Chloe Moriondo es una cantante y compositora de Estados Unidos que se dio a conocer en 2014 a través de Youtube. Entonces, Moriondo contaba 11 años. Hoy, a los 22, la artista de Detroit encara la publicación de su cuarto álbum de estudio, ‘Oyster’, que se pone a la venta el 28 de marzo.
La evolución musical de Moriondo se traza en sus tres discos publicados, que pasan del ukulele de ‘Rabbit Hearted’ (2018) al pop-punk de ‘Blood Bunny’ (2022) y que, en ‘SUCKERPUNCH’ (2022), llegan al uso de bases abrasivas y electrónicas. No extraña que ‘Oyster’ pueda ser su disco más hyperpop.
Queda algo de esa influencia punk en ‘hate it’, el segundo single de ‘Oyster’, aunque este trallazo termina engullido por sintetizadores. En realidad, ‘Shoreline’ ha sido el primer single idóneo de ‘Oyster’ por la manera en que allana el terreno del sonido del álbum.
«Sabes que te querré hasta que muramos» es una frase 100% emo, pero la producción de ‘Shoreline’ -la Canción Del Día de hoy- brilla empleando los sintetizadores emocionales de Robyn y ionnalee. En ‘Shoreline’, Moriondo describe la «ruptura más grande mi vida». Desesperadamente, la joven de Michigan busca a esa persona en otros, pero sin éxito. «Puedes decir que siempre estás ahí, pero no te encuentro por ningún lado», canta.
‘Shoreline’ transmite su mensaje de angustia emocional a través de un crescendo espectacular, y su sonido es «translúcido» porque así es también toda la estética oceánica de ‘Oyster’. En el álbum, Moriondo se abre emocionalmente, pero aún se refugia dentro de su burbuja. El autotune aplicado a su voz transmite esa idea de distancia emocional, pero la emoción contenida dentro de ‘Shoreline’ es inmensa como el océano.
El cuarto y último adelanto del disco debut de Juanjo Bona, ‘Recardelino’, disponible el 7 de marzo, tiene una de las historias más ricas de todo el álbum.
El folclore aragonés empapa casi todo el disco y ‘Virgen de Magallón’ es una de las pruebas más evidentes. El tema recupera una leyenda del pueblo de Juanjo, que procede del siglo XIII y sobre la que incluso se han hecho podcasts.
La leyenda habla de dos familias ferozmente enfrentadas en torno a marzo del año 1283: los Frago y los Albir. Al parecer, Juan Albir, un labrador de Magallón, mató a Sancho del Frago durante una de estas disputas familiares. Para escapar de la revancha, se escondió de la familia Frago en la iglesia, lo que le fue útil dos veces, pero a la tercera se lo cargaron.
Al ocurrir el asesinato en la casa del Señor, la Virgen desapareció y apareció a 80 kilómetros de distancia, en Leciñena, en la comarca de los Monegros. La Virgen se la llevaron de nuevo a Magallón, pero volvió a aparecer en Leciñena. Y ella se habría pronunciado: «Hasta que el último miembro de la familia del Frago no desaparezca, jamás volveré a pisar Magallón». Así que a día de hoy, la Virgen de Magallón continúa en Leciñena.
Lo mejor es que Juanjo aborda este tema con alegría y cierto humor, elaborando un diálogo entre Virgen y pueblo:
-«Era un hombre malo, venga, vuelve a Magallón, Virgencica» (…)
-«Yo no vuelvo, llevo el susto metido en el alma. Si yo en vuestros líos no me meto, no os liéis a tiros en mi casa».
Bona ha escrito esta canción con Irenegarry y Juan Figols, más conocido como Fresquito. Marcel Bagès y David Soler, que saben muchísimo de folclore, la han producido como el resto del álbum. La melodía es alegre como una fiesta popular, con instrumentación orgánica del tipo guitarras y bandurrias (a cargo de Sergio Aso), y algunos detalles electrónicos que salpican a la voz de Juanjo, aquí muy próximo al registro de Víctor Algora. Además, se ha hecho un pequeño reportaje en el que personas de su pueblo recuerdan la leyenda de la Virgen de Magallón.
Viva Suecia están en su mejor momento. ‘El Amor De La Clase Que Sea’, lanzado en 2022, les catapultó definitivamente al éxito comercial y a encabezar los carteles de la mayoría de festivales en España. Aunque nunca llegó a alcanzar el número 1, el disco lleva ya 124 semanas en lista y ha sido certificado con un disco de platino (40.000 unidades vendidas o su equivalente en escuchas).
Desde entonces, han lanzado singles como ‘La Orilla’ o su versión particular de ‘Alegría de Vivir’, además de conseguir hitos como el de vender 9.000 entradas en cinco minutos para su gira 10º Aniversario, celebrada el pasado diciembre. Sin embargo, ninguna noticia de un nuevo proyecto. Hasta ahora.
‘Dolor y Gloria’ se trata del primer adelanto del nuevo disco de la banda murciana, del cual se conocen muy pocos detalles. Nos han contado que sale después de verano y que lo promocionarán con un único concierto en España en 2025, pero nada más. Hablamos con Rafa Val, Alberto Cantúa, Fernando Campillo y Jess Fabric sobre replicar el éxito de su último disco, las críticas de Rockdelux y su futuro.
Parece mentira que ya hayan pasado tres años desde vuestro último disco. ¿Qué pensáis al verlo con perspectiva?
Rafa: Sí, tres años que han pasado volando porque ha sido un disco que nos ha dado muchísimas alegrías y cuando uno disfruta…
Alberto: Y porque no hemos parado de hacer cosas.
¿Sois de dividir vuestra carrera en etapas?
R: No sé si tanto… En mi cabeza me imagino esta carrera como que un día salimos a tocar y no hemos parado.
Jess: Es inevitable dividirla en discos y en gira, pero no diferenciamos porque las transiciones son naturales entre un disco y otro y entre gira y gira. Es la etapa que vivimos desde que empezamos en 2013 hasta ahora.
A: Nuestra única etapa.
¿Por qué elegís ‘Dolor y Gloria’ como el primer single del nuevo disco?
R: Ha sido difícil porque estamos muy enamorados de nuestras nuevas canciones. Como no hay una canción que represente todo el disco, y al final acabarán saliendo todas, hemos elegido una de las 11 o 12 canciones que nos encantan del álbum. ‘Dolor y Gloria’ es especial por muchos motivos: es la primera canción que se compuso para este disco sin saber que iba a ser la primera, se ha grabado muchas veces en varios países y nos ha costado dar con la versión que a nosotros nos parecía la correcta. La verdad es que la respuesta de la gente ha sido increíble. Ha superado, pero por muchísimo, nuestras expectativas.
«No hay una canción que represente a todo el nuevo disco de Viva Suecia»
Suena muy animada, a estadio, Bruce Springsteen… pero luego la primera frase de la canción es todo lo contrario.
A: Ahí ya no es Bruce Springsteen (risas).
R: Sí, es la típica mezcla que tanto nos mola de música alegre y letra dolorosa. Todas las letras vienen de que nos pasa algo o de que le pasa algo al mundo y por ende nos pasa algo a nosotros. No te voy a decir en concreto de qué va porque si te explico mi versión estoy privando a cualquier persona que pueda servirle la canción para algo, aunque sea para decirnos que es una puta mierda. Es algo así como estar viviendo un momento de miedo y maravilloso a la vez, y de cómo gestionar todo eso.
¿Qué detalles del disco podéis adelantar? Nombre, fecha, colaboraciones…
R: Sale después de verano, pero no podemos decir mucho más.
A: Estamos preparando una fecha única en 2025 que va a ser aquí en Madrid. Entremedias, los festivales irán salpicados con algún single, pero el primer concierto y único de este nuevo disco será en Madrid y estamos ya currando.
«Teníamos muy claro que lo que ha pasado con el disco anterior no puede volver a repetirse»
‘El amor de la clase que sea’ fue un éxito arrollador. Imagino que hasta cierto punto es inevitable querer repetir ese éxito. ¿Habéis sentido esa presión?
J: Yo creo que no. Teníamos muy claro que lo que ha pasado con ese disco no puede volver a repetirse. Es imposible que vuelva a pasar. Tampoco hay que comparar los discos ni saber a dónde te llevan. Nosotros tenemos claro que hay canciones increíbles en el disco y, de hecho, tenemos la sensación de que hay aún más que en ‘El amor de la clase que sea’.
R: Por el momento hemos sacado una canción y va de puta madre, o sea, que muy bien.
Yo no quiero comparar los discos, pero imagino que el anterior os ha cambiado la vida.
R: Es inevitable que eches la vista atrás. Sobre todo, cuando tienes tan reciente un disco que ha significado tanto en nuestras carreras. Con respecto a la pregunta originaria que decías, también tenemos una manera de componer en la que nos vamos a una casita en medio del monte que alquilamos en Riópar, y desde que cruzamos la puerta de ese sitio estamos todo el rato pasándolo bien, haciendo canciones, disfrutando… Y yo creo que en ningún momento se nos pasa por la cabeza que tengamos la presión de hacer una cosa increíble.
A: Comiendo macarrones con atún…
Os mantenéis humildes.
R: Ya no se trata de humildad, sino de divertirnos entre nosotros. Creo que eso es algo bueno que sigue teniendo esta banda, que es que seguimos haciendo esto por diversión. La presión de verdad está cuando sales a tocar delante de 25.000 personas y tienes que dar la talla. Eso sí es presión.
¿Qué os mantiene con los pies en la tierra?
R: La gente que nos quiere, que también es nuestro equipo, nuestras familias… Son la gente que nos puede dar una hostia en el momento que nos flipemos.
Fernando: Y el ser gilipollas y tener sentido del humor.
J: Sí, volver a casa y ver que la gente que nos rodea te lo dice bien claro.
A: Que tu padre te pegue una colleja como en Los Serrano.
R: Ojalá llegar y tener a Antonio Resines en tu casa.
Muchos de vuestros fans os han estado apoyando mucho antes de conseguir este éxito más mainstream. Como fans, ¿a vosotros os ha molestado alguna vez el éxito comercial de alguna banda?
R: La frase de «se han vendido» la hemos dicho todos. No pasa nada.
Seguro que hay gente diciéndolo de vosotros.
R: Constantemente.
A: Mientras sigan viniendo a los conciertos, no pasa nada.
R: Cuando James Hetfield se cortó el pelo, dijeron que se había vendido. Lo hicieron con el ‘Load’ y el ‘Reload’, dos de mis discos favoritos de Metallica, y la gente dijo que se habían vendido. Siempre pongo el mismo ejemplo. Cuando Bowie hizo la trilogía berlinesa, dijeron: «Tío, ¿por qué haces krautrock? ¿Es que no quieres ganar pasta?». Luego, cuando salió ‘Let’s Dance’, le dijeron: «Tío, ¿por qué te has vendido? ¿Quieres más pasta?». Nunca va a estar nadie a gusto.
Luego hay algunas personas a las que directamente vuestro éxito, y el de otras bandas como Arde Bogotá o Mikel Izal, no les hace ninguna gracia.
R: Sí, Santiago Carrillo.
¿Qué tenéis en común todas estas bandas para que os pongan en el mismo saco?
R: ¿Éxito?
A: Piernas, brazos, no sé…
J: La gente tiene la necesidad de protestar y quejarse, de reivindicar algo, aunque no haya un motivo.
R: Nos ha tocado a nosotros.
J: El punto de mira fácil es el que despunta un poco más.
R: Dentro de dos años nos iremos a la mierda y le tocará a otros.
J: Claro, no pasa nada. Está bien que sea así.
«Todos hemos leído Rockdelux durante muchísimos años. De hecho, animo a la gente a que siga leyendo la revista»
¿Qué sentido le dais a que el director de una de las revistas musicales más leídas en España critique tan duramente a los grupos de pop rock más escuchados del país?
R: Es una cosa muy positiva para Arde Bogotá y para nosotros porque quiere decir que, de una entrevista completa a este señor, lo relevante es que hay dos bandas de Murcia y Cartagena que les está yendo bien.
A: Yo, sinceramente, no lo entiendo. Jamás diría algo así sobre su revista ni sobre sus trabajadores. Ni yo, ni ninguno de estos cuatro. Sobre nadie. De hecho, yo he comprado muchísimos años la revista y todos la hemos leído, pero yo no lo entiendo. Me da pena. Después de tantos años currando, que ese sea el titular que acaba siendo sobre tu trabajo… Hay cosas que no me gustan y hay gente que no me gusta, pero jamás lo haría. De hecho, animo a la gente a que siga leyendo la revista.
Con Arde Bogotá, ¿os veis parte de un mismo movimiento?
R: Sí, pero igual que nos consideramos del mismo movimiento que La Habitación Roja, Delaporte, Niños Mutantes o Second.
J: A muchos de estos artistas los vemos más que a nuestra propia familia.
R: Hemos dejado nuestro pequeño granito de arena en el pop rock español y ahí quedará el tiempo que tenga que quedar y luego la gente se olvidará o no. Lo que compartimos básicamente es que formamos parte de algo que muy pocas personas viven. Hay muy poca gente en este país que pueda compartir la experiencia de subirse al escenario y tocar delante de tant gente. Compartimos las virtudes y las desventajas que puede tener el oficio.
A: Y creo que hay una cosa en esta generación que es el respeto, la educación, y que rara vez ves una historia fea como esta. Cuando te encuentras en un festival cansado y te ves con una banda, le das un abrazo y no puedes hacer más que respetarlos. De eso se trata, macho.
Todavía hay menos gente que disfruta de este éxito haciendo rock, o pop rock.
R: La cosa es que las bandas siempre flaquean y en su momento más duro vuelven a pegar un impulso. Ahí tenemos a Repion, que nos flipan, Ginebras, Siloé, Sexy Zebras, yo que sé… Y ahí sigue la cosa, con lo complicado que es estar en una banda. Tiene muchas papeletas para que salga mal.
Lorde ha vuelto a cantar en la lengua nativa de su país en la canción ‘Kāhore He Manu E’, el segundo adelanto del próximo disco de Marlon Williams. ‘Te Whare Tīwekaweka’ será el primer proyecto de Williams íntegramente en maorí y estará disponible el 4 de abril.
El maorí es la lengua indígena de Nueva Zelanda y ha llegado a estar en serio peligro de extinción, aunque en la actualidad la UNESCO lo clasifica como «vulnerable». De hecho, en un intento de revivir el idioma, el gobierno de Nueva Zelanda se comprometió a conseguir que un millón de residentes lo hablasen de forma básica para 2040.
La autora de ‘Solar Power’ ya eligió en 2021 algunas canciones de este mismo disco para traducirlas al maorí y lanzarlas juntas en un EP. Ahora, ha declarado que cantar con Williams «es una de mis cosas favoritas que hacer en el mundo».
Este, por otro lado, ha alabado a Lorde diciendo que «en un sentido muy real», su voz «escribió la canción». También describe el tema, cuyo título podría traducirse como ‘No hay un pájaro’, como «una oda al colorido pero desalentador agujero de gusano que es la vida en la carretera».
Bad Bunny, inamovible, continúa en el primer puesto de la lista de Discos España. En segundo lugar, Quevedo, que asciende en la tabla desde la cuarta posición.
El podio lo cierra Sabrina Carpenter y su ‘Short n’ Sweet’, que también representa la mayor subida en lista de la semana gracias a su versión deluxe. Concretamente, la autora de ‘Please Please Please’ llega al tercer lugar desde el número 28.
La entrada más fuerte de la semana es para el disco colaborativo de Drake y PARTYNEXTDOOR, ‘$ome $exy $ongs 4 U’, que se estrena en el número 14 de la lista. El proyecto también ha entrado en el número 1 del Billboard 200, vendiendo en su primera semana el equivalente a 246.000 unidades. De esta forma, Drake empata con JAY-Z y Taylor Swift en la lista de los artistas solistas con más discos número 1 en la historia de Billboard.
En el resto de la tabla, Milo j entra con ‘166 retirada’ en el número 21, The Cure con ‘Songs Of A Live World: Troxy London MMXXIV’ (la versión en directo de ‘Songs Of A Lost World’) en el número 74, Manic Street Preachers con ‘Critical Thinking’ en el 76 y, por último, Yoly Saa con ‘Mar de Ardora’ en el puesto 96.
Franz Ferdinand publicaron a principios de 2025 su sexto álbum de estudio, ‘The Human Fear‘. Un disco que Alex Kapranos y los suyos han estado presentando en España durante este mes de febrero, con tres conciertos en A Coruña, Madrid y Barcelona.
La promoción de ‘The Human Fear’ ha continuado en Reino Unido, y Franz Ferdinand se han pasado esta semana por los estudios de Radio 2 de la BBC en Londres para grabar una versión de ‘Toxic’ de Britney Spears, acompañados de una orquesta. En manos de Franz Ferdinand, ‘Toxic’ suena aún más como una canción sacada de la banda sonora de James Bond.
La elección de Franz Ferdinand no es casual: en 2009 fue muy comentada su versión de ‘Womanizer’ igualmente grabada en unos estudios de BBC, aunque entonces eran los de Radio 1. Volviendo a versionar a Spears, Franz Ferdinand están dialogando con su propia historia.
Aunque no hacía falta, Alex Kapranos ha justificado su elección de canción, explicando que «me gusta una buena canción, es así de simple, me da igual si la canción tiene 60 años o si salió hace seis días». Además, Kaprano ha elogiado a Chappell Roan, de la cual aprecia su música y actitud.
‘Toxic’ acaba de ser sampleada en un single de Coco Jones, ‘Taste‘, aunque en el Spotify de Spears acaba de bajar al segundo puesto de sus canciones más populares: se ha impuesto ‘Gimme More’.
Karla Sofía Gascón asistirá a la gala de los Oscar en el Dolby Theatre de Hollywood el 2 de marzo, confirma Variety. El portal estadounidense informa que Netflix «cubrirá» la asistencia de Gascón a la ceremonia. Gascón está nominada en la categoría de Mejor actriz.
Antes de esto, la protagonista de ‘Emilia Pérez’ reaparecerá en los medios personándose, esta semana, en la ceremonia de los premios César, que se celebra el viernes 28 de febrero.
Se desconocen más detalles sobre la asistencia de Gascón a los Oscar, como si caminará por la alfombra roja, concederá entrevistas o se sentará junto a Selena Gomez, Zoe Saldaña y el director Jacques Audiard en la ceremonia.
La polémica por sus tuits ofensivos, en plena campaña de ‘Emilia Pérez’, ha mantenido a Karla Sofía Gazón fuera del ojo público. La actriz se ha ausentado de varias galas, incluida la de los Goya, donde ‘Emilia Pérez’ se llevó el premio a Mejor película europea.
En otra noticia relacionada con los Oscar, ha sido confirmada la actuación musical de LISA, Doja Cat y RAYE, aunque la Academia ha confirmado que las tres no cantarán su single conjunto, ‘Born Again’. Este año, en los Oscar, no actuará ninguno de los artistas nominados en la categoría de Mejor canción.
Promusicae ha publicado las cifras de ingresos de la música grabada en España en 2024. Este informe sigue al primero publicado hace unas semanas. La principal conclusión del informe anual de Promusicae es que el consumo digital se mantiene y las suscripciones aumentan, pero la venta física disminuye.
En España, la música grabada reportó unos ingresos totales de 568,8 millones de euros en 2024, subiendo un 9,42% respecto a 2023. De esta cifra, 454,5 millones corresponden al mercado digital, que ya representa más del 89% de los ingresos por música consumida en el país.
Tanto las plataformas de audio como las de vídeo vieron crecer su consumo en 2024 en España, el audio un 14,09% y el vídeo un 7,45%. En concreto, 20 millones de españoles utilizaron plataformas de streaming de audio. La buena noticia es que las suscripciones premium aumentaron; la mala, que los 7 millones de usuarios siguen siendo insuficientes para asegurar un consumo digital «responsable» en España, como el de otros países donde las suscripciones son mayoría.
Mientras el consumo digital crece, la venta física sigue cayendo: en 2024, los ingresos por formatos físicos cayeron un 13,25%, alcanzando un total de 53,8 millones de euros. La venta de vinilos representó un 62,8% de las ventas totales de música grabada en España, un 8% menos que en 2023. En concreto, se vendieron 1,67 millones de unidades, frente a los 1,81 millones de 2023. La venta de CD’s también descendió en España un 25,4% generando 19,6 millones de euros, frente a los 26,3 millones facturados en 2023.
En cuanto al resto de los ingresos del sector, en 2024 aumentaron los obtenidos por derechos de propiedad intelectual, que llegaron a los 56,3 millones de euros. Sin embargo, los ingresos por sincronizaciones de música para producciones audiovisuales y publicidad disminuyeron.
La gira de salas y teatros de Antònia Font ha llegado a su fin. Y, a falta de una última fecha en el Mallorca Live Festival, el grupo volverá a hibernar. Por eso, por no saber cuándo los volveremos a ver, por tocar en un sitio tan especial para ellos como es el Liceu, el ambiente en el auditorio era de feliz expectación. Todos conocíamos el guion, pero queremos volverlo a vivir.
La escenografía de parabólicas se mantiene; los audiovisuales sí que hubo más y mejores respecto a su anterior visita en el Palau de la Música. Lo que también se mantiene es el reparto de tareas: Pau Debon acaparando todísima la atención, con sus alardes de voz (una vez más: ¡qué bien canta!), haciendo suya toda la sala, no solo el escenario, con su entusiasmo contagioso. Mientras, sus cuatro compañeros se quedaban ahí en el escenario impertérritos (¡qué bien tocan!). El repertorio tampoco cambió mucho, aunque hubo hermosas incorporaciones.
Que el público está entregadísimo se ve desde el primer minuto: las iniciales ‘Cançó de llum’ y ‘Un minut estroboscòpica’ ya se llevan toneladas de palmas. El inicio no da tregua, van cayendo hits como ‘Darrera una revista’, ‘Armando rampas’, ‘Robot’, ‘Dins aquest iglú’, todas conducidas por el carisma de Debon. Pero, tal como nos explicó recientemente, el concierto está pensado como un viaje. Y hay una parte más reconcentrada y melancólica, donde recuperan pequeñas gemas del ‘Vostè és aquí’: ‘Per què vaig venir’ suena especialmente apoteósica.
Aun así, también hay momentos para el delirio, como el tour de force ‘Astronauta rimador’, con Pau Debon paseándose por el patio de butacas, o la emocionante interpretación, a pelo y sin micro (la acústica del Liceu ayuda) de ’Cartes de Ramiro’. Pero todo este momento más reflexivo estalla por los aires cuando se arrancan con ‘Tots es motors’, en que todo el público hace el ritmo a base de palmas mientras Pau vuelve a dejarse querer entre butacas. ‘Venc amb tu’ marca una pequeña pausa, en que el público no para de hacer “lololo” a ritmo de ‘Wah Yeah’.
Para la vuelta, abren una favorita mía que no suelen tocar, ‘Es far de ses salines’, con unos punteos preciosos de Joan Miquel Oliver. Y cuando Debon canta lo de “Per falta de lluna, Venus se reflexa a la mar”, ay, algo se me rompe por dentro. Todo el tercio final es puro gozo, apoteosis y comunión colectiva. Pau dedica ‘Bambú’ a los hijos de todos los del grupo, y se rompe y no puede cantar la segunda estrofa. ‘Batiscafo Katiuscas’ es tan emocionante como siempre. Para ‘Clint Eastwood’ Pau se sube al tercer piso y todos lo miramos, claro, a él, mientras el resto de la banda se queda ahí un poco olvidada. En ‘Vitamina sol’ la platea se convierte en una improvisada sala de baile, donde todos nos dedicamos a intentar bailar valses mientras Pau nos dirige. El despiporre es máximo para ‘Wah Yeah’: alegría desatada, más lololos, mientras la banda hace otra pausa.
En el último bis Pau nos da “la chapa” (según sus palabras) para agradecer a todo el personal que les ha acompañado en la gira. Remata con ‘Islas Baleares’, vuelve a bajarse a platea y a darse un baño de masas en ‘Calgary 88’, y ya no la abandona porque, claro, toda ‘Viure sense tu’, el fin de fiesta perfecto de Antònia Font. Se despiden con todo el personal subido al escenario. No los queremos dejar marchar. Lógico. A saber cuándo los volvemos a ver…
Jane Fonda ha dejado este domingo uno de los momentos más comentados de la gala de los SAG Awards, donde ha recogido el premio a toda una trayectoria. Fonda, desde siempre comprometida con la defensa de los derechos humanos, ha reivindicado el uso de la palabra «woke», que la derecha y ultraderecha no se cansan de instrumentalizar para ridiculizar e intentar callar a aquellos comprometidos con las causas sociales y medioambientales. Lo expresa mejor Jane Fonda: “No os equivoquéis. La empatía ni es frágil, ni es woke. Que, por cierto, woke significa simplemente que te preocupas por el resto de gente”. Alguien tenía que decirlo.
Las redes sociales se encargan diariamente de que circule aquella entrevista de Maya Angelou en blanco y negro en que la autora aparecía hablando del miedo a la palabra «woke». Sin embargo, la palabra viene de atrás, procede de la jerga afroamericana y había aparecido en canciones de Lead Belly durante los años 30. En el siglo XXI la han popularizado, entre otros, Erykah Badu.
El «antiwokismo» es un fenómeno que existe, que tiene nombre y que se caracteriza por «exagerar los peligros que para la libertad tiene una determinada cancelación y minusvalora la falta de libertad estructural para las minorías que el wokismo quiere denunciar», describe el periodista Daniel Innerarity en El País en su artículo ‘Contra el antiwokismo’. En una retorcida vuelta de tuerca, el antiwokismo busca que «no se cancele a quien ha gozado inveteradamente de la potestad de cancelar». Cancelar en la vida real, se entiende, que es donde las opresiones causan consecuencias reales para las personas.
Las palabras de Fonda, por tanto, resultan muy pertinentes, además de valientes, y recuerdan la importancia que tendrá tomar partido durante la segunda era Trump en que el «antiwokismo» estará a la orden del día. Sobre todo porque no tantas celebridades con plataformas públicas se están pronunciando, estos días, sobre nada en absoluto. Ni están obligadas, pero el silencio es ensordecedor.
Apenas se ha visto a Madonna criticar las nuevas medidas de Trump, enmarcándolas literalmente en el «fascismo» y, aunque su visión en ocasiones pueda pecar de naíf, hay que aplaudir que al menos se pronuncie. Selena Gomez ha ido tan lejos de grabarse llorando por los inmigrantes deportados: también ha sido ridiculizada, pero al menos ha dicho algo. Hunter Schafer ha denunciado la política antitrans de Trump porque acaba de sufrir sus efectos de primera mano. A Caroline Polachek se la ha visto asistiendo a una manifestación por Ucrania. En España, Inés Hernand no se cansa de promocionar manifestaciones, como la que este domingo ha defendido la educación pública.
Y, aun así, sabe a poco. Faltan voces, en Estados Unidos pero, por supuesto, también en España. Demonios, si hasta Karla Sofía Gascón, estando completamente equivocada en todo, habla, y cuando el mundo parece dispuesto a pasar página de sus destructivos tuits, porque todos cometemos errores y decimos tonterías, como bien -y con mucha razón- ha expresado C. Tangana, ¿por qué no habla el resto? En los cuatro largos años de Trump y Elon Musk que quedan, y con la derecha ya asentada en Alemania, no se pueden escuchar solo grillos. Se agradecería que hablasen también los que más tienen que perder: no solo Jane Fonda, otra vez.
Alleh y Yorghaki siguen liderando la lista de singles española con ‘capaz (merengueton)‘, ya una de las canciones más escuchadas a nivel global. Alleh y Yorghaki tienen otros dos singles en lista: ‘El ingeniero’ en el 13 y ‘Una noche’ en el 17.
Aunque, como en las últimas semanas, Bad Bunny ocupa la práctica totalidad del top 10 de singles con temas de su último disco: ahora ‘Baile inolvidable’ sube al 2 y ‘NUEVAYOL‘ baja al 3.
La noticia de la semana en la lista de singles española realmente la deja Kendrick Lamar, que consolida el éxito de ‘Not Like Us‘ en España: el tema sube del 28 al 20 y da a Lamar el primer hit top 20 de su carrera en nuestro país. Además, ‘luther’ con SZA entra en el puesto 75. Kendrick Lamar y SZA traen su gira conjunta a Barcelona el próximo 30 de julio.
‘Más que tú’, el dueto de Ozuna y Kapo, marca en realidad la primera entrada de la semana en lista, que se produce ya en la parte baja de la tabla, en el puesto 72. ‘Más que tú’ es la propuesta veraniega de Ozuna y Kapo.
Solo caben dos entradas más en lista. En primer lugar, Luar La L y Anuel AA colocan ‘Baddie’ en el 81. En segundo, Lola Indigo alista ‘Verde’ en el 87, tras su pletórica presentación en los Goya.
Dani Martín ha sido el último invitado en el programa de Jordi Évole, sincerándose como nunca antes en su carrera sobre multitud de temas. Entre estos, su relación con Amaia Montero. El exvocalista de El Canto Del Loco también ha hablado sobre el fallecimiento de su hermana, el lado malo de la fama y sobre estar en el mejor momento de su vida.
«Amaia es más rockera y más punky que mucos punkys y muchos rockeros que he conocido», ha contado Martín sobre la excantante de La Oreja de Van Gogh. Después de revelar lo unidas que están sus familias, que asegura que tienen «un vínculo muy bonito y de mucho afecto», ha revelado que mantiene el contacto con ella: «La quiero mucho a Amaia», ha afirmado.
En este momento, Évole no pierde el tiempo y le pregunta si llegaron a estar juntos alguna vez. Tras años de rumores, Dani Martín responde que «sí», aunque no lo califica como una relación formal: «Tuvimos un encuentro», asegura. Es entonces cuando salió el tema del tratamiento de Montero en los medios, con el cantante asegurando que el público ama a Amaia: «A todos nos alegró cuando la vimos salir con Karol G y cantar ‘Rosas’.
El momentazo significó el comeback de Montero a los escenarios, delante de 60.000 personas. Dos años antes, las alarmas habían saltado entre sus fans por la publicación de una fotografía en blanco y negro en la que la cantante no parecía encontrarse en su mejor momento: «Si se la hubiera guardado para la portada de su disco… Para mí es lo más creíble», declaró Martín en la entrevista.
«En un momento jodido de su vida, que lo tienes tú, lo tengo yo y lo tenemos todos. Se hizo una foto y la puso en redes, como diciendo: ‘Así estoy, con esta mierda del éxito'», continuó el cantante. También aprovechó para reflexionar sobre los peligros del éxito: «Es una droga muy peligrosa, porque gusta mucho que te aplaudan», concluyó.
Roberta Flack, intérprete de una de las versiones más famosas de ‘Killing Me Softly With His Song’ y autora de grandes discos como ‘First Take’ (1969) o ‘Killing Me Softly’ (1973), ha muerto en la mañana de este lunes 24 de febrero a los 88 años, ha confirmado Variety. Se desconoce por ahora la causa de la muerte de Flack, si bien la artista padecía esclerosis lateral amiotrófica y desde hacía tiempo no le era posible cantar.
Flack será recordada por su versión de ‘Killing Me Softly With His Song’, una canción que siempre será asociada a ella aunque no la compusiera de su puño y letra. Era una composición de Charles Fox y Norman Gimbel que grabó primero Lori Lieberman en 1971, sin éxito.
Entre 1973 y 1974, la versión de Flack de ‘Killing Me Softly With His Song’ alcanzó el número 1 de singles en Estados Unidos y ganó dos Grammys, entre ellos el de Grabación del año. En 1996, la versión de los Fugees volvió a popularizar la canción, llevándola al número 1 de una veintena de países: la historia de Ms. Lauryn Hill pasaría a ser indisociable de la de Flack.
Flack había ganado, previamente, otros dos Grammys por sus éxitos ‘Where is the Love’ con Donne Hathaway y ‘The First Time Ever I Saw Your Face’, ambos en 1973. En 1972, ‘The First Time Ever I Saw Your Face’ fue utilizada para despertar a los astronautas a bordo del Apolo 17, durante la última misión tripulada a la Luna. En 2020 fue versionada por James Blake.
Flack, que había estudiado piano desde los nueve años, obtuvo en su obra musical un sonido sofisticado y adulto que hibridaba influencias de soul, jazz y y folk. Sus discos fueron muy queridos por la crítica y han podido aparecer en las listas de lo mejor de todos los tiempos, especialmente su debut de 1969, ‘First Take’. En su último álbum, Flack versionaba a los Beatles.
El único inconveniente de la última gira de Tate McRae era su repertorio necesitado de hits. Del resto -carisma, presencia escénica, voz- iba sobrada. ‘So Close to What’, ya el tercer álbum de esta artista de Calgary que acaba de cumplir 21 años, se acerca a solucionar este problema conteniendo más singles oficiales y potenciales proporcionalmente que sus dos discos anteriores.
Es difícil elegir entre los tambores de ‘It’s Ok I’m Ok’ o el estribillo susurrado de ‘Sports Car‘, pero ambos claramente mejoran la propuesta de ‘Greedy‘. ‘Sports Car’ se inspira en ‘Whisper Song’ (2005) de los Ying Yang Twins, pero lo mejor es que suena totalmente a ‘Buttons’ de las Pussycat Dolls y es casi igual de buena.
Si ‘So Close to What’ «acerca» a la canadiense Tate McRae a algo, además de a ser una estrella aún mayor de lo que ya es, es a hacer el mejor disco posible. ‘So Close to What’ es su mejor álbum, lo cual no era muy difícil. Aunque mantiene los vicios de sus trabajos anteriores (melodías genéricas, exceso de reverb y dicción cuestionable), el repertorio se solidifica.
Esta mejora evidentemente pasa por elevar los bpm y ofrecer menos baladas, las cuales abundaban en el álbum anterior, ‘Think Later‘ (2023), de manera que McRae pueda enfocar sus giras en el baile. El maravilloso Jersey Club de ‘Revolving Door’ se ha presentado con un videoclip coreografiado de principio a fin, el UK garage de ‘2 Hands‘ también, y podrían ser singles en el futuro el Miami bass de ‘bloodonmyhands’ con Flo Milli o la dosmilera ‘Dear God’.
Las canciones de ‘So Close to What’ son peores cuanto menos rítmicas: hay más reverb que canción en ‘Greenlight’ y ‘Nostalgia’ y ‘Means I Care’ diluye por completo un sample de ‘XM24’ de Lenky -un tema dancehall de 2002- que suena desaprovechado. The Kid LAROI, pareja de Tate McRae, participa en el trip-hop pasado por agua de ‘I Know Love’. McRae convence cuando más Pussycat Doll parece en ‘Miss Possessive’, no cuando se las da de Lana Del Rey en ‘Purple Lace Bra’.
La visión de McRae es interesante cuando aborda abiertamente temas como los celos (‘Miss Possessive’), el deseo desesperado (‘Two Hands’) o la sexualización a la que se enfrenta como mujer en la industria musical: en ‘Purple Lace Bra’ canta que se ve obligada a desnudarse para que alguien la escuche. Aunque se echa en falta más chulería como la de ‘It’s Ok I’m Ok’ y su humillante «you can have him anyway».
Aunque McRae desea que se la reconozca como compositora, y no solo como bailarina, en canciones como ‘Like I Do’ o ‘No I’m Not in Love’ no logra diferenciarse de la masa con que ya trabajan sus colaboradores habituales. Ryan Tedder, Amy Allen y Julia Michaels, tres pan sin sal de la industria estadounidense, han escrito canciones para medio mundo, muy similares a las que Tate McRae propone en este disco, aunque ella sea la compositora principal. Ha aprendido de ellos, y se nota.
En los mejores casos, claro, Tate McRae se diferencia de sus colegas de profesión y del resto de aspirantes a pop star porque no tantos han reivindicado el legado de las Pussycat Dolls y Nelly Furtado, ni lo han hecho tan bien como ella. Por eso, las mejores pistas de ‘So Close to What’ son las que ahondan en esas influencias, las que añaden bangers nuevos a la próxima gira de Tate McRae.
Alba Morena cambia de aires en su nuevo single. En un probable guiño a la banda del mismo nombre, el nuevo sonido que presenta la salouense está centrado en torno a unas densas guitarras eléctricas, dejando el teclado de lado. Hasta es portada de la playlist Novedades Rock en Spotify. ‘Nirvana’ es la Canción del Día.
La producción, en la que han colaborado Simón Petrikov y Pablo Cuerno, es refrescante desde el primer minuto, siendo algo que no habíamos escuchado de Morena hasta ahora. La melodía, una de las más pegadizas que ha compartido, se rompe completamente en el estribillo para dejar paso a una amalgama glitch que recuerda a lo último de Alizzz. Las cuerdas en el puente, que no falten.
La letra está centrada en el desamor y el olvido, por lo que sí está más en la línea del resto de su material. Podría ser la hermana emo de ‘Nadie’. La primera es en la boca: «Quiero llorar», canta Morena. El videoclip inspirado en las pelis snuff acompaña perfectamente frases como «Tengo cinco amigos y los cinco viven en mi cabeza» o «Soy como un fantasma que no asusta desde que tú no estás».
Katy Perry ha anunciado que el Lifetimes Tour pasará por España en noviembre. Las fechas son el domingo 9 de noviembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el martes 11 de noviembre en el Movistar Arena de Madrid.
Las entradas para los conciertos de Barcelona y Madrid se pondrán a la venta el martes 4 de marzo a las 10 horas a través de los puntos de venta habituales.
El precio será de 48, 55, 65, 80 y 110 euros para las entradas de grada, 80 euros para las entradas de pista y 140 euros para las de pista Eternity GA (gastos de distribución no incluidos). Se podrá adquirir un máximo de 6 entradas por compra. Para estos conciertos también habrá disponibles packs VIP.
El Lifetimes Tour de Katy Perry arranca el próximo 25 de abril en Ciudad de México, y su primera parada en Europa se producirá en octubre en Belfast.
Perry presenta, en esta gira, su séptimo álbum de estudio, ‘143‘, del que se extraen los sencillos ‘Woman’s World‘, ‘Lifetimes‘ y ‘I’m His He’s Mine‘ con Doechii. El disco se reeditó en diciembre con la inclusión de cuatro temas nuevos.
Amaia venía sugiriendo que su concierto en Madrid sería especial. Era la mayor fiesta que montaría hasta la fecha. Además, ha contado en las entrevistas que ha notado un antes y un después en su carrera desde que cuenta con un director artístico en casa, su pareja Daniel2000.
No le vamos a dar a nadie más que a Amaia los méritos de ser Amaia, con esa espontaneidad, esa naturalidad y sobre todo esa voz, pero el de anoche fue un concierto más mimado que nunca en lo musical, con una decena de músicos, una coreógrafa, un coro de voces a su vez coreografiado, una escenógrafa y una responsable de los estilismos, amén de Víctor Martínez a la dirección musical. La artista movilizó a más de una veintena de personas al escenario para presentar su álbum más electrónico. Tal fue el nivel de detalle, incluso en su minimalismo, para un show dividido en 4 actos, más al final un grupo de bises.
El motivo de la fiesta era presentar ‘Si abro los ojos no es real‘, y Amaia está tan convencida de este tercer disco que sonó en su integridad. ‘Visión’, con ella al piano emergiendo de uno de los tres cubos tipo portales que presidían el escenario, fue la primera en sonar, como en el disco. Y ‘Tocotó’, la segunda en la secuencia, la siguiente. En ella ya Amaia demostró que sus tímidos pasos de baile están cada vez menos improvisados. Sus conocidos «sprints», cada vez más medidos.
Hubo ya mucho amor del público hacia las nuevas canciones que han salido hace apenas unas semanas. ‘Nanai’ dejaba ver que había algo raro y misterioso en estas nuevas producciones. La gente coreó ‘C’es la vie’ y muy especialmente ‘M.A.P.S.’, que huele a TikTok con su representación de las iniciales de la canción, como si llevaran meses fuera. Se guardó un silencio sepulcral cuando Amaia tocó el arpa en ‘Ya está’, y se vivieron momentos tan mágicos como la presentación de ‘Auxiliar’, sobre el amor de madre, y ‘Fantasma’, sobre una visita del más allá.
De hecho la muerte tuvo un protagonismo inusual para un concierto de pop de estas características. Tan natural como siempre, Amaia recordó que ‘Despedida’ habla sobre el deceso de su abuela, que falleció en paz, y propuso de manera arriesgada frente a miles de jóvenes: «Ojalá morir así porque la muerte es algo precioso y hay que celebrarla como se merece». En un momento decidió danzar precisamente por todo esto, y taconeó por la muerte sobre una plataforma llevada al escenario ad hoc, para recordar que en el norte también saben.
Pero el público sigue por supuesto muy apegado a las canciones antiguas y Amaia ha sabido rescatar para esta gran fiesta lo mejor de cada gira. Se ha caído la versión de ‘Fiebre’, pero ‘El relámpago’ al piano con un «relámpago» emergiendo al final del tema, continúa siendo un gran «highlight». ‘Quiero que vengas’ y ‘Quedará en nuestra mente’ siguen siendo un gran karaoke colectivo, con Romero en un estilo de pop-rock clásico que parece el preferido por la gente, aunque a ella le guste experimentar con diferentes géneros. El público se emociona escuchando a Amaia cantar sobre un parque de Pamplona, ‘Yamaguchi’, hermanada con una ciudad de Japón. Ahora ‘Bienvenidos al show’ cierra el concierto, en lugar de abrirlo, tras la gran ‘Tengo un pensamiento’, su penúltimo viral labrado en ‘La Revuelta’. Como en el programa de Broncano, decidió empezarla a capela.
Y el delirio se desató cuando apareció Aitana para cantar su parte de ‘La canción que no quiero cantarte’, la del estribillo «¿Quieres ser mi amigo? ¡Cómeme el higo!». El sonido estaba siendo excelente hasta que la gente se puso a gritar en este tema y a Aitana se la oyó, pero se la oyó lo que viene siendo poco. «Hacía mucho que no nos veíamos», dijo una entre el bullicio. «Enhorabuena, tía, por llenar el WiZink Center, qué bien te va», propuso Aitana mientras los responsables del Movistar Arena y los patrocinadores del mismo se daban cabezazos contra una pared. «Pues anda que a ti, guapa…», respondió la otra tras haber terminado su tema con una breve referencia a ‘Ave María’ de Bisbal.
Ainhoa Laucirica
Amaia rellenó el show con más versiones -sus 3 discos son muy cortos y ella no suele hacer demasiadas colaboraciones-, hasta completar casi 2 horas de concierto. ‘Santos que yo te pinte’ ya casi, casi es tan suya como de Los Planetas, tras aparecer en su segundo largo, y también se replica su baile de percusión imaginaria de la gira anterior. Y ahora se suman coplas como ‘Me pongo colorada’ de Papá Levante -con un control espectacular de los silencios y los estallidos- y un ‘Zorongo gitano’ que de nuevo enmudece al respetable.
No es fácil llenar un pabellón de más de 15.000 personas, solo para después callarlo. Y menos cuando no haces la música de moda, no entras en la lista de Los 40 Principales y Spotify no te quiere meter en Éxitos España. Los referentes de Amaia además vienen de mundos que no tienen nada que ver entre sí: Marisol, Los Planetas, La Oreja de Van Gogh, Ralphie Choo, C. Tangana, La Bien Querida… Ha sido tan sólo su increíble personalidad lo que ha ido dando forma a su proyecto hasta modelar un personaje único y lleno de encanto. Con un precioso vestido rosa, y un maquillaje también entre rosa y verde, Romero lucía como la princesa de un cuento de hadas, pero una princesa 2.0 que solo se depilará o se pondrá un vestido los días que le salga del higo. 9.
Gwen McCrae, cantante de música disco, funk y soul que logró un éxito top 9 en Estados Unidos con ‘Rockin’ Chair’, de 1975, y que se anotó otros éxitos en las listas de pop y R&B de Estados Unidos y Reino Unido durante los 70 y 80 con ‘Keep the Fire Burning’, ‘90% Of Me is You’, ‘All This Love that I’m Givin’ o ‘Funky Sensation’, ha fallecido este 21 de febrero a los 81 años después de una larga enfermedad.
McCrae era conocida como la «Reina del Rare Groove» porque sus discos, olvidados por el público y convertidos en «rarezas» para coleccionistas, han sido muy buscados por record diggers y sampleados, por ejemplo, por Cassius, que basaron su éxito de 1999 ‘Feeling for You‘ en ‘All This Love That I’m Givin’, o Disclosure, que samplearon ‘Funky Sensation’ en 2018.
Asociada inicialmente a la discográfica TK Records, McCrae grabó después para otros ellos tanto en Estados Unidos como en Reino Unido y era reconocida por hacer música de baile cálida y profunda y con letras emotivas. Nacida en Pensacola, Florida, McCrae fue la persona que lanzó, en 1972, la primera versión de ‘Always on My Mind’, antes de que la popularizara Elvis Presley y la grabaran después también Willie Nelson y Pet Shop Boys.
McCrae además estuvo casada con George McCrae, intérprete del éxito de 1974 ‘Rock Your Baby’, la mismísima canción que inspiró la composición de ‘Dancing Queen’ de ABBA. Gwen y George se casaron a la semana de conocerse y formaron un dúo durante los 60, y a ambos se les atribuye la invención del «Miami Sound», un sonido que mezclaba disco, funk y soul de manera amable y cálida, como mostraban ‘Rockin’ Chair’ y ‘Rock Your Baby’.
McCrae, que también era muy querida en la escena northern soul de Reino Unido, lanzó su último single, ‘Now I Found Love’, en 2010 y en 2012 se retiró de los escenarios después de sufrir un derrame cerebral.
Rihanna sigue dando pequeñas pinceladas de su próximo disco. En una entrevista con Harpers Bazaar, la de Barbados confirma que R9 sigue en proceso de grabación, pero que empieza a tomar forma. Rihanna se siente «muy optimista» con el proyecto.
Y la «noticia» es que el noveno álbum de Rihanna no será predecible. «Sé que el disco no será nada que la gente espere. No será comercial o digerible para la radio. El disco se dirige hacia el tipo de arte que merezco hacer en este momento. Y siento que por fin he dado con la tecla de lo que quiero hacer».
Rihanna, por otro lado, desmiente que el álbum vaya a centrarse en ritmos de reggae exclusivamente: «Nada que ver. El álbum no tiene género. Por eso he esperado tanto tiempo. Cada vez que pensaba que tenía algo, pensaba: esta no soy yo. No es lo que busco. No refleja mi evolución. No puedo defender esto. No puedo cantar estas canciones en una gira durante un año».
El objetivo de Rihanna es que el sucesor de ‘Anti‘ (2016) sea igual de bueno. En la entrevista, Fenty asegura que ‘Anti’ es el único álbum de su discografía que es capaz de escuchar entero sin sentir vergüenza: «Escucho ‘Anti’ de principio a fin sin sentir vergüenza. Solía sentir vergüenza. No me gusta escuchar mi propia música, pero ‘Anti’ sí. Es como si no fuera yo la que canta las canciones». Rihanna compara la experiencia de escuchar sus anteriores álbumes con el cringe que se siente a escucharse a sí misma «en una nota de voz».
Estos días circulan varios rumores que ubican a Rihanna de vuelta a los escenarios: según The Telegraph, Fenty habría apalabrado un headline show en Glastonbury y una residencia de conciertos en Londres, pero nada ha sido confirmado.
Rihanna seguirá trabajando en su nuevo álbum mientras interpreta a Pitufina en la próxima película de Los Pitufos.
El trío de mejores amigas formado por las jovencísimas Nora Cheng, Penelope Lowenstein y Gigi Reece regresa tras su prometedor debut ‘Versions of Modern Performance’. El proceso creativo de su segundo trabajo, ‘Phonetics On and On’, ha sido considerablemente distinto a aquel, que fue gestado en el trastero de los padres de Penelope.
Ahora, la banda al completo ya ha terminado el instituto en Chicago y se ha mudado a Nueva York para asistir a la universidad. Aún así, se han mantenido fieles a su ciudad y han grabado este nuevo proyecto allí, en The Loft, el estudio de Wilco. Para la producción, han escogido a la artista galesa Cate Le Bon, quien ha sabido llevar el sonido de Horsegirl un peldaño por encima de su primer disco.
Tirando de una estética indie-rock 100% reconocible, ‘Phonetics On and On’ es uno de esos proyectos que inmediatamente hacen sentir al oyente como en casa. Aquí las ambiciones no se encuentran en la innovación, sino en la sofisticación de un sonido cargado de influencias: Sonic Youth (con quien colaboraron en su primer álbum), Stereolab, Yo La Tengo, The Raincoats o la propia Le Bon, por mencionar algunas. Pese a la familiaridad sonora, la confianza y desparpajo con los que la banda presenta estas canciones son lo que las hace brillar, evitando que sean un mero ejercicio de nostalgia y convirtiéndolas en una refrescante piscina en la que zambullirse en pleno verano.
La juguetona ‘Where’d You Go’ comienza esta aventura de la mejor manera posible, asentando el tono luminoso que impregnará todo el proyecto. Es una introducción desenfadada y ligera a un universo lleno de riffs de guitarras, bonitas armonías vocales y simpáticos “dadadas” y “lalalalas”. En todas las canciones, Horsegirl optan por el minimalismo, reduciendo al máximo posible los componentes necesarios para que estas funcionen. Esta depuración, también perceptible en las letras, las beneficia enormemente, impulsando sus encantadoras melodías y pegajosos estribillos. Gracias a ello, pistas como ‘In Two’ o ‘2468’ -que incorporan un violín- suenan agradables y limpias, haciendo de sus constantes repeticiones una virtud.
Pese a la sencillez, también hay espacio para alguna sorpresa, como ese cambio tonal hacia el final de ‘Rock City’, las dispersas notas que se van colando a lo largo de la adorable ‘Julie’ o el coqueteo folk que ofrece ‘Frontrunner’. Los momentos más logrados llegan de la mano del luminoso indie rock de ‘Switch Over’ y de ‘Well I Know You’re Shy’, cuyas acogedoras guitarras invitan a quedarse a vivir en su melodía.
En ‘Phonetics On and On’, Horsegirl exploran y juegan con sus referencias en busca de su propia voz como artistas, Y lo hacen pasándoselo en grande, con un disco tan divertido como tierno sobre lo maravilloso y lo doloroso de crecer. Es muy difícil resistirse a una colección de canciones que son puro caramelo.
Coco Jones es uno de los talentos de R&B por los que la industria estadounidense está apostando. En activo desde 2006, aunque solo tiene 26 años, Jones ha formado parte de la escuela Disney Channel, y desde 2022 está centrada en desarrollar su carrera musical.
Desde entonces, Jones ha logrado un par de hitos en su carrera. El primero ha sido ser ganar un Grammy a Mejor actuación de R&B por ‘ICU’ (2022), que se imponía a otras nominadas como ‘Kill Bill’ de SZA. Jones también ha competido en los Grammy de este año, en la misma categoría, por su single ‘Here We Go (Uh Oh)’, pero ha perdido contra Muni Long.
El segundo hito es haber conseguido samplear ‘Toxic‘ (2003) de Britney Spears en su nuevo single, ‘Taste’. El repertorio de Spears, como el de tantos otros artistas, es muy difícil de licenciar porque sus derechos de publicación se reparten entre multitud de compositores, productores, editores, largo etcétera.
A lo largo de la historia, Spears ha sido sampleada muy pocas veces. Últimamente, por Charli xcx en ‘Spring Breakers‘ (2024). Y en ‘Scream & Shout‘ (2012) de will.i.am. porque Spears era la artista invitada. En 2003, Venetian Snares se salieron con la suya triturando ‘I’m A Slave 4 U’ (2001) hasta dejarla irreconocible.
En ‘Taste’, el estribillo de la canción se ha escrito en torno a la melodía del estribillo de ‘Toxic’, reinventando el clásico de pop futurista de Spears en clave R&B. Además, parece que la voz de Spears es sampleada directamente de la grabación original, es decir, los productores Stargate, Jasper Harris y Aaron Shadrow no han «interpolado» la melodía, sino que la han extraído de la fuente original y recontextualizado. Al menos, eso parece.
Esto no importaría a nadie si ‘Taste’ no fuera una buena canción, pero lo es. ‘Taste’ es el tercer adelanto del álbum debut de Jones, ‘Why Not More?’, que se pone a la venta el próximo 25 de abril.
Olly, ganador de Sanremo con ‘Balorda nostalgia‘, ha comunicado su renuncia a participar en Eurovisión 2025. «Creo que necesito asimilar todo lo que está pasando antes de mirar más lejos», ha expresado en un comunicado publicado en Instagram. «Así que he decidido renunciar a Eurovisión sabiendo que es una de esas cosas que suceden solo una vez en la vida». «Algunos dirán que estoy renunciando a un sueño, pero creo que he elegido vivirlo a mi ritmo», ha expresado el artista.
El segundo clasificado de Sanremo 2025, Lucio Corsi, representará oficialmente a Italia en Eurovisión 2025 con ‘Volevo essere un duro’. Corsi había expresado su deseo de competir en Eurovisión y había declarado que viajar al Festival de la Canción era un «sueño» para él.
El de Olly no es el único caso de ganador de Sanremo que ha rechazado ir a Eurovisión. En 2016, la banda Stadio ganó Sanremo, pero renunció participar en el Festival de la Canción. Como resultado, la segunda clasificada, Francesca Michielin, compitió en Estocolmo. La próxima edición de Eurovisión, la 69ª, se celebra en Basilea, Suiza.
Un túnel, coches pasando y una persona andando en medio de la calzada. Cualquiera con un poco de memoria videoclipera se acordará del ‘Rabbit in Your Headlights’, la obra maestra dirigida por Jonathan Glazer para Unkle. Aunque, puestos a sacar semejanzas, el clip al que más recuerda ‘Striptease’ es el ‘Bet’ de Tinashe (alguien malpensado podría decir que demasiado).
Si preferimos pensar bien, se podría decir que el vídeo dirigido por Jordan Hemingway, actual pareja de FKA twigs, es una mezcla de ambos. Por un lado, está el escenario. El realizador saca mucho partido dramático y metafórico de una ubicación tan hostil y agresiva para un peatón. El túnel como lugar violento y lleno de amenazas donde la figura humana, por contraste, se convierte en la representación de la más absoluta vulnerabilidad.
Por otro lado, está el baile. En sintonía con la letra de la canción, la cantante escenifica un estriptis que funciona como desnudo emocional. Cuanta más ropa se quita, más poderosa se siente, como si soltara un lastre que no la dejaba avanzar.
El clip juega de forma muy hábil con esa idea: de correr a trompicones, asustada y siendo ignorada desde los coches, a flotar literalmente hasta, una vez conseguida la seguridad en sí misma, ser capaz de transformar su realidad. Los amenazantes focos de los coches son ahora los deslumbrantes flases de los fotógrafos. El paso inseguro y huidizo es ahora un avanzar por la vida pisando fuerte.
Si la televisión mató a la estrella de la radio, ¿quién mató al videoclip? La respuesta se encuentra en el streaming y las redes sociales. En una industria tan fragmentada que la mayor superestrella del planeta no le sonará a tu vecino, el vídeo hace rato dejó de ser un formato de promoción necesario para muchos artistas que han encontrado un bastión en redes como tiktok. Puede que para Lady Gaga siga siendo importante, pero para muchos otros artistas no lo es en absoluto. Repasamos 10 megahits actuales que han podido contar con otros tipos de promoción, pero no con videoclip al uso, y recordamos otro cinco clásicos recientes del pop que tampoco lo necesitaron: algunos continúan en listas a día de hoy.
‘Lose Control’
El éxito de ‘Lose Control’ ha sido descomunal y hasta ha llegado a España, pero la canción sigue sin videoclip oficial. Teddy Swims ha promocionado ‘Lose Control’ con un «live» en Youtube muy popular, pero a Swims no le ha quitado el sueño grabar un videoclip de estudio para esta canción que supera la vertiginosa cifra de los mil millones y medio de reproducciones únicamente en Spotify y que ha sido la más exitosa de todo 2024 en Estados Unidos.
‘luther’
Kendrick Lamar no ha visto venir el enorme éxito de ‘luther‘, su último single con SZA, y el tema no ha requerido de vídeo para superar con muchísimo margen las escuchas del single de presentación que sí cuenta con visual oficial, ‘squabble up’. 500 millones de streamings y subiendo, la segunda canción más escuchada ahora mismo en el mundo solo por detrás de ‘Die with a Smile‘ de Bruno Mars y Lady Gaga… ¿vídeo para qué?
‘Good Luck, Babe!’
El megaéxito de Chappell Roan supera ya por mucho la barrera de los mil millones de streamings solo en Spotify sin videoclip. En todo el año que lleva fuera no lo ha necesitado: su éxito en las plataformas de streaming ha sido suficiente para catapultar a Roan a la fama y arrastrar con él otros temas que, al contrario que este, sí estaban incluidos en su debut. Para ‘The Giver‘, el próximo single de Chappell Roan, parece que sí habrá vídeo.
‘Apple’
Que los videoclips ya no son lo que eran lo ha demostrado Charli xcx, que ha viralizado a lo grande varios temas de ‘brat‘ (2024) en tiktok, especialmente este ‘Apple’ al que se ha asignado una coreografía ya icónica. Los vídeos de ‘Von Dutch’ y ‘360’ eran muy buenos, pero Charli ha demostrado que tiktok ya es una herramienta promocional como cualquier otra. En ‘Apple’, el videoclip eres tú.
Beyoncé
El caso sorprendente es el de Beyoncé: la artista conocida por publicar discos audiovisuales como ‘Lemonade‘ (2016) ha tomado la dirección radicalmente opuesta en ‘Renaissance‘ (2022) y ‘Cowboy Carter‘ (2024). Canciones como ‘Texas Hold ‘Em’, ‘Break My Soul’ o ‘Cuff It’ han alcanzado la categoría de megahits por sí solos, sin vídeo. Beyoncé está transmitiendo el mensaje de que no debe videoclips ni a sus fans, ni a nadie.
‘Cruel Summer’
‘Cruel Summer’ de Taylor Swift fue considerado como single de ‘Lover‘ (2019), se descartó, sus fans lo auparon, y ahora está a punto de rebasar los 3 mil millones de streamings. Swift suele lanzar sus singles con grandes superproducciones audiovisuales, pero para ‘Cruel Summer’ no se ha gastado un duro. Y es la canción más escuchada de toda su carrera.
‘capaz (merengueton)’
tiktok se encuentra detrás del gran éxito de este single de los venezolanos Alleh y Yorghaki que ha sido número 1 de singles en España antes de alcanzar popularidad global: ahora mismo está posicionado en el 42 de singles más reproducidos en el mundo. Prueba de que en una red social donde el artista pone el audio y el público pone el vídeo, un videoclip al uso ya no es necesario.
‘The Night We Met’
Uno de los mayores éxitos de la nueva ola de pop-folk comercial, ‘The Night We Met’ de Lord Huron es un viral constante en las listas de éxitos actuales que no cuenta con videoclip. Su lanzamiento original se remonta a 2015, pero lo colocamos aquí porque actualmente es número 30 en el global de Spotify: está funcionando como si se hubiera lanzado ayer. Su aparición en la serie ‘Por trece razones‘, en 2017, y su posterior viralidad ha llevado la canción al panteón del «Billions Club».
Bad Bunny
¿Cómo no iba a aparecer en este artículo el disco más escuchado de la historia de Spotify? ¿O cualquier disco de Bad Bunny? ‘Un verano sin ti‘ (2022) ha contado con vídeos, pero para otros de sus temas más escuchados ha preferido no invertir tiempo y dinero en rodar un vídeo. Es el caso de ‘Efecto’, que se aproxima a los mil millones y medio de streamings en Spotify. Del último, tampoco tienen vídeo -por ahora- sus mayores hits, ‘DTMF’ y ‘NUEVAYOL’, porque ni siquiera han sido singles «oficiales».
‘Wildflower’
No son los videoclips el fuerte de Billie Eilish, y ‘Birds of a Feather‘ ya era un macrohit absoluto y masivo antes de que Eilish se decidiera a hacerle un vídeo que realmente no necesitaba. Tampoco lo necesitaría ‘Wildflower’, que está reportando a Eilish 4 millones de escuchas diarias gracias a su promoción en espacios como el Colors Show. Es el segundo mayor éxito de ‘Hit Me Hard and Soft‘ (2024) a pesar de que no se ha lanzado oficialmente como single.
5 clásicos recientes sin vídeo
‘Love on the Brain’
Muchos singles en la historia del pop posteriores a la consolidación del formato durante la era MTV no han contado con videoclip al uso porque han sido asociados a una actuación en directo icónica. Es el caso del cuarto single de ‘Anti‘ (2016) de Rihanna, responsable de la mejor actuación vocal de Fenty en una gala de premios. Este álbum, claro, ha sido una auténtica mina para Rihanna: hasta el deep cut ‘Woo’ o el bonus track ‘Sex with Me’ han sido virales.
‘One Dance’
Drake ha sido el gran rey del streaming, y los videoclips tampoco han sido nunca su fuerte. Sus temas acumulan cifras astronómicas se lancen como single o no. ¿Resultado? ‘One Dance’, su canción más reproducida, no cuenta con videoclip, al contrario que, por ejemplo, ‘God’s Plan’ o ‘In My Feelings‘. ‘One Dance’, extraído de ‘Views‘ (2016), se acerca a la vertiginosa cifra de los 4 mil millones de reproducciones.
‘Talking to the Moon’
No tengo pruebas pero tampoco dudas de que las canciones de Bruno Mars se viralizan gracias a su uso en bodas. ‘Just the Way You Are’ y ‘When I Was Your Man’ son seguro dos pedazo de clásicos nupciales, a los que ahora se ha añadido ‘Die with a Smile’, pero ha sido muy sorprendente el éxito de un tema anterior, extraído del debut de Mars, que nunca fue single y que en 2025 está registrando números como si fuera un hit actual.
‘Apocalypse’
Entre los grupos considerados «alternativos» pero que suman escuchas espectaculares se encuentra Cigarettes After Sex, que tampoco ha dependido del formato de videoclip para viralizar ‘Apocalypse‘, una canción que se lanzó como single de su segundo disco en 2017 pero que no se empezó a popularizar hasta 2022. ‘Apocalypse’ es ahora mismo una de las canciones más escuchadas a nivel global, y Cigarettes After Sex no tienen ningún motivo para invertir dinero en un vídeo innecesario.
‘Set Fire to the Rain’
Adele podía hacer lo que quisiera en la era de ‘21‘ (2011), pero ella no es una artista visual como Beyoncé: solo dos singles de aquel álbum multiplatino -el más vendido del siglo XXI por ahora- se promocionaron con videoclips, y ‘Set Fire to the Rain’ se tuvo que conformar con sonar en radios y con ser asociada a un directo en el Royal Albert Hall que ya ni siquiera está disponible en Youtube.
