Contra todo pronóstico -aunque los Bafta (nueve nominaciones) ya habían dado una buena pista- ‘El instante más oscuro’ se ha convertido en la cuarta película con más nominaciones en los Oscar de este año. Todo el mundo esperaba el de mejor actor principal (Gary Oldman) y el de maquillaje (la papada de Gary Oldman). Pero… ¿mejor película del año? ¿De verdad a alguien le parece ‘El instante más oscuro’ mejor que ‘The Florida Project‘, ‘Yo, Tonya‘, ‘Molly’s Game‘ o ‘Blade Runner 2049‘, por poner cuatro ejemplos de películas “oscarizables” que se han quedado fuera?
‘El instante más oscuro’ es la típica película que parece mejor de lo que es. Por cinco razones: 1) un tema importante (el dilema de Gran Bretaña de seguir luchando en solitario contra la Alemania nazi o llegar a un acuerdo de paz con Hitler), 2) una interpretación “importante” (Oldman encarnando a un Churchill a medio camino entre lo brillante y lo chanante), 3) una producción “importante” (mucho dinero y talento invertido en una ambientación de lujo), 4) una dirección “importante” (el exhibicionista Joe Wright enfatizando su discurso a golpe de plano cenital), y 5) una duración “importante” (dos horazas que se hacen más largas que a un soldado esperando en Dunkerque).
Sin embargo, debajo de tanta “importancia”, de tanto látex, sombrero Homburg, libros de historia y manierismo visual, lo que queda es una convencional mezcla de biopic y drama bélico con aroma a telefilme británico rancio. Un vehículo de afirmación nacional diseñado de principio a fin para el lucimiento del actor principal y el ensalzamiento, hasta el límite de la mitificación, del líder británico.
Todo está burdamente colocado para que la progresión dramática funcione de forma previsible: la joven secretaria (con un hermano en el frente) como representación del pueblo británico, la esposa de Churchill (una desaprovechada Kristin Scott Thomas) cuya única función es “humanizarle”, el rey como máximo antagonista que acabará trasformado en su máximo valedor, y la utilización del metro como símbolo del pueblo llano que dará lugar a una de las secuencias más tontorronas del cine reciente.
Al director le importa menos la complejidad de los asuntos políticos (mejor no compararla con ‘Los archivos del Pentágono’, el “thriller de despachos” del año) que su divulgación simplista y estilosa, la hagiografía de un símbolo nacional que el relato de ese “instante más oscuro”. La película da vueltas y más vueltas durante dos horas sobre un mismo conflicto dramático -guerra o acuerdo de paz- para acabar deslizando cuatro ideas que podría haber desarrollado en veinte minutos.
Y una última pregunta. Gary Oldman parece que tiene el Oscar en el bolsillo desde que se puso la primera capa de maquillaje. Pero, ¿de verdad su interpretación es mejor que la del impresionante Timothée Chalamet en ‘Call Me by Your Name’? 5,5.
Cuando hablábamos el pasado mes de octubre de Client Liaison, coincidiendo con su penúltima visita a la sala Razzmatazz de Barcelona –club en el que vuelven a actuar este fin de semana, el sábado 3 de marzo–, aún no estaba disponible fuera de su país, Australia, el que fuera su álbum de debut ‘Diplomatic Immunity’. Pero semanas después, a mediados de noviembre, tenía por fin edición internacional y llegaba a plataformas de streaming de todo el mundo, pudiendo al fin disfrutar de él completo y no solo de sus singles. Por eso esta visita es una buena oportunidad para reseñar el álbum: al fin y al cabo, es un disco nuevo fuera de Oceanía. Tampoco hay que temer que su sonido suene caduco porque… en realidad ya nació así.
Como ya contamos en su día, Harvey Miller y Monte Morgan podrían haber nacido (al menos artísticamente) 30 años atrás y hubieran encajado a la perfección. Sus canciones y su estética funcionan como un portal que les permite viajar (y, de paso, nos llevan con ellos) en un limbo temporal entre los años 82 al 90, aproximadamente. Y sonar indistintamente a italodisco, Duran Duran, Modern Talking, INXS –no sorprende lo más mínimo que hayan rehecho ‘Need You Tonight‘–, o ABC con total descaro. No es nada nuevo: proyectos tan distintos como Chromeo, Cut Copy, The 1975 o Alex Cameron lo hacen también y sus nombres también sirven para enmarcar este debut, si resultan más familiares.
Sin embargo, Client Liaison llevan su propuesta un paso más allá y lo convierten en una experiencia retro total: no solo sus portadas, su web y ellos mismos parecen como recién aterrizados en un Delorean, sino que llevan su apuesta estética hasta las últimas consecuencias. Incluso en sus letras, repletas de referencias a yuppies ambiciosos, políticos corruptos, parafernalia de lujo, neón, asfalto, palmeras y puestas de sol, toda la parafernalia. Todo esto funciona mucho mejor, sin duda, con el apoyo de sus fantásticos clips, y sin duda las canciones que cuentan con uno llevan ventaja: ‘World of Our Love’ –co-producida por Flight Facilities–, ‘Off White Limousine’ –con coros de Mr. Hudson–, ‘A Foreign Affair’ –con feat. de Tina Arena, una estrella infantil australiana en los 80; hasta en esto hilan fino– y ‘Wild Life’ cuentan con ese plus y se nota.
Pero ‘Diplomatic Immunity’ es un buen disco incluso más allá de su ingenioso universo estético porque, superada la primera mitad del disco, en la que se acumulan sus inapelables singles, aún encontramos canciones capaces de mantener el interés cuando el tufo a laca y el picor de las hombreras comienzan a resultar cansinos. La muy Human League ‘Where Do We Belong’ –con Miami Horror–, la elegante ‘Electric Eyes’ y la housera ‘Do It My Way’ son lo suficientemente frescas como para que no se desmorone el atrezzo de cartón-piedra. Habrá quien les acuse de abusar de la nostalgia, pero personalmente veo en Client Liaison, en su teatralidad y en este debut cierta vocación didáctica, casi museística. Además de un gran divertimento, obviamente.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘A Foreign Affair’, ‘Off White Limousine’, ‘World of Our Love’, ‘Where Do We Belong’ Te gustará si te gustan: Cut Copy o Duran Duran, The 1975 o INXS, The Human League o Flight Facilities Escúchalo: Spotify.
Esta imagen tan propia de Harry Styles es la portada de ‘Sanctify’, el nuevo single de Years & Years, que llega la semana que viene. Y no el viernes, día de lanzamientos, sino dos días antes, el 7 de marzo. Será el primer avance del “difícil segundo álbum” de Years & Years, como el mismo grupo bromea en Twitter.
Como es evidente, el grupo de Olly Alexander seguirá en ‘Sanctify’ utilizando terminología religiosa, como ya mostraba el título de su debut, ‘Communion‘, o una de sus pistas, ‘Worship’. El tema es co-autoría Kid Harpoon, quien ya trabajara con Years & Years en ‘Desire’, ‘Take Shelter’, ‘Worship’ y ‘Meteorite’, la canción del trío británico para ‘Bridget Jones’s Baby’.
Esta vez, sin embargo, y como puede verse en los avances visuales compartidos por el grupo en las redes sociales, el nuevo disco de Years & Years tendrá un componente interestelar. Por cierto, parece que se titulará ‘Sanctioned Humans’, como reconocerán los fans del grupo registrados en su app de noticias.
Karol G ha triunfado con ‘Mi Mala’ y con su disco ‘Unstoppable‘, que incluye hits como ‘Ahora me llama’ y ‘A ella’. La cantante colombiana publica hoy un single llamado ‘Pineapple’ que en apenas 10 horas ha superado el millón de visualizaciones de Youtube, situándose cómodamente entre lo más visto del día en España. La canción ha sido producida por Sky (J Balvin, Pharrel, Nicky Jam, Ozuna y Yandel), uno de los productores referencia para Alizzz, y mezclada por Mosty. El videoclip oficial ha sido producido por 36grados e incluye la participación de la influencer Killadamente, que cuenta con 4 millones de seguidores en Instagram. Al margen de esta última, vídeo y canción reinciden en la sensualidad tropical con arreglos suntuosos y ganchos como ese «tú prefieres tocar lo que puedes ver».
Karol G ha estado recientemente en España promocionando su música y mi compañero Pablo N. Tocino pudo hablar con ella sobre este single que la gente empezó a llamar «La oscuridad» a partir de un teaser en redes sociales. En ese momento nos decía: «Estoy muy emocionada, la escribí con Sky y con Mau y Ricky, y Sky produce, es una canción para bailar que creo que va a gustar mucho». A juzgar por los primeros datos, parece que estaba en lo cierto.
También nos avanzaba: «La canción es en español, y no se nombra ninguna piña (risas). Se llama ‘Pineapple’ pero ya, alguien dijo el nombre, me gustó y ya empecé a pensar en el concepto de la canción, que fuera un lugar lleno de piñas, llamé a Sky y le dije: “quiero una canción que suene como a piña, como a selva”. Por último, nos desvelaba el destino de ‘Pineapple’: una versión deluxe de ‘Unstoppable’, «con ‘Pineapple’ y otras tres canciones que vienen». Próximamente publicaremos la entrevista completa.
La Audiencia Nacional ha condenado al rapero catalán Pablo Hasel a 2 años y un día de cárcel por delitos de enaltecimiento del terrorismo y por injurias y calumnias contra la Corona y las instituciones del Estado. De confirmarse la decisión del Tribunal Supremo, Hasél pasará cinco años en prisión, sumándosele una condena anterior. Además, se enfrenta a una multa de 40.500 euros.
64 tuits en los que critica a la Monarquía o a la Guardia Civil y canciones como ‘Odio justificado’ son las razones por las que la fiscalía considera que Hasél ha demostrado un «sistemático enaltecimiento de las actividades terroristas y de sus autores, presentándolos como héroes y ejemplos a imitar y sus actos como actos heroicos y justificados».
La fiscalía ha analizado, cita Público, “1.915 tuits en la cuenta de Pablo Hasel en los que aparecen los términos grapo, monarquía, ETA, rey, terrorismo, Bilbo, Bomba, Borbón, Policía y Guardia Civil», entre ellos, varios contra rey emérito Juan Carlos I y a la monarquía (al primero se le llamaba “ladrón”, a la segunda “parásitos” y “mafiosos”) y contra la Guardia Civil en los que se acusa a las Fuerzas del Estado de haber “torturado a inmigrantes” o de “asesinar” a personas “con total impunidad”.
Hasel ha expresado su frustración por la decisión de la Audiencia en Twitter, escribiendo que no se arrepiente de los tuits por los que ha sido condenado: “jamás claudicaré, fascistas de mierda”.
La noticia de la condena a Hasel llega unos días después de que el Tribunal Supremo confirmara la condena al rapero mallorquín Valtonyc por enaltecimiento del terrorismo, calumnias, amenazas e injurias graves a la Corona. Valtonyc se enfrenta a 3 años y 6 meses en prisión.
Un saludo a la escoria que celebra mi encarcelamiento. Sólo darán más voz al mensaje que quieren silenciar, sólo me van a fortalecer como revolucionario. Esto adelanta el fin de vuestra tiranía.
Muchos medios mienten. No me han condenado por enaltecer a ETA. Jamás he condenado la mayoría de sus acciones, pero no me están condenando por esto, sino por denunciar las torturas que sufrió un supuesto militante de ETA entre otras cosas.
Mirad si me arrepiento que ahora mismo procedo a escribir lo mismo por lo que he sido condenado:
-Las presas y presos políticos son ejemplos de resistencia. -Isabel Aparicio fue exterminada por el Estado negándole asistencia médica. -La Guardia Civil asesinó a 15 inmigrantes
-La familia real son unos parásitos. -La monarquía tiene negocios criminales como el tráfico de armas a Arabia Saudí. -La monarquía vive a todo lujo a costa de la explotación y miseria ajena. -La Guardia Civil, como hasta el tribunal europeo ha dicho, ha torturado.
Ya no es ni una cuestión de opiniones, es que me han condenado por contar hechos objetivos sobre la monarquía, la policía o los presos políticos. Aún así, no hace falta compartir todo lo que uno dice para ver que esto son injusticias muy graves.
Si hasta por opinar, si hasta por luchas pacíficas ejercen una brutal represión, que ningún hipócrita se lleve las manos a la cabeza cuando haya quienes ejerzan la autodefensa pasando a mayores. Ante una dictadura así, toda lucha es legítima.
Me han condenado a 2 años y otro de pena-multa, es decir, 3 años. Se suman a los 2 que ya tengo por canciones contra el régimen. Pasaré 5 años preso por delitos de opinión, pero jamás claudicaré. Jamás, fascistas de mierda.
Nuevo viernes repleto de novedades. En el apartado de singles, nos sorprende encontrar una no-anunciada nueva colaboración de Beyoncé con su marido, Jay Z, en el nuevo single de DJ Khaled. Future se ha unido en esta ocasión a la fiesta. Pero no es el único single llamativo que se lanza estos días: ahí están los nuevos temas de Diplo con Santigold y Lil Yachty, MNEK, Karol G, Yo La Tengo, Perro, Young Fathers, Rels B, The Kills, los mexicanos Zoé, Unknown Mortal Orchestra, La Habitación Roja, Dominique A, Betacam, The Vaccines, King Tuff, Egon Soda, Vega, Frankie Cosmos, Flight Facilities, Rae Sremmurd, El Trinidad, Blossoms, Little Dragon, Cruz Cafuné, George FitzGerald & Bonobo, Nos Miran, Tom Misch & De La Soul, David Kitt (¡vuelve 8 años después!), Logic & Marshmello, Shainny (pronto hablaremos de esta nueva trap queen), L’Impératrice o George Ezra.
Con ellas, todas las canciones de las que hemos venido hablando esta semana y han llegado a Spotify, que no son todas –faltan Azealia Banks, Ladytron, Summer Spree–: Meghan Trainor, Chvrches & Matt Berninger de The National, Jack White, Natalie Prass, iceage, The Blaze, Buzzy Lee, J Balvin con y sin Nycky Jam, Tracyanne & Danny, Las Chillers y Laura Veirs ft Sufjan Stevens. También destacan esta semana una serie de remixes bastante singulares: al de ‘Dancing’ de Kylie Minogue a cargo de Initial Talk, también tenemos un rework de ‘Fior di Latte’ de Phoenix por parte de A.G. Cook, The Avener pasando por filtros contemporáneos ‘Masters of War’ de Bob Dylan. Dylan goes electro, tal como lo oís.
Y por supuesto, tenemos un listado considerablemente largo de nuevos discos que disfrutar: los regresos de The Breeders y Tracey Thorn y los debuts de Superorganism y La Plata a la cabeza, junto con obras de Moby, Lucy Dacus, Titus Andronicus, Jonathan Wilson, Luz Casal, Joan Baez, Cycle, Sonny Smith, Gwenno, Suuns, Soccer Mommy, Moaning, Los Chicos y UB40 (sí, siguen activos). En el apartado de EPs, destacan los que lanzan ALMA (con MØ, Tove Styrke y Kiiara), Everything Everything, Soft Regime (proyecto de Tim, ex-Baxendale) y los excéntricos murcianos Alien Tango.
Vega ha puesto finalmente fecha a su nuevo disco, ‘La reina pez’. Será el 13 de abril cuando llegue a las tiendas el esperado sucesor de ‘Wolverines‘, su último trabajo de material inédito, publicado en 2013. Después sí ha habido más música de Vega, aunque en formas de versiones de la canción italiana en ‘Non ho l’età‘, editado el pasado año.
Después de estrenar la animada ‘Sally’, sobre la que la propia Vega nos hablaba extensamente hace unas semanas, la cantautora publica un nuevo adelanto de ‘La reina pez’, una balada agridulce sobre superar el dolor causado por una ruptura -de la naturaleza que sea. El tema se estrena con un videoclip rodado en la nieve.
‘Después de ti’ “reflexiona acerca de la superación del dolor”, escribe Subterfuge, y sobre “la fortaleza necesaria para avanzar después del sufrimiento y cómo esa resiliencia nace del afán de superación personal”. La propia Vega cuenta de la canción: «Hemos dicho tantas veces ‘después de ti ya no quiero a nadie’ por amor, convencidos… Es por eso que necesitaba recrear esa insistencia para avanzar sobre la idea de decirlo en su sentido contrario o menos habitual, es decir, el literal. No quiero a nadie que no me aporte felicidad».
Exactamente un año después del estreno de ‘Green Light’, canción que por cierto sigue inamovible en el top 10 de nuestro top de canciones, Lorde sigue de gira presentando ‘Melodrama‘ por el mundo. Su última parada ha sido este jueves 1 de marzo en Milkwaukee.
La neozelandesa ha reservado un par sorpresas para su público de esta última noche. En primer lugar, ha estrenado una canción nueva, que según Pitchfork es una composición inédita de las sesiones de ‘Melodrama’. Es una canción de prominentes pianos, hipnóticos “ah ah ahs” y ritmo bailable, aunque por calidad suena a descarte y se entiende que no entrara en el disco.
La segunda sorpresa ha sido una versión. Lorde ha realizado “covers” de varios temas clásicos a lo largo de su gira -en Barcelona cantó ‘Somebody Else’ de The 1975, y en su paso por la capital de Wisconsin se ha arrancado con una versión de ‘Solo’ de Frank Ocean. Una de las canciones más bonitas de ‘Blonde‘ interpretadas por la carismática voz de Lorde.
Y volviendo a ‘Melodrama’, Run the Jewels han estrenado recientemente un remix de una de sus pistas, ‘Supercut’. Está disponible en este enlace.
El festival O Son Do Camiño de Santiago de Compostela ha sorprendido esta semana al anunciar que los 20.000 abonos puestos a la venta para su primera edición, que se celebra en julio, se han agotado “en menos de 2 horas”. El festival asegura que la demanda de entradas para el festival ha sido muy superior a lo que se esperaba, pero las personas que se han quedado sin entradas atribuyen su fracaso a un proceso de venta errado que ha supuesto su aparición inmediata en sitios de reventa a precios desorbitados. Se ha lamentado, por ejemplo, que las entradas no fueran nominales, que el proceso permitiera comprar hasta seis entradas por persona y que este llevara a largas colas virtuales.
El festival ha enviado hoy un comunicado explicando la situación: “queremos resaltar que la demanda fue un 400% superior a las entradas que estaban a la venta y que el sistema de compra ha funcionado de manera correcta en todo momento. Las colas virtuales que se han implementado son naturales de un proceso de compra de estas características y queremos ratificar que el número de entradas que se vendieron en cada uno de los tramos de precio respetaron aquellos cupos que fueron anunciados. Los minutos de espera en las citadas colas fueron únicamente debidos a las decenas de miles de personas que en todo momento optaban a la compra de su abono. Incluso antes de la hora a la que fueron puestos a la venta los abonos del Festival, miles de personas estaban ya conectadas en nuestra web”.
O Son Do Camiño ha querido recalcar su posición contraria a la reventa de entradas en mercados secundarios: “Ni la Organización de O Son Do Camiño como promotores ni la plataforma oficial de venta de entradas hemos reservado o redirigido ninguna entrada al mercado secundario. Sobre este aspecto nuestra posición es rotunda. No sólo sabemos que la reventa de entradas es un problema a nivel nacional que incluso se está debatiendo en las Cortes sino que además, desde dentro de la Asociación de Promotores Musicales (de la que formamos parte) se está estudiando interponer acciones legales ante estos casos y quienes estén detrás de los mismos. También recordamos que en todo momento se comunicó que las entradas sólo estarían disponibles a través de los canales oficiales: www.ticketea.com y www.osondocamino.es . Además, para luchar contra el fenómeno de los mercados secundarios, desde la Organización se limitó la venta a un máximo de seis entradas por usuario”.
El festival anuncia que próximamente se pondrán a la venta entradas de día, y agradece al público el éxito en la compra de los abonos, que ha sido tanto nacional como internacional: “Desde la Organización de O Son Do Camiño queremos expresar nuestra alegría por lo que ha sido un éxito absoluto sin precedentes en la historia de la música en directo en nuestro país: los 20.000 abonos que estaban a la venta para la primera edición del Festival se agotaron en menos de dos horas.
De los 20.000 abonos vendidos, un 50% se han vendido en Galicia y otro 40% en el resto de las Comunidades Autónomas de nuestro país. Además, podemos destacar la repercusión internacional que ha tenido este cartel ya que se han comprado abonos en un total de 12 países. Por esto, ya que un 50% de los abonos fueron comprados fuera de nuestra Comunidad Autónoma, podemos confirmar que O Son Do Camiño tendrá una repercusión económica de millones de euros en toda Galicia.
Nuestro más sincero agradecimiento a todos aquellos que habéis depositado vuestra confianza en nosotros para celebrar los próximos 28, 29 y 30 de junio la primera edición de O Son Do Camiño junto a miles de personas y grandísimos artistas de renombre nacional e internacional”.
Los ocho miembros de los debutantes Superorganism tienen la rareza de proceder de diferentes países y continentes y de tener muy divididas sus labores dentro de la formación, pese a lo que todo -aseguran- se decide de manera democrática. Seis de ellos se conocieron después de haber intercambiado opiniones en foros de internet, con sus miembros procediendo de lugares tan diversos como Nueva Zelanda o Japón, como es el caso de Orono, una de las cantantes del grupo que, a sus 17 años, recibió la música del himno ‘Something For Your M.I.N.D.’ y escribió su letra en menos de una hora. Y eso incluye el célebre párrafo «sé que piensas que soy una psicópata / una demócrata al acecho en la oscuridad / esto apesta, soy la idiota de la soda del K-mart / circo de basura, me quedé el alijo».
El grupo, que parece haberse asentado en Londres (Orono vivía en Maine), y comparte y define ideas «en la cocina», cuenta como componentes también con Harry a la guitarra; Tucan a la autoría, producción y batería; Emily a la autoría, producción y sintetizadores; Seoul a los coros; Ruby y Bee también en las voces; y Rob a cargo de los visuales, los vídeos y la escenografía de los directos, a los que quieren dar vital importancia. Dicen que lo que les une «es que ninguno tiene unas raíces geográficas muy arraigadas», pues casi todos se han mudado de país como adolescentes, creciendo en verdad «en la cultura de internet», lo que ocupa buena parte de las letras de sus discos y también sus videoclips.
Es lo que vienen a retratar en el vídeo correspondiente a ‘Everybody Wants to Be Famous’, un festín de bajos duros, cajas registradoras y distorsión en el que se autorreivindican y proclaman: «el mundo es demasiado pequeño para mí». Aunque para canción sobre internet, ahí está la espléndida ‘Reflections On The Screen’, en la que estar «sentada en la cama, alumbrada por la luz de un tonto gif puesto en modo repeat» hace «sentir viva» a su vocalista.
Muchas canciones de Superorganism lidian también con la angustia y el letargo adolescentes y la búsqueda de un lugar propio en el mundo, como es el caso de la inicial ‘It’s All Good’. Porque si el disco se cierra con despertadores y las constantes llamadas a la acción de esos «wake up! wake up!» (‘Night Time’, de base un tanto drum&bass), se abre con el ánimo de frases como «sabemos que el mundo puede ser muy duro / pero puedes dar un vuelco si quieres». ‘Nobody Cares’, en la línea, indica: «bebe algo, fúmate un cigarro, haz lo que quieras para desahogarte, a nadie le importa»; hay una pista abiertamente llamada ‘Relax’ y ‘The Prawn Song’ es un «eye rolling» muy gráfico: «¿alguna vez has salido de una ensoñación / para darte cuenta de que el mundo se ha vuelto loco? / todo el mundo es igual / diciendo bla bla bla / haciendo bang bang bang».
Pero lo que termina de dar personalidad a Superorganism son sus producciones. El grupo nos lleva a los tiempos de Elephant Six y a aquellos días en que conocíamos a grupos que tenían canciones llamadas como ellos mismos, como era el caso de I’m From Barcelona. Aquí también hay una canción llamada ‘Superorganism’, como el disco, a modo de celebración de ser «lo único que está vivo». Su música suena ciertamente vívida, acompañada de sonido ambiente (bostezos, pajarillos, choques), elementos orgánicos, ruido, arreglos distorsionados y samples. Es como si las melodías de Moldy Peaches hubieran sido producidas por The Go! Team, dando lugar a un sonido irresistible que no tanta gente, desafortunadamente, ha querido seguir durante la última década.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Something For Your M.I.N.D.’, ‘Everybody Wants To Be Famous’, ‘Reflections On The Screen’, ‘Night Time’ Te gustará si te gustan: The Go! Team, The Apples In Stereo, Moldy Peaches Escúchalo: Spotify.
Emulando al Mercury Music Prize de Reino Unido, los países del norte de Europa implantaron hace no muchos años el Nordic Music Prize, “celebrando el álbum como un formato artístico”. Después de que en años anteriores el premio fuera para artistas como Goran Kajfes (Suecia), First Aid Kit (Suecia), The Knife (Suecia), Mirel Wagner (Finlandia), Band Of Gold (Noruega) y Jenny Hval (Noruega), este año optaban al galardón Björk, por ‘Utopia’, Fever Ray, por ‘Plunge’, Yung Lean, por ‘Stranger’, y Susanne Sundfør, por ‘Music for People In Trouble’. Salvo el del joven rapero, los otros tres discos estuvieron entre lo mejor de 2017 para nuestra redacción.
Finalmente ha sido la noruega Sundfør, la que ha obtenido el premio. El jurado ha dado el premio a este magnífico álbum “que a la vez es una escapada valiente para ella pero confirma su fantástico talento. Completo y bello, conteniendo tanto canciones de fuerte clasicismo como experimentación. De los nominados, sentimos que este es simplemente el mejor disco como un todo, exponiendo una voz maravillosa”.
‘Music for People In Trouble’ sucedía a su también notable disco de 2015 ‘Ten Love Songs‘, en el que sintonizaba con sonidos electrónicos y bailables. En cambio su último disco mostraba un giro hacia instrumentación y formato de canción más clásicos, recuperando el folk y el piano como instrumento principal, aunque sin renunciar a experimentar con estructuras y producción.
Precisamente la próxima semana Susanne Sundfør estará presentando ‘Music for People In Trouble’ en nuestro país: el día 6 de marzo estará en Barcelona, en la Sala Luz de Gas (dentro del certamen Guitar BCN), teloneada por Shey Baba. Al día siguiente, 7 de marzo, estará en el Teatro Lara de Madrid, dentro del ciclo Voces Femeninas 2018.
Bad Gyal ha publicado recientemente su nuevo “mixtape”, el notable ‘Worldwide Angel‘, lleno de odas al perreo como ‘Blink’, y actualmente se encuentra en Estados Unidos presentándolo en una gira que llevará a la artista catalana hasta mediados de marzo por Washington, Atlanta, Brooklyn, Seattle, San Francisco, Los Ángeles y Austin.
Alba Farelo está lejos (en el otro lado del charco, para más señas), y de eso habla ‘Tra’, una de las canciones destacadas de su “mixtape”. Esta producción de Dubble Dutch (Marc Glasser), productor neoyorquino asociado al jamaicano Popcaan (autor de ‘Luh Ya Bad’ y al que has oído en ‘Good Times’ de Jamie xx o ‘Saturn Barnz’ de Gorillaz), y artífice también de los instrumentales de ‘Jacaranda’ y de otros temas de ‘Worldwide Angel’, nos presenta a una Alba Farelo triste por culpa de un amor a distancia que solo quiere una cosa: perrear para olvidar. “La niña quiere tra, tra, tra”.
Por supuesto, es ella quien está lejos, de gira por todo el mundo, en esta canción de ritmo infeccioso en la que anuncia su pesar por la distancia, expresando “El baby está enfadao, porque estamos separaos, yo ya no sé qué hacer, con este curro me va a dejar”. Pero para Bad Gyal, cubata en mano, es momento de bailar, y cualquiera que haya pasado por una relación a distancia entenderá frases como “yo estoy triste, no dejo de pensar en qué piensa, mejor salgo, me olvido de que tú no estás cerca” que pueden llevar a más de una decisión de la que arrepentirse al día siguiente.
Tal cual transcurre esta ‘Tra’ en la que Bad Gyal finalmente se va a casa con un tío, dejando además el momento cumbre de la canción en una estrofa para enmarcar: “baby, no te comas el coco, vamos a fumar un poco, quiero que te quedes conmigo, quiere que me comas el toto”. La niña quiso tra, tra, tra…
Después de haberse consolidado en el plano global el pasado año, no solo con el hit ‘Mi gente’ –con y sin Beyoncé– sino también en múltiples colaboraciones, tanto con artistas anglosajones como Major Lazer o Wale como con hispanohablantes como Bad Bunny, Anitta o Jowell & Randy (‘Bonita’), J Balvin sigue sin darse (y darnos) respiro en 2018. Tras su intento de popularizar el brasileño ‘Bum Bum Tam Tam’ y calentar motores con ‘Machika’, esta semana lanza dos singles que, o mucho nos equivocamos, o van a pujar fuerte como canción del verano (sí, la batalla la inició Enrique Iglesias hace ya meses).
A principios de esta semana el artista colombiano publicaba un nuevo single en solitario, ‘Ahora’, que retoma su estilo pop-reggaetón más reconocible, el que hacía de ‘Energía’ un disco magnético. El tirón de esta canción, insólitamente sin featurings, está siendo brutal y, desde que se lanzara su vídeo el pasado domingo, ya supera los 20 millones de reproducciones en Youtube.
Pero es que además hoy ha lanzado otro single, esta vez una colaboración para Nicky Jam –colaborador en uno de los mejores temas de ‘El Dorado’ de Shakira, ‘Perro fiel’–, que presumiblemente seguirá esa trayectoria, si es que no la supera. Se trata de ‘X’, un tema de estilo similar, poco sorprendente hasta que irrumpe un teclado tan estridente como pegadizo que es, claramente, en el gran gancho de la canción. La dominación mundial del pop urbano de habla hispana parece que va a seguir en manos de J Balvin durante algún tiempo más, si Bad Bunny no lo impide.
Como ha venido anunciado ella misma en sus redes sociales, Azealia Banks tiene ya listo su nuevo lanzamiento. Se titula ‘Fantasea Two: The Second Wave’ y es, sobre el papel, la continuación de aquella mixtape titulada así y que lanzó en 2012 –de hecho, aquella estará incluida en el segundo disco del formato físico, ha asegurado–. Tras hablar sobre este álbum, que dijo que superaba en calidad a su debut oficial ‘Broke with Expensive Taste’, ya ha pasado a la «acción» y hoy ha presentado su primer adelanto.
Aunque parecía que ese papel iba a recaer en la canción llamada ‘Anna Wintour’, en la que colabora Mel B de Spice Girls y de la que, de hecho, ha mostrado un fragmento en Facebook, finalmente ha presentado ‘Movin’ On Up’, un tema producido por un dúo de Los Ángeles llamado Newbody. Además de en Tidal, también puede escucharse en Soundcloud y musicalmente sintoniza con ese dance noventero que caracterizó su primer disco. El lanzamiento, lógicamente, incluye su portada, en la que aparece completamente desnuda, apenas cubierta por purpurina y un estratégico emoticono pintado con «rotulador» negro.
Lo que es evidente es que Azealia Banks ha aparcado sus numerosas polémicas para centrarse en publicar su nueva música. Y, no contenta con eso, aún tiene tiempo de hacer versiones de temas de moda, como es el caso de ‘God’s Plan’ de Drake, del que días atrás avanzó un snippet de su remix en Instagram.
‘Lo malo’ de Aitana War se mantiene en el top 1 de lo más votado de la semana, mientras ‘El momento’ de La Casa Azul permanece en el puesto 2. Entre las entradas, la más fuerte es ‘IDGAF’ de Dua Lipa, seguida muy de cerca por lo nuevo de Janelle Monáe. Tom Boyle, La Bien Querida con su nuevo vídeo y Father John Misty están en el top 40 también desde esta semana. Nos despedimos de las canciones de Putochinomaricón, Charli XCX y Katy Perry al llevar ya 10 semanas en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Las Chillers se han convertido en un fenómeno que no para de crecer: sus espectáculos en directo convertidos en verbenas-karaoke adaptando a un estilo punk-rockero clásicos de Rocío Jurado, Camela, Laura Pausini, Mecano, Mónica Naranjo o Diva International han pasado de ser un secreto entre colegas a llenar escenarios en festivales y arrastrar a montones de fans, entre los que se cuentan numerosas caras populares, desde los hermanos Vaquerizo a Christina Rosenvinge pasando por Ariadna de Los Punsetes o Soy Una Pringada. Y ese fenómeno llega ahora a un nuevo nivel: publicar su primer single compuesto por ellas –aunque hace no mucho ya mostraron su primera incursión en estudio, un featuring en la versión de Las Koplowitz de ‘Esta cobardía‘–.
La canción se llama ‘Siempre juntas’, ha sido compuesta, arreglada y producida junto a Luis Miguélez (la mano del miembro de Dinarama, Fangoria y Glamour to Kill se percibe claramente). Cuando hablamos con Rocío y Adela hace unos meses ellas la definían como una mezcla entre Aerosmith y Camela y, sin duda, acertaron de pleno en su definición. Reúne todos los clichés que rodean al grupo y que conforman su esencia: guitarrazos épicos que coquetean con el heevy, sintes ochenteros a todo dar y un toque lo-fi encantador. Mención aparte merece su portada, una fantasía de bodegón que incluye un miguelito de La Roda, una figura de Lladró (falsa, por supuesto), un cigarro encendido y un chupito de coñac (al menos, nos gusta creer que lo es).
Su letra sigue la misma filosofía, evocando el año 82 –no cabe duda de que ‘Siempre juntas’ podría haber sido un hit entonces– y recitando poblaciones de España, con moteles en los que dos mujeres se permiten amarse libremente. Su «somos reinas, no peones» se va a convertir en un grito de guerra bóller y/o feminista, no cabe duda. Esto merece un buen vídeo, chicas.
Modelo de Respuesta Polar publicaban a finales del año pasado su nuevo álbum, ‘Más movimientos‘, un disco con temas tan bonitos como ‘No me falles’ y con la pegada de ‘Sábados’ o ‘Tu canción’, tras la buena acogida que tuvo el anterior y el éxito de su gira con Izal. Hablamos con Borja Mompó ahora que presentan este largo en una gira por todo el país que incluye el Teatro Lara de Madrid este 8 de marzo y varias fechas del tour Girando por Salas:
2 de marzo – A Coruña – SALA MARDI GRAS (GPS)
3 de marzo – Santiago de Compostela – SALA MOON (GPS)
8 de marzo – Madrid – TEATRO LARA
9 de marzo – San Sebastián – SALA DABADABA
10 de marzo – Huesca – EL VEINTIUNO
16 de marzo – Cádiz – SALA EL PELÍCANO (GPS)
17 de marzo – Badajoz – SALA AFTASI (GPS)
24 de marzo – Palma de Mallorca – SALA RED
¿Qué está suponiendo para Modelo de Respuesta Polar este nuevo disco, ‘Más movimientos’, en comparación con vuestros otros discos?
Nos gustaría decir que es nuestro mejor disco o que son las mejores composiciones hasta la fecha, pero hace tiempo que no somos conscientes de lo que suponen cada uno de nuestros trabajos. Yo lo entiendo como una huida hacia adelante, en la que por el camino voy escribiendo y voy dejando notas mentales por si algún día me sirven para conformar un puzzle con algo más de sentido. Lo disfruto mucho, solo sé eso.
«Queríamos quitar toda la carga ceremonial que supone sacar un cuarto disco»
Sé que leíste la crítica que hicimos, y en ella apuntaba que el disco parecía un poco precipitado por lo bien que habían ido los anteriores. Supongo que no estarás de acuerdo…
Cuando empezamos a componer este disco tuvimos claro que el carácter urgente del mismo era lo que tenía que transmitirse. Por eso no son estructuras muy concienzudas ni estamos ante un setlist perfectamente tallado. Queríamos quitarle toda la carga ceremonial que supone sacar un cuarto disco. De ahí que en tu crítica apreciaras ciertas cosas inacabadas o canciones que no te encajaban del todo. Es una gran observación pero no pretendíamos mucho más que ser inmediatos. No obstante sí insistiré en que ‘Siempre’ es un temazo.
Veo que ya habéis empezado la gira, ¿cómo está funcionando? ¿Este era un disco pensado para el directo a juzgar por el ímpetu con que empiezan temas como ‘Planes’?
Es un disco para encontrarnos cara a cara con nuestro público. Es la primera vez que hacemos una gira extensa de salas y estamos descubriendo cosas que desconocíamos. Por ejemplo, a nuestros fans les gusta cantar las canciones. Cosa que antes no sabíamos y que nos alegra mucho. Fuera máscaras.
Llama la atención que la presentación en Madrid sea en el Teatro Lara, un sitio tan solemne. ¿Os impone tocar en recintos de silencio tan sepulcral donde se ven el triple todas las costuras?
Sí es cierto que vamos a tener que variar un poco el repertorio para sacarle el máximo partido al teatro. Venimos haciendo conciertos un poco más intensos de lo normal y nos va a tocar reconfigurar algunos detalles. Volviendo a tu crítica del disco, hay canciones que ponías en relieve, que por su ruidismo y por no quedar desmejoradas en un teatro, no interpretaremos.
Hay algunas guitarras eléctricas en este disco como sacadas del indie-rock americano. Por la entrevista que te hice otra vez no vi que el rock underground americano (y un pelín también el español) sea una súper influencia para ti. ¿Ha cambiado la cosa o es más cosa de grupo y productor? ¿Quizá consecuencia de las giras?
Es un poco suma de todo. Estoy realmente abierto a nuevas bandas y a cosas que me ayuden a ser mejor compositor. Tengo buenos amigos que me conocen muy bien y se han propuesto ampliar mi espectro musical. Esta semana estoy descubriendo a The Barr Brothers, la canción ‘You Would Have To Lose Your Mind‘ te vuela la cabeza. Todo tiene que notarse en los discos, de no ser así sería realmente decepcionante. Y a nosotros como músicos nos divierte jugar con nuevos sonidos. Venir de temas compuestos a guitarra y voz te permite tomarte ciertas licencias sin perder la esencia.
En el vídeo de ‘Sábados’ no es que acabes muy allá. Un poco de angustia, ¿no? ¿Fue tuya la idea? En caso contrario, cuando la escuchaste, ¿enseguida asentiste? ¿Te pegaba especialmente?
El clip fue idea de Alberto Van Stokkum. Hace tiempo que entendí que era muy importante no opinar de las cosas que no sabes y yo del lenguaje audiovisual no tengo la menor idea. Sigo sin ser especialmente fan de los videoclips pero últimamente estoy bastante a gusto con la gente con la que trabajamos.
«Muchas veces no pones el foco en una canción tuya hasta que alguien te lo dice. Nos pasó en el disco anterior con ‘Momentos similares'»
No puedo evitar esta pregunta: mi canción favorita del último disco es ‘Tu canción’ y resulta que al cabo de unos meses sale un macrohit de Operación Triunfo para Eurovisión llamado igual, ¿alguna opinión sobre esa otra ‘Tu canción’?
No la he escuchado, pero si es un macrohit espero que la SGAE se equivoque y me liquide los derechos a mí.
¿Y sobre la tuya? No es un single… ¿nunca te pareció de las que tenía más pegada?
Hay cosas muy curiosas en esto de escribir y es que muchas veces no pones el foco en una canción tuya hasta que alguien te lo dice. Nos pasó en el disco anterior cuando en el estudio Ricky puso en alza ‘Momentos similares’ y me ha pasado en este disco cuando dijiste que era una canción con potencial. Desde entonces la mimo más en los setlist y me esfuerzo en interpretarla con especial ahínco.
¿Sigues sin estar demasiado pendiente de la actualidad musical? ¿Alguna opinión sobre los temas en boca de todos: el exitazo mundial de ‘Despacito’ y ‘Mi gente’, la última edición de Operación Triunfo, la condena de Valtonyc…?
No me da la vida y ya apenas me reúno con mis amigos a tomar cañas así que imagínate lo puesto que estoy en la parrilla televisiva. Sí leo las noticias y sí me avergüenzo del fútbol, de los ultras rusos y los gobiernos que permiten que esto pase. Suspender las clases por un partido dice mucho de nuestro país y de los intereses económicos que hay detrás de todo esto. No siento más que aburrimiento y desdén hacia muchas de las cosas que suceden a diario en España.
¿Cuáles fueron tus discos o canciones del año el año pasado?
No sé si son los mejores pero creo que se quedan para siempre:
Love is Love – Woods
Ken – Destroyer
Prisoner – Ryan Adams
A deeper understanding – The War on Drugs
Sleep Well Beast – The National
Me ha gustado mucho el diseño del vinilo, con el logo y los colores de los títulos de las canciones antes de letras, en las mismas tonalidades que los colores de la portada. ¿Pero no está como al revés? La galleta del vinilo en sí naranja es de la cara de las canciones “verdes” y viceversa, así que al final no sabes qué lado del disco tienes que poner si quieres oír una canción suelta en alta fidelidad…
Totalmente cierto, espero que no se haya dado cuenta mucha gente de este error. En cualquier caso pocos fallos hay para lo apresurado del proceso. Ni te imaginas el apuro que me dio darme cuenta que en el vinilo no están los agradecimientos y sí en el CD. Me alegra que te haya gustado el diseño, creo que fue un acierto trabajar con Hábitos hermosos, que no son más que tres amigos apasionados del diseño y que me conocen como nadie.
‘Lo divino’ tiene una larga coda instrumental, que tanto en el vinilo como en el libreto del CD, sí tiene letra, que es como una parte de otra canción. ¿Y eso? ¿Es como una carta oculta para su destinataria? ¿Ha llegado finalmente la paloma mensajera?
Esa es otra de mis cagadas fuera de lo meramente musical. Soy bastante desorganizado y sencillamente lo que pasó es que envié a maquetar un trozo de letra que al final no entró en la canción. El mensaje siempre llega pero como decía antes, ni yo mismo sé el objetivo de todo esto.
A continuación, en ’Mucho para ti’, con una letra parecida, sales haciendo una parte en plan “spoken word”. ¿Cómo surgió esa parte? ¿Y te atreverás a llevarla al directo?
Surgió en el local de ensayo en plan, eso que acabo de hacer me da entre cosilla y me emociona. Lo difícil fue encontrar el sitio, estábamos entre una actitud spoken de Mishima y algo de mala leche de un Julio de la Rosa. En directo suena más al segundo y de verdad que acaba cogiendo cuerpo.
Hace 19 años del último disco de Everything But the Girl, pero es que hace ya 8 del último álbum en solitario de Tracey Thorn. Por supuesto hemos sabido de ella en este tiempo a raíz de su notable disco de villancicos ‘Tinsel and Lights‘ (uno de los pocos que recupero cada Navidad), sus libros, el recopilatorio, la banda sonora, sus artículos… pero ningún disco-disco («¡record!») desde que en 2010 nos reconquistara con ‘Love and Its Opposite‘, un estupendo álbum sobre el divorcio, la crisis de los 40 y el miedo a encontrarte en soledad en un bar a esta edad. No recibimos de Tracey Thorn todas las canciones nuevas que nos gustaría, pero al menos, cada vez que vuelve, los temas y a su vez los enfoques no son los habituales en el mundo del pop.
Y su música sigue siendo pop. Habría cabido esperar que de sus años de retiro musical surgieran canciones más intimistas e introspectivas, como sucede en los lanzamientos de su esposo y compañero en Everything But the Girl, Ben Watt. Tracey Thorn continúa apostando por un pop electrónico solo de vez en cuando bailable, mucho menos opresivo que el de la famosa remezcla de ‘Missing’ que aún suena en hilos musicales y gimnasios o el del estupendo ‘Walking Wounded’. En ese sentido, no hay sorpresa y de hecho se hubiera agradecido que Thorn, tantos años después, hubiera arriesgado con un productor que no fuese de nuevo Ewan Pearson, su persona de confianza de la última década, sin demasiado nuevo que decir.
Por suerte, las melodías están ahí. El primer single ‘Queen’ logra sonar festivo y desinhibido, autoafirmativo y a la vez irónico: es una buena representación del disco que Thorn ha querido hacer, pasando a hablar, tras haberlo hecho de «divorcio y hormonas», de una mujer liberada a la que después de media vida todo «le importa una mierda». El feminismo está muy presente en el segundo sencillo y canción central, una ‘Sister‘ de 8 minutos de duración que escribió después de asistir a las marchas de la mujer del año pasado, tras quedarse prendada de uno de los lemas, «I fight like a girl». ¿Es una vuelta de tuerca a una frase machista? ¿Hay sororidad y hermanamiento con la comunidad gay en el despreciativo «luchas como una nena»? Por supuesto, pero también, como nos contó en una entrevista que publicaremos próximamente, verdades como pianos. «Claro que lucho como una chica, ¡porque soy una chica!».
Los roles de género son los protagonistas de ‘Air’, un tema en la estela de ‘Mirrorball’, en el que Thorn recuerda lo que le afectaba de adolescente no ser la chica «femenina» que los chicos querían, para al final alzarse contra eso y concluir: «ya no me importa». ‘Babies’, entre referencias a condones y DIUs, habla sobre la elección de tener hijos o no tenerlos: de la no obligatoriedad de tener que tener hijos porque sí… pero también del acierto de haberlos tenido, en su caso, en el momento exacto en que ha querido.
Y también encontramos en ‘Record’ otras temáticas, como la gentrificación que está destrozando su adorado Londres y otras grandes ciudades como Nueva York, Barcelona o Madrid, en ‘Smoke’, en la que hace repaso de sus antepasados en la capital británica; o el amor en la era de las redes sociales en ‘Face’, sobre una mujer que se desmorona mirando Facebook al topar con un ex. No todas estas canciones están inspiradas en la vida de Tracey Thorn. La autora toma historias de sus hijos o amigos, frases sueltas o imágenes de la vida cotidiana para realizar interesantes reflexiones que van desde lo más privado (la mención expresa de familiares) a lo que nos interesa a todos: cumplir años, ligar en las redes sociales, pagar el alquiler, el miedo que da Donald Trump.
Tracey Thorn ha logrado hacer otro disco breve y universal, en el que apenas algún número como ‘Go’ está algo por debajo de la media. Y aunque hay mucha vistosidad en los arreglos a lo Daft Punk de ‘Dancefloor’ y el soul-funk de ‘Sister’, ‘Record’, llamado así porque lo que le gusta a Thorn es «grabar», hacer «discos» y no conciertos -de nuevo, no habrá gira-, nos regala también momentos intimistas que se crecen con el tiempo por encima del resto. Los singles bailables están bien, pero con el paso de las semanas, las canciones que hacen pupa son ‘Smoke’ y ‘Face’.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Face’, ‘Queen’, ‘Smoke’, ‘Sister’ Te gustará si te gustan: el otro pop británico, exquisito pero no tan masivo: Saint Etienne, Prefab Sprout… Escúchalo: Spotify
Alizzz es uno de los confirmados en la próxima edición del Sónar, donde realizará su dj set nada menos que entre Bonobo y Diplo. Ya había despuntado con su carrera en solitario pero sin duda su vida ha cambiado, como él mismo reconoce, después de haber producido ‘Ídolo‘, el gran éxito de C. Tangana, aún top 15 en España (streaming álbumes) 20 semanas después de su edición.
Hablamos con Christian Quirante sobre los detalles de ‘Ídolo’, sus inicios en Arkestra, o sus planes de futuro, que incluyen nada menos que a Javiera Mena, Jesse Baez, Juanes y posiblemente -solo posiblemente- su admirada Kali Uchis. C. Tangana presenta este viernes 2 de marzo ‘Ídolo’ en Barcelona y Alizzz estará obviamente por allí y en el after-party de Razzmatazz junto a Steve Lean y Livinglageinvenus, entre otros. Las entradas para el concierto son 20 euros en Ticketea, 28 euros para el concierto + after party. Foto: Alba Ruperez.
Hace bastantes meses que sacaste tu último EP de 3 canciones. Obviamente has estado liado luego con ‘Ídolo’ y ‘Guerrera’, ¿pero has podido avanzar algo este año con tu proyecto en solitario?
Sí, he estado haciendo otros singles, y trabajando con otros artistas, a raíz de trabajar con Pucho. He dejado un poco de lado mi proyecto, que tenía otro sonido bastante diferente a lo que he hecho con Pucho. Con todo lo que ha pasado este último año y todas las influencias, mi sonido ha cambiado mucho respecto a ese EP, ya no me reconozco ahí, de hecho. Sí que quiero seguir con mi proyecto en solitario, pero yo creo que va a tomar otra forma, otro sonido. Tengo canciones hechas pero tengo que cuadrarlo todo y encontrar la salida guay de todo eso.
«Mi sonido ha cambiado mucho respecto al último EP, ya no me reconozco ahí, de hecho»
Canciones tuyas como ‘Your Love’, y alguno de sus remixes o ‘Pull Up On Me’, son auténticos tiros para bailar o correr, pero tu producción y paleta de sonidos parece bastante variada. ¿Alguna canción tuya de la que estés particularmente orgulloso y por la que no te pregunten tanto?
Estoy muy orgulloso de mi EP en Arkestra de 2013. Me parece que se ha mantenido en el tiempo súper bien, cumple 5 años y aunque la producción no está tan afilada como lo que he hecho en los dos últimos años, tiene una frescura que no sé ni de dónde saqué, no me acuerdo de qué escuchaba, pero me flipa cómo se ha mantenido en el tiempo. La canción ‘In Chains’ la ha cogido DoJa Cat, una cantante de R&B de Los Ángeles, y se ha cantado algo encima. Ha hecho una canción nueva con eso y la ha metido en un disco suyo que saldrá por Sony.
¿Qué opinas de la deriva de Arkestra? Hay gente mezclando géneros desde el principio, tipo Bflecha, como tú, pero no todos han tenido tu recorrido…
Ojalá sigan sacando música, siempre que sacan algo es porque tienen algo que aportar, influir en los demás como me influyeron a mí. Yo creo que los ritmos de edición que hay ahora son muy jevis, hay que estar muy encima, hay que sacar música cada muy poco y si no tienes esa mentalidad, es complicado meterse en el mercado. Es lo que le puede pasar a Arkestra o a grandes artistas que hacen muy buena música pero les cuesta seguir el ritmo del mercado actual.
«Algo que estamos haciendo desde España es traer el sonido canadiense y norteamericano e integrarlo dentro de la música latina (…) enriquecer de manera más sofisticada y elegante el sonido latino»
Hay algún ritmo R&B, algo un poco Major Lazer en tu música, pero en general en solitario pareces mucho más británico que cuando trabajas con otra gente. ¿Te ves «British» a ti mismo, próximo a… yo qué sé, Basement Jaxx, Jamie xx, Charli XCX, Disclosure… gente así o no especialmente?
Hace un tiempo me veía más americano que British, la escena de Australia incluso. Pero me he ido alejando, me ha tirado mucho más Latinoamérica, África… y me siento parte de ese otro mundo mucho más. Me sigue molando lo que viene de Canadá, obviamente Estados Unidos o Inglaterra, pero me siento más parte de la sociedad donde vivo y donde me he criado.
Algo que estamos haciendo desde España es traer ese sonido canadiense y norteamericano e integrarlo dentro de la música latina. Al menos es lo que yo estoy haciendo, Pucho también. Es una seña definitoria de lo que estamos haciendo diferente al resto de latinos, enriquecer de manera más sofisticada y elegante el sonido latino.
Las listas británicas están un pelín aburridas desde la llegada del streaming, no parece tan fácil que se favorezca a talentos de la electrónica nuevos como hace unos años Disclosure o AlunaGeorge, por donde podías quizá haberte hecho un camino en aquellos años tú mismo. ¿Cuál es tu opinión al respecto?
Creo que no es momento de mirar hacia afuera ahora mismo. El mundo anglosajón es un mundo que no te quiere, he hecho esfuerzos para formar parte y hacerme un hueco. Alguna vez he estado cerca, y alguna vez me han dado con la puerta en las narices cuando parecía que ya estaba hecho, en plan sellos discográficos importantes, y me he sentido un poco frustrado por intentar entrar en ese juego. He notado más reticencia, son más escépticos a que alguien fuera de esa cultura entre ahí.
Estamos en un punto en el que desde donde estoy, en la sociedad y la cultura donde estoy, podemos desarrollar una carrera larga, importante, y que sea el mundo anglosajón el que luego venga para mí. No yo intentar ir para allá, sino crecer donde me quieren, donde empiezo a ser un artista más importante, y esperar a que si quieren… que vengan.
«Creo que no es momento de mirar al mundo anglosajón (…) Ahora mismo me interesa más trabajar con gente a mi alcance, artistas importantes de Latinoamérica que con los de UK y USA. Tienen una repercusión similar y me es más sencillo, agradable y gratificante».
A diferencia de lo que pasa con C. Tangana, tus principales oyentes en Spotify están en Chile, Los Ángeles y México, por encima de Madrid o Barna, ¿a qué crees que se debe? Y sobre todo, ¿ves tan lejano trabajar con vocalistas de primera línea de UK o USA?
El mundo anglosajón es muy reticente, como te digo. Ahora mismo me interesa más trabajar con gente al alcance, artistas importantes de Latinoamérica, que los de UK y USA. Tienen una repercusión similar y me es más sencillo, agradable y gratificante. Pero no lo veo lejos tampoco, estoy dando pasos, estoy mandando canciones y pueden pasar cosas. Pero no lo veo como algo a lo que aspirar, sino como algo más. Para mí ahora mismo los artistas importantes no depende de en qué país estén. Si viene alguien de UK y USA, bien, pero si no, ya tengo gente importante con la que trabajar en el plano latinoamericano.
¿Nos podrías mencionar un par de los proyectos o mixtapes o canciones que te hayan encandilado en los últimos 3-4 meses?
Creo que a la que he estado más enganchado este año ha sido a Kali Uchis, en especial a ‘Nuestro planeta’ con Rude Boyz, un tema más reggaetonero pero súper classic. Luego mucho africano, tipo Wande Coal, Davido, Tekno o Mr Eazi. Si me tuviera que quedar con un tema sería ‘Skintight’ de Mr Eazi, igual es el que más he escuchado. Saliendo de eso, dvsn, que son de la esfera OVO de Drake, es R&B clasicorro, pero que suena mazo actual. No me quedaría con ningún tema, son súper constantes y me flipa todo.
¿Quién crees que puede dar la sorpresa y hacer el disco del año este año?
Disco igual el de Kali Uchis, lo espero súper ansioso. Tuve la suerte de trabajar con ella en un tema, pero de momento es una demo y no sé si al final saldrá o no. A mí me mola bastante, pero no sé qué hará…
La versatilidad parece tu seña de identidad. Cuando oí el piano salsero de ‘Mala mujer’, pensé que habría una co-autoría de alguien más clásico, pero es vuestra nada más, como ‘Guerrera’, que es más disco-house. ¿Hay mil Alizzz escondidos en contra de lo que creíamos?
Yo creo que si coges todo el trabajo que he hecho hay un hilo conductor, un sentido, un sonido que se palpa. Si me has escuchado siempre, incluso te diría que ‘Mala mujer’, que es como el escalón más gordo de sonido, sí tiene cosas, manera de tocar los pianos y hacer arreglos que me identifican. Sí que el disco de C Tangana ha sido un escalón muy grande de sonido con lo que estaba haciendo, pero no puedo perder la esencia de lo que hago porque soy incapaz de hacer la música de otra manera.
Después de este salto de sonido, creo que lo que estoy haciendo ahora mismo tiene un sonido que se mantiene respecto a esa paleta última con la que estaba trabajando. Me gusta repetir fórmulas, sonidos, como las voces africanas que estoy usando un montón, y creo que nadie lo hace, los samples… Me gusta insistir en eso, para que en cuanto lo escuches, sepas que lo he hecho yo.
Sobre el piano salsero, estábamos escuchando bastante salsa. La canción noté que tenía ese aura. Empecé a escuchar librerías de salsa y encontré un piano de ese rollo, con esa manera tan definitoria de la salsa. Lo probé ahí, y me pareció guay, pero súper raro, no lo había escuchado nunca. Se lo envié a Pucho y me dijo: «este es el beat más comercial que has hecho, tenemos que hacer algo con eso», y el resto es historia.
¿Harás cosas cada vez más distintas en el futuro?
Hacer cosas diferentes es una de mis preocupaciones o señas de identidad. Ahora mismo trabajo con gente muy diversa, sigo haciendo temas con Pucho, estoy haciendo temas con Juanes, estoy trabajando en el disco de Javiera Mena… estoy tocando un montón de palos.
Sony y C. Tangana no quisieron hacer edición física de ‘ídolo’, en sintonía con los tiempos que vivimos. ¿Tú estabas de acuerdo? ¿Tampoco eres un gran coleccionista de físico?
Creo que es una decisión acertada, es como un statement, hacer un disco de ese calibre, saber lo que has hecho, pero que también marque tendencia en ese aspecto. Lo único que me hubiese gustado de que saliese en físico es tener una especie de recuerdo. Igual en algún momento alguien decide dar el paso y convertirlo en una pieza de coleccionismo.
Al margen de eso, el no tener los créditos delante, aparte de los que ahora nos da Spotify, que algo es algo, nos impide ver cuánto de orgánico hay en ‘Ídolo’. Antón nos contó que en ‘Mala mujer’ metisteis una cuica. ¿De dónde salió? ¿Hay muchos instrumentos analógicos o es casi todo «electrónico/digital»?
Si por orgánico te refieres a ghostwriters, gente de industria currando en la sombra, gente que trabaja más por dinero, te puedo asegurar que no hay nadie. El disco lo produje yo entero, Antón escribió todas las letras y luego hay co-producciones, «Livinlarge» en dos temas, El Guincho y Horror Vacui. Los mixes los he hecho yo menos ‘De pie’ que hizo El Guincho. Las voces las mezcló todas Pucho menos ‘De pie’ y ‘Mala mujer’. Y el master lo hizo otro man, que se llamaba Chris Athens, que ha masterizado cosas de Drake y peña así tocha.
Todo el disco está hecho de manera digital, no hay guitarras ni pianos. Todo está hecho con software, tengo un sinte pero no lo utilicé en todo el disco. Todo está hecho con el ordenador que tengo en el estudio.
¿Y la cuica?
La cuica fue idea de Pucho, él quería meter ese instrumento aunque no sabía cómo se llamaba, sabía el sonido que hacía y que era brasileño. Fue gracioso cómo me cantó el sonido que hace. Estábamos en el estudio juntos en Castelldefels, empezamos a buscar y vimos que era una cuica, me puse a buscar librerías de ese instrumento y lo encontré, e intenté reproducir lo que Pucho me cantaba. Mola mucho ese instrumento, se toca por fricción, tiene un agujero y le metes el brazo entero.
¿Cómo trabajasteis este disco y también con El Guincho y otros productores? ¿Funcionáis a través de mail o ha habido bastante viaje entre Madrid y Barcelona u otros lugares?
Fue a distancia, con Pucho hablamos un año prácticamente entero, llamadas, mails, chequeando WhatsApp casi cada día, por nimia que fuese la conversación. También yo iba a Madrid, él venía aquí…
Con los otros productores igual, con LivinLarge nos hemos conocido, pero el curro ha sido por teléfono. Con El Guincho me he visto más porque somos colegas, nos vamos viendo y tenemos más proyectos juntos para el futuro. También, nos gusta trabajar a cada uno en nuestro sitio, y luego reunirnos para poner en común.
¿Hay alguien joven o novel con quien te gustaría trabajar sí o sí, ves asequible pero se te está resistiendo y ya has desistido?
Voy descubriendo a gente que empieza que mola, y de hecho tengo algún proyecto de hacer música con gente que incluso no tiene canciones, pero no quiero decir quién es, porque creo que no está aún en un punto donde lo pueda decir, ¡que me lo van a robar!
Por el contrario, ¿algún artista asentado o mayor, algún ídolo cuya carrera como productor te verías capaz de enriquecer?
Soy poco mitómano y de ídolos. La gente con la que me muero por trabajar no lleva demasiado tiempo, está en un punto entre emergente y artista consagrado, como Kali Uchis, A. Chal o Javiera. Son con los que me mola más trabajar. Hay artistas que me flipan de siempre Frank Ocean o Rihanna, ojalá, pero no tengo uno en concreto que diga: «¡buah!». Tampoco me esmero mucho en hacer llegar música a alguien en concreto, sino que todo me va llegando… y yo agradecido.
En cuanto a producción, indudablemente has estado involucrado en uno de los discos de pop más importantes de los últimos tiempos, que además has co-escrito, ¿no llaman a tu puerta constantemente otros artistas pequeños o incluso multinacionales para que co-escribas y produzcas sus discos? ¿Qué tiene que tener un artista para que le digas que sí? ¿Es una cuestión económica, de tiempo o de feeling?
Me han llegado muchas propuestas de artistas pequeños, intento escuchármelos todos por si hay alguna joya que no conozco. De artistas y multinacionales, me han llegado un montón. Me he metido en pocos proyectos porque tengo poco tiempo, tengo que ser selectivo y tengo que ver que yo puedo subir ese proyecto de alguna manera. No es cuestión de pasta, obviamente tiene que haber pasta porque tiene que ser un proyecto serio. Si no hay pasta porque es alguien que está empezando, tiene que ser algo que me llame especialmente la atención. Pero lo principal es que yo vea algo especial y que vea que puedo hacer que ese proyecto suba unos cuantos peldaños.
Me he metido en el último disco de Javiera Mena, de los que puedo hablar, con Juanes están saliendo cosas interesantes, con Jesse Baez estoy haciendo cosas, aparte de con Pucho. Hay cosas acabadas, serias, puestas sobre la mesa. Con los artistas que no quería trabajar, no te lo puedo decir, porque no quedaría muy bien (se ríe).
Como co-autor y productor electrónico, ¿tus artistas de referencia van más en la línea de, yo qué sé, Roni Size o Goldie por decir alguien, o también te fijas en productores clásicos?
Me fijo mucho en la producción, saber quién la ha hecho me interesa. Pero no suelo basarme en productores en especial. Tengo mis trucos, mis obsesiones incluso, que hacen que todo suene a una manera y no a otros productores. Si te tengo que decir nombres, por ejemplo, Benny Blanco, un productor de pop que lleva mil hits de los guapos que se escuchan en radio. Sky, el productor de J Balvin, produce súper fino, y luego Metro Booming me parece el mejor en la movida más rap.
‘Lo malo’ es un buen tema, engancha, pero a la canción le falta producción, que suene a lo que están intentando vender, un hit, una canción del verano súper tocha (…) hay una burbuja alrededor de Operación Triunfo que hace que productos que no sean de la calidad del mercado estén teniendo ventas y escuchas»
Te intentamos animar a remezclar ‘Lo malo’ en Twitter. Por curiosidad, ¿qué te parece la canción por estructura, letra y acabado, a falta de oír su versión final? Además, has comentado el paralelismo entre «Chico malo» y «Mala mujer»…
Lo decía medio en coña, pero si me hubiesen propuesto producir la canción, darle una vuelta a lo que ya había, me lo hubiese pensado. No sé si lo hubiese acabado haciendo. Hacer un remix no, no me apetece. A la canción le falta producción, que suene a lo que están intentando vender, un hit, una canción del verano súper tocha. Está teniendo un hype que flipas, no sé si he visto que era la canción más escuchada o vendida, pero no me parece que el acabado sea de ese tipo de canción. Creo que hay una burbuja alrededor de Operación Triunfo que hace que productos que no sean de la calidad del mercado estén teniendo ventas y escuchas.. Pero aparte de la disertación de la producción, y OT, la canción es un buen tema, engancha. Y ellas dos, Aitana y Ana, me molan bastante y creo que van a tener unas carreras importantes e igual hay tiempo de currar juntos en el futuro.
Hace nada que Rusos Blancos despedían la gira de ‘Museo del Romanticismo‘ en el Teatro Lara de Madrid, pero ya piensan en el disco siguiente. Hace unos días estrenaban un nuevo single de ese disco, ‘No es tan difícil’, en las plataformas de streaming, y hoy nos llega su videoclip, que tenemos el placer de presentaros en primicia en JENESAISPOP.
Desde la última vez que pude ver al grupo en directo, no me he conseguido quitar de la cabeza lo que se parecen a Astrud. O mejor dicho, lo que podemos disfrutar de Rusos Blancos todos aquellos que sabemos que Astrud ya nunca volverán, y mucho menos tal y como los conocimos hace 20 años. Su repertorio, ya mucho más lleno de hits de lo que esperaba, alterna indiscriminadamente el drama con el humor, lo sintético con lo orgánico, el victimismo y el patetismo del narrador con el sufrimiento real de este… Un estar autocompadeciéndote con una de sus letras cuando de repente, zasca, la carcajada. Algo que se vio muy especialmente en ‘Performance’, el tercer álbum del dúo catalán.
El humor inteligente, el reírse de sí mismos, su concepto de parodia y el presentar a la vez canciones que resultan bonitas y costumbristas, puros retratos de su tiempo, no son lo único que tienen en común Astrud y Rusos Blancos. También está su concepto de la masculinidad, el gusto por los coros femeninos discretos y poco portentosos o la voluntad de cada vez cantar mejor de sus respectivos vocalistas. Igualmente, ambos grupos han optado a menudo por producciones lo-fi de manera deliberada incluso cuando la canción no lo pedía. Comparten también referentes británicos que no tienen nada que ver con el exceso de testosterona de unos Oasis, optando por proyectos más refinados y menos populares y populosos como Pulp o Prefab Sprout.
‘No es tan difícil’ retrata una vez más el desencanto del desamor y la pereza que produce la rutina («hemos tocado fondo otra vez / y yo ya empiezo a perder la cuenta» (…) Las mismas guerras con menos ganas / nos despiertan cada mañana»), y para más inri, añade al final unas castañuelas. Como las que tanto llamaron la atención en su momento en ‘Todo nos parece una mierda’. En el vídeo que estrenamos hoy vemos a Manu bailar… pero no está sino ‘Bailando hacia el desastre’, que es el nombre del nuevo disco que publicarán más adelante a lo largo de este año. ¿No podría ser un título de Astrud?
Después, el grupo tiene por supuesto sus diferencias. Esta canción parece más solemne, más seria, más exenta de humor y quizá por ello las guitarras son casi shoegaze, más indie pop, de un modo que nunca habrían manejado Astrud. El vídeo, inmerso en rosa neón, no tiene nada que ver siquiera con los momentos más coloridos de los autores de ‘Europa’ y ‘Esto debería acabarse aquí’. Y es que el grupo -obvio a estas alturas- tiene sus propias ideas. Esta es la que nos ocupa en este vídeo dirigido por David Tesouro, con la colaboración de Sofía Royo como directora de fotografía: «En él vemos puesto en imágenes, a través de una cuidada estética que insiste en los colores ya utilizados en las portadas de los adelantos del álbum, lo mismo que nos relata la canción: compartir un mismo espacio no siempre evita la incomunicación».
Los valencianos La Plata hicieron, en opinión de nuestra redacción, una de las mejores canciones de 2017, ‘Un atasco‘. La incluyeron en un EP de 7″ que contenía otras dos composiciones estupendas, todas las cuales aparecen regrabadas con Carlos Hernández (Triángulo, Los Planetas) en el disco debut que publican esta noche del 1 al 2 de marzo en las plataformas digitales. También hay una cuidada edición en vinilo, que incorpora un parche en la portada, y las letras en el encarte interior.
El álbum ‘Desorden’ os podemos avanzar que es estupendo, y si la pregunta del millón era si el grupo sería capaz de superar ‘Un atasco’, que ya suma 130.000 reproducciones en Spotify, la respuesta es «sí». De hecho, La Plata han querido ocultar ‘Un atasco’ en la cara B, en una versión ralentizada, mientras dejan que brillen el estribillo de la urgente ‘Fracaso’ o el carácter pop de la final ‘Me miras desde lejos’.
Pero es el muy bien elegido single ‘Miedo’, de ritmo y punteos a lo Smiths con una esperanza puesta en los teclados synth-pop de Patricia Ferragud, el que no ha parado de crecer desde que lo dieran a conocer hace unas semanas. Una canción para escuchar en bucle que parece muy clara en su cometido: «Miedo al fracaso, al vacío, al rechazo, miedo a la nada, miedo a la nada / Miedo al futuro, al presente, al pasado / Miedo a la nada, miedo a la nada». Aquí, la sencilla pero muy expresiva voz de Diego Escriche suena tan de la calle y ocasionalmente desgarrada como la de Eduardo Benavente de Páralisis Permanente o el cantante de Los Claveles, Marcos Rojas.
¿Otra canción punk sobre nihilismo? La banda difiere en una entrevista que nos concedió hace unos días. Escriche indica: «Más que nihilista, queríamos que el disco fuera melancólico, puede que haya toques de eso, pero queremos jugar con los altos y bajos, que haya esperanza». Mientras, la bajista María Gea cree que el disco termina resultando positivo: «Hay veces que para llegar a un punto tienes que pasar por momentos oscuros o nihilistas, pero no quiere decir que no haya una visión optimista. Es un trámite para llegar a eso. El disco me parece súper optimista: tú te das cuenta de que te está pasando algo, y si eres capaz de ver un problema, es porque quieres cambiarlo». El batería Miguel J Carmona añade que «‘Miedo’ son las barreras que tú mismo te pones, es algo psicológico».
La Plata presentan su disco en una fiesta autogestionada en Valencia el 10 de marzo. En ella, han invitado a otros artistas: Fantastic Explosion, Heather, Sierra, Futuro Terror, Vulk, Alfa Estilo, Hyperclear y Volta 91 DJ.
Jack White, uno de los confirmados en Cruïlla y MadCool, sacará un nuevo disco este mes, en concreto el 23 de marzo, y hoy presenta nuevo single. Es curioso porque el primer sencillo de ‘Boarding House Reach’, el controvertido ‘Connected by Love’, fue comparado por algunas voces con Queen, y este nuevo sencillo se parece todavía más a la banda liderada en su momento por Freddie Mercury, en la actualidad con Adam Lambert al frente.
La explicación la encontramos en Rolling Stone. En una entrevista concedida hace unas semanas, Jack White explicaba que ya había intentado publicar este ‘Over And Over And Over’ con anterioridad, pero hasta ahora no había encontrado ocasión de darle salida. Lo intentó con White Stripes, y lo intentó en una colaboración con Jay-Z, sin éxito. A raíz de lo que ha «intentado e intentado cazar» lo que ha llamado su gran «ballena blanca», de repente ha dado con la forma de hacerla funcionar.
En ‘Over And Over And Over’ no falta su poderoso riff habitual marca de la casa, pero sí que aparecen unas voces histriónicas femeninas, además de cambios de ritmo, percusión tribal y efectos grandilocuentes. Ojo a todo este punto teatral porque el largo se cierra con una pista llamada ‘Humoresque’.
Os dejamos también con otra de las pistas que se conocen del disco, ‘Corporation’.
«Me he metido en el rap por casualidad y al final verás que me lo llevo yo». Y dicho y hecho. Esta, una de las frases de la joven rapera Anier, aparece en el que está siendo su mayor hit de momento, ‘Fuego a tregua’, un pepinazo de increíble flow y cuerdas sintetizadas que, desde que se subió hace 3 meses, supera el medio millón de visualizaciones en Youtube, pero que además no se va a quedar ahí.
Su nueva canción, ‘Carnaza’, lleva días destacada entre las «tendencias de Youtube» (ahora mismo es top 28 pero ha sido muy holgadamente y durante largas horas top 10), mostrando que Anier está acumulando rápidamente seguidores y fans fieles. Su secreto es la combinación de sensibilidad y furia que hemos visto en raperos de distinto pelaje, gente como Stormzy, Mala Rodríguez o Mike Skinner que, como ella, no tienen miedo a desnudarse (“Tengo ganas de llorar, me pongo a escribir / Tengo ganas de vivir, no sufrir / Entro dentro de un laberinto pero sé que me pinto un caminito pa salir», en ‘Fuego a tregua’), pero a su vez, no se achantan (“No sé de qué coño fardas / Cállate un rato, porque al final cansas”, en ‘Carnaza’).
Anier, que tiene hasta 6 canciones subidas a Youtube (esperemos que ‘Carnaza’ esté entre los lanzamientos de este viernes), se sirve normalmente de bases duras adornadas de pianos tremebundos, como es el caso de ‘Where’ («Nunca me apoyaron y ahora me tocan las palmas / Dentro de dos años me estarán pidiendo entradas») o ‘Mancha de acuarela’, llevada por un piano tan asequible para las masas como un hit de Coldplay, inspirado en ‘So Cold’ de Ben Cocks, a quien se samplea a través del tráiler de ‘The Good Wife’.
Anier no tiene nada de «buena esposa», pero sí está ganando adeptos gracias a todo lo que puede salir por esa boca por minuto y a su potente imagen (tiene Instagram). Su nombre ya se está dando a conocer también en directo como telonera del rapero gallego Hard GZ, quien ha afirmado que quiere tener solo mujeres como teloneras. Si transmite la mitad de la energía que va en sus vídeos, es obvio que dará que hablar.
El Festival Cruïlla, que se celebra en julio, confirma hoy dos actuaciones más a su variado e interesante cartel, como son Bunbury y nudozurdo, dos talentos totalmente dispares pero en mejor forma de lo que pensabas; y finalmente la distribución por días, que debido a la variedad de la propuesta, seguramente te interesará.
Cruïlla ofrecerá el jueves 12 de julio un cartel reducido pero con cabeza de cartel. Actuarán, Jack White, Seasick Steve, Bunbury, Always Drinking Marching y Band Rolling Vibes Collective. El viernes 13 será el turno para tres de las bandas más esperadas de esta edición, según la propia organización: Prophets of Rage (con miembros de Rage Against the Machine, Public Enemy, y Cypress Hill), N.E.R.D con Pharrell Williams a la cabeza y Kygo. También será el día de Damien Marley, Gilberto Gil, Bomba Estereo, Jessie Ware o Lori Meyers, entre muchos otros.
El sábado 14 se podrá ver a David Byrne, a The Roots y a Justice, así como a Chase & Status Live, Orbital, Izal, Soja, Ben Howard o Els Catarres.
La entrada de jueves tiene un precio de 55 euros más gastos, la de viernes de 65 euros, la de sábado 65 euros también, el abono de dos días 115 euros y el abono de tres días 135 euros.
Contra todo pronóstico -aunque los Bafta (nueve nominaciones) ya habían dado una buena pista- ‘El instante más oscuro’ se ha convertido en la cuarta película con más nominaciones en los Oscar de este año. Todo el mundo esperaba el de mejor actor principal (Gary Oldman) y el de maquillaje (la papada de Gary Oldman). Pero… ¿mejor película del año? ¿De verdad a alguien le parece ‘El instante más oscuro’ mejor que ‘The Florida Project‘, ‘Yo, Tonya‘, ‘Molly’s Game‘ o ‘Blade Runner 2049‘, por poner cuatro ejemplos de películas “oscarizables” que se han quedado fuera?
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