiempo melódico que salva de lo insulso gracias a otro gran estribillo onírico e intenso. Y lo mejor se lo deja para el final: en ‘It’s a Journey’ recupera la intensidad y, aunque la canción no se aparte de lo convencional, se eleva precisamente por la entrega de Bethany. Y en el baladón final ‘I’ve Got News for You’, recupera en parte su timbre más adolescente, su voz vibra emocionante apenas sobre piano y se llena de autoafirmación y amor. Sí, podemos entender que Cosentino ha madurado, que ya no quiera ser más la Bethany de Best Coast pero… se la echa de menos.
Kali Uchis quería hacer un tema de «bellaqueo» y decidió unirse Al Alfa, que otra cosa no, pero las canciones de perreo las hace como churros. Así ha nacido ‘Muñekita’, que para ser apuesta segura, interpola el ‘Papi Chulo’ de Lorna y que además es nuestra Canción Del Día.
Aunque sea un tema para moverse, Kali Uchis no renuncia a usar su voz melódica en un estribillo que es muy pegajoso y dulce. «Tu angelita es lo que necesitas / Dale, gata, dale, muñequita / Bien sudadita, soy tu mamacita / Dale, gata, dale, muñequita», canta la artista. Mientras el ritmo nos lleva a ‘Papi Chulo’, Uchis se deshace en piropos para esa muñequita a la que le dedica la canción: «Qué buena está mi reina / Uf, cuerpazo, uf, carajo / Uf, camina con una actitud». Este sonido lo escuchamos también en el ‘Tu Sicaria’ de Ms Nina.
A la cantante de ‘Moonlight’ le acompañan la rapera JT y El Alfa. JT continúa con la voz suave y seductora que también emplea Kali Uchis. Sin embargo, El Alfa se mete de lleno para hacer la parte más dura del reggaetón y sus letras son la prueba: «Pero cuando ella me lo mueve ahí es que boto / Te lleno la urna de la vaina blanca». Aunque rompe la atmósfera femenina que las dos artistas crean en la canción, El Alfa complementa ‘Muñekita’.
Buffy Sainte-Marie, de 82 años, ha anunciado que se retira de los escenarios, según informa Pitchfork. Las razones han sido la artritis de sus manos y una lesión en el hombro que no le permite actuar como «le gustaría» a ella.
La artista ha cancelado todas sus actuaciones previstas a corto plazo. En el comunicado Sainte-Marie escribía: «He tenido que tomar la difícil decisión de abandonar todas las actuaciones que tenía programadas en el futuro próximo. Las manos artríticas y una reciente lesión en el hombro me impiden seguir actuando al nivel que me gustaría. Lo siento, sinceramente, por todos mis fans y familiares, a mi banda y a los equipos de apoyo que hacen posible todo esto».
Y, aunque la noticia llega ahora, la artista ya había avisado de un posible retiro en septiembre de 2022 en una entrevista para The Canadian Press. Entonces ya dijo: «No digo que no vaya a actuar nunca más. No es que me vaya a retirar. No soy parte del mundo de los negocios. Me he retirado muchas veces sin llamarlo jubilación. Simplemente voy a hacer un parón». Ese parón del mundo de los shows parece que ha llegado ahora, finalmente.
††† (Crosses) han anunciado su nuevo álbum ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete.’ y este cuenta con colaboraciones como la de Robert Smith, de The Cure’. La banda del cantante de Deftones, Chino Moreno, estrenará este trabajo el 13 de octubre de este mismo año. Y, de momento, se puede escuchar el single ‘Invisible Hand’.
Sobre la creación del nuevo disco, Moreno explicaba: «Cuando empezamos a trabajar en ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete’ había mucha más luz llegando a mi vida, por numerosas razones. Hay mucho más optimismo. Incluso los temas más oscuros están romantizados y no vienen de un lugar de desesperación», según NME. Además de Robert Smith, en ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete’ también estará El-P.
En ‘Invisible Hand’, la canción que el grupo adelanta, podrían hablar de una mano que todo lo mueve, que inicia el juego que ellos mismos dicen «ya ha comenzado». «A veces siento que las regalas han cambiado / A veces me siento como un fantasma encadenado», cantan en el estribillo. Parece que este nuevo comienzo removerá muchas cosas que «estaban escritas».
El tracklist:
01 ‘Pleasure’
02 ‘Invisible Hand’
03 ‘Found’
04 ‘Light As A Feather’
05 ‘Pulseplagg’
05 ‘Runner’
06 ‘Big Youth’ (Feat. El-P)
07 ‘End Youth (Reprise)’
08 ‘Last Rites’
09 ‘Ghost Ride’
10 ‘Grace’
11 ‘Eraser’
12 ‘Natural Selection’
13 ‘Girls Float † Boys Cry’ (Feat. Robert Smith)
14 ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete.’
Doja Cat ha lanzado hoy su nuevo single ‘Paint the Town Red’. Para celebrar el lanzamiento, las portadas de todos sus discos aparecen «pintadas de rojo» en Spotify.
Después de ‘Attention‘, ‘Paint the Town Red’ continúa en la dirección rapera de Doja Cat, que ya no quiere hacer música pop. Curiosamente, ‘Paint the Town Red’ samplea una de las canciones de pop más famosas de los 60, la aún popular ‘Walk on By’ de Dionne Warwick, y tampoco la canción se aleja demasiado del estilo de ‘Planet Her‘: aún incluye un estribillo más o menos melódico que, sí, se termina pegando.
‘Paint the Town Red’ parece una respuesta de Doja a sus haters, esos que decían que parecía el mismísimo demonio o que debía padecer algún tipo de problema de salud mental por raparse (?) o rasurarse las cejas. A ellos parece decirles que sí, que «ella es el demonio» y es una «rebelde», pero que no le importa, que ella va a seguir a lo suyo. Es irónico cuando los artistas dicen que sus haters les dan igual y luego les dedican una canción, pero está claro que a Doja sus fans no le dan tan igual como parece: les odia tanto que directamente les ha expresado que son «lerdos» y les ha pedido que no se pongan motes.
Tampoco deja de ser ‘Paint the Town Red’ una «declaración» parecida a la de ‘Attention’, pues Doja sigue hablando de sus intenciones de abandonar el pop: «dijeron que el pop hace dinero, a ver si te atreves, podrías cambiar de imagen y de vibe / no necesito una gran colaboración, no necesito otro fan, no necesito llevar una peluca para que te guste».
El videoclip de ‘Paint the Town Red’ es otra superproducción de Doja Cat que ahora trae al contexto del videoclip toda la extravagancia de la que ha hecho gala Amala en los últimos meses. Y lo hace mediante su propio arte, pues en el vídeo cobran vida cuadros que la propia Doja ha pintado, y que ha compartido en su Instagram, firmados con su nombre de pila, Amala Dlamini.
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