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Efterklang se acercan al pop con ‘Living Other Lives’, inspirada en Instagram

Por
Jordi Bardají
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Efterklang han anunciado que su nuevo disco ‘Windflowers’ sale el 8 de octubre. Será su primer lanzamiento en el sello City Slang, casa de José González, Caribou o Noga Erez, y su primer adelanto es sorprendente. Es la Canción Del Día.

El trío danés formado por Mads Brauer, Rasmus Stolberg y Casper Clausen es conocido por su sonido de chamber pop electrónico y preciosista, expuesto en buenos discos como ‘Parades’, o por el más folk de su anterior obra; pero ‘Living Other Lives’ presenta novedades respecto a lo que ha solido hacer.

El tema busca una grandiosidad épica, hasta el punto de que su introducción dura 1 minuto, y se basa en un marcado compás de ritmo programado que suena vagamente breakbeat. El grupo acompaña esta base con ritmos de guitarra acústica y otras melodías de guitarra, flauta o sintetizador para crear un tapiz muy rico de sonidos donde cabe lo bucólico con lo espacial, mientras la melodía vocal es 100% Bon Iver aunque no haya sido intencionado. Por momentos da la sensación de que los Coldplay de ‘Viva La Vida’ podrían haber hecho una canción así. El videoclip ha sido rodado en la isla danesa de Møn, al sur del país, con una vieja cámara de 16mm rusa.

Si el álbum habla sobre «existir, solos o juntos en la naturaleza» y «sobre reconectar y dejarnos crecer los unos a los otros», ‘Living Other Lives’ lo hace desde una perspectiva muy actual. Cuenta Clausen que ‘Living Other Lives’ nació cuando trasteaba con un 404 sampler mientras navegaba a través de Instagram, lo cual le hizo reflexionar sobre esta red social y su rol en el mundo de hoy. «La imaginación salta de un lugar a otro, de una vida a otra. Me vuelvo a encontrar conmigo mismo, me actualizo a mí mismo, absolutamente exento de cuerpo, mientras navego por la red…. Es un mundo fascinante el que estamos viviendo, es tan simbiótico, todos sabemos lo que los demás están haciendo… Siento que estoy viviendo múltiples vidas al mismo tiempo, que estoy observando a esta gente expresarse y cambiarse a sí mismas desde tan lejos pero a la vez en el mismo planeta».

01) Alien Arms
02) Beautiful Eclipse
03) Hold Me Close When You Can
04) Lady Of The Rocks
05) Dragonfly
06) Living Other Lives
07) Mindless Center
08) House On A Feather
09) Åbent Sår (Feat. The Field)

‘Destello bravío’: señoras de pueblo que están “hasta el coño”

Por
Joric
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En 2005 se estrenó ‘El cielo gira’. El premiadísimo debut de Mercedes Álvarez llamó la atención por dos aspectos: su mezcla, muy libre y porosa, de ficción y documental; y su mirada, poética y antropológica, a lo que ahora se llama la España vaciada. A través de la senda abierta por esta película llegaron muchas otras. De repente, todos los festivales tenían su documental sobre la vida rural. La España vaciada se llenó de aspirantes a directores preguntando cosas a los lugareños y haciendo planos “artísticos” de las casuchas de los pueblos. La mayoría eran bastante intrascendentes y pretenciosos. Pero hubo excepciones: ‘El somni’ (2008), ‘No todo es vigilia’ (2014), las películas de Ramón Lluís Bande (‘Vida vaquera’, ‘El nome de los árboles’, ‘Equí y n’otru tiempu’)…

‘Destello bravío’ no es un documental sobre la España despoblada, pero sí recoge parte de esa tradición. Su directora, la también debutante Ainhoa Rodríguez, hizo como Mercedes Álvarez en el pueblo soriano de Aldeamayor: estuvo varios meses en Tierra de Barros ganándose la confianza de los vecinos y empapándose de la vida de esa comarca pacense. Y su periplo festivalero ha sido casi idéntico: estreno en Rotterdam, y luego en Málaga, donde se ha llevado el premio del jurado y el de mejor montaje.

Sin embargo, la mirada de Ainhoa Rodríguez es muy diferente a la de Álvarez. ‘Destello bravío’ documenta la España vacía conservando parte de esa herencia formal observacional: planos fijos, atención a las texturas lumínicas y sonoras del paisaje y el paisanaje, utilización de actores no profesionales… Pero incluye otros elementos, otros “destellos” además del realismo “bravío”, que la convierten en una película enormemente singular.

Por un lado, la directora utiliza un costumbrismo irónico, extravagante y feminista que recuerda –aunque no sea tan tronchante- a las películas de ‘Carmina’ de Paco León. Por otro, un suspense de ecos lynchianos que no acaba de funcionar. La directora siembra un misterio, lo riega con sonidos extraños, planos inquietantes y una atmósfera amenazante, donde parece que va a suceder un hecho trágico -otro Puerto Hurraco u otra “manada”-, pero no termina de florecer. Acaba resultando algo impostado.

En cambio, hay un tercer elemento mucho más interesante. Rodríguez aplica una mirada surrealista a la película que rotura como un tractor el sustrato naturalista de este tipo de propuestas y lo emparenta con el cine de Luis Buñuel. De hecho, la secuencia más celebrada de la película, aquella en la que un grupo de señoras experimentan una orgía etílica y bollera (de bollos), una catarsis donde se libera el deseo sexual reprimido (“una oda al autoplacer de la mujer madura”, según su directora), es plenamente buñueliana.

Esta secuencia resume las características de ‘Destello bravío’: un gazpacho con fondo tradicional, al que le han añadido ingredientes y técnicas “de autor” como el humor esquinado, el naturalismo onírico, la denuncia feminista y los planos estáticos, como estampas, del cine de vanguardia. No sabe a gloria, pero está rico.

Justicia para ‘Justicia universal’: el «documental» de Dorian en Youtube

Por
Sebas E. Alonso
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Dorian son un grupo con suerte: pudieron terminar su gira mundial, que recorrió España y varios países de América, a finales de 2019. En 2020 tenían programados los típicos conciertos de transición entre disco y disco (algún festival, algún evento aislado), que tuvieron que cancelarse debido-a-la-pandemia, pero eso no es lo que se nos cuenta en este documental sobre la banda que se ha compartido en Vevo, Tidal y aparecerá próximamente en Filmin.

Lo que vemos en este nuevo ‘Justicia universal’ es una recopilación de actuaciones durante dicha gira, grabadas en distintos escenarios del mundo, del Low Festival a México pasando por Razzmatazz en Barcelona y un largo etcétera. Hay una querencia excesiva en la industria musical actual por llamar «documental» a lo que es básicamente un concierto, lo cual va en perjuicio del proyecto por las expectativas que genera en el público. Por otro lado, es una gozada que cada vez sea más habitual tener la posibilidad de ver la gira de tu banda favorita, convenientemente editada (a menudo con el audio sobreproducido, es la moda), en plataformas como Netflix, Amazon o en este caso Youtube. Es el antiguo DVD. A falta de lugar donde meter estos, el formato es más que bienvenido.

En ‘Justicia universal en directo’ vemos a Dorian ensayando armonías en el camerino, respondiendo entrevistas revueltas por aquí y por allá, pero nunca revelando demasiado sobre sí mismos. Parcos en su propio sentir y respecto a su intimidad, lo que se ve de su vida privada (ese lugar en el que viven) o sus pensamientos personales (su opinión política) son meras pinceladas en este documento: a nadie sorprende que a Marc Gili normalmente le veamos en penumbra sobre el escenario, adoptando la escena oscura de grupos del post-punk y el movimiento neorromántico que tanto les ha influido en cuanto a estética.

Lo que no se contradice con la explosión de alegría, confetis y guirnaldas que suelen llenar sus conciertos. En este documento no se han dejado a un lado esas explosiones colectivas de energía que representan en vivo sus hits ‘Cualquier otra parte’ y ‘La tormenta de arena’, que suma ya 50 millones de reproducciones en Spotify (!!), si bien este documental sirve sobre todo para reivindicar lo sólido que era su último disco ‘Justicia universal’, realmente el más completo y mejor de toda su carrera.

Este documental de algo más de 1 hora de duración se corresponde con la interpretación de muchos de estos temas: la tarareable y casi Western ‘Noches blancas’, ‘Hasta que caiga el sol’, ‘Duele’ -a la postre la canción más escuchada de ese álbum-, ‘Vicios y defectos’, ‘Buenas intenciones’ junto a Nita de Fuel Fandango, ‘La isla’ o lo infravalorada que ha quedado la final ‘Cometas’ convierten este show en el perfecto para poner en la tele cuando tus amigos vienen a tomar algo a casa. Representa, de momento, el recuerdo de lo que fueron los conciertos masivos, los festivales, la gente subida a hombros y la comunión entre banda y público. Está además dedicado a la memoria de Ernesto González, un detalle que la industria musical solo puede agradecer.

Taylor Swift anuncia su siguiente disco regrabado: así será el nuevo ‘RED’

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Sebas E. Alonso
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Demostrando que la regrabación de sus viejos álbumes tras haber perdido los derechos de los mismos va completamente en serio, Taylor Swift ha desvelado cuál va a ser el siguiente de la lista. Tras la nueva versión de ‘Fearless’ que se ha editado este año, el siguiente será ‘Red’.

‘Red’ fue el disco que supuso un gran punto de inflexión de la cantante de country hacia el pop gracias a la pegada de singles como ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, que incluimos entre las 20 mejores canciones de 2012, o ‘I Knew You Were Trouble’.

Si el disco original tenía 16 pistas (22 en la edición deluxe), la nueva edición llegará hasta las 30 con una pista de 10 minutos, y verá la luz el 19 de noviembre. Así lo explica en un largo post de Instagram en el que recuerda la temática de ruptura del disco e indica que los extra serán lógicamente canciones de aquellas sesiones.

Japanese Breakfast / Jubilee

Por
Jordi Bardají
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Dice el mito que los terceros discos son difíciles, pero Japanese Breakfast ha aprovechado la creación de ‘Jubilee’ para reinventarse. Sus dos primeros trabajos, ‘Psychopomp’ y ‘Safe Sounds from Another Planet’, versaban en gran medida sobre la muerte de su madre y se anclaban en un sonido de indie-rock, shoegaze y dream-pop melancólico por el que, de vez en cuando, asomaban otros estilos. ‘Jubilee’ no abandona radicalmente estos géneros pero sí los pasa por un prisma más positivo a la vez que se abre a sonidos más luminosos y, en definitiva, novedosos para la artista.

Ha contado Michelle Zauner que «después de pasarme los últimos cinco años cantando sobre la pérdida de un ser querido, quería que mi siguiente trabajo hablara sobre la alegría», que fuera un trabajo «bombástico» en el que «volver a vivir la pura alegría de la creación». Para ello, Zauner recuperó sus apuntes de teoría musical para mejorar su habilidad en la disciplina y así crear un álbum que se equiparara con sus ambiciones actuales. Ninguna canción de ‘Jubilee’ representa esta realidad mejor que ‘Paprika’, una oda a la creación musical misma tan llena de trompetas y redobles que parece una canción de Beirut. Y eso, en este caso, es un cumplido.

A partir de esta pista, ‘Jubilee’ discurre por senderos de lo más dispares. ‘Kokomo, IN’, que habla sobre vivir un amor a distancia, es una canción absolutamente encantadora cuyos arreglos de pop barroco y pinceladas de country-pop no desentonarían en el repertorio de Elefant; el single ‘Savage Good Boy’, en el que Zauner declara que iría con su persona amada hasta el fin del mundo, en concreto hasta el interior de un búnker en el que subsistir con «comida congelada», se mueve entre el vocoder de Bon Iver y el lo-fi pop nervioso de The Microphones; y para sorpresa la que ha dado el también single ‘Be Sweet’, todo un hitazo 80s, muy Blondie, en el que Zauner descarga toda la euforia que se había reservado en los álbumes anteriores.

Si en Michalle Zauner hay una diva 80s como lo era también Kristin Kontrol de las Dum Dum Girls, ‘Jubilee’ desde luego no es el disco que lo confirma. Su ambición pasa por no casarse con ningún estilo. La bailable ‘Slide Tackle’ también incorpora sintetizadores -además de trompetas- pero lo hace para sonar como una canción de Pheonix o su inspiración reconocida, Future Islands. La atmosférica ‘Posing in Bondage’, que no va sobre BDSM sino sobre anhelar desesperadamente una «conexión» que parece imposible, tiene un poso de electrónica sueca, a lo Fever Ray o iamamiwhoami, y el álbum decide acabarse con ‘Posing for Cars’, una balada acústica que empieza en plan Waxahatchee para desahogarse en un crescendo de shoegaze-pop muy gratificante.

A pesar de lo vibrante que suena ‘Jubilee’ y todos los estilos que toca, sus pistas permanecen agridulces. Dice Zauner que «las canciones tratan de recordar el optimismo de la juventud y de aplicarlo a la edad adulta», lo cual implica «tomar decisiones difíciles, luchar contra impulsos ignominiosos y afrontar la lucha constante que tenemos con nosotros mismos para ser mejores personas». ‘In Hell’ recuerda el sacrificio de su perro y, en ‘Tactics’, muy Randy Newman como la autora ha indicado, Zauner parece comentar su complicada relación con su padre. Al hablarnos no solo de la muerte sino también de la soledad y, sobre todo, de lo que implica madurar más temprano de lo que esperabas, Japanese Breakfast nos deja una lección muy valiosa en ‘Jubilee’, la de aprender a encontrar la luz.

Samantha Hudson y La Prohibida vencen al «muermo» con su single ultracamp

Por
Jordi Bardají
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Samantha Hudson estrena hoy single con varios reclamos: por un lado, ‘Disco Jet Lag’ cuenta con La Prohibida como artista invitada, aunque el resultado es más bien un dueto que una colaboración anecdótica. Por el otro, el tema ha sido producido por Chentsa Tseng, más conocido por todos por el alias de PUTOCHINOMARICÓN.

Lanzada de cara a la celebración del Orgullo, ‘Disco Jet Lag’ es una producción discotequera que recuerda a ‘I Feel Love’ de Donna Summer pero pasada por un filtro más future disco y acid house. La canción es camp a rabiar y está dedicada a la pista de baile, a esa desesperación por pisar una discoteca que se ha sentido durante la pandemia, pero también al hecho de entregarse a ella. Mientras a Samantha Hudson le vuela la cabeza, La Prohibida te invita al «núcleo de la pista». Ambas sienten el «frenesí» porque están «nacidas para el placer».

Jordi Cruz, compañero de Samantha Hudson en su podcast de Netflix, aparece en el vídeo de ‘Disco Jet Lag’ como presentador de un telediario atento a la noticia de un posible fin al «virus» del aburrimiento. El vídeo es un desfile de «looks» imposibles que tiene lugar en un «disco bunker» futurista en el que Hudson y La Prohibida terminan electrocutadas y con sobredosis de hedonismo.

La nota de prensa oficial explica así ‘Disco Jet Lag’: «Dos generaciones de transformismo y vanguardia destiladas en una obra ambiciosa a la par que pegadiza. Disco Jet Lag es un híbrido perfecto entre homenaje y crítica sin pretensiones al mundo de la noche y la cultura del club, los cuáles se han visto realmente afectados por la reciente pandemia de la Covid-19. Erotismo, abatimiento y frenesí son los pilares que conforman la narrativa de esta oda triste en clave de fiesta, perfectamente retratada en su correspondiente videoclip, dirigido por Fran Granada y acompasado por múltiples cameos de diversas artistas drag contemporáneas».

El texto concluye que ‘Disco Jet Lag’ es «un relato eurítmico que nos traslada la congoja de un universo agridulce e histriónico, castigado por la situación sanitaria actual y atenazado por dos sentimientos que se riñen en la pista de baile: no poder más con tu vida y querer extender la diversión hasta el infinito».

‘Disco Jet Lag’ es la primera producción vinculada a La Prohibida desde que en 2019 lanzara su estupendo álbum ‘Ruido‘, más italo disco. Por parte de Samantha Hudson, hace poco publicó el sencillo ‘Dulce y bautizada’ también producido por PUTOCHINOMARICÓN. Este ha colaborado recientemente con otros artistas como Rakky Ripper o Delaporte y actualmente trabaja en su próximo proyecto musical.

Tove Styrke deja con ganas de más en su single de regreso

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Jordi Bardají
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Entre los regresos destacados que ha dejado este viernes la playlist de novedades se encuentra el de la cantante de pop sueca Tove Styrke, que ha estrenado su primer single oficial en varios años, llamado ‘Mood Swings’ y producido por Cristoph Anderson y Noah Conrad.

Fue en 2017 cuando Styrke sorprendió con la fresquísima ‘Say My Name’, una de las mejores canciones de aquel año. Hubo de llegar 2018 para que la artista, que se diera a conocer en un talent sueco, lanzara el álbum ‘Sway’ que la incluía, un trabajo de electropop minimalista que pasó injustamente desapercibido, pero que logró crear un pequeño culto a su alrededor gracias también a joyas como ‘Mistakes’, ‘On the Low’, la titular ‘Sway’ o una versión de ‘Liability’ de Lorde que podía ser mejor que la original.

‘Mood Swings’ trae una noticia buena y otra mala. La buena es que es una solvente producción de trap-pop que no desentonaría entre los hits del top 40 de Spotify USA. Además, el precioso registro vocal de Tove, medio aniñado y cautivador en su registro arrastrado, no se ha ido a ninguna parte y sigue siendo de lo mejor de la grabación. Lo malo es que la frescura de ‘Sway’ sí se ha ido a alguna parte, en concreto a Mordor en esta producción comercialota que podría ser de cualquiera.

Tampoco suena Tove especialmente convincente en ‘Mood Swings’ cuando canta literalmente «I’m a savage» como si fuera Megan Thee Stallion… y luego «I’m a bad bitch» como si fuera, pues también Megan Thee Stallion, en esta canción que por lo menos nos deja claro que la artista «contiene multitudes». El vídeo juega con el significado de su título presentando a varios personajes de lo más dispares. Es un buen añadido para esta buena canción que, no obstante, no es de lo más interesante que Tove ha publicado.

Mabel te lleva a la discoteca con su nuevo himno de house-pop

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Jordi Bardají
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Mabel ha vuelto con un nuevo single llamado ‘Let Them Know’ que ha sido 100% escrito para las discotecas (bueno, quizá en un 70%, el resto para las playlists y la radio). Es un corte de house-pop con espíritu de himno que se lo debe todo a uno de esos estribillos más grandes que la vida diseñados para hacerte volar, como dirían Fangoria. ¿Lo malo? El tema dura solo 2 minutos y medio, cuando en otra época habría durado el doble y pedido a gritos remixes a tutiplén.

‘Let Them Know’ ha sido co-escrito y co-producido por SG Lewis, uno de los productores electrónicos de moda después de su trabajo propio o de sus colaboraciones con Robyn, Dua Lipa, MØ o Jessie Ware; y la cantante y compositora RAYE, quien tras lanzar el EP ‘Euphoric Sad Songs‘ acaba de arrasar en las listas británicas con ‘BED’ junto a Joel Carry y David Guetta.

Previamente al lanzamiento de ‘Let Them Know, Mabel ha contado que, en los últimos tiempos, ha aprendido a aceptar que ella «es suficiente» y que lo vale después de un largo periodo de sentirse muy insegura como estrella del pop en una industria tan competitiva; y ‘Let Them Know’ busca ser un himno de empoderación para su audiencia. Su letra incluye ya una referencia a Doja Cat así como a una conocida marca de refrescos azucarados o a un personaje de ‘Juego de tronos’.

La autora de ‘High Expectations‘, hija de Neneh Cherry, aparca definitivamente el sonido dancehall-pop de su mayor éxito hasta la fecha, ‘Don’t Call Me Up’, en este ‘Let Them Know’ que queda mucho más cerca de su single con Tiësto lanzado el año pasado, ‘God is a Dancer’. Es el primer adelanto de un álbum que llevaría por título ‘About Last Night’, como parece dejar entrever su videoclip.

Lola Indigo estrena el vídeo pop de ‘CULO’ y detalla su disco ‘La Niña’

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Jordi Bardají
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Lola Indigo estrena hoy ‘CULO’, el enésimo adelanto de su nuevo disco ‘La Niña’. Se trata de una colaboración con el rapero argentino KHEA que suena más en la línea R&B-pop de ‘Mala Cara’ que en la de reggaetón de ‘CALLE’. El vídeo es ultrapop y profundiza en la estética rosa / Barbie de toda esta nueva era para mostrarnos a Mimi Doblas cenando la cabeza de su ex, dentro de una cárcel o vestida de científica en un laboratorio. ‘CULO’ es una de las novedades que puedes escuchar en nuestra playlist actualizada.

La artista había confirmado que su nuevo disco ‘La Niña’ sale el 2 de julio. Es imposible no pensar en la influencia de ‘El Madrileño‘ con ese título que revela una especie de nueva identidad de Mimi Doblas y que además incluye la letra ñ, pero la artista no ha dejado de recordar que lleva 2 años trabajando en este proyecto y está claro que va a ser muy diferente, como se puede deducir de los sencillos que se han lanzado hasta el momento y del tracklist, ya disponible.

La secuencia de pistas de ‘La Niña’ se compone de 15 temas, 15 «temazos del verano» según ha llegado a Doblas en un stories, muchos de los cuales ya se conocen. Están ‘4 besos‘ con Rauw Alejandro y Lalo Ebratt, lanzado en marzo del año pasado, y ‘Lola Bunny‘ con Don Patricio, lanzado hace dos veranos, aunque estos cierran el largo a modo de «bonus tracks»; y también los recientes singles ‘Spice Girls‘, ‘CALLE‘ con Guaynaa y Cauty y ‘Mala Cara‘, aquel tema co-escrito por Sen Senra y producido por Alizzz que ha pasado algo desapercibido.

La sorpresa que da ‘La Niña’, aparte de que Mala Rodríguez volverá a aparecer en otro disco de Lola Indigo después de triunfar con ‘Mujer bruja‘, en un corte llamado ‘Nada a nadie’ (como apunte, La Mala ya tenía una canción llamada ‘La Niña‘), es que ‘Santería‘ con Danna Paola y Dennis Rosenthal no forma parte de la secuencia a pesar de que es el mayor éxito logrado por Lola Indigo en los últimos tiempos: un tema lanzado en plena pandemia -el pasado mes de agosto- que supera los 40 millones de reproducciones en Spotify. El sucesor de ‘Akelarre‘ contará también con colaboraciones de Roy Borland, autor de ‘ESPESSO‘ o el cantante de trap argentino Khea, entre otras.

RFTW: Kali Uchis, Polo & Pan, Cola Boyy, Sally Shapiro, La La Love You…

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Jordi Bardají
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Este viernes 17 de junio sale el esperado nuevo disco de Kings of Convenience, el primero en 12 años. También ve la luz el álbum debut de la cantante estadounidense de R&B H.E.R. La artista ha ganado Grammys y hasta un Oscar pero todavía no había publicado su primer disco. Otros artistas que lanzan álbum este viernes son Mikky Blanco y El Buen Hijo, entre otros.

Desde ya es posible escuchar el nuevo hit para las discotecas de Mabel, así como el esperado nuevo single de la cantante sueca Tove Styrke y un dueto de Samantha Hudson y La Prohibida producido por PUTOCHINOMARICÓN. Otra colaboración sorprendente: Annie une fuerzas con Jake Shears de Scissor Sisters para un tema llamado ‘Neon Nights’. En un estilo similar vuelve Sally Shapiro. También hay temas nuevos de Polo & Pan, Lola Indigo con Khea, Adiós Amores, Natalie Imbruglia, DaBaby, Kamasi Washington, El petit de cal eril, Emilia y Pablo o Floridablanca.

Entre las canciones que han salido a lo largo de los últimos días hemos destacado lo nuevo de Izal y también los singles con los que Parcels, Tyler, the Creator y BANKS presentan sus próximos lanzamientos. Atención al interesante nuevo single de Efterklang, con el que la banda danesa se estrena en el sello City Slang. Especialmente sorprendente ha sido la colaboración de The Killers y Bruce Springsteen, y también han seguido avanzando sus álbumes TORRES, Liars o The Go! Team.

En la playlist de novedades que avanzamos ya también puedes escuchar lo nuevo de Aldous Harding, Little Simz, Yves Tumor o La Luz, así como nuevas propuestas de Emotional Oranges, The Body con BIG|BRAVE o koleżanka.

Tyler, the Creator publica su disco el viernes que viene y estrena ‘LUMBERJACK’

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Jordi Bardají
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Tyler, the Creator ha estrenado ‘LUMBERJACK’, el primer single de su esperado nuevo disco, que el rapero presentará el año que viene en Primavera Sound y se titulará ‘CALL ME IF YOU GET LOST’, frase que aparece en el vídeo de esta nueva canción. El disco sale tan pronto como el viernes que viene, 25 de junio.

Sin depender de un gancho melódico de viejo soul como el excelente single ‘BOY IS A GUN*’, de sonido psicotrópico a su vez, ‘LUMBERJACK’ apuesta por una composición desquiciada e impredecible por momentos, así como por un beat más duro e intoxicado que recuerda al hip-hop más grimoso de la vieja escuela pero también a las producciones opresivas de gente como Yves Tumor.

En el tema, Tyler saluda a su madre, a su padre y a sus ancestros y presume de riqueza y de ser capaz de «agotar» conciertos al contrario que sus rivales. De hecho, el título de ‘LUMBERJACK’ («leñador») se debe a que Tyler juega con las palabras homónimas «wood» y «would» para usar la expresión «I wish a nigga would race» con la que desafía a sus contrincantes a igualar su éxito.

Por otro lado, Tyler sigue apegado a la estética retro-pastel de ‘IGOR‘ en el vídeo de esta canción, que dura un minuto menos que la grabación original y en el que se le ve hablando por teléfono, subido sobre una montaña de maletas o enfrentándose a una tormenta de nieve sin perder la elegancia, todo dentro de una ambientación tipo años 30 o 40. Antes, el artista ya había publicado el adelanto de otro tema llamado ‘SIDE STREET’, cuyo visual guarda una estética parecida.

Diana Ross anuncia disco de material inédito, con Jack Antonoff entre los colaboradores

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Jordi Bardají
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Diana Ross ha anunciado su primer álbum de estudio en 15 años, que a su vez es el primero de material inédito en más tiempo, pues el anterior era de versiones. ‘Thank You’ sale en otoño y ha contado con la colaboración de, entre otros, Jack Antonoff, que entre producir nuevos trabajos de Taylor Swift, Lorde, Lana Del Rey o Clairo, además del suyo propio bajo el alias de Bleachers, que sale el 30 de julio, ha encontrado el tiempo de involucrarse en el nuevo trabajo de la ex Supreme.

No se acaban aquí las colaboraciones interesantes en el disco de Diana: el colorido corte titular, que ya puede escucharse, ha sido producido por Troy Miller, conocido por su trabajo con gente como Emeli Sandé o Laura Mvula, de cuyo nuevo single hablamos justamente hoy en estas páginas; y su composición ha contado, además con Diana, con Amy Wadge, conocida colaboradora de Ed Sheeran. En realidad, ‘Thank You’ es una cálida y, ejem, agradecida producción de disco-soul que Diana podría haber lanzado en los años 80, y que desprende un buen rollo embriagador.

A sus 77 años, Diana es la última superviviente de la formación original de las Supremes, ya que Mary Wilson falleció hace unos meses. Por supuesto, con ‘Thank You’ Diana pretende dar las gracias a la audiencia por el apoyo que le ha brindado a lo largo de su dilatada trayectoria y, en una nota de prensa, se ha mostrado agradecida por «haber podido grabar esta gloriosa música en este momento», indicando que el álbum es una expresión de «su voz y de su corazón».

01 Thank You
02 If The World Just Danced
03 All Is Well
04 In Your Heart
05 Just In Case
06 The Answers Always Love
07 Let’s Do It
08 I Still Believe
09 Count On Me
10 Tomorrow
11 Beautiful Love
12 Time To Call
13 Come Together

Kings of Convenience / Peace or Love

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Sebas E. Alonso
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Kings of Convenience publican su primer disco en 12 años, volviendo justo en el punto donde se quedaron. Inmunes al huracán de modas que hemos visto nacer, crecer y en algunos casos morir entre 2010 y 2020, el dúo formado por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe sigue fiel a su espíritu: dos voces y dos guitarras, con algún ornamento por aquí y por allá, pero muy escaso. Su única ansiedad en esta nueva entrega, llamada ‘Peace or Love’ siguiendo su gusto por la paradoja, como si fuera imposible tener ambos, ha sido mantener la frescura de las tomas en vivo, la magia de las primeras aproximaciones a una composición, seguir resultando sencillos, algo que ellos mismos catalogan como «muy, muy difícil». El movimiento danés Dogma 95 está en la lista de influencias.

¿Qué ha pasado en este tiempo entre ambos? Han tocado en directo, se han dedicado a proyectos paralelos y han mantenido el contacto de manera regular, si bien reconocen que han llevado vidas bien diferentes: Eirik era más de estudio, Erlend de conciertos; Eirik se quedó en Bergen y tuvo tres hijos, Erlend se dedicó a viajar por el mundo en lo que Eirik llama como estudiante de Psicología «neofilia» («está enamorado de cualquier nueva experiencia», dice sobre su amigo). Ahora Eirik se ha separado de su esposa tras 21 años. Ambos han perdido a sus padres. ‘Peace or Love’ es un álbum autobiográfico sobre el amor, que huye de un sonido lineal y monocorde a través de detalles que se van revelando como pequeños secretos.

Grabado en 5 años en 5 ciudades distintas y en 5 intentonas hasta dar con la grabación perfecta, ‘Peace or Love’ es un disco 100% Kings of Convenience donde nunca asoma el afán bailable de ‘I’d Rather Dance With You’. A lo sumo, podría ir por ahí el single ‘Rocky Trail’. Por lo demás, estamos ante una sucesión de canciones románticas sobre una relación que ya no existe (‘Comb My Hair’), con reflexiones sobre el dolor que provoca a fin de cuentas el amor (‘Love Is a Lonely Thing’) y el enamoramiento hasta el olvido de uno mismo (‘Catholic Country’).

También se cuela algún tema ligeramente diferente como la amistad (‘Ask for Help’) o ‘Rumours’, que abre ‘Peace or Love’ con un texto bastante diferente, de fe hacia un colega al que se está acusando de algo que es falso: «No es verdad lo que dicen de ti / Sé que eres generoso y amable, nunca ciego a las injusticias de este mundo loco». Pero aquí todo va de sentimientos a flor de piel, bien sea por el camino de los susurros blues (‘Angel’), de la preciosa voz que Leslie Feist aporta en ‘Love Is a Lonely Thing’ y ‘Catholic Country’ (con la colaboración de The Staves y un maravilloso piano en la segunda mitad), del desenlace también a piano de ‘Fever’, o de la inquietud y el miedo en torno a una espera que transmite ‘Killers’, triste como una balada de Paul McCartney de los años 60.

Largas explicaciones para lo que no lo necesita: la cadencia de los acordes de ‘Comb My Hair’ o el ritmo de ‘Angel’ hablan por sí solos. Presume la letra de ‘Washing Machine’: «es verdad que soy más sabio que cuando tenía 21 años / es verdad que tengo menos tiempo que a los 21». Es quizá más reseñable que lo que hayan aprendido siendo más «sabios», lo que no han desaprendido. Lo que no se les ha olvidado hacer bien.

Izal, Primal Scream, Metronomy, Amaia, Sen Senra… entre los 30 confirmados de Low Festival 2022

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Sebas E. Alonso
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En los dos últimos días de julio, Low Festival organiza un pequeño concierto bajo el rótulo de «Low in the City», en que actuarán Shinova, Arde Bogotá y Locos de Atar (viernes 30) y Dorian, La La Love You y Malamute (sábado 31). Pero para el verdadero festival habrá que esperar al año 2022, como en otros casos, y hoy se revelan 30 nombres de ese cartel.

Será los días 29, 30 y 31 de julio de 2022 cuando se reúnan en Benidorm nombres como Izal, que acaban de presentar un llamativo single llamado ‘Meiuqèr’, Primal Scream y Metronomy. En cuanto a pop nacional destacarán nombres tan queridos y populares como Amaia y Sen Senra, uno de los que más han crecido durante la pandemia; mientras en el plano internacional estarán !!!, Temples y White Lies.

Otros nombres que se dejarán caer por Low Festival son León Benavente, Belako, Triángulo de Amor Bizarro, El Columpio Asesino, Anni B Sweet, Novedades Carminha, Biznaga, Sidonie, Carlos Sadness, Carolina Durante, Ojete Calor, La Habitación Roja, Mueveloreina, Joe Crepúsculo, La La Love You, Colectivo Da Silva y Marcelo Criminal.

Las entradas adquiridas para Low Festival 2020 y 2021 serán válidas automáticamente para la nueva edición. Para quien no pueda asistir, hoy mismo se abre el plazo de devoluciones, activo durante 15 días. Bastará con escribir a info@lowfestival.es con el número de localizador del ticket a devolver. Por otro lado, también han salido nuevos abonos a la venta desde 70€.

Laura Mvula rinde un homenaje muy explícito a Michael Jackson en ‘Got Me’

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Sebas E. Alonso
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Laura Mvula estrena hoy el vídeo de una balada de R&B junto a Dann Hume llamada ‘What Matters’ que subraya la inspiración ochentera que encontraremos en el disco que saca el día 2 de julio, ‘Pink Noise’. En el vídeo de neones aparecen los dos protagonistas dentro de un cubículo mientras otra pareja baila. El tema se suma a otros singles anteriores que ya conocíamos como ‘Church Girl’, que ya fue “Canción del Día”, o ‘Got Me’, que es la que hoy seleccionamos como tal.

Suponemos que algún despistado vinculará rápidamente ‘Got Me’ al revival 80’s de Dua Lipa y The Weeknd, y es cierto que estas llegaron antes, pero también lo es que ninguno inventó nada y que este homenaje a Michael Jackson no puede ser más puro. De hecho es indisociable de hits como ‘The Way You Make Me Feel’ o ‘Billie Jean’ en todo: su línea de bajo, su euforia en el estribillo, sus elementos sincopados… hasta el punto de que es difícil creer que Justin Timberlake, quien más copiara al Rey del Pop, no tuviera una canción que sonara exactamente así. Ni siquiera ‘Rock With You’ era tan revivalista.

Este paso supone un enorme cambio de tercio para la autora de ‘Sing to the Moon’ y ‘The Dreaming Room’, dos discos de sonido más clásico. Laura Mvula está presentando este disco indicando que al fin se ha encontrado a sí misma, que su obsesión es el pop y que le encanta la nostalgia.

Lo mejor del mes:

Te invitamos a ver a Novedades Carminha en El Bosque Sonoro junto a 2 amigues

Por
Sebas E. Alonso
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El Bosque Sonoro se celebra en Mozota, Zaragoza, una localidad de 60 habitantes, en un par de semanas siguiendo todos los protocolos de seguridad pertinentes. En el ciclo de conciertos actuarán Novedades Carminha y Media Punta (el jueves 1 de julio); Viva Suecia, que acaban de sacar single en Universal (tocan el viernes 2 de julio), La Habitación Roja y Niños Mutantes (sábado 3 de julio por la mañana), Iseo & Dodosound e Irregular Roots (mismo sábado, pero por la noche), mientras el domingo 4 será el turno de La Pegatina con Samba da Praça (13 horas) e Iván Ferreiro (22 horas).

La peculiaridad de este festival dirigido por Sr. Búho, Sr. Conejo y Sr. Lobo, y que lucha contra la España vaciada, es que es de pie. Para ello, El Bosque Sonoro apuesta por la fórmula «nido» como informamos al lanzamiento del festival. La fórmula «nido» permite acudir al festival y bailar de pie «con todas las medidas de seguridad en tu grupo burbuja». La organización informa: «Los nidos serán espacios delimitados con capacidad para tres, cuatro, cinco o seis personas y contarán con una barra lateral donde recibir los pedidos de comida y bebida realizados a través de una app y restringir así los movimientos dentro del recinto y no perder ni un detalle del escenario». La fórmula permite a los asistentes estar de pie, amparándose en varios estudios universitarios que recuerdan que bailar mejora la salud mental, así como nuestro propio cuerpo.

JENESAISPOP, en colaboración con El Bosque Sonoro y cervezas Ambar, te invita al concierto de Novedades Carminha el próximo jueves 1 de julio en esta localidad zaragozana, para que asistas junto a dos amigues. Te facilitamos por tanto tres entradas en total para este concierto, así como la posibilidad de utilizar el autobús que te llevará de Zaragoza a Mozota, ida y vuelta.

Para participar tan sólo has de mandarnos tu frase favorita con la palabra NIDO al mail jenesaispop@gmail.com. La respuesta más divertida recibirá las 3 entradas. El plazo para participar termina este viernes a las 12.00 horas. Toda la información sobre Bosque Sonoro, aquí.

SAULT anuncian nueva música: ‘NINE’ estará sólo 99 días online

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Sebas E. Alonso
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El misterioso grupo SAULT que el año pasado fue aupado por la prensa especializada -en especial la británica, con The Guardian a la cabeza- tiene un nuevo proyecto entre manos. Tras haber aparecido en las listas de los mejores discos de 2020 con ‘Untitled (Black Is)’ y/o ‘Untitled (Rise)‘, su nueva idea será muy particular. El proyecto se llama ‘NINE’, se presupone un nuevo disco y se anuncia en Instagram que solo estará disponible durante 99 días. Al leerse en la web sault.global que «quedan 107 días de ‘NINE'» y no «quedan 107 días para ‘NINE'», se cree que el disco se desvelará el día 25 de junio, que además es viernes, día normal de lanzamientos, y se retirará a principios de octubre. Habrá vinilos y llegada a las plataformas de streaming normales, además de descargas en la enlazada web.

Rodrigo Cuevas se crece como estrella en unos Premios MIN dedicados a la España vaciada

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Sebas E. Alonso
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Este miércoles se ha celebrado la XIII Edición de los Premios MIN y por primera vez la gala ha salido de Madrid. Burgos era la ciudad elegida, y el Teatro Principal, el marco-incomparable. Esta edificación isabelina de mediados del siglo XIX dio empaque a unos galardones que se han asentado hace tiempo entre los más dignos del país. Y lo han hecho al no seguir un criterio tan random como el de los Premios Odeón, y con un cometido claro en su apoyo a los sellos pequeños, por mucho que algunas cosas sucesivamente fichadas por Sony, Universal o Warner se les vayan quedando fuera, cuando en espíritu siguen perteneciendo aquí. Fotos: Gianfranco Tripodo.

Esta vez el elenco de ganadores y performers conformó una de las mejores ediciones: Delaporte se hicieron con 3 premios -mejor artista, mejor vídeo, mejor grabación electrónica- y realizaron una presentación preciosa junto a DORA, la balada ‘La bestia’ en el modo de su proyecto ‘Titanas’. Rigoberta Bandini se hizo con los galardones a mejor artista revelación y mejor canción del año (‘In Spain We Call It Soledad‘), y además protagonizó uno de los momentos más cómicos de la noche al recorrer el patio de butacas tan cargada de premios, obsequios y botellas de Ribera del Duero que a duras penas podía llegar a su sitio. Y Triángulo de Amor Bizarro se hicieron con el Álbum del Año, como casi siempre, de nuevo muy merecidamente. Eso sí, a falta de que alguien acaparara todos los premios importantes, diría que Rodrigo Cuevas fue quien robó la noche como maestro de ceremonias.

Los Premios MIN siempre han intentado currarse las presentaciones de la gala. Eso supone una lista que incluye nombres tan pintorescos como Anne Igartiburu y el equipo de El Mundo Today. Dentro de su modestia, la selección del autor de ‘Manual de cortejo‘ fue un acierto. Además de interpretar una estupenda versión a piano, con samples, de ‘Rambalin’, e improvisar un tema a capella mientras Triángulo terminaban de montar, se coló entre el público para tomarle el pelo durante sus presentaciones. A Alizzz, Rodrigo le amenazó con colarse en su hotel para tatuarle el logo de los MIN para que no se olvide de ellos en los Grammy latinos.

Como presentador, Cuevas había comenzado en un vídeo desnudo de cintura para abajo, si bien con los genitales pixelados, en un gag en que fingía que la ceremonia la iba a presentar por Zoom desde casa; salió a escena portando una gigantesca bandera recordando a la ‘Libertad guiando al pueblo’, en honor a todos los bares y teatros que abrieron en toda España, no solo en Madrid, en crítica de la visibilidad que ha recibido por este asunto Isabel Díaz Ayuso; bromeó sobre los solteros que hay cada 37 kilómetros en la España vaciada (exactamente 1); y muy agudo estuvo cuando recordó que Mujeres era la única forma de encontrar mujeres nominadas en 2009. No fue el caso de esta noche en que además de las artistas citadas también triunfaron Maria Rodés por el excelente ‘Lilith’, Ginebras y Belako, quienes devanearon entre la denuncia de la precariedad del sector antes de la pandemia, y el grito de «menos heteras, y más bolleras».

De la presentación en vivo de ‘Todo me sabe a poco’ de Alizzz hasta la de Triángulo de Amor Bizarro para cerrar -lástima esa guitarra que no quiso sonar al final de una ‘ASMR para ti’ que nos estaba trasladando al Roadhouse de ‘Twin Peaks’-, la ceremonia se desarrolló bastante ágil, sobre todo gracias a que algunos premios se presentaron en bloques de 4. La reivindicación del euskera con la actuación de Zetak, o del asturiano y el aragonés en boca de Rodrigo se convirtió en una broma recurrente en lugar de un lastre, y además se vivió un momento emocionante cuando Julio Ruiz, a punto de retirarse, recibió el Premio Mario Pacheco, entrevistado brevemente por Mark Kitcatt.

Siempre hay alguien que se aburre en una ceremonia de este tipo, como en los Goya en directa relación con el número de obras que conozcas, que hayas visto o hayas escuchado. Si en los últimos meses Rodrigo Cuevas y Rigoberta Bandini son dos de los artistas que más te han revitalizado, si quieres disfrutar de Alizzz antes de que se lo lleven los Grammys (aunque al recoger su premio aseguró ser de la generación FIB/Planetas y pertenecer a este lugar), también si no te cuadra que Triángulo hayan hecho el Disco del Año pero no a la vez el Disco de Rock del Año, que fue para Belako, se te quedaba una noche de lo más pintona. Lo que incluyó después la toma de los bares de la ciudad, abiertos hasta las 2, por parte de todos los asistentes. ¿En cuál era el after-party, preguntaba alguien? En cualquier cosa abierta, parecía la respuesta.

‘Mejor Grabación de Electrónica’: Delaporte por ‘Las Montañas’
‘Mejor Álbum de Música Clásica’: Alba Ventura por ‘Mozart Piano Sonatas Vol. 1’
‘Mejor Álbum de Pop’: Ginebras
Premio SAE Institute a ‘Mejor Producción’: Triángulo de Amor Bizarro por Triángulo de Amor Bizarro
‘Mejor Álbum en Gallego’: Néboa por ‘A Realidade Enganosa’
Premio Instituto Ramón Llull al ‘Mejor Álbum en Catalán’: Renaldo & Clara por L’amor Fa Calor
Premio Instituto Etxepare al ‘Mejor Álbum en Euskera’: Zetak por Zeinen Ederra Izango Den
Premio Soundie al ‘Mejor Videoclip’: Delaporte por ‘Las Montañas’
‘Mejor Álbum de Flamenco’: Astola y Raton por Rock de Palo
Premio Gibson al ‘Mejor Álbum de Rock’: nBelako por Plastic Drama
Premio Ribera del Duero al ‘Mejor Artista Emergente’: Rigoberta Bandini
Premio al ‘Mejor Diseño’: Crudo Pimento por 7 Acúfenos
Premio al ‘Mejor Álbum de Música de Raíz’: Maria Rodes por Lilith
Premio AIE al ‘Mejor Álbum de Jazz’: Jorge Pardo y y Gil Goldstein por Brooklyn Sessions
Premio Amazon Music al ‘Mejor Artista’: Delaporte
Premio a Mejor Grabación de ‘Músicas Urbanas’: Alizzz
‘Mejor Álbum Internacional’: Fontaines DC por A Hero’s Death
Premio Radio 3 a la ‘Canción del Año’: Rigoberta Bandini por ‘In Spain We Call It Soledad’
Premio The Orchard al ‘Álbum del año’: Triángulo de Amor Bizarro por Triángulo de Amor Bizarro

Mujeres / Rock y amistad

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Sebas E. Alonso
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Mujeres podrían ser la prueba fehaciente de que un grupo podría no renovarse jamás y seguir triunfando para siempre, mientras les sigan saliendo pepinacos como el que acaban de hacer junto a Carolina Durante. Se llama ‘Rock y amistad’, como también este disco, y parece que no se hayan comido la cabeza. Lo que han demostrado Pol, Yago, y Arnau a lo largo de álbumes y EP’s tan sobresalientes como ‘Siento muerte‘ o ‘Romance romántico‘ es que saben hacer buen rock de guitarras, totalmente atemporal.

Y la amistad siempre ha sido tan importante para ellos que en una de sus fotos promocionales más populares aparecen abrazados. Una emocionante instantánea en la que se aprecia perfectamente que pueden más la fuerza y su unidad como banda que la individualidad de sus propias caras. Puedes no reconocer a sus miembros por la calle, pero cada vez se han ido reconociendo más y más sus canciones, que no han dejado de ganar adeptos.

Porque los abrazos son importante para ellos, el protagonista del tema ‘Rock y amistad’ es «un abrazo memorable que saldrá en El País, en letreros en la A-2 y en internet». El entusiasmo de Mujeres se desborda tanto «que les eleva del suelo en el que andamos», euforia que han compartido en este tema con los autores de ‘Cayetano’ y luego con otras bandas en el resto de temas de este EP colaborativo. Todas ya parte de su sello Sonido Muchacho (Cariño, Los Punsetes) o realmente cercanas (Nueva Vulcano) conforman un pequeño gran mini-disco que solo consiente la presencia de cañonazos, y que de manera simbólica es el lanzamiento número 100 de este sello que, poco a poco, tanta historia está haciendo en España.

Los Punsetes aparecen en ‘Un glorioso año’, un tema con un punto de rockabilly o boogie en el que se habla de «una fiesta histórica después de tanta pena y desarraigo». Ni más ni menos que Mujeres dándole a su público exactamente lo que necesita. Con un bajo más post-punk, ‘Es mejor con gente’ es otra de esas canciones que animan a la colectividad, al «solo no puedes, con amigos sí» y al pogo, en este caso en compañía de Nueva Vulcano.

Y finalmente se da la circunstancia de que Mujeres sí han sorprendido sin que nadie se lo hubiera pedido, con la que es una de las mejores canciones de su carrera. Cariño son de las que dejan su impronta en el tema final, ‘Al final abrazos’, que ellas mismas han armonizado, abriendo según ellos mismos una nueva vía en cuanto a colaboraciones femeninas… en una banda que en otro clima sociopolítico decidió llamarse justamente Mujeres, sin ninguna mujer entre sus filas. En cualquier caso, aquí emergen influencias más dispares, como Suicide, Beach Boys, Casiotone for the Painfully Alone y Enhet för Fri Musik, todo ello para seguir dando vueltas alrededor de que después de un año horrible, necesitamos la amistad y la música en general (la suya, en particular) para salir adelante. Más música excelente y catárquica por parte de Mujeres, y van…

BANKS se debate entre los susurros y los gritos de terror en ‘The Devil’

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Jordi Bardají
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BANKS, autora de discos de dark pop tan interesantes como ‘Goddess‘, ‘The Altar‘ y ‘III‘, exactamente los tres álbumes de los que consiste su discografía publicada hasta la fecha, vuelve. En sintonía con la línea oscura que ha caracterizado su carrera, el nuevo single de la artista californiana se titula ‘The Devil’ y se debate entre los susurros y los gritos de terror.

De manera un tanto arriesgada, ‘The Devil’ apuesta por los susurros como parte importante de la composición, quizá para jugar con la imagen del demonio que te susurra en el oído. El demonio, en este caso, es la propia Jillian Rose Banks, que se introduce a sí misma: «soy el demonio y voy con el acelerador a toda mecha». Luego el tema también se atreve a emplear un efecto inesperado, el de un grito de terror que asoma de vez en cuando. ¿Ya es Halloween?

Pero que nadie se asuste: la canción también contiene una buena dosis de melodía que se puede vincular al R&B-pop contemporáneo, por lo que BANKS no está ofreciendo más que una de sus típicas composiciones. Por otro lado, producción de ‘The Devil’ parece mirar al pop de hace unos años como ya hacía con ‘Gimme’, que tanto recordaba a Timbaland. En el caso de ‘The Devil’ su producción una versión más siniestra, oscura y sucia de lo perpetrado por The Invisible Men en ‘Fancy’ para Iggy Azalea. Videoclip, a las 21.00.


Flos Mariae se bifurcan en nombre de Jesucristo: así son Mariah’s World y 4HBD

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Jordi Bardají
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Flos Mariae ya no existe porque «se ha roto» pero sus 7 integrantes no abandonan la música. Por un lado, las tres exiliadas del grupo, aparentemente las responsables de que este se disolviera el pasado mes de marzo, han formado un trío llamado Mariah’s Pop que no se refiere a Mariah Carey sino a la Virgen María. Por otro lado, las cuatro hermanas restantes se han unido en un grupo llamado 4HBD («4 hermanas Bellido Durán») y además están haciendo sus pinitos como youtubers. Gracias a Slavin por el aviso en los foros, donde Flos Mariae cuentan con su propio hilo.

El primer single de Mariah’s Pop se titula ‘Te prometo, mamá’ y es por supuesto un homenaje a su madre. El estilo musical continúa por el sendero de ese darkwave techno industrial que caracterizaba los últimos singles de Flos Mariae; y en la letra, las chicas prometen a su progenitora que seguirán pregonando la palabra de Jesucristo haya donde vayan: «te llevaré al mundo entero / Te mostraré con mis obras / Te imitaré con mucho esmero / Y tuyas serán mis palabras». La ironía de ‘Te prometo, mamá’ es que su conjunto de beats siniestros y voces cacofónicas espantaría al mismísimo Judas, con «perdón» a las autoras. Recientemente, estas han lanzado un segundo sencillo llamado ‘Tú eres de los nuestros’ con bien de «la la las» y una producción musical muy similar.

Más innovadoras han sido 4HBD con su primer sencillo oficial, ‘Estate al loro’. Con letra escrita por su padre para sorpresa de ellas mismas, como han contado en un vídeo de Youtube, la canción contiene rimas tales como «si hacer el bien es tu anhelo / al fin llegarás al Cielo», «no temas a la muerte / en el cielo quiero verte», «Jesús ha comprado tu parcela celestial / La más guay, fenomenal», «debes estar al loro / cuida tu tesoro / que no te pille el toro» o, mi favorita, «no pierdas el Cielo / por hacer el canelo».

Pero lo mejor es que la producción de ‘Estate al loro’ ya no es tan apta para Berghain o la difunta sala Magia Roja de Barcelona… más bien recupera los ritmos brutones del dubstep circa 2012 de gente como Skrillex, aunque con un videoclip mucho más k-pop. Las coreografías de todas ellas, entre saltitos, movimientos extraños de mano y miradas fulminantes solo están a un grado de separación de lo que hace Caroline Polachek.

Mad Cool defiende la paridad de su cartel 2022 pese a la ausencia de mujeres a la cabeza

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Sebas E. Alonso
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Mad Cool había venido dando sus pistas para el cartel de 2022 desvelando letras clave en sus redes sociales. Esta mañana se conoce el resultado. Tras haber tenido que posponer su edición 2020 por la covid-19, y la de 2021, también, el festival ha decidido cambiar de tercio casi radicalmente para dejar atrás la línea editorial de Billie Eilish y Taylor Swift para apostar por cabezas de cartel exclusivamente masculinos y de rock.

Los cabezas de cartel de 2022 serán todos hombres, con alguna excepción como la bajista de Pixies. El miércoles 6 de julio del año que viene será el turno de Metallica, Twenty One Pilots (más poperos en ‘Scaled and Icy‘, eso sí) y Placebo; el jueves 7 de julio, de Imagine Dragons y The Killers. El viernes 8 actuarán Muse y Faith No More y el sábado 9 lo harán Kings of Leon y Pixies. Además, encontramos a otros grupos como Deftones, alt-J, Editors y Royal Blood en letra pequeña. Una pequeña cuota femenina la pondrán Wolf Alice, que acaban de sacar el excelente ‘Blue Weekend‘, y St Vincent.

Eso sí, el festival no renunciará a la música pop a través de un par de pequeñas pinceladas entre las que destacamos a Tove Lo, Carly Rae Jepsen, Zara Larsson, MØ y en España Rocío Sáiz. Entre la letra pequeña, nombres tan interesantes como Floating Points, beabadoobee, Phoebe Bridgers, Shura, Nina Kraviz, IAMDDB, Leon Bridges, Princess Nokia, Marika Hackman, Noga Erez y Parcels, que acaban de sacar un excelente single, ‘Free’. Mad Cool ha defendido en Twitter la paridad, indicando que hay 44 proyectos con artistas femeninas en su cartel, aunque hay que recalcar que aparecen en una inmensa mayoría en letra pequeña y nunca en la primera fila, con la excepción de la bajista de Pixies.

Izal se moderan en un buen pseudo-villancico, ‘Meiuqèr’

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Sebas E. Alonso
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Izal publican hoy el primer single de un nuevo disco que se llamará ‘Hogar’ y saldrá ya después del verano. Enganchada a un modulador de voz tipo Autotune, cual producción de Bon Iver, ‘Meiuqèr’ comienza recordando mucho a cantantes tipo James Blake o mejor, James Vincent McMorrow, lo cual nos lleva de alguna manera a la Navidad por mucho calor que haga estos días. No en vano, Mikel ha revelado en Esquire que escribió esta canción en medio de un bloqueo creativo en la Navidad de 2018.

En verdad, en la grabación se va imponiendo una melodía de canción de autor que recuerda a la canción protesta o a la canción melódica de los años 70 en España y Latinoamérica. Pueden venir a la mente nombres como Serrat, la Cecilia de ‘Andar’ o Víctor Jara. Aunque esclava de todas estas referencias, la canción agradece la ausencia total de estridencias y se presenta como una de las grabaciones más moderadas -mejores- de Izal. Foto: Vicente Modino.

Pese a estar escrito antes, el tema de Meiuqèr’ se vincula claramente con la pandemia cuando comienza hablando de “un año de duda y silencio”, “de jugarme la vida”, si bien parece apelar a la esperanza cuando habla de “abrir este grifo infinito que ojalá no se vuelva a cerrar”. Por si quedaban dudas, el vídeo es un bar abriendo sus puertas, en posible representación de los negocios que lo han pasado tan mal este año como Mikel Izal en 2018. Dirigido por AfterliVe Films, será «la primera de una serie de fotografías en movimiento que reflejan la cotidianeidad y el paso del tiempo como una suma de momentos que, a priori, parecen pasar desapercibidos a lo largo de una vida pero que, en esencia, forman la columna vertebral de la misma».

Según la nota de prensa, «“Meiuqèr” es un canto a la vida. Un sincero agradecimiento a todas esas personas que dan su apoyo desinteresado en épocas complicadas y de evidente vulnerabilidad». Este tema fue la primera canción escrita para el nuevo disco y se define como «la espina dorsal del mismo a nivel conceptual», avance del «trabajo más emocional y personal de la banda».

El nuevo disco de Izal ha sido producido por Brett Shaw (Foals, Florence and The Machine, Lady Gaga, Jess Glynne…) y con Sancho Gómez-Escolar como co-productor. ‘Hogar’ se ha grabado entre Mallorca (La Luciérnaga Estudios), Madrid (Metropol Studios) y Londres (123 Studios).

Os dejamos con las fechas de verano del grupo.
18 de junio – MADRID – WiZink Center – ENTRADAS AGOTADAS
19 de junio – MADRID – WiZink Center – ENTRADAS AGOTADAS
26 de junio – FUENGIROLA (MÁLAGA) – Marenostrum (ÚLTIMAS ENTRADAS)
28 de junio – BURGOS – Estadio El Plantío
3 de julio – ALBACETE – Plaza de toros
4 de julio – VALENCIA – Estadio Ciutat de Valencia
10 de julio – BARCELONA – Festival Cruïlla
17 de julio – BENICÀSSIM (CASTELLÓN) – Luce Benicàssim
23 de julio – MURCIA – Estadio Enrique Roca
24 de julio – MURCIA – Estadio Enrique Roca – ENTRADAS AGOTADAS
30 de julio – SANTIAGO DE COMPOSTELA – O Son Do Camiño
31 de julio – MADRID – Wanda Metropolitano
12 de agosto – ALICANTE – Muelle 12 – ENTRADAS AGOTADAS
13 de agosto – ALICANTE – Muelle 12 – ENTRADAS AGOTADAS
27 de agosto – GRANADA – Cortijo del Conde (ÚLTIMAS ENTRADAS)
28 de agosto – CÁDIZ – Música del mar
4 de septiembre – VITORIA – Buesa Arena
10 de septiembre – BILBAO – Bilbao Arena Miribilla
18 de septiembre – SEVILLA – CAAC (ÚLTIMAS ENTRADAS)
25 de septiembre – MADRID – Festival Jardín de las Delicias

Lo mejor del mes:

El SMS de Bruce Springsteen que llevó a esta colaboración con The Killers

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Sebas E. Alonso
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The Killers y Bruce Springsteen estrenan hoy una canción colaborativa, justo cuando la banda de Brandon Flowers aparece confirmada en Mad Cool de nuevo. Se trata de lo que han llamado ‘Dustland’, que no es otra cosa que una revisión de un tema que ya aparecía en su disco ‘Day & Age’ (2008) bajo el nombre de ‘A Dustland Fairytale’.

La versión, pues bien, viene para demostrar -para quien lo dudara- los nexos en común entre The Killers y el Boss: hasta qué punto se han inspirado los de Brandon Flowers en sus mejores discos. Pero lo mejor es la historia que han compartido los de Las Vegas en Instagram desvelando cómo surgió la colaboración. Brandon estaba enfrentándose a las primeras consecuencias de la covid-19, cómo toda la promoción de ‘Imploding the Mirage‘ iba a caer en saco roto, cuando le empezaron a llegar una serie de mensajes de un tal Bruce que no tenía guardado en sus contactos, emocionado por una actuación televisiva de Glastonbury.

El mensaje decía: “Viendo Glastonbury. Hermano, os habéis convertido en una banda en directo de cojones. Me encanta el traje dorado. Tenemos que hacer juntos ‘Dustland’ un día. Bruce”.

Brandon Flowers pensó 3 opciones: que o era una broma, que o bien era Bruce Hornsby, con el que no habla desde 2015 o que era Springsteen, dado el prefijo de Nueva Jersey. Finalmente confirmó esto con Evan, hijo del Boss y amigo suyo.

Brandon Flowers recuerda que ‘Dustland’ fue escrita mientras su madre luchaba contra el cáncer, como un intento también de conocer a su padre, que es “un misterio para él”. Su madre murió con 64 años y ahora que el artista cumple 40 años el próximo lunes, a Flowers le parece una edad muy joven y cercana. Además, considera que Bruce Springsteen ha escrito sobre mucha “gente como sus padres, encontrando belleza de otra manera invisible en las esperanzas y sueños de las personas, sus luchas y sus pérdidas”. Os dejamos con el resultado de tan esperada unión.

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