Rosalía y Ralphie Choo mantienen el número 1 en JENESAISPOP al hacerse con el 49% de los votos en X. No hay quien tosa a ‘Omega’, pero Ramper entran directamente al puesto 4. Todo un mérito para su estilo. También entre las entradas fuertes Juanjo Bona y Martin Urrutia, La Casa Azul con Soleá Morente, o The Weeknd con Playboyi Carti. En la parte baja de la tabla, encontramos a Ela Minus, Debbii Dawson y Kate Pierson.
‘Mesmerize’ de Ja Rule y Ashanti, ‘My Boo’ de Usher y Alicia Keys, ‘Dilemma’ de Nelly y Kelly Rowland, ‘Hurt You’ de Babyface y Toni Braxton, ‘Hate That I Love You’ de Rihanna y Ne-Yo… La historia ha dejado grandes duetos de R&B romanticones cantados por chico y chica. En ocasiones era ella la rapera y él el cantante, como es el caso de la seductora ‘Take Away’ de Missy Elliott y Ginuwine.
A esta larga tradición de música romántica se unen Álvaro Diaz y Nathy Peluso con su nuevo single, ‘Xq Eres Así?’, la Canción del Día. Aunque solo el tiempo dirá si ‘Xq Eres Así?’ merece incorporarse a ese panteón de clásicos, está clara la intención de Diaz y Peluso de recuperar el estilo de las baladas R&B de los 2000. Por un lado, la producción emite ese aroma a Timbaland que recuerdas. Por otro, la canción es pura seducción.
En ‘Xq Eres Así’, Álvaro y Peluso interpretan a dos tortolitos que se echan de menos. Para ellos no verse es el fin del mundo. Álvaro y Nathy esperan que el otro les llame por Facetime, se buscan en la calle. Pero se han distanciado. Por qué eres así, girl, canta él. Por qué eres así, boy, canta ella. Y Nathy, como invocando a Rocío Jurado, avisa de que el amor se ha quemado de tanto usarlo: «Nos deseamos tanto que hicimos que ardiera / y empezó a quemarnos de verdad», canta.
‘Xq Eres Así’ es la primera unión musical de Álvaro Diaz y Nathy Peluso. Casualmente, ambos han publicado disco este año, en el mismo mes de mayo: ‘Sayonara’ salía el día 17, y ‘GRASA‘ el día 24. Ambos discos permanecen en la lista de álbumes española: ‘GRASA’ ha vuelto a entrar en el 23 gracias al lanzamiento de su edición de vinilo, y ‘SAYONARA’ se mantiene en el 52.
El videoclip de ‘Xq Eres Así’ constata la influencia de los 2000 en todo el proyecto, evocando el ambiente de casa suburbana americana de la época, y también el vestuario. Dirigen Agustín Puente (‘GRASA’) y Didi Doménech (C. Tangana).
La Casa Azul actuando en el WiZink Center, antes el Palacio de los Deportes, no es algo por lo que muchos hubiéramos apostado hace 25, 20 o 15 años. Ahora parece fácil, pero todos los que estuvimos entonces sabemos que lo suyo podía haber terminado poco más o menos que donde lo de Astrud, Ellos o La Buena Vida. Sería feo -sería muy poco Guille Milkyway- dar nombres, pero muchos de sus contemporáneos que sí han sobrevivido, jamás actuarán en este lugar.
El éxito de La Casa Azul no se debe a la suerte o a que hayan cambiado las circunstancias a la voluntad del azar. Se debe al modo en que se ha crecido como autor, superando ‘Cerca de Shibuya’ con ‘Superguay’, y superando ‘Superguay’ con ‘La revolución sexual’. Después no superó ‘La revolución sexual’ pero sí construyó un repertorio nuevo que fue haciendo olvidar el anterior. Además, pese a su timidez, se ha atrevido aunque haya sido a trancas y barrancas -sus discos salen ya cada 6 o 7 años- a dar pasos adelante. La candidatura a Eurovisión y el Goya por la rumba ‘Yo también’, fueron decisivos, como después su aparición en Operación Triunfo.
Guille Milkyway nunca disfrutó demasiado ser un personaje público. En el fondo, todavía me pregunto si lo puede disfrutar hoy. Lo seguro es que el gran genio del pop se presentó en el WiZink dispuestísimo a convencernos a todos -tras años convenciéndose a sí mismo- de que era su noche. Hubo muchos «gracias, Madrid», se batió un récord Guinness de cañones de confeti, pero sobre todo, Guille estuvo más solvente de voz de lo que jamás le haya oído, arriesgándose a ponerse a sí mismo por encima de la música en la mezcla, depositando por tanto un enorme peso en sus letras.
Y sus letras han servido de terapia a dos, casi tres, generaciones ya, ejerciendo la labor de autoayuda, tratando de reafirmar el yo, arrinconando los complejos de inferioridad, la inseguridad y esa baja autoestima que parece inherente al underground. En un momento de sinceridad, Guille Milkyway comentó que durante gran parte de su vida se había puesto una coraza que impedía entrar a los demás, y estoy seguro de que ha sido el caso de muchísima gente que se ha agarrado a su música como un clavo ardiendo, porque en su entorno no era capaz de expresar sus emociones.
Por eso el concierto de La Casa Azul tiene tanto de simbólico. No sólo es el triunfo del pop, que también, sino una derrota para la masculinidad tóxica, una victoria para todos aquellos que apostaron por hacer pública cierta sensibilidad, reivindicar la inocencia y un buen hacer. Cuando su show pueda llenar el último graderío del Palacio (el formato del WiZink fue el de 10.000 personas, nada mal), España será definitivamente un lugar mejor. De momento, y debido a las amenazas de la actualidad, estamos aún en el camino.
Ainhoa Laucirica
Como concierto de 25º aniversario, el setlist contuvo temas de todas las eras de La Casa Azul. Comenzó con ‘La fiesta universal’, con Guille acercándose a aporrear la batería de uno de su media decena de músicos; siguió con ‘Chicle Cosmos’, hábilmente convertida en karaoke colectivo gracias a las proyecciones del estribillo; y enseguida sonaron ‘No más Myolastán’ y ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’. Abundaron las canciones de sus tres últimos discos, aunque si por algo fue especial el concierto fue por el viaje a sus inicios.
Hay quien va a un WiZink Center para lucir invitados o montaje. En este caso lo excepcional fue la recuperación de temas que no suelen sonar tanto en su repertorio, como ‘C’est fini’ o muy especialmente ‘Por si alguna vez te vas’. La banda de La Casa Azul se merendó este country precioso: si alguna vez Guille Milkyway había sonado a Juan y Junior se me había olvidado por completo.
En cuanto a sus primeras demos, ‘Tang de naranja, colajet de limón’, tras unas proyecciones emocionadas de Juan de Pablos e incluso la sintonía de ‘Flor de pasión’, se incorporó a un popurrí con temas de “El sonido efervescente”, entre los cuales ‘Hoy me has dicho hola por primera vez’ fue dedicado a Luis y Montse de su sello Elefant, quienes le han acompañado todos estos años. Esa parte se hizo breve, más aún que el disco propiamente dicho, aunque por suerte ‘Cerca de Shibuya’ sí sonó al completo. En concreto después de ‘Superguay’ y acompañada de proyecciones de Japón.
No suele tocarla ya Guille Milkyway ni pensaba hacerlo en sus 2 horas clavadas de set, por lo que nos había contado en un podcast. Y sabe muy bien lo que se hace porque ya no es una de las canciones más conocidas de La Casa Azul (exactamente sólo es la 42ª más escuchada), pero no se podía entender un concierto de 25º aniversario sin esta canción que tanto sonó en los primeros años de Ochoymedio, cuando Ochoymedio era el promotor de este evento. Su música, al fin y al cabo, lleva 25 años siendo “una invitación para viajar a un nuevo mundo”. Como dato, el concierto empezó a las 20.55 en lugar de a las 21.00 para poder terminar a las 23.00 como estaba programado (LOL).
‘El momento’ o ‘Esta noche solo cantan para mí’, con proyecciones ahora de Amaia y de Sophie, además de las artistas habituales, sí estuvieron entre los momentos más coreados, reservándose para el final, como era de prever, el gran hit que esperaba todo el mundo, ‘La revolución sexual’, con un exquisito guiño a The Chi-Lites; ‘Nunca nadie pudo volar’, una bomba de canción en directo que muchos no vimos venir; y como no podía ser de otra forma, ‘Como un fan’, que también había desaparecido de su repertorio en un momento dado.
Este no fue un concierto estrictamente nostálgico de La Casa Azul. Sonaron varios de los singles de su próximo disco. En particular, ‘Vamos a olvidar’ con Soleá Morente como invitada, apareciendo después de la versión a piano, emocionantísima, de ‘Yo también’, representó el futuro. Pero algunas letras de La Casa Azul, anoche coreadas por 10.000 personas, ponían sobre la mesa hasta qué punto han sido un método de supervivencia para el artista y sus fans durante 25 años. 10.000 personas que han construido su propio “mundo en un rayo de sol”.
Guille manifestó hasta en dos ocasiones que estaba muy nervioso, pero no se notó. Ya no es aquel que temblaba en la tele al lado de Raffaella Carrá, ni el muchacho que dejaba que el público cantara cuando él, casi siempre afónico, no podía. Anoche no hubo rastro de su afonía, y en ‘Como un fan’, además, se desprendió de su casco y de esas gafas tras las que ahora se oculta. Parte del público volvió a gritar con saña que Ben Folds Five «no eran suficientemente IN-DIES», solo que ya no en una sala pequeña o de mediano formato. El pop había triunfado.
Ainhoa Laucirica
Podcast: La Casa Azul no quería tocar ‘Cerca de Shibuya’
‘Moon Music’ ha sido un éxito rotundo para Coldplay. La banda de Chris Martin ha conseguido que su disco sea el más vendido en Reino Unido para un grupo desde ‘Midnight Memories’ de One Direction, en 2013. Asimismo, firman la mejor semana inicial de cualquier artista británico en tres años, desde el ’30’ de Adele.
Coldplay ha lanzado diez discos en más de 24 años, contando este último, y todos ellos han sido números 1 en Reino Unido. Una puntuación perfecta. ‘Moon Music’ ha vendido 236.796 unidades en su primera semana, lo cual lo deja solo por detrás de ‘The Tortured Poets Department’ de Taylor Swift en lo que a ventas totales en los primeros siete días se refiere. El de Swift consiguió vender 270.000 unidades.
‘Moon Music’ solo es el quinto disco en superar las 200.000 unidades en una semana en Reino Unido en todo lo que llevamos de década. Además de los últimos LPs de Adele y Taylor Swift, el resto de la lista la completan ‘Midnights’ y ‘Voyage’, el último álbum de ABBA. Además, es el que más rápido se ha vendido, tanto en versión física como digital, desde el de Adele.
En el siglo XXI, solo hay tres artistas que tengan más discos número 1 que Coldplay en Reino Unido. Serían Robbie Williams y Taylor Swift, empatados a 12, y Eminem, con 11.
Kanye West ha sido denunciado por un antiguo empleado que el rapero habría contratado para espiar tanto a la familia Kardashian como a su mujer, Bianca Censori. La denuncia ha sido obtenida por Page Six y está firmada por un hombre anónimo que asegura haber sido contratado en 2022 para tales tareas.
El hombre, identificado como John Doe, asegura que fue contratado en un principio como subdirector de la campaña política del artista tras su derrota en las elecciones de 2020, pero que pronto su puesto cambió al de director de inteligencia. Entonces, llevó a cabo «varias investigaciones» tanto a abogados como a familiares del rapero, incluidas Kim Kardashian y su actual esposa.
En la denuncia, se puede leer que el de ‘Donda’ mandó investigar a las Kardashian porque creía que la familia tenía «varios lazos» con distintas «iniciativas criminales». Entre estas, se cita el «tráfico sexual».
Por otro lado, John Doe debía «contratar investigadores privados para seguir a su mujer cuando esta viajaba sola para visitar a su familia en Australia». De momento, los representantes legales de Ye no han respondido a las acusaciones.
Ya queda menos para el esperado ‘Songs Of A Lost World’, que saldrá a la venta el próximo 1 de noviembre. The Cure han anunciado hoy un concierto de presentación del disco en Londres, en una sala de 3.000 personas, que también podrá verse desde casa de manera totalmente gratuita. Además, ya se pueden leer las primeras reseñas del álbum.
La noche del 1 de noviembre, el legendario grupo inglés llevarán a cabo el ‘Show Of A Lost World’, en el que tocarán el disco en su totalidad en la sala Troxy de Londres. Las entradas para el concierto saldrán a la venta el próximo 17 de octubre a las 16h en España. Una libra de cada ticket será destinada a la ONG War Child. Para el resto del mundo, el show podrá verse de manera gratuita en YouTube.
Por el momento, los singles ‘Alone’ y ‘A Fragile Thing’ ya están disponibles en las plataformas de streaming. En los conciertos de su última gira también pudimos escuchar ‘Endsong’ y ‘And Nothing Is Forever’ en directo. Sin embargo, ya están disponibles las primeras reseñas de las versiones finales. NME ha declarado en su reseña que ‘Songs Of A Lost World’ se trata del «disco más personal de la carrera de Robert Smith».
El medio británico describe ‘And Nothing Is Forever’ como un «suspiro magistralmente eufórico» y la equipara con clásicos como ‘Plainsong’ o ‘Pictures of You’. Por otro lado, da detalles sobre la «sombría» ‘Warsong’ y ‘Drone_Nodrone’, la cual «se siente como el primo travieso de ‘One Hundred Years’, ‘Burn’ y ‘Killing An Arab'».
The Cure – Songs Of A Lost World : Album Launch Show Live at Troxy London – 1st November 2024 Ticket info at https://t.co/63L11XJOKB Free Global Live Stream on The Cure YouTube – More details to follow pic.twitter.com/1Nd8E3bsF6
José Manuel Carbajal Zaldívar, más conocido como El Taiger, ha fallecido a los 37 años después de recibir un disparo en la cabeza hace una semana, durante un violento crimen. Tras siete días de incertidumbre para amigos, familiares y el pueblo cubano, su equipo ha comunicado en redes la muerte del cantante en el hospital Jackson Memorial de Miami.
«El Taiger fue declarado muerto y ahora se ha unido con su amada madre en el cielo», han compartido sus más allegados con sus millones de seguidores. Estos también concretaron que, pese a que «un equipo de médicos trabajó incansablemente para brindarle a José el más alto nivel de atención», no fue posible mantenerlo con vida.
Zaldívar era el mayor exponente del reparto, un género musical también conocido como morfa que surge en Cuba en la década de los 2020s. Se caracteriza por mezclar elementos de la salsa o la rumba, y de la música cubana en general, con el reggaetón.
Este cuenta con más de 1 millón de oyentes mensuales en Spotify y su canción más escuchada, ‘La Historia’, también fue un gran éxito en España. Es la sexta canción más escuchada en España en 2021, según datos de Promusicae, y se mantuvo durante 37 semanas en lista acumulando 5 discos de platino.
Es una dura noticia para la comunidad cubana, que se encargó de hacer vigilias en sus ciudades y llevar velas y fotografías al hospital en el que se encontraba el artista. Cantantes como J Balvin, Enrique Iglesias o Kiko Rivera también han enviado su apoyo. Este último le ha dedicado un emotivo mensaje en su perfil de Instagram: «Descansa en paz, amigo. Noticias que me parten el alma», ha publicado.
Desde tiempos inmemoriales, el ser humano ha intentado encontrar la receta para la juventud eterna. Vivimos en un mundo donde la vejez es sinónimo de fealdad, y en consecuencia, estamos constantemente rodeados de publicidad que nos invita a frenar las irremediables marcas que deja en nosotros el paso de los años: arrugas, canas, piel caída, etc. Esta presión estética, presente para todo el mundo, es mucho más agresiva con las mujeres, y más aún en industrias dedicadas al entretenimiento y la imagen.
Elisabeth Sparkle (Demi Moore), la protagonista de ‘La sustancia’, fue una gran estrella de Hollywood hace tiempo, y aquellos años dorados aún viven en la memoria colectiva de toda una generación. Sin embargo, a sus sesenta y pocos, a nadie parece interesarle ya lo que tenga que ofrecer. Relegada a un programa televisivo de pilates de no demasiada audiencia, Elisabeth pasa la mayor parte de su tiempo ansiando ser todo lo que un día fue. Su vida cambia cuando llega a sus manos información confidencial para adquirir un producto experimental que crea un álter ego más joven y “mejorado” de quien accede a consumirlo. La condición para usarlo es que ambos cuerpos deben alternarse cada siete días exactamente, y cualquier alteración de las normas tendrá consecuencias irreparables.
En su segundo largometraje, Coralie Fargeat, directora de ‘Revenge’, viaja a Los Ángeles para retratar la putrefacción de una sociedad que se esconde bajo el glamour hollywoodiense. De esta manera, la película opta por una estética artificial, con colores llamativos y decorados de diseño, pero sin ahorrar al espectador ni un segundo de visceralidad, entrañas y sangre. Sin duda, una alegoría de la superficialidad que plasma.
Apoyándose tanto en Cronenberg como en la New French Extremity (movimiento cinematográfico que se dio en Francia a principios de los 2000 caracterizado por sus historias truculentas y su violencia explícita), Fargeat ha creado un nuevo paradigma en el subgénero del body horror. ‘La sustancia’, además de su trasfondo feminista y social, es una película que conoce y juega a la perfección con los códigos del terror y hace con ellos una fiesta tan sangrienta como divertida. La cineasta mantiene un admirable pulso narrativo, generando un constante estado de tensión y extrañeza, permitiendo al filme explotar en varios momentos sin perder nunca el control.
Mucho del mérito lo tiene Demi Moore, encarnando las consecuencias del machismo y edadismo que seguramente haya vivido de primera mano y lanzándolas a la pantalla con valentía y rabia. Las grandes estrellas nunca se apagan, por mucho que Hollywood quiera convencernos de lo contrario. También su doppelgänger en la ficción, Margaret Qualley, inyecta -nunca mejor dicho- en su personaje una electricidad peligrosa, dotándolo de ambigüedad y sugerencia.
Las tres mujeres al frente de ‘La sustancia’ -Fargeat, Moore, Qualley- representan a distintas generaciones atravesadas, cada una a su manera, por un ideal de belleza inalcanzable que, literalmente, crea monstruos. La exagerada y satírica naturaleza de la película no impide nunca ver la verdad desde la que está realizada. Fargeat busca impactar, provocar incluso, pero lo hace con el objetivo de indagar en las propias entrañas del problema, de mostrar lo asqueroso que subyace detrás de todo aquello que es falso.
El gran éxito de ‘La sustancia’ es que su denuncia social no opaca su alma de espectáculo gore, gamberro y extremo. La cineasta, a base de referencias y discursos bien asimilados, ha elaborado un cóctel explosivo, diseñado para quedarse clavado para siempre en la retina de los espectadores.
Hoy 11 de octubre el mundo recibe nuevos lanzamientos de Charli xcx (no tan nuevo, es su disco de remezclas), Love of Lesbian, Becky G, La Femme, Niño de Elche, Glorilla, La Habitación Roja, Samara Joy, Soge Culebra, RÜFÜS DU SOL o Gonzy. En el lado nacional son varios los discos interesantes que ven la luz hoy de gente tan dispar como Le Parody, en la foto; Alondra Bentley, Çantamarta, Camellos o Ganges. El de Alavedra es del jueves.
La semana ha venido marcada por algunos lanzamientos sueltos tan destacados como los singles de The Cure, Halsey o el dueto de Dorian y Viva Suecia. En portada hemos comentado los singles de JENNIE, Mónica Naranjo, Alvaro Diaz y Nathy Peluso o la cantaora debutante Lela Soto.
Aterrizan en plataformas hoy también, o lo han hecho en los últimos días, las nuevas apuestas de Loreen, Nao, Te vi en un planetario, White Denim, mxmtoon, Dani Vega de Mishima, Saya Gray, Artemas, Biig Piig, Kinder Malo, Fitness Forever, Wallice, Nena Daconte, Silvia Pérez Cruz, Fazerdaze, Ojete Calor, The Kid LAROI o el nuevo intento en español de St. Vincent.
JENNIE ha triunfado últimamente de la mano de The Weeknd y Lily Rose-Depp en el slow jam lúgubre de ‘One of the Girls‘, un tema incluido en la banda sonora de la denostada ‘The Idol’ que supera los mil millones de reproducciones en Spotify.
Conocida por ser una de las integrantes de BLACKPINK, JENNIE ha lanzado varios singles en solitario. De hecho, fue la primera miembro de BLACKPINK en dar el salto fuera de la banda cuando sacó ‘SOLO’ en 2018. Después, ‘You & Me’ se editó en 2023. Hoy, JENNIE vuelve con uno de los grandes lanzamientos internacionales de la jornada.
‘Mantra’ es el primer single de JENNIE tras firmar por Columbia Records, y es un bop de ritmos Miami bass que sirve a la cantante para presumir de belleza: «Las chicas guapas no hacemos drama a menos que lo queramos, depende del día», canta la surcoreana, que incluso amenaza con «convertir» a todo aquel al que no le gusten las mujeres: «She’s a stunna / Makes you wanna swing both ways», canta.
El ‘Mantra’ de JENNIE viene acompañado de una producción cristalina y bailonga firmada por El Guincho, socio de todas las cool girls actuales. El Guincho acaba de ser noticia por revelar la influencia que Björk ha ejercido en su carrera, concretamente en su transición de artista a productor.
La Canción Del Día viene con otro de esos videoclips de alto presupuesto que se gastan las ídolas del k-pop. Dirige Tanu Muino.
Hace 2 años RTVE introdujo al mundo el nombre de Lela Soto, una de las promesas del nuevo flamenco. Lela Soto ha colaborado con Alejandro Sanz, La Pastori, Pitingo o Navajita Plateá, y en su acceso a la élite del flamenco ha tenido que ver su genealogía, pues ella es hija de Vicente Soto, hermano de José Soto, integrante de Ketama, y nieta de Manuel Soto Monje, El Sordera, según RTVE «descendiente de Paco de Lucía».
El contexto familiar de Lela Soto explica solo en parte su talento, pues su padre asegura que Lela canta desde pequeña y que entonces ya sabía que su hija iba a ser artista. Sin embargo, Lela -nacida en Madrid- posee una de esas grandes voces que pueden llegar muy alto.
Después de haber prestado sus servicios a diversos artistas, Lela Soto prepara su debut largo para 2025, de mano de Altafonte, y el primer adelanto ya se conoce. Lela Soto estrena hoy viernes ‘De tanto rezarle al santo’ recordando a la mejor Niña Pastori tanto en el sonido puro y cristalino de las guitarras españolas, como en sus requiebros vocales.
Como su propio título indica, ‘De tanto rezarle al santo’ se suma a la actual recuperación de los símbolos de una España antigua para contextualizarlos en el presente. Así, no extraña que, en el videoclip, Lela cante en el interior de una casa típica de pueblo, decorada con cuadros de iconos religiosos, cruces o hasta con una escopeta, que Lela después empuña.
Mientras prepara su álbum, Lela Soto continúa de gira con conciertos en diversas ciudades de España. Las próximas fechas incluyen el 19 de octubre en la Sala Apolo de Barcelona, el 26 de octubre en Suma Flamenca en Madrid, el 9 de noviembre en el Guess Who de Utrecht, Países Bajos y el 7 de diciembre en el Nocturama de Sevilla.
La subida continuada de los alquileres, la incapacidad para miles de jóvenes que trabajan de emanciparse pasados los treinta, la imposibilidad para otros miles -o millones- de permitirse una vida digna, la crisis de los pisos turísticos, la gentrificación, el efecto que esta serie de problemas acarrea en la salud mental… ha llevado a España a un punto de ebullición. Este domingo 13 de octubre la manifestación por la vivienda exige al Gobierno un cambio real.
En este contexto, el nuevo disco de Biznaga es el más relevante del momento, y desde su mismo título propone una “acción directa”, en el “¡AHORA!”, de reclamación de derechos. En su punto de mira está el ladrillo, como muestra la icónica portada, en el que se puede definir en términos de disco conceptual sobre la crisis de la vivienda y las diferentes problemáticas que porta consigo.
Las canciones de ¡AHORA! reciben títulos como ‘El futuro sobre plano’, ‘Las afinidades eléctricas’ u ‘Ocupar el AHORA’. Hablan del “derecho la ciudad” o alertan del fin del “tejido vecinal”, critican el turismo masivo y la proliferación de los desahucios. Se dedican a la exploración laboral: “40 horas a la semana, por un sueldo que se queda en nada, te hace fuerte lo que no te mata”. Algunas canciones se atiborran de ‘Bendodiazepina’, en concreto de «Lorazepam». En definitiva, da ganas de ir regalando copias por el Congreso de los Diputados, a ver si alguien le pone una oreja.
Biznaga no se anda con rodeos y, para transmitir su mensaje social de manera clara y directa, elige su faceta más pop. El screamo de Álvaro García no puede sonar mejor. Las guitarras eléctricas se empapan de una luminosidad que remite al college rock americano de los 90, de R.E.M. a los Rem…brandts. Y, aunque la influencia del post-punk sigue en la corriente sanguínea de las canciones de Biznaga gracias al crudo bajo de Jorge Navarro, las canciones son melódicas y vigorosas. Algunas se cuentan entre las mejores de la carrera de Biznaga.
“Vamos a fuera a hacer que suceda” es probablemente el gran lema de ‘¡AHORA!’. Proviene de ‘El Entusiasmo’. Pero la canción no se queda en mera consigna ni se conforma con ser una “canción de acción directa”, sino que va más allá y construye uno de los mejores himnos de la carrera de la banda madrileña. ‘Espejos de caos’, por otro lado, es esa balada que cuenta la crisis de vivienda a través de un prisma personal. Es la historia de una pareja que no se soporta, pero que dependen el uno del otro para pagar el alquiler. El estribillo invita a desahogarse y romper todo.
Aunque, en general, la personalidad de las canciones de ‘¡AHORA!’ está en que son una mina de frases citables. En ‘Imaginación política’ Biznaga denuncian la «cuestión habitacional», avisan que «te echarán del barrio, pero en Cabify» y declaran que «lo social pasó de moda». En ‘El futuro sobre plano” alertan de “mas tensión, más turistas, más desahucios”. En ‘La gran renuncia’ tienes que comprobar que las guitarras afiladas no las haya aportado Alizzz (no es el caso), pero sobre todo sobresale su crítica a la meritocracia, de una jornada laboral que termina con “arcadas”. Y en ‘Lorazepam y plataforma’ se retrata a una generación «que vivirá peor que sus padres» y cuyo «horizonte de futuro es un fondo de pantalla».
El capitalismo salvaje, la adicción a los ansiolíticos, la precariedad del «Rider» que se juega la vida repartiendo cada noche, la ‘Agenda 2030’, que titula de las pistas y, en general, la imperiosa necesidad de rebelarse contra una autoridad que ve la disidencia como un mero acto de «mala educación» injustificado, y contra una «patria» que tiene al dinero por Dios, construyen canción a canción, ladrillo a ladrillo, un disco de Biznaga lleno de tiros y que radiografía muchos de los asuntos de mayor preocupación de la sociedad actual en España, así como la manera en que se interrelacionan.
Charli xcx ha publicado su disco de remixes, ‘Brat and it’s completely different but also still brat‘, muy esperado por la espectacular cartera de artistas invitados que presenta su renovada secuencia, de Ariana Grande a bb trickz pasando por Billie Eilish, Lorde, The 1975, Robyn, Caroline Polachek o hasta un «featuring» no acreditado de Dua Lipa recitando frases en francés y español.
Charli, que está más que curtida en el mundo del club, no ha llamado a estos artistas para dejar las canciones tal y como estaban. Al contrario, las ha actualizado hasta el punto de que, en algunos casos, son composiciones «completamente diferentes». Pero aún «son brat» porque la nuevas letras escritas para la ocasión evocan las de las grabaciones originales, respondiendo a ellas o añadiendo reflexiones y por supuesto voces -perspectivas- adicionales.
Así, Ariana Grande aparece en ‘Sympathy is a knife’ para señalar a los fans tóxicos que analizan su físico obsesivamente. En ‘Club classics’ con bb trickz, Charli medita sobre la presión de las giras y, en ‘b2b’, alude al repentino éxito que ha logrado este año, en un remix que solo podía contar con Tinashe en el papel invitado. La preocupación de Charli por su maternidad, en relación con el devenir de su carrera, es explorada a fondo en ‘I think about it all the time’, transformada de la mano de Bon Iver.
Aunque el remix que deja más irreconocible la pista original puede ser ‘I might say something stupid’, que en manos de Jon Hopkins pasa a convertirse en una balada ambiental neoclásica, mientras, en la parte vocal, algunos dicen que la presencia de Matty Healy de 1975 no podría ser más oportuna, dado el título de la canción. Otras pistas respetan más sus formas originales, como ya hemos escuchado en los remixes de Lorde o Billie Eilish.
Por otro lado, aunque algunos anuncian que Charli ha «reinventado» el concepto de discos de remixes con este nuevo lanzamiento, su aproximación a la remezcla es en realidad parecida a la de Björk, otra artista que no hará un remix si no es para transformar la grabación original por completo. ‘Telegram’ (1996) es un precedente de ‘brat and it’s completely different but also still brat’, aunque antes, en 1994, se editó un recopilatorio de remixes de ‘Debut‘ cuyo título, tan directo y franco, aparentemente improvisado, evoca el de Charli: ‘The Best Mixes from the Album-Debut for All the People Who Don’t Buy White-Labels’. Claro que, en 2024, es el mundo de Charli.
Mónica Naranjo ha estrenado su nuevo single, ‘FAMA’, una adaptación del éxito francés de 1975 ‘Une femme avec toi’ de Nicole Croisille, como ha informado Odi O’Malley. Una canción de amor y seducción en la interpretación de Croisille, que Mónica Naranjo transforma en una de sus arias melodramáticas sobre la gloria y la «fama», jugando con el parecido fonético de esta palabra y la pronunciación de la palabra «femme» (mujer en francés) en la grabación original.
‘FAMA’ se parece a ‘Europa’ en el retrato que presenta su letra de una diva «entregada al clamor» de su público y que afronta grandes «ríos de fama», mientras desde el escenario observa a una niña bailando feliz, que un día fue ella. Es la imagen de una diva clásica, anacrónica, una especie de Maria Callas que canta frente a una gran orquesta… y después acompañada de una marcha militar.
Aunque la dirección musical es menos impredecible que la de ‘Europa’, la producción ralla el exceso en la incorporación de un ritmo de chasquidos que suena desubicado. Aunque para excesiva la interpretación vocal de Naranjo, que en ‘FAMA’ hace alarde de pulmones, como nos gusta. Recomendamos la versión «extendida» frente al atropellado «edit».
‘FAMA’ marca el regreso de Mónica Naranjo después de unos meses de ausencia en redes sociales. Recientemente, la cantante catalana ha anunciado su ‘Greatest Hits Tour’ para 2025. No solo eso, sino que se habría aventurado en un proyecto de inversión inmobiliaria.
Según informa la revista Lecturas, Naranjo llevaría dos años metida en la venta de pisos junto a su pareja, Lain García Calvo, un escritor catalán de autoayuda y superación personal. De esta forma, los dos ya habrían invertido un millón de euros en la compra de siete propiedades en Madrid, Barcelona y Zaragoza a través de una sociedad llamada Agapersons SL.
No todas estas adquisiciones serían pisos, sino que también se cuentan locales comerciales y hasta una plaza de garaje. La revista informa también de que ambos necesitarían el consentimiento del otro para realizar cualquier movimiento y de que hace tres meses dieron de alta otra sociedad, también en el mundo inmobiliario.
Halsey continúa con la original promoción de su próximo álbum, ‘The Great Impersonator’. La cantante ha hecho honor al nombre del disco, decidiendo convertirse en la ‘gran imitadora’, pero de verdad.
Así, cada día hasta el lanzamiento del disco, el próximo 25 de octubre, Halsey se caracterizará como los iconos de la música que han inspirado su disco. Hoy, además, ha publicado ‘I Never Loved You’, inspirada en Kate Bush. Halsey ha elegido la icónica fotografía de 1981 en la que la cantante aparece sobre un fondo azul y rodeada de telas del mismo color para ser recreada, y el resultado no puede ser mejor.
Todo empezó hace unos días con la imitación de Dolly Parton, también logradísima. La canción inspirada en la artista de country es ‘Hometown’, todavía inédita. La segunda fue PJ Harvey y su icónica portada de 1995 para la revista I-D. El tema inspirado en ella es ‘Dog Years’. Además, Halsey añade que se trata de «una de mis canciones favoritas del disco» y que está inspirada en «una de las artistas más influyentes de mi vida».
Hoy, Halsey ha vuelto a sorprender caracterizándose como Cher, la cual ha influido la canción ‘Letter To God (1974)’. Halsey le dedica estas palabras: «Reina indiscutible. Una de mis canciones favoritas de Cher, ‘Dark Lady’, era número 1 en 1974. Hoy en día, sigue siendo número 1 en mi corazón».
El Guincho, conocidísimo productor de artistas como Rosalía, Charli XCX o Camila Cabello, también tiene una singular carrera en solitario de la que salieron cuatro discos: ‘Folías’, ‘Alegranza’, ‘Pop Negro’ e ‘Hiperasia’. En una entrevista con Billboard, el canario ha revelado que Björk fue la persona que le abrió los ojos y le dijo: «Eres un productor».
Pablo Díaz-Reixa cuenta en la conversación con el medio estadounidense cuál fue el bolo que le cambió la vida (en un club underground de Madrid), la «extraña» música que hacía en sus inicios en Las Palmas de Gran Canaria, cómo conoció a Rosalía y, por supuesto, cómo ha llegado a trabajar con todas las chicas guays del pop. Una de las mejores historias es en la que interviene Björk.
El Guincho cuenta que después de lanzar su tercer disco, recibió una llamada de la artista islandesa para trabajar en ‘Biophilia’. Este cuenta lo que sucedió en las sesiones como algo que le dejó estupefacto: «Recuerdo que me dijo, ‘Eres un productor'», cuenta. Sin embargo, este no opinaba lo mismo, ya que se veía como «un artista». Díaz-Reixa cuenta que después del fallecimiento de su madre y de pausar su carrera durante varios años, se dio cuenta de que Björk tenía razón.
«Lo que dijo ella tenía sentido, porque la parte que siempre he disfrutado más es la de hacer canciones. Me gustan los conciertos y la conexión, pero mi verdadera vocación es perder el mayor tiempo posible en el estudio y el menor tiempo posible en los otros deberes de un artista», cuenta. Ahí surge ‘Hiperasia’ (2016), que según él sirvió como «una especie de escuela» para saber el tipo de productor que quería ser. El resto es historia.
La crudeza de Mac Miller y un timbre vocal similar al de Post Malone. Así se podría describir la música de Sam Tompkins. El cantautor británico estará presentando su último disco, ‘hi, my name is insecure’ en Madrid y Barcelona los próximos 15 y 16 de noviembre, respectivamente.
Sam Tompkins es uno de los artistas favoritos de tus artistas favoritos. Al menos así es para Drake, Sam Smith o Justin Bieber, entre otros. De hecho, el canadiense no se perdió su concierto del año pasado en The Troubadour de Los Ángeles. El artista de 26 años encontró la fama viral en Tik Tok en 2021 tras ser un músico callejero durante años y no ha parado de subir desde entonces.
Su fuerte es una colección de temas tan emocionantes como pegadizos. Él mismo describe su música como «pop cinemático, emotivo y de autor». En esta descripción entrarían temas como ‘lose it all’, ‘die for someone’ o la acústica ‘dead to me’. «Voy a perder mis amistades si no empiezo a salir», canta en esta última.
Tompkins presentará sus mayores éxitos y su último disco en nuestro país el próximo noviembre: estará el día 15 en el Lula Club de Madrid y el 16 en Razzmatazz 2, en Barcelona. Las entradas ya están a la venta en Live Nation y Ticketmaster.
Fabiana Palladino ha publicado uno de los álbumes de pop más elegantes de 2024. ‘Fabiana Palladino‘, un trabajo influido por el pop de los 80 de Prince y Janet Jackson, pero que cuenta con el aura contemporánea de Jai Paul -quien ha participado en la producción-, es un debut que parece venido de la nada, pero que se lleva gestando años, y sus canciones han conquistado a gente tan influyente como Robyn o Lorde, que las han recomendado en sus redes sin que nadie se lo haya pedido.
Es imposible hablar de Fabiana Palladino sin mencionar que su padre, Pino Palladino, un reputado músico de sesión que ha tocado -y sigue tocando- con los grandes, de Elton John a The Who. El bajo que escuchas en ‘II Most Wanted‘ de Beyoncé y Miley Cyrus está tocado por él. Fabiana ha hecho carrera también en esa disciplina durante años y, por ejemplo, ha salido de gira con Jessie Ware, pero ahora ha llegado el momento de que sea ella la protagonista.
No es fácil pasar de ser un miembro más de una banda a convertirse en la estrella del estudio de grabación, pero el material de Fabiana es sólido y su disco es uno de los mejores del año. Fabiana lo presentará en España este mes de octubre en dos fechas, el 19 en la Sala Clamores de Madrid, y el 21 en la Razzmatazz 3 de Barcelona. Hablamos con Fabiana sobre su álbum, el lapso de 10 años que ha pasado desde que escuchamos su música por primera vez, y también sobre su pasión por Lady Gaga.
¿Cómo ha sido este último año para ti?
Ha sido un año loco. Mi vida ha cambiado drásticamente después de publicar el álbum, un trabajo de cuatro años. Antes había tocado para otros artistas, así que es muy grato poder hablar de mi propia música. Sacar un álbum, hacer una campaña promocional, rodar videoclips… ha sido muy especial. Pero lo más especial ha sido tocar en directo y conocer a la gente en persona.
Hablas de campañas… ¿Has mandado tu disco a los Grammy? He estado mirando en la lista de GoldDerby, pero no apareces.
Creo que sí, mi sello ha enviado el disco a varias categorías. Soy muy mala recordando los nombres de las candidaturas, pero uno creo que es una Mejor álbum de pop, otra Mejor dúo de pop por ‘I Care’ con Jai Paul, y otra Disco con mejor ingeniería de sonido. Esta me ha sorprendido bastante, no entiendo muy bien por qué se ha mandado el disco a esta categoría.
¿Por qué? ¿No piensas que tu disco tenga una buena ingeniería de sonido?
(Ríe) ¡Está bien! La ingeniería de sonido del álbum la ha hecho gente con mucho talento. Simplemente, para mí no ha sido una prioridad. Sinceramente, me pondría muy contenta estar nominada en cualquier categoría. No me imaginaba ni siquiera que el sello lo propondría…
Te diría que, cuando escuchas el disco, una de las primeras cosas que llaman la atención es lo bien producido que está, si no lo primero, a nivel técnico.
De hecho, la producción es la parte del proceso que más tiempo ha llevado completar. Las canciones se escribieron rápido, pero la producción ha tomado mucho tiempo y esfuerzo. Ha sido un proceso largo encontrar a los ingenieros adecuados y dar con la mezcla perfecta para llegar al sonido actual.
La primera vez que hablamos de ti fue en 2014. En aquel entonces lanzabas tu single ‘For You’ con Sampha. Tu disco ha salido 10 años después. ¿Qué ha pasado?
Ha sido una mezcla de cosas. Básicamente, no quería sacar nada que no me convenciera por completo. En la época de ‘For You’, podría haber publicado más música y firmar un contrato discográfico, pero no era el momento adecuado; el material no me convencía lo suficiente. Además, en ese momento ya me ganaba la vida tocando para otros artistas como músico de sesión, y esa parte de mi vida ha sido muy valiosa también, durante muchos años. He tenido que renunciar a eso para hacer el disco que quería hacer, y eso también ha sido duro, en parte.
¿No eres de esas artistas que escriben canciones en 5 o 10 minutos?
He escrito canciones en muy poco tiempo, mientras que otras me han tomado años. En general, soy una persona lenta, que necesita su tiempo para procesar las cosas, pero desde que he lanzado el álbum, siento que todo está fluyendo a un ritmo más rápido, y me siento cómoda con ello. Estoy intentando no detenerme. Ahora estoy escribiendo, creando música y tomando decisiones más rápido que antes.
No existen demasiados casos de artistas que se dan a conocer y tardan 10 años en publicar su debut. Se me ocurre Koreless, por poner un ejemplo reciente. ¿No tenías miedo que la gente se olvidara de ti con toda la nueva música que sale cada semana?
Es algo que me ha preocupado, sí. Hoy en día sale muchísima música, y da la sensación de que la gente quiere novedades rápido, para consumirlas deprisa y luego pasar a lo siguiente. Es una de las razones por las que en el pasado me he sentido cohibida a la hora de publicar mi música, el hecho de sentir que no puedo seguir el ritmo. Sin embargo, la respuesta a mi disco ha sido muy positiva; creo que la gente valora que me haya tomado mi tiempo para crearlo sin prisas. Al mismo tiempo, también noto que la gente que aprecia mi música quiere más. Siento la presión, ningún artista puede ignorarla: el público siempre quiere más de lo que tengas que ofrecer. Estoy intentando ir más rápido, pero siempre cuidándome de que esta presión no afecte a mi música.
«Hoy en día sale muchísima música, es una de las razones por las que he tardado en publicar mi disco, el hecho de sentir que no puedo seguir el ritmo»
¿Cuál es la cronología de la composición del álbum? ¿Qué canción escribes primero, y cuál en último lugar?,
Ha sido un proceso más o menos de cuatro años. Antes de eso escribí alguna canción suelta. La primera que compuse para el disco fue ‘Stay with Me Through the Night’, esa la tenía desde hacía años. Siempre supe que quería meterla en un álbum y, al final, ha terminado influyendo el sonido del resto de canciones. Allá por enero de 2020, el plan era lanzar un EP en Paul Institute que incluyera esa canción y otras dos más que tenía acabadas. Sin embargo, por diferentes motivos, el EP se metió en un cajón y se decidió lanzar un álbum directamente. Ahí es cuando el proceso del disco empezó a tomar forma. Muchas canciones las escribí ese año, y la última fue la que abre el disco, ‘Closer’, que me tomó diez minutos escribirla. No sé por qué salió sola.
Te iba a preguntar por ella, las percusiones son tremendas. ¿De qué va a esta canción?
‘Closer’ habla de la incertidumbre y la confusión que se pueden vivir en un contexto romántico, de no saber qué sientes y qué siente la otra persona. Las relaciones pueden ser muy complejas. Es un sentimiento universal. Quería para ‘Closer’ capturar un sonido atmosférico e intenso. A la vez, en la composición se da un juego de tensión y relajación, porque las percusiones dan duro pero los acordes aportan una suavidad. Me he inspirado en mis canciones de R&B favoritas, de Aaliyah, Timbaland, gente así. Aunque no creo que suene a su música para nada, esa era la intención.
Hombre, ‘In the Fire’ suena mucho a Aaliyah, aunque ‘Closer’ me recuerda un poco al late night R&B de Alexander O’Neal. Todo el álbum, en realidad. Tiene sentido porque Jimmy Jam & Terry Lewis eran sus productores y tú llevas una camiseta de Janet Jackson en las imágenes promocionales.
Sin duda, Jimmy Jam & Terry Lewis han ejercido una enorme influencia en mi trabajo. De hecho, no sé por qué no los he mencionado al hablarte de ‘Closer’. Son tan influyentes que me olvido de mencionarlos porque casi que los doy por sentados. Están en el ADN mismo del disco. De hecho, ha pasado una cosa loca, que Jimmy Jam ha escuchado el álbum, no sé cómo, y ha estado comentando en algunas de mis publicaciones de Instagram. No he dado crédito… ¿de verdad está persona a la que tanto admiro escucha mi música? Para mí es una figura tan misteriosa… Es increíble que apoye mi disco.
¿Qué ha aportado Jai Paul al disco exactamente? Porque tú lo produces entero, pero él ha hecho cosas también.
Yo he producido el disco, pero Jai Paul ha tenido mucho que ver con el sonido de las percusiones y las programaciones. Las baterías de ‘In the Fire’ o ‘Can You Look in the Mirror?’ suenan como suenan porque Jai Paul las ha creado en base a lo que yo buscaba. También ha participado en el sonido de la voz y de ciertos instrumentos; son elementos que hemos creado juntos, pero bajo su dirección e influencia.
‘I Care’ es tu mejor canción, ¿no? A mí me lo parece… Cuéntame algo que la gente no sepa de ella.
Bueno, lo comenté brevemente cuando salió, pero ‘I Care’ está inspirada en los duetos de Motown que escuchaba de pequeña, de Marvin Gaye y Tammi Terrell, Diana Ross, gente así. Ya no se hacen duetos románticos de este estilo, en los que cada intérprete canta su lado de la historia, y quería hacer mi propia versión de eso, pero no quería escribir una canción de amor y ya está, sino que quería meterme en los grises, hablar de ese momento en que no estás segura de que la canción vaya a algún lado.
«Soy una fan loca de Lady Gaga, la admiro porque es una artista valiente y que tiene muchas facetas»
Ahora mismo un dueto romántico como los que comentas está posicionado en el número 1 global. ¿Qué opinas de ‘Die with a Smile’?
Estoy obsesionada con la canción desde el primer momento en que la escuché. Aunque soy una fan loca de Lady Gaga y me gusta todo lo que hace. Creo que se supera día tras día. Por supuesto, Bruno Mars es brillante también como cantante de pop. ‘Die with a Smile’ tiene una estructura y composición muy clásicas y utiliza unos trucos y giros muy tradicionales que ya no se estilan tanto. Es difícil hacer una canción en este estilo y que no suene pasada de moda, pero ellos consiguen traerlo a nuestro tiempo. Además, me encanta la producción de ‘Die with a Smile’ porque suena a banda pero a la vez tiene mucho empaque. Y sobre todo me gusta que Gaga y Bruno no se corten en sonar todo lo melodramáticos posible.
Escuchando tu musica habría dicho que eres mas bien fan de Bruno. El estilo de producción de Lady Gaga es todo lo contrario al tuyo. ¿Cuál es tu disco favorito de ella?
Es verdad que Gaga hace música muy diferente a la que yo hago, pero yo escucho muchos artistas que no hacen nada parecido a mi música. Tengo que decir que me encanta ‘Joanne’, en su momento me pareció un camino muy interesante para Gaga porque demostró que no solo es una pop star estrafalaria, sino que también la influencia del country es auténtica a su historia. Lo que más me gusta de Gaga es que tiene facetas muy diferentes y no teme entregarse a ninguna de ellas, es una artista valiente. Nunca habrías dicho en la época de ‘The Fame’ que acabaría sacando discos de jazz con Tony Bennett o como el que acaba de lanzar, ‘Harlequin‘. Admiro mucho este tipo de artistas a los que se la suda todo y hacen lo que les da la gana. Tengo muchas ganas de escuchar el nuevo álbum que Gaga está preparando.
Lorde y Robyn han recomendado tu música en redes, ¿por qué crees que les gusta tu música?
Me parece increíble que a estas dos artistas les guste mi música. Creo que deben escuchar algo en ella que les resulta interesante, puede ser la composición, no te sé decir. A las dos las admiro mucho y me parece increíble que no solo les guste lo que hago sino que, además, hayan hecho el esfuerzo de compartirla con la gente, a través de sus redes. Es fuerte.
Tu padre, Pino Palladino, ha tocado con los grandes. ¿Qué opina de tu disco?
Le encanta. Mis padres me han apoyado mucho siempre. Evidentemente muchas de mis influencias vienen de la musica que ellos escuchaban, así que tiene sentido que a mi padre le guste. Además, él toca en varios temas del disco. Él es muy claro y, si algo no le gusta, no se involucrara en ello.
De pequeña conociste a mucha gente, de Eternal a Simon & Garfunkel. ¿Me puedes contar alguna otra historia similar?
Cuando yo era niña mi padre se fue a tocar con D’Angelo. Te hablo de los 2000, de la época de ‘Vooodo’. Mi padre pasaba mucho tiempo de gira y solo le veíamos viajando. En esa época, D’Angelo tocaba en el Radio City Hall de Nueva York y presentaba un show muy teatral y siniestro. Al menos, para una niña de 11 o 12 años, lo era. Tengo un recuerdo muy vivo de ver ese concierto y lo sigo recordando como algo especial. No muchos niños de 12 años llegan a ver un concierto de D’Angelo…
Este mes Dani Martín ha anunciado un 9º WiZink Center y ha publicado un single llamado ‘El último día de nuestras vidas’. Una parte de su melodía, en concreto el puente de los teclados, ha recordado a muchos a ‘El rey de los judíos’ de Alcalá Norte, extraída de su celebrado debut.
Pablo Prieto, bajista del grupo y responsable de su cuenta de X/Twitter, no ha tardado en hacerse eco del parecido entre ambas canciones. Y lo ha hecho haciendo alarde de su humor habitual. Primero ha recordado que él copió a Extremoduro una idea para su tma ‘La calle Elfo’. Luego ha pedido a Dani Martín que les invite a tocar el tema en el WiZink Center, y después ha advertido del parecido de dicha melodía con otras canciones.
En concreto Pablo señala que ambas melodías se parecen a ‘Tambores de guerra’ de Manuel Carrasco (2015) y luego ha posteado un tema más de Circa Waves que se parece también. ‘Sad Happy’ data de 2020. Al ser posterior que el tema de Manuel Carrasco, ha posteado: “si nos ponemos de acuerdo, le pagamos a Manuel Carrasco un txuletón”.
Una vez la noticia ha aparecido en El Mundo, o en RNE, donde entre risas concluyeron que había “materia procesal” y “asunto jurídico”, el miembro de Alcalá Norte ha dicho: “Dani Martín, se ha ido de madre, tío, no hagamos caso a nadie, tú vente a tocarte a la Joy el riff de teclado y todo queda olvidado. Solo nos tenemos el uno al otro”.
Os recordamos que Jaime Barbosa, batería de Alcalá Norte, nos ha concedido recientemente una entrevista imperdible sobre ‘Cuéntame’. Sí, la serie de RTVE. La gira del grupo, con decenas de fechas, continúa por todo el país. Detalles, aquí.
ME HE LEVANTADO CON VARIOS MENSAJES SOBRE QUE DANI MARTÍN NOS HA COPIADO Y ES MENTIRA, SOLO SE HA DOBLEGADO ANTE LA GRANDEZA DE ALCALÁ NORTE Y HA HECHO UN HOMENAJE COMO YO HICE CON EXTREMODURO EN LA CALLE ELFO. pic.twitter.com/JhPimXSbHy
OYE @_danielmartin_ SE HA IDO DE MADRE TÍO, NO HAGAMOS CASO A NADIE, TU VENTE A TOCARTE A LA JOY EL RIFF DE TECLAO Y TODO QUEDA OLVIDADO TÍO, SOLO NOS TENEMOS EL UNO AL OTRO pic.twitter.com/pRlpS66mm7
Noel Gallagher había dado este año alguna entrevista hablando de la 30ª edicion de ‘Definitely Maybe’ antes de que se supiera que tramaba una reunión con Liam. Pero los hermanos no han hablado con la prensa sobre los entresijos de este improbable reencuentro.
Ahora Liam Gallagher ha explicado a un fan que le ha preguntado por Twitter/X por qué no hay una promoción de entrevistas propiamente dicha, ni tampoco una conferencia de prensa. Sus fans demandan que Oasis expliquen cómo serán sus próximos conciertos, qué les ha llevado a reunirse, si solo el dinero o también cierta necesidad de reencontrarse con el público, y sobre todo si puede haber nueva música en camino.
Ante el mensaje que le cita: “creo que Noel no quiere hacer entrevistas porque tú eres mucho más divertido”, Liam ha respondido con cierta seriedad para la que acostumbra en X: “No queremos hacer entrevistas porque tenemos miedo de que los medios nos hagan preguntas intrusivas e intenten cavar agujeros en nuestra relación”. Es decir, si Liam va en serio con esto, tiene miedo de que su relación con Noel, que seguramente penda de un hilo, se vaya al carajo por una mala declaración. O simplemente una declaración que el otro esté deseando malinterpretar.
En otro tuit, Liam especifica que no van a dar ninguna entrevista, como informa NME, y en otro ya sí que bromea que “no puede ser tan tonto”. Tampoco habrá ruedas de prensa.
Es de esperar que Oasis actúen en la Europa continental en 2026 ya, aunque ese tour no ha sido confirmado. De momento el tour empieza en Gales el 4 de julio y termina el 7 de noviembre en Sydney. Todas las fechas, en Wikipedia.
Jim Legxacy puede ser uno de los artistas que te quite el gusanillo de Frank Ocean mientras este se despierta de su largo sueño y decide volver a hacer música. Eso sí, el cantante y productor británico de 24 años tiene su propio estilo, mezclando su delicada voz con afrobeat, riffs de guitarra y hasta drill en una adictiva batidora de géneros musicales. ‘aggressive’ es la Canción del Día’.
«Hecho en Gran Bretaña, pagado en Gran Bretaña» es lo que suena al principio del segundo single de su próxima mixtape, ‘black british music’. Lo que sigue está entre el R&B y el afrobeat, y hasta tiene trazas de su exitosa colaboración con Fred again…, ‘ten’. «Cuando te pones agresiva, lanzas palabras como granadas de fragmentación», canta Jim en el estribillo. El videoclip, además, nos devuelve a la era Blackberry, con numerosos planos grabados con el dispositivo Y2K por excelencia.
‘agressive’ se trata de la primera canción de Jim Legxacy en ser lanzada bajo el respaldo de una discográfica, XL Recordings, ya que hasta el momento todos sus lanzamientos habían sido autoeditados. Esto mismo ocurrió con la mixtape que le puso en el mapa, la emocionante ‘homeless n*gga pop music’, incluida en la reciente lista de los mejores discos de la década de Pitchfork.
El título, por cierto, es totalmente real. Jim promocionó así el proyecto en sus redes: «Una colección de todas las canciones y demos que empecé cuando estaba en la calle. Gracias a todos los que me dieron un lugar para dormir, grabar y crear». ‘dj’ es la canción que abre la mixtape y una de las que más definen su particular estilo. Algunos comentarios de YouTube lo describen como «indie drill». Es simplemente una gran canción.
‘La Revuelta’ volvió este miércoles a ser líder de audiencia frente a ‘El Hormiguero’, por tercer día consecutivo. Los invitados fueron un descendiente de Cristóbal Colón, que acabó leyendo el derecho a una vivienda digna que recoge la Constitución; y un Jordi Mollá que promocionaba su libro ‘Tú’, algo desubicado, visiblemente incómodo o produciendo la incomodidad él mismo, sobre todo en sus interactuaciones con el público. Como entrevistado, puedo dar fe de que no es fácil, y no es cosa de ahora.
Por sorpresa, había espacio para incluso más. Mientras Ana Guerra contaba en El Hormiguero que había rechazado interpretar ‘Slomo’ en el Benidorm Fest, algo que ya había revelado este verano, apareciendo en varios medios, ‘La Revuelta’ presentaba una actuación suelta.
No sabemos si será la tónica general del programa empezar a presentar actuaciones musicales. Hace unos días Manuel Turizo actuó junto a Kapo, pero fue tras ser entrevistado por David Broncano. Lapili acudió en cambio únicamente para actuar.
La artista se dio a conocer en España cuando interpretó ‘Cómeme el donut’ en Factor X junto a Jirafa Rey. Después vendrían temas propios como ‘Muslona’. Entre el rap, el dembow, el afrobeat y los sonidos orientales y folclóricos, Lapili tiene dos grandes lanzamientos en el mercado: la mixtape ‘Peligro de extinción’ (2020), donde lograba cierta notoriedad ‘Abducción por reggaeton’; y ‘Piligrossa’ (2023), donde reside su mayor hit ‘Dirty Diabla’. Lo último es un EP llamado ‘Sexina’ en el que explora la sexualidad femenina.
En ‘La Revuelta’ presentó su nuevo single ‘Lágrimas de sequía’, que cuenta con la intervención de YENDRY y SEYSEY. El tema habla de una mujer que llora a escondidas. Con sus lágrimas, se revitalizaría el Guadiana, asegura, en referencia a la violencia de género. En Youtube ha dedicado el tema a sus antepasados: «Haber hecho este proyecto ha sido algo muy fuerte para mí. He afrontado mucho mis adentros y he ido hacía heridas hereditarias muy fuertes».
El primer disco de The Cure en 16 años se acerca ya a pasos agigantados. ‘Songs of a Lost World’, a la venta el 1 de noviembre, ya tiene tracklist, y se abre, como no podía ser de otra manera, con el tema que ya se había estrenado. ‘Alone‘ era una canción con una primera mitad instrumental que había encantado a sus seguidores, y será la pista 1 de 8. Este será el número total de canciones de ‘Songs of a Lost World’.
La segunda canción que escuchamos en versión estudio de ‘Songs of a Lost World’ es ‘A Fragile Thing’. El tema es uno de los que habían interpretado en vivo, remontándose a la gira de 2022.
En este caso es un medio tiempo marcado tanto por un grave riff de piano como por los típicos punteos de post-punk en un pasaje instrumental. En cuanto a la letra, parece un relato de desamor o desencuentro, realizado desde una perspectiva femenina. ““Cada vez que me besas, podría llorar”, dijo ella”, comienza el tema en esta letra casi plenamente entonada entre comillas.
Como informa NME, el tema versa sobre tomar las decisiones correctas o no, incluso estando muy seguro de ellas. ‘A Fragile Thing’ va sobre las dificultades a que nos enfrentamos para elegir entre necesidades excluyentes entre sí, y sobre cómo lidiamos con el arrepentimiento inútil que puede seguir a estas decisiones. Por muy seguros que estemos de que se han tomado las decisiones correctas, a menudo puede ser muy difícil ser la persona que realmente necesitas ser”.
El álbum navega en la oscuridad, influido por la muerte de varios familiares de Robert Smith, como su padre, su hermano y su madre. Os dejamos con un lyric video con la letra en español -los hay en varios idiomas- y el tracklist de ‘Songs of a Lost World’.
01 Alone
02 And Nothing Is Forever
03 A Fragile Thing
04 Warsong
05 Drone:Nodrone
06 I Can Never Say Goodbye
07 All I Ever Am
08 End Song
Si Varry Brava siempre se ha concebido como un grupo para pasarlo bien, imaginad después de lo que les pasó con ‘Hortera‘. Su disco anterior se publicaba en pleno 2020: no hace falta decir nada más si estabas en este mundo. El lapso les ha traído muchas cosas buenas, de todas formas. Gracias a su simpática participación en Benidorm Fest, donde cayeron bien a absolutamente todo el mundo, se pudieron dar más a conocer; y gracias a lo buena que era ‘Raffaella’, recogieron su primer disco de oro.
Eufóricos por la idea de que este sea el primer álbum en más de 5 años que podrán presentar en una gira de salas, ‘Sharirop’ es un acercamiento descarado a la pista de baile. A simple vista, estamos ante un disco que, como ‘Confessions On a Dancefloor’ de Madonna, toma ideas prestadas de artistas admirados para desarrollar llenapistas propios. He perdido la cuenta de cuántos guiños a Radio Futura caben en la discografía de Varry Brava. Solo en ‘Tierra para bailar’ hay al menos 3: ‘Veneno en la piel’, ‘Escuela de calor’ y ‘Negra flor’. Y sin embargo, el pop-rock español se hace a un lado en ‘Sharirop’ para entregarse al tecnopop, a la Ruta del Bacalao, al Autotune, al trance, e incluso a la rumbita y lo urbano.
Como sexto disco ya, presenta un sonido más depurado bajo la producción de Tato Latorre. Ahora, si juegan con un beat de reggaeton, como sucede de manera muy puntual en ‘La tormenta’, es de manera subrepticia: casi ni notas que está ahí. Todo sigue sonando a Varry Brava. Atrás quedaron los tiempos de «vamos a hacer un reggaeton Loco«. Los estilos fluyen con mucha más naturalidad en ‘Sharirop’.
Para desarrollar sus historias de amor y desencuentros en discotecas, afters y festivales han contado con artistas femeninas en más de la mitad de los temas. Javiera Mena aparece en ‘Boomerang’, un romance en casa de unos amigos; Bely Basarte, en el festival apocalíptico de ‘El último festival’, cuyo «en un poly klyn te amaré hasta el fin» ya solo nos puede sonar a Kalorama, aunque datara de antes; Suu, en la exitosa ‘La tormenta’; o Ku Minerva, pasando de cantar «Estoy llorando por ti» a «Estoy loquita por ti».
La segunda mitad del disco se compone más de peculiaridades que de hits. Como ‘Fígaro’, que empieza con un guiño claro a Pet Shop Boys, solo que como tocado por Joe Crepúsculo; o la canción llamada propiamente dicho ‘Sharirop’, con la que Varry Brava tratan de crear un tarareo, una marca, un club personal que de hecho podría ser real, porque ya han dado con su sonido.
Aunque lo que mejor les sale es todo lo relacionado con lo españolete. Las guitarras y las palmas en ‘ROMAMOR‘ tienen tanta gracia como su referencia a Sergio Dalma; y ‘Georgina con Cristiano‘ es desde ya una de sus mejores composiciones. Oirás un bajo disco, y la cadencia es la de una canción 100% Varry Brava, pero aquí el fraseo de Óscar Ferrer (“Sigo bailando a tu lado y tu novio se pone flamenco”) es el de una rumbita sobre amor furtivo en la que María de Juan pone un contrapunto muy divertido.
Cargando ...
(@alcalanorton) 
Lapili 
