Como ya hemos comentado en la lista de singles de la semana, ocupada por Rauw Alejandro casi al 20%, su nuevo disco ‘Cosa nostra’ es número 1 en España. Además es top 4 en vinilos.
Su principal víctima es Linkin Park, que tienen que conformarse con el número 2 en nuestro país. ‘From Zero‘, el primer trabajo del grupo sin Chester Bennington y con nueva cantante, Emily Armstrong, está siendo un éxito absoluto. El disco ha sido número 1 en Reino Unido, Alemania, Italia, Francia, Canadá o Australia, entre otros territorios. También ha alcanzado el puesto 2 en Estados Unidos. Se estiman más de 300.000 unidades vendidas en la primera semana en todo el mundo, por lo que no se van a alcanzar los millones de copias de sus tres primeros álbumes, pero son cifras muy buenas para los tiempos que corren.
El top 10 está lleno de novedades españolas, entre las que encontramos de todo: discos navideños, reediciones, álbumes en directo y también alguna novedad propiamente dicha: ‘Todo es posible en Navidad’ de David Bisbal entra en el número 3; Ruslana llega al top 4 con ‘Génesis’; Los Planetas cuelan ‘Súper 8’ en el número 5; Fangoria su directo ‘ATP-ATL’ en el puesto 6 y Pastora Soler ’30’ en el número 7. Entre todos ellos, Los Planetas tienen el mérito de conseguir el vinilo más vendido de la semana.
Las novedades en el top 10 se cierran con Shawn Mendes, que ha llevado ‘Shawn‘ al número 10. El disco acústico del artista está obteniendo resultados muy modestos, pues tan solo ha llegado al puesto 22 en Reino Unido y al puesto 26 en Estados Unidos. Él estaba acostumbrado a mucho más, si bien hay que preguntarse si ganará otro tipo de público con un trabajo tan confesional.
En este contexto, Sen Senra tiene que conformare con una entrada también modesta. ‘PO2054AZ (VOL. II)‘ llega tan solo al puesto 22. El Volumen 1 había llegado al número 5 y ‘Sensaciones’, al número 6. Veremos cómo sobrevive a la Navidad.
Las entradas se completan con ‘Sangre de cobarde’ de Salma en el número 14, ‘Happy’ de Jin en el puesto 18, ‘Enrique Urquijo y Los Problemas’ en el 28, ‘Poweslave’ de Iron Maiden en el 30 y ‘Living in the Material World’ de George Harrison en el número 73.
Lana Del Rey ha anunciado que su nuevo disco, ‘The Right Person Will Stay’, el décimo de su carrera, saldrá el próximo 21 de mayo. El título anunciado inicialmente, ‘Lasso’, era provisional. Lana revela que ‘The Right Person Will Stay’ se compondrá de 13 cortes, entre los cuales se incluye ‘Henry, Come On‘, un tema avanzado en enero. Lana no ha confirmado si ‘Tough‘ con Quavo formará parte de este disco que ha trabajado con Jack Antonoff, Luke Laird y Drew Erickson, entre otros.
El lanzamiento del nuevo álbum de Lana Del Rey se había retrasado porque Lana ha repensado su sonido, que será más «gótico sureño» que finalmente country. Curiosamente, la primera artista que anticipó la moda country de 2024 ha decidido cambiar de rumbo. Aún así, Lana ha confirmado que lanzará dos singles de este nuevo trabajo antes de que acabe el año.
En el día de hoy, Lana Del Rey ha anunciado, también, su primera gira de estadios en 2025, de momento centrada en Reino Unido e Irlanda. Las fechas anunciadas son el 23 de junio en el Principality Stadium de Cardiff, el 26 de junio en el Hampden Park de Glasgow, el 28 de junio el Anfield Stadium de Liverpool, el 30 de junio en el Aviva Stadium de Dublín y el 3 de julio en el Wembley Stadium de Londres. El aforo de todos estos recintos se sitúa entre los 50.000 y los 90.000 asistentes.
Se desconoce si la gira de Lana Del Rey de 2025 pasará por España. Sin embargo, es evidente que la escalada a estadios de Elizabeth Grant supone un punto de inflexión para la artista neoyorquina, que ha solido actuar en arenas, teatros y festivales, entre otros recintos de menor tamaño.
Lana Del Rey, constantemente de gira por todo el mundo, actuó en España en 2023 como cabeza de cartel de Primavera Sound. En el festival barcelonés, Del Rey presentó su noveno álbum, ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’, el 5º mejor disco de 2023 para la redacción de JENESAISPOP. Después, Lana anunció de manera improvisada una serie de conciertos en Europa.
Rigoberta Bandini ha anunciado la gira de presentación de ‘Jesucrista Superstar‘, su segundo disco, que se pone a la venta en 2025. El Jesucrista Superstar Tour pasará por recintos grandes de 10 ciudades españolas en verano de 2025, siendo las urbes elegidas Sevilla, Bilbao, Pamplona, Málaga, Zaragoza, A Coruña, Barcelona, Murcia, Valencia y Madrid.
La venta general de entradas para el Jesucrista Superstar Tour comenzará el jueves 28 de noviembre a partir de las 13 horas, pero habrá una preventa de entradas para suscriptores a la newsletter de la artista. Rigoberta Bandini ha visitado este lunes ‘La Revuelta’, donde con la colaboración de un invitado del público se ha dado un código de preventa: MANOLOCADIZ. Los tickets se pueden adquirir a través de lasttour.org. JENESAISPOP es medio colaborador de la gira.
En concreto, Rigoberta presentará ‘Jesucrista Superstar’ el 31 de mayo en Sevilla en el Icónica Santalucía Sevilla Fest, el 6 de junio en Bilbao en el Bizkaia Arena – BEC!, el 7 de junio en Pamplona en el Navarra Arena, el 20 de junio en Zaragoza en el Pabellón Príncipe Felipe, el 21 de junio en A Coruña en el Coliseum, el 28 de junio en Barcelona en el Palau Sant Jordi, el 4 de julio en Murcia en el Espacio Norte, el 5 de julio en Valencia en el Estadio Ciutat de València, el 16 de julio en Madrid en el WiZink Center y el 18 de julio en Málaga en el Selvatic Málaga Fest.
Durante su visita a ‘La Revuelta’, Rigoberta Bandini ha interpretado una parte del tema ‘Pamela Anderson’ y ha respondido a las preguntas típicas. Paula Ribó se puso a follar 30 días antes de acudir al programa, solo para fardar. Sin embargo, después se cambió la fecha de emisión y además se dio cuenta de que el sexo le empezaba a parecer estomagante en lugar de cada vez más estimulante.
De ‘Jesucrista Superstar’ se conocen ya dos singles, ‘Pamela Anderson‘ y ‘Si muriera mañana‘. El tracklist definitivo no se ha revelado todavía.
Rels B ha comentado en los conciertos de festivales de este verano, por ejemplo en Mallorca Live, que no estábamos viendo exactamente el montaje de su nuevo tour. Eso se guardaba sobre todo para 2025 y al fin conocemos los detalles.
El artista estará presentando lógicamente las canciones de ‘a new star (1 9 9 3)’. Además, lo que se anuncia hoy no son solo las fechas de Madrid y Barcelona, sino hasta 15 shows repartidos por una decena de países. La nota de prensa promete que «Rels B se embarca en su tour más ambicioso hasta la fecha».
En España actuará el 1 de marzo en el WiZink Center de Madrid y el 8 de marzo en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Las entradas se ponen a la venta el miércoles 27 de noviembre a las 11h en Livenation.es y Ticketmaster, con una preventa en Live Nation a partir del martes 26 de noviembre a las 11h. Los precios son desde 30 euros, más gastos de distribución.
Como veis en la imagen promocional, los conciertos incluyen visitas a Argentina, Chile, Perú, Ecuador, Colombia, México, Guatemala, Costa Rica y El Salvador. Os dejamos con uno de sus últimos hits, ‘La vida sin ti’, junto a Lia Kali.
Las listas oficiales de la semana en España tienen un claro ganador. Rauw Alejandro es el nuevo número 1 de Discos en unos días muy competitivos, en los que numerosos álbumes han llegado al top 10. Pero es él el ganador con ‘Cosa nuestra’, que se sitúa en el número 1 de manera directa. Además, es número 4 en la tabla de vinilos, prueba de que su música también interesa en este formato.
Por otro lado, también es número 1 de Singles con su dúo junto a Bad Bunny, ‘Qué pasaría…’. Rauw suma un total de 18 temas en el top 100 español, de los cuales 16 proceden de su nuevo disco. Los 2 restantes son más antiguos. ‘Cosa nuestra’ tiene a su vez también 18 pistas, lo cual quiere decir que todas han llegado al top 100 excepto ‘Touching the Sky’ y ‘SEXXXMACHINE’.
Así queda el top 100 de Singles en España, en lo que a Rauw Alejandro respecta, destacando el buen funcionamiento de la recuperación de ‘Se fue’ de Laura Pausini, así como las colaboraciones con Romeo Santos y Feid:
1.-Qué pasaría…, con Bad Bunny
5.-Se fue, con Laura Pausini
8.-Khé, con Romeo Santos
14.-Tú con él
15.-Revolú, con Feid
24.-Déjame entrar (re-entrada)
26.-Ni me conozco
28.-Espresso Martini, con Marconi Impara, Yan Block
36.-Baja p’a acá, con Alexis y Fido
38.-Cosa nuestra
39.-Commited, Pharrell Williams
45.-Amar de nuevo
57.-Mil mujeres
59.-Il capo
65.-Pasaporte, con Mr Naisgai
84.-2:12 AM, con Latin Mafia
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27.-Santa, con Rvssian y Ayra Starr (colaboración)
88.-Diluvio (42 semanas en lista).
El disco de Rauw Alejandro ha dejado poco margen para otras entradas en la lista de canciones, pero sí hay una más. ‘Deportivo’ de Blessd y Anuel AA llega al puesto 32. Por otro lado, ‘Se pone las Nike’ de Cano es la subida más fuerte estos días, al pasar del puesto 10 al puesto 7.
Michael Kiwanuka debió vender millones con ‘KIWANUKA’, su tercer disco. Al menos, la mitad de los que vendió ‘30’ de Adele, otro trabajo producido por el renovador del soul Inflo (la mención no es casual, Adele ha declarado ser seguidora de Kiwanuka en alguna ocasión). ‘KIWANUKA’, publicado en 2019, valió a Michael el preciado Mercury Prize, pero no llevó al autor de ‘Cold Little Heart’ a los grandes escenarios del mundo. Para un artista reservado y tímido como él, quizá era lo mejor que podía pasar.
Un lustro después llega ‘Small Changes’, un álbum igual de “reservado y tímido” que su autor. El título parece una declaración de intenciones: son pocos, muy pocos los cambios que encontramos en él respecto a la obra previa de Kiwanuka. Simplemente, esta vez las canciones son más modestas. Demasiado.
Cuenta Kiwanuka que ‘Small Changes’ es un álbum inspirado en su paternidad (a su vida han llegado dos hijos) y en su mudanza fuera de Londres. Las letras plantean un escenario de amor incondicional a pesar de los conflictos conyugales: “aunque te lo hago pasar mal, estás dispuesta a quedarte”, canta el británico en ‘The Rest of Me’.
El ánimo de melodías y letras -como de costumbre- es decaído y, en ‘Live for Your Love’, Kiwanuka canta que «todos sus sueños están desapareciendo”. El single ‘Floating Parade’, sin ir más lejos, es una metáfora del escapismo. Pero a Kiwanuka le queda el amor, y las promesas de amor eterno se suceden a lo largo del álbum, como en la bella ‘One and Only’: “nunca te diré adiós, siempre estaré contigo”.
Junto a Inflo, por supuesto también Danger Mouse y una gran banda de músicos, la cual incluye una orquesta, Kiwanuka diseña un repertorio que “huye de lo cool” y aspira a equipararse a grandes obras de “Bill Withers o Sade”. La ambición, en este caso, se queda corta a pesar de los esfuerzos de Kiwanuka por hacer cosquillas a las emociones sobre todo mediante el uso de cuerdas, por ejemplo en el single ‘Rebel Soul’, otra de sus composiciones con ecos a los últimos Radiohead, o en la segunda parte de ‘Lowdown’.
Arreglos, producción e ingeniería de sonido de ‘Small Changes’ vuelven a ser exquisitos y Kiwanuka se vale de guitarras eléctricas, cuerdas, vientos y baterías secas de estilo setentero para vestir unas canciones que suenan especialmente maduras y serenas. Sobre todo relucen
‘Floating Parade’ o el smooth-pop-soul de ‘The Rest of Me’. ‘One and Only’ es otra emocionante composición de Michael que, con guitarras, cuerdas y coros, sabe dejar huella.
Sin embargo, ‘Small Changes’ termina muy pronto hipnotizado por su propia calma. El trémolo de las guitarras de ‘Small Changes’ -la pista 2- evoca la época de gloria de Portishead -aunque en clave orgánica- pero Kiwanuka no entrega una canción tan emocionante como las de ‘Dummy’ (1994). Las baladas se convierten en nanas en ‘Live for Your Love’ o ‘Stay By My Side’ y la pista final, ‘Four Long Years’, aparentemente una canción de ruptura, no es el gran cierre que Kiwanuka ha sabido escribir en el pasado.
Solo un sintetizador de textura vintage en ‘Follow Your Dreams’ imagina un camino diferente para el disco, pero Kiwanuka nunca decide tomarlo de manera radical. Puestos a apurar se podría comentar la influencia de Bob Dylan en la primera parte de ‘Lowdown’. Pero, al final, el camino que toma ‘Small Changes’ es uno seguro y poco arriesgado. Cinco años después, quizá era el momento para Kiwanuka de ofrecer algo diferente pero, en ‘Small Changes’, el autor de ‘I’m Getting Ready‘ suena adormilado y poco inspirado.
El Festival Internacional de Benicàssim ha anunciado la primera tanda de nombres de su edición de 2025. The Black Keys y 30 Seconds to Mars se encuentran entre los primeros cabezas de cartel claros junto a Residente o Bloc Party. El festival se celebra del 17 al 19 de julio.
También están confirmados Olly Alexander, CA7RIEL & Paco Amoroso o Tom Meighan entre los nombres internacionales. Y, entre los nacionales, caben grandes nombres como Viva Suecia, Iván Ferreiro, Love of Lesbian, La Casa Azul, Ojete Calor, Miss Caffeina y Shinova y estrellas emergentes como Judeline.
Entre los nuevos talentos por los que apuesta el FIB el año que viene se encuentran shego, Barry B, Margarita Quebrada o Mala Gestión.
Completan la tanda de confirmaciones Kakkmaddafakka, Ginebras, Siloé, Samantha Hudson, Soft Play, Califato 3/4, Ella Eyre, La Élite, ELYELLA, La Habitación Roja, Hinds, DILLOM, Chica Sobresalto y Los Punsetes. Próximamente se anunciarán más nombres.
Los abonos para el FIB se ponen a la venta el próximo 4 de diciembre a un precio de 44,99 euros, gastos de distribución incluidos.
Desde 2011 ha sido imposible referirse al tipo de synth-pop nocturno que imagina largos viajes en coche y paisajes de luces de neón sin mencionar la palabra ‘Drive’ (2011). La película y, especialmente, su banda sonora, han sido lo suficientemente influyentes como para guiar la carrera del mismísimo The Weeknd y para popularizar todo un movimiento musical llamado synthwave. Aquella banda sonora contenía composiciones de Cliff Martinez y canciones, desde entonces, tan famosas como ‘Tick of the Clock’ de Chromatics, ‘Nightcall’ de Kavinsky o ‘Under the Spell’ de Desire, todas entregadas a la magia y el misterio de la noche. La aparición de Chromatics en un episodio de la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ (2017) no podía ser más simbólica.
Imágenes de ‘Twin Peaks’, eso sí, de las temporadas clásicas de los noventa, se proyectan en la pantalla de la gira Games People Play de Desire, el dúo formado por Megan Louise y Johnny Jewel (ex Glass Candy y Chromatics) que este fin de semana ha recaído en España. En Barcelona, el concierto de Desire celebrado en la Sala Apolo, dentro de la programación de Nitsa, ha arrancado a una hora también simbólica, la una y media de la madrugada. ¿A qué hora si no cobraría vida esta música sumida en el enigma de lo nocturno?
Pero, casualmente, el directo de Desire, además de misterioso, también es divertido. Las canciones, como ‘Black Latex’ o ‘If I Can’t Hold You’, hablan de largos viajes en coche y de bailar toda la noche y, sobre todo, esperan enamoradas la llamada de la persona amada, entregadas a sus irresistibles grooves synth-pop y noir. En otras palabras, expresan un sentir rabiosamente adolescente… un sentir que Desire lleva a la autoparodia, en vivo, de diversas maneras.
Por ejemplo, Desire simula una conversación por teléfono usando sobre el escenario un teléfono antiguo de ruleta. En otro punto del show, Megan baila mientras sujeta una cabeza de calavera con las manos, porque el cine giallo también es una influencia del sello Italians Do it Better. En todo momento, a Megan se le dibuja una sonrisa en la cara. Contenta, canta y baila para el entregado público, mientras su tecladista a su derecha, y Johnny Jewel a su izquierda, se muestran estoicos.
Jordi Pérez (Redporteros)
Al final del set, justo antes del bis, Megan entrega flores al público, como celebrando su propio funeral. Megan entierra su corazón, pero ella seguirá bailando hasta que el cuerpo aguante: el concierto termina con el house-pop de ‘Drama Queen’, una canción tan inspirada en el ‘Vogue’ de Madonna que ni se molesta en disimularlo. En todo caso, el concierto acaba bien arriba.
Jewel hace la vez de animador en algún punto del show, invitando a dar palmas y, en otro momento de la noche, Megan y Johnny expresan complicidad simulando que se “disparan” el uno al otro. Pero Jewel permanece en casi todo momento agazapado, y pasaría desapercibido si su cazadora negra no tuviera pegados más pinchos que un erizo. En contraste, Megan viste croptop de color rojo cereza y falda negra, y remata su look con un lacito rojo: parece Audrey Horne en estilo otaku, reforzando el componente adolescente de su personaje. Un componente presente también en el maquillaje de lágrimas negras de Jewel.
En el repertorio de Games People Play Tour se suceden temas antiguos como ‘Don’t Call’ -con esa genial y dramática producción que tanto se crece en directo- y otros nuevos todavía inéditos que siguen pegados a la pista de baile. De hecho, no se puede decir que ‘Under Your Spell’ represente el clímax de un concierto que sabe pasar del puro anhelo de ‘Darkside’ a la euforia mecanizada de ‘Silver Machine’. En medio a Desire le cabe una acertada versión de ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order que no desentona tanto en el setlist como podría parecer.
Alhambra Monkey Week ha celebrado una nueva edición en Sevilla, reuniendo de nuevo a artistas, promotores, periodistas y otras personalidades de la industria musical, además de por supuesto al público. Como feria musical, la Monkey ofrece charlas durante el día en el Espacio Santa Clara, al tiempo que conciertos y sesiones de dj hasta bien entrada la madrugada en distintos puntos de la ciudad.
Esto se traduce en que a las 10 de la mañana puedes estar en una conferencia sobre el respeto a los consumidores en los festivales, con un representante del Ministerio de Cultura, otro de la Junta de Andalucía y otro de algún evento; y a las 5 de la madrugada dándolo todo en una de las tres salas contiguas en que se programan sesiones: la Sala X, la Sala Even y La 2. Todo ello si el ayuntamiento no hace la vida imposible a la organización limitando decibelios en el último minuto, de manera que tengas que reestructurar programación y horarios sobre la marcha.
Entre las charlas más enriquecedoras, la que se programó sobre Igualdad, con una campaña de información contra el acoso «No en mi festi», que se va a llevar a espacios como Tomavistas; y entre las más entretenidas, la de jóvenes productores, protagonizada por Ganges, que viene de hacer uno de los discos del año; Roy Borland y Mon Dvy.
Entrevistados por Rubén Gutiérrez, director de Fundación SGAE, los tres hablaron sobre la conveniencia de trabajar con gente con quien realmente conectes en el estudio, en contraposición a los obligados campamentos de composición, y sobre la importancia de alejarse del mundanal ruido. Tanto Roy Borland como Mon Dvy han huido de la gran ciudad: el primero vive en medio de la naturaleza y ya solo produce a 6 artistas de su confianza, y Mon Dvy ha dejado atrás Madrid para volver a su pueblo de Navarra. Allí vive en una casa donde escribe en la luminosa primera planta y produce en la baja, más oscura. Como curiosidad, Roy Borland defendió a Joan Manel Serrat como el artista español más importante de todos los tiempos, y la inexistencia de alguien así a día de hoy: inesperada reivindicación en una charla que venía para poner en valor a los jóvenes creadores.
Los periodistas musicales tuvimos ocasión de defender nuestra posición en dos charlas: una sobre la diversificación de ingresos de los últimos años (las pasarelas de pago en Rockdelux y Mondosonoro, las editoriales de libros de Muzikalia, los podcasts patrocinados); y otra sobre nuevos divulgadores de contenidos en redes sociales. Arturo Paniagua, Blanquinni y Oski hablaron sobre las mejores horas para publicar vídeos en Instagram y TikTok o sobre la conveniencia de la palabra «influencer». Oski recordó a los críticos de la vieja escuela que él también ha estudiado Periodismo, mientras Blanquinni rechazó la etiqueta «creadora de contenido» en favor de «divulgadora».
La sobredosis de información, de encuentros con personalidades de la industria con quien cambias mails todo el año, pero solo ves cada muchos meses en eventos como este, y el agotamiento físico después de tantas horas de arriba para abajo por toda Sevilla provoca que no siempre los conciertos estén en primer plano. Pero hubo una serie de artistas que despertaron todo el hype casi por unanimidad y fueron dos flamencos.
Mauri Buhigas (Monkey Week)
Yerai Cortés, programado en Monkey Week desde antes de todo el revuelo vivido en San Sebastián por el documental que le ha dedicado -a él y a la historia su familia- C. Tangana, inauguró los conciertos del jueves. Cortés optó por un show muy teatral, en el que, vestido de negro, se acompañó únicamente de media docena de mujeres todas vestidas de blanco, y por supuesto de su inseparable guitarra. El show comenzó con las voces a capella y algún taconeo. Por el contrario, hubo momentos de extrema belleza en los que solo se oía la guitarra de Yerai llevándote a sitios, mientras ellas guardaban estricto silencio. Se oyeron muchos «oles» desde el respetable mientras los artistas se arrancaban por bulerías, sobre todo. Sí hay algo de margen de mejora en el uso de la iluminación y en el dinamismo del repertorio.
En el mismo escenario del Teatro Central tocaba el día siguiente Ángeles Toledano, igualmente precedida de un silencio sepulcral. Cuando este se rompía, alguien mandaba incluso callar. El concierto empezó con la artista en solitario, a oscuras, y aporreando un sample. Después se le unió una banda con la que fue desgranando canciones de su disco ‘SANGRE SUCIA’, a destacar ‘MAMÁ, TENÍAS RAZÓN‘ en el último tramo. Entre las sorpresas que agilizaron su show, la colaboración de Dalila, a la que se presentó como «pionera de la identidad andaluza» pero en realidad protagonizó más bien un drum&bass; o la versión de Las Grecas de la que extrañamente se proyectó la letra, por accidente o no. En cualquier caso, una gozada que alguien seleccionara un tema de Las Grecas que no fuera ‘Te estoy amando locamente’. La elección de Ángeles Toledano fue ‘Qué bonito aquella noche’.
Javier Rosa (Monkey Week)
Hay que puntualizar que este espacio del Teatro Central era una carpa con forma de circo, y entre quienes mayor afluencia y entusiasmo despertaron en este marco, quienes mejor encajaban en este espacio festivo que al fin y al cabo tampoco era un teatro, fueron Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Fue uno de los shows más enérgicos, más propicios para el crowdsurfing -que se dio- y en el que los solos de guitarra eléctrica rugieron más alto. Se notaba que 1) jugaban en casa y 2) han sido número 1 en España este año.
El Escenario Jägermeister, contiguo y dispuesto en horas alternativas al Central, acogió como es habitual propuestas underground en general de artistas noveles y emergentes. Fue el caso el jueves de Brama, psicodelia hipnotizante de largos pasajes instrumentales; o el viernes de Ciutat, precioso R&B pasado por el filtro del Autotune, con el que los catalanes defendieron temas como ‘Nadie sabe’ o ‘Justo al otro lado’, este último dedicado a una novia y hermana de dos de los miembros, que ha marchado a Australia. En otras ocasiones, el grupo presentó una visión más discotequera y próxima a Daft Punk o The Field. Pero el «vibe» de ‘Una vez más’ no es el predominante en su set, en general orquestado por medios tiempos. Al fin y al cabo, les habían programado a las cinco de la tarde.
Al otro lado del río, en horario de club, Queralt Lahoz dio uno de los conciertos más vistosos de los presenciados en las tres salas contiguas, a cual más abarrotada. No hay duda de que la evolución de la cantante ha sido considerable desde que la conocimos más bien apegada al R&B, y en su repertorio ya encontramos restos de Cuba, son, reggae, electrónica noventera y por supuesto flamenco. La cantante, que acaba de sacar single, afirmó estar cerrando una etapa y el año que viene se abrirá otra excitante que incluirá nuevo trabajo.
Por Monkey Week pasan propuestas tan personales como las de Yeli Yeli o Barry B, con un disco recién salido, variado y desapegado de cualquier género que no dispuso del mejor sonido en la Sala X. Por el contrario, con mucho menos hype, Atención Tsunami hicieron entender todas sus letras perfectamente, convirtiendo temas como ‘Potencial’ en una celebración colectiva.
Un día después y en las antípodas estilísticas, Teo Lucadamo provocaba cola para entrar en la Sala Malandar, a 20 minutos andando de las otras tres. La mezcla de público a las puertas era tal que alguien se quejó a viva voz de toda la gente «mayor de 30 años» que iba a ver tal concierto. «Mi abuela es más joven que todos estos», exclamó. Teo Lucadamo, en cambio, se mostró agradecido de toda la gente de la industria que le había ido a ver, y bromeó sobre los posibles A&R de la sala. Portando una camiseta de Carolina Durante, interpretó éxitos como ‘Ritmo’, así como otras canciones de considerable personalidad en las que habla sobre Taburete, repite que «se lo monta que te cagas» o simplemente «que tiene calor». Ganchos que hacen de su repertorio uno de los más divertidos y amenos que se vieron en Monkey Week.
Oklou, la cantante y productora francesa que ha propuesto una manera diferente de entender el hyperpop, despojándolo de agresividad para dotarlo de pura ternura y melodía, en una serie de canciones que parecen nanas del futuro, ha anunciado que su nuevo disco, ‘choke enough’, se pondrá a la venta el 7 de febrero.
El que se considera el debut oficial de Marylou Mayniel tras darse a conocer en 2020 con el sobresaliente mixtape ‘Galore’, y tras colaborar con Dua Lipa en un remix de ‘Fever’, incluirá los singles ‘family and friends‘, ‘obvious’, ‘harvest sky’ y ‘choke enough’, y colaboraciones con underscores en ‘harvest sky’ y con Bladee en ‘take me by the hand’.
Oklou presentará ‘choke enough’ en Barcelona de mano de Primavera Sound, Caprichos de Apolo y MUTEK. La fecha es el 11 de marzo en Sala Apolo. Las entradas se ponen a la venta en Fever a partir de hoy 25 de noviembre a las 10 horas a un precio de 25 euros + gastos.
La cantante de folk japonesa Ichiko Aoba, muy conocida por sus ensoñadoras composiciones a la guitarra acústica, como ‘Asleep Among Endives’ o ‘Parfum d’étoiles’, ha anunciado que su nuevo disco verá la luz el 28 de febrero. Y de luz va la cosa, porque el disco se titula ‘Luminescent Creatures’ y se inspira en la fauna abisal, en esos organismos bioluminiscentes que viven en las aguas más profundas del planeta.
Para componer ‘Luminescent Creatures’, Ichiko Aoba visitó el archipiélago japonés de Ryukyu y se sumergió en sus aguas. Entonces, la cantante «empezó a darse cuenta de que la forma de los arrecifes de coral cambiaba con el tiempo, de cómo podrían verse afectados por el clima y de cómo el cambio climático podría afectar incluso a lugares remotos».
En cuanto al concepto de ‘Luminescent Creatures’, Ichiko Aoba explica que concibe el disco como una continuación del anterior, ‘Windswept Adan’. Era aquel álbum la «banda sonora de una película imaginaria sobre una niña que viaja desde su casa a la fantástica isla de Adan» (la música de Aoba se inspira en las películas de Disney y Studio Ghibli). En ‘Luminescent Creatures’, Aoba se pregunta «qué pasaría después de que la protagonista de ‘Windswept Adan’ desapareciera junto con la música de los habitantes de la isla».
‘Lucifèrine’, el primer avance de ‘Luminescent Creatures’, es una nueva muestra del acercamiento de Ichiko Aoaba a los sonidos orquestales propios de la banda sonora. En ‘Lucifèrine’, pianos y cuerdas crean una emocionante fantasía de danza submarina a la que Ichiko Aoba se une como un personaje (o un pez) más, casi como -efectivamente- en una película de Disney. En la letra, Ichiko canta que «dentro de cada uno de nosotros hay un lugar para que duerman nuestras estrellas».
En 2025, Ichiko Aoba se embarcará en la gira mundial de ‘Luminescent Creatures’, una gira que pasará por España. Las fechas son el 10 de marzo en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 11 de marzo en el Teatro Rambleta de Valencia. Las entradas están disponibles.
Father John Misty ha vuelto con ‘Mahashmashana’, uno de sus discos más ambiciosos. En su sexto trabajo, el cantante de 43 años se mueve constantemente entre lo divino y lo terrenal, abordando temas como el sentido de la existencia, la salud mental (en el tema del mismo nombre) o la corrupción de la humanidad. Este último podría valer como el tema principal de ‘She Cleans Up’, la Canción del Día.
‘She Cleans Up’ es la segunda canción más corta del LP, con solo unos segundos de diferencia respecto a la primera. Lo que más llama la atención inicialmente es el título. ¿Por dónde va a ir Josh Tillman en esta ocasión? Le das al play y, antes de obtener respuesta, suena, probablemente, la instrumental más cool de la carrera de Father John Misty. Es sucia, a lo ‘The Velvet Underground & Nico’, pero ordenada.
Escrita junto a Viagra Boys, ‘She Cleans Up’ es una gran sátira sobre el comportamiento de las celebridades (hombres, principalmente) y personas en posiciones de poder respecto a las mujeres. Todo empieza con una pregunta, desarrollada en la primera estrofa: ¿Qué pasaría si María Magdalena se hubiese enterado de que iban a matar a Jesús y hubiese decidido evitarlo? ¿Habría hecho lo mismo Jesús?
La respuesta a la que llega Tillman a lo largo del tema es que, probablemente, no. El artista estadounidense referencia la película ‘Under The Skin’ de 2013 como símbolo de algo que horroriza al hombre machista, en contraste con la estrofa siguiente, en la que aborda el tema de los abusos en Hollywood y de figuras como Harvey Weinstein: «¿Al menos consiguió la película?», se pregunta.
La canción termina en una nota pesimista, dando a entender que, como en la mayoría de casos, el abuso de poder sobre las mujeres siempre acaba igual («Ya sé cómo termina esto»). Aquí, FJM propone tanto algunos posibles desenlaces («Cien mil millones de bebés nacidos cada milenio») como puro comentario sobre el tema («Espero que nadie se meta con los hombres rechazados equivocados»).
YSY A es una eminencia en Argentina. Alejo Acosta fundó El Quinto Escalón a los 13 años, una de las competiciones de freestyle más importantes del mundo hispanohablante, y de la que han salido artistas como Duki, Paulo Londra, Trueno y muchos otros que hoy en día nos encontramos en las listas de éxitos. Incluso un joven Bizarrap aprovechaba por aquel entonces el boom de las batallas para empezar a subir vídeos compilatorios de los mejores momentos.
Todo este efecto mariposa desemboca en la gran relevancia del trap argentino a nivel internacional, el cual YSY conoce realmente bien. Gracias a unas letras con sustancia y a un inimitable flow, el artista de 26 años ha agotado todos los estados de Argentina y Latinoamérica, provocando hasta terremotos por el camino. Ya ha hecho historia en su continente. Ahora quiere conquistar los que quedan.
En su camino a la dominación mundial, YSY A hará dos paradas en nuestro país. El artista argentino actuará el próximo 27 de marzo de 2025 en el Wizink Center de Madrid y el próximo 5 de abril en el Sant Jordi Club de Barcelona. Las entradas, disponibles en Vivaticket y en la web del recinto.
Hablamos con YSY A sobre las similitudes entre el tango y el trap, los prejuicios del género, el origen de la ambición y la importancia de las canciones con mensaje.
Siendo honesto, nos hemos arriesgado con esta entrevista. Nuestra web es principalmente de pop, aunque saquemos cosas de rap a veces. Sin embargo, dados los tiempos en los que vivimos y, sobre todo, en Argentina, tú eres de lo más pop que hay, ¿no?
La verdad es que para lo poco comerciales que son mis letras, soy bastante popular. La gente, el pueblo, me quiere.
¿Cómo te presentarías ante una audiencia que no te conoce?
Me presentaría como un rapero al que le gusta desafiar a cualquier tipo de ritmo.
¿Nada más?
Bueno, esto es un resumencito para ser humilde. Quiero ser el mejor rapero de la historia y lo estoy tratando de demostrar con discos y giras.
Podrías presentarte de muchísimas formas. Creaste El Quinto Escalón con 13 años, has recorrido todos los estadios de Argentina…
Si arrancamos así, tengo 13 años para contar. Fui… Supe ser un joven soñador y ahora ya soy un joven adulto queriendo conquistar el planeta.
¿Qué piensas al recordar todo lo que has hecho?
Mucha emoción y convicción. Qué bueno todos esos sueños que tenía el Alejo de 13 años. Cuando empecé a rapear, ni me imaginaba vivir todo esto tan fuerte al día de hoy. Por eso lo trato siempre en las letras. Comparto esa inspiración para que el pibe o la piba que me escucha, por más que tenga otra vida, que sea deportista, que sea modelo, que estudie, que no, que se puedan sentir inspirados por mi mensaje. Hay que estar noches y días peleando por el sueño de uno.
Hace un tiempo igual era diferente, pero ya llevamos unos años en los que el hip hop, el trap, es el pop de hoy en día. Con todo el tiempo que llevas tú en el mundillo, ¿has notado este cambio en primera persona?
Muy lindo lo que decís. Al principio, el trap era una cosa de nicho, un sonido raro, loco. Acá en Argentina estamos muy acostumbrados a ver lo que pasa en el mundo y a querer deformarlo y hacerlo de otra manera. Cuando conocimos el trap y creé El Quinto Escalón era todo muy freestyle. Empezamos a entrar en el estudio, sacamos la primera canción y la gente no entendía nada, pero nosotros estábamos muy seguros de que había que hacer eso. Con el paso del tiempo, la gente fue escuchando, fue prestando el oído y, el día de hoy, es un sonido súper pop en Argentina. Lo conoce todo el mundo. Mucha gente se siente representada con el sonido.
En concreto, el trap argentino es muy respetado en todo el mundo.
Es muy lindo el cariño y el recibimiento que tenemos en todos lados. Yo estos últimos dos años viajé por diez países y es una locura llegar a tantos lugares y que nos reciban de esa manera. Creo que es una cuestión de que acá estamos en modo supervivencia, en el sur del mundo. Eso se refleja en el hambre que tiene la música, en el hambre que tiene el arte.
Este verano estuviste en el Sonorama Ribera. No es un festival en el que el hip hop tenga mucha presencia, pero de vez en cuando está programado. En la crónica dije que tenías el show más original de todo el festival, por mezclar el trap con un grupo de tango.
Fue la primera vez que tuve el honor de llevar a la orquesta con la que trabajo a otro país. Como decís vos, es un festival que su fuerte no es el trap o el hip hop y hay músicos muy grandes y respetados. Caímos con la orquesta, nos paramos ahí con la bandera, con la celeste y blanca, con el sonido del tango y fue un recibimiento increíble. Es un sonido que quiero seguir exportando al mundo porque sé que me va a llevar muy lejos.
¿Por qué pensaste que tenías que ofrecer un concierto diferente?
Justamente, porque era un festival que no era de trap. La oportunidad especial para ir con lo más musical de mi carrera, porque yo hago trap, es el sonido que más me gusta, pero, como dije al principio, yo quiero desafiar los ritmos. Quiero subirme a cosas que parezcan imposibles de rapear y hacer obras hermosas. Con el tango me pasó esto. Encontré sensaciones y emociones que nunca había conocido.
Creo que también callaste bocas, porque el trap es visto muchas veces como un género sin virtuosismo.
Siempre traté que el mensaje, los valores y el contenido de la música conecten con la gente. Entonces, traté de hacer un trap lo más fino y elevado posible, ¿viste? No, el trap no tiene letra. No, el trap no es música. Es todo autotune, no sé qué. Este último disco que saqué tiene mis letras favoritas de toda mi carrera. Sé que la gente no está acostumbrada a que haya canciones de trap con un mensaje, con un contenido más profundo, pero yo me acostumbré a hacerlo así toda la vida.
¿En qué se parecen el tango y el trap?
¡Uf, qué lindo! Creo que lo que más conecta, como se le dice en el tango, es el barro, la sangre… Esa cosa de venir de abajo, de haber pasado hambre, de no tener, de no ser, de ir aprendiendo y de chocarte con todo. Tiene también una oscuridad y una melancolía especial. El trap es pesado, son todas escalas menores, y creo que ambos géneros te permiten expresar muchas cosas. En una canción electrónica o de reguetón, yo no me voy a poner muy introspectivo ni muy filosófico con mi mensaje. Una canción de reguetón diciendo: «Dale, hermano, que tenemos que salir a conquistar el mundo. Armaremos una empresa entre todos, vamos a trabajar y a luchar». No puedo hacer una canción con ese mensaje. El tango y el trap te permiten armar una historia más profunda y más personal.
En ‘TRAMPA AL TIEMPO’ echas la vista atrás en tu carrera, como una recapitulación de todo lo vivido. ¿Qué significa para ti este disco?
Al fin y al cabo, yo tengo 26 años. Soy super joven, pero miro para atrás y hace 13 años que estoy haciendo esto. Ya tengo nueve discos, estoy tocando en diez países por año, estoy llenando estadios, entonces es muy fuerte para mí. Este año fue uno de madurez, de frenar y de mirar para atrás. Es un disco especial para toda esa gente que me sigue aceptando y para ese Alejo interior que vivió y soñó todo esto, y que ya lo está viviendo. En mis discos anteriores yo te podía hablar de que soñaba hacer cosas que al día de hoy, gracias a Dios, ya estamos viviendo. Entonces, ¿qué quieres que te cuente? ¿De qué quieres que hablen las letras? Estoy todo el día trabajando y desviviéndome por mi carrera. Yo no hago nada más que esto.
Cuando empecé a escuchar tu música, no solo este disco, me sorprendieron mucho tus letras, porque sentía que no estaba perdiendo el tiempo. Hay mucha motivación e inspiración en ellas. ¿Cómo de importante es esto para ti?
Yo lo que le aporto al mundo son las letras. Me tengo que concentrar en que sean buenas, buenas, buenas, porque es lo único que se le está dando al planeta. Para mí es una responsabilidad. Mi primer disco habla de la vida nocturna y de lo salvaje que fueron estos primeros años de pegarnos, pero ya en el segundo me di cuenta de que el mensaje mío no tenía que ser ese. Si yo le decía a todos los pibes que me seguían que había que estar de fiesta y descontrolado todo el tiempo, yo sabía que esa gente no iba a lograr nada en su vida. Entonces, en ‘HECHO A MANO’, yo ya dije: «Acá le tengo que poner mensajes a mi gente, algo que los acompañe a combatir los días malos, los momentos en los que no tenés ganas de trabajar, de estudiar, de entrenar». Este disco justamente es como volver un poco a ese mensaje. La letra es lo más importante.
¿Alguna vez has visto o sentido el efecto real de esas letras a tu alrededor, con tus propios ojos?
Sí, mucha gente que necesitaba un shot de energía para luchar por sus sueños y me lo agradecen por la calle. Yo también me diseñé mi propia ropa durante dos o tres años. Me la diseñé, me la estampé… me hacía todo yo. La gente lo vio y empezó su marca de ropa. Raperos y productores queriendo armarse sus sellos independientes después de vernos a nosotros hacerlo… Me pasó que un seguidor de acá, de Argentina, me dijo: «Vos me salvaste la vida». Y yo digo: «Bueno, gracias, ustedes también me salvaron la vida a mí». Porque es la verdad. Y el me decía: «No, pero vos no entiendes lo que te digo, no entiendes por qué me salvaste la vida». Me dice: «Con ‘Antezana 247’ yo te conocí a vos, pero con ‘HECHO A MANO’ me conocí a mí». Por más que vivimos cosas distintas… Yo ya soy un artista consagrado, exitoso, famoso, escuchado, pero igual hay que lograr conectar entre mi vida y esas millones de personas que me trajeron hasta acá.
Seguro que tú tampoco eres infalible. Me imagino que habrás tenido dudas durante tu carrera.
Sí, sí… Justamente de eso va el primer tema del disco, ‘DUELE’. Yo sé lo que duele estar sin lograrlo, noches sin dormir, ni comer, con un montón de gente a favor, con un montón de gente en contra, con nuestras familias que no entendían nada, con nuestros amigos, que nos tuvimos que alejar… El éxito está detrás de todos estos días de incertidumbre, de conflicto con uno mismo. La gente te ve encadenado, pero de los 365 días del año, solo el 10% son de éxito.
¿Qué hace falta tener para arriesgarse al éxito? Como dices en la canción…
Mucho amor y mucha convicción. Yo esto lo hago realmente por amor. La plata es algo que me encanta, porque me ayuda a mejorar mi obra, pero como dice el último tema del disco, yo nunca lo hice por la plata. Me meto dentro de estas cuatro paredes, enfrente del micrófono y hago lo que más feliz me hace hacer en el mundo. No lo dudo. Hay años mejores, hay años peores, hay errores… Soy un artista independiente, así que cada error que cometo lo tengo que pagar yo, y se aprende mucho.
En el disco también hablas de tus planes de futuro, que básicamente consisten en conquistar el mundo. ¿Esa ambición se construye o naces con ella?
Es algo que se entrena y se trabaja. Es muy importante tener un buen equipo, hermano. Gente que tenga el mismo hambre que vos, gente que esté loca como vos por hacer historia, por lograr esas cosas que parecen imposibles. Eso sí es un gran consejo que es muy importante y que alimenta ese hambre de la que estamos hablando. Es algo que se trabaja porque mientras más profesional te haces, más cuesta tener hambre, porque más te malacostumbras. Todo el mundo te ama, vas a los mejores restaurantes, viajas en primera… Todo lo que tiene la fama. Entonces, es muy importante no olvidarse de ese niño interior que uno tiene, de ese sueño… La fama y la plata te pueden hacer olvidarte un poco de esto y es un trabajo muy importante que hay que hacer de mantener ese fuego prendido.
El 27 de marzo vienes por primera vez al Wizink Center y el 5 de abril al Sant Jordi Club de Barcelona. ¿También tienes preparado algo especial para esas fechas?
Sin duda. Estoy preparando algo muy fuerte, porque yo ya tengo nueve discos. Elegir las canciones es un desafío. Y gracias a Dios, mi gente me sigue desde mi primer disco. Es una oportunidad muy especial para mí ir allá a un lugar tan grande, teniendo tanta discografía encima, y poder armar un show de todo. Tanto en Madrid como en Barcelona, he tenido shows muy buenos, para 2.000 personas, 1.500… y hemos hecho temblar todo. Ahora, con más miles de personas, no lo puedo creer.
Destiny’s Child se han vuelto a reunir esta semana, en la noche de estreno de la adaptación de Broadway de ‘La muerte os sienta tan bien’. Michelle Williams es una de las protagonistas de la obra, interpretando a Viola Van Horn. Beyoncé y Kelly Rowland no han dudado en apoyar a su excompañera de grupo.
No es la primera vez que el trío se reúne en 2024. El pasado enero actuaron en el 50 cumpleaños del marido de Rowland, cantando una versión especial del ‘Cumpleaños feliz’. También lo hicieron en la Super Bowl de Beyoncé de 2013, en los premios Stellar Gospel de 2015 y en la actuación de Coachella de Beyoncé en 2018.
Esta última vez ha sido inmortalizada por la cantante de ‘COWBOY CARTER’ en dos publicaciones de Instagram, mientras suena la canción ‘II Most Wanted’. Igual es hora de ir pensando en un remix de Destiny’s Child que se titule ‘III Most Wanted’. Respondiendo a la publicación, Williams ha comentado: «Intento no llorar muy pronto en el día PERO… Mis hermanas para siempre!!».
Lady Gaga vuelve a imponerse con ‘Disease’ como lo más votado en la final de X, por cuarta semana consecutiva. Como en la lista oficial española, Judeline marca un nuevo máximo esta semana con ‘zarcillos de plata’, llegando al top 5. La entrada más fuerte de la semana es la de Addison Rae, seguida de cerca por Sen Senra con ‘Ataúd’. Cariño y Primal Scream rondan el top 20, mientras Parade y Nacho Casado llegan al top 40.
Cassie Ramone es casi el arquetipo de artista de culto de los años dos mil. Si bien tuvo cierta repercusión como parte de las Vivian Girls y por su proyecto The Babies con Kevin Morby, siempre ha permanecido fiel a hacer música por razones artísticas y no económicas, lo cual te sitúa en ese nicho de supuesto prestigio pero nunca llena tu cuenta bancaria. Si a eso añadimos las vicisitudes de la vida que impiden centrarte en tu carrera, y que Cassie glosa con sinceridad en las notas del disco (“dejé de beber, volví a estudiar, pasé 24 horas en la cárcel y he estado trabajando en los últimos años repartiendo comida para diversas apps”) se puede entender la casi década que ha pasado desde su última entrega en solitario. Una discontinuidad que contribuirá -nos tememos- a que este disco maravilloso de una artista realmente singular pase bastante desapercibido. Y no será porque otras artistas también brillantes no nos lo recomendaran hace ya meses.
A eso hay que añadir los modestos medios: grabado a su bola junto al músico y compinche Dylan White, autoeditado por ella misma para no tener que esperar los lentos tempos de las discográficas, promocionado intermitentemente en redes con la confesión por delante de que no le agradan nada, ‘Sweetheart’ es un disco tan DIY como cabría esperar. Y sin embargo resulta la obra de la carrera de Cassie Ramone con el acabado más fino, las composiciones más inspiradas y la magia más especial. Conforme las semanas pasen y vaya cayendo en el inevitable olvido, fuera de la mayoría de listas de lo mejor del año, se volverá a repetir otra más de esas pequeñas tragedias, tan cotidiana y vulgar en el mundo de la música, pero tan injusta.
Porque en algún universo paralelo se apreciaría en su justa medida el reverbcore melódico, el pop personal y bellísimo de Cassie contenido en estas once canciones creadas por ella en solitario, y arregladas y construidas junto a White a distancia, entre Brooklyn y Nueva Jersey. Además, el hecho de que sean piezas más “vestidas” que en sus dos discos anteriores (el folkie y parco ‘The Time Has Come’, 2014, y el fascinante pero sobrio disco navideño ‘Christmas in Reno’, 2015) las eleva a un estatus de promesa cumplida que faltaba quizá en aquellos LPs previos.
Son canciones con formato de banda, con líneas de bajo e interesantes riffs de guitarra, y una profusión de melodías de clásico instantáneo. Ocurre en las (varias) cumbres del álbum, desde el casi-villancico de ‘Joy To The World’ (con su melancólica melodía a lo Brian-Wilson-de-bolsillo y toques de sinte) hasta la belleza envuelta de eco de ‘Wait a Minute’, a medio camino entre el C86 reverbcore de unas Shop Assistants y el pop eterno de la era del edificio Brill. También ‘He’s Still On My Mind’ ofrece una melodía de ensueño muy girl group, envuelto en riffs psicodélicos y toneladas de eco.
Pero la verdadera cúspide es ‘Together’: empieza sonando como Mary Weiss al frente de The Clientele y de repente transmuta en un banger con riff de guitarra memorable, una de las mejores canciones del año de largo, y otro tesoro que pasará desapercibido salvo que caiga en oídos de algún music supervisor de cualquier serie famosa (lo merecería). Además, sus versos sencillos pero directos se conjugan a la perfección con la emocionante música (“Me pillaste en el peor día posible / Y clavaste una flecha en mi corazón”).
Otro dato clave: a lo largo de todo el disco estas melodías que entremezclan indie millenial, gran cancionero pop americano (doo wop, Beach Boys) y hasta virutas de punk pop Cassie las envuelve mágicamente en una nube de borrosa felicidad reverbcore, una producción llena de ecos, neblinas. De ese modo las características voces agridulces, armonizando a veces no completamente afinadas, se disipan casi completamente en ese inmenso vapor de reverberación. Un enfoque reverbcore que resulta por tanto el elemento más definitorio de este ‘Sweetheart’, y está fascinantemente presente en todo el disco: ecos sin ningún tipo de medida, puro expresionismo, aunque sepulten armonías vocales, letras… porque lo que pueda emborronarse en un sentido, lo aporta en expresión por el otro, como si fueran las líneas de un diario personal descoloridas y borradas por el paso del tiempo.
Esto no es algo nuevo en Cassie: recordemos que las Vivian Girls fueron las reinas del reverbcore en los 00s, llegando incluso a actuar en directo durante una temporada con tres pedales de eco de muelle Holy Grail enchufados a los sus tres micrófonos, para alimentar sus voces con océanos de reverberación. Pero de alguna forma la nativa de New Jersey ha sublimado en esta última colección de canciones el poder evocador de ese efecto de manera especialmente brillante.
También muchas de las cualidades melódicas de este álbum estaban de alguna forma presentes en Vivian Girls -especialmente conforme los discos pasaban y abandonaban su ascendencia punk de los comienzos- e incluso en sus otros proyectos, en solitario o acompañada. Pero yo no había oído tantas melodías juntas tan bien trazadas por Cassie hasta el momento. Porque incluso album tracks como ‘Dilly Dally’ con su deliciosa caja de ritmos y aires Americana o la sorpresa grunge-pop un poco Sebadoh de ‘Running Dry’ son tremendamente adictivos, con el añadido de letras muy notables que plasman momentos turbulentos que Cassie intenta procesar escribiendo canciones pop (“Inicias un incendio forestal / Para quemar el desastre que has estado escondiendo /
Y quieres matarte, quieres por fin dejar de luchar / Por lo único que has hecho bien en tu vida”). Por cierto, Mac DeMarco participa en la sofisticada ‘The Only Way I Know How’.
El disco viene acompañado de un curioso “ensayo visual” en Youtube que dura la totalidad del LP, aunque no es en absoluto necesario para disfrutar lo que es básicamente un enorme disco de pop.
Father John Misty está teniendo el lanzamiento de disco más random de su carrera. ‘Mahashmashana’, el sexto disco del estadounidense, ha salido el mismo día en el que Kendrick Lamar ha decidido lanzar su nuevo disco sorpresa, ‘GNX’. Además, Cher se ha enterado de la existencia del cantautor.
Josh Tillman y Kendrick Lamar tienen una curiosa historia juntos. Desde el segundo disco del rapero en 2012, ‘good kid, m.A.A.d. city’, ambos han lanzado sus proyectos en el mismo año. Normalmente, con semanas o incluso días de diferencia. Hasta ahora, la mayor cercanía se dio en 2017, cuando Lamar lanzó ‘DAMN’ solo una semana después de la salida del mastodóntico ‘Pure Comedy’.
Sin embargo, hoy ha sido el colmo, ya que los dos han publicado su disco el mismo día. Por eso, tanto Father John Misty como sus fans se han volcado con el meme, bromeando sobre lo sucedido: «Ahora no, estoy garabateando furiosamente mi respuesta», escribía Tillman en X.
Poco después, este subió a Instagram una nueva canción, que no tardó en describirse como un «diss track» a Kendrick. La confusión es intencionada, al parodiar la portada de los recientes temas dedicados a Drake. En realidad, la canción se llama ‘God’s Trash’ y ya había sido desvelada en algunos conciertos del cantautor.
Aun así, la red no ha tardado en llenarse de memes. Uno en concreto es un mashup de ‘She Cleans Up’ y ‘tv off’ en el que Lamar rapea sobre las guitarras de Misty. Este ha reaccionado así: «Tío, ¿cómo?». Otro fan le ha intentado animar con una broma: «Siento que hayas lanzado un disco en el peor día posible para lanzar un disco». Misty se lo ha tomado con humor: «No pasa nada, las únicas otras veces en las que ha pasado solo fueron 2012, 2015, 2017 y 2022».
Kendrick Lamar ha lanzado un disco sorpresa titulado ‘GNX’. Era lo último que nos esperábamos. Es el primer lanzamiento oficial del rapero después de la masiva ‘Not Like Us’ e incluye la canción ‘squabble up’, mostrada brevemente en el videoclip del diss contra Drake. Sin embargo, la Canción del Día es ‘tv off’, otro éxito asegurado para Lamar.
El rapero de Compton vuelve a apostar por el hyphy de la mano de Mustard, artífice del beat de ‘Not Like Us’. Este subgénero del rap surge a finales de los 90 en la zona de la bahía californiana. Su nombre deriva de la palabra «hyperactive». El propio Mustard revivió este estilo a mediados de los 2010 y lo reconvirtió para ser puesto a todo volumen en las discotecas, junto a artistas como Roddy Ricch o YG.
El hyphy alcanzó la fama mundial con el éxito de ‘Not Like Us’, y Lamar no lo ha dejado de lado en ‘GNX’. De hecho, aprovecha para mostrar su versión más despiadada, dejando las metáforas y los conceptos elaborados de lado. ‘tv off’ es un claro ejemplo de esto: «A la mierda ser racional, vamos a darles lo que quieren», comienza Kenny antes de que rompa el beat.
A lo largo del tema, Lamar, con sus constantes cambios e inflexiones de voz, deja perlitas como «esto no es una canción, esto es una revelación, cómo hacer desaparecer a un negro». Drake está retorciéndose en su cama ahora mismo. En el LP, Kendrick no da tregua a nadie, llamando la atención a artistas como Lil Wayne o Snoop Dogg («Snoop posteó ‘Taylor Made’, recé por que fuesen los comestibles»).
‘tv off’ también deja una de las frases más salvajes del proyecto, y nos ayuda a hacernos una idea del momento vital en el que se encuentra el rapero. Se ha dejado de tonterías: «Siente que tiene derecho porque me conoce desde niño / Zorra, apartaría a mi abuela si no lo ve como yo lo veo». Es el complemento perfecto al grito que abre la segunda parte del tema. «¡MUSTAAAAAAARD!» suelta Lamar, en el que es ya un momento icónico del LP.
‘GNX’ es el primer lanzamiento de Kendrick Lamar fuera de Top Dawg Entertainment, el sello que le ha acompañado durante la mayor parte de su carrera. ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ fue su último proyecto con la discográfica.
El LP tiene 44 minutos de duración, divididos en 12 canciones. La lista de colaboradores está formada por SZA, en ‘luther’ y ‘gloria’, Sam Dew, AzChike. Asimismo, hay numerosas apariciones de raperos locales de Los Ángeles, como Dody6 o Peysoh. Mustard, Jack Antonoff y Sounwave, entre otros, han contribuido en la producción del disco.
Khalid, que lanzó ‘Sincere’ a mediados de año, ha salido del armario en X. Lo ha hecho simplemente tuiteando la bandera LGTBIQ+: «Ahí lo tenéis, siguiente tema por favor», ha añadido.
El autor de ‘American Teen’ se ha visto obligado a desarrollar sus pensamientos después de que un usuario respondiese a su primer tweet: «Espero que Mr. Khalid no sea gay». Entonces, el cantante de 26 años ha confirmado definitivamente que lo es y que «no pasa nada».
La noticia llega después de que el cantante Hugo D Almonte publicase en la red social, en un tuit ya borrado, que «uno de tus cantantes gay de R&B favoritos me realiza felaciones y es realmente malo». Él y Khalid tuvieron una relación que no acabó nada bien.
Khalid ha aclarado que si no había salido del armario públicamente, es porque «no es asunto de nadie», no porque esté avergonzado de su sexualidad: «Me han expuesto y el mundo sigue girando. No estoy avergonzado de mi sexualidad! La realidad es que no es asunto de nadie! Pero estoy bien conmigo mismo», ha escrito en un tuit posterior.
Vulture ha hablado con Almonte para preguntarle sobre lo sucedido: «Es realmente divertido como funciona porque mis intenciones nunca fueron exponer a alguien que claramente ya había salido del armario en la comunidad de Los Ángeles», ha declarado.
I got outted and the world still continues to turn. Let’s get this straight (lmao) I am not ashamed of my sexuality! In reality it ain’t nobodies business! But I am okay with me love yall
Amaral ha comunicado el aplazamiento del lanzamiento de ‘Dolce Vita‘, su nuevo disco, que se lanzaba el próximo 29 de noviembre, por asuntos familiares. Juan Aguirre, mitad de Amaral junto a Eva, se encuentra en Zaragoza acompañando a su padre en el hospital, mientras este lidia con un grave problema de salud, por lo que el grupo debe posponer el lanzamiento del disco y todos sus compromisos profesionales.
En el comunicado, Amaral cuenta que Juan Aguirre se encuentra acompañando a su padre en el hospital junto al resto de su familia, y explica que este hecho les ha sorprendido de manera «súbita e inesperada». Amaral, a continuación, anuncia el aplazamiento de su disco y de «todas las apariciones programadas en televisión, prensa, webs musicales y radio, así como firmas y fiesta de presentación».
Amaral explica que el lanzamiento de ‘Dolce Vita’ es importante para la banda y que espera poder publicar en álbum cuando se encuentre en plenas condiciones para hacerlo: «Queremos que lo recibáis con nuestra presencia y con toda nuestra energía». La nueva fecha de lanzamiento de ‘Dolce Vita’ se anunciará próximamente.
La vida de Phil Elverum dio un giro drástico cuando, en 2016, su esposa Geneviève murió a los 35 años de un cáncer de páncreas, tan solo un año más tarde de haber dado a luz a su primera hija. La inimaginable tragedia dio lugar a dos álbumes –‘A Crow Looked at Me’ y ‘Now Only’- absolutamente devastadores, existencialistas y pesimistas que describían el brutal desamparo que deja una pérdida de esas características.
Tras volver a firmar con el pseudónimo The Microphones en su álbum ‘Microphones in 2020’, el cantautor regresa cinco años después a su proyecto Mount Eerie, con una larga y ambiciosa obra en la que compila los diferentes estilos que han marcado su carrera hasta el momento, y en la que parece haber encontrado al fin cierta paz.
‘Night Palace’ destaca por su generosa y ecléctica oferta de géneros musicales. A lo largo de sus 26 canciones y 80 minutos de duración, el artista navega por distintas variantes de post-rock y folk alternativo, trazando un abanico sonoro que va del noise al ambient, o incluso al intimismo spoken word de sus más recientes trabajos elegíacos.
En ‘Night Palace’, mediante su decidida estética lo-fi, Mount Eerie dibuja un amplio paisaje que lleva al oyente a multitud de lugares. El confort de lo doméstico se presenta en canciones que expresan la felicidad que le proporciona pasar tiempo con su hija, como la dulce balada ‘My Canopy’, que viene precedida de ‘Swallowed Alive’, una breve pieza donde ambos juegan a gritar en un distorsionado abismo.
También persiste aquí la conexión con la naturaleza, siempre presente en todos sus trabajos, en canciones como en el rock sucio de la tensa ‘Co-Owner of Trees’ o en el estimulante experimento de ‘I Heard Whales (I Think), donde el cantautor introduce hacia la mitad una grabación de casi un minuto de sonidos del viento y del mar. A su vez, varios comentarios políticos tienen espacio en forma musical, como en la destacada ‘Non-Metaphorical Decolonization’, donde Elverum denuncia que «Todo lo que tenemos es robado y no puede ser apropiado / Esta “América”, esa vieja idea / quiero que muera”. O en la conmovedora ‘November Rain’, en la que describe las segundas residencias de los ricos que permanecen vacías en invierno y con las luces encendidas para que no les roben – una imagen poderosa que plasma con poesía la actual crisis de la vivienda.
Pese al mencionado sonido lo-fi, ‘Night Palace’ no es un álbum que en ningún momento le dé la espalda a la épica. Más bien al contrario: Mount Eerie construye numerosas melodías contagiosas e inesperados crescendos. ‘I Walk’ es una perfecta muestra de ello, que comienza con un leve rugido del viento colándose entre delicadas guitarras acústicas y una sutil percusión hasta que se expande hacia un electrizante clímax. Los doce minutos de ‘Demolition’ ofrecen una clase de distinta de esta épica, donde caben cambios abruptos de ritmo, distorsiones, textos hablados o sonidos de la naturaleza. Otros ejemplos mucho más accesibles son ‘Huge Fire’ y ‘I Saw Another Bird’, dos números indie-rock clásicos, pero con el mismo poder de sugerencia que sus grabaciones más experimentales.
A niveles generales, el inabarcable despliegue musical de ‘Night Palace’ es exigente y denso, pero está plagado de recompensas. Mount Eerie ha diseñado un álbum luminoso, que a través de eclécticas viñetas, ofrece un bello y fascinante escaparate de su valiosa visión como artista.
LVL1, uno de los artistas revelación de los últimos años en España a raíz del éxito de su single, ‘FVN!‘, que ha llevado al artista de Algeciras a aparecer en Rolling Stone o a colaborar con nombres internacionales como Danny L. Harle o EASYFUN, ha denunciado la «falta de respeto» que ha sufrido por parte de El Diario de Sevilla, en una noticia publicada por el medio sobre la programación de Monkey Week, que arranca esta semana.
En la noticia, El Diario de Sevilla enumera nombres de artistas femeninas que participan en el festival e incluye el de LVL1, a pesar de que el autor de ‘PLAY‘ usa pronombres neutros desde el inicio de su carrera. El medio, además, se niega abiertamente a usar los pronombres masculino o neutro: «El festival incluye a LVL1, la artista citada a petición propia, porque se siente hombre, como andaluz afincado en Madrid» era la frase en cuestión.
Curiosamente, el redactor expresaba en el texto tener «especial cariño» a LVL1 por haberle entrevistado en el pasado, a pesar de apelarle en femenino y de referirse a su identidad con tono burlón.
El artículo de El Diario de Sevilla ha llevado a LVL1 a aclarar que se reconoce como hombre trans y a revelar que se encuentra en «proceso de transición médica» aunque no entraba en sus planes hacerlo público: «Me jode tener que contar y justificar nada porque es literalmente asunto mío», ha declarado, apuntando que el hecho de someterse a una operación no le hace «más trans».
En una serie de tuits, LVL1 comenta: «Soy una persona trans y esto no es nuevo ni de hace dos días, llevo fuera del armario como persona no binaria desde el principio de mi carrera, y llevo sin usar pronombres femeninos desde poquísimo después. Es algo progresivo, de ahí que se llame transición. Es un proceso largo. A día de hoy, aunque siempre seré una persona no binaria, porque el género es una construcción social y creo que podemos jugar con él como queramos, mi identidad se acerca más a la de un chico que a la de una chica. Por eso, estoy en proceso también de transición médica».
LVL1 añade: «Quitando el hecho de que se me haya vuelto a meter otra vez en el saco de artistas mujeres, me jode que en el artículo se remarque el asunto de mi identidad sin tener ni idea de cómo hacerlo. Hablar de mí en femenino («citada») cuando ya se ha visto que ni en mis bios ni en ningún lado se hace, para, a continuación, decir que «me siento hombre»… es una falta de respeto. Y me duele porque se habla de que se me tiene cariño pero, sin embargo, se trata mi identidad como si fuera un capricho posmoderno cuando estamos ya en 2025 y deberíamos tener un poquito mas de educación con estas cosas».
Tras la crítica de LVL1, El Diario de Sevilla ha rectificado su artículo, en el que ahora se lee lo siguiente: «Quiero terminar mencionando a LVL1, afincado en Madrid, según el programa de mano, pero con raíces andaluzas que se extienden desde Algeciras a Sevilla».
Queralt Lahoz es una de las artistas revelación de los últimos años. Sus canciones, que mezclan sonidos flamencos, urbanos y latinos, como ‘De la cuela a los olivos’ o ‘En otro lugar’, han amasado millones de escuchas y conquistado a personas como el actual Ministro de Cultura, Ernest Urtasun.
‘Pureza‘, el álbum debut de Lahoz, se lanzó 2021, y la cantante de Santa Coloma de Gramanet prepara ahora su segundo lanzamiento largo, que saldrá «entrado 2025» según su equipo de prensa. El nuevo adelanto es ‘QL’, cuyo título efectivamente se compone de las siglas de Queralt Lahoz.
En el pasado, ciertos artistas de pop han cantado su propio nombre en sus canciones, en homenaje a sí mismos, como Madonna en ‘Bitch I’m Madonna’ o Jennifer Lopez en ‘Jenny from the Block’. En ‘QL’, Lahoz cuenta que ella que sus experiencias vitales la han fortalecido. Canta que vivió «muy pronto el dolor de la muerte» y que se ha hecho «más fuerte que la mimbre», y pide a Dios que cuide de los suyos. «¿Si no quién sería yo? Seguramente no sería Queralt Lahoz», rima.
«No cambio mi vida por una perfecta / si es que eso existiera yo prefiero esta», es la lección que deja Queralt Lahoz en la Canción Del Día. En lo musical, Lahoz elige un vibrante ritmo de cumbia que hace resaltar su espectacular voz. Su colaborador, el granadino Toni Anzis, produce la canción.
Queralt actúa hoy 22 de noviembre en el Monkey Week de Sevilla, y el 30 de noviembre dará un concierto acústico en el Teatre Bescanó de Girona. Después, estará en Miradas Flamenkas, en Madrid, el 1 de diciembre, antes de volar a Argentina: toca en Lollapalooza el 21 de marzo.
Hoy 22 de noviembre se publican nuevos álbumes de Quevedo, Father John Misty, Kim Deal (ex Pixies), Michael Kiwanuka, BLACKPANDA, Marilyn Manson o Samuraï. También se puede oír desde ya la banda sonora de ‘Wicked’, con canciones de Ariana Grande y Cynthia Erivo.
Lil Nas X lanza nuevo single solo una semana después del anterior, y Joe Crepúsculo apela a ‘Jessica’.. sonando al ‘Last Christmas’. Otro nombre propio, el de ‘Pamela Anderson‘, aparece en la parte superior de la la playlist «Ready for the Weekend», cortesía de Rigoberta Bandini.
Otros singles destacados los firman Franz Ferdinand con ‘Night and Day’, Rosé postulándose como ‘number one girl’, Queralt Lahoz presumiendo de vozarrón en ‘QL’, Ela Minus mirando ‘UPWARDS’ o Jimena Amarillo paseando su ‘Flow deskiciada‘.
Estrenan música, también, Oklou, que ha anunciado disco, u Omar Apollo, que canta ‘Te maldigo’, canción de la película ‘Queer’ de Luca Guadagnino, en la que aparece. La cosecha nacional deja nueva música de artistas recomendados en el site como stivjoes, arrecí0, vangoura o shego.
Paulina Rubio lanza su ‘Balada pop’, mientras Fresquito y Mango se dedican a «hacer hits», en otras novedades que puedes escuchar en la playlist actualizada. No os perdáis, tampoco, la nueva música de Tyla, Adrianne Lenker, Elliot James Reay, Somadamantina, SIMONA…
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love yall
