«Para querer no tengo tiempo, para chingar tengo los dedos», dice uno de los últimos singles de La Zowi. Su nuevo disco es una reivindicación constante de su autenticidad, de su valor, de su autosuficiencia. Por algo la autora de ‘Élite‘ y ‘Ama de casa’ se proclama en este proyecto ‘La Reina del Sur’. Y lo hace con un sonido en el que sobreviven los beats clásicos del trap, si bien salpicados de otras cosas. Sobre todo reggaeton.
En un mundo en el que todo el mundo parece obsesionado por los beats dance, si no es por el folclore patrio; en un mundo en el que las canciones mutan cada 15 segundos de estilo por si alguien se aburre en TikTok; en un mundo en el que ya le han dicho a Bad Bunny que ha llegado tarde a copiar el «club rap» cuando nadie se había enterado de lo que era el «club rap»; La Zowi sigue sonando a La Zowi.
Incluso cuando su distintivo «La Zowi Puta» ya no suena por ningún lado, tú crees seguir escuchándolo, quizá porque lo de «puta» da lugar a muchas de las frases más lustrosas de este lanzamiento. «Tus putas son franquicias como Starbucks», dice ‘Make Up’. «Mis putas son de club, las tuyas son de bar», añade ‘Bitch Feka’. «Mis putas son de verdad, las tuyas están sacadas de Telecinco», se ríe ‘De la calle’.
La Zowi sigue siendo, por tanto, lo mejor del disco de La Zowi. Zoe Jeanneau Canto es la única autora de temas tan relevantes en el disco como ‘Chapiadora’, en el que la cantante cuenta que la «cuenta del banco le pone el toto húmedo», por mucho que el mundo se empeñe en que rebusquemos entre sus productores.
Y podemos hablar de la melodía de ‘Contarte’ con Soto Asa; del gran flow de ‘Bitch Feka’ junto a Lex Luger; o de lo que se pega ‘Yo lo pongo loco’ con Leo RD. Hay incluso guiños a otros géneros, como el momento palmas flamencas de ‘Chill’. Como el beat de funk carioca de ‘Tu mamá’. O del ritmo jamaicano que se ha dado al tema en francés ‘Bebé’, lo que es casi lo mismo que decir que se acerca a Manu Chao (aunque este nunca te pediría que le llamaras “madame”).
Pero ‘Reina del Sur’ es más «Reina del Sur» cuanto más se concentra en lo que La Zowi quiere contarnos, sobre muy sencillas bases de trap y reggaeton. Dice en ‘Portarse mal’ que ella está «tan fuerte como Bitcoin». Será curioso concluir dentro de un tiempo cuán «fuerte» significaba eso.
No es la primera vez que Morad se enfrenta a causas judiciales. En esta ocasión, la Fiscalía pide 6 años de prisión para el rapero por presuntos delitos de atentado a la autoridad con el uso de un arma, provocando así un delito grave de lesiones a los Mossos d’Esquadra que le quisieron detener. Se agrava su situación porque se trataba de un Taser, arma de electrochoque, que está prohibida en España.
Según el fiscal, el delito se produjo en la noche del 17 de julio de 2021 en Hospitalet de Llobregat, cuando estaban en pleno apogeo las normas Covid, concretamente el toque de queda. Sucedió en el barrio de Morad, La Florida. Los Mossos acudieron porque, al parecer, iba a haber botellones en esa zona. Según han dicho, al llegar les gritaron desde un edificio «perros, hijos de puta» mientras les lanzaban botellas de cristal.
A partir de ese momento, dos agentes entraron en un portal donde presuntamente se encontraron con el autor de ‘Pelele’ que se debió ver sin salida y fue entonces cuando usó el Taser contra los agentes. Aun así, consiguieron detenerle.
El oficial que más lesiones tuvo, ha pedido una indemnización de 350 euros, además de la condena de cárcel y una multa para Morad que propone la Fiscalía. El juicio tendrá lugar en un juzgado por lo penal en Barcelona en los próximos meses, donde se decidirá la condena final.
‘Say Yes to Heaven‘ es ya uno de los mayores éxitos de la carrera de Lana Del Rey. El tema, rescatado de los descartes de ‘Ultraviolence‘ (2014), se ha viralizado en TikTok y su éxito ha traspasado a las listas oficiales como ningún tema de «Ocean Boulevard» ha logrado. ‘Say Yes to Heaven’ ha entrado en el nº9 de Reino Unido, en el nº54 de Estados Unidos y también en el nº8 de Irlanda, el nº10 de Nueva Zelanda, el nº20 de Australia, el nº34 de Canadá, el nº41 de Alemania o en el nº90 de Francia. Nada mal para una artista que no suele colar singles en las listas de éxitos, pues Lana es sobre todo artista de álbumes.
Mejor aún, ‘Say Yes to Heaven’ se mantiene fortísima entre los 30 primeros puestos de las canciones más escuchadas en Spotify Global, concretamente en el número 24, entre hits de Yandel y The Weeknd. En solo 10 días suma más de 35 millones de streamings (entre su versión normal y la acelerada) y no es descabellado pensar que vaya a superar los 54 millones de «Did you know» y los 70 millones de ‘A&W‘ en muy poco tiempo.
El responsable del éxito de ‘Say Yes to Heaven’ es evidentemente TikTok, donde el tema se ha viralizado. De hecho, el viral viene de lejos: ya en 2022, ‘Say Yes to Heaven’ empezó a circular en la plataforma y en marzo de 2023 UMG y Polydor reclamaron los derechos de la canción.
Pero, más allá del viral, ‘Say Yes to Heaven’ está aguantando en listas por méritos propios. Quizá hay un anhelo por aquella Lana que fabricaba hits como ‘Born to Die’, ‘West Coast’ o ‘Lust for Life’ y ‘Say Yes to Heaven’ logra sonar mucho más accesible, inmediata y pegadiza que todo el último disco de Lana, un trabajo centrado en los textos y en la narrativa, sin apenas singles. Quizá Lana deba reflexionar sobre qué temas mete y cuáles deja fuera de sus discos, pues sus fans han entendido las posibilidades de ‘Say Yes to Heaven’ más que ella y además desde el primer momento: el tema se filtró en 2020 y era uno de los inéditos favoritos de los fans desde entonces. Su éxito es justicia poética.
Y ojo porque la repercusión de ‘Say Yes to Heaven’ no se quedará aquí, pues el tema va a ser enviado a las radios americanas: el 5 de junio empezará a sonar en la llamada ‘US adult alternative radio’ y el 6 de junio lo hará en la radio alternativa general. Todo esto mientras la promoción de su disco «Did you know» continúa: el vídeo de ‘Candy Necklace‘ salió no hace ni un mes.
James Ford es el nombre detrás de muchos de tus discos favoritos. Él es el productor de ‘AM‘ y de otros discos de Arctic Monkeys, de los últimos trabajos de Depeche Mode y Jessie Ware, y ahora mismo está trabajando en el nuevo proyecto de Pet Shop Boys. Entre sus clientes se cuentan también Florence + the Machine, Haim, Gorillaz, Klaxons, largo etcétera. Puede que a él ya le tuvieras fichado por su trabajo en Simian Mobile Disco (es mitad del dúo junto a Jim Shaw) pero jamás habrías adivinado por dónde saldría su propia música en solitario. ‘The Hum’, su primer disco, trae a la mente influencias del prog de Canterbury, Brian Eno o Robert Wyatt. Es un trabajo de pura exquisitez musical que demuestra que Ford es incluso más transversal de lo que imaginabas. Hablo con él por Zoom y me cuenta los entresijos de ‘The Hum’ y de su trabajo con algunos de sus más célebres colaboradores.
Has dicho que sacar un disco tú solo a los 40 años te sorprende. ¿Sientes que has salido de un cascarón?
Han sido varias cosas. He instalado un estudio en la buhardilla de mi casa. Nunca he tenido un estudio solo para mí. Esto me ha permitido experimentar y buscar mi sonido. Por otro lado, Jim Shaw de Simian Mobile Disco ha estado enfermo y no hemos podido trabajar juntos, mucho menos durante la pandemia. Este me parecía buen momento de sacar algo que fuera diferente, sin colaborar con nadie, haciendo la música que me gusta. Es un disco muy experimental, nada que ver con tu trabajo como productor. Ahora las influencias son Brian Eno o Robert Wyatt. ¿Ha sido liberador para ti trabajar este sonido?
Es la música que escucho, de hecho es la música que escuchaba con mi padre, el estilo del prog de Canterbury británico. Realmente he vuelto a mi zona de confort: esta es la música que escucho cuando me voy a dar un paseo, por ejemplo. Escucho mucha música esotérica y ambient, como la de Harold Budd o John Hassell. Es la música que me ha salido crear trabajando solo. Cuando trabajo con gente intento ayudarles a realizar su visión, mi gusto musical es amplio, y el trabajo tiene que ver con ellos, no conmigo. Ahora es al revés.
¿Qué discos podemos encontrar en la colección de tu padre?
Robert Wyatt, los discos de Brian Eno de los 70, Caravan, King Crimson… ese mundo. Mi padre y yo aún tenemos una relación musical muy buena, él me sigue pasando nuevas bandas todo el tiempo. Es la primera persona a la que le puse el disco.
¿Te manda nueva música porque estás demasiado ocupado?
A veces. Como productor te pasas todo el día escuchando música, escuchando sonidos, no tienes mucho tiempo de ocio para escuchar música, de hacerlo por placer. Cuando escucho música por placer lo atesoro, y suele ser música con mucho espacio, ambiental… Alice Coltrane, cosas que te envuelven o te relajan…
Has tocado 18 instrumentos en el disco.
Probablemente más [Me enseña su estudio por vídeo] Todos estos sintetizadores los he tocado yo. El clarinete bajo lo he aprendido a tocar mirando tutoriales. Este instrumento ha sido el génesis de varias canciones del disco, curiosamente.
Björk acaba de sacar su «disco de clarinete bajo». ¿Se va a poner de moda?
Siempre me ha gustado este instrumento. Hace años, cuando vivía en Manchester, tocaba en una banda y Graham Nassey, que estaba en 808 State, me solía pasar mucha música nueva en la que sonaba este instrumento. Me recordaba a Moondog, cosas así. Pensé que este disco era buen momento para coger este instrumento y ver qué pasa.
No sueles escribir letras, ¿ha sido un reto para ti?
En las típicas sesiones de composición pop he ayudado a escribir letras. Por ejemplo, con Alex Turner nos intercambiamos ideas frecuentemente. Pero no me considero letrista y para mí escribir las letras del disco ha sido la parte más difícil de todo el proceso.
¿Por qué?
Ha sido difícil decidir qué tipo de letras escribir. Pero el proceso ha sido enriquecedor, de repente leyendo un libro reparas en ciertas frases, o escuchas a alguien decir una frase que te llama la atención… Cuando escribes letras empiezas a fijarte en ciertas cosas que, si no las escribes, pasan desapercibidas.
Por un momento te tentó llamar a tus amigos y hacer un disco de colaboraciones. ¿Ese disco imaginado era diferente al que ha salido?
El disco empezó con «loops» ambient y poco más. Después, a medida que empezaba a componer canciones más definidas, mi equipo me sugirió llamar a algunos de los artistas con los que he colaborado para que pusieran las voces. Pero yo no quería hacer ese tipo de disco, me parecía una idea demasiado básica y obvia. Me resultaba más valiente y honesto hacer el disco que yo quería hacer por mi cuenta. Además, en el segundo disco de Simian Mobile Disco ya trabajamos con vocalistas y, aunque disfruté la experiencia de crear ese trabajo, siento que algo de la personalidad de la banda se perdió en el camino, y no quería que esto volviera a suceder en mi álbum.
Has producido el nuevo disco de Depeche Mode, el primero como dúo. ¿Cómo abordaste el proyecto?
Ya produje ‘Spirit‘ (2017) y fue una experiencia complicada, había mucha gente en el estudio, ingenieros, programadores… Recuerdo que fue un disco estresante de hacer. Quería que el siguiente fuera diferente, que el equipo fuera pequeño. Contacté a Marta Salogni y me di cuenta de que ella aportaba una energía femenina muy necesaria en el estudio. Este era el plan inicial.
Hasta que Andy Fletcher falleció…
Exacto. En ese momento pensé que el disco ya no saldría, pero lo sacamos adelante. Lo hicimos entre Dave (Gahan), Martin (Gore), Marta y yo, fue una experiencia muy amable y agradable. Entre todos intentamos hacer el mejor disco posible dadas las circunstancias. Fue un disco fácil de hacer. Fue una experiencia agridulce, en el estudio hablábamos mucho de Andy, de recuerdos… Cuando haces un disco la música no es todo, también es importante la dinámica que se establece entre los propios creadores. A veces las estrellas se alinean y otras no, y en este caso lo hicieron.
«Producir el anterior de Depeche Mode fue estresante, el nuevo ha sido fácil»
¿De qué manera crees que has contribuido a la evolución de Arctic Monkeys?
Creo que siempre les he animado a evolucionar, a no estancarse. Alex es un músico brillante, creo que jamás podría repetirse a sí mismo, se aburre rápido. Quizá a la gente le gustaría escuchar otro ‘AM’ pero él no podría escribirlo una segunda vez. Alex y yo nos pasamos música todo el rato, nos descubrimos mucha música nueva, confiamos mucho el uno en el otro.
El cambio de sonido ha sido muy evidente en los últimos discos…
Si quieres que tu grupo favorito haga la misma música todo el rato, estás abocado a la decepción. Todos los grandes artistas han evolucionado y corrido riesgos. Lo que pasa es que la gente establece vínculos emocionales con ciertas obras y eso les hace esperar que sus artistas favoritos las repitan continuamente. Pero no se puede viajar en el tiempo, es imposible.
Estás produciendo el disco de Pet Shop Boys. ¿Cómo va?
El disco no saldrá hasta dentro de un tiempo, puede que ni siquiera este año, pero va muy bien, las canciones son excelentes y ellos son brillantes y encantadores. Hay cosas que son puro Pet Shop Boys y otras que son nuevas para ellos. Hemos trabajado mucho en casa, porque aquí tengo un montón de sintetizadores. (Neil) y (Chris) son personas muy agradables e inteligentes. Cuentan muchas historias de los años 80, de Nueva York, Nueva Jersey, cuando trabajaron con David Bowie… todo lo que han vivido. Son fascinantes hasta decir basta y estoy muy contento de poder trabajar con ellos.
¿Eres consciente del culto que hay alrededor de ‘What’s Your Pleasure?‘ de Jessie Ware?
Sí, sí… A Jessie la conozco desde hace tiempo, es una buena amiga. En ese momento venía de estar bastante disgustada con su discográfica y quería hacer un disco que fuera bailable y divertido. Contó conmigo porque como DJ y productor cuento con un bagaje considerable en el ámbito de la música de baile y la electrónica. Jessie es una cantante y compositora brillante, fue muy fácil hacer ese disco y también el nuevo. Estoy muy contento de que haya encontrado un nuevo público y un nuevo estilo, y que se entregue a la faceta más divertida y extravagante de su personalidad.
Te iba a preguntar sobre la inteligencia artificial, pero he visto que en la nota de prensa del disco, tú mismo la mencionas. Dices que a medida que la «pesadilla de la IA se acerca, la humanidad es la principal cualidad que puedes aportar a la música». ¿Qué opinas de las voces «deepfake» que tanto han proliferado en los últimos meses?
Escuché una anoche, de ‘New York State of Mind’ de Nas, pero cantada por Notorious B.I.G., y da miedo lo mucho que se parecen las voces. Creo que se avecina un cambio parecido a la revolución industrial, y que estamos al borde de un enorme cambio social…
¿Como productor te interesa la IA?
Me interesa más ver cómo puede la IA afectar al mundo, cuál puede ser su impacto en la industria de la música. La IA afectará a todos los trabajos, no solo a la música. Creo que en la música los trabajos que están realmente en peligro son los trabajos medianos. La gente que se dedica a crear música para anuncios tiene los días contados… Pero los artistas en sí, bueno, la IA no puede replicar a Prince realmente.
«A Grimes le gusta llevar la contraria. Ella siempre iba a estar de lado de la inteligencia artificial»
Ahí entra la humanidad de la que hablas…
En el futuro, probablemente si deseas crear una canción de «Dua Lipa» podrás hacerlo, pero lo que nunca va a poder hacer la inteligencia artificial es realmente SER Nick Cave, SER Tom Waits… Toda la música que amo posee ese componente humano y no puedo imaginar que la inteligencia artificial vaya a reemplazar realmente a los humanos.
Luego está Grimes, que ha sacado su propia réplica vocal.
A Grimes le gusta llevar la contraria. Ella siempre iba a estar de lado de la inteligencia artificial. Y eso está bien, ella es una futurista y tiene ideas interesantes. Lo que me interesa de todo esto es pensar cómo va a afectar realmente al mundo de la musica. Creo que la IA generará mucho más ruido, mucho más información, y que para los artistas será mucho más difícil hacerse notar, más que ahora incluso… Será un paisaje inundado de información…
Quevedo continúa dominando la lista de Discos en España una semana más, con un ‘Donde quiero estar’ que tras 18 semanas ya ha conseguido el doble disco de platino.
Ghost, entrada más fuerte
La entrada más fuerte esta vez no la encontramos hasta el número 12, donde aparece ‘Phantomime’ de Ghost. El EP de versiones de la banda de metal ha sido número 1 en su país, Suecia, colándose en el top 10 de lugares como Reino Unido, Finlandia o Austria. En Alemania y Holanda ha quedado en el número 11, más o menos como en España.
Nicki Nicole, top 20
Por debajo, pero también en el top 20, está ‘Alma’ de Nicki Nicole, directo al 19. El disco de tan solo 10 canciones incluye colaboraciones como la de Rels B, ‘qué le pasa conmigo?’.
Lewis Capaldi arrasa en UK
Lewis Capaldi, que es número 1 en Reino Unido con números espectaculares (95.000 copias en 7 días, casi el disco de oro, de momento es el mejor debut de 2023 por encima de Ed Sheeran), llega al puesto 30 en España con ‘Broken By Desire to Be Heavenly Sent’. Este dato, que puede saber a poco, es una mejora respecto al número 44 que conseguía en nuestro país su debut. ¿Qué otros territorios han apoyado masivamente a Lewis Capaldi? Ha alcanzado el puesto 1 por supuesto en listas casi gemelas a la británica, como la de Irlanda, y la de Australia, y también en Holanda. En Italia y Francia el puesto se parece más al de España (top 31 y top 41, respectivamente), y en Estados Unidos, ha llegado al puesto 14. El artista encabeza la próxima edición de Dcode.
La Zowi y Cruz Cafuné subirán
También hay que pararse a hablar de La Zowi, que llega al puesto 65 con ‘La Reina del Sur’; y de Cruz Cafuné con ‘Me muevo con Dios’, que llega al número 85; en ambos casos con tan sólo 2 días y 1 computados, respectivamente. Ambos subirán la semana que viene en su primera semana completa.
Coldplay suben gracias a sus conciertos
Con motivo de sus conciertos multitudinarios en España, ‘Music of the Spheres’ de Coldplay pasa del puesto 80 al puesto 25, siendo la subida más fuerte de la semana. Este álbum es disco de oro en nuestro país.
Otras entradas de la semana en Discos España son la banda sonora de ‘Fast X’ en el número 41, ‘Paraíso 39’ de Juancho Marqués en el 64, ‘Drastic Symphonies’ de Def Leppard en el 86 y ‘El niño que nunca crece’ de Maki en el 89.
Sia recibió hace dos años críticas muy duras por su retrato del autismo en su película ‘Music’. Se cuestionó, entre otras cosas, que escogiera a una actriz neurotípica, su gran aliada Maddie Ziegler, para un papel que iba a tener tanta visibilidad.
La cantante estuvo en depresión e incluso barajó suicidarse. Ahora la autora de ‘Chandelier’ ha revelado en un podcast que está en el espectro autista.
Estos días Sia era la invitada de Rob Has a Podcast. Hablando sobre la 44ª temporada del ‘Supervivientes’ estadounidense y en concreto con la concursante Carolyn Wiger, que no está en el espectro autista, pero sí tiene el trastorno de déficit de atención y está en rehabilitación por sus adicciones, Sia le ha tirado un cable a la que ha llamado su «concursante favorita de la historia»: «Estoy en el espectro, y estoy en recuperación, muchas cosas pasan”. Además, Sia le ha donado a esta concursante 100.000 dólares para que resuelva sus problemas económicos y los de su hijo.
Carolyn le da entonces las gracias y le pide que hable sobre su lucha. Sia se refiere también a su conocida lucha contra sus adicciones, retratada en discos como ‘1000 Forms of Fear‘: “Solo en los últimos 2 años me he vuelto completamente yo misma. Nadie puede conocerte y amarte cuando estás llena de secretos y viviendo avergonzada. Cuando finalmente nos sentamos con un montón de desconocidos y les confesamos nuestros secretos más profundos, oscuros y sonrojantes, y todo el mundo se ríe con nosotros y no nos sentimos pedazos de mierda por primera vez en nuestras vidas, y sentimos que nos están entendiendo por primera vez en nuestras vidas por quienes somos, solo entonces podemos empezar a salir al mundo como seres humanos con corazón y no fingiendo ser cualquier cosa”.
Sia también ha sido noticia recientemente por casarse con Dan Bernards en Portofino, Italia. Solo 4 personas acudieron como testigos a la ceremonia, que se daba a conocer este mes de mayo. Os dejamos con el vídeo del referido podcast. Podéis ver la entrevista con Sia desde el minuto 10. Su revelación es en el minuto 16.
Nuestro compañero Juan Sanguino ha publicado un libro en el que desgrana ‘Palabra de mujer’ de Mónica Naranjo. Ya disponible en la tienda de JENESAISPOP, tiene un título prometedor: ‘Apriétame más fuerte’. El año que Mónica Naranjo desató a un millón de chonis, maricas y marujas’. El contenido está a la altura de las expectativas gracias a la profundidad que permiten más de 350 páginas sobre este tema.
El análisis de Sanguino incluye por supuesto lo musical, canción a canción, en una mezcla de copla, dance y R&B que la crítica de la época no quiso valorar ni para bien ni para mal. Y ahí entra el análisis de los prejuicios de una sociedad en el que era necesario profundizar desde el punto de vista sociológico.
El libro se pregunta por qué la cantante triunfó antes en México que en España. Cómo Sony se vio obligada a apostar por ella pese a su falta de fe. De qué manera Mónica consiguió penetrar en la sociedad española pese a la falta de apoyo de las radios como Los 40 Principales, donde se negaron a pincharla ni cobrando, y en qué estratos lo consiguió. Maricas, chonis y marujas serían fundamentales en el apoyo de temas como ‘Desátame’, ‘Pantera en libertad’ o ‘Empiezo a recordarte’. Al final, cada single se ofrecía a un estrato de la sociedad diferente, conquistando a cientos de miles de personas.
Juan Sanguino ha hablado con casi todos los creadores envueltos en ‘Palabra de mujer’, excepto Ella: letristas, autores, programadores, diseñadores… y también con algunos responsables de la industria, entre otros José Luis Gil, figura muy visible recientemente por su testimonio villano en el documental de Loco Mia.
Ahora Sanguino visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP para contarnos los entresijos del libro y analizar de nuevo el disco, en este caso con la suma de nuestra visión. ‘Palabra de mujer’ estuvo en nuestra lista de Mejores Discos de 1997 publicada hace unos años; y ‘Desátame’ entre las Mejores Canciones de 1997, aunque es cierto que también tuvimos nuestras reservas, como la prensa especializada de aquel momento, y tratamos de dilucidar por qué.
El libro sobre Mónica Naranjo está disponible en tienda.jenesaispop.com junto a los otros 3 libros de Juan Sanguino. Os recordamos que los gastos de envío son gratis a partir de 30 € con el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL.
En redes ha aparecido un anticipo de lo que parece a todas luces una colaboración entre Madonna y Sam Smith llamada ‘Vulgar’, plagada de sonidos orientales. En ella, Sam Smith reivindica lo «vulgar» como «hermoso» en clara alusión a las críticas recibidas por ambos, una por «vieja» y otro por no binarie. Madonna ha confirmado que ‘Vulgar’ sale el 9 de junio.
Como algunos recordaréis, Madonna fue la artista que presentó la actuación de Sam Smith junto a Kim Petras en los Grammy. La Reina del Pop copó titulares por su look desfavorecedor, y Sam Smith por ofrecer una performance de carácter satánico para -ejem- ‘Unholy’. Madonna criticó a los cámaras que la habían deformado, y Sam Smith fue insultade por la calle.
En la gira de Sam en presentación de ‘Gloria’, su nuevo disco, que tan desapercibido está pasando por las listas, Smith estaba realizando una reivindicación de ‘Human Nature’, uno de los singles perdidos de la carrera de Madonna, nunca un gran éxito, pero sí una de las favoritas de la artista.
En principio se decía que era un remix de ‘Unholy’, de ‘Human Nature’ o de ambas. Sin embargo, Ryan Tedder ha retuiteado una información de un insider que dice que la canción es «nueva» y «muy vulgar», lo que hizo pensar que el tema se llamara ‘Vulgar’.
Sam Smith tenía pensado estrenar un tema al término de su concierto anoche en Manchester, pero justo tuvo que cancelarlo tras unas 4 canciones por una circunstancia no aclarada. Así lo están comentando los usuarios de Popjustice.
Como nota curiosa, fue Sam Smith quien impidió que ‘Rebel Heart’, el penúltimo disco de Madonna, fuera número 1 en Reino Unido. Quedó en el top 2 por detrás, en aquel momento, de ‘In the Lonely Hour’. Fue en aquella época, y pese a ser gran fanático de Lady Gaga hasta el punto de hacer cola en sus conciertos, cuando Sam Smith comentó que se estaba haciendo fan de Madonna. Escribía en Twitter en enero de 2015: «hasta hace un mes, no era fan de Madonna. Pero de repente me he OBSESIONADO. Lo es todo».
Amazon Prime Video anunciaba esta mañana todos los nuevos detalles de Operación Triunfo 2023, el programa que presentará Chenoa. Aunque aún no se ha desvelado la fecha de emisión, sí se han adelantado algunas informaciones acerca de la dinámica que tendrá el reality.
Esta primera temporada durará 14 semanas en las que habrá cambios sustanciales. Las galas pasarán a durar 90 minutos, un intento de evitar las emisiones excesivamente extensas de las últimas ediciones. No desaparecerá la post-gala, pero tampoco se mantiene como antes. El canal 24 horas en YouTube se mantiene como punto fuerte del formato, allí se seguirá el día a día de los concursantes de la misma forma. Pero Prime Video incluye un contenido más novedoso aún: un magacín diario. Tendrá un presentador diferente y colaboradores que siguen siendo un misterio. Podría decirse que será un repaso diario de lo que ocurra en la Academia.
Los responsables del programa han asumido que los fans de OT son muy poco transigentes en cuanto a los cambios o novedades, así que han decidido mantener a cuatro de los profesores más conocidos. Se verán caras nuevas, pero Noemí Galera seguirá siendo la directora de la Academia, Manu Guix el director musical, Mamen Márquez vocal coach y Vicky Gómez coreógrafa.
La Academia, nueva también, seguirá manteniendo una de las cosas que hace que el formato tenga éxito, el encierro de los concursantes. Incluso Chenoa ha reconocido en la rueda de prensa el valor de esto: «Cuando estaba en la Academia, el hecho de no enterarme de nada me hacía focalizar». Aun así, parece que la dirección tendrá en cuenta lo que puede hacer ese aislamiento un poco más llevadero.
El Festival Tomavistas ya ha desvelado el horario de su cartel para los tres días. Tendrá lugar del 22 al 24 de junio en el parque Enrique Tierno Galván, en Madrid. Aunque ya desvelaban su cartel por días hace algo más de dos meses, hoy presentan los horarios.
El jueves 22 actúan Ginebras, La La Love You, Carlangas, Niña Polaca, Menta y BRAVA. Shego coincidirá con Queralt Lahoz a las 18.30h y Depresión Sonora con Judeline a las 20.15h.
El segundo día, el viernes 23, coinciden a la misma hora Perro y Pip Blom, y Mujeres y Playback Maracas. También se podrá ver ese día a artistas como La Casa Azul, The Vaccines, Triángulo de Amor Bizarro, Parquesvr, Playback Maracas, Mujeres, La Femme y Gazzi.
Por último, el sábado 24 cerrarán el festival Dani, La Bien Querida, La Paloma, Allah-Las, Cala Vento, Sidonie, La Élite, Ladytron y Metronomy. Aun así, coincidirán Blanco Palamera y Margarita Quebrada, y Los Punsetes con HOFE X 4:40. Los últimos abonos están disponibles en la web de Tomavistas.
Así adelantaba la artista su próximo sencillo, ‘LAS BABYS’. Todo apunta a que se trata de una canción que formará parte de su nuevo álbum, que podría llamarse ‘alpha’, al que también pertenece el single ‘Los Ángeles’.
En el adelanto, que aún no tiene fecha, Aitana ha dejado ver que en su nuevo tema sampleará el clásico del eurodance ‘Saturday Night’ de Whigfield. «Quiero bailar perreando toda la noche con las babys / Quiero brindar por un amor que nunca fue, fuck you baby». En lo que parece que será el estribillo, la artista mantiene el formato de la canción original, añadiendo el toque personal.
La artista no se cansa de publicar en las redes sociales que este nuevo trabajo pertenece a su nueva «alpha era», una era en la que ritmos house y la electrónica estarán muy presentes. Se muestra con una faceta que hasta ahora no había mostrado, muy alejada del pop más tradicional.
En su cuenta de TikTok, Aitana ha revelado otro fragmento de ‘LAS BABYS’ en el que queda claro que en esta nueva era las amigas son pilar fundamental. «Por la niña buena, por la niña mala / Y por esa amiga que vuelve hermana». Augura un tema para celebrar la amistad con esas ‘babys’ con las que salir a divertirte no tiene dificultades.
En una de las mejores canciones de ‘My Soft Machine’, el nuevo disco de Arlo Parks, la británica canta como un mantra una frase que, por su sencillez, llega hondo: “es más fácil no sentir nada, qué difícil es confiar en alguien”. En ‘I’m Sorry’, Arlo vuelve a abordar el tema de la salud mental desde una perspectiva personal y universal, y consigue reconfortarnos como tantas de sus canciones logran.
La propia Arlo ha necesitado confort: en 2021 canceló su gira por sentirse exhausta y “rota” y, aunque con su primer disco ganó el Mercury Prize, aún las ansiedades con las que convive llaman a su puerta. En ‘My Soft Machine’ las vuelca en unas canciones que parten del sonido del debut para llevarlo ligeramente adelante, en otro de esos discos que son continuistas pero solo porque desarrollan lo anterior añadiendo pequeñas novedades.
El sonido de Arlo Parks, ese pop relajado que hace uso de baterías ligeras de hip-hop y guitarras eléctricas a lo bedroom-pop, sigue presente en ‘My Soft Machine’, por ejemplo, en el estupendo single ‘Impurities’ o en el mencionado ‘I’m Sorry’. Los ecos al trip-hop blandito de Dido (voluntarios o no) se hacen notar en otros dos singles, ‘Weightless’ y ‘Pegasus’. Sin embargo, Arlo también arriesga, por ejemplo, dotando ‘Devotion’ de unas guitarras inspiradas en el grunge, y, en ‘Blades’, entregando su canción bailable. Ambas apuestas le salen bien.
Compuesto en los momentos libres que le permitió la gira de ‘Collapsed in Sunbeams’, y producido con Paul Epworth, ’My Soft Machine’ habla de las típicas experiencias de una veinteañera que empieza a reconocer las dificultades de la vida adulta. En la intro recitada de ‘Bruiseless’, Arlo canta que “ojalá volviera a tener siete años” y que “ojalá mis ojos aún fueran amplios”, en referencia a esa infancia que aún no ha perdido la inocencia, a la que todo asombra. Es un momento especialmente poético. Y en ‘Weightless’ lidia con haberse dado cuenta de que la persona a la que ama solo le da “migajas” emocionales.
Evidentemente el amor es uno de los protagonistas de ‘My Soft Machine’, que recibe su título de una frase de la película de 2019 ‘The Souvenir’. La dependencia emocional inspira una de las mejores canciones, ‘Pegasus’, en la que participa Phoebe Bridgers, y Arlo dedica varios temas a las inseguridades que emergen en su cabeza cuando se encuentra en una relación. Por su parte, ‘Impurities’ celebra que “irradio cuando tú abrazas todas mis inseguridades”, y ‘Devotion’ afronta el amor de esa otra persona con una dosis de incredulidad: “¿por qué te creo cuando me dices que soy buena?”
Y es que a veces a Arlo Parks le asuela la “culpa” por no poder ayudar a esas personas de su círculo que lo están pasando realmente mal, en concreto, con el abuso de sustancias. Nos lo cuenta en ‘Bruiseless’. Sin embargo, en sus nuevas canciones, Arlo demuestra que poco a poco va siendo capaz de salir del fango y de aceptarse a sí misma, en todas sus dimensiones. Quizá, por eso, ‘My Soft Machine’ es un disco especialmente colaborativo: además de Epworth y de Bridgers, también están por aquí Ariel Rechtshaid, Romil de Brockhampton y hasta David Longstreth de Dirty Projectors. Él toca la guitarra precisamente en ‘I’m Sorry’, llenando la canción de una luz que en realidad ilumina, tenuemente, todo el disco.
‘Hamburguesa’ es el último single de Madbel, una artista emergente que basa su sonido en tres pilares: lo urbano, la música electrónica y el indie-pop. ‘Tarara’ es el nombre de su álbum que verá la luz en los próximos meses. Con tan solo tres canciones publicadas, su estilo recuerda al de El Columpio Asesino. Esa mezcla del rock y la electrónica, con la presencia del sintetizador están en ‘Hamburguesa’, nuestra Canción del Día hoy. La reciente separación del grupo hace pensar que quizá Madbel pueda subsanar esta pérdida para una nueva o una vieja generación. Sin querer suplir, tomando el testigo.
Sus letras son una vía de escapatoria para situaciones cotidianas, especialmente situaciones en las que las mujeres se encuentran de forma habitual. En ‘Hamburguesa’ la artista reivindica el derecho a comerse una hamburguesa cuando tienes el día torcido, literalmente. A veces una chica necesita mandar callar a toda la gente que siempre tiene un consejo para todo aunque nadie se lo haya pedido. Siempre hay gente que está peor y mejor que tú, pero quejarse de lo propio es sano. “Aunque mi vida tenga mil defectos todos tenemos un ‘momento hamburguesa’ que nos hace conectar con esos pequeños placeres de la vida que hacen que todo lo demás sea más llevadero” explica Madbel. Se refleja en el tema: la sátira va del brazo de esa pequeña libertad que es silenciar el mundo de vez en cuando.
‘Tarara’ es la canción que da nombre al disco y que usa la mítica canción infantil para componer el estribillo. Busca ser cercana pero con un carácter novedoso. Adaptada al contexto pero con notas inocentes. Lo que está claro es que el sonido tecno estará presente a lo largo de todo su trabajo. En el sencillo ‘Maribitch’ Madbel se desprende de lo ingenuo pero sin soltarle la mano a la feminidad. Su tono de voz es menos melódico, más hablado. Suena a reivindicación, como el resto de sus temas. Que lo mantenga, o no, es algo que veremos en su próximo álbum.
El Primavera Sound no empieza el jueves. Ni siquiera el miércoles en la fiesta inaugural. Desde hace bastantes años, el Primavera Sound comienza el lunes con el Primavera a la Ciutat: una serie de conciertos en los que toca parte del grueso del cartel y que se celebran en los días previos y el domingo siguiente al festival. El formato ha ido mutando a lo largo de los años: de conciertos gratuitos abiertos a todo el público (mitiquísimo el de Richard Hawley en Arc de Triomf en silla de ruedas en 2016) a conciertos en salas solo para poseedores del abono: en 2019 pudimos ver a Cate Le Bon o Deerhunter de lujo en el Apolo.
En esta edición se ha recuperado este formato del 2019: conciertos el lunes, martes, miércoles y el domingo, a los que los poseedores del abono pueden entrar haciendo una reserva en Access Tickets de 10 euros (que se retorna) y los no “abonados” pagando una entrada de 16,50 euros a través de la app de Dice.
El cartel de Barcelona se reparte entre las dos salas del Apolo y del Razzmatazz y está bastante bien: Black Country, New Road, Black Midi, Arab Strap, Maggie Rogers, The Comet Is Coming, Melody’s Echo Chamber y, claro está, Pet Shop Boys, entre otros. Pero en Madrid será aún mejor. El número de salas es mayor: hasta ¡once!, del Teatro Eslava a la Riviera, Clamores, Independance… Y, a mayor número de salas, mayor número de artistas. Aparte de los antes nombrados, el plantel madrileño (y que, agh, no veremos en sala en Barcelona) quita el hipo: The War on Drugs, St Vincent, Julia Holter, Karate, Nation of Language, The Delgados… Una oportunidad única para degustar delicatessen en un ambiente perfecto… y para quitarse solapes durante el festival. Los conciertos de Madrid se celebrarán del lunes 5 de al miércoles 7 de junio y el domingo 11. Más información sobre horarios y salas aquí.
Sharon Lopez
Este lunes, pues, ya empezamos a zambullirnos en el ambiente festivalero. En el Apolo resonaban los ritmos marciales de los bielorrusos Molchat Doma, en la sala grande del Razz el post-post rock de black midi. Pero mi corazoncito era para Arab Strap, en la sala 2 de Razzmatazz. Antes, tocaron los jovencísimos The Goa Express. El grupo se formó cuando perdieron el último bus a su pueblo tras un concierto de The Brian Jonestown Massacre (¡no siempre es malo estar esperando el Nit Bus!). Menos abrasivos que los americanos, los Goa suenan muy bien, tocan mejor, son enérgicos y su pop-rock con bastante de jangle no puede ser más vitalista, aunque a la ecuación solo le falle tener unos temas con más gancho. Aun así, el cantante jugando con su gorra y el guitarrista que buscaba afanosamente latas de cerveza no pudieron resultar más simpáticos.
Para Arab Strap ya hay una buena entrada en el Razz 2, pero nada de agobios. Al dúo no se le caen los anillos teniendo que salir a montar ellos su escenario. Mi acompañante hace hincapié en el buen aspecto que luce Aidan Moffat. Su presencia, imponente de cintura para arriba, se relaja en unas bermudas vaqueras de cintura para abajo. Cuando arranca el set, unos golpes marciales resuenan en el escenario. Han venido en formato banda. Malcolm Middleton se queda en segundo plano, inamovible en su rincón. Aidan se hace de rogar, hasta que aparece desafiante con el pie de micro. Él lleva todo el peso del show, salmodiando con el pie de micro a cuestas, al que pasea por todo el escenario. Nos regalan para empezar la asfixiante ‘The Turning of Our Bones’, con la que abren su estupendo ‘As Days Get Dark’, disco que va a ser el grueso de la actuación.
Así transcurre el concierto: bajos gordos, tormentas sónicas, Aidan mandando, ora dándole a la batería eléctrica, ora desapareciendo del escenario entre flashes de luz… Se ha traído una colección de botellines de sidra y un abridor. Los botellines van cayendo, uno tras otro, mientras él ejerce de rápsoda entre el silencio en ‘Compersion pt 1’, o la intensidad y la concentración de ‘Keybabilon’… Alguien pide ‘Cherubs’ de ‘Elephant Shoe’ (yo lo hago mentalmente), pero no hay suerte. Sin embargo, sí que cierran con clásicos como ‘Girls of Summer’ y ‘The First Big Weekend’. Nada menos que 90 minutos de fango, pero inusitadamente luminoso.
Ya este martes, era el momento de vera a Melody’s Echo Chamber. Un colega me dijo que ella era “esquiva” y que tampoco se dejaba ver mucho en directo. Que había que aprovechar su visita al Apolo, vamos. Mucha gente debía pensar lo mismo. Si la sala estaba a la mitad con los norteamericanos Zopa, para cuando le llegó el turno a Melody Prochet, el aforo estaba hasta los topes. Melody conduce una banda efectivísima, que le da un empaque muy físico a su psicodelia onírica. Tras su teclado, Melody baila, canta, se sumerge en la música y se deja llevar, a ratos parece casi en éxtasis. Y lo hace todo tan bonito, que nosotros también nos dejamos llevar. La única pega es que hay un exceso de canciones de su primer disco, el homónimo ‘Melody’s Echo Chamber’. Lo compensa convirtiendo en pieza mayor, ya hacia el final del set, la preciosa ‘Shirim’ de ‘Bon Voyage’. Por otra línea, me informan de que el concierto de Black Country, New Road en Razzmatazz ha sido “histórico”, a pesar de no contar con Isaac Wood. Bien, histórico quizás no, pero el show de Melody’s Echo Chamber ha sido precioso y hechicero.
Buck Meek, guitarrista de Big Thief, ha publicado dos discos en solitario, ‘Buck Meek’ (2018) y ‘Two Saviors’ (2021), y este año publicará el tercero. ‘Haunted Mountain’ sale el 25 de agosto, un disco «sobre el amor» pero también sobre «algo más, más grande que el amor, algo que no desafía al amor sino que actúa como su contraste».
Meek cree que «a veces parece que todas las canciones de amor ya han sido escritas», pero Meek intenta su propia gran canción de amor en ‘Haunted Mountain’, la pieza que avanza su nuevo disco y que además le da título.
Haciendo uso de las típicas metáforas naturalistas en el trabajo de Big Thief, ‘Haunted Mountain’ habla de un amor que ha salvado a Meek de la oscuridad. Antes él era una persona que «divagaba», solitaria, por las «llanuras verdes». Ahora ha llegado a la «montaña encantada», donde una «nube de oro» le envuelve; una montaña de la que ya no se quiere ir.
Alegre y feliz, ‘Haunted Mountain’ recuerda a las canciones más luminosas de Big Thief, pero la influencia del country es evidente, en sonido y también en letra, pues la narrativa letra de ‘Haunted Mountain’ -co-escrita con Jolie Holland- trae ecos a las grandes historias de Glen Campbell o Dolly Parton.
Julieta es una de las revelaciones del pop catalán. Ganadora de dos premios Enderrock, sus canciones no renuncian a los beats del reggaetón ni del house de los 90, como tampoco a mezclar castellano y catalán, y con dos proyectos publicados, su gira ‘Alguna Nit’ acaba de estrenarse en la sala Paral·lel 62 de Barcelona con todas las entradas agotadas.
‘Nayades’, el primer single de Julieta, vio la luz a principios de 2021. Desde entonces sus sencillos han abandonando los arreglos de piano casi bucólicos de aquel tema por ritmos urbanos: ‘Cari’ es uno de sus hits más populares y carismáticos, influido por los 90, ‘En mi coche’ podría ser una versión de Aitana pero no, y su disco ‘Ni llum ni lluna’ esconde otras pistas destacadas como ‘Secret’, en la línea del reggaetón melancólico que hoy copa las listas de éxitos.
Vocalmente, Julieta usa un registro bonito y susurrado, similar al de las cantantes francófonas de los 60, de France Gall a Angèle pasando por Alizée. La propia Julieta parece ser consciente de esto, pues en ‘Nayades’ canta frases en francés.
Con la producción de LOWLIGHT, que han trabajado con Yung Beef o Bad Gyal, en varios de sus temas, Julieta va poco a poco dándose a conocer, y su nuevo single contribuirá a su popularidad. El reggaetón onírico de ‘T’enxules’, la Canción Del Día de hoy, es parecido al de ‘Zahara’ de Judeline y cuenta con no pocos ganchos, como ese «wooh!» saltarín que anima cada estribillo.
Julieta reconoce que sus instrumentos son «el ordenador y la voz», lo cual es evidente en su música, pues tampoco renuncia Julieta al efecto del autotune, por ejemplo en la misma ‘T’enxules’. Otra de esas artistas totalmente de nuestro tiempo que, ojo, ya cuenta entre sus seguidores de Instagram a Belén Aguilera o a otra nueva estrella del pop catalán, Triquell.
El festival Radio 1’s Big Weekend que organiza la BBC cada año desde 2005 ha tenido lugar este fin de semana en Dundee, Escocia. Entre los artistas programados, Royal Blood han actuado después de Niall Horan y antes de Lewis Capaldi y parece que ha topado con un público poco receptivo a su propuesta. Tanto que a Mike Kerr, cantante de Royal Blood, la indiferencia del público le ha sacado de quicio.
En un momento capturado en vídeo, Kerr se dirige a la audiencia sarcásticamente, con palabras en las que deja clara su antipatía: «Supongo que nos tenemos que presentar visto que nadie sabe quiénes somos. Nos llamamos Royal Blood, y esto es… ¿música rock? ¿A alguien le gusta el rock? A nueve personas, brillante. Este es Ben Thatcher y toca la batería. Todo el mundo, saludad a Ben. Nos tenemos que aplaudir a nosotros mismos porque esto está siendo patético. Bien hecho, Ben».
A continuación, Kerr se dirige a una persona fuera de cámara: «¿Nos aplaudes? Estás ocupado, pero hasta él está aplaudiendo, ¿qué dice eso de vosotros?» Con 7 canciones tocadas, Royal Blood tocan una última nota desafinada y el grupo abandona el escenario, no sin antes Kerr dedicarle al público sendas peinetas.
Royal Blood es uno de los grupos de rock más populares de Reino Unido, a pesar de que sacan disco cada cuatro años. Algo que no sucederá con ‘Back to the Water Below’, su nuevo trabajo, que sale en septiembre, dos años después de ‘Typhoon‘.
El primer single de ‘Back to the Water Below’, el «tifón» rock de ‘Mountains at Midnight’, se puede escuchar desde hace unos días.
Royal Blood making their feelings known about the crowd at BBC Radio 1’s Big Weekend yesterday 😂
¿Ha filtrado Rosalía su nuevo single en TikTok? En las últimas horas, ‘Tuya’, el tema que publica Rosalía próximamente, ha estado disponible para escuchar entero en la plataforma, en sus 2:37 minutos de duración, desde la cuenta oficial de la artista. Rosalía ha avanzado un fragmento de ‘Tuya’ en un vídeo de TikTok, por lo que la filtración vendría de ahí.
‘Tuya’ vuelve a apoyarse en un beat de reggaetón, al que Rosalía ahora agrega palmas de ecos flamencos. El elemento característico de la producción de ‘Tuya’ es el uso de un instrumento de sonido oriental, aparentemente el koto japonés, lo cual tiene sentido porque Rosalía acaba de visitar Japón, uno de sus países favoritos.
En cuanto a la letra, ‘Tuya’ habla de «dos loquitos» que están perdidamente enamorados, y que no pueden ser otros que Rosalía y Rauw Alejandro. Parece que su EP conjunto ya ha dado todo lo que tenía que dar, a menos que el vídeo de ‘Promesa’ esté en la línea de salida.
Hablando de Rosalía y Rauw, la pareja acaba de protagonizar un cuestionario para la revista GQ en la que responden preguntas personales o sobre su relación. Además, se ha subido de manera oficial a Youtube el vídeo de la actuación de ‘BESO’ en Puerto Rico.
Error o no, el caso es que las filtraciones ya no afectan tanto a las campañas de los artistas como antes, pues la gente ya ni se acuerda de lo que supone buscar un link de descarga. A Kylie Minogue la filtración de ‘Padam Padam’ no parece haberle pasado factura, y a Harry Styles la filtración de su disco tampoco.
‘Acróstico’, la balada de Shakira junto a sus hijos se posiciona como número 1 de Singles en España frente a ‘WHERE SHE GOES’, de Bad Bunny. El tema de Shakira entró la semana pasada en las listas y, finalmente, se coloca en primera posición. Gana así la competición prevista entre ambos artistas que, además, mantienen otros temas en el ranking.
Aunque no consigue el número 1, la entrada de Bad Bunny con ‘WHERE SHE GOES’ se sitúa en el segundo puesto. Era predecible después de la acogida que tuvo el mismo día de su estreno. Aun así, el cantante mantiene en el Top 50 las canciones de ‘Coco Chanel’, junto a Eladio Carrión, en el puesto 21; ‘un X100to’, en el puesto 26, colaboración con Grupo Frontera y ‘La Jumpa’ con Arcángel, que se coloca en el número 44.
Entra en la lista Omar Montes junto a Saiko con ‘Arena y Sal’, directos al puesto número 20. También Nicky Jam en su colaboración con Feid llamada ’69’, en el número 28. Habrá que esperar al 9 de junio para escuchar el remix de ‘Polaris’ tema de Saiko en el que colaborará junto a Feid y que, probablemente, se encuentre en las listas de éxito nacionales una vez lo estrenen.
Argentina está de nuevo presente en el Top 100 de singles en nuestro país de la mano de dos duplas. Nicki Nicole junto a Milo J en ‘Dispara ***’ se sitúa en el número 68. Tiago PZK y Tini lo hacen en el puesto 77, con ‘Me enteré’.
Escuchar a Cruz Cafuné es un seguro de que ese día aprenderás algo nuevo. No son saberes rebuscados o muy técnicos, es conocimiento popular. Pero él lo aúna en sus letras llenas de referencias, una tras otra. Tienes que ser conocedor de la cultura rapera, de moda o del deporte. Y, por supuesto, saber cómo referirte a la marihuana con más de siete frases o palabras diferentes. ‘4 PREZ’, single que forma parte de su último y extenso álbum, sorprende con su producción, no muy común en el ecosistema del rap actual. Reúne las características para ser nuestra canción del día.
‘Me Muevo Con Dios’ es el último trabajo del artista. Son un total de veintitrés canciones que mezcla colaboraciones de muy alto nivel y las letras instructivas de Cruzzi. Westside Gunn, Quevedo, La Pantera, Hoke, LaBlackie, Boj o Miky Woodz son algunos de los que se han subido a los temas del rapero.
En este álbum no falta seriedad. Cruz Cafuné muestra en sus versos los remordimientos que puede producir alejarse de casa y de la familia por cumplir un sueño, por cumplir con su trabajo. La fama y el placer personal a veces no van de la mano y él siempre pone a Tenerife, su isla, como el faro que ilumina el camino de vuelta.
‘4 PREZ’ no es un tema sensible, pero aun así no faltan la referencia a su hogar, ese vínculo que siempre está presente en sus canciones. «Excursiones en jetski a calas solos tú y yo / Abama, solos tú y yo». Letras sencillas y muy costumbristas, pero la referencia a su isla siempre. Abama es un hotel de lujo en la costa de Tenerife.
No son rimas ni ritmos complicados, pero sí variados. La base se acerca al house de los años 90 y a un R&B adaptado al oído actual. La diferencia está en dos cosas. La base, que se presta para letras rapeadas o cantadas, se adapta al mood del rapero. Pero el sello de identidad está en las palabras, en el relato. No es nada nuevo, pero sí personal. Orgullo canario y amor por lo que no está al alcance de todo el mundo. Y no solo hablando de lo material.
El proyecto de Alberto García Roca es uno de los más particulares de la escena. No sé si decir «nuestra escena» porque en verdad, él mismo se presenta como un migrante procedente de un «pueblo del sur de España», que lo ha tenido que cambiar por Londres por «falta de oportunidades». Autodidacta y apasionado de la música, ha decidido imaginar cómo sonaría su grupo favorito del mundo y crearlo porque «no existía». Para ello, empezó a hacer música, grabando con un «micrófono de un portátil cutre en Audacity».
Desde que empezó a trastear, no ha sido capaz de parar, creando canciones a diario y sacando a la luz ahora 12 de las más de 30 que grabó para esta gran carta de presentación. Antes, precedieron otros proyectos locos, como aquellas producciones de muy pocos segundos ideadas para TikTok.
La música que encontramos en ‘Kinda Happy Kinda Sad’ es tan atrevida como anticipa todo esto. Ya es difícil dilucidar si ‘uwu’ es una grabación de electrónica experimental transformada en country durante una décima de segundo. Si ‘Lemme Go’ está más influida por of Montreal o por Pizzicato Five. Si podría ser la banda sonora de una serie de acción de los 60, o de otra de dibujos animados.
Lo seguro es que con varios cambios de ritmo y de estilo incluso dentro de la misma pista, Alien Tango es un bálsamo para la tristeza y el desánimo. Las letras han sido creadas durante la pandemia y eso sugieren textos como el de ‘Día Gris’, que nos habla de «otro día despierto, pero inerte». La música sugiere todo lo contrario. «Kinda sad» podrían ser los sentimientos de que parte el disco inicialmente. «Kinda happy» la respuesta musical.
Se ve muy claramente en los arreglos revitalizantes tamaño Red Bull de ‘B.F.F.‘, un canto a la amistad con derecho a roce por el que se asoman durante unos instantes una armónica, percusiones excepcionales, efectos especiales, pero sobre todo unos grandes arreglos de cuerda sintetizados estilo Northern Soul, que también resaltan la en principio acústica ‘Pulpo Frito’. Canción esta que nos promete frente al peor año de nuestra vida, que «lo bueno está solo por llegar».
Junto a ‘Song for FIFA‘ y esa ‘1000 Years‘ que se ha dejado para el final, son los grandes momentos de un álbum al mismo tiempo variado y lleno de sorpresas, pero coherente a la vez. ‘Kinda Happy, Kinda Sad’ lo mismo incluye una sección de vientos que otra electrónica a lo Daft Punk. ‘Memories Are Better than the Real Thing’ mezcla folk con country y solos de guitarra más bien metaleros. ‘Fish & Chips’ y ‘Sleep Paralysis’ se adentran en territorios más esquivos. El artista termina su disco hablando de los «1000 caminos» posibles en la vida, abordados musicalmente de «1000 maneras diferentes», pero siempre sin que dejes de tener la impresión de estar escuchando un disco de Alien Tango.
Si hay alguna certeza en la temporada de festivales es que el cartel del Primavera Sound siempre alberga varios de los nombres más importantes del año musical. Esta edición del festival barcelonés, que se celebra por primera vez en Madrid también, no es una excepción: Kendrick Lamar, Rosalía, Blur, New Order, Halsey… entre tantos otros artistas consagrados.
Con un despliegue tan grande de nombres, no siempre es fácil prestar atención a los artistas emergentes, pero merece la pena detenerse en ellos y descubrir pequeñas joyas perdidas en la inmensidad del ruido mediático. A continuación, 10 artistas jóvenes que darán que hablar y que podrán disfrutarse durante el festival.
Brutalismus 3000
Viktoria Vassiliki Daldas y Theo Zeitner se conocieron en Tinder y de su relación surgió Brutalismus 3000, un proyecto techno que no tuvo dificultades para encontrar su público ni en plena pandemia. Tras varios EPs, la pareja lanzó recientemente su álbum debut, ‘ULTRAKUNST’. Mezclando hard house, hyperpop o punk y alternando tres idiomas (eslovaco, alemán e inglés), se han hecho un merecido hueco en la escena electrónica contemporánea. La rave del irreverente dúo berlinés promete ser un divertidísimo espectáculo para terminar la noche por todo lo alto.
Anish Kumar
Una de las voces emergentes más interesantes de la electrónica británica es Anish Kumar. Las creaciones del productor y DJ de origen indio seducen por su espíritu festivo y su consistente precisión para construir melodías inmediatas. De forma similar a Four Tet o Caribou, es tan capaz de hacer un rompepistas como de adentrarse de forma satisfactoria en territorios más ambient.
Flowerovlove
Joyce Cisse, más conocida por su pseudónimo flowerovlove, es una cantante londinense de 17 años. Su estilo se mueve entre el indie rock y el indie pop, con producciones agradables y veraniegas y cálidas interpretaciones vocales. BBC Radio 1 la nombró “Future Artist of the Month” convirtiéndola en un valor al alza del pop británico. Entre sus canciones más destacadas se encuentran ‘Malibu’, ‘Hannah Montana’ o la reciente ‘Love You’. El año pasado lanzó un EP titulado ‘A Mosh Pit in the Clouds’.
Bar italia
Uno de los grupos más prometedores del momento. La prolífica banda londinense Bar italia, con su mutante indie-rock lo-fi, acaba de sacar su tercer largo ‘Tracey Denim’, un trabajo que seguramente aparecerá en algunas listas de lo mejor del año ya que ha conquistado a cierto sector melómano por méritos propios. Es difícil no sentirse atrapado por su sonido influido por el rock de finales de los 80 / principios de los 90. Viene a la mente Yo La Tengo o Broadcast como posibles referencias.
Two Shell (¥///0 $#£[[ \/\/&$ #£>3)
Si buscas algo desenfadado y moderno, Two Shell es justo lo que necesitas. Su electrónica glitch y experimental ofrece melodías pegadizas y una energía positiva contagiosa. ‘Home’, su mejor canción hasta el momento, es una burbujeante producción UK Bass capaz de levantar a un muerto. El misterioso dúo, además, cuenta con múltiples EPs a sus espaldas, destacando ‘Icons’. En sus manos, la diversión está asegurada.
Salamanda
El dúo coreano Salamanda sorprende por su onírico ambient minimalista. Su música pertenece a un estado cercano a la vigilia, a ese no-lugar entre sueño y conciencia. Sus delicadas producciones van construyendo mundos fascinantes mediante progresivas repeticiones. Pese a que su música a menudo se adentra en territorios inquietantes, es su calidez lo que hace de ella una experiencia tan agradable y sugerente.
TWIN
El proyecto en solitario de la valenciana Ana López tras formar parte de la banda Her Little Donkey presenta un sonido renovado: un electropop etéreo con fuerte presencia del autotune que cuenta con canciones tan envolventes como ‘Benasque’. También se atreve a versionar la ya mítica ‘Blinding Lights’ de The Weeknd adaptándola al español en ‘Cegada por la luz’.
Antònim
Ton Llevot y Maxi Ruiz forman Antònim, un proyecto musical donde la electrónica y la naturaleza van mano a mano. Una dulce voz, baja en la mezcla, acompaña a sonidos sintéticos, delicadas percusiones, sutiles guitarras y tonalidades psicodélicas. ‘Llar Camí’ es el prometedor álbum debut del dúo catalán, un trabajo ecléctico y cohesionado que al escucharlo te transporta a una naturaleza calmada. Como dar un placentero paseo por el bosque.
Verraco
El productor colombiano JP López ofrece una explosivo despliegue de las posibilidades de la música electrónica. Desde la celestial ‘Our New Order’ al deconstructed club con ritmos reggaetoneros de ‘Ronalidnho hace la elástica’, pasando por un remix del ‘megapunk’ de Ella Minus, el show de Verraco será, sin duda, ecléctico e interesante. Ideal para perderse en sus texturas futuristas.
Alissic
Según su biografía de Spotify, la brasileña Alissic nació nueve meses después de que sus padres se encontraran un UFO. Su voluntad de resultar misteriosa también se traslada a su música, aunque esta es mucho más accesible de lo que podría parecer, llena de ganchos y melodías que funcionan de forma efectiva. Con una clara tendencia pop y cantando en inglés, su estilo en ocasiones recuerda a la primera Halsey. Aún pendiente por sacar un disco, Alissic podría perfectamente convertirse en una nueva sensación pop en los próximos años.
Quién iba a decir que una comedieta como ‘Cortocircuito’ (1986), dirigida por John Badham -autor de una de las películas más icónicas de los 70, ‘Fiebre del sábado noche’, y uno de los reyes del videoclub de los 80 con exitazos como ‘Juegos de guerra’, ‘Dos pájaros a tiro’ o la propia ‘Cortocircuito’- se iba a convertir en un referente estético para la representación cinematográfica de los robots cuquis y “adorables”.
El diseño de Johnny 5, obra del gran Syd Mead (creador de todo tipo de cachivaches futuristas para ‘Blade Runner’, ‘Aliens’ o ‘Tron’), fue fusilado por Pixar en ‘Wall-E’, copiado en versión cíclope en ‘La oveja Shaun: Granjaguedón’ (el robot Mugg-1N5) y recuperado ahora en formato roomba en el nuevo videoclip de Harry Styles.
El Curiosity –el Cortocircuito de la NASA- aparece en un televisor explorando Marte mientras se escucha la inconfundible voz de Brian “Logan Roy” Cox. Esta visión resulta una epifanía para la humilde aspiradora que se mueve por la sala de catering del concierto de Styles. Se queda con la boca abierta. A partir de esa revelación, la aspiradora robótica se escapa de allí como una esclava de un campo de algodón y emprende un largo viaje en busca de su sueño.
Influenciado conceptualmente por ‘Wall-E’, ‘Satellite’ sigue los códigos dramáticos de la fábula con mensaje motivador. Tras recorrer medio país, de gasolineras y callejones inmundos a bosques, montañas, Las Vegas o el Gran Cañón, el simpático robocito llega casi sin batería a su destino: el centro de ensamblajes de vehículos de la NASA, en Florida. De este modo, la aspiradora pasa de aspirar miguitas de una moqueta a inspirar sueños de grandeza planetarios.
El Partido Popular ha ganado las Elecciones Municipales de 2023 con el 31,50% de los votos, frente al 28,11% del Partido Socialista. Las elecciones han supuesto una debacle electoral tanto para Ciudadanos como para Podemos. Avanza el PP también en poder autonómico y podrá gobernar con VOX en Comunidad Valenciana, Cantabria, Baleares, Extremadura y Aragón. El PSOE solo retiene con mayoría absoluta Castilla La-Mancha, y podrá realizar pactos en Asturias y Navarra.
En un ambiente de euforia en Génova, dadas las sendas mayorías absolutas de Ayuso y Almeida, esta última muy poco esperada, Alberto Núñez Feijóo se asomó al balcón mientras sonaba una canción de Coldplay. Justo cuando el grupo acaba de actuar para 200.000 personas a lo largo de 4 días en el Estadí Olimpic de Barcelona.
La elección musical no pasó inadvertida para la prensa generalista ni para los tuiteros comentando las elecciones en las redes sociales. La canción elegida fue ‘Fix You’ y la parte pinchada la más épica, como se puede ver en el vídeo de El País.
Las elecciones musicales de Feijóo han sido noticia previamente durante esta campaña. Nada menos que Patti Smith y su himno revolucionario ‘People Have the Power’ fue el tema que abrió el Congreso del Partido Popular de abril de 2022 para coronar a Feijóo. Y el mismo tema sonó en un acto de campaña este mismo mes de mayo.
¿Qué opinará Patti Smith, gran seguidora de Lorca y de la cultura española en general, sobre el uso de este tema que hablaba de que «el pueblo tiene el poder para redimir la obra de los necios»? Os recordamos que podéis hablar sobre las elecciones en nuestro foro Política Superficial.
