El Partido Popular ha ganado las Elecciones Municipales de 2023 con el 31,50% de los votos, frente al 28,11% del Partido Socialista. Las elecciones han supuesto una debacle electoral tanto para Ciudadanos como para Podemos. Avanza el PP también en poder autonómico y podrá gobernar con VOX en Comunidad Valenciana, Cantabria, Baleares, Extremadura y Aragón. El PSOE solo retiene con mayoría absoluta Castilla La-Mancha, y podrá realizar pactos en Asturias y Navarra.
En un ambiente de euforia en Génova, dadas las sendas mayorías absolutas de Ayuso y Almeida, esta última muy poco esperada, Alberto Núñez Feijóo se asomó al balcón mientras sonaba una canción de Coldplay. Justo cuando el grupo acaba de actuar para 200.000 personas a lo largo de 4 días en el Estadí Olimpic de Barcelona.
La elección musical no pasó inadvertida para la prensa generalista ni para los tuiteros comentando las elecciones en las redes sociales. La canción elegida fue ‘Fix You’ y la parte pinchada la más épica, como se puede ver en el vídeo de El País.
Las elecciones musicales de Feijóo han sido noticia previamente durante esta campaña. Nada menos que Patti Smith y su himno revolucionario ‘People Have the Power’ fue el tema que abrió el Congreso del Partido Popular de abril de 2022 para coronar a Feijóo. Y el mismo tema sonó en un acto de campaña este mismo mes de mayo.
¿Qué opinará Patti Smith, gran seguidora de Lorca y de la cultura española en general, sobre el uso de este tema que hablaba de que «el pueblo tiene el poder para redimir la obra de los necios»? Os recordamos que podéis hablar sobre las elecciones en nuestro foro Política Superficial.
Kylie Minogue logra colocar su nuevo single en el top 40 británico. Un milagro ahora mismo para una canción electropop como ‘Padam Padam‘ y para una artista que acaba de cumplir 55 años justo este fin de semana. Pero lo mejor no es que este tema se haya situado en el puesto 26 con 14.649 copias vendidas durante su primera semana (4.600 descargas y 10.000 puntos de streaming). Lo mejor es que su éxito podría ser duradero a tenor de su comportamiento durante los últimos días.
Efectivamente, ‘Padam Padam’ es ya el mayor éxito de Kylie de la era streaming. ‘Dancing’ de su disco country quedaba en el puesto 38, y tanto ‘Magic’ como ‘Say Something’ rondaron los puestos 55. Esta vez ‘Padam Padam’ ya ha llegado más alto, quedando más cerca del top 12 logrado por ‘Into the Blue’ en el año 2014. Corrían entonces los tiempos de iTunes, no los de Spotify, y era más fácil para los artistas veteranos producir ventas significativas entre sus fans durante la primera semana.
Pero lo mejor es el crecimiento orgánico que la canción está consiguiendo, mejorando visiblemente los datos de sus primeros días. ‘Padam Padam’ entró al 104 en Spotify UK en su día de salida. Después, desapareció de la lista y al tercer día resucitó de entre los muertos. Este viernes lograba ascender al puesto 69 y este sábado ha bajado al puesto 80, pero aun así continúa más alto que la semana anterior. El tema ha sido aceptado en una playlist tan importante en las islas como Hot Hits UK, también en Good Vibes o Just Hits, y eso está siendo decisivo en su popularidad.
Ahora solo queda comprobar cómo se desarrolla el tema, si Radio 1 le da la oportunidad de pincharlo, y si algo de ese entusiasmo se contagia fuera de Irlanda y Australia, de momento únicos países apoyando algo ‘Padam Padam’.
Histórico de Kylie Minogue en Reino Unido (Singles UK)
1988 01 I Should Be So Lucky
1988 02 Got To Be Certain
1988 02 The Loco-Motion
1988 02 Je Ne Sais Pas Pourquoi
1988 01 Especially For You (Kylie Minogue & Jason Donovan)
1989 01 Hand On Your Heart
1989 02 Wouldn’t Change A Thing
1989 04 Never Too Late
1990 01 Tears On My Pillow
1990 02 Better The Devil You Know
1990 04 Step Back In Time
1991 06 What Do I Have To Do?
1991 06 Shocked
1991 16 Word Is Out
1991 04 If You Were With Me Now (Kylie Minogue & Keith Washington)
1991 49 Keep On Pumpin’ It (Visionmasters feat. Tony King & Kylie Minoque)
1992 02 Give Me Just A Little More Time
1992 11 Finer Feelings
1992 14 What Kind Of Fool (Heard All That Before)
1992 20 Celebration
1994 02 Confide In Me
1994 11 Put Yourself In My Place
1995 16 Where Is The Feeling?
1995 11 Where The Wild Roses Grow (Nick Cave & Kylie Minogue)
1997 22 Some Kind Of Bliss
1997 14 Did It Again
1998 14 Breathe
1998 63 GBI (Towa Tei feat. Kylie Minogue)
2000 01 Spinning Around
2000 02 On A Night Like This
2000 02 Kids (Robbie Williams & Kylie Minogue)
2000 10 Please Stay
2001 01 Can’t Get You Out Of My Head
2002 03 In Your Eyes
2002 02 Love At First Sight
2002 08 Come Into My World
2003 01 Slow
2004 05 Red Blooded Woman
2004 06 Chocolate
2004 02 I Believe In You
2005 06 Giving You Up
2007 04 2 Hearts
2007 31 Santa Baby
2007 05 Wow
2008 10 In My Arms
2008 36 The One
2010 03 All The Lovers
2010 12 Get Outta My Way
2010 32 Better Than Today
2011 08 Higher (Taio Cruz feat. Travie McCoy & Kylie Minogue)
2011 93 Put Your Hands Up (If You Feel Love)
2012 31 Timebomb
2013 96 Flower
2014 12 Into The Blue
2014 59 I Was Gonna Cancel
2014 60 Crystallize
2018 38 Dancing
2018 52 Stop Me From Falling
2020 56 Say Something
2020 53 Magic
2021 95 Real Groove (Kylie Minogue & Dua Lipa)
2023 26 Padam Padam
El desencuentro entre las expectativas de nuestro corazón y la realidad con que lidia nuestra cabeza es el tema principal del segundo disco de BAILEN, el grupo formado por los hermanos Daniel, David y Julia. Hablan estas canciones desde la intimidad de una hoguera, como sucede en el onírico, casi bucólico paisaje del tema titular, marcado como su debut por sus suaves armonías vocales.
Pero BAILEN también tienen un interés medido por el avant pop y muchas de sus composiciones, especialmente los singles, incorporan ritmos ligeramente electrónicos, casi bailables. Es el caso de ‘Nothing Left to Give’, un intento de supervivencia a través de los baches: sé que saldré de esta viva / así que no me impidas intentar disfrutar del camino». O de ‘Here We Are Again’, un tema que recuerda los días pasados de una pareja que ahora ya no tiene nada que decirse cuando se va a la cama.
Fleetwood Mac o Fleet Foxes parecen algunos de los referentes, si bien en este último momento, incluso se acercan al pop bien hecho de Harry Styles. Al fin y al cabo las manos a cargo de la producción y la mezcla son tan experimentadas como las de Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) y Lars Stalfors (Soccer Mommy, St. Vincent, Local Natives).
Son estas canciones, junto al bajo funk ‘Call It Like It Is’ la excepción que confirma la regla, pues en verdad en el segundo disco de BAILEN predominan las producciones delicadísimas como ‘These Bones’, otro canto a la esperanza sobre curarnos. Sobre todo en la segunda mitad del álbum, donde aparecen confesiones susurrantes como ‘Change Your Mind’, y una pieza sobre la enfermedad de la madre de los miembros del trío. ‘BRCA (Nothing Takes Me Down)’ habla exactamente del gen que Julia comparte con su madre, que sufrió un cáncer de mama.
En ese grupo de canciones, la más impactante es ‘Relic’, una de esas grabaciones en las que BAILEN deciden abrirse. Si ‘Leave Me Wanting More’ incluso había mencionado a un terapeuta, ‘Relic’ deja toda la congoja que se propone desde su sencillez. «No hay nada que pueda hacer para que vuelvas a quererme», plantea, mientras otros fragmentos del texto son más poéticos apelando a que «no hay ni bien ni mal / sólo cosas que hace la gente».
Como para evitar que el disco deje mal sabor de boca o demasiada balada, ‘Tired Hearts’ se cierra en un registro diferente. ‘Hiding’ comienza más influida por las baladas clásicas de R&B de los años 60, pero mutando en medio tiempo al final. Ahí podríamos hablar de soul pop, solo que con la gracia de que BAILEN no han dejado de sonar a sí mismos en ninguno de los detalles.
Antonio Gala ha fallecido en Córdoba tras una larga enfermedad. Así lo han informado el Patronato de la Fundación Antonio Gala y su familia a través de un comunicado. Tenía 92 años.
Dramaturgo, novelista, poeta y ensayista, Gala fue uno de los grandes de la literatura española de finales del siglo XX y principios del XXI. Entre sus novelas cumbre se encuentran ‘El manuscrito carmesí’ (1990) y ‘La pasión turca’ (1993) y, entre sus obras de teatro, destacaron ‘Los verdes campos del Edén’ (1977), ‘Anillos para una dama’ (1973) o ‘Cálculo de estructuras’ (1993). Gala fue además un reputado articulista y también escribió ensayos y relatos.
Pero la que Gala consideraba su «gran obra» no fue ninguna obra escrita: la Fundación Antonio Gala abrió en 2002 en Córdoba con el objetivo de apoyar a los jóvenes creadores. Gala vivía en la sede de su fundación, en el antiguo convento del Corpus Christi, y de hecho era cordobés de adopción, pues él nació en Brazatortas, Ciudad Real, pero se trasladó a Córdoba a los 9 años.
En 2011, a Gala le fue diagnosticado un cáncer de colon del que anunció su recuperación en 2015. Desde entonces sus apariciones públicas han sido muy excepcionales, y eso que Gala era un personaje conocido por varias generaciones gracias a sus continuadas intervenciones en televisión, como en el programa de Jesús Quintero, donde eran lapidarias sus reflexiones sobre la vida, la muerte o la mera existencia.
La imagen pública de Gala era indisociable a su dependencia del bastón: se dice que su colección ascendía a los 3.000 bastones. Él daba una visión diferente: «Yo no colecciono bastones: colecciono amigos que regalan bastones. Y en realidad no me apoyo al andar en los bastones: me apoyo en los amigos».
Primavera de 1992. MTV Europa empieza a programar el vídeo de una misteriosa cantante llamada Sophie B. Hawkins. En él -filmado en ese blanco y negro característicamente arty de los 90- la artista interpreta una canción en un espacioso loft a modo de local de ensayo, mientras se mueve sin parar, baila, se une a sus músicos, rueda por el suelo. Nada excesivamente original, pero se podía percibir algo en su forma de conducirse, en su lenguaje corporal, de espíritu insumiso, de estar al mando vital y musicalmente de toda la situación. Una impresión de libertad que iba en consonancia con la canción, con su ritmo medio tiempo tipo “baggy” y una letra llena de versos de amor y deseo dirigidos a una persona atrapada en una relación de abuso.
¿De dónde salía esta nueva artista, que debutaba con este single? La neoyorkina Sophie se había formado estudiando percusión africana en la Manhattan School of Music for Percussion, además de especializarse en jazz y tocar múltiples instrumentos. Su primera y corta experiencia en la industria musical vino a finales de los 80 de la mano de Bryan Ferry: fue contratada como percusionista para sus directos, hasta que sorpresivamente fue despedida. En vez de sumirse en una depresión, Sophie lo tomó como una señal de que quizá debía apuntar a objetivos más ambiciosos, y esa misma noche empezó a componer lo que acabaría siendo ‘Damn I Wish I Was Your Lover’.
Después de dos años trabajando demos y puliendo sus composiciones, el sello Columbia lanza en 1992 ‘Tongues and Tails’, su álbum de debut, con la canción en cuestión como estandarte. Tras un vídeo que se estima demasiado “atrevido”, se lanza el definitivo en blanco y negro, mientras las radios empiezan a programar con frecuencia el tema. Su comienzo con caja de ritmos y vaporosos pads de sintetizador es un gancho bastante irresistible, seguido de un precioso estribillo que llega -con oportuna prontitud- a los 30 segundos, redondeando el cebo. Al que a su vez le sigue un tercer gancho: la entrada de la segunda estrofa introduce un sample de la espectacular batería de ‘When the Levee Breaks’ de Led Zeppelin (un loop que en los 90 sería usado casi cada mes, por artistas como Björk, Enigma, Saint Etienne, Massive Attack o los Chemical Brothers), dando a la canción una pulsión totalmente excitante.
Sobre ese lienzo, Hawkins se movía musicalmente tan a sus anchas como en el vídeo: muchas estrofas, un puente largo y brillante, un reprise de la intro… en la era del CD ya no había prisa por acabar las canciones a los tres minutos y medio. En paralelo, la letra tiene suficiente recorrido para explorar con mucha miga esa llamada a soltar un relación tóxica (“Ese viejo perro te tiene totalmente encadenada / Te da todo lo que necesitas para que vivas en una jaula perversa / Y que duermas junto a una rabia vacía”) y -crucialmente- a revelar en la tercera estrofa que está cantándole a una mujer (“Me senté en la ladera con paz en mi mente / Yací junto al océano haciéndole el amor a ella”).
Ese verso con pronombre femenino no le había llamado la atención a nadie en particular hasta que durante una entrevista para el NYT el periodista Jon Pareles le soltó una pregunta tan “normal” en 1992 como inaceptable en el presente: “¿eres lesbiana?”. Sophie, una persona franca y natural, le respondió que era “ambisexual”. Ante la sorpresa de Pareles, explicó: “mi género no define mi sexualidad. Lo hace mi espíritu creativo. Una pareja masculina no me hace hetero, ni una pareja femenina me hace gay. Yo lo soy todo, omni es todo y uno». A pesar del enfado de Columbia Records (tan normal en 1992 como inaceptable en el presente), del que Sophie hablaba recientemente en una entrevista con el Huffington Post, el escándalo se quedó en nada. De hecho, la valentía de haber sido sincera le valdría salir reforzada y -como comenta en la entrevista- tener carta libre para empezar a hablar del espectro de género en las radios (en plenos primeros 90) y convertirse en defensora de los derechos LGBTQ+.
La carrera de Hawkins no sólo siguió adelante, sino que se libró de quedarse en una simple «one hit wonder». De hecho ‘Right Beside You’ y ‘As I Lay Me Down’ -singles de su segundo disco- se clasificarían aún mejor que el top 5 de ‘Damn I Wish I Was Your Lover’. Pero ninguna de ellas era tan carismática como ‘Damn…’, que quedará siempre como la canción que convirtió en mágicas aquellas semanas preveraniegas del 92, y la que definiría a Sophie B. Hawkins como un raro espíritu libre en la retorcida maquinaria de la industria musical.
Tras un tercer disco con Sony/Columbia de resultado más discreto, Sophie recorrió la siguiente década y media editando para sellos más pequeños, pero sin caer nunca en el olvido (memorable su aparición en la cuarta temporada de ‘Community’). Ahora, tras un hiato de una década, acaba de publicar un nuevo disco, ‘Free Myself’.
‘Damn I Wish I Was Your Lover’ suena en la entrega nº 413 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Taylor Swift ha lanzado una versión extendida de ‘Midnights’, la «Til’ Dawn Edition’, que incluye varias sorpresas, como la versión con «más Lana Del Rey» de ‘Snow on the Beach’ o la antes inédita ‘Hits Different’. La mayor curiosidad de todas puede ser el remix de ‘Karma’ con Ice Spice, pues una unión entre Taylor y Ice Spice probablemente no la habríamos adivinado.
Claro que, por otro lado, tiene todo el sentido del mundo: ‘Karma’ es el nuevo single de Taylor y Ice Spice la rapera de moda, influyente incluso en España. Puede que la colaboración suene algo forzada, pero también sonaba forzada la de PinkPantheress y ha sido macrohit.
‘Karma’, que ya era una de las mejores canciones del irregular ‘Midnights’, era otra producción semi alternativa de Jack Antonoff y Taylor, entre el synth-pop y el pop a secas, con un punto lo-fi-pero-no (el volumen de la base en comparación con el de la voz, la producción al fin y al cabo refinada, nada lo-fi en realidad) con créditos en la producción también de Sounwave, Keanu Beats y Jahaan Sweet.
Una de las canciones más inmediatamente «catchy» de ‘Midnights’, casi a la altura de ‘Anti-Hero‘ (no extraña que sea single oficial), ‘Karma’ es una canción de Taylor que iba a existir tarde o temprano, pues Taylor y el karma son viejas amigas. En ‘Bad Blood’ o sobre todo en ‘reputation‘, su tendencia vengativa se hacía notar. Y no es que a Taylor le falten razones: muchos creen que ‘Karma’ puede estar dedicada a Kanye West o sobre todo a Scooter Braun, pero lo mejor es que es lo suficientemente universal como para que pueda hablar de mil personas a la vez sin que los oyentes se sientan excluidos de la lectura. El «middle 8» -Taylor los construye con maestría- lo dice todo: «pregúntame qué he aprendido en todos estos años, pregúntame qué he ganado de todas esas lágrimas, pregúntame por qué tantos desaparecen y yo sigo aquí».
Antes, Taylor habla del karma como si fuera su mejor amiga, también su «novio», y promete a un enemigo que el karma le devolverá todos los males que ha hecho. Ella tiene la «conciencia tranquila» (qué bonita es la expresión inglesa «to keep your side of the street clean»), y su némesis está «aterrado de mirar hacia abajo» y descubrir todo lo que ha destruido. En el remix, Ice Spice le da el toque urbano a la canción: «karma is your chеck’s ‘boutta bounce / and she’s boutta pop up unnanounced».
El videoclip de ‘Karma’ es otro festín visual, como los de ‘Anti-Hero’, ‘Bejeweled’ y ‘Lavender Haze’, y sitúa a Taylor en diversos escenarios: la vemos en el mundo de ‘El mago de Oz’, en el interior de un reloj de arena, en algo parecido al infierno. Finalmente Taylor y Ice Spice se reconfortan la una a la otra: la primera es una montaña, la segunda una nube.
‘Padam Padam’ ha sido acogida con los brazos abiertos por nuestros lectores y ha sido lo más votado tanto en la web, como en el “Desempate de Twitter”, donde se ha hecho con el 53% del televoto. Jessie Ware quedaba con el 21%, Lana del Rey con el 15% y Loreen con el 11%.
Se trata del 6ª número 1 en nuestro top para Kylie Minogue tras ’The One’, ‘Dancing’, ‘Say Something’, ‘Magic’ y ‘Real Groove’. Como veis, 3 de ellos estuvieron extraídos de ‘DISCO‘, su era más aceptada por aquí… de momento.
Tras Kylie y Loreen, también hay entradas fuertes, directas al top 10 ocasi, para Róisín Murphy, Miley Cyrus, Blur, Anohni y Bad Bunny.
Chenoa será la presentadora de la nueva edición de Operación Triunfo, que se estrenará a finales de 2023 por primera vez en Prime Video. Con una referencia a ‘Cuando tú vas’, uno de los mayores éxitos de Chenoa, ambos han confirmado la noticia: «cuando tú vas, yo vuelvo»
También Operación Triunfo ha felicitado a Chenoa por su regreso: «Del número 89 en el casting, a presentar OT 2023. ¡Bienvenida de nuevo a casa, Chenoa!»
Chenoa volverá a Operación Triunfo más de 20 años después de concursar en la primera edición, en la que quedó cuarta. El programa se estrenó el 22 de octubre de 2001 y la final del 11 de febrero de 2002 sigue siendo el momento televisivo más visto en la historia de España.
Tras su paso por Operación Triunfo, en 2002, Chenoa publicó su primer disco, homónimo, que incluye dos de sus mayores hits, ‘Atrévete’ y ‘Cuando tú vas’. Desde entonces ha editado otros seis álbumes de estudio, como ‘Soy mujer’ (2004), ‘Absurda Cenicienta’ (2007) o ‘Soy humana’ (2016) y ha obtenido singles de éxito con ‘Rutinas’ o ‘Todo irá bien’.
Desde 2016, Chenoa ha desarrollado una carrera paralela en la televisión y, de hecho, con su participación en ‘Celebrity Bake Off España’ ya trabajó con Prime Video. Además, es jueza de ‘Tu cara me suena’ desde hace seis años y también se ha dejado ver en programas como ‘Zapeando’.
‘Operación Triunfo’ será el primer programa de Prime Video que se emita en directo de manera semanal y, además, contará con canal 24 horas.
Lewis Capaldi es divertidísimo. En serio: poneos una entrevista random de Lewis y lo más probable es que terminéis soltando una buena carcajada, o muertos de risa. Sus dotes cómicas son hilarantes y su capacidad para reírse de sí mismo (por ejemplo de su síndrome de Tourette) ha producido grandes momentos. En una entrevista le piden que promocione su disco y él, buscando la cámara, contesta: “No perdáis el tiempo. Es una broma total. No parecía posible, pero es incluso peor que el anterior. Compraos el disco de Ed Sheeran”.
Escuchar ‘Broken By Desire to Be Heavenly Sent’ es descubrir que es obligado tomarse las palabras de Lewis literalmente, aunque él las diga de broma. Es curioso que los títulos de sus discos parecen satíricos, porque las canciones van muy, muy, muy en serio. Ni una gota del sentido del humor, el ingenio o la agudeza de Lewis se filtra en las composiciones. Las máximas de la “gran balada pop” se aplica en (casi) todas ellas, sin sorpresas.
El segundo disco de Capaldi es evidentemente continuista de ‘Divinely Uninspired to a Hellish Extent’, en título y espíritu. “Broken By Desire” también hace gala de una falta de inspiración, pues eso, “infernal”. Los mismos autores, como Nick Atkinson o Edd Holloway, están involucrados. Capaldi sigue perdidamente enamorado o canta con el corazón destrozado. Bien, nos pasa a todos.
Y tampoco es que a Capaldi debamos hacerle el mayor de los vacíos sociales: tres de los singles de “Broken By Desire” han sido número 1 en Reino Unido. Una barbaridad. ’Forget You’ sobresale por su sonido animado y liviano, ‘Wish You the Best’ consigue ser algo más que la enésima ‘Someone You Loved’, y ‘Pointless’ demuestra que a Capaldi el sonido 50s de Stephen Sanchez le sienta bien.
El problema es que (casi) todas las canciones de “Broken By Desire” presentan la misma estructura, la misma idea de melodía sensiblera, el mismo desarrollo épico, el mismo apoyo en el piano más azucarado posible, la misma carga de clichés romanticones, del “quizá sea un tonto por enamorarte de ti” (‘Burning’) al “no tengo miedo de morir si es a tu lado” (‘Pointless’). Excepcionalmente, las guitarras de ‘How I’m Feeling Now’ son hijas del brit pop y los teclados de ‘Leave Me Slowly’ remiten a la nostalgia del primer George Michael o del primer Prince.
Pero son eso: excepciones. La mayoría de pistas “Broken By Desire” no se salen del molde y, sobre todo, exhiben una ambición desmedida de alcanzar la punta del Everest del melodramatismo pop, además tomándose a sí mismas tan en serio que no puedes evitar echar de menos que la genial personalidad de Capaldi se haga notar un poco más en las letras. Una canción, por ejemplo, ‘Haven’t You Ever Been In Love Before?’, puede parecer una monada escuchada de manera individual. Todas seguidas se atragantan, te aplastan con un alud emocional del que es imposible salir con vida.
Solo en pequeños destellos la auténtica vulnerabilidad de Capaldi parece atravesar sus nuevas composiciones. Cuando sufre por una relación romántica separada entre Glasgow y Los Ángeles, o cuando observa su falta de autoestima (“me pongo máscaras porque no me gusta la cara que hay debajo”), da la sensación de que Capaldi no se está limitando a interpretar tópico tras tópico sin darles una vuelta. Pero el repertorio de “Broken By Desire” hace una renuncia total a la imaginación.
Céline Dion ha cancelado las fechas de su gira mundial ‘Courage Tour‘ debido al desorden neurológico que padece, el síndrome de la persona rígida. Dion había pospuesto las fechas de la gira hasta en tres ocasiones y, antes de posponerlas una cuarta vez, ha tomado la decisión definitiva de cancelarlas.
En un comunicado, Dion informa: «Siento decepcionarnos de nuevo. Estoy trabajando duro para recuperar mi fortaleza, pero estar de gira puede ser muy difícil aunque estés al 100%. No es justo para vosotros que siga posponiendo los conciertos y, con todo el dolor de mi corazón, lo mejor es que las cancele todas hasta que me sienta realmente preparada para volver al escenario. Deseo sepáis que no me voy a rendir, y que me muero de ganas por volver a veros».
La gira de ‘Courage’, de la que Dion ha completado 52 fechas, continuaba entre verano y primavera de 2023 y 2024. El tramo de 2023 empezaba en Amsterdam en agosto y concluía en Helsinki en octubre. Después, el tramo de 2024 arrancaba en Praga en marzo y transcurría durante el mes de marzo y parte del mes de abril, hasta finalizar en Londres.
El síndrome de la persona rígida provoca espasmos musculares en las personas que lo padecen y Céline ha explicado que, en su caso, le impide cantar y actuar en condiciones adecuadas. El comunicado oficial comunica que el equipo médico de Céline «continúa evaluando su condición».
Dion acaba de ser noticia por el estreno de la comedia romántica ‘Love Again’, en la que aparece interpretándose a sí misma. La banda sonora de ‘Love Again’ se compone de once canciones de Céline Dion que suenan hiladas en el argumento de la película, y cinco de esas canciones son completamente nuevas.
En los años 80, Pietro, un niño de ciudad, veranea con sus padres en una remota aldea en los Alpes italianos. Sin mucho que hacer allí más allá de explorar rutas con su padre y disfrutar del impresionante entorno rural que les rodea, conoce a Bruno, el único niño que vive en la zona. La nueva película del director belga Felix Van Groeningen (‘Alabama Monroe’, ‘Beautiful Boy’), ganadora del Premio del Jurado en Cannes el año pasado, adapta el best-seller italiano de Paulo Cognetti e indaga en la fuerte amistad que nace entre ambos niños y que se prolonga durante el resto de sus vidas. Con ayuda tras las cámaras de su esposa, la actriz Charlotte Vandermeersch, Groeningen traslada el relato a la pantalla con un decidido preciosismo visual capturado con poderío por el director de fotografía Ruben Impens en 4:3.
Es particularmente en el primer acto cuando la película brilla con mayor intensidad; en ese delicado y nostálgico reflejo de la infancia despreocupada y feliz. Lástima que en sus intermitentes destellos de buen cine se cuele más a menudo de lo que debería la sensación de que Groeningen y Vandermeersh, pese al impacto visual de sus imágenes, no creen demasiado en ellas como vehículo narrativo. Una reiterativa y didáctica voz en off se empeña en contar lo que ya está contado, otorgando una innecesaria literariedad que juega en contra de sus virtudes cinematográficas.
Pese a ello, estas virtudes levantan un filme que, si bien podría perfilar mejor su estructura narrativa, deja algunos momentos de notable sensibilidad y belleza en su tierno acercamiento al universo masculino, a ese amor de padre a hijo y de amigo a amigo. La gran noticia que deja ‘Las ocho montañas’ es que Groeningen consigue por fin esquivar su característica y peligrosa tendencia melodramática que tan menudo ha lastrado sus anteriores trabajos. Aquí, aun no alejándose en exceso de esa estela folletinesca, se muestra más comedido a la hora de plasmar la intensidad de las emociones en la pantalla. Por ello, los instantes menos explosivos son los que mejor funcionan para construir la relación entre sus personajes (esa conversación ebria, la construcción de la casa en las montañas).
Los directores consiguen unas entregadas interpretaciones de todo su reparto, especialmente de sus protagonistas en su versión adulta. Luca Marinelli (Pietro en la ficción) sigue demostrando ser uno de los grandes actores italianos actuales, pero brilla con particular intensidad el matizado trabajo de un pletórico Alessandro Borgi, encarnando a Bruno, un hombre que no conoce ni quiere conocer la vida más allá de su montaña.
En ‘Las ocho montañas’ sobrevuela el contraste de ambas formas de vida, la de aquel que ansía ver y descubrir países y continentes para encontrarse a sí mismo, y la del que se conforma con el lugar en el que ha nacido porque no necesita de viajes para conocer su lugar en el mundo. Un choque interesante de perspectivas que los directores plasman con parcialidad y respeto. El filme, no obstante, sí puede ser acusado de ofrecer una visión foránea y romántica de más de un estilo de vida alternativo y rural. Pero con sus luces y sombras, siempre resulta agradable perderse en la inmensidad de los paisajes que aquí se retratan.
Alejandro Sanz ha acudido a Twitter en las últimas horas para expresar el sentimiento de desánimo que vive estos días. El cantante asegura no encontrarse bien psicológicamente. «No estoy bien. No sé si esto sirve de algo pero quiero decirlo. Estoy triste y cansado».
En el mensaje, Sanz señala que ha decidido compartir su bajo estado de ánimo «por si alguien más cree que hay que ser siempre una brisa de mar o un fuego artificial en una noche de verano» y, aunque asegura estar «trabajando para que se me pase», y confía en que cuando se suba a un escenario «algo dentro me dirá qué hacer», agrega que «literalmente, a veces no quiero ni estar». Sanz dice querer «ser sincero» y «no entrar al ruido inútil», y espera que su mensaje sirva a alguien que esté pasando por la misma situación: «Sé que hay gente que se siente así. Si te sirve, yo me siento igual».
El mensaje de Sanz ha sido recibido con muestras de apoyo y ánimo de sus seguidores, que extienden a Sanz su comprensión y le alientan a «refugiarse en lo que te haga feliz». También le dan las «gracias por ser vulnerable, siendo hombre, «donde muchas veces la sociedad les enseña que siempre deben ser fuertes».
Sanz está a punto de comenzar su próxima gira de conciertos en España, que empieza el 3 de junio en Navarra y le llevará por toda la geografía española antes de poner rumbo a Estados Unidos y América Latina. Al autor de ‘Corazón partío‘ le espera un año lleno de conciertos, pues su actual gira concluye a finales de octubre, en México.
El motivo de la gira de Sanz es su último disco, llamado como su apellido, si bien Alejandro ha publicado nueva música en los últimos tiempos: su colaboración con Danny Ocean, ‘Correcaminos’, está producida por Alizzz, y también le hemos escuchado acompañado de Eros Ramazzotti en ‘Sono’, de Camilo en ‘NASA’, o de Keny García en ‘Muero’.
“Hacemos manualidades, práctico clases de plástica”. El reggaetón está lleno de frases atrevidas y sexuales, pero lo de Mushkaa en ‘Barras Warras’ es diferente. Es divertido y descarado, por eso es nuestra canción del día. Letras en catalán y ritmos de trap que lejos de ahuyentar oyentes, los atraen.
Quizá el éxito se lleva en la sangre, pero Irma Farelo, nombre de la cantante, hace méritos sin usar su título como hermana de Bad Gyal. Tampoco se avergüenza, está orgullosa y lo demuestra dedicándole frases en alguna canción: “Estic creixent ‘todavía’, vull fer els passos de l’Alba».
Aunque no tienen nada que ver, mucha gente las compara. Quizá las letras en catalán de Mushkaa recuerdan a esos primeros temas en YouTube de Bad Gyal, pero nada más. La personalidad de Irma encima de los escenarios le ha comenzado a dar su lugar.
‘Tas Loko Mixtape’ es su primer EP y ‘Barras Warras’ es el perfecto titular. El reggaetón en la base y la diversión en la letra. Le acompaña Calagher, cantante catalán, quien añade una voz ronca, que casi susurra los juegos de palabras que se van turnando entre los dos.
Hablan de la tensión sexual, las idas y venidas con esa persona que te trae loco, el tonteo en una fiesta o los celos. Lo hacen como si nada, porque han vivido lo que están cantando. Es un tema para bailar sin preocuparte de si esa persona no te hace caso, pero mucho más sinvergüenza que el perreo tradicional.
Leiva visitaba anoche La Resistencia por tercera vez y ocurrió de todo menos promoción de su nuevo single ‘Jaula de Oro’, junto a Conociendo a Rusia. El cantante, que ya tiene fama con los regalos que le hace a Broncano, se pasó el juego.
Las últimas veces había llevado fotos de desnudos, uno suyo y otro de su padre. En esta ocasión Leiva contó que, por razones médicas, había tenido que realizarse unas pruebas digestivas, una colonoscopia y gastroscopia. Para el procedimiento le sedaron con propofol, el anestésico que había “matado Michael Jackson”.
Mientras se recuperaba de la sedación su hermano le grabó un vídeo, que fue el regalo que llevó para Broncano. En la grabación aparecía el artista en un delirio que deja frases para recordar: “es inminente una recolección de fresa con árabes. Hay que distribuir equitativamente. Sería preocupante que no tuviesen un trato justo, son temporeros que vienen de muy lejos”. El cantante aclaró que días antes había visto una película que tenía como protagonistas a unos temporeros en unas condiciones muy malas. Aún así, no se libró de que el presentador le llamase “yonki sindicalista, yonki pero muy justo con la lucha de clases”.
El resto del programa no fue a menos. Leiva reconocía que tras diecisiete años sin poder soportar el mítico tema de ‘Princesas’ había vuelto a interpretarlo en un concierto hacía poco. Desnudos, anécdotas de algún que otro robo en gasolineras y reflexiones acerca del tamaño de su cabeza fueron la tónica del show.
Enrique Bunbury presenta hoy su nuevo álbum ‘Greta Garbo’, que viene de la mano de un cambio de opinión en cuanto a su retirada de los escenarios. Vuelve, sí, pero con condiciones. Ofrecerá diez conciertos hasta 2024: cinco este año y cinco el verano que viene.
El cantante anunciaba que se apartaba de las giras en 2022, durante su 35 aniversario en la música. Los problemas de salud derivados de los conciertos fueron la razón por la que decidió dar prioridad a la parte más discográfica de su trabajo. Pero la tos convulsiva que le apartó entonces ya no es razón para no volver a los shows.
La fórmula de una gira en mayúsculas ya no es lo que le motiva y se ha decidido por lo atractivo, por el punto medio. Diez conciertos que le permitirán seguir al pie de cañón en lo creativo, comprometiéndose menos con proyectos a muy largo plazo. En una entrevista para EFE, el cantante explica cómo «la frustración de enfrentarse cada día durante una gira a las dificultades llegó a quemarle».
‘Greta Garbo’, disco que incluye el single ‘Invulnerables’, está atravesado por el proceso personal y creativo al que se enfrentó Bunbury. El comienzo de un nuevo capítulo en su vida y todo lo que eso conlleva ha sido el hilo conductor de este trabajo. El cantante se agarra a las nuevas oportunidades y a la certeza de que el desarrollo creativo «sigue siendo el motor de su vida».
Este nuevo álbum lo produce Adán Jodorowsky, cuya forma de entender al artista impulsó a Bunbury a confiar en él. El productor ha trabajado con artistas como Natalia Lafourcade, en su último proyecto, o León Larregui.
En los últimos años, Almodóvar ha coqueteado continuamente con la idea de rodar en inglés. Algo que, si hubiese querido, podría haber hecho hace años, pero el manchego hasta recientemente no se había visto con la confianza suficiente para atreverse. Su primera incursión en un proyecto en este idioma fue su peculiar adaptación de ‘La voz humana‘ con Tilda Swinton, en forma de cortometraje. Poco después, un proyecto de largometraje fue anunciado con Cate Blanchett, que buscaba trasladar a la pantalla el relato de Lucia Berlin ‘Manual para mujeres de la limpieza‘. Finalmente, el cineasta no se vio capaz de levantarlo y abandonó el proyecto.
‘Extraña forma de vida’ es el paso más ambicioso de su cine en una lengua extranjera hasta ahora, un mediometraje de media hora de duración que narra el reencuentro de dos vaqueros que fueron amantes hace 25 años. A Almodóvar le ofrecieron rodar en su momento ‘Brokeback Mountain‘, pero su visión de la historia requería de más carnalidad que la que Hollywood estaba dispuesta a mostrar así que declinó la oferta. Con este nuevo trabajo, el prestigioso cineasta español presenta su particular respuesta a aquella película de Ang Lee (salvando las distancias).
El filme se abre con una cálida voz que canta en portugués ‘Estranha forma de vida‘ de Amália Rodrigues y Don Byas. Esa voz en la ficción corresponde a Manu Ríos, posando como un modelo de revista y vestido de cowboy, que mira sugerente al personaje de Pedro Pascal, recién llegado al pueblo que hace 25 años dejó, y dispuesto a reencontrarse con su antiguo amor, interpretado por Ethan Hawke, ahora convertido en sherif. Este, sin embargo, se muestra más reticente para expresar sus sentimientos. Con una trama criminal sobrevolando el relato, Almodóvar se centra principalmente en aquel romance frustado, observándolo bajo una mirada melancólica.
Desde el comienzo, la cualidad plástica del cine del manchego es inconfundible: colores intensos, un estiloso vestuario (firmado por la marca Saint Laurent, que también co-produce el proyecto), una melodramática partitura de Alberto Iglesias, la característica vistosa fotografía de José Luis Alcaine, una dirección artística exquisita que se atreve a meter cuadros de Georgia O’Keeffe en un rancho perdido en mitad del desierto, etc.
Almodóvar parece plenamente cómodo en este registro neo-western hablado en inglés y dirige a sus intérpretes con su particular estilo que tantas alegrías ha dado a aquellos que han trabajado con él. Los nuevos afortunados de la etiqueta chicos-Almodóvar, Ethan Hawke y Pedro Pascal, están siempre a la altura de su responsabilidad. Por ello, es una pena que no se atreva a dar a este ejercicio de prueba una mayor importancia. Pese a que los temas y obsesiones que quiere tratar están perfectamente expuestos, se echa en falta más desarrollo en todos los elementos de la historia (en las tramas, en los personajes). Todo resulta innecesariamente apresurado y deja la sensación de que esta nostálgica historia de un amor imposible entre dos hombres podría haber dado mucho más de sí. Se conforma con ser una mera anécdota en su filmografía. Una de calidad, eso sí.
En ‘Extraña forma de vida’ encontramos una buena versión del Almodóvar maduro de sus últimos trabajos, ofreciendo un melodrama fidelísimo a su estilo, únicamente lastrado por una duración insatisfactoria. Esperemos que el nuevo largometraje que tiene en mente rodar este mes de agosto, en inglés y ambientado en Nueva York, no vuelva a quedarse en un coitus interruptus.
Es especialmente interesante la línea de Bilbao BBK Live dedicada a la electrónica. De un lado los Chemical Brothers volverán a traer su espectáculo audiovisual a un festival español. Del otro será momento de descubrir cómo suena en vivo el fascinante disco que prepara Róisín Murphy y que no sale hasta septiembre. Entre los ritmos tradicionales de Baiuca y la electrónica sofisticada de Daniel Avery aún habrá tiempo de reunirse con Röyksopp y Jamie xx, de volar con The Blaze o de dejarse asombrar por Arca y sus derrapes sonoros.
Cualquiera que ha acudido a Bilbao BBK Live sabe que la electrónica en el festival disfruta de un espacio importante, casi sagrado si tenemos en cuenta que el escenario Basoa es uno de los más queridos. Por un lado, visualmente es un paraje mágico, sobre todo por la noche, capaz de producir momentos inolvidables como la sesión de John Talabot del año pasado, pues hay que recordar que el festival se celebra en plena naturaleza; por el otro, hay mucho que descubrir particularmente en su programación, tanto como para querer instalar la tienda de campaña delante de ese escenario.
Este año, el jueves 6 de julio abrirá el cartel de Basoa la sesión de Sama Yax, conocida por su labor de arqueóloga sonora con la que rescata clásicos perdidos del soul o las músicas latinas. Este día será momento de acercarse también a los ritmos de electro burbujeante de Anz. Su éxito ‘You Could Be’ es directamente pop, aunque ella, que es de Manchester, no renuncia a los ritmos del garage y el tecno británicos, en los que Call Super (londinense afincado en Berlín) ha sabido encontrar un sonido refinado y atmosférico. Ojo, por ejemplo, a su éxito ‘Chiseler’s Rush’ o a su reciente lanzamiento, ‘Illumina’, una colaboración con Julia Holter de tintes free jazz que suena a algo completamente nuevo. En el otro lado de la moneda, HAAi, que ha colaborado con Fred again.. o Jon Hopkins, promete hacernos «ascender» con los chutes de euforia contenidos en su disco ‘Baby, We’re Ascending’, aunque el mundo «alienígena» se lo reserva Violet con su tecno torcido.
Un nombre tan reputado ya como el de Ben UFO figura en la programación de Basoa del viernes 7 de julio: sus sesiones, desplegadas en espectaculares Boiler Rooms, navegan las aguas del tecno al deep-house pasando por el jungle de vieja escuela y son un Edén de la electrónica exquisita. Él cerrará la jornada. Antes la abrirá Dalila, la sevillana “enamorada de los ritmos rotos”, autora de un hit tremendo como es ‘Cieguita’, y también será momento de disfrutar de los beats espídicos de Shirelle, entre el footwork y el jungle, o de Dinamarca, renovador de aquello que se podría llamar «músicas urbanas», como demuestra en la fascinante ‘Sana Sana’ o en sus colaboraciones con rusowsky o DELLAFUENTE. Para los fans de los ritmos raveros y 90s Job Jobse trae canela fina.
El día 8 de julio encontramos un nombre del que ya os hemos hablado: Gazzi es una de las grandes joyas escondidas en el cartel de Bilbao BBK Live y una de las grandes promesas de la electrónica nacional desde que escuchamos hitazos como ‘Quiere vacilar na más’ o desde que hemos degustado su reciente EP. Pero tampoco es cuestión de perderse el divertido set de Toccororo, que hace grandes mezclas de música latina y electrónica; el de Young Marco, que, conocido por los paisajes paradisiacos de ‘Sacred Space’, ha tenido la ocurrencia de darle una vuelta clubby al ‘«watcha say»‘ de Imogen Heap; o el de Avalon Emerson, que seguramente le dará más al tecno que al disco de cantautora que acaba de sacar. Tendrá que calentar el ambiente para llegada de John Talabot, cuyos sets suelen ser sublimes. Con el paisaje de Basoa de fondo, un viaje a otro mundo.
2021 fue un año espectacular para los hermanos Mael: Edgar Wright les rindió pleitesía total en el documental ‘The Sparks Brothers’. Se estrenó ‘Annette’, el heterodoxo musical de Léos Carax, con guión y música de Sparks: un largo sueño se había hecho realidad al fin. Y, para culminar un año fantástico, los hermanos ganaron el premio César a la mejor música original por la película.
Toda la alegría, energía y entusiasmo generados por estos proyectos, han cristalizado en el disco número 25 (26 si contamos el de ‘FFS’, 27 si incluimos la BSO de ‘Annette’) de Sparks. Y quizás este sea el más divertido y fácil de escuchar del dúo. Sparkcididad al 200%, en la línea de ‘Hippopatamus’ o ‘A Steady Drip, Drip, Drip’, pero aún más heterogéneo e inmediato. Como bien dice Ron Mael, han usado todo su bagaje en beneficio de cada canción, empleando el género y los arreglos que más se ajustaran en cada caso. El resultado es un abigarrado y desbordante muestrario de todo lo que son Sparks. Si en las críticas de ‘Hippopotamus’ y de ‘A Steady Drip, Drip, Drip’ destacábamos que eran buenos álbumes para introducirse en el peculiar mundo de Sparks, este es más perfecto todavía.
Sin embargo, es curioso que, entre tanta vorágine, la canción inicial, y single principal, ‘The Girl Is Crying in Her Latte’ casi, casi sea la más “floja”. ¡Pero menuda “flojez”! Porque es un pepinazo obsesivo sobre la tristeza generalizada que observan en la actualidad. Ella está aparentemente bien, pero no para de llorar sobre su café.
Pero no es tristeza lo que encontramos precisamente en el disco. ‘Veronika Lake’ es fría quietud electrónica. ‘Escalator’ recuerda a los tiempos de Moroder y ‘Nº1 Song in Heaven’. ‘Nothing Is As Good As They Say It Is’ es una divertida pieza de glam rock de lo más pegadiza, repleta de poderosos guitarrazos, como recién venida de 1974… Sólo que es de 2023. ‘The Mona Lisa’s Packing, Leaving Late Tonight’ con su fanfarria de trompetas y sintetizadores, no puede ser más efectiva. Las cosquillitas pop de ‘You Were Meant For Me’ y su bajo tan sexy contrastan con el pop barroco y épico a la Scott Walker de ‘Not That Well-Defined’ y la pesadilla orquestal ‘We Go Dancing’, prima hermana de ‘The Rythm Thief’.
‘Take Me For A Ride’ es un número musical loquísimo, que tanto te lleva a un hipotético film de Tim Burton como a una desatada actuación de rock eurovisivo. Y para cerrar, la parodia pero también homenaje a Bowie que es ‘It Doesn’t Have To Be That Way’, orquestal, pomposa y emotiva. En la final ‘Gee, That Was Fun’, parece que se vayan a arrancar con ‘My Way’ (¡al fin su oportunidad de cantarla!). Pero por suerte, dicen, no hemos de leerla como despedida
En ‘The Girl Is Crying in Her Latte’ todo sigue intacto. La extraordinaria voz de Russell, la imaginación de Ron, el humor y el cariño que desprenden todas las canciones, ese fino equilibrio entre la burla y la ternura que distingue a los Sparks. ‘The Girl Is Crying in Her Latte’ es un disco donde todos los temas son singles potenciales, claros “Sparks Hits”. Pero no solo eso: también desborda entusiasmo y alegría por los cuatro costados. Que una banda tan veterana suene con tantas ganas y tan lozana es maravilloso.
Cuando se puso a la venta ‘Midnights‘ de Taylor Swift, el esperado «featuring» de Lana Del Rey en ‘Snow on the Beach‘ fue una decepción: Lana sólo cantaba coros. Ni un miserable verso le dejó Taylor. ¿Para eso llamaba Taylor a la que ella misma reconocía la artista más influyente de la década?
Lana se pronunció al respecto de ‘Snow on the Beach’ poco después, atónita por ser la única artista invitada en ‘Midnights’. Decía que, de haberlo sabido, habría cantado más en la canción, concretamente el «segundo verso entero».
Ese segundo verso, el que menciona las auroras boreales, es precisamente el que ha grabado Lana en la nueva versión de ‘Snow on the Beach’ que sale hoy. Taylor ha escuchado a sus fans y ha puesto «más Lana Del Rey» en la canción. Así ha llamado el «featuring»: «más Lana Del Rey». Se nota que Taylor pasa ratos online, aunque eso ya lo sabíamos.
Con 290 millones de streamings, ‘Snow on the Beach’ ya era un hit tanto para Taylor como para Lana, pero la nueva versión no admite más cambios, por lo que está por ver hasta qué punto el tirón de Lana convierte en éxito esta segunda mezcla. Ella está triunfando ahora con un descarte de hace 10 años, ‘Say Yes to Heaven‘, así que todo es posible.
La reedición de ‘Midnights’, que sale hoy, incluye otro curioso remix, el de ‘Karma‘ con la rapera Ice Spice. Es cuanto menos curioso escuchar el apático flow de Ice Spice sobre esta base de synth-pop de Jack Antonoff. ‘Karma’ es el single actual de ‘Midnights’, por lo que claramente se va a por todas con este remix.
Dos miembros tienen 19 años, y los otros, 17. Es decir, con una media de 18 años, Error 97 han agitado en el último par de años la escena del punk pop nacional. Si estás suscrito a nuestra playlist Sesión de Control seguro que te suenan muchas de sus canciones, como por ejemplo la más melódica ‘Mariposas’. El año pasado publicaban el EP que la contenía, ‘¡Apaga eso, niño!’, donde otras pistas como ‘Los Portales’ podían recordar a Carolina Durante. Pero últimamente están dando pasos importantes.
Por ejemplo, el de esta noche. Porque hoy viernes 26 de mayo es el día escogido por el grupo para presentar su nuevo EP ‘Nada bueno’, que sale el 2 de junio a través de Mont Ventoux, en el Wurlitzer de Madrid. Lo harán con Los Valientes como teloneros y seguro que suenan por allí canciones nuevas como ‘Consuelo emocional’.
Es este un tema cargado de angustia existencial y de contagioso estribillo («Cuando todo me va mal, ellos lo saben, lo saben, lo saben…»), y sin duda una de sus mejores canciones. Como ‘Nunca vuelvas a pisar Madrid’, que escogemos como «Canción del Día» hoy.
La base rítmica de ‘Nunca vuelvas a pisar Madrid’ está tan llena de furia y ejecutada con tanta profesionalidad que hace pensar en grupos consagrados como Cala Vento. El título recuerda a la canción social o reivindicativa tipo ‘Madrid nos pertenece’ de Biznaga. Por ejemplo, podría imaginar el Madrid post-Ayuso. Pero no. Esto está en verdad encarrilado para superar el despecho y ‘Nunca vuelvas a pisar Madrid’ no es sino una canción de desamor entonada como forma de salvación.
«No me olvido de la última vez, ya tu mirada se fijaba en él, nunca lo voy a poder entender» es una de las frases que Error 97 interpretan con todas sus ganas, haciendo de la mención a la ciudad que todos conocemos, un lugar común en el que se alivien nuestras miserias. «Ahora que no estás aquí, sé que debo dejarte ir / Yo solo espero que nunca vuelvas a pisar Madrid» es toda su esperanza para superar el dolor en una producción enrabietada escrita por ellos mismos. Son Gonzalo García, Nicolás Escardó, Sara Torres y Álvaro Casado. Darán que hablar.
Hoy 26 de mayo sale el que está siendo el Disco de la Semana en estas páginas, el nuevo trabajo de Sparks, que reseñaremos próximamente (podéis recordar nuestra entrevista con ellos aquí). Además ve la luz -por fin- el nuevo disco de Arlo Parks y se ponen a la venta también nuevos trabajos de Israel Fernández, Lauren Jauregui, Matchbox Twenty, Cruz Cafuné, Jam City, Clark, The Dirty Nil, d4vd, o Lil Durk. Estos días ha sacado su disco La Zowi.
Y luego está lo de Taylor Swift, que ha lanzado una nueva versión de ‘Midnights‘ con colaboraciones de Ice Spice en ‘Karma’ y con «más Lana Del Rey» en ‘Snow on the Beach‘. Como recordaréis, en la versión original, a Lana casi ni la oíamos. Ya sabéis que todas las novedades las podéis escuchar en la playlist «READY FOR THE WEEKEND«.
En materia de singles, Belén Aguilera abre la playlist con un nuevo adelanto de ‘Metanoia’, el EP que publica próximamente. Además, Dua Lipa saca su tema para la banda sonora de ‘Barbie’ y Rels B da comienzo al «proyecto de su vida» con ‘Sin gato’.
Entre las novedades que cabe comentar se encuentra la que marca el regreso de Royal Blood, con ‘Mountains at Midnight’. También vuelve The Voidz, la banda paralela de Julian Casablancas de los Strokes. Además, Peso Pluma dice «bye» en otro corrido tumbado que será hit, Portugal .The Man y Unknown Mortal Orchestra se alían en el «verano del amor».
El viernes de novedades deja también música fresca de Tegan and Sara, Foo Fighters, Jungle, Travis Birds, Anijmile, Cat Burns, Sofia Gabbana, Asake, Cosmic Wacho, Olivia Dean, Little Dragon, Anitta, Maria Jaume, Miya Folick, Ashnikko…
Dua Lipa ha estrenado ‘Dance the Night’, su contribución a la banda sonora de ‘Barbie‘, película en la que aparece (entre otras Barbies y Kens). En la banda sonora, Dua comparte espacio con Nicki Minaj, Charli XCV, Ava Max, largo etcétera.
Con producción de Andrew Wyatt y una co-autoría de Mark Ronson, con quien Dua ya trabajó en ‘Electricity’, ‘Dance the Night’ apuesta por la música disco como modo de vida: a Dua no verás «llorando» en la pista de baile aunque su corazón esté roto, ella mantiene la compostura, convierte las lágrimas en «diamantes» y se transforma en reina de la noche.
Por supuesto, ‘Dance the Night’ no es el primer single de Dua posterior a ‘Future Nostalgia’: después ha arrasado con ‘Cold Heart’ con Elton John y ha publicado sencillos con Miley Cyrus (‘Prisoner‘), Megan Thee Stallion (‘Sweetest Pie‘) o Calvin Harris (‘Potion‘).
Por otro lado, Dua Lipa no es la única artista que ha avanzado música relacionada con ‘Barbie’ en los últimos días: Alice Glass también ha compartido un adelanto de su versión de ‘Barbie Girl’ de Aqua. Quien ha revelado que ha escrito música para la película que no se ha usado ha sido Bastille.
‘Barbie the Movie’ se estrena en cines este verano, el día 21 de julio, con Margot Robbie y Ryan Gosling en sendos papeles protagonistas.
Este miércoles ha sido sentenciado a seis años de prisión por tráfico de drogas el cantante estadounidense Fetty Wap por su participación en la distribución de cocaína, heroína, fentanilo y crack entre Long Island y Nueva Jersey durante los años 2019 y 2020.
Willie Junior Maxwell II, que es el nombre verdadero del rapero, se declaró culpable de ayudar e incitar a la distribución y posesión de droga en agosto del año pasado. Trató de evitar así, en un juicio, la condena de cadena perpetua que le habría impuesto el tribunal si hubiese sido acusado de todos los cargos.
Willie Junior Maxwell II pertenecía a una organización que movía la droga desde la costa oeste de Estados Unidos mediante vehículos de mensajería o servicios postales hasta la costa este. Allí la vendían en el estado de Nueva York. El rapero fue detenido en octubre de 2021, durante el festival Rolling Loud, en Queens. Otros miembros de su banda han sido acusados y se encuentran a la espera de la sentencia.
El artista es autor del famoso ‘Trap Queen’, tema que llegó a lo más alto de las listas de éxitos en 2014 y que luego formó parte de un álbum llamado igual. La canción protagonizó una polémica cuando un músico danés, Lazar Lakic, denunció a Fetty Wap y el productor del single Tony Fadd, por usar la instrumental de la que presuntamente tenía los derechos exclusivos.
Depeche Mode han estrenado al fin el videoclip de su último single ‘Wagging Tongue’. La canción forma parte de su reciente álbum ‘Memento Mori’.
El vídeo cuenta con la dirección creativa de Anton Corbijn, el fotógrafo holandés autor de muchos de los retratos de estética rock de los años 80, y que ya ha dirigido muchos de los proyectos más famosos de la banda, como ‘Enjoy the Silence’.
Curiosamente este vídeo también habla del «silencio», pues es una de las palabras contenidas en una letra que versaba sobre las habladurías. Pero todo aquí es más amargo. Los personajes no pueden hablar, sino que han de escribir en una pizarra mensajes como «necesitamos hablar» o «esto necesita ser verbalizado». Sin embargo, no es posible hacerlo en condiciones normales.
La grabación de ‘Wagging Tongue’ tiene un argumento bastante original. Según ha compartido la banda, se trata de una historia en la que “una pareja joven de un pequeño pueblo remoto se une a sus vecinos para un ritual confrontacional, y atrae a participantes de todos los ámbitos de la vida: abogados, hombres de negocios, sacerdotes, policías e incluso Martin Gore y Dave Gahan de Depeche Mode”.
El grupo estrena el trabajo unas semanas antes de sus próximos conciertos en el Primavera Sound. En Barcelona, el 2 de junio, y el día 9 en Madrid.
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