Inicio Blog Página 475

Kanye West estaría trabajando en ‘DONDA 2’

16

Kanye West podría estar trabajando en ‘DONDA 2’, una continuación de su álbum ‘DONDA’. Así lo ha confirmado para la revista Complex Steven Victor, quien trabajó con West como director de operaciones de su sello, y que habla de esta segunda parte como “su nueva obra maestra”.

Víctor también ha señalado que el título provisional del álbum es ‘DONDA 2’, lo que podría indicar que será una secuela del disco que lanzó hace menos de cinco meses. Si es así, sería el primer álbum secuela en la discografía del rapero.

Esta noticia llega una semana después de que aparecieran imágenes de Kanye West en el estudio con el rapero Scarface. También se ha rumoreado que estuvo trabajando con Post Malone y Robin Pecknold de Fleet Foxes el pasado mes de septiembre.

Kanye West lanzó ‘DONDA’ el pasado 29 de agosto y gracias a él ha conseguido colarse entre los nominados de los GRAMMYs 2022, en la categoría de Mejor Álbum y Mejor Álbum de Rap, además de disputar el galardón a Mejor Canción de Rap con ‘Jail’ junto a Jay – Z.


Dave Gahan / Imposter

A punto de cumplirse 5 años del último álbum de Depeche Mode, Dave Gahan edita un nuevo disco de versiones junto a Soulsavers que grabó en verdad a finales de 2019, cuando el mundo era un espacio completamente diferente. En este tipo de proyectos, Gahan tiende a exprimir su cualidad de barítono y a meterse en la piel de un crooner, como dispuesto a vengar que Johnny Cash fuera capaz de hacer aquella maravilla con ‘Personal Jesus’ de Depeche Mode. Eso sí, su inspiración parece más bien el aire ceremonial de los últimos y penúltimos discos de Leonard Cohen.

Así lo prueban los arreglos y el tipo de coros dados a canciones como ‘Where My Love Lies Asleep’ de Gene Clark, que era una canción de armónica en realidad. Dave Gahan ha retomado el catálogo de gente como Bob Dylan, Neil Young y Mark Lanegan aprovechando lo que su voz tiene de bluesman, pero sin que el sonido sea americano de más: también ha escogido por ejemplo un tema perdido de PJ Harvey.

El repertorio seleccionado para sus versiones llama mucho la atención. Ha dejado la canción más popular para el final, ‘Always On My Mind’, lo cual es de agradecer para que esto no se parezca demasiado a lo que podría ser un disco navideño de Rick Astley o Cyndi Lauper; pero en ocasiones se ha pasado de frenada. Había mejores canciones de PJ Harvey que reivindicar que ‘The Desperate Kingdom of Love’ del olvidado ‘Uh Huh Her’, que ahora mismo solo puede sonar como un álbum de transición para ella (lo mejor es la intención); y es extraño que Dave Gahan haya escogido como pista 2 de su álbum un tema que no era la pista 2 de ‘Bubblegum’ de Mark Lanegan, ‘Strange Religion’. Es decir, demasiado pronto en su secuencia ‘Imposter’ suena lánguido, a final, confundiendo lo solemne con lo que es simplemente un tostón.

Entre las canciones que aportan un poco de vidilla al desarrollo del álbum sí cabe destacar la sucia ‘I Held My Baby Last Night’, con un Dave Gahan completamente en su salsa entre tanta distorsión; ‘Metal Heart’ de Cat Power, que sí logra ser catárquica camino a su principal mantra “you’re not worth a thing”; ‘Shut Me Down’ con sus cambios de ritmo; o ‘Smile’ en su melodía indestructible. Respecto a ‘The Dark End of the Street’ -de Dolly Parton en plan dúo a Aretha Franklin- y a ‘Lilac Wine’ -de Nina Simone a Jeff Buckley-, estas no son particularmente las rendiciones más apasionadas que hayamos escuchado.

Los Reyes de la Navidad 2021 en España: mucho ‘Sanz’ y poco ABBA

11

A medida que se acerca la fecha de Reyes y baja el número de novedades musicales, se aprecia perfectamente en Promusicae quiénes son los artistas que más se están beneficiando de la Navidad, pues aunque parezca mentira, sí, continúan regalándose discos. El gran ganador está resultando, como era de prever, Alejandro Sanz con ‘Sanz’, que continúa en el número 1 de lo más vendido en la semana del 24 al 30 de diciembre.

Le sigue Leiva en el puesto 2 con ‘Cuando te muerdes el labio’ y Adele en un nada desdeñable puesto 3 para tratarse de un artista internacional con ’30’. Ed Sheeran aparece por los pelos en el top 10, donde destacan las subidas esta semana de Medina Azahara con ‘Llegó el día’, al puesto 5; y de C. Tangana con ‘El Madrileño’, del número 17 al número 7 gracias al aumento de ventas de su vinilo. El top 10 queda así en una de las semanas tan competitivas del año:

1 (1) Alejandro Sanz / Sanz
2 (2) Leiva / Cuando te muerdes el labio
3 (3) Adele / 30
4 (4) Fito y Fitipaldis / Cada vez cadáver
5 (11) Medina Azahara / Llegó el día
6 (5) Dani Martín / No, no vuelve
7 (17) C Tangana / El madrileño
8 (6) Vetusta Morla / Cable a Tierra
9 (10) Rauw Alejandro / Vice versa
10 (7) Ed Sheeran / =

Cae del top 10 el disco de Sergio Dalma ‘Alegría’, además sin certificación de oro, cuando en otras ocasiones ha sido él el rey de la Navidad, y también llama la atención el funcionamiento modesto del disco de ABBA en España: ‘Voyage’ es ahora mismo puesto 37 en nuestro país y parece lejos del disco de oro. En otros países como Australia, Reino Unido u Holanda, el funcionamiento de ‘Voyage’ ha sido mucho más espectacular, llegando incluso a ser lo 1º, 3º y 4º más vendido de todo el año, respectivamente.

En cuanto a nuevas entradas, la única la protagoniza la banda sonora de ‘Encanto’, que aparece en el número 49.

Rigoberta Bandini, única entrada eurovisiva en la lista oficial española

18

El remix de ‘Mon Amour’ de Zzoilo y Aitana vuelve a ser número 1 en España tras el paréntesis de Bizarrap y Morad de la semana anterior. ‘Mon Amour’ ya está certificado como 5 veces platino.

La entrada más fuerte es ‘Pelele’ de Morad, que llega directa al puesto 5, pero quizá es más noticiable, dado que Morad tiene hasta 5 canciones en el top 100, la segunda entrada más fuerte de la semana. Esta corresponde a Rigoberta Bandini. La artista revelación logra llegar por primera vez al top 100 español oficial. Pese a que varios de sus singles tienen streamings suficientes para ser disco de oro, en concreto ‘In Spain We Call It Soledad’, ‘Perra’ y ‘Too Many Drugs’, la cantante nunca había llegado al top 100 oficial, cosa que sí consigue ahora con ‘Ay mama’, que es entrada directa al puesto 57.

Además, ‘Ay mama’ es la única de las canciones que aspiran a representar a España en Eurovisión que aparecen en todo el top 100. Quienes más cerca han quedado de llegar al top 100 han sido Tanxugueiras con ‘Terra’, pues han estado varios días dentro del top 200 de Spotify España, pero sin lograr streamings ni descargas suficientes para llegar al top 100.

La única entrada restante ajena a la Navidad es la de la sesión de Tiago PZK con Bizarrap, directa al puesto 87. Lo demás son subidas destacadas, reentradas o entradas relacionadas con la Navidad.

Destacan como siempre Mariah Carey y Wham! ‘All I Want for Christmas Is You’ sube del puesto 14 al 7, sin superar su cumbre de top 4, pero sí el triple platino en nuestro país; y ‘Last Christmas’ asciende al top 19 este año tras haber sido número 9 en otras ocasiones. Es platino.

Otras apariciones son ‘Sleigh Ride’ de Ronettes en el 47, ‘Holly Jolly Christmas’ de Michael Bublé en el 64 (Bublé también tiene ‘It’s Beginning to Look a Lot Like Christmas’ en el puesto 29), ‘It’s the Most Wonderful Time…’ de Andy Williams en el 73, ’Santa Claus Is Coming to Town’ en el 76, ‘Feliz Navidad’ de Jose Feliciano en el 77, ‘Christmas Tree Farm’ de Taylor Swift en el 83 y ‘Mistletoe’ de Justin Bieber en el 98. También continúan en lista otros villancicos como ‘Santa Tell Me’ de Ariana Grande en el 39 o ‘Rocking Around the Christmas Tree’ de Brenda Lee en el 68.


«El siglo XXI sobra» es el mejor aunque más improbable estribillo de Caliza

2

El descenso‘, publicado en las últimas semanas de 2021, lograba llegar a nuestra lista de los mejores álbumes del año, por lo que será finalmente nuestro «Disco de la Semana» estos últimos días de Navidad. Una de las canciones fundamentales del largo, una de las que mejor lo representan, es ‘Otra torre más’, hoy nuestra «Canción del Día». Foto: Antonio Mingot.

Hay un sabor amargo en el segundo disco de la madrileña Caliza, marcado por el cambio climático y la muerte de un hermano («y su visión desesperanzada de la vida»), que se refleja en producciones electrónicas tan angustiosas como esta, que nos sitúan en un entorno apocalíptico en el que no queda nada del mundo tal y como lo conocíamos.

El álbum se reconoce influido por ritmos tan diferentes como el grime, el dub o incluso la copla, pero es el fantasma de los Hidrogenesse más misteriosos el que parece más abiertamente relacionado con este tema. Estoy pensando en ‘El bosque’ o en ‘Roma’, nunca en ‘Disfraz de tigre’.

Caliza habla de la emergencia climática con una estructura circular, pues el tema comienza y termina con la misma frase («Recorro la ciudad y veo marchitar la posibilidad de que vuelva a alzarse otra torre más»), mientras el cuerpo del texto utiliza campos semánticos poco vistos en el mundo del pop para situarnos en ese fin del mundo. Hierro, asfalto, farolas y andamios, además de tifus tiñen de gris esta producción que advierte que el mundo va a caer por nuestro propio empeño: «la lluvia y la desidia tumbarán los más robustos muros / Caerán los muros, caerán los muros, los de Metrovacesa igual que los del Partenón».

Sobre todo el caos, emerge un estribillo como pocos se preocupa de entregar esta artista apegada al underground, si bien es tan improbable de gritar fuera de una manifestación ecologista como «el siglo XXI sobra». Las consecuencias de que no lo veamos a tiempo, podéis encontrarlas en la portada de ‘El descenso’.

Warner Music compra el catálogo de David Bowie por 250 millones de dólares

22

El grupo Warner Music ha anunciado la compra del catálogo de David Bowie por más de 250 millones de dólares, unos 220 millones de euros, según ha informado Variety.

El acuerdo llega después de varios meses de negociaciones y afecta a los 26 álbumes de estudio del artista, incluido ‘Toy’, grabado en 2001 pero que por diferencias con la discográfica de aquel momento no llegó a publicarse y que este viernes verá la luz. El acuerdo también afecta a los dos discos de su proyecto Tin Machine y temas que aparecen como sencillos de bandas sonoras y otros formatos. Con esta adquisición, Warner Music se hace con prácticamente la totalidad del repertorio del Bowie.

“Estamos realmente complacidos de que el catálogo de David Bowie esté en a partir de ahora en manos de Warner Chappell Music Publishing. Estamos seguros de que lo apreciarán y lo cuidarán con la mayor dignidad”, dijo Allen Grubman, el representante de los herederos de Bowie.

Por su parte, el copresidente y CEO de Warner Music, Guy Moot explicó en un comunicado “Estamos inmensamente orgullosos de que los herederos de David Bowie nos haya escogido para cuidar de uno de los catálogos más innovadores, influyentes y perdurables de la historia. Estas no sólo son canciones extraordinarias sino hitos que han cambiado el curso de la historia de la música moderan para siempre”.

El anuncio se produce en medio de la celebración ‘Bowie 75’, a pocos días del 8 de enero, día en el que David Bowie habría cumplido 75 años. La campaña también incluye tiendas pop – up en Nueva York y Londres, un concierto – homenaje y el lanzamiento en noviembre del box set “Brilliant Adventure (1992- 2001)” y el viernes su álbum inédito ‘Toy’, que incluye versiones regrabadas de canciones que datan de principios de su carrera y que se lanzará el próximo viernes.

La M.O.D.A. / Nuevo cancionero burgalés

En un momento de gran protagonismo para la tradición en la música española surgen proyectos que reivindican el idioma o la música regionales. Quizá porque ya iba siendo hora de valorar nuestras músicas tradicionales desvinculándolas de discursos políticos o prejuicios, quizá porque no todo puede ser trap o reggaetón en esta vida, artistas como Baiuca han modernizado la música tradicional gallega e incluso Tanxugueiras la pueden llevar a Eurovisión, mientras Maria Arnal i Marcel Bagès han triunfado mezclando canción popular hispánica y electrónica o Rodrigo Cuevas cuelga «sold outs» allá por donde va cantando en asturiano.

En este contexto de recuperación de la música tradicional, La Maravillosa Orquesta del Alcohol aportan su grano de arena publicando un disco llamado ‘Nuevo cancionero burgalés’ en el que adaptan una serie de textos tradicionales a su propia música, extraídos de los respectivos ‘Cancioneros burgaleses’ de Federico Olmeda (1903) y Antonio José (1932). Como Rosalía o Niño de Elche antes que ellos, La M.O.D.A. viajan a principios y mediados del siglo pasado para poner en valor la lírica castiza de la época, con el atractivo de que los textos utilizados no procedan de los autores de siempre.

Cuenta el grupo que de los textos escogidos le llamó la atención sobre todo su cercanía y universalidad, pues estos hablan de «sentimientos y situaciones atemporales». A partir de esta idea, sus nuevas composiciones se centran en explorar «los puntos de unión entre las personas, aunque hayan nacido en lugares distintos y en siglos diferentes». El grupo señala que no pretende «ni reinventar ni renovar el folklore burgalés» sino simplemente dar nueva vida a unas letras que de hecho siguen «vivas» porque «han ido transmitiéndose de generación en generación porque significaban algo para la gente».

En ‘Nuevo cancionero burgalés’ La M.O.D.A. no reinventan el folclore de su tierra ni tampoco su propio sonido, que sigue arraigado irónicamente en el folk-rock de siempre, marcado por la obligatoria presencia de acordeones, armónicas y banjos que dialogan con guitarras eléctricas y baterías sin que el grupo descubra nada por otro lado. Prevalece en parte, en la producción, esa visión austera, esquelética, que mandaba en el álbum anterior, pero parece que a la banda no le ha interesado enriquecer su sonido ni abrirlo hacia nuevos horizontes sonoros de ninguna manera ni siquiera usando como pretexto el «cancionero burgalés», tan rico en realidad. Claro que el concepto ha sido centrarse en los textos y, sí, esta vez hay que celebrar que estos no sean originales.

Las historias de ‘Nuevo cancionero burgalés’ nos llevan a veces a una vida cotidiana y rural y otras a los dramas provocados por la guerra. Son letras preciosas que ponen en relieve la complejidad y sofisticación de la lengua española. El protagonista de ‘Un lunes’ es un «señor pastor» que «remenda la zamarra» y observa a «siete lobitos» acercándose a una «loba parda», la de ‘La molinera’ lleva «buenos collares con la harina que roba de los costales» y se rodea de pájaros y golondrinas, el de ‘Mes de mayo’ es un soldado que marcha a la guerra y añora a su novia y el de ‘Canción de cuna’ es un bebé cuya madre fabrica la cuna en la que le va a acunar pues es carpintera. El amor empapa las letras por supuesto y en ‘Miraflores’ David Ruiz canta que «desde el día que nací tengo la sentencia dada, la de morir en tus brazos, clavel y rosa clavada».

En lo musical el disco sorprende en algunos puntos como el giro garage-rock de ‘Tiempo de despedirse’, que habla sobre la historia de amor de una «cigarrera» y un «soldado valiente» e incorpora también una triste melodía de saxofón. En general las canciones visitan lugares comunes en su afiliación al folk-rock, si bien los momentos guitarreros de ‘Miraflores’ o ‘Mañana voy a Burgos’ las hacen destacar entre el resto. Sin embargo, otras como ‘No canto yo’ transmiten la idea que el grupo sigue buscando compensar la debilidad de sus melodías con las actuaciones vocales exageradamente afectadas de David Ruiz, las cuales muchas veces ni siquiera reflejan el contenido de las letras. Obviamente cuando Ruiz canta cosas como «no me mires que me matas con esos ojos tan tristes, que en el corazón la tengo la palabra que me diste» te lo crees, pero es difícil sentir empatía por los textos cuando los canta todos exactamente igual, pues al final consigue que signifiquen lo mismo.

Almeida declara que Almudena Grandes no merece ser hija predilecta de Madrid

72

Almudena Grandes ha sido declarada hija predilecta de Madrid, pero ha sido en contra del criterio del alcalde de la ciudad, José Luis Martínez-Almeida, como así ha corrido a expresarlo en una entrevista con OK Diario que recoge El País. La escritora, fallecida hace poco más de un mes a consecuencia de un cáncer, era una de las artistas más queridas de la ciudad y todo el país, como prueba el hecho de que sus libros hayan estado agotados durante varias semanas en todas las librerías tras su fallecimiento. Sin embargo, Almeida confiesa que simplemente ha accedido a darle el título de hija predilecta para sacar adelante sus presupuestos.

Almeida ha podido sacar los presupuestos adelante gracias a tres ediles escindidos de Más Madrid, que ahora se reconocen en las siglas Recupera Madrid. Para ello, han exigido el nombramiento de Grandes como hija predilecta de la ciudad, pues hasta ahora las instituciones del PP habían ninguneado la muerte de la escritora, dada su ideología de izquierdas. Almeida ha declarado: «Es una ponderación la que he hecho. Ahora, usted me dice, ¿a su juicio lo merece? Yo creo que no, pero para poder sacar adelante los presupuestos, hay que hacer cesiones».

Además, Almeida cree que esta petición es una muestra de debilidad de la izquierda: «Sinceramente lo digo, yo no lo hubiera hecho de ser ellos, porque no creo que Almudena Grandes deba ser hija predilecta de un acuerdo presupuestario, pero eso no es una muestra de debilidad nuestra, es una muestra, a mi juicio, de debilidad argumental de quien lo plantea, que para aprobar unos Presupuestos quiere imponer a Almudena Grandes».

Luis García Montero, que era pareja de la escritora, ha acudido a Twitter para calificar las palabras del alcalde como «mezquinas»: «Leo declaraciones mezquinas del alcalde sobre Almudena Grandes. Debería tratarnos con más dignidad a los madrileños. Si se siente traidor ante sus amigos de extrema derecha, allá él. Gracias a Madrid y al Ayuntamiento por nombrar a Almudena Hija Predilecta».

Finalmente, incluso Pedro Sánchez, presidentel del gobierno, ha tuiteado sobre el asunto, con una cita de la propia escritora: “Con el tiempo comprendí que la alegría era un arma superior al odio, las sonrisas más útiles, más feroces que los gestos de rabia y desaliento», añadiendo: «Fue un privilegio convivir con ella en un espacio de libertad y fraternidad como es Madrid».

Miley Cyrus estrena ‘You’ en su especial de Nochevieja con problema de vestuario incluido

23

Miley Cyrus, acompañada del humorista Pete Davidson, presentó ‘Miley’s New Year’s Eve Party’, un concierto en el especial de fin de año de NBC desde Miami. Este show contó con actuaciones de Saweetie, Jack Harlow, Brandi Carlile, Anitta, 24kGoldn, Kitty Ca$h y de su hermana pequeña Noah Cyrus, con la que cantó ‘Jolene’.

En esta noche tan especial, Miley aprovechó para estrenar en directo su nueva balada ‘You’. Al día siguiente compartió la actuación a través de Instagram y su post se llenó de comentarios pidiendo la canción en streaming, a lo que la artista respondió “Esta canción es tan nueva que todavía no la he grabado. Sólo quería hacer algo especial para vosotros!!”.

En este especial hubo tiempo para todo, incluso para un problema de vestuario que casi provoca que Miley se quede en topless en medio del escenario. La cantante estaba empezando a interpretar su hit ‘Party en U.S.A.’ cuando tuvo que sostener con las manos sus pechos después de que uno de los tirantes de su top se soltara. Se dio la vuelta mientras la música y los coros siguieron sonando, y tras unos segundos reapareció con una americana roja con total normalidad. “Definitivamente ahora todo el mundo me está mirando”, cantó bromeando.

Al finalizar el concierto se despidió de sus fans con las siguientes palabras “Muchas gracias a todos. El show de esta noche se trataba de ser flexible, aguantar los golpes y sacar lo mejor, incluso de las mejores circunstancias. Y esa resiliencia no debería terminar aquí. Mantengamos eso con nosotros durante el Año Nuevo”, explicó.




«Come As You Are» sí es el libro definitivo sobre Nirvana

La editorial Contra, especializada en libros relacionados con la historia del pop-rock, aunque en ocasiones sean reliquias poco actuales, recuperaba este otoño la biografía de Nirvana que escribió Michael Azerrad en 1993 para lanzarla por primera vez en castellano. La fecha de la edición original en inglés tiene un gran valor, pues significa que Kurt Cobain estaba vivo cuando este libro vio la luz, lo cual implica una perspectiva muy interesante: a lo largo de más de 400 páginas, se repasa la biografía de los tres miembros de Nirvana sin que la sombra del suicidio de Kurt Cobain lo impregne todo, ni tampoco la necesidad de exagerar su condición de mito.

Es evidente la admiración que Azerrad siente por la banda, como también su interés por la escena de Seattle, pero eso no le impide dibujar a Kurt, por ejemplo, como el hijo esquivo que nunca nadie quiso tener, o una persona creativamente atascada en los tiempos del tercer disco del grupo, ‘In Utero’. A través de entrevistas con la banda y gente de su entorno, Azerrad realiza un recorrido exhaustivo por la historia de Nirvana que incluye sus primeras influencias y relación con otros grupos de Seattle, la atracción de Cobain hacia el feminismo, la androginia y la lucha LGTB+, la incorporación tardía de Dave Grohl y su función en el grupo, o el papel desempeñado por el bajista Krist Novoselic, a la larga el más desconocido del trío.

‘Come As You Are. La historia de Nirvana’ es un libro moderno y anticipado a su tiempo en el trato de algunos temas como la adicción a las drogas, la salud mental o la misoginia. Quizá debido al daño que supuso para la banda el trato que recibió por la prensa, especialmente aquel reportaje en Vanity Fair que a punto estuvo de costarle a los Cobain la custodia de Frances Bean, el libro nunca se ceba con lo que parte del mundo consideraba un grupo de drogadictos (ni tampoco los convierte en héroes). En cuanto a Courtney Love, nunca se la culpa de los problemas mentales y graves de salud más desconocidos de Kurt, como unos profundos e insoportables dolores de estómago, en contra de lo que eran los dimes y diretes de la época. Su papel, de hecho, es bastante secundario en la mayoría de los capítulos, e incluso se pone en relieve que el nombre del disco ‘In Utero’ viene de un poema suyo, frente a los títulos penosos para el álbum que manejaban Nirvana.

Tras la muerte de Kurt Cobain, se añadió un «capítulo final» al libro en el que se hablaba de la muerte del artista, de su funeral, sus precedentes o «avisos» y el sentimiento de «confusión, arrepentimiento y culpa» que su suicidio dejó en aquellos que le querían o habían tenido un trato cercano con él. Michael Azerrad, que también es el autor de ‘Nuestro grupo podría ser tu vida’, realiza una interesante reflexión sobre su proximidad con la banda, cuándo la línea entre el periodismo y la amistad fue demasiado difusa, por ejemplo cuando Kurt pidió que en el libro no apareciera su lista de discos favoritos. «En el fondo de mi corazón, siempre había sabido que mi condición de periodista y mi amistad con Kurt estaban abocados a chocar de manera inevitable», indica Azerrad, paradójicamente dando validez a su relato desde su mismo planteamiento.

Y es que por encima del valor de la obra discográfica del grupo, que también aparece analizada, ‘Come As You Are’ es una detallada y rica biografía de la banda de directo destructivo e imprevisible, desde sus antecedentes (Lead Belly) a los músicos amigos (Mark Lanegan, los Melvins, Daniel Johnston) pasando por sus adversarios («somos cien veces mejores que Guns’N Roses, Whitesnake o cualquiera de esas mierdas») y compañeros de generación (las pocas apariciones de Pearl Jam y Eddie Vedder son oro puro). También muy emocionante en su relato del ascenso al número 1 de ventas de Nirvana con todas las contradicciones y crisis existenciales que aquello conllevó («cada vez había más gente del montón en nuestros conciertos y no los quería allí»), el libro ofrece un excelente análisis sobre un grupo al que el éxito se le fue de madre, después soñó con ser tan grande como los Beatles, y en última instancia quedó por el camino, aunque con tiempo de dejar premoniciones tan acertadas sobre la deriva del rock como esta:

«Es triste pensar cuál será el estado del rock dentro de 20 años. Hoy por hoy hay tanto refrito y tanto plagio que apenas está vivo en el momento actual. Es algo repugnante. No creo que siga siendo importante para entonces».

Amaia recuerda el Parque Yamaguchi en su single co-escrito por C. Tangana

3

Amaia ha compartido su nueva canción ‘Yamaguchi’, con motivo de su 23er cumpleaños, que tiene lugar hoy 3 de enero, como había avanzado en redes sociales. “3/1 celebro mi cumpleaños con nueva canción: Yamaguchi, mi parque favorito de Pamplona”, escribía la cantante en el pie de foto de su post, el cual muestra a una mini Amaia sonriente disfrutando con su familia de este parque, que lleva el nombre de la ciudad japonesa hermanada con Pamplona.

‘Yamaguchi’, hoy nuestra «Canción del Día», devuelve a Amaia a los sonidos tradicionales del folclore patrio, si bien los créditos de la canción vuelven a estar revestidos de modernidad, más bien. Vuelve a ser una coproducción de Alizzz y entre los muchos co-autores del tema, además de otra vez Confeti de Odio, Alizzz y la propia Amaia, aparece Antón Álvarez Alfaro, que no es otro que C. Tangana. Alicia Ros y Víctor Martínez completan el elenco de co-autores de ‘Yamaguchi’, canción en la que Amaia recuerda sus primeros amores y besos con toda la dulzura de que es capaz.

Este corte llega tras sus últimos temas ‘Quiero pero no’ junto a Rojuu, que está en nuestro ranking de Mejores Canciones de 2021 en el puesto 39, y ‘Yo invito’. Ambas canciones presumiblemente estarán en su esperado segundo disco, producido por Alizzz. “Yo he producido todo el disco y he participado activamente en la composición con ella y con otros compositores, pero básicamente el disco lo hemos hecho ella y yo juntos”, explicaba recientemente en su entrevista para JNSP.

“Amaia tiene muchos referentes del pop clásico y dosmilero que yo no tengo. Cuando trabajo con ella intento llevarme las cosas hacia mi terreno pero al final, todo suena a ella y todo el disco que hemos hecho suena a ella”, añadía el catalán.

Aaliyah / One in a Million

El tándem de Timbaland y Missy Elliott se gestó de la manera más familiar posible. Ambos eran amigos de la infancia, de hecho, eran vecinos, y empezaron a trabajar juntos cuando ella montó su primer grupo y reclutó a Tim para producir las canciones. El debut de Sista vio la luz en 1994 a través de Swing Mob, uno de esos sellos-colectivo que tanto se estilan en el mundo del rap, por el que pasaron también otros artistas asociados a Timbaland como Ginuwine o Tweet; pero fue un fracaso comercial. Mientras tanto, Aaliyah triunfaba con su álbum debut producido por R. Kelly, pero la polémica suscitada por su matrimonio ilegal lleva a la joven a un punto de inflexión: ella quiere desvincularse por completo de él y crear su propio sonido, por lo que cambia de sello y empieza a trabajar con nuevos compositores y productores.

Aaliyah claramente debe su sonido definitivo a las composiciones de Missy Elliott y a las producciones de Timbaland, pero son ellos quienes deben su éxito a ella. ‘One in a Million’ es el disco que les pone en el mapa tras vender ocho millones de copias en todo el mundo y allana el terreno para que Missy termine de petarlo con su debut de 1997 ‘Supa Dupa Fly’. De ‘One in a Million’ se extraen hasta seis singles aunque irónicamente el más exitoso de todos es el último, un baladón con brilli-brilli escrito por Diane Warren que podría haber salido en alguno de los primeros discos de Mariah Carey y que no representa en absoluto el sonido de un álbum que moderniza el R&B para siempre.

Timbaland creará producciones más complejas de las contenidas en ‘One in a Million’ más adelante, como las incluidas en el tercer disco de Aaliyah, pero el equilibrio de experimentación y clasicismo de este álbum lo convierten en un artefacto de lo más «cool» que ha sido muy influyente. Las melodías de R&B son suaves y relajadas pero los beats, llenos de quiebros y otras texturas y sonidos extraños, siguen sonando tan alternativos que Chris Keating de Yeasayer llegó a afirmar que ‘One in a Million’ le hizo ver el pop con otros ojos porque su producción «futurista» era «más extraña que la del disco de Sonic Youth que había salido en la misma época». Se pudo referir al tarareo alienígena de esa ‘Hot Like Fire’ que The xx adaptarán en sus inicios, a la mezcla de órganos, guitarras y funk de ‘If Your Girl Only Knew’, de temática infiel, o a la producción casi trip-hop del tema titular, que eleva la fórmula de estribillos-mantra del álbum a la categoría de obra maestra.

No todas las canciones de ‘One in a Million’ llevan la firma de Timbaland y Missy Elliott y el álbum incluye varias joyas asociadas a otras personas como ‘A Girl Like You’, una pieza de hip-hop jazzy y letra tipo chico-busca-chica que no podría sonar más noventera aunque quisiera; o una quiet-storm llamada ‘Never Givin’ Up’ cuya suave cama de armonías vocales recuerdan a la Janet Jackson más romántica y ponen los pelos de punta. Aaliyah incluso se atreve a colocar dos versiones una seguida de la otra en la secuencia. ‘Choosey Lover’ adapta la sensual balada de los Isley Brothers para modernizarla en su segundo tramo (uno de los primeros éxitos de Aaliyah es una versión de ‘At Your Best (Your Are Love)’ que más adelante recordará Frank Ocean) y la disco ‘Got to Give It Up’ con Slick Rick utiliza la base de Marvin Gaye muchos años antes de que esta arruine la carrera de Robin Thicke.

‘One in a Million’ funciona por el contraste creado entre las relajadas actuaciones vocales de Aaliyah y la modernidad de las producciones. De hecho, Aaliyah está muy lejos de ser una gran «belter» como Whitney Houston: se parece mucho más a Janet, tanto que cuando intenta hacer un «vocal run» en ‘Never Givin’ Up’ le queda un poco amateur. Sin embargo, la fórmula de Timbaland y Missy funciona también en las baladas o medios tiempos, como en esa absoluta exquisitez llamada ‘4 Page Letter’ en la que Aaliyah sella la carta que le va a enviar a su persona amada con un besito, o en la hipnótica ‘Heartbroken’. El álbum, lleno de otros «slow burners» como ‘Givin’ You More’, te hace olvidar que Aaliyah tenía 17 años en esta época. Estaba adelantada a su tiempo desde varios puntos de vista.

‘Ay mama’, top 1 en JNSP; entran ‘Terra’, ‘Raffaella’, ‘Voy a morir’…

2

El top 40 de la semana está marcado por la acogida de las canciones que aspiran a representar a España en Eurovisión, que han sido de las pocas novedades interesantes que nos ha dejado esta Navidad. JNSP ha seleccionado para su top semanal las 5 más votadas en una encuesta anterior y la gran ganadora para nuestra audiencia es ‘Ay mama’ de Rigoberta Bandini, que llega al número 1, seguida a unos 20 votos por ‘Terra’, ‘Raffaella’, ‘Voy a morir’ y ‘Culpa’, en ese orden.

También entra esta semana, pero ya fuera del top 10, uno de los últimos singles de Sen Senra, ‘Globo’. Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas, salvo que logren ser el tema más votado sin haber sido número 1.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 Ay Mama Rigoberta Bandini Vota
2 1 1 13 Yo invito Amaia Vota
3 2 1 5 Quiero pero no Amaia, Rojuu Vota
4 4 1 Terra Tanxugueiras Vota
5 5 1 Raffaella Varry Brava Vota
6 6 1 Voy a morir Luna Ki Vota
7 12 7 2 Culpa Javiera Mena Vota
8 3 3 3 Todo lamento Natalia Lacunza Vota
9 6 2 4 Amanecer Alizzz, Rigoberta Bandini Vota
10 23 10 2 honey Halsey Vota
11 11 1 Globo Sen Senra Vota
12 10 1 6 La fama Rosalía, The Weeknd Vota
13 19 3 6 All Too Well (Taylor’s Version) Taylor Swift Vota
14 13 13 3 Woman Doja Cat Vota
15 21 15 2 Tears in the Club FKA twigs, The Weeknd Vota
16 24 4 4 Oh My God Adele Vota
17 5 5 3 Runaway Beach House Vota
18 14 4 7 24 Hours Agnes Vota
19 15 6 4 Te va a ser mejor Sen Senra Vota
20 18 1 9 Julio Iglesias Rigoberta Bandini Vota
21 11 8 3 Ayer Soleá Morente Vota
22 33 6 5 Narciso Delaporte Vota
23 7 2 7 Superstar Beach House Vota
24 8 5 5 Bipolar Vega Vota
25 27 1 17 Good Ones Charli XCX Vota
26 17 7 7 The Only Heartbreaker Mitski Vota
27 31 3 12 Ateo C. Tangana, Nathy Peluso Vota
28 35 2 30 Love Again Dua Lipa Vota
29 38 2 16 Arcadia Lana del Rey Vota
30 28 4 7 New Shapes Charli XCX, Christine and the Queens, Caroline Polachek Vota
31 30 3 8 Bruxelles je t’aime Angèle Vota
32 20 4 15 Ya no vales Alizzz, C. Tangana Vota
33 4 4 4 Otra torre más Caliza Vota
34 36 2 11 Cold Heart Elton John, Dua Lipa, PNAU Vota
35 37 1 14 Don’t Shut Me Down ABBA Vota
36 32 2 33 Please Jessie Ware Vota
37 22 22 2 No Reason Big Thief Vota
38 29 14 7 Smoking Out the Window Silk Sonic Vota
39 34 23 5 Una rosa Lorena Álvarez Vota
40 9 3 4 Dos vidas Dorian Vota
Candidatos Canción Artista
Un minut estroboscòpica Antònia Font Vota
don’t miss me Claire Roskinkranz Vota
Player of Games Grimes Vota
Muertos en la Disco Karavana Vota
Mentira SIMONA Vota
Afuera llueve Arenque Vota
La Canción Perfecta Cosmen Vota
Pool Hopping illuminati hotties Vota
La Gata Bajo la Lluvia FrioLento Vota
Cambia mi suerte Los Pilotos Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

‘Are You That Somebody?’ es el hit vanguardista de Aaliyah que samplea un bebé

20

Las canciones pop que han sampleado sonidos de bebés realmente se pueden contar con los dedos de una mano. La más reciente es ‘Bunny is a Rider‘ de Caroline Polachek. Una de las primeras fue la composición vanguardista ‘Countdown at 6’ de Perrey and Kingsley, que fue un pequeño éxito en 1966. Dos años después el pionero del reggae Lee «Scratch» Perry sampleó el llanto de un bebé en ‘People Funny Boy’ de manera muy creativa, y precisamente un llanto de bebé conforma una de las bases rítmicas presentes en ‘Autotune Baby‘ de Madonna, sacada de una base de Major Lazer.

Pero el mayor éxito que samplea un bebé lo cantó Aaliyah. Como la canción de Perrey and Kingsley, ‘Are You That Somebody?’ extrajo este sonido de un disco llamado ‘Authentic Sound Effects Volume 8’ publicado en 1964 por el productor Jack Holzman que contenía otras pistas que reproducían sonidos del día día tales como «abridor de latas», «cepillo de dientes» o «lavavajillas pasa por varios ciclos y se apaga». Timbaland, productor de ‘Are You That Somebody?’, incluyó dicho sample en el último momento, cuando la canción ya estaba casi acabada, pues Aaliyah, Static Major y él la crearon a lo largo de una noche para que fuera incluida en la banda sonora de ‘Dr. Dolittle’.

Muchas de las virtudes que caracterizan la alianza entre Aaliyah y Timbaland están presentes en esta grabación efectivamente publicada en 1998 y que fue un éxito en Estados Unidos (top 21) y especialmente en Reino Unido (top 11). Ella devanea vocalmente entre la sensualidad y la dulzura al cantar que «a veces me porto bien, pero esta noche estoy traviesa» y la melodía es terciopelo líquido. A su vez, la vanguardista producción de Timbaland y Static Major aporta un contraste de guitarras y percusiones tocadas en modo «staccato», breakbeats inspirados en el drum ‘b bass, beatboxing y ese sonido de bebé que funciona a todas luces como gancho principal, pues no puede resultar más gracioso.

Si revistas especializadas como Pitchfork cuentan ‘Are You That Somebody?’ entre las mejores canciones de los 90, James Blake la sampleó en ‘CMYK’ y Gossip la versionaron en 2007, el público también parece haber decidido que es la mejor canción de Aaliyah: en Spotify es la más escuchada con mucha diferencia. No hay que olvidar que formó parte de la banda sonora de una exitosa película protagonizada por Eddie Murphy, pero la canción -en concreto la parte de Timbaland- ha sido incluso protagonista recientemente de un pequeño viral de TikTok, prueba de que su mecha no se ha apagado en todos estos años.

En «Hit de ayer» hemos repasado recientemente clásicos de Adele, LaTour, Tasmine Archer, Los Pekenikes, Dan Sartain o el éxito de Tweet producido por el mismo Timbaland. Puedes leer todos los artículos de esta sección a través de este enlace.

«Menos llanto y más follar» es el lema de Karavana, los Strokes patrios

33

Desde Vanana Records, el sello de Amatria y las Ginebras, Karavana han sido otra de las grandes revelaciones de 2021: este otoño publicaban su debut, rozan los 100.000 oyentes mensuales en Spotify y sus hits acumulan cientos de miles de streamings.

Se trata de un grupo de «cuatro chavales de 24 años», en concreto Fabi (voz principal y guitarra), Gonzalo (voz principal y guitarra), Emilio (bajo) y Jaime (batería), que nos cuentan las «historias mundanas» de su vida. Se parecen muchísimo a los Strokes, tanto que tienen una canción llamada ‘Strokes’ en la que arremeten contra aquellos que pinchan a C. Tangana en lugar de a los de Julian Casablancas (“saltaré por tu ventana si pones a C. Tangana”), recordando en su punto gamberro a Novedades Carminha.

Sus mayores éxitos se llaman cosas como ‘Madrid’, ‘Resaca pop’ y ‘Qué putada’, si bien la que seleccionamos hoy como «Canción del Día» responde al nombre de ‘Muertos en la disco’. Una de las máximas del grupo es «la crítica a los prejuicios y la superioridad moral con la que se han llegado a encontrar en el mundo de la música» y aquí cargan contra el indie en un contagioso estribillo que grita «Menos llanto y más follar» y concluye: «El indie te consume y te convierte en subnormal».

En una estrofa dicen que la «izquierda» y la «derecha» les «cansa ya» («Tú tira pa’lante que eso es lo que importa ya») en representación de una generación desencantada de la política -quizá por las cifras récord de paro juvenil- y de la hipocresía del mundo en general: «Me da igual si pijo o modernito / Si al final es lo mismo / Mucha droga y mucho dinerito», dicen antes de reírse también de los «ofendiditos».

Un mensaje arriesgado, por tanto, en un Madrid en que o eres fan de Taburete o lo eres de Carolina Durante, lo que ellos tratan de combatir con textos («¿Por qué te molesta todo lo que digo? Si al final es lo mismo / Todos muertos en la disco») y melodías universales.

Röyksopp te introducen en una nueva era con “Ashes”

18

Röyksopp, que venían soltando teasers de nueva música desde hace unos días, han compartido finalmente un nuevo tema con motivo del Día de Año Nuevo. Se trata de un corte de 2 minutos llamado ‘(Nothing But) Ashes’ que más bien parece una intro hacia una nueva era de la banda.

El movimiento es extraño para Röyksopp, pues justo dijeron que su álbum de 2014 ‘The Inevitable End’ sería su último disco. Desde entonces sí han compartido remixes, caras B y rarezas varias.

Sin embargo, esto no parece un single suelto sino una introducción para una nueva etapa que no va a ser solo de singles, sino que parece seguir un concepto si atendemos al vídeo que acompaña. En el título del vídeo en Youtube, Röyksopp sugieren que el nuevo proyecto se llama ‘Profound Mysteries’. ¿Acaso alguien quiere sacar partido de la separación de Daft Punk?

SIMONA ya no se traga otra ‘MENTIRA’

1

SIMONA es una cantante argentina de 25 años, afincada en Barcelona, que empezó su andadura en solitario en la música hace un par de años. Su proyecto es «muy íntimo y muy real», ya que lo desarrolla bajo su propio nombre y relatando su propia vida en canciones. Desde muy pequeña ha estado ligada a la música y a la danza, hasta el punto de trasladarse a Buenos Aires con la idea de convertirse en bailarina y coreógrafa.

Aunque aún no ha lanzado un EP debut, canciones como ‘BALI’, ‘ROSA PASTEL’ o ‘TE VEO’ le han servido para hacerse un hueco en el panorama urbano. El pasado septiembre participó en la primera edición del Festival Brillante y próximamente estará en grandes festivales como el Lollapalooza Argentina o el Sónar.

Hoy la ‘Canción del Día’ es su último sencillo ‘Mentira’, que aparece en nuestra playlist ‘Sesión de Control’. ‘MENTIRA’ es un “temaso del amor” con influencias disco, donde los sintetizadores y baterías cobran gran importancia dándole un toque dance y un estilo propio.

“Mentira es invitarme a fumar para saber cómo estoy si me querés besar” es lo que haría el típico pesado que te quieres quitar de encima en la disco pero al que por algún motivo a veces das una oportunidad aunque sabes que “todo es una gran mentira”. SIMONA conoce esto muy bien, «no se cree nada» y finalmente hace caso a su cabeza, decidiendo cortar por lo sano.

«Cachitos» rinde tributo a Raffaella Carrá, pero brilla más en sus zascas

20

Una vez más, ‘Cachitos’, siempre un éxito de audiencia para emitirse en La 2, incluso por encima de las cadenas más competitivas, ofreció una programación alternativa y diferente que merece la pena subrayar frente a la evidente falta de imaginación generalizada de la Nochevieja. Mientras en La 1, y a falta de que alguien invente a los nuevos Martes y 13 -y de que el mundo los tolere-, la única esperanza era aguardar a que en la gala de turno apareciera en el mejor de los casos Fangoria para hacer un playback de ‘Momentismo absoluto’, ‘Cachitos’ volvía a celebrar la llegada del Año Nuevo con cierto espíritu punk.

Como siempre, antes de las campanadas ofrecieron nuevas actuaciones, y después, trocitos de viejas, este año con el aliciente de saber a gran parte de su audiencia, de su target comercial, en confinamiento, pues la sexta ola está siendo la de los treintañeros y cuarentones. El guión de la primera parte resultó paradójicamente viejuno, con ese juego en que Virginia Díaz no quería dejar pasar a presentar a Mikel López Iturriaga por alguna razón, pero los guionistas volvieron a ponerse las botas en la segunda, a medida que entraba la madrugada.

Antes de las 0.00, hay que agradecer la idea de homenaje a Raffaella Carrá llamado ‘Santa Raffaella’, en el que se proyectaron «cachitos» de actuaciones de la artista, y asistieron como invitados algunos artistas influidos por ella. De manera atrevida, se presentó a la artista como un precedente de Lady Gaga, Madonna, Beyoncé y Britney Spears.

Samantha Hudson pasaba por allí para realizar una actuación de ‘Demasiado coño’, y tampoco faltaron Ladilla Rusa ni Soleá Morente en esa primera hora indie por la que otros años hemos visto desfilar hasta a PUTOCHINOMARICÓN en horario de máxima audiencia. Ana Guerra cumplía una raruna cuota mainstream tras su trabajo en la banda sonora de la peli ‘Explota, explota’, que hay que elogiar que se estrenara con la diva en vida; pero el gran emocionado de verdad en esta parte parecía Guille Milkyway de La Casa Azul. Además de adaptar ‘La revolución sexual’ para incrustarle un fragmento de la brillante ‘Rumore’, su discurso sobre el día en que conoció a Raffaella en la final nacional eurovisiva, y el resto de veces que pudo coincidir con ella, dejaba tan embobado como probablemente se había quedado él con su ídolo.

Pero la artillería pesada, lo que todo el mundo esperaba móvil en mano, volvía a ser la mordacidad en forma de rótulos de los guionistas, sobre actuaciones olvidadas en el archivo de RTVE de Pet Shop Boys, Franco Battiato, «la Rosalía emérita» (la que cantó ‘Chica yeyé’ y fallecía este año), un grupo que tuvo a bien llamarse Los Chorbos y así durante 3 horas. Macarena Olona, la monarquía, Pedro Sánchez, Ayuso, la enemistad entre Nadia Calviño y Yolanda Díaz, Toni Cantó y Ciudadanos se llevaron algunas de las mejores pullas mientras Twitter volvía a arder en risas. Cuerda para rato para este formato, cuando más necesitamos reírnos de nuestros políticos, y al pelotazo de ‘No mires arriba’ me remito.

Muere Betty White, la última «Chica de Oro»

14

Betty White ha muerto a los 99 años, a muy pocas semanas de cumplir los 100 (llegaba el próximo 17 de enero), según informan medios internacionales como TMZ. Su fallecimiento se ha producido este viernes 31 de diciembre a las 9.30 de la mañana, hora local.

La actriz fue especialmente conocida durante los años 80, cuando interpretó a Rose Nylund en la seminal sitcom ‘Las chicas de oro’, una referencia irreverente y moderna para series posteriores como ‘Sexo en Nueva York’ y ‘Girls’, a las que se adelantó en ocasiones en atrevimiento. Betty White interpretó al aparentemente inocente y diáfano personaje de Rose, con querencia por la diarrea verbal y las anécdotas insufribles de su pueblo St Olaf, pero siempre encantador y mágico, y muchas veces imprevisible.

Betty White, que en nuestro siglo había participado en la serie ‘Hot In Cleveland’, era la última superviviente del cuarteto protagonista. La buena noticia es que ‘Las chicas de oro’ se incorpora al catálogo de Disney+ este mismo mes de enero, incluyendo sus últimas temporadas, menores y más desconocidas en España.

‘¿Quién se ríe ahora?’: en la mesa del humor cabemos todes

37

RTVE ha estrenado a través de su plataforma de streaming PLAYZ un interesante programa especial sobre la historia del humor en la televisión española. Inés Hernand, Carolina Iglesias, Victoria Martín, Andrea Compton y Henar Álvarez, cinco de las cómicas más populares de la actualidad, se sientan en una mesa a repasar algunos gags y chistes televisados que han envejecido mal y otros siete humoristas, estos son, Bob Pop, Nerea Pérez de las Heras, Asaari Bibang, Perra de Satán, Esnórquel, LalaChus y Ger, aportan también sus puntos de vista acerca del «cambio de paradigma en la comedia».

‘¿Quién se ríe ahora?’ no es exactamente un programa de humor al contrario de lo que pueda parecer. Las cómicas protagonistas comparten con más o menos gracia algún chiste que otro, algún chascarrillo que otro que aterriza bien o mal, pero ‘¿Quién se ríe ahora?’ no es el especial con el que llorarás de la risa antes de comerte las uvas. Más bien, ‘¿Quién se ríe ahora?’ es un programa sobre humor, el que la sociedad española daba por bueno en los años 70, 80, 90 y primeros 2000. O, mejor dicho, parte de esa sociedad, porque muchas de las personas a costa de las cuales se hacía humor entonces -mujeres, personas racializadas, personas LGBTQ+- quedaban irónicamente excluidas de los mismos espacios mainstream en los que se transmitía ese humor.

El especial recuerda chistes de Martes y Trece, Cruz y Raya o Arévalo que hoy no pueden sonar más cutres y casposos, como venidos ya no del siglo pasado aunque algunos proceden de este mismo siglo (un saludo a Florentino Fernández), sino de otra galaxia, y causa indignación y estupefacción, como la retratada en los rostros de las humoristas atentas a la pantalla, cuando el programa recuerda aquella vez en que Martes y Trece y Gila se burlaron de la lacra de la violencia doméstica interpretando personajes de mujeres que acababan de ser maltratadas por sus maridos.

Uno de los gags sí ha resistido bien el paso del tiempo: en el contexto de una sociedad homófoba, ‘Maricón de España’ de Martes y Trece celebraba el orgullo de ser abiertamente gay y de tener pluma, y su imitación del estereotipo de «maricón» es divertida. Como comenta acertadamente Henar Álvarez, la actuación pudo caer en la humillación pero en absoluto lo hizo, al contrario que muchas otras.

Ver ‘¿Quién se ríe ahora?’ a menudo plantea otras preguntas como «¿cuáles son los límites del humor?», «¿qué líneas éticas se pueden traspasar y cuáles no?» o «quién decide qué es humillante y qué no». Perra de Satán se acerca a contestarlas cuando afirma que «los límites del humor no son de qué te puedes reír, si no dónde puedes actuar y con quién”. Y tiene razón pero añado: el problema no es que se haga humor sobre todo, sino que ese humor no cuente con todes. ¿Dónde estaban las personas negras riéndose de su experiencia con el racismo? ¿Dónde estaban las personas trans haciendo humor sobre sus vivencias? ¿Dónde estaban las mujeres poniendo a los hombres machistas en su sitio? La historia del humor en España es la historia de un sinfín de chistes no contados que habrían enriquecido la cultura sobremanera de habérseles concedido el espacio.

Como explicó la youtuber y ex-filósofa Contrapoints en su excelente vídeo-ensayo sobre el humor, no hay persona que haga mejor humor que quien cuenta su propia experiencia de primera mano. Cuando «mira adentro» y descubre su «oscuridad» y es capaz de hacer humor sobre esa misma oscuridad, ahí está el chiste. Pero cuando Ricky Gervais se basa en estereotipos falsos y chistes holgazanes para burlarse de la comunidad trans sin saber nada de ella su monólogo no puede tener ninguna gracia. «Como cuando alguien dice que quiere ver el mundo arder», comenta la youtuber. «Solo puedes hacerlo cuando otra persona está ardiendo. Decirlo es atrevido pero no es la «oscuridad». La «oscuridad» es encontrar una manera de reírte cuando tú mismo estás ardiendo».

Adele, ‘El juego del calamar’, ‘Dune’… entre lo peor del 2021 para Sufjan Stevens

90

Sufjan Stevens ha esperado hasta la última semana de 2021 para opinar sobre sus 10 álbumes favoritos de este año, lo ha hecho a través de su web oficial. Algunos no son estrictamente de este año sino de los 2000s , 90s o 70s. Entre ellos está ‘La Planète Sauvage’ de Alain Goraguer, ‘A Wizard, A True Star’ de Todd Rundgren o ‘Beaucoups of Blues’ de Ringo Starr.

En la lista de sus 16 menos favoritos del año aparece un mix de series, películas, álbumes y cosas en general como ‘El juego del calamar’, la exitosa serie coreana de Netflix que ha batido récords y que “aunque no haya visto, parece estúpida”. A la película ‘Dune’ la describe como “un anuncio muy largo de Zara”, a ‘30’ de Adele le dedica un “Chica, por favor. Sabemos que tienes 33, está en tu página de Wikipedia” y a las bandas que siguen juntas después de 10 años las pide que por favor rompan “Sacad álbumes en solitario. Pasad página”. Sufjan no deja títere con cabeza en una lista con la que más de uno se sentirá identificado.

Menos favoritos
1. Squid Game—I didn’t actually see it but it looks really stupid. F-
2. A Quiet Place 2—It should have been shown after the credits for the first movie. F-
3. The Interminable Marvel Brand—If it’s on Disney + it’s for children. F-
4. Dune—A very long Zara ad. F-
5. J Balvin—Black face. F-
6. Matrix 4—Ugh. Computers. Hackers. Cyberpunks. Simulated Reality. The 90s. The color green. F-
7. Any band that is still together after 10 years—Please. Break up. Do your solo albums. Move on. F-
8. Instagram—Get over yourself. F-
9. Musicals—Please stop singing and dancing. F-
10. Baby Boomer WASPs—Get out of the way. F-
11. Sex & the City—And Just Like That? No. Not at all. Go away. F-
12. Conversations about supply chain issues—Stop making excuses. Make your own furniture. Forage for mushrooms or whatever. F-
13. Covid—Ugh. So over it. Please stop killing us! F-
14. Crypto, NFTs, The Metaverse, etc. — see #6. F-
15. The 90s revival—Please. It was bad enough the first time around. F-
16. Adele, 30—Girl, please. We know you’re 33. It’s on your Wikipedia page. B+

Álbumes favoritos
1. Alain Goraguer—La Planète Sauvage (Motion Picture Soundtrack)
2. Todd Rundgren—A Wizard, A True Star
3. Beverly-Glenn Copeland—Keyboard Fantasies
4. Various—Ladakh: Songs & Dances from the Highlands of Western Tibet
5. Peter Gabriel—Up
6. Can—Future Days
7. Alice Coltrane—Journey in Satchidananda
8. Sam Evian—Time To Melt
8. Ringo Starr—Beaucoups of Blues
10. Lomelda—Hannah

Ezra Koenig habla sobre el nuevo álbum de Vampire Weekend

0

Ezra Koenig de Vampire Weekend ha hablado en una entrevista para el programa After School Radio de Apple Music sobre su próximo álbum, que será el quinto de la banda.

Durante la entrevista con Mark Hoppus de Blink-182, el vocalista de Vampire Weekend habló sobre estos últimos años marcados por la pandemia: “Es una locura que hayan pasado tres años (desde ‘Father of the Bride’), es decir, un año y medio no cuenta por el COVID”.

En cuanto a su próximo trabajo explica que han estado grabando los nuevos temas entre Inglaterra y Los Ángeles y confiesa: “Siempre estoy dudando… A veces exagero lo cerca que estamos de del disco porque ¿quién sabe? Pero tenemos casi todas las canciones del álbum. Como bien sabes, puedes jugar con una canción para siempre, puedes cambiar los arreglos, la letra o lo que sea. Pero estamos cerca. No tengo idea de cuándo tardará en terminarse pero nos sentimos muy bien con el nuevo material”.

También charlaron sobre la canción de Koenig incluida en la segunda temporada de la serie ‘I Think You Should Leave’, la nominada a los Globos de Oro ‘Licorice Pizza’, Blink-182… entre otros temas. Puedes escuchar la entrevista completa aquí.

RFTW: Katy Perry, Unknown Mortal Orchestra, Miranda Lambert, Ariel Pink…

0

El último día de 2021 deja un puñado de lanzamientos sueltos, entre los cuales las que destacan el nuevo single de Alesso y Katy Perry con el que la cantante ha inaugurado su residencia de conciertos en Las Vegas por un lado, y por el otro el nuevo hitazo de Bizarrap esta vez de la mano del cantante y rapero argentino Tiago PZK. Es la sesión número 49.

Estos días, Unknown Mortal Orchestra ha publicado su habitual single navideño de larga duración, Miranda Lambert ha compartido su canción para la nueva temporada de ‘Queer Eye’ y en la playlist encontrarás novedades como la versión de Prince por Art School Girlfriend (foto), el nuevo single de Flo Rida o los nuevos temas de Nosaj Thing, Iris Gold, El General Villamil o Hermitude.

Por otro lado hoy ven la luz un disco de descartes de Ariel Pink (que ya estaba disponible en Bandcamp), un directo de Dead Can Dance o la reedición del último disco de Zhu.

Si deseas descubrir más novedades musicales te invitamos a suscribirte a las playlists de Sesión de control -dedicada a la música en castellano – o Flores en el estiércol, en la que Raúl Guillén selecciona sus novedades favoritas de las últimas semanas.

Disco de la Semana: Aaliyah / Aaliyah

Aaliyah Dana Haughton se dio a conocer con 12 años en el programa musical infantil ‘Star Search’ y a los 15 publicó su primer disco producido por R. Kelly. Editado en 1994, ‘Age Ain’t Nothing but a Number’ vendió varios millones de copias en Estados Unidos y convirtió a Aaliyah en una estrella adolescente en el país, pero la relación profesional entre R. Kelly y Aaliyah terminó cuando trascendió que ambos habían contraído matrimonio de manera ilegal (ella era menor y fue probablemente víctima de los abusos de él, como se relata en el documental ‘Sobreviviendo a R. Kelly‘). En 1996, Aaliyah lanzó ‘One in a Million’, un segundo trabajo producido mayoritariamente por Timbaland, productor entonces semi desconocido que continuaría siendo su aliado en el álbum siguiente. ‘Aaliyah’ sería el último álbum que la cantante publicaría en vida, antes de fallecer en un accidente de avioneta con tan solo 22 años.

En verano de 2001, cuando vio la luz ‘Aaliyah’, la cantante ya había dejado atrás su relación con R. Kelly. Su último álbum había salido cinco años atrás, lo cual hoy nos hace confiar un poquito en los futuros regresos de Rihanna o Kelela, por mencionar dos artistas para las que Aaliyah ha ejercido de influencia. Lo único que importaba ahora era el futuro, y la música de Aaliyah sonaba a eso mismo. Un año antes había publicado ‘Try Again’, la canción principal de la película ‘Romeo debe morir’ protagonizada por la artista, en la que Tim Mosley coqueteó con sonidos asociados al acid house. ‘Try Again’ no solo fue la primera canción que alcanzó el número 1 en Estados Unidos gracias solo a su presencia en radios, sino que también fue una de las primeras producciones de R&B contemporáneo que integraron elementos de la electrónica de club. Una grabación a todas luces visionaria que marcó el camino a seguir en ‘Aaliyah’ aunque solo en parte.

Escuchado hoy, ‘Aaliyah’ no es el disco publicado a principios de siglo que más relevante puede sonar en 2021. Los beats de Timbaland, que el productor seguirá desarrollando en su trabajo con Justin Timberlake, o de los productores Eric Seats, Rapture Stewart y Budd’a, que firman la mayoría de piezas en realidad, nos llevan a su tiempo más que a un futuro indeterminado. Sin embargo, ‘Aaliyah’ es una obra moderna para la época que experimenta con diversos estilos de música electrónica para fusionarlos con otros sonidos. El excelente single ‘More than a Woman’ incorpora sintes acid como ‘Try Again’ y sonidos de cascabeles; los beats distorsionados y «fragmentados» de ‘Extra Smooth’ buscan parecerse a los de la música techno, la embriagadora pista final ‘What If’ yuxtapone un beat de 2step con unas guitarras industriales que recuerdan que Aaliyah estuvo interesada en trabajar con Trent Reznor de Nine Inch Nails para este mismo disco y la gran balada del álbum ‘I Care 4 U’, escrita por Missy Eliott, samplea ‘(Too Little in Common to Be Lovers) Too Much Going to Say Goodbye’ de los Newcomers y no ‘Roads’ de Portishead aunque lo parezca.

El tercer disco de Aaliyah, lleno de letras sobre amores y desamores escritas mayormente por Static Major, no es el primero que moderniza el R&B pero sí se apunta el tanto de ser un álbum bastante extraño en el apartado estético. Las producciones de Timbaland se caracterizan por utilizar ritmos de breakbeat, por su complejo tratamiento de las capas y las texturas y por incorporar influencias de la música electrónica, y las de Budd’a o Seats y Stewart toman caminos parecidos, como en esa vigorosa ‘Read Between the Lines’ que supone una actualización digital de la música afrolatina o en esa ‘I Refuse’ que remite muy vagamente a ‘Homogenic‘ de Björk aunque por supuesto sin acercarse a su modernidad. Cuando Aaliyah canta una canción de R&B tan clásica como ‘It’s Whatever’, la melodía se pone una armadura de hip-hop moderna que incorpora sonidos de arpa. Es imposible negar que los singles de ‘Aaliyah’ son muy superiores al resto de las pistas en todos los sentidos, pero las producciones del álbum son suficientemente interesantes como para mantener el interés intacto a lo largo de una hora.

El «beatboxing» no está aún tan presente en la obra de Timbaland como lo estará más adelante, pero sí aparece de manera tímida en la espectacular producción del primer single ‘We Need a Resolution’ llena de cuerdas orientales y «friki frikis» y ‘Loose Rap’, una canción R&B de 10 sobre 10 producida por Seats y Stewart, integra cuerdecillas easy-listening y «sonidos subacuáticos» debajo de un océano de suculentas armonías vocales. ‘Rock the Boat’, otra de las joyas de la corona, que no produce Timbaland sino Keynote, hipnotiza con sus sonidos ochenteros y caribeños, acercándose a la estética «seapunk» y «vaporwave» en una época en la que no nos sonaban ninguno de estos conceptos. Así, a nadie puede extrañarle que ‘Aaliyah’ termine influyendo a toda una generación de artistas mainstream o independientes, de R&B o no. Era puro «estado del arte» aplicado al R&B que en absoluto merecía caer en el olvido.