The Divine Comedy estará de gira por España en marzo del año que viene. Las actuaciones que tienen previstas pasarán el día 6 en San Sebastián (Kursaal), el 9 en Madrid (Nuevo Apolo) y el 10 en Barcelona (L’Auditori). La banda anunció este verano el lanzamiento de ‘Charmed Life – The Best Of The Divine Comedy’, una colección de sus mejores canciones, que verá la luz el 4 de febrero de 2022.
Esta colección incluye un total de 24 pistas que repasa los grandes éxitos de la banda y los temas favoritos de los fans, escogidos por el cabeza del grupo, Neil Hannon, y remasterizada en Abbey Road Studios. Grandes clásicos como ‘National Express’, ‘Something For The Weekend’, ‘Generation Sex’ y ‘Tonight We Fly’ estarán ahí junto a singles más recientes como ‘A Lady of a Certain Age’, ‘Norman and Norma’ y ‘At the Indie Disco’. También se incluye el nuevo tema ‘The Best Mistakes’. El disco extra incluye la canción ‘Te amo España‘, aquella entrada loca realizada para Eurovisión.
The Divine Comedy saldrá de gira a partir de marzo de 2022. “Tengo muchas ganas de volver a tocar en vivo. Los últimos años han sido un recordatorio de lo mucho que significa para mí personalmente. Realmente es mi cosa favorita. Y parece apropiado que volvamos con un set de grandes éxitos”, confesaba Neil al hablar del arranque de esta gira.
Doble CD
Charmed Life
National Express
Norman And Norma
Something For The Weekend
Songs Of Love
The Best Mistakes
At The Indie Disco
Bad Ambassador
A Lady Of A Certain Age
Becoming More Like Alfie
Come Home Billy Bird
Have You Ever Been In Love
Our Mutual Friend
Generation Sex
How Can You Leave Me On My Own
Perfect Lovesong
Your Daddy’s Car
You’ll Never Work In This Town Again
Absent Friends
Everybody Knows (Except You)
The Certainty Of Chance
Sunrise
To The Rescue
Tonight We Fly Bonus (Deluxe 3CD / Deluxe Digital)
I’ll Take What I Can Get
Don’t Make Me Go Outside
Who Do You Think You Are
The Adventurous Type
When When When
Home For The Holidays
Te Amo España
Perfect Lovesong 2021
Simple Pleasures
Those Pesky Kids
«Construido a partir de jams improvisadas e inspirado en Primal Scream, Pink Floyd y en las discotecas de Nueva York, ‘Sympathy for Life’ estaba destinado a ser bailable». Así empieza la descripción del sello discográfico Rough Trade acerca del nuevo disco de Parquet Courts. Escuchas ‘Sympathy for Life’ y esperas un giro radical hacia la pista de baile, pero el texto lleva a engaño: ‘Sympathy for Life’ ni es tan bailable ni recuerda tanto a los grupos mencionados. De hecho, en ocasiones no sabe muy bien qué tipo de disco ser.
En los últimos años, Parquet Courts ha sido una de las bandas de post-punk favoritas de la crítica anglosajona. ‘Wide Awake!‘, su anterior álbum, les puso en el mapa de muchos gracias a sus inteligentes canciones inspiradas en el sonido de los Buzzcocks o la Velvet, nada originales pero efectivas y, sobre todo, muy divertidas. Era un disco, cuenta la banda, que se «podía poner en una fiesta», mientras ‘Sympathy for Life’ está «inspirado en esa misma fiesta» y busca emular la experiencia de bailar «en un club o en una fiesta con DJs».
Algunas pistas de ‘Sympathy for Life’ son bailables, como la primera, ‘Walking at a Downtown Pace’, que sí sugiere una influencia de ‘Screamadelica‘ debido a su base de acid house con guitarras y cuyo riff tocado como en caída libre da ganas de bailar como un descosido. Es el temazo del disco y su letra anhela el fin de la pandemia, cuando podamos «devolverle la sonrisa a un amigo que no lleva mascarilla». El «groove» house de ‘Plant Life’, el single principal, es el «edit» de una primera grabación que alcanza los 40 minutos, y los vibrantes ritmos de funk nigeriano de la pista titular los podrían haber firmado Novedades Carminha en alguno de sus últimos trabajos.
La experimentación bailable de Parquet Courts funciona, a lo cual hay que añadir que el disco ha sido producido Rodaidh McDonald (The xx, Hot Chip, David Byrne), pero ‘Sympathy for Life’ no se compromete del todo al estilo expuesto en las canciones mencionadas. Los sintetizadores abrasivos de ‘Plant Life’ sí son explorados en profundidad en ‘Application/Apparatus’, que habla sobre la soledad de un conductor de servicio de transporte cuya única compañía es la voz femenina del GPS, pero esta canción es más motorik que discotequera; y ‘Marathon of Anger’ bucea a través de una interesante base psicodélica, pero no da muchas ganas de quemar zapatilla.
La inconsistencia de ‘Sympathy for Life’ no es un problema cuando las canciones en sí son buenas, y la achispada ‘Black Widow Spider’ es otra de esas composiciones divertidas de Parquet Courts que gustarán a sus seguidores, así como la jangly ‘Just Shadows’, que versa sobre la desilusión de la vida moderna, o la guitarrera ‘Homo Sapien’. En otras pistas como ‘Trullo’ el álbum sí continúa por la vía de los «grooves», pero el conjunto de ‘Sympathy for Life’ no se decide entre ser bailable u otro disco de Parquet Court más. Lo que queda es un trabajo divertido e interesante con el que el grupo de Brooklyn abre nuevos horizontes sin perderse a sí mismo.
Alicia Keys ha anunciado a través de sus redes sociales los detalles de su nuevo álbum doble ‘KEYS’. Este consistirá en dos partes con diferentes versiones de las mismas canciones. En una primera parte del disco estará ‘Original’, cuya base será en piano y estará producida por la propia artista. La otra parte, ‘Unlocked’, será en un tono “animado, con la presencia de batería y subidas de nivel”. Además, esta parte estará producida por Alicia y Mike Will Made It.
‘KEYS’ es el primer disco de la cantante desde que ‘Alicia’ viera la luz hace dos años. A mediados de este año publicó una edición por el vigésimo aniversario de su álbum debut ‘Songs In A Minor’, que incluía dos bonus tracks inéditos de las sesiones de grabación del álbum original, ‘Crazy (Mi Corazon)’ y ‘Foolish Heart’. Además, en septiembre publicó su sencillo ‘LALA (Unlocked)’ con la colaboración del rapero Swae Lee.
La estadounidense aún no ha desvelado la fecha de lanzamiento del álbum, sólo ha dicho que el proyecto “llegará pronto” y ha anunciado que el 11 de noviembre estará interpretando sus nuevas canciones en el famoso Apollo Theatre de Nueva York como parte de SiriusXM y Pandora Small Stage Series.
Renovamos nuestra playlist con lo mejor del mes recopilando las canciones que hemos recomendado vivamente durante las últimas semanas. El regreso más esperado ha sido naturalmente el de Adele con un tema al que lo único que se le puede reprochar es que no sea rupturista: por lo demás ‘Easy On Me‘ es emotivo e impecable. Una gran canción, en resumen. También han gustado en redacción los regresos de Hatchie, Mitski, Band of Horses y Michael Kiwanuka.
Han sido «Disco de la Semana» en JENESAISPOP los nuevos de Magdalena Bay, PinkPantheress y Lonelady. Han ofrecido grandes temas sueltos C. Tangana y Nathy Peluso -siendo top 1 directo en España, que no en nuestro site-, Rakky Ripper, Rojuu, Tove Styrke, Natalia Lacunza, Amaia y Coque Malla, este último para una caja recopilatoria sobre toda su carrera. Os hemos presentado a nuevos valores como Blanks y Alavedra y hemos descubierto gracias al «contest» de nuestros foros los temazos de CMAT y Sarah Kinsley.
En el mercado están ya los álbumes interesantes de Flores, Alison Darwin y Purple Disco Machine. Completamos con otros favoritos de La La Love You, Alex Lahey, el boleroglam de Daniel Me estás matando y Bizarrap, que no para de conseguir virales con sus sesiones.
Adele / Easy On Me
Sarah Kinsley / The King
Magdalena Bay / Hysterical Us
Blanks / What You Do To Me
Purple Disco Machine / Dopamine
Rakky Ripper / donde stas??
PinkPantheress / I must apologise
CMAT / I Don’t Really Care for You
Flores / Hacia ningún lugar
Hatchie / This Enchanted
LoneLady / (There Is) No Logic
Rojuu / Un paseo más
C. Tangana, Nathy Peluso / Ateo
Coque Malla / Una sola vez
Bizarrap, Ptazeta / Bzrp Music Sessions, Vol 45
Natalia Lacunza / Cuestión de suerte
Alavedra / La Jota del Poliamor
Daniel, Me estás matando / Lo hice, te dejé
Alex Lahey / Spike the Punch
Mitski / Working for the Knife
PinkPantheress / Just for Me
Tove Styrke / Start Walking
Alison Darwin / Ayer
Band of Horses / Crutch
The Muslims / Crotch Pop a Cop
La La Love You, Delaporte / Big Bang
Amaia / Yo invito
Kacey Musgraves / good wife
Elton John, Dua Lipa, PNAU / Cold Heart (remix)
Michael Kiwanuka / All My Life
SanSan ha planteado el cartel de su próxima edición, la primera D.P. (después de la pandemia), como un «reencuentro». Un reencuentro con el festival que los asistentes echan de menos y también con algunos de los artistas más relevantes que hoy son cabeza de cartel en los festivales españoles. El de SanSan, que se extenderá a través de los días 29, 30 y 31 de octubre y se volverá a celebrar en Benicàssim, Castellón, cuenta con una letra grande, mediana y pequeña de la que destacamos 10 nombres imprescindibles. Aquí, entradas.
Amaral
El dúo de Eva Amaral y Juan Aguirre es uno de esos grupos que lo tienen todo: por un lado su repertorio de canciones eternas (porque llamarlas clásicos es quedarte corto) es irrompible. A día de hoy los viajes en coche con amigos son mejores cuando suenan ‘El universo sobre mí’, ‘Sin ti no soy nada’, ‘Marta, Sebas, Guille y los demás’, ‘Días de verano’ o ‘Te necesito’. Por otro lado, el grupo tampoco ha evitado experimentar cuando ha querido y su trayectoria, especialmente la de sus últimos discos, ha dejado momentos muy interesantes que vale la pena descubrir, incluido su regreso a una multi.
Sen Senra
Muy pocos habrían dicho, en los tiempos garajeros de ‘The Art of Self-Pressure‘, que Cristian Senra se convertiría en uno de los fenómenos de pop alternativo español con mayor proyección internacional. Todo empezó con la preciosa ‘Nos dará alas’, continuó con el lanzamiento de ‘Sensaciones‘ y después no paró de crecer con el estreno de algunas de sus mejores canciones, como ‘Nada y nadie’ o ‘Perfecto’; la publicación del EP ‘Corazón cromado‘ y el apoyo de Universal. Uno de los artistas que más crecieron durante la pandemia, por irónico que suene.
Love of Lesbian
Los integrantes de Love of Lesbian le contarán a sus nietos que dieron el primer concierto-piloto anti-covid de toda España, ante un público de 50.000 personas, y que además fue un éxito. La gloriosa presentación de Love of Lesbian en Barcelona fue la antesala de ‘V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada‘, el disco que los de Santi Balmés han publicado este año y que ha dejado un puñado de canciones tan emocionantes como ‘Crisálida’, ‘Sesenta memorias perdidas’, ‘Viento del oeste’ o ‘El mundo’. Por cierto, ¿Lesbian of Love se han separado?
Delaporte
Dice mucho de la potencia del cartel de SanSan que todos estos nombres aparezcan en su letra pequeña. Delaporte ya hace tiempo que dejaron el underground para apuntarse a colaborar con grandes marcas de ropa o de venta de muebles y, en su último proyecto, en el que revisitaban las canciones de ‘Las montañas‘ con artistas femeninas, colaboraban con Amaral, DORA o Anaju. Su pop electrónico, como el de su último single, ‘Droga dura’, sigue siendo uno de los más relevantes del pop nacional actual.
Mujeres
Conocimos a Mujeres en 2009 y, desde entonces, el grupo de rock no ha dejado de evolucionar hasta el punto que, a día de hoy, se encuentra en el mejor momento de su carrera. ‘Siento Muerte‘ fue uno de los mejores discos de 2020 y nos llevó a repasar sus 20 mejores canciones en un artículo especial (sí, tienen tantas) y este mismo año, Pol, Yago, y Arnau se han vuelto a superar con ‘Rock y amistad‘, un EP en el que ha enriquecido su sonido con la ayuda de artistas invitados como Nueva Vulcano o la banda sobre la que hablamos bajo estas líneas.
Cariño
Las autoras de ‘Bisexual’ han tenido mucho que ver con que ‘Al final abrazos‘ sea la canción más escuchada de Mujeres en Spotify. Su impronta popera es perceptible en la grabación, pero Paola Rivero, Alicia Ros y María Talaverano han ofrecido a lo largo de su corta trayectoria bastante más que una «canción pop de amor»: temazos como ‘Mierda seca’ han calado por lo que tienen de divertidos e irreverentes y les acaban de llevar a los escenarios de México. ¿Para cuándo el sucesor de ‘Movidas‘?
Vetusta Morla
Pueden quedar pocas cosas por decir sobre un grupo como Vetusta Morla. Sin embargo, como Amaral y Love of Lesbian, los de Pucho han sabido liderar una carrera poco predecible que, hace unos años, culminaba con uno de sus discos más interesantes, experimentales y llenos de artistas, el cual ellos mismos revisitaban. En su próximo trabajo, ‘Cable a tierra‘, volverán a darle una vuelta de tuerca a su sonido, bebiendo del folclore español y latinoamericano. Sale el 26 de noviembre.
La La Love You
En Spotify, las reproducciones de ‘El fin del mundo’ bordean las de algunos de los mayores éxitos de precisamente Amaral, Love of Lesbian y Vetusta Morla. Gracias a este hit que pareció predecir la llegada de la pandemia, La La Love You se han ganado su lugar en la letra grande/media de SanSan cuando se han cumplido 8 añazos desde el lanzamiento de su debut oficial, y sin que hayan publicado otro disco en el mercado todavía. ‘El fin del mundo’ por supuesto es posterior y el próximo disco de la banda, que incluirá singles tan certeros como ‘Bang Bang‘ con Delaporte, casi puede considerarse un renacimiento.
Ginebras
El grupo de Magüi, Sandra, Raquel y Juls ha triunfado por lo que tiene de desenfadado. Los prejuicios no caben en su música y lo único que importa al escuchar un disco como ‘Ya dormiré cuando me muera‘ es que la diversión no decaiga. El suyo es pop-punk que no le hace ascos ni al pop de los 60 ni a las guitarras garajeras y canciones como ‘La típica canción’ o ‘Chica pum’ serían indelebles en cualquier repertorio.
Cala Vento
Cala Vento y Amaral colaboraron el pasado mes de enero en un buen tema de rock llamado ‘Teletecho’ en el que se preguntaban «qué hemos hecho mal», como atormentados por el sinfín de la pandemia. Ahora ambas bandas aparecen en el cartel de SanSan, los de Juan Delgado y Aleix Turon en estupenda forma tras la buena aceptación de ‘Cala Vento‘, ‘Fruto panorama‘ y ‘Balanceo‘, que fue top 7 en la lista de álbumes española.
Este viernes 29 de octubre se publica el disco de debut de Blanks, un muchacho de Holanda de 24 años que responde también al nombre de Simon de Wit, cuya música podemos emparentar con la de proyectos como St Lucia o Roosevelt, este último en su versión más pop. El disco se llama ‘Nothing Last Forever and That’s OK’.
Con más de 1 millón de suscritos a su canal de Youtube, donde se ha viralizado sobre todo una versión de Post Malone, Blanks ha destacado por una estética que remite a los 80, a las películas de John Hughes, o más recientemente, el amor adolescente de instituto a lo ‘Glee’ (la serie, no la dramática realidad de los actores protagonistas).
En ocasiones con baladas a piano (el último videosingle, ‘I’m Sorry’), en ocasiones remitiendo a la Taylor Swift de ‘1989’ y ‘Red’ (‘Classic Armstrong’), los temas de Blanks parecen tener el recuerdo también de hits ochenteros tan edificantes como ‘Don’t Stop Believing’.
‘What You Do To Me’ es la canción que abrirá el álbum de 10 pistas y nuestra “Canción del Día” hoy. Un tema de amor carpetero en sintonía con un vídeo en el que vemos a Blanks desempeñando varios roles, que implican el joven con granos y también el joven con éxito, siempre en torno a a ese evento llamado baile de promoción. No se puede pasar por alto ese poster de The Cure, es decir, de Robert Smith. El clip forma parte de una sucesión de media decena de vídeos que cuentan la historia de amor entre dos personajes llamados Emma y Erik.
Blanks actúa en BIME PRO como parte de la programación Dutch Impact. Se le podrá ver junto a Luka y Lorrèn en el Kafe Antzokia de Bilbao este jueves 28 de octubre. Entrada libre hasta completar aforo.
BIME PRO 2021 se celebra entre los días 27 y 29 de octubre en Bilbao, reuniendo talentos de América y Europa. Hay una firme representación de Chilemúsica, que promueve la música de este país en el extranjero, a cargo de la superestrella Ana Tijoux, que actuará el sábado 30 de octubre, y también de este jueves 28 de octubre en la Sala La Ribera. Será este espacio el que acogerá los directos del cantautor Diego Lorenzini, la banda de rock Frank’s White Canvas, la banda psicodélica Jemmy Button y Entrópica, dentro de la iniciativa BIME CITY SON Estrella Galicia.
Nos centramos hoy en Entrópica, el proyecto solista de la productora, compositora y cantante Francisca Bascuñán, imprescindible para seguidores del pop de última hornada, con un ancla en el synth-pop de los 80, otro en el dance de los 90 (atención a su viejo hit ‘Housie’) y uno bien grande en la diversidad sexual. Su nuevo álbum llamado ‘Sigma’ lo ha promocionado con un vídeo-híbrido de diversas canciones que comienza en una peluquería en la que solo se baila voguing, pasando después a un entorno lynchiano y terminando en un museo de arte moderno. Comprehende tres canciones del disco: ‘BB’, ‘Lolita’ y ‘Ciego’.
Entrópica lleva realmente en activo desde que en 2013 publicara su EP homónimo, siendo ya promocionada en MTV Latinoamérica. Desde entonces ha lanzado varios EP’s que la han llevado a realizar varias giras por Estados Unidos, logrando especial impacto en México. Ya son varios sus éxitos que merece la pena compartir. Si en ‘Al espacio’ (2016) destacaba su tema con (Me Llamo) Sebastián titulado ‘Casino’, muy ochentero; ‘Adentro’ (2017) incluía ‘Celi’, que comenzaba hablando sobre «la primera vez».
‘Formas’ (2019), penúltimo disco hasta ahora, además de la mencionada ‘Housie’, traía ‘Atrás’ y la canción homónima, en cuyo vídeo se presenta a Entrópica como «la duquesa de la androginia y la electropop». Entrópica actúa este jueves 28 de octubre en La Ribera de Bilbao a las 21.00 horas y la entrada es libre.
En cuando a conferencias relacionadas con Chilemúsica, este miércoles 27 de octubre se celebra una llamada «Situando a los artistas en el mapa. Diferentes modelos de desarrollo en América Latina» entre 15.45 y 16.45, hora local. Participarán Francisca Sandoval de Chilemúsica y representantes de Inamu de Argentina, el Ministerio de Cultura de Colombia y el Instituto Cubano de la Música. También habrá una ponencia llamada ‘El sector independiente nacional, latinoamericano y mundial en cifras’ el jueves 28 de octubre a las 18.20, centrada en las consecuencias de la pandemia.
Bomba Estéreo actúan el 1 de diciembre en el WiZink Center de Madrid y el 3 de diciembre en el Sant Jordi Club de Barcelona. JENESAISPOP es medio oficial de la gira española. Las entradas están disponibles en Seetickets. Con motivo de esta visita, recuperamos la entrevista que tuvimos ahora hace un año con Li y Simón, con motivo de su visita a BIME PRO.
Ajenos a las exigencias del mercado, Li Saumet y Simón Mejía han publicado otro disco notable llamado ‘Deja’ en el que reflexionan sobre la reconexión con la naturaleza y el cambio climático. Li y Simón hablan abiertamente sobre la responsabilidad social de los artistas en un mundo en crisis, la situación política de Colombia o la vida al margen de tu teléfono móvil. Les entrego una copia del libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’, en el que incluí su álbum ‘Amanecer’, y Li comenta algunos de los discos que ojea en un primer vistazo. Reconoce como especialmente influyente en su carrera ‘Random Access Memories’ de Daft Punk y se muestra interesada por si en el libro aparece El Guincho (aparece ‘Alegranza’). Foto: Valerie Amor C.
Lo que más sorprende de vuestro disco nuevo es que os ha influido muy poco vuestro viral ‘To My Love’, que en estos años se ha salido de madre. ¿No habéis sentido presión para volver a hacer una canción así?
Simón: En general en nuestra música nunca hemos tenido presiones, y las veces que las hemos tenido, hemos aprendido que lo peor en la música es hacerles caso. Nosotros pudimos haber repetido fórmulas y haber hecho ‘Fuego’ por el resto de nuestras vidas, pero no. Cuando el arte se vuelve una fórmula y se repite pierde su esencia, para mí pierde todo el sentido. Así que procuramos no dejarnos presionar.
Li: Yo creo que más que presionar, es hacer lo que nos gusta. Creo que la presión en cierta manera es buena y nos ayuda. Hacer lo que a uno no le gusta va totalmente en contra del artista. El arte es sacar lo que uno tiene dentro, de su concepción de la vida, de su cultura. Cuando a uno no le dejan hacer eso es como que estás desperdiciando a ese artista.
S: Realmente ‘To My Love’ es un remix, y su éxito es que tiene un ritmo de reggaetón detrás. Nosotros no somos del reggaetón tampoco, de haber seguido ese camino hubiera sido un poco extraño, es cambiarnos la esencia.
El sábado salí por primera vez tras la pandemia a un club y pusieron este remix. ¿Cómo vivisteis este viral? ¿Os hizo ilusión o por el contrario os dio un poco de pereza?
Li: Fue algo natural. Empezaron a subir las views, y fue la discográfica la que nos avisó. Nosotros somos los últimos en enterarnos de esas cosas porque no estamos pendientes de números ni nada de eso. Lo más loco de todo es que ocurrió como un año después de publicarse.
S: Nosotros hicimos ‘Amanecer’ y luego salió ‘Amanecer (Remixed)’ y de repente, de un momento a otro, ‘To My Love’ comenzó a crecer. Fue la gente la que empezó a escucharla en Spotify y no por la radio, que a veces está muy manipulada, y hay dineros y todo, y para mí eso es totalmente válido.
¿Habéis vivido el viral con ilusión o hubieseis preferido que fuera otra canción?
Li: No, al ser algo orgánico, sin discográficas ni marketing de por medio, nos hizo muy felices. Fue un éxito natural y nosotros estamos agradecidos de tener algo así porque siempre ayuda a que nuestra música sea más conocida.
Habéis dicho que fuisteis los últimos en enteraros del éxito de la canción. En el último disco hay un tema que precisamente es la huida de las redes sociales, de dejar de estar obsesionados con internet y la tecnología. ¿Tiene alguna relación?
Li: Sí, sobre todo con la evolución que hemos tenido estos años de conectar más. Sentimos que la música, sobre todo la música latina, se ha ido mucho a una idea de que el éxito es lo material y nosotros sabemos que no. Llevamos muchos años en esto y sabemos que para los artistas lo más bonito es conectar con el público, conectar contigo mismo y expresar todo lo que tienes. Queríamos decirlo porque como hay tanta gente diciendo lo contrario, es bueno también escuchar, hablar de la depresión desde un punto de vista mucho más positivo y también de espiritualidad. Estar en una discoteca bailando pero estar escuchando algo profundo. Creo que es un momento de la música en Latinoamérica de concienciarnos más y queríamos ponerlo en un disco.
La música latina se ha ido mucho a una idea de que el éxito es lo material y nosotros sabemos que no
¿Os consideráis un grupo espiritual?
Li: Yo sí, él no (risas).
S: Claro que somos espirituales. Todos los seres humanos lo somos en potencia. Unos lo buscan y lo desarrollan y otros no, pero naces de una conexión con tu madre y con la Tierra. Eso ya es una espiritualidad, sólo que se rompe con la sociedad. Es como si te cortaran ese cordón umbilical que te conecta con cosas más elevadas del mundo. Nosotros pensamos que la música tiene ese poder de reconectarte con eso porque es un arte muy poderoso y muy sensible, que ayuda a volver a pensar en las cosas más sencillas y simples. La espiritualidad no es algo muy complejo, es volver a la vida y a lo más básico.
Li: Un artista es un ser espiritual porque es un ser sensible que por medio de su sensibilidad puede expresar un sentimiento con algo que hace. Para mí todos los artistas son seres espirituales, sean pintores o lo que sea.
Aunque Simón es menos espiritual…
S: Claro que soy espiritual, pero creo que es un proceso que vas construyendo en tu vida, tampoco es que uno sea espiritual de un día para otro, sino que es un proceso de la vida, o de varias vidas. A veces hasta el márketing lo utiliza, como lo espiritual o lo sostenible. Y no, son procesos largos. Es lindo ver que cada vez más gente está conectando con eso.
¿Qué recomendáis a la gente para conectarse consigo misma y dejar las distracciones? A nivel meditación, ir a terapia, prestar menos atención a Instagram…
Li: Desconectar de los aparatos telefónicos. Ir a un parque, descalzarte, o quedarte en casa. Aceptarte a ti, a tu entorno, a tu origen, a tu familia, tus tíos, tus abuelos, tu comida… Una vez hecho eso, vuelves a tu esencia que es de lo que habla este disco, reconectas. Si te gusta meditar, medita. Si te gusta rezar, reza.
S: Los indígenas están en relación directa con la Madre Tierra, no están intermediados. Pero mucha gente ve el mundo por las redes sociales. Anhelas una ropa que ves ahí, quieres estar ahí, piensas hacia fuera y te olvidas de quién eres, qué es lo que realmente te gusta. Si logras ponerle un poco de freno a eso puedes empezar un proceso para reconectar. Acordarnos de estar conectados con la Madre Tierra.
¿Tenéis redes por obligación o porque os gusta?
Li: Sólo tengo Instagram, en las otras redes siempre están peleando. Nos gusta. Pienso que al final es una forma de comunicarse, es un oportunidad para llegar a mucha gente y es importante que sepan lo que piensas porque es una gran plataforma para influenciar a la gente. Ponemos muchas cosas de la naturaleza o de la comida que comemos. Es una oportunidad porque vivimos en el campo.
S: En Colombia está todo la natural concentrado en un territorio: la selva del Amazonas, las montañas de los Andes, la playa, el Caribe, el Pacífico…
Li: Donde yo vivo es como el corazón de la Tierra, es un lugar sagrado. Es bonito.
Se ve que huís de las tecnologías y de la urbe pero a la vez este disco es urbano, ¿jugáis un poco con eso?
S: Nosotros somos eso y Colombia es eso.
Li: Siempre hablamos de la sociedad, de lo urbano. Lo que más nos gusta es la música electrónica, bailar, la música colombiana… Queríamos tener presentes sonidos de nuestro país como gaitas o marimbas, cosas muy típicas de Colombia, y juntarlos con la electrónica. Bomba es mezclar nuestro folklore y la electrónica, y la persona que lo ha mezclado es Damian Taylor, que ha trabajado con Björk.
S: Crecimos con la música electrónica.
Li: Mi manera de cantar es como de las cantaoras, pero no soy de un pueblo, soy de Santa Marta, escuché Radiohead, Massive Attack, crecí con Björk, Chemical Brothers.
S: Daft Punk, Portishead…
En el disco hay una relación con África en diferentes sentidos, contadnos un poco sobre ello.
S: En el disco y en Colombia, que es un país afro. Cuando hicimos la gira por Sudáfrica descubrimos lo conectados que están los dos lugares. Venimos de ahí y es parte de nuestra herencia. Lo que hacemos es afro-indígena-colombiano.
Li: Blanco, aunque el blanco lo único que hizo fue inventarse las vestimentas (ríen). El ritmo lo hizo el negro y la flauta la puso el indígena.
S: La influencia afro siempre ha estado con nosotros y en este disco se personifica. Canta con nosotros una persona africana, Yemi Alade. Fue una colaboración a distancia. Ella canta champeta, la música más afrocolombiana que hay. Es como reggaeton pero mucho más rápido y anterior.
Se están gastando nuestra riqueza geográfica y natural en dos minutos. Como artistas tenemos que concienciar a la gente para provocar un cambio
El disco también trata el cambio climático, ¿cuál es vuestra implicación al respecto?
S: Es un tema que en Bomba tratamos desde hace tiempo y ahora está por todas partes.
Li: Nos estamos dando cuenta de que se están gastando nuestra riqueza geográfica y natural en dos minutos. Como artistas tenemos que concienciar a la gente de eso para provocar un cambio.
S: Además, hay que ser parte del cambio. Hay muchas bandas que giran de festival en festival emitiendo mucha contaminación y desde el mundo de la música podemos generar un cambio. Existen muchas cosas que se pueden cambiar para que las emisiones se reduzcan, usar menos plástico, que las plantas de energía que alimentan las tarimas no sean de gasolina sino que sean de whatever cosas que se inventen. Por ejemplo, Coldplay lo está haciendo. La gente en un concierto montaba en bicicleta generando la energía para que pudieran tocar. Y Massive Attack. Se necesita un compromiso no solo con los artistas sino también con los promotores, organizadores, transportistas…
¿Creéis que en un futuro los artistas podrán elegir si acudir a festivales comprometidos con la causa?
S: Sí, creemos que va a pasar. Los artistas no querrán acudir a festivales que no estén comprometidos porque están obsoletos.
Li: Los artistas siempre han exigido cosas, a veces tontas, entonces ¿por qué no exigir que no haya plásticos en el camerino, por ejemplo? Nosotros llevamos tiempo pidiendo que no nos den botellas de plástico sino un gran termo de agua (NdE: lo lleva en la mesa) o también alcohol local.
¿No os ha tentado nunca pedir cosas para camerinos?
S: Pedimos poquito.
Li: Lo máximo jengibre.
S: Pedimos alcohol porque nos gusta tomar, pero pedimos que sea local. Por ejemplo, si estamos en México, que sea mezcal. Y lo primero, que los artistas dejen de usar aviones privados. En 10 años, la gente que los siga usando van a estar mal vistos.
Li: Ya están mal vistos.
A pesar del mensaje positivo del disco, ¿no lo veis un poco triste? No sé si porque ‘Deja’ y ‘Soledad’ son mis favoritas.
Li: Es melancólico y es triste pero a la vez alegre y positivo, como la vida, como el mundo. Me puse a ver comentarios y era mucha gente con depresión. Una vez estás feliz y otra triste. Sí, es triste pero siento que la gente al final se queda con un mensaje positivo, de empoderamiento y felicidad.
¿No te dan miedo los comentarios de la gente? Hay que ser fuerte para mirárselos…
S: Trata de no leer los de Youtube (risas)
R: Tras 13 años de carrera no me importa ni 5 lo que la gente dice. Lo hice porque en este disco en específico medité mucho para que las letras fueran encaminadas positivamente, porque siento que la gente, sobre todo el público latino, no está escuchando canciones con un gran valor lírico. Me gustó ver que sí funcionó porque la gente sí conecta. Extrañamente en este disco más que en cualquiera, los comentarios de este disco son muy bonitos y eso me da mucha felicidad.
Los niños están escuchando mensajes que no deberían estar escuchando
Por lo que habéis dicho, parece que no os gusta mucho la música que ahora está de moda, ni el reggaeton ni lo que entra en las listas virales de Spotify. ¿No le veis un valor lírico?
Li: No me gustan nada (ríe).
S: El ritmo está bueno pero el mayor problema son las letras. Lo que molesta es que están mandando un mensaje que, dada la situación actual, es muy nocivo. Por ejemplo, ¿cómo pueden estar mandando mensajes machistas en el momento en el que la mujer se abre paso o mensajes de materialismo cuando lo que estamos intentado es consumir menos para impactar menos el planeta? Todo está mal.
Li: Lo peor es que los niños y niñas lo están cantando. Los niños están escuchando mensajes que no deberían estar escuchando. Conozco comunidades de Colombia donde puedo afirmar que los niveles de abuso sexual han aumentado desde que esta música explotó, pero nadie habla de ello. Nadie lo sabe y la gente no se da cuenta de la gran responsabilidad que tienen, sobre todo en un país como el nuestro, que lleva en conflicto político muchísimos años. Y con pandemia. En lugar de hablar de cosas positivas, te hablan de que el éxito es comprar carros, casas y tenis. Es triste ver que hay gente casi sin recursos y talentosa y que hace su música y luego ver a esta gente con su música que no dice nada teniendo el poder de alcanzar a tantas personas.
Entiendo que os consideráis una banda política ¿no?
Li: Creo que todos los artistas, sobre todo los colombianos, lo somos. Porque está implícito en tu vida.
S: Colombia ha pasado por dificultades debido a la mala política, si es que hay una buena política (risas). Crecimos en conflicto y eso aún continúa. La muerte te está respirando acá (NdE: se toca la nuca).
Li: Nina Simone lo decía. ¿Cómo vas a ser artista y que no te repercuta lo que está sucediendo en la sociedad? Cuando eres artista sientes que tienes que contar lo que está sucediendo en tu país y en el mundo.
A veces cuando entrevistas a un grupo se declaran apolíticos.
Si son colombianos, es entendible porque cuando dices que estás a favor o en contra de algo, te pueden matar.
The Posies anuncia su disolución después de 35 años de carrera tras las acusaciones de abuso sexual recibidas por Ken Stringfellow. Estas vieron la luz ayer gracias a la emisora de radio de Seattle KUOW, en la que tres mujeres acusaron al guitarrista de haber mantenido relaciones no consentidas y violentas con ellas.
Una de estas mujeres asegura que Stringfellow tuvo «sexo con ella a la fuerza en un baño de hombres en un hotel de San Francisco». Otra declara que una vez fue violada por él mientras dormía. Y una tercera que mantuvo una relación sentimental prolongada que cada vez fue “más dramática, abusiva y destructiva”, y en la que él la habría obligado a abortar a principios de 2015.
Su compañero Jon Auer explica en un email para KUOW que dejó The Posies «muy rápidamente después de escuchar (a una amiga que se citaba en la información) lo que le había pasado”. Lo que le describió fue «muy perturbador», e inmediatamente hizo muy clara su posición. Pidió explicaciones a Ken en una llamada el 4 de agosto de 2021, canceló los conciertos programados, y le dijo directamente que no trabajaría con él nunca más.
Frankie Siragusa, batería de la banda, habría dejado el grupo hace un tiempo por ese mismo motivo, aunque no lo hizo público. “Ya no quería que me asociaran con mi héroe de toda la vida. Tenía un montón de carteles de giras colgados y enmarcados en mis paredes, y muchas cosas de The Posies de las giras decorando mi casa. Lo he tirado todo”.
Por su parte, Ken Stringfellow ha respondido a las acusaciones a través de un comunicado: “Nunca me ha gustado lo pervertido, lo violento. Experimenté la violencia extrema de primera mano cuando era adolescente. Soy sensible a la agresividad y no es algo con lo que me sienta bien. No he querido lastimar a nadie, nunca. Nunca querría dañar a nadie con quien esté manteniendo una relación, sexual o de otro tipo. El consentimiento ha sido la base de todas las relaciones sexuales que he tenido, y la violencia nunca ha formado parte de ninguna de esas relaciones. Simplemente no es lo que soy. Soy una persona que respeta a las mujeres”.
El grupo tenía prevista una gira por varias ciudades de España para septiembre de 2022 que ya no será posible. Estas eran las 13 fechas anunciadas: 13 SEPT – Pollença, Mallorca (Claustre de Pollença)
14 SEPT – Maó (Claustre de Maó)
15 SEP – Zaragoza (Sala López)
16 SEPT – Terrassa (Nova Jazz Cava)
17 SEPT – Benidorm (Visor Fest)
18 SEPT – Valladolid (Porta Caeli)
19 SEPT – Jaén (La Mecánica)
20 SEPT – Granada (Lemon Rock)
21 SEPT – Sevilla (Sala X)
22 SEPT – Córdoba (Hangar)
23 SEPT – Madrid (Independance)
24 SEPT – Las Palmas de Gran Canaria (tbd)
25 SEPT – Salamanca (Cvm Lavde)
‘Ateo’ de C. Tangana y Nathy Peluso continúa siendo el número 1 oficial del país por segunda semana consecutiva, certificada como disco de oro. La entrada más fuerte en España no la produce Adele, que ha sido número 1 en Reino Unido, Estados Unidos y multitud de territorios con ‘Easy On Me’, sino su compañero de sello Camilo junto a su pareja Evaluna Montaner. ‘Índigo’ es número 7 en España y ha arrasado especialmente Youtube, donde lleva 50 millones de reproducciones en todo el mundo.
El tema de Adele queda en el puesto 12 en nuestro país, es decir fuera del top 10 a diferencia de ‘Hello’, que sí fue número 1 en España. El tema se ha mantenido en el top 25 de Spotify España desde su salida, por lo que un buen resultado está asegurado en cualquier caso para el álbum.
‘Unfollow’ de Duki, Justin Quiles y Bizarrap llega al número 17, y algo más abajo encontramos el remix de ‘Cold Heart’ de Elton John con Dua Lipa. En España llegamos tarde a él por supuesto, pero el tema aparece al menos en el número 28, subiendo desde el puesto 36 en su 6ª semana, logrando un nuevo máximo. También es top 40 ‘Flow 2000’, lo nuevo de Bad Gyal, que alcanza el número 38 exactamente.
La lista de novedades se completa con Pablo Alborán, Aitana y Álvaro de Luna, que llegan al número 42 con ‘Llueve sobre mojado’; ‘Heat Waves’ de Glass Animals, que al fin triunfa en nuestro país siendo puesto 97; y ‘Dos días al mes’ de Hens & Delgao, que queda en el puesto 100.
Mención especial para Coldplay, que además de subir al puesto 69 con BTS y ‘My Universe’ (llegaron a ser top 63 por aquí hace unas semanas), sitúan su colaboración con Selena Gomez en el número 98. Su álbum ‘Music of the Spheres‘ es número 1 en España.
La llegada de la vida adulta es así: un día estás celebrando «emborracharte», al siguiente dando un paso a un lado para preguntarte «si el rumbo que estás siguiendo es el correcto». Son palabras de Noni de Lori Meyers presentando el 7º álbum de la banda, compuesto en parte antes y en parte después de la pandemia, pero con las letras hechas en última instancia durante el último año y medio, cuando todos hemos tenido tanto «tiempo para pensar» y para «mirarnos en el espejo». De ahí que ‘Espacios infinitos’ nos hable sobre echar de menos «los bares del centro, las deshoras y la libertad», y también de preferir «observar las flores» y «amar la naturaleza». Es la búsqueda del campo que muchos, atrapados en grandes urbes sin opción de salir a nada, anhelamos en 2020. ‘Fatiga pandémica’ se llama esa composición de Lori Meyers que tanto apuesta por lo bucólico.
Aun así, ‘Espacios infinitos’ en muchos sentidos es la continuación natural de ‘En la espiral‘. El grupo viene hace tiempo alternando los hits inmediatos con pasajes más psicodélicos y espirituales, lo que se ha notado tanto en el comienzo de sus discos como de sus directos, y este álbum sigue esa senda. Aunque no hubiera existido la pandemia, Lori Meyers estaban llamados a hacer un álbum que sonara exactamente como este, con un mensaje expreso sobre «disfrutar el presente» y «volar».
Musicalmente, rara vez Lori Meyers han estado más acertados e inspirados y rara vez han sonado tan elegantes. El grupo ha decidido delegar, rebajar su carga de trabajo de «control freaks» de álbumes anteriores, y dejar que soportaran el peso de la producción y la mezcla el joven James Bagshaw de Temples y Claudius Mittendorfer. Al primero llegaron a través de su trabajo con Anni B Sweet, que vuelve a ejercer de corista y «asistente de letras» en este álbum, y al segundo por su admiración de álbumes de Interpol o incluso raperos. El sonido conseguido es ciertamente místico y espacial, en sintonía con lo que nos cuentan los textos, con sintetizadores que nos llevan a la psicodelia de los años 60 o más tarde al dream pop, sin miedo a explorar por el camino otros territorios.
Hay cierta cadencia disco-funky en muchas ocasiones, incluso pueden venir a la mente nombres tan inesperados como Tame Impala, los Arctic Monkeys de ‘AM’, Daft Punk o hasta Michael Jackson en ‘Un último baile’, si bien solo para que la canción después vire hacia otro lugar, cambiando de ritmo. Por el camino, llaman mucho la atención los detalles, por ejemplo, el excelente acabado de las canciones que aparecen entre los dos singles principales, ‘Presente’ y ‘Punk’. Tanto ‘Seres de luz’ como ‘Mis fantasmas’ presentan desarrollos muy bien acabados, la primera incorporando una guitarra eléctrica a su final que ejerce de gancho, la segunda con un lamento a cargo de un Noni que ha confesado cómo el alcohol le consume.
Esta parte central del disco a su vez está rodeada por dos canciones cuya melodía remite al cancionero melódico tradicional en España. Nombres como Perales están apareciendo en las entrevistas como en otras ocasiones referenciaron a Los Brincos y Los Ángeles. Se trata sobre todo de ‘Primaveras’, preciosa como canción de amor con los coros de Anni («dame tus razones para ser feliz, estar junto a mí y sobrevivir»), pero también de ‘No hay excusa’, de ambientación envolvente gracias al juego de teclados.
‘Espacios infinitos’ se completa con el muro de sonido abrasivo de la mencionada ‘Fatiga pandémica’, la popera ‘Hacerte volar’, la final ‘Viento del norte’ -algo inferior al resto- y la canción que entona Alejandro Méndez, que esta vez no es tan clásica como decide embarrarse en un océano de lodo y locura que recuerda al Raphael de ‘Dr. Jekyll y Mr. Hyde’. Quizá porque la canción se llama ‘En el espejo’, quizá porque se transforma en una película de terror como escrita por Martin L. Gore. En todo este contexto suena un poco descolgado el single ‘Punk’, con una crítica hacia el postureo de Instagram y a la nostalgia gratuita que es imposible que sea tan autocrítica como aseguran, si bien será el gran hit del álbum y la más coreada de los conciertos. Llegados a este punto, cada cual parece buscar algo diferente en Lori Meyers, pero si hablamos de calidad y no de números, este es el mejor álbum del grupo desde ‘Cronolánea’.
Coldplay firman el nuevo número 1 de la lista de álbumes española con ‘Music of the Spheres‘, por lo que desbancan a Fito y Fitipaldis tras dos semanas instalados en dicha posición. Como se veía venir, ‘Music of the Spheres’ ha sido un éxito comercial, al contrario que el menos accesible ‘Everyday Life‘, y el álbum ha sido número 1 también en Australia, Reino Unido, Francia, Países Bajos, Irlanda o Bélgica, además de número 2 en Canadá o Alemania. En Estados Unidos se han tenido que conformar con el número 4. Por el contrario, ‘Music of the Spheres’ ha sido un fracaso de crítica.
A pesar de que Coldplay ocupan la primera posición en la lista de álbumes oficial de Promusicae, es otra banda la que lidera la tabla de vinilos. Se trata de Morgan, la formación madrileña que en los últimos tiempos ha triunfado con su visión del blues-rock americano. Si ‘Air‘ arrasaba en los premios MIN hace unas cuantas temporadas, ahora ‘The River and the Stone’ logra ser el vinilo más vendido de la semana en España por delante de los Coldplay (número 4 en vinilos) o la reedición de los Beatles (número 2 en vinilos). El éxito de la edición física de ‘The River and the Sone’ asegura a la banda además un top 3 en la tabla general.
Efectivamente, la reedición de ‘Let it Be‘ de los Beatles por su 50 aniversario representa una de las entradas más importantes de la semana en la tabla oficial, donde entra en el número 5, y es la última entrada en todo el top 10. Después, en el número 11 saluda Miguel Campello con ‘Con todos mis respetos’ y, más abajo, lo hace la banda surcoreana Enhyphen con ‘DIMENSION: DILEMMA’, en el 23.
La subida más fuerte de la semana es ‘Happier than Ever’ de Billie Elisih, que sube del 20 al 18, mientras FINNEAS es noticia por el fracaso de su debut oficial, ‘Optimist‘. El disco entra en el número 98 de la lista de álbumes española, un dato mejor que el estadounidense (104) y mucho mejor que el británico, que es inexistente. Quizá no haya ayudado la avalancha de reediciones por el National Album Day que ha salido al mercado estos días y ha devuelto a la lista británica álbumes viejos de Amy Winehouse, Garbage o Kylie Minogue.
En cuanto al resto de títulos que debutan en lista, ‘Sermons of the Sinner’ de KK’s Priest entra en el número 30, ‘Reflections – 50 Heavy Metal Years of Music’ de Judas Priest en el 48, ‘La ruta de las flores’ de Ainoa Buitrago en el 70 y ‘Punk’ de Young Thug en el 92.
Girando por Salas vuelve en 2021 con una edición extraordinaria, la undécima en general, después de que la pandemia de la covid-19, en concreto la clausura de salas y la aplicación de restricciones contra el ocio nocturno, haya impedido el desarrollo habitual del evento. En la presente edición de Girando por Salas se seleccionarán 50 artistas (bandas y/o solistas) de entre todas aquellas solicitudes recibidas que cumplan los requisitos. La convocatoria tendrá lugar desde el 26 de octubre hasta el 2 de noviembre.
Se ofrecerá a las bandas y solistas seleccionados, como ya se hiciera para el cierre de la edición GPS10, la opción de la grabación de un video en directo en una sala aprobada en esta edición, con la posibilidad, si las circunstancias lo permiten, de que dicha grabación se realice durante un concierto con público. La inscripción de propuestas se puede realizar en la página web girandoporsalas.com
Algunas de las bandas y/o solistas que han pasado por Girando por Salas son Izal, Viva Suecia, Morgan, La MODA, Triángulo de Amor Bizarro, Antonio Lizana, Rufus T. Firefly, León Benavente, Varry Brava, Neuman, Novedades Carminha, Sidecars o Veintiuno.
RESUMEN DE LA CONVOCATORIA EXTRAORDINARIA #GPS11
• Dirigida a artistas emergentes: mínimo 1 trabajo y un máximo de 3 LPs, correctamente publicado/s
• Fecha inicio de inscripción: 11:00h del 26 de octubre de 2021
• Fecha límite de inscripción: 18:00h del 2 de noviembre de 2021
• Fecha publicación provisional de grupos aprobados: 3 de noviembre de 2021
• Período para solicitar revisión de grupos no aprobados: hasta las 18:00h del 3 noviembre de 2021
• Fecha publicación definitiva grupos aprobados: 4 de noviembre de 2021
• Anuncio 50 grupos y solistas seleccionados GPS11: 8 de noviembre de 2021
• Inscripción a través de:www.girandoporsalas.com
Netflix ha estrenado estos días ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’, un nuevo documental sobre la vida y carrera política de Francisco Franco que se compone de cinco capítulos. Los tres primeros exponen ampliamente la historia de Franco y los dos últimos resumen todo lo contado en los capítulos previos con la adición de alguna declaración nueva.
La gran curiosidad que presenta ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’ es que el documental es de factura alemana, no española. Las entrevistas presenciales a historiadores y testigos del franquismo no han sido dobladas al español, de modo que las declaraciones realizadas -tanto en español como en catalán o inglés- son dobladas al alemán y a su vez subtituladas al castellano.
Cualquiera que haya seguido de cerca la historia de la dictadura en España probablemente no descubrirá nada nuevo en ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’. Sin embargo, el documental funciona perfectamente a modo de material académico para nuevos estudiantes, en especial para los que se estén formando actualmente en el instituto, y no solo por su buena historiografía, sino también porque cuenta con auténticas autoridades en el campo de la Historia como el británico Antony Beevor o el alemán Walther L. Bernecker. En ocasiones se desprecia el contenido de Netflix por supuestamente caer en el sensacionalismo solo por proceder de una plataforma de streaming popular consumida por millones de jóvenes, pero ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’ podría haber sido emitido perfectamente en cualquier televisión pública, incluida su sutil banda sonora, que por momentos parece la de ‘Expediente X’.
Precisamente, el gran logro de ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’ es el de ser un documental fiable, riguroso y documentado sobre Franco que muchas personas van a ver. La tecnología e internet no solo han «democratizado» la producción musical (hoy hay más música que nunca) y audiovisual (Youtube e Instagram son la nueva televisión) o incluso la labor periodística (con Twitter cualquiera puede dar hoy una exclusiva); también plataformas como Netflix son capaces de transmitir la Historia a través de un medio mucho más atractivo para las nuevas generaciones que cualquier libro de texto. El documental sabrá a poco a historiadores y aficionados, pero el resto del planeta poco más necesita saber sobre Franco de lo que se expone en el documental, que ya es mucho. Personalmente he aprendido más sobre la dictadura gracias a ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’ de lo que lo hice en el instituto, donde se me obligaba a estudiar y/o memorizar información detallada de otras diez asignaturas, muchas veces sin éxito.
Aún así, el visionado de ‘La dura verdad sobre la dictadura de Franco’ impacta si buscas refrescar la memoria o simplemente aprender. Franco queda como un verdadero inepto político que se agarra al poder cual sanguijuela pero que no muestra demasiado interés en la recuperación económica de su propio país. El documental acerca a la audiencia a la necesidad de progreso de las nuevas generaciones de España durante la posguerra, aunque no olvida mencionar a la «mayoría silenciosa» franquista; recuerda que Europa da la espalda a la dictadura de España ya en los primeros años de la OTAN; y básicamente pone sobre la mesa que lo mejor que llega a hacer Franco por España es envejecer y morir, aunque le cueste 30 años.
Cuando aparecen en pantalla Juan Carlos I y la reina Sofía (y también un pequeño Felipe de Borbón) te das cuenta de que no hace tanto de todo esto, y entiendes algunas cosas. Los últimos resquicios del franquismo y el nazismo se pasean de vez en cuando por las calles aún a día de hoy e incluso gozan de presencia parlamentaria, pero las nuevas (y viejas) generaciones están mucho más preparadas para combatirlos. El contexto es diferente y la información está en sus manos más que nunca.
Katy Perry ha colaborado con una marca de ropa para su nueva campaña de Navidad solidaria. La artista ha versionado ‘All You Need is Love’ de los Beatles y una porción de los beneficios obtenidos por las reproducciones de la grabación en Spotify serán destinados a una organización que lucha contra la pobreza infantil en los Estados Unidos.
La marca en cuestión es Gap, y Katy ha contado que hace 20 años, cuando era adolescente, trabajó en una de sus tiendas, en Santa Barbara. Ahora ha pasado de «doblar sudaderas» a asociarse con ella por una buena causa. Y producto de la colaboración entre Katy Perry y Gap surge esta versión de ‘All You Need is Love’ que podrá gustar a los fans tanto de Katy como de los «Fab 4».
Incluida en la banda sonora de ‘Yellow Submarine’, ‘All You Need is Love’ es una de esas canciones tan populares -tan sobadas diríamos- que casi parecen pertenecer a la naturaleza, como el aire, más que a un grupo de personas. La elección de Katy no podía ser arriesgada tratándose de un asunto solidario, pero su versión indica que el sonido 60s de ‘All You Need is Love’ le sienta como un guante a su voz, hasta el punto de hacer querer más música en su estilo.
Para que las nuevas generaciones escuchen músicas folclóricas o tradicionales basta con que estas sean renovadas mediante un lenguaje que dichas generaciones entiendan. Lo ha comprendido Rosalía, lo ha comprendido C. Tangana, lo han comprendido Maria Arnal i Marcel Bagès, y la ha comprendido también Daniel, Me Estás Matando, el dúo mexicano de «boleroglam» que mezcla bolero (y otras melodías clásicas latinoamericanas) con electrónica. Lo hace sonar efectivamente como nuevo.
Las canciones de Daniel, Me Estás Matando también van lejos en el tiempo. Muchas de ellas, como ‘Diez pasos hacia ti’, suenan como rescatadas de los años 30 (esos coros, esos vientos), y su compromiso con la estética vintage de la época es tal que algunas de las portadas de sus singles, como la de ‘Mirarte’, reproducen las de los carteles de cine de aquellos tiempos. Hasta han publicado un recopilatorio llamado ‘Grandes éxitos del boleroglam, Vol. 1’ y un disco en directo, ‘En vivo desde tu nostalgia’, cuyo título lo dice todo.
El «boleroglam» de Daniel, Me Estás Matando ha conquistado a Mon Laferte, Silvana Estrada o Alex Ferreira, que ha colaborado con el dúo compuesto por Daniel Zepeda e Iván De La Rioja, y también a Niño de Elche, artista invitado en el nuevo single de Daniel, Me Estás Matando, ‘No sabía’, que verá la luz el viernes 29 de octubre de cara a su inminente gira española. El grupo tocará el 6 de noviembre en La Nau de Barcelona, el jueves 11 en el Teatro Lara de Madrid y el 21 en Zaragoza.
Entre las canciones que sonarán en la gira española de Daniel, Me Estás Matando no faltará probablemente su mayor éxito, ‘¿Qué se siente que me gustes tanto?’, que suma más de 18 millones de reproducciones en Spotify; ni el mencionado ‘Diez pasos hacia ti’ ni joyas como ‘Sin ti ni documentación’. Tampoco podrá faltar uno de sus singles más recientes, ‘Lo hice, te dejé’, hoy la Canción Del Día. Es un precioso bolero en el que el dúo lleva su «boleroglam» un paso más allá para hacer convivir la forma del bolero clásico con marcadas texturas electrónicas y vocoders.
Esta semana se ha publicado ‘Blue Banisters’, el nuevo disco de Lana del Rey y el segundo de este año después del lanzamiento del sobresaliente ‘Chemtrails Over the Country Club’.
Más poético y menos pop, ‘Blue Banisters’ no es mejor que su predecesor, pero sí deja de nuevo grandes canciones, a destacar ‘Arcadia‘, que acaba de ser interpretada en la tele, y también curiosidades como ‘Dealer’, un dúo con su amigo Miles Kane en el que ambos cantan sobre la persona que les pasa.
‘Blue Banisters’ será nuestro Disco de la Semana, y ‘Dealer’ es la nueva protagonista de nuestra sección «Veredicto», en la que un redactor se posiciona a favor de la grabación, y otro, en contra. Desde el primer momento, ‘Dealer’ se ha convertido en la grabación más popular de este álbum, y la redacción trata de dilucidar por qué.
A favor de ‘Dealer’ de Lana del Rey
«Extrañamente asociada al sonido trip-hop en sus inicios, Lana del Rey ha entregado al fin una canción que parece producida por Portishead o, como mínimo, cuenta con una base que podría haber sido creada por Geoff Barrow. ‘Dealer’ es una rara avis en la carrera de Lana del Rey, una de sus canciones más teatrales, menos «bonitas». Miles Kane abre el tema aunque no figura como «featuring» oficial, contándonos que no llegaremos a él a través de su «dealer».
Lana del Rey se suma después completamente histérica gritando que «no quiere vivir» en sintonía con aquellas declaraciones para The Guardian sobre su atracción hacia la muerte de las que tanto se arrepintió, y el efecto es medio cómico, medio desgarrado. Seguro que no es la mejor canción de Lana del Rey, ni siquiera es de las mejores de este disco, pero se agradece en el contexto de un álbum contemplativo que estaba a punto de pecar de cierto tono monocorde. ¿Se atreverá a interpretar esta locura de tema en directo? ¿Quién no quiere ver a Lana gritando todo esto?». Sebas E. Alonso.
En contra de ‘Dealer’ de Lana del Rey
«‘Dealer’ desconcierta desde el principio, cuando en los primeros segundos te preguntas por qué le ha cambiado tanto la voz a Lana Del Rey y después te das cuenta de que en realidad quien está cantando es un hombre, en concreto Miles Kane, y de que su contribución vocal está sin acreditar. La colaboración entre Lana y Miles se conoce desde 2017, cuando, en una entrevista, la cantautora comentó que los dos habían estado de risas en el estudio. Ahora se entiende todo: ‘Dealer’ parece una broma hecha por diversión, especialmente ese estribillo gritado que no puede sonar más forzado en su búsqueda de algún tipo de gracia. El sonido noir-jazz de ‘Dealer’ sienta bien a ambos intérpretes, pero la canción no es digna de aparecer en un álbum de estudio de Lana Del Rey». Jordi Bardají
Björk ha realizado las primeras declaraciones sobre su próximo álbum de estudio, confirmando que de hecho existe. La cantante islandesa no ha compartido detalles demasiado específicos sobre el proyecto, que sucederá a ‘Utopia‘, lanzado en 2017, pero sí ha dado una vaga idea de por dónde irán los tiros, y la palabra «clubbing» ha salido por su boca por mucho que cueste creerlo.
En una entrevista, Björk ha dicho que su nuevo disco será perfecto para irse de fiesta desde el salón de casa. El álbum estará dirigido a «la gente gente que improvisa sesiones de club en el salón de su casa, encerrada en su «burbuja navideña», y ha puesto como ejemplo a «un hombre que baila a tope pero después se sienta y se toma otra copa de vino, y cuando llegan las 10 de la noche todo el mundo está ya harto de bailar y vuelve a su casa». Por supuesto, el contexto de la pandemia ha tenido mucho que ver con todo esto.
Pero que la palabra «clubbing» no lleve a engaño porque las nuevas canciones de Björk no serán bailables en el sentido clásico del término. En realidad «se moverán como si fueran virus» y la mayoría «van a unos 80 y 90 beats por minuto porque es el ritmo al que yo camino». Las canciones serán «tranquilas en su primera mitad y tendrán una gran calma en la segunda, pero en el último minuto se irán a la discoteca». ¿Un disco lleno de canciones tipo ‘Crystalline’?
Estos días, Björk se encuentra realizando en Reykjavík los conciertos con orquesta que hubo de posponer por la pandemia. El último, en el que ha contado con la participación de un acordeonista, ha sido este domingo 24 de octubre. En 2022, la autora de ‘Post‘ saldrá de gira de nuevo con el concierto ‘Cornucopia’, y además está por salir la película en la que participa, ‘The Northman’, y en la que interpreta a una «bruja eslava».
En el revival disco abanderado por artistas mainstream como Dua Lipa o The Weeknd ha tenido algo que ver también Purple Disco Machine. Su debut de 2017, ‘Soulmatic’, ya contenía el mini hit ‘Devil in Me’ y, en el último año, el productor y DJ alemán Tino Piontek ha triunfado en las listas europeas con ‘Hypnotized’ con Sophie and the Giants, que se aproxima a los 200 millones de reproducciones en Spotify.
El fantástico italo disco de ‘Hypnotized’ puede ser el mayor hit de ‘Exotica’, solo el segundo trabajo largo de Purple Disco Machine a pesar de que el artista lleva en activo desde 2009, pero no es el único. El público tampoco ha ignorado el pepinazo de ‘Fireworks’ con Moss Kena y The Knocks, uno de esos temas bailables animados por un estribillo infantil que suelen petarlo de vez en cuando; y es solo cuestión de tiempo que el eufórico ‘Dopamine‘ con Eyelar se cuente también entre sus mayores éxitos.
La entretenida secuencia de ‘Exotica’ contiene otros «hits» potenciales que tener en cuenta más allá de los singles. En el álbum, Purple Disco Machine bebe de diversos estilos de música de baile para llevarlos a su terreno basicote pero efectivo. Porque no, ‘Exotica’ ni presenta una visión modernizada de la música disco como ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa ni tampoco la sofistica a la manera de ‘What’s Your Pleasure?‘ de Jessie Ware, pero lo que hace, lo hace muy bien.
En ‘Exotica’, Purple Disco Machine despliega las diversas maneras en que su sonido disco-funk puede sonar relevante en 2021, sobre todo sin tener en cuenta algunos momentos fallidos como el in crescendo de ‘I Remember’ con Elderbrook o los temas góspel. ‘Can’t Get Enough’ es un inicio épico cuyas trompetas nos llevan a la reciente ‘Magic’ de Kylie Minogue; ‘At the Disko’ mezcla alegremente vocoders a lo Daft Punk con una base de piano house que recuerda a Todd Terje y los DJs del Brunch in the City se frotarán las manos antes de pinchar ‘Playbox’, un auténtico trallazo de hi-NRG que samplea a la vez ‘Rock the Box’ de Sylvester y ‘The Player’ de First Choice.
La variedad de sabores disco que presenta ‘Exotica’ supone que el álbum no cae en el tedio o la monotonía. Las campanillas de ‘Don’t Stop’ son todo un acierto; ‘Loneliness’ es el sonido de Giorgio Moroder en la actualidad en un universo paralelo y su final con violines es toda una fantasía; el sample de ‘Void Vision’ de Cyber People en el corte titular es estimulante y los momentos más relajados del disco, como ‘Opposite of Crazy’ con Bloom Twins, también valen la pena.
En el último año, Dua Lipa y Lady Gaga han contado con Purple Disco Machine para remezclar ‘Don’t Start Now’ y ‘Rain on Me’, respectivamente. La pregunta es cuánto tirón puede tener el sonido de Purple Disco Machine de aquí en adelante ahora que ‘Hypnotized’ le ha puesto en el mapa. Las listas nunca están sobradas de música disco y la escucha de ‘Exotica’ demuestra que el artista tiene tablas para reanudar ese «revival» pandémico que, en los últimos meses, ha quedado algo parado.
La banda estadounidense Midlake ha anunciado el lanzamiento de su nuevo disco ‘For the Sake of Bethel Wood’ para el 18 de marzo de 2022. Producido por John Congleton, está inspirado en la localización del Woodstock original, donde el tecladista Jesse Chandler creció, ya que su padre se mudó al lugar tras acudir al festival en 1969.
Han pasado ocho años desde que Midlake sacara su último disco ‘Antiphon’ en 2013, con el que Eric Pulido asumió el papel como vocalista de la banda después de la partida del primer cantante y desde entonces cada uno ha estado con otros proyectos hasta su regreso con ‘Meanwhile…’
‘Meanwhile…’ es “una canción que hace referencia al tiempo que pasó antes de nuestra pausa en 2014 y lo que nos inspiró a reunirnos en 2020”, revela Eric Pulido en un comunicado. Antes de ese parón “estábamos en un lugar insalubre e insostenible que requería un pausa. Después, una visita del padre de Jesse (Dave Chandler, representado en la portada del disco), en un sueño, nos animó a reunirnos de nuevo con la banda. Todos tuvimos nuestras propias experiencias durante el tiempo incierto de separación que culminó en una vuelta en plena forma y lleno de alegría”, confiesa.
Os dejamos el tracklist de ‘For the Sake of Bethel Wood’:
01 Commune
02 Bethel Woods
03 Glistening
04 Exile
05 Feast of Carrion
06 Noble
07 Gone
08 Meanwhile…
09 Dawning
10 The End
11 Of Desire
J Balvin se ha disculpado públicamente a través de sus redes sociales por la polémica del vídeo de ‘Perra’ en el que colabora la rapera Tokischa.
“Quiero ofrecer mis disculpas a todas las personas que se sintieron ofendidas, expresamente las mujeres y la comunidad negra”, así empieza el colombiano su comunicado para después señalar que “lo suyo” “siempre ha sido tolerancia, amor e integración. Así como apoyar a nuevos talentos, en este caso Tokischa, que apoya a su gente, a su comunidad y que empodera a las mujeres”.
Además, confirma que él mismo fue quien eliminó hace ocho días el vídeo de YouTube tras las críticas, aunque estas siguieron y por ello da la cara. Termina sus disculpas dirigiéndose a su madre ya que hasta ella criticó la letra y vídeo de la canción.
La polémica con ‘Perra’ viene de la escena del vídeo en el que Balvin pasea a dos mujeres de ascendencia africana a cuatro patas sujetadas por unas correas mientras canta versos como “Vamo’ a encantarno’ como perro’ viralata / Soy perra callejera con la popola de raza / Te come’ este Purina, vamos pa’ la perrera / Quedémono’ engancha’o en medio de la carretera / ‘Toy en celo, ‘toy en calor / Yo me abro en cuatro pata’, métanme un ventilador / Vamo’ pa’ Colombia, capea blone’ de sabore’ / Pa’ cuando te arrebate’ la leche salga en colore’”. Lo que le valió al cantante un aluvión de críticas por racismo y machismo. Tras las disculpas de J Balvin, el vídeo ha vuelto a publicarse eliminando la controvertida escena.
Aiko El Grupo, es decir, Tere (guitarra y voces), Lara (guitarra y voces), Bárbara (teclado y voces) y Jaime (batería y voces), han sido uno de los fichajes estrella de Elefant durante los últimos tiempos. A finales de 2020 llegaba su mini LP ‘Va Totalmente En Serio…’, en el que brillaban temas con la pegada de ‘A mí ya me iba mal de antes’, ‘Si me conoces tanto, ¿por qué me haces sufrir?’ o ‘Amigos para nunca (confía y te la lían)’. A la espera de que llegue nueva música, son los invitados de Meister of the Week, la sección comisariada por Jägermusic en la que los artistas hablan de una pasión oculta ajena a su música. Han escogido la cocina en general, y a Alberto Chicote en particular.
¿Por qué habéis elegido hablar de cocina en esta sección?
Porque a todas nos encanta comer, todas somos cocinitas, y comemos juntas la mitad de los días del año, y porque el tema de Los Simpson nos lo quitaron Camellos.
¿Vuestro interés por la cocina viene de la moda televisiva de Masterchef, Top Chef, etcétera o viene de antes?
En general ya nos venía de antes a todas, a Tere desde que es vegeta y Jaime sí que vicia mucho al Canal Cocina, especial mención a Los Fogones Tradicionales, donde señoras de cien años o más cocinan en la chimenea de sus casas.
Si las habéis visto, ¿cuál ha sido vuestra edición favorita de todas las de Masterchef/TopChef/Celebrity/Junior?
A nosotras lo que nos gusta es Chicote.
¿Qué os mola tanto de él? ¿Echáis de menos Top Chef o sois más de Pesadilla en la Cocina?
Pesadilla en la cocina, claro. Lo mejor del programa es que sale gente desquiciada y siempre hay follón, porque Chicote saca lo peor de la gente. Chicote se vuelve loco también y ahí está loco todo el mundo.
Chicote saca lo peor de la gente. Chicote se vuelve loco también y ahí está loco todo el mundo
Pesadilla en la cocina es genial y ha dejado programas muy míticos, como el de EL ELE, que terminó con una guitarra en el agua, o aquella mujer que se sentaba con los comensales peda perdida. ¿Hay alguno que recordéis como mítico?
El mejor es el de La Generación del 27, el de Estefanía “La Mejor Cocinera del Mundo”, es buenísimo. Lara dice también que hay uno en Cantabria en el que la cocinera vomita su propio plato.
En verdad el programa tiene una estructura muy similar todas las semanas: Chicote llega a un restaurante que es un desastre, el restaurante toca fondo en la noche de servicio, luego está la remodelación y el final feliz. ¿Por qué creéis que una cosa tan guionizada y preparada ha funcionado tan bien?
Cada programa tiene matices únicos. Salen buenos personajes, que desquician a Chicote y también él los desquicia a ellos. Uno de nuestros momentos favoritos de todo programa es cuando Chicote mete la mano detrás de la campana extractora y saca
el “chocolatito”, eso también pasa siempre. Al final, todo se arregla con la magia del chef, y te vas a la cama con una sonrisa.
¿Habéis ido por casualidad a alguno de los restaurantes que salen en el programa o al de Chicote? Yo estuve en uno ruso de Madrid que salió en «Pesadilla» , pero antes de que saliera en el programa, y recuerdo irme porque no nos atendían.
No no, ni de coña.
¿Creéis que el programa sirve realmente para mejorar estos restaurantes abocados a la catástrofe o es solo diversión/publicidad?
Creemos que es simplemente un show televisivo con fines de entretenimiento. A la mitad de los dueños les reforman gratis el restaurante y así pueden venderlo.
¿Cuál es vuestro/s plato/s estrella/s cuando quedáis a cocinar? O por separado…
Cuando quedamos solemos hacer risotto, pizzas y cosas al horno, macarrones con soja… En estos casos dirige la cocina Barabarala (Bárbara L.A.). En lo personal, Tere tiene dominados los sándwiches, Jaime hace croquetas y Lara hace purrusalda, que es una cosa con puerro que le gusta.
Una vez le echamos mayo-ketchup a unas espinacas porque oímos hablar a Bad Bunny del mayo-ketchup pero no estuvo bueno
¿Y aquellos que no se os termina de dar bien? ¿Algún desastre que recordéis?
A Tere hace poco se le cortó el beilis (Bayleys) por mezclarlo con Trina de manzana, también una vez le echamos mayo-ketchup a unas espinacas porque oímos hablar a Bad Bunny del mayo-ketchup pero no estuvo bueno.
Tenéis un tema llamado ‘Truchita’ que en realidad no habla de cocinar trucha, pero luego está ‘Arroz con ketchup’, que no suena como una receta muy suculenta. ¿Alguna otra incursión culinario-musical en mente?
El arroz blanco recién sacado de la nevera y aliñado con kétchup es una delicia, dice Teresa, porque es fácil de hacer y son sabores que casan bien, dice. De momento otra canción no, pero ya veremos, que como se suele decir nunca se sabe por dónde te viene la inspiración.
Samantha Hudson tiene una canción de amor para Chicote llamada ‘Chicote’. Igual se os ha adelantado. ¿Os animaríais con una versión?
La verdad es que ya hemos versionado la canción de Samantha en el local. Amor frito con pimientos para todas.
Más allá de la polémica del deán de la catedral de Toledo –entre el cartel de Zahara y esto parece que hemos vuelto a los tiempos de Luis Buñuel-, el último videoclip de C. Tangana con Nathy Peluso tiene varias claves visuales interesantes que reseñar, la mayoría referentes a obras de arte sobre temas bíblicos y mitólogos.
La primera es el mural del Juicio Final de Juan de Borgoña, que está en la sala capitular de la catedral. Antón Álvarez (el propio cantante ha dirigido el clip) utiliza un detalle de este mural -la mujer sujetada del pelo por un demonio para impedir su salvación- como referencia visual para articular el discurso del vídeo. Este gesto, emulado por Tangana y Peluso en su “dirty dancing”, es el que desencadena el linchamiento público. Una hoguera de intolerancia que se extiende, a través de un montaje multipantalla, por los dos canales donde se avivan este tipo de fuegos en la actualidad: las redes sociales (María Pombo, Marta Díaz, Brays Efe, Carla Paucar, Los Xavales) y las tertulias televisivas (Josep Pedrerol, Elisabeth Duval, Cayetana Guillén Cuervo, Miranda Makaroff).
Pero hay más. Tangana viste una camiseta con un estampado del cuadro ‘Dafnis y Cloe’, del pintor rococó Francois Boucher, protegido de Madame de Pompadour. Una pintura de estilo galante y tema pastoril (los protagonistas de la obra, del autor griego Longo, son un niño y una niña que crecen juntos tras ser abandonados y terminarán enamorándose), que contrasta con la otra referencia destacada del clip: la reformulación #Metoo del mito de Perseo y la medusa según la estatua de Luciano Garbati erigida frente al Tribunal Penal de Justicia de Nueva York. La medusa (Peluso) sujetando la cabeza cortada de Perseo (Tangana).
Tove Styrke acaba de publicar nuevo single, el segundo del año sin contar ‘All Things $ Can Do’, su colaboración con Cheat Codes y Travis Barker incluida en el disco de los primeros. Primero llegó ‘Mood Swings‘, que supuso una pequeña decepción para cualquiera que disfrutara con las joyas de electropop moderno que conformaban ‘Sway‘, el mini disco de Tove de 2018; pero el segundo ha vuelto a resultar una grata sorpresa y hoy es la Canción Del Día.
‘Start Walking’ es, de primeras, otra de esas canciones hijas del exitazo de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd, como ‘Nuestro nombre’ de Natalia Lacunza, pero también es una composición emocionante por cuenta propia que nos habla de lo difícil que es dar el paso antes de una ruptura. «Nos da miedo defraudarnos el uno al otro, pero si rompo las cadenas ahora, puede que me lo agradezcas más adelante» o «nadie quiere decir las palabras, nos agarramos a la nada, pero aquí nadie habla, solo observamos el problema» son algunas de las frases que canta Tove antes de decidirse a abandonar la relación.
El sonido ochentero de ‘Start Walking’, como iluminado por mil luces de neón, sienta como un guante a Tove Styrke y hay que atribuirlo, en parte, a Lostboy, productor británico que ha trabajado con gente como Little Mix, Rita Ora o Anne-Marie. Quien busque en ‘Start Walking’ una de esas producciones burbujeantes y creativas que abundaban en ‘Sway’ o incluso en parte de ‘Kiddo‘ quedará decepcionado, pero quien se deje conquistar por su nostálgico sonido 80s y bailongo ritmo probablemente la tendrá en bucle.
Menos 80s y más 70s es el fantástico videoclip de ‘Start Walking’. El vídeo está inspirado en las «dansband» suecas, «bandas» de rock «cheesy» que se popularizaron en Suecia durante los 70 y que tocaban canciones que se podían bailar, normalmente en pareja. El padre de Tove formó parte de una de esas bandas, Max Fenders, y la actuación que adjuntamos ha inspirado dicho videoclip, que viene con sorpresa final. «No podía creer que este vídeo no existiera así que he tenido que hacerlo», ha dicho Tove.
