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Kendrick Lamar & Varios Artistas / Black Panther: The Album

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Las bandas sonoras repletas de artistas populares, juntos o por separado, constituyen prácticamente un género al margen del que han resultado compilaciones memorables que han marcado generaciones –‘Easy Rider’, ’Singles’, ‘Lost In Translation’…– y también desastres soporíferos –basta con mirar a la reciente BSO de ’50 sombras liberadas’–. Podríamos encuadrar ‘Black Panther: The Album’ como la BSO del último filme de la franquicia Marvel y por tanto un nuevo volumen de esa categoría aludida. Pero es que no lo es exactamente. De hecho, apenas 3 de las canciones contenidas en él suenan durante el film (los singles co-protagonizados por Kendrick Lamar con SZA y The Weeknd, más ‘Opps’ –tema de Vince Staples y Yugen Blakrok–) e incluso existe un auténtico score de la película, compuesto por Ludwig Göransson, que tendrá su propia edición aparte.

Entonces, ¿qué es este ‘Black Panther’? Pues, como bien indica su subtítulo, “un álbum musical de e inspirado por” la película. Es decir, un álbum de Kendrick Lamar. La mayor estrella del rap en estos momentos no solo participa en prácticamente cada corte del disco –cuando no figura de manera manifiesta, hace coros, algún verso suelto, produce o escribe algo–, sino que dirige ejecutiva y artísticamente esta obra, llevándola a un lugar muy particular, que encaja con su visión de la música negra de una manera global y, de paso, amolda las características del superhéroe protagonista (para despitados: creado por Stan Lee y Jack Kirby en 1966, T’Challa es el rey y protector de un país africano llamado Wakanda, cuyos poderes sobrehumanos proceden de la magia ancestral de sus dioses; fue el primer superhéroe popular con orígenes africanos, un guiño de Marvel a la comunidad afroamericana cuando se acrecentó la lucha por sus derechos civiles) y el argumento de la película a su propia idiosincrasia.

El resultado es, como decíamos, una obra bien cohesionada desde todos los puntos de vista. En lo estético y musical, aunque toca muchos palos por parte de artistas de lo más diverso, todo suena sólido y coherente en su predominante oscuridad, con contadas y cruciales chispas de luz; en lo lírico, Kendrick se sirve del background del personaje para trazar su propio paralelismo (ya desde sus introductorios versos de ‘Black Panther’) con él, como rey absoluto del hip hop que ya en ‘To Pimp a Butterfly’ vio en el abandono generalizado del mundo occidental por los pueblos de África una conexión con los males endémicos de los afroamericanos en su país. Pero que nadie se asuste porque, aunque ‘Black Panther: The Album’, como cada obra de Duckworth, tiene bien de miga espiritual/social (Lamar no solo se centra en el héroe, sino que trata de entender el punto de vista del villano Killmonger), estamos sobre todo ante un disco –una banda sonora, si se prefiere– no solo apasionante sino además muy entretenido.

Y no, no solo hablo del entretenimiento de bucear en los extensos créditos del álbum, en los que no solo descubriremos en primer plano a artistas del renombre de The Weeknd, SZA, James Blake –figura en dos cortes–, Anderson .Paak, Khalid, Future o Travis Scott, sino también a Robin Hannibal (Rhye, Quadron –con los que Lamar colaboró tiempo atrás–, Laura Mvula), BadBadNotGood, Sounwave, Mike WiLL Made-It o Al Shux (Lana del Rey, BANKS) en las producciones. Sino de que es un disco bastante memorable desde el punto de vista del pop. Aunque cada cual tendrá sus más y menos (en mi caso, ‘Bloody Waters’ sería la más prescindible del conjunto) favoritas, cada uno de los 14 cortes tiene una entidad y calidad incuestionables.

Antes decía pop y no era una forma de hablar: en ‘Black Panther: The Album’ hay mucho más que hip hop. Aunque lo hay en gran cantidad y calidad –a la cabeza, sin duda, los descomunales ‘King’s Dead’, de Jay Rock, Future, James Blake, y Kendrick, ‘X’, de Schoolboy Q, 2 Chainz y Saudi, y ‘Big Shot’, de Lamar con Travis Scott–, el R&B contemporáneo (‘The Ways’, de Khalid y Swae Lee), el soul (‘I Am’, de la revelación Jorja Smith) y hasta el afropop (maravillosa ‘Redemption’, de Zacari –que ya brilló en ‘DAMN.’– y la sorprendente Babes Wodumo) o el afroR&B (preciosa ‘Seasons’, de Mozzy con Sjava & Reason) tienen cabida en un disco que no tiene lastres y que no solo se escucha muy a gusto sino que demuestran, una vez más, que la influencia y los poderes de Kendrick Lamar no se limitan a soltar enormes barras. Su capacidad como creador y catalizador artístico hacen de esta falsa BSO aparentemente intrascendente otro peldaño para su creciente leyenda como uno de los grandes referentes culturales de esta era.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘All The Stars’, ‘Pray for Me’, ‘King’s Dead’, ‘Redemption’, ‘I Am’
Te gustará si te gusta: Kendrick Lamar, pero no te interesa solo el hip hop sino una visión más amplia del pop
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Françoise Hardy “echa el vuelo” en el emotivo primer avance de su nuevo disco

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Françoise Hardy, uno de los mayores iconos de la música popular francesa, autora de la maravillosa ‘Comment te dire adieu’, anuncia nuevo disco a sus 74 años, seis años después del anterior, ‘L’amour fou’, publicado en 2012. El nuevo disco de Hardy, el 24º de su carrera, se titula ‘Personne d’autre’ y se publica el 6 de abril.

El primer avance de ‘Personne d’autre’ es ‘Le large’, una emotiva balada de sabor británico, en la que Hardy dice adiós a las penurias de la vida. Canta “ninguna lágrima vendrá a estrangularme, ninguna nube de niebla entrará en mis ojos desvaídos, ninguna duna de arena detendrá el reloj”, antes de elevarse en el estribillo: “y mañana todo irá bien, todo quedará lejos, serà entonces cuando eche el vuelo, todo quedará lejos, dame la mano, será entonces cuando eche el vuelo”.

Además de ‘Le large’, ‘Personne d’autre’ contendrá una canción en inglés, ‘You’re My Home’, compuesta por Yael Naïm, una versión de ‘Seras-tu là’ de Michel Berger y una adaptación al francés de ‘Sleep’ del poeta finés Poet of the Fall. Ha sido un disco “que se ha hecho solo”, ha apuntado Hardy en una nota de prensa, quien alaba el trabajo de su colaborador Erick Benzi, “sin el que nada de esto hubiera sido posible”.

Hardy preocupó al mundo en 2015 tras ser hospitalizada debido al linfoma de Hodking que parece desde hace más de una década. Por suerte parece recuperada y en 2017 publicó sus memorias, ‘La desesperación de los simios… y otras bagatelas’. Puedes comentar todas las novedades de Hardy en nuestros foros.

Las claves visuales de los vídeos de Kendrick Lamar, Los Punsetes, First Aid Kit, Dua Lipa y MGMT

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Elegimos cinco vídeos de entre las novedades más destacadas de las últimas semanas, les abrimos los puntos como un cirujano plástico y miramos dentro a ver cuáles son sus referentes estéticos y narrativos.

‘All The Stars’, Kendrick Lamar, SZA

Cualquiera que viera el pasado verano el primer adelanto de ‘Black Panther’ se dio cuenta enseguida de que el diseño de producción iba a ser uno de los puntos fuertes de la película. Un vistazo rápido a IMDB y, pum, ahí estaban dos de los nombres más relevantes de la actual cultura visual afroamericana: Hannah Beachler, la diseñadora de producción de ‘Moonlight’ y el ‘Lemonade’ de Beyoncé, y Ruth E Carter, la diseñadora de vestuario de ‘Malcolm X’, ‘Amistad’ o la reciente ‘Selma’. ‘All The Stars’, perteneciente a la aplaudida banda sonora del filme de Marvel, sigue un patrón estilístico muy parecido. Dirigido por el omnipresente Dave Meyers (quien se acaba de llevar el Grammy por ‘Humble’), el vídeo está plagado de referencias a la cultura africana, sobre todo de la subsahariana. Una celebración antropológica que se detiene tanto en sus aspectos más estéticos y tribales (las plumas que recuerdan a los Wodaabe, los niños con el fez rojo, las diosas nubias del final, el “plagio” de la artista Lina Iris Viktor), como en los sociales (Lamar ataviado como un mafioso de suburbio tipo Kibera) o los simbólicos (la hipnótica secuencia de las panteras negras). ¿Otro Grammy?

‘Miedo’, Los Punsetes

Miami, 1963. Herschell Gordon Lewis, un profesor de literatura metido a director de películas de tetas, rueda en cuatro días ‘Blood Feast’, una cinta de terror con más litros de sangre y kilos de casquería que talento y dinero. ¿El resultado? Un exitazo en los cines de pueblo de Estados Unidos y la primera película gore de la historia. El videoclip de Los Punsetes, rodado por Pablo Nieto para la productora Zissou, homenajea de forma explícita a este “festín de sangre” por medio de una pirueta posmoderna que no hubiera imaginado ni el Tarantino de ‘Grindhouse’: rodar los primeros minutos como si fuera un screener, una copia pirateada en una sala de cine. Desenfocados, sonido cutre, gente pasando, hablando (con el propio “pirata”), y hasta un “corte” en la conexión que es el equivalente digital a los fotogramas quemados del cine en celuloide. Y entre tanto festín formalista, aparecen los miembros del grupo “pasando miedo” en la sala de torturas del asesino. El vídeo acaba como empieza la película: con esa ya célebre música del propio Gordon Lewis que preludia el primer asesinato gore de la historia del cine.

‘Fireworks’, First Aid Kit

Como demuestra el éxito de ‘Stranger Things’, la mezcla nostálgica de las películas de John Hughes, John Carpenter y Steven Spielberg sigue funcionando. El último vídeo de las hermanas Söderberg recoge los bailes de graduación típicos del primero y el gusto por la ufología de los segundos para hacer un ponche ochentero con trocitos de ABBA. Con una fotografía que parece sacada del ‘Carrie’ de Brian de Palma (donde, no por casualidad, aparece la mejor prom night de la historia), ‘Fireworks’ narra la crónica de una doméstica invasión extraterrestre. “I want to believe” reza el famoso póster de Billy Meier que tienen las hermanas en la habitación. La típica bajada de la tensión eléctrica es la señal que todos conocemos para saber que los alienígenas ya están aquí. Y, como en ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’, ‘El pueblo de los malditos’ o ‘Están vivos’, están entre nosotros. El vídeo utiliza la leyenda urbana de los “niños de ojos negros” para dar un toque siniestro a la invasión y abrir la puerta a una posible lectura social: ¿alienación juvenil?

‘IDGAF’, Dua Lipa

Desde la popularización de la steadicam en los años noventa, los vídeos musicales se han convertido en terreno abonado para la experimentación del plano secuencia (falseado o no). Uno de los directores que más exprimió las posibilidades de la toma única fue Michel Gondry. Sus aplaudidos clips para Radiohead (‘Knives Out’), The White Stripes (‘The Denial Twist’) o Kylie Minogue (‘Come into My World’), por poner tres ejemplos representativos, estiraron el lenguaje videoclipero como una pizza cuatro quesos. ‘IDGAF’ se podría ver como una variación minimalista y en clave “duelo de bailes” del famoso vídeo de Kylie. El concepto es parecido: un plano secuencia de tres minutos y medio donde se juega con la duplicación de ocho bailarinas. El virtuosismo de la puesta en escena, con continuos movimientos de cámara y cruces entre las dobles, sirve como vehículo para expresar una algo machacada metáfora (acrecentada por la obvia elección de colores de los trajes) sobre la dualidad del ser humano y el amor propio.

‘Me and Michael’, MGMT

Y hablando de Michel Gondry. El último vídeo de MGMT está impregnado del espíritu lúdico y pretecnológico del cineasta francés: estética colorista y naif, efectos ópticos y de montaje artificiosos, decorados como salidos de una clase de plástica… Un festivo collage estilístico que se torna pesadillesco cuando aparecen referencias a la novela ‘Cita en Samarra’, de John O´Hara (la actuación en el programa “Death Tonight”), y a la “nueva carne” de David Cronenberg; a películas como ‘eXistenZ’ o ‘Videodrome’ que explotan la relación entre biología y tecnología: las consolas cárnicas, las hendiduras corporales… Todo ello para narrar en seis vertiginosos minutos una historia paródica de auge, caída y redención en la industria musical por culpa de un plagio de una canción del grupo filipino True Faith. Como divertida voltereta irónica, la banda asiática, llamada así por la famosa canción de New Order, “plagió” a su vez la canción de MGMT traduciéndola como ‘Ako at Si Michael’.

Ibeyi, Damon Albarn, Sampha, Peter Gabriel… lluvia de estrellas en el álbum de Everything Is Recorded

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Hoy se publica ‘Everything Is Recorded by Richard Russell’, el primer álbum del proyecto Everything Is Recorded dirigido por… eeemmmm… Richard Russell. Russell es, para quien no lo sepa, el fundador y director del poderoso sello independiente XL Recordings, además de un reconocido productor que, por ejemplo, ha trabajado en el álbum de Damon Albarn en solitario, en los últimos discos de Gil Scott-Heron y Bobby Womack o el debut de Ibeyi, todos ellos publicados por su compañía. Russell lanzó el pasado año un EP bajo este nombre, recogiendo sus propias creaciones musicales en las que cuenta con la colaboración de artistas muy diversos pero de gran reconocimiento como Sampha, Warren Ellis (el de los Bad Seeds de Nick Cave) o el MC Giggs.

Pero no se quedó ahí y hoy mismo lanza este disco en el que vuelve a contar con una pléyade de artistas de incluso mayor renombre. Además de los citados Sampha y Giggs que repiten –como también Infinite y Green Gartside–, se suman nada menos que Peter Gabriel, las hermanas Ibeyi, Kamasi Washington, Owen Pallett, Syd, Rachel Zeffira (Cat’s Eyes) o su amigo Damon, en la sombra.

Tras temas presentados semanas atrás como ‘Mountains of Gold’, ‘Show Love’ o ‘Bloodshot Red Eyes’, ’Everything Is Recorded’ –la canción– ha sido lanzada como single y reúne, de manera bastante espectacular, a la reconocible voz de Sampha con los siempre espectaculares arreglos de cuerda del canadiense Owen Pallett, dando cuenta del potencial del post-trip hop de este proyecto.

Bad Bunny apunta a hit con ‘Amorfoda’, su balada antirromántica

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El que será, recordemos, sorprendente cabeza de cartel en la próxima edición de Arenal Sound, Bad Bunny, sigue cosechando éxitos por doquier, sobre todo en colaboración con otros. Desde que empezara este año, ya ha sumado tres aspirantes a hit junto a Enrique Iglesias (‘El baño’), Natty Natasha (‘Amantes de una noche’, aquel en el que la artista femenina enviaba fotos en ropa interior y él… él no) y Alex Sensation (‘Fantasía’).

Pero, aunque no logre la repercusión de ‘Mayores’ o ‘Sensualidad’, él sigue publicando sus singles en solitario, menos conocidos para el público generalista pero sí muy celebrados por los seguidores del nuevo pop urbano. Así, tras temas de trap oscurillo como ‘Chambea’ o ‘Salimos a buscarte’, ahora cambia de tercio con una balada llamada ‘Amorfoda’. Un tema de cadencia lenta al piano que con su mensaje antirromántico se desmarcaba de tópicos al lanzarse en el día de San Valentín.

Y es que el MC portorriqueño se caga en el amor, harto de una relación en la que parece haber sido tratado injustamente. Sin embargo, el vídeo lo que muestra es su figurada venganza contra esa mujer, despreciándola abiertamente pese a sus súplicas y largándose con otras dos féminas que le esperan. Ya no es ninguna sorpresa que la cosa haya sido muy bien recibida y sea en estos momentos el vídeo más visto en estos momentos en Youtube España, superando ya los 14 millones de reproducciones.

“Soy real cuando compro mi cara”: vuelve el brutalismo pop de SOPHIE en ‘Faceshopping’

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Como sabemos, este 2018 marca el regreso al primer plano musical de SOPHIE, la productora británica del colectivo PC Music que sacó el bubblegum bass del underground y lo hizo apto para artistas pop como Madonna –co-produjo ‘Bitch I’m Madonna’– o Charli XCX. A finales de 2017 Sophie abandonó el secretismo en torno a su imagen a la vez que lanzaba la balada ‘It’s Okay To Cry’, que tendría continuidad poco después con la más espinosa y antipática –aunque adictiva– ‘Ponyboy’.

Hoy vuelve a dar rienda suelta a esa faceta más hardcore, brutalista o como la queramos llamar en su nuevo tema. Se titula ‘Faceshopping’ y, si no entendemos mal su mensaje, habla de cómo el rostro es “el escaparate” de una persona, y por eso su manipulación quirúrgica está justificada si eso acerca a la persona a identificarse más con quién es en realidad. “Soy real cuando compro mi cara”, canta en esta canción la artista canadiense Cecile Believe (antes conocida como Mozart’s Sister) que, pese a los ritmos rotos y cortantes, tiene cierto peso melódico con esos “nanananah”s que ejercen de gancho y su descacharrante y exagerado puente.

Se espera que tanto ‘Faceshopping’ como sus dos predecesores formarán parte de un nuevo álbum de SOPHIE que suceda a su debut, el algo irregular ‘Product’.

The Chainsmokers se cobran su venganza contra la prensa crítica en ‘You Owe Me’

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The Chainsmokers, el dúo formado por Alex Pall y Drew Taggart, emergió hace dos años como la mayor revelación comercial reciente, logrando hits globales como ‘Don’t Let Me Down’ y ‘Closer’. Pero su éxito ha sido inversamente proporcional a su aprobación por parte de la crítica (y algún compañero de profesión como deadmau5), que les hemos dado bien de cera casi desde el principio. Y esa es una espinita que ellos tienen clavada y que pretenden sacarse.

Así que en su nuevo single, ‘You Owe Me’, pretenden cobrarse su personal vendetta contra esos críticos que en la letra de la canción generalizan como “los periódicos” (“the papers”): “cada vez que los leo, sé que los alimento pero sé que escriben pero no dejan huella. Porque mis amigos no leen los periódicos, y realmente no les importa si soy guay o no (…). No me conoces, ¿no crees que se oscurece mi mente? Toma mis garras y si estoy ahí, me mereces”. Un resquemor que los artistas expresan en el vídeo oficial con caras muy serias antes de ejecutar materialmente esa venganza –por favor, que nadie se pierda el vídeo hasta el final–.

Aunque esa rebelión contra las críticas la ejerce, en realidad, la propia canción que, como ocurriera en la reciente ‘Sick Boy’, vuelve a dar muestras de un intento de refinamiento (vientos metales y guitarras van marcando los acordes de manera sutil, la melodía vocal está trabajada y es eficaz), cosa de la cual venían careciendo. Si siguen así, igual sí que tenemos que comernos nuestras palabras algún día.

Muse lanzan ‘Thought Contagion’ y su vídeo convence más que su épica predecible

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Agoney debe estar living hoy al saber que Muse han lanzado un nuevo single. Se trata de ‘Thought Companion’, tema que por el momento no se anuncia como parte de un nuevo álbum del grupo británico. Estamos ante una canción típicamente Muse, rock épico-apocalíptico presto para el lucimiento vocal de Matt Bellamy, esta vez con una cadencia de medio tiempo bastante aburridilla. Baste decir que su videoclip es bastante más entretenido de mirar que la escucha del propio tema.

Y eso que la estética post-‘Drive’ y post-‘Stranger Things’, rebosante de neón, que emplea Lance Drake a estas alturas está más vista que el hilo gris. Sin embargo, resulta bastante ameno detectar los múltiples guiños a blockbusters y vídeoclips de los 80 poco disimulados en él, desde ‘Thriller’ a ‘Footloose’ pasando por ‘Jóvenes ocultos’ o ‘Regreso al futuro’. Además, a su manera, traslada a imágenes el sentido de la letra de la canción, que Bellamy explica: “es sobre cómo los pensamientos, ideas y creencias de otros pueden a veces infectar tu mente, meterse en tu cabeza y cambiar tu propia manera de pensar”.

Muse lanzaron el pasado año ‘Dig Down’, su single aparentemente anti-Trump que más tarde confirmaron no era parte de su próximo disco, el cual sí llegará previsiblemente a lo largo de este 2018. Sucedería a ‘Drones‘, publicado en 2015.

Elettra Lamborghini, de estrella de realities a estrella del pop por obra y gracia de ‘Pem Pem’

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Los seguidores de la televisión de consumo rápido y sucio en forma de realities, talent-shows y productos similares –por el interés que despiertan nuestros foros de televisión, nos consta que sois muchos por aquí– conocen bien a Elettra Lamborghini por su presencia en realities como ‘Super Shore’ de MTV o el último ‘Gran Hermano VIP’. Pero ahora la nieta del fundador del imperio de los coches de superlujo que le dan apellido ha decidido no conformarse con ser carne de portada de Playboy o Interviú (DEP).

Elettra se ha lanzado al mundo del pop con un single llamado escueta y tontamente ‘Pem Pem’, que esconde una onomatopeya sexual: “yo sé que es así, solo en la noche me llama, me invita a su casa, quiere fumar marihuana, quiere llevarme a su cama para hacer pem, pemperepempempem, pemperepempempem”. Todas las alarmas de “subproducto” musical podrían encenderse ante los indicadores, pero quizá sea precipitado, porque lo cierto es que esta producción del argentino afincado en Italia Shablo no está nada mal.

Se trata de un tema de base dancehall-reggaetonera, pero con un buen trabajo de guitarras de inspiración africana y, sobre todo, un gran gancho pop. La mayor prueba es que la canción en Spotify, donde apareció hace 2 semanas, ya supera los 3 millones de streams, mientras que en apenas 24 horas su vídeo oficial –por supuesto, repleto de estilismos exquisitos y coches de alta gama, cómo no– acumula en Youtube casi 1 millón y medio de visualizaciones. Lo cual no está nada mal incluso para una celebrity de poca monta como ella. Como ‘Pégate’ de Ylenia, esto va más allá del guilty pleasure.

Rae Morris / Someone Out There

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Rae Morris ha agradecido en una entrevista a Ed Sheeran, compañero de sello, “haber financiado” su disco “sin darse cuenta”, debido a las ventas millonarias que este genera en Atlantic, suficientes para dar de comer a todo el sello. Esto ha permitido a Morris crear un segundo disco más experimental que el anterior, y por lo tanto más arriesgado, en el que Björk parece una inspiración clara no solo en el sencillo principal, el épico ‘Reborn’, en el que conviven cuerdas dramáticas con unos ritmos electrónicos similares a ‘Homogenic’, sino también en baladas como ‘Push Me to My Limit’, que recuerda a los momentos más orquestales de ‘Post’.

En cualquier caso, la influencia de Björk en ‘Someone Out There’ no es profunda, ya que Morris, además de una voz carismática y confiada, sigue siendo una compositora pop con todas las letras, a menudo acercándose a la teatralidad de Marina and the Diamonds (‘Wait for the Rain’) cuando no a la de una banda sonora tipo ‘Los juegos del hambre’ (‘Physical Form’) o a la canción clásica de los setenta, tipo Elton John (‘Someone Out There’), hasta el punto que ‘Someone Out There’ suena por momentos al sucesor natural de ‘Halcyon’ de Ellie Goulding.

Lo que hace más arriesgado este disco que el anterior es su aproximación a la electrónica, en ‘Unguarded’ más que anecdótica, y que sin embargo aquí llega a sonar tan plástica y elástica como el látex que viste Morris en la cubierta del álbum. De hecho, una de las canciones destacadas sin duda es ‘Roses Garden’, que aúna orquestas y un ritmo tecno aparentemente a boleo, desembocando sin embargo en un final espectacular. Además, por muy particular que sea la producción del disco, siempre es posible hallar en él canciones pop tan decididas como ‘Atletico (The Only One)’ y, sobre todo, ‘Do It’, que a través de un ritmillo caribeño arroja una calidez muy sensual al disco, contándonos además una historia sobre la importancia de arriesgarse en la vida. Un resumen de este entretenido y por momentos realmente brillante disco.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Push Me to My Limit’, ‘Reborn’, ‘Atletico (The Only One)’, ‘Do It’, ‘Roses Garden’
Te gustará si te gusta: la Björk más pop, Marina Diamandis
Escúchalo: Spotify

Cintia Lund recuerda su pasado de camarera en el lynchiano vídeo de ‘Screwdriver’

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‘Screwdriver’ es una de las canciones que destacamos desde el principio de ‘New York Anthem‘, el disco de debut de Cintia Lund, gracias a su estribillo contagioso «screwdriver… you are a liar!». En nuestra reseña apuntamos el toque «lynchiano» de este tema del disco y… ¿sabéis qué? Su vídeo, que JENESAISPOP estrena hoy, sigue esa misma estética, cortinas rojas incluidas.

En el videoclip, Cintia Lund ha querido recordar su pasado de camarera, pero de una manera muy particular: «Este videoclip es autobiográfico, ya que en mi periodo neoyorquino trabajaba sirviendo copas para mantenerme, de hecho la localización donde grabamos fue donde tuve mi primer trabajo en la ciudad. Fueron muy amables al dejarnos grabar mientras el negocio estaba abierto».

De hecho, «Destornillador» es el nombre de un cóctel popular hecho de una mezcla de vodka y zumo de naranja. Dice la nota que se lee al final del vídeo que, «recibe su nombre de la herramienta original utilizada para remover la bebida: un destornillador».

Además, en el vídeo aparecen Christine Fraser, manager en su día del fotógrafo Roberto Scavullo, aparte de modelo y actriz en los 60s y 70s; Sven Haabeth, un actor profesional que se ofreció a colaborar; Zaid Affas, diseñador de Los Angeles, y que recientemente ha sido galardonado con el prestigioso «Woolmarkprize» como mejor diseñador de EEUU; o Vincezo Denigris, que trabaja como diseñador para la marca J. Crew y reside en Nueva York.

La aparición de estos particulares clientes en el bar y su pose está en sintonía, como decíamos, con la estética del cine y la televisión del director de ‘Twin Peaks‘.

La canción del día: Beach House le cantan a un “misterio de color caramelo” en ‘Lemon Glow’

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Beach House es uno de los grupos confirmados en la próxima edición de Primavera Sound y no, lo que presentará este verano en Barcelona no es su reciente disco de rarezas y caras b, sino un nuevo trabajo de material inédito que sale en primavera, como acaba de anunciar el dúo de Baltimore en redes sociales. Del álbum se desconoce el título todavía, pero ya puede escucharse el primer single, ‘Lemon Glow’.

Como el vídeo en el que se presenta ‘Lemon Glow’, el nuevo single de Beach House tiene un punto psicodélico, acentuado en la producción por una línea de sintetizador oscilante que recorre toda la canción de principio a fin, acompañada de otros detalles ensoñadores -entre ellos, lo que parece un coro gótico que aparece intermitentemente a lo largo de la canción- y de las guitarras distorsionadas que podían escucharse abundantemente en ‘Thank Your Lucky Stars’. Es una canción preciosa, pero también especialmente oscura.

Por momentos parece que ‘Lemon Glow’ nos habla de un éxtasis sensual (Victoria Legrand canta a una persona que se “queda toda la noche” y que le hace “sentir viva”, en una habitación con las “luces bajadas”, en un “luz de miel”), y por otros, de un exorcismo espiritual (“mira en qué estado estoy, se mete bajo mi piel, la fiebre ha vuelto a mí, y me ha dado la vuelta”), y quizá no sea casualidad que el tema empiece con Legrand conociendo su futuro a través de su mano, pidiéndole a su receptor que dibuje una cruz en su palma… ¿la cruz mística según la cual tus sueños se harán realidad?

‘Tres dimensiones’ es el folclórico (y mágico) regreso de Jonston

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Seis añazos, seis, han transcurrido desde ‘Veo visones’, el tercer disco de José Ignacio Martorell, más conocido como Jonston. Y no podemos decir que se hayan hecho cortos. Pero, al fin, los fans de su pop rock elegante y de hechuras clásicas están de enhorabuena: el modesto sello madrileño Gramaciones Grabofónicas publicará en “la próxima primavera” ‘Los sentimientos’, un cuarto disco en el que Martorell presenta un sonido algo distinto del que le caracterizó durante sus primeros lanzamientos.

Al menos es lo que nos indica ‘Tres dimensiones’, el primer avance del álbum que Jonston ha presentado en su página de Facebook hace unas horas. En algún punto intermedio entre la tradición enérgica de Lorena Álvarez y el clasicismo pop de Francisco Nixon, Jonston obra magia en esta miniatura acústica con castañuelas. En ella, Martorell canta a la sencillez y a la cercanía, con frases encantadoras como “tampoco necesito ir al Museo del Prado, que paisajes más bonitos ya los tengo yo a mi lado” o la que bautiza la pista “yo tampoco necesito tres dimensiones para nada, si la distancia es la adecuada entre tu almohada y mi almohada”.

Jonston debutó en 2007 con un debut homónimo para Limbo Starr que podía presumir de la atemporalidad propia de las canciones de Robyn Hitchcock o Elvis Costello en intra-hits como ‘Telefonoh’. En 2010, ya autoeditándose, llegó el igualmente notable ‘Taller de memoria’, consolidando un repertorio magnífico con canciones como ‘Buenos recuerdos’ o ‘Un nuevo, nuevo amor’.

Los Planetas, of Montreal, Elvis Perkins… entre los confirmados de Vida Festival

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Vida Festival, que en los últimos días había confirmado a artistas como Los Planetas o Joe Crepúsculo, ha anunciado 30 confirmaciones más para su cartel en una fiesta en Barcelona. Entre esos nombres destaca la presencia de Of Montreal, Elvis Perkins, Josh Rouse, Hookworms, DBFC, Za!, Novedades Carminha, Bart Davenport, Perro y Great News.

Como recordaréis, St Vincent y Franz Ferdinand estaban entre los confirmados que se anunciaron antes de Navidad y el cartel hoy se ha completado con más nombres que podéis consultar en su web. Vida Festival celebra su 5ª edición del 28 de junio al 1 de julio en Vilanova i la Geltrú. El cartel no está completo sino que contará con nuevos nombres que se confirmarán en la futura Rueda de Prensa del VIDA 2018 en Madrid.

Los abonos para disfrutar del VIDA 2018 siguen a la venta al precio de 85€ junto con las demás opciones de abonos: Wild Side, Kids y Family Pack. Como novedad con la salida del cartel, el VIDA pone a la venta las entradas de día.

Los Planetas, Calexico, Curtis Harding, Novedades Carminha actuarán el 28 de junio. Franz Ferdinand, St Vincent, Joe Crepúsculo o Nick Mulvey lo harán el 29 de junio. Iron & Wine, of Montreal, Elvis Perkins, Josh Rouse o Perro lo harán el 30 de junio. Y Great News y Marem Ladso lo hará el 1 de julio.

The Cranberries anuncian nuevo disco: ‘Why’ ya no será su epitafio perfecto

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Los 3 miembros masculinos de Cranberries Noel Hogan, Mike Hogan y Fergal Lawler -nunca hubo otros- han anunciado su decisión de terminar el disco que preparaban de Cranberries, justo cuando se cumple un mes de la muerte de Dolores O’Riordan. Según el comunicado que reproducimos bajo estas líneas, aseguran que no saben cuántas pistas podrán terminar en base a las tomas vocales que ella grabó, pero terminarán lo que puedan como habían planeado junto a ella, y lo sacarán «durante los próximos meses». Solo un día antes de fallecer, Dolores envió nueva música a Noel, único co-autor en la banda junto a ella, a través del correo electrónico. Al parecer, la relación interna en la banda era más sólida de lo que se pensaba, y la imagen de Noel, Mike y Fergal sosteniendo en sus hombros el ataúd de Dolores en su funeral es de lo más duro que han visto estos ojos en el mundo musical.

La noticia del nuevo disco es un consuelo para los seguidores que no vieron venir la repentina muerte de O’Riordan ni por asomo, y a su vez deshace el mito que transformaba ‘Why’, la última pista del que era hasta ahora el último disco de Cranberries, ‘Something Else‘, en una carta de despedida de Dolores, casi un epitafio. Su letra parecía sencilla de más, emocionando eso sí en esos susurrados «tell me», pero hoy resulta especialmente informativa, sobre todo si tenemos en cuenta que un single de Cranberries jamás había cerrado un disco. Siempre era una canción «especial», diferente, pero no un single como en este caso. Este era el texto completo de ‘Why’:
«En algún lugar entre aquí y el cielo
En algún lugar entre el dónde y el porqué
En algún lugar en otra dimensión
Te escucho preguntándome por qué

Dime que puedes oírme, te estoy llamando
Dime que puedes oírme, no llores
Dime que no te sientes solo
En algún lugar entre el dónde y el por qué

Te esperaré, ¿me esperarás tú a mí?
(Dime…)

En algún lugar en el cruce de ningún sitio
En algún lugar en el cruce del por qué
En algún lugar en otra dimensión
Te escucho preguntándome por qué»

Os dejamos con el nuevo comunicado de Cranberries:

«En primer lugar nos gustaría agradecer a todo el mundo el apoyo y las palabras llenas de cariño de las últimas semanas. Como podéis imaginar, han sido días muy tristes y difíciles, no solo para nosotros, sino también para la familia de Dolores. Leer los mensajes que habéis mandado ha sido increíble. Ver el impacto positivo que Dolores ha tenido en la vida de la gente nos emociona y nos da apoyo en este momento tan duro.

Mucha gente está preguntando qué depara el futuro.

Hemos estado hablando de eso durante los últimos días.

En los últimos meses, había comenzado el proceso de grabación de un nuevo disco de Cranberries con un montón de canciones ya bastante bien desarrolladas. Dolores había grabado las voces de estas pistas así que hemos decidido terminarlas como ella habría querido. No sabemos cuántas de estas canciones estarán en el álbum final, pero era el deseo de Dolores completar la grabación de un álbum y sacarlo, así que vamos a hacer exactamente eso en los próximos meses.

Además de acabar este nuevo álbum, hay otros proyectos relacionados con Cranberries que estaban en camino. Les echaremos un ojo cuando tengamos tiempo.

De nuevo, gracias por el apoyo. Intentaremos mantenernos al tanto.

The Cranberries».

El comunicado no menciona el anunciado segundo disco del proyecto paralelo de Dolores, D.A.R.K. En cuanto a esos otros proyectos, se rumoreaba que Dolores y Noel habían estado trabajando en una caja con material antiguo de Cranberries.

The Smashing Pumpkins “sólo” anuncian gira de reunión

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Tras la polémica de los últimos días, casi se nos olvida que todo esto venía a que Smashing Pumpkins anunciarían de forma oficial algo en la tarde de hoy, jueves 15 de febrero. Por el momento, lo que se anuncia “sólo” es una gira de reunión de la formación más famosa del grupo, la que incluye a –por supuesto– Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlain pero excluye a la que fuera su bajista D’Arcy Wretzky, como bien se ha sabido por la bronca mediática que ambas partes han mantenido a lo largo de la semana. La formación la completará el que fuera guitarrista de la encarnación del grupo de mediados de los 2000, Jeff Schroeder.

Por el momento esta gira de reunión, llamada ‘Shiny And Oh So Bright’, incluye fechas desde mediados de julio a inicios de septiembre en Estados Unidos, y en ellas celebrarán “las canciones de sus 5 primeros álbumes, desde ‘Gish’ hasta ‘Machina’ (sic)”. Los conciertos han sido anunciados con un vídeo en el que, simpáticamente, las niñas que aparecían en la portada de ‘Siamese Dream’, ahora adultas, aparecen vestidas de la misma guisa que entonces para “iluminar” el clásico logo del grupo.

Por supuesto, se espera que este tour alcance en algún momento Europa y el resto del mundo, máxime cuando se sabe ya que además de estos conciertos la reunión también ha dado para la grabación de un nuevo disco producido por Rick Rubin, de próxima aparición. Apostaríamos algo a que habrá ya alguna que otra pugna entre los festivales de nuestro país para que encabecen sus ediciones de 2019. Si es que no están ya contratados.

“Que somos Los Nastys, que tengo dos pastis”: ‘Veneno de serpiente’, su nueva bomba psicopop

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Entre los múltiples regalos que nos trajo el día de San Valentín estuvo el clip para el nuevo single de Los Nastys, ‘Veneno de serpiente’, lanzada hace un par de semanas. Se trata del primer avance de ‘Música para el amor y la guerra’ su segundo disco de estudio y muestra el punkrock garajero y quinqui de «la mejor banda del mundo» para Hinds en perfecto estado de forma.

Con una producción más profesional y un sonido alejado del amateurismo de sus inicios, ‘Veneno de serpiente’ es además una colección de frases-hito como pocas en su carrera, y hablamos de un grupo que se hizo popular por líneas como “damedamedame Jägermeister, dámelo”, “vivo en Madrid, vivo en un cementerio” o “en la calle fumando, bebiendo y potando”. “Que somos Los Nastys, que tengo dos pastis” es la más inmediatamente memorable, pero a la zaga le van “no quiero putas, no quiero dinero, solo quiero una princesa que me llame torero”, “la gente dice que nos vamos de after” o “en una mano tú y en otra una hamburguesa”. Y eso solo en la primera estrofa. Su vídeo, lleno de color, collage, pogo y videojuegos es una ida de olla a la altura.

‘Música para el amor y la guerra’ ha sido grabado en La Mina de Raúl Pérez y sucederá al estupendo ‘Noche de fantasmas con Los Nastys’, álbum de debut que publicaban en Warner. Tras su paso por la multinacional, el nuevo disco del grupo lo editará la independiente El Volcán Música (Los Planetas, Joe Crepúsculo, Soleá Morente).

Izal, Kase.O, La M.O.D.A. y Viva Suecia celebran con Santander Music Festival su 10º aniversario

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Santander Music Festival acaba de anunciar las primeras confirmaciones de su edición 2018: Izal, Kase.O, La M.O.D.A y Viva Suecia lideran el primer avance de artistas para el que será el décimo aniversario del festival cántabro. Grises, Luis Brea y el Miedo, Modelo de Respuesta Polar y Texxcoco también estarán los días 2, 3 y 4 de agosto en la Península de la Magdalena. El cartel de esta edición tan especial, como viene siendo costumbre en este certamen, lo ha elaborado un diseñador de renombre. En este caso, el danés Mads Berg, que se ha inspirado en la tradición surfera de la costa cántabra.

Aunque en estos 10 años se han podido ver en Santander Music a nombres internacionales como Belle & Sebastian, Keane, Calvin Harris, Crystal Fighthers, Vaccines, Mando Diao o The Charlatans, esta edición vuelve a dejar claro que su política de contrataciones es contar con los artistas nacionales con más tirón popular del momento. Este año vuelven a reincidir en esa política con los superventas Izal, que estarán paseando las canciones del inminente ‘Autoterapia’. Y lo mismo puede decirse de Kase.O, cuya reaparición tras años de silencio con el notable ‘El círculo’ no ha podido ser más exitosa, La M.O.D.A., uno de los pocos grupos españoles capaces de llenar la sala La Riviera tres días consecutivos, los ya estelares Viva Suecia y Grises, cuyo reciente ‘De peces y árboles’ les muestra perfectamente armados para brillar en un evento de estas características.

Ya están a la venta los abonos para esta edición de Santander Music Festival en su web, al precio de 45€ –el básico–, 60€ –con derecho a acampada– o 115€ –premium–.

El co-autor del primer single de Prince subasta sus derechos de autor por 390.000 euros

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Chris Moon, co-autor de ‘Soft and Wet’, el primer single de Prince, publicado en 1978, y de hecho la persona que descubrió al genio en Minneápolis, vende sus derechos de autor de la canción en eBay por 490.000 dólares, unos 390.000 euros. Moon espera que quien compre su parte de la canción, lo haga por amor a Prince, no por razones económicas.

El compositor explica que el comprador que pase a poseer los derechos de autor de ‘Soft and Wet’ recibirá, a partir de entonces, el dinero generado por la canción en concepto de “royalties” tanto de compras de la canción como del disco, así como de las reproducciones en streaming que produzca, si bien reconoce que no será mucho dinero, ya que ‘Soft and Wet’ está muy lejos de ser una de las canciones más populares de Prince. Él dice que la vez que ganó más dinero con ella fue cuando MC Hammer la sampleó en ‘Please Hammer, Don’t Hurt ‘Em’.

Moon ha comentado a Star Tribune: “Es muy raro, pero es completamente real. Nadie ha hecho algo así nunca que yo sepa, así que entiendo que la gente no se lo crea”. En cualquier caso, el compositor se ha preocupado de colgar en eBay una imagen del vinilo original de ‘Soft and Wet’ con su nombre impreso en los créditos, indicado con una flecha roja.

Que sirva esta noticia, en cualquier caso, para recordar el temazo que era ‘Soft and Wet’.

Courtney Barnett dedica ‘Nameless, Faceless’ a los “trolls”: “debe ser triste estar tan enfadado”

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El 18 de mayo llega ‘Tell Me How You Really Feel’, el nuevo disco de Courtney Barnett, muy esperado después de que el debut de la australiana cosechara críticas espléndidas, terminara en numerosas listas de lo mejor de 2015 y además consiguiera a su autora una nominación a los premios Grammy, en la categoría de Artista revelación (no ganó).

‘Tell Me How You Really Feel’ se presenta con una accesible canción punk-rock de 3 minutos y medio titulada ‘Nameless, Faceless’, que Courtney dedica a los “trolls” “anónimos y sin cara” de internet. Barnett se enfrenta a ellos en la primera frase de la canción, preguntando “¿no tenéis nada mejor que hacer?”, para luego expresar su compasión: “ojalá alguien pudiera abrazaros, debe ser muy triste estar tan enfadado, sentarse solo en la oscuridad, lo siento por lo que sea que os haya ocurrido”.

Barnett va tan lejos de citar en la canción uno de los insultos que ha recibido en internet: “podría tomarme un bol de sopa de letras y escupiría mejores palabras que tú”. Pero en el estribillo lo que cita es una frase de Margaret Atwood (‘El cuento de la criada’): “quiero pasear sola por el parque en la oscuridad, los hombres tienen miedo de que las mujeres vayan a reírse de ellos / quiero pasear sola por el parque en la oscuridad, los hombres temen que las mujeres les vayan a matar, agarro mis llaves entre mis dedos”.

Barnett no ha estado callada en los años que separan su debut de este nuevo disco, ya que el año pasado publicó un álbum junto a Kurt Vile que también fue muy bien recibido, dando lugar además a los nuevos “Kurt y Courtney”.

‘Tell Me How You Really Feel’:

01 Hopefulessness
02 City Looks Pretty
03 Charity
04 Need a Little Time
05 Nameless, Faceless
06 I’m Not Your Mother, I’m Not Your Bitch
07 Crippling Self Doubt and a General Lack of Self-Confidence
08 Help Your Self
09 Walkin’ on Eggshells
10 Sunday Roast

Tidal llega a España gracias a un acuerdo con una operadora de telefonía móvil

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Tidal ha superado varios baches desde su llegada en 2015 y hoy 15 de febrero llega, por fin, a España gracias a un acuerdo con la operadora Vodafone. La plataforma de streaming en alta fidelidad ofrece en su acuerdo con Vodafone una tarifa mensual de 8,99 euros para usuarios premium y 17,99 para usuarios Hi-Fi, tres meses gratis para usuarios de Vodafone al margen de la tarifa y uno o dos años gratis para usuarios de Vodafone One, dependiendo de la tarifa concreta, como detalla El País, indicando que la razón de este acuerdo es que los usuarios de Tidal tengan la posibilidad de usar el servicio sin gastar datos móviles, como sucede con la app de Tidal actualmente.

A Tidal están asociados artistas tan importantes como Jay-Z (su fundador), Beyoncé, Madonna, Daft Punk, Rihanna, Coldplay, Jack White, Calvin Harris o Nicki Minaj: todos ellos estuvieron presentes en la presentación oficial de Tidal en 2015, firmando su alianza con la plataforma ante las cámaras durante la que fue una presentación histórica para la música, para bien y para mal. Se celebró la llegada de una plataforma de streaming que ofreciera música en alta calidad (“lossless”), que un sector de los artistas se alzara en favor de una recompensa justa para los músicos y que lo hicieran también en contra de plataformas como Spotify que generan beneficios ínfimos para los artistas y ofrecen servicio con publicidad y una calidad de sonido inferior.

Pero pese a las buenas intenciones, la presentación fue duramente criticada por caer en el elitismo, al colocar a artistas multimillonarios a vender un producto caro al consumidor de música medio, que ni está interesado en el “lossless” ni mucho menos puede pagarlo. Sin duda, Tidal ha conseguido mantenerse, pero su objetivo de igualar o incluso superar la popularidad de Spotify es ya solo un sueño, y parece que Jay-Z y los suyos tendrán que conformarse con representar a una plataforma muy buena, muy útil, pero hecha para unos pocos. Y ahora, para usuarios de Vodafone en España…

Triángulo de Amor Bizarro dedican la furiosa ‘O Isa’ a la “Reina Malvada y su estirpe”

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Dos años después de lanzar un disco de 10 sobre 10 como fue ‘Salve discordia‘, Triángulo de Amor Bizarro están listos para compartir música nueva con el mundo, y lo primero que harán será lanzar un EP de cuatro canciones, ‘El gatopardo’, que llega el 23 de marzo a través de Mushroom Pillow. Lo presentarán el 20 de abril en sala BUT del Ochoymedio de Madrid.

El sello explica: “El Gatopardo es una colección de canciones de escarnio y maldecir a través de distintos episodios de nuestra historia, empezando por nuestra fundacional Reina Malvada por excelencia, Isabel, y terminando en la decadencia imperial de la actualidad. Es una celebración del cambio, del colapso de la civilización, una fiesta del fin del mundo sintetizada en cuatro canciones antitodo en la que usamos y destruimos la leyenda para contar nuestra verdad”.

El primer avance de ‘El gatopardo’, efectivamente, es una ‘O Isa’ “sin H medievalista” que se presenta en un “hipotético estilo funk del SXV”, y que Triángulo describe es un “ente” que funciona bajo la “influencia de Bootsy Collins, James Chance y las cantigas medievales de escarnio y maldizer”. “Una canción sobre la Reina Malvada y su estirpe, sus actos, figurados o no, su larga figura, su mano negra que llega hasta nuestro días”, explica el grupo, canción en la que, por cierto, la frase “puño de hierro y capa de plata” promete instalarse firmemente en nuestro cerebros.

Florence + the Machine, Childish Gambino, Cigarettes After Sex… cierran el cartel de Bilbao BBK Live

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Bilbao BBK Live cierra su espectacular cartel con un último “headliner” de órdago: Florence + the Machine. La actuación de Florence Welch en Kobetamendi supone el tercer directo confirmado de la artista en 2018, después de desvelarse que actuará en sendos festivales de Varsovia y Ferrópolis (Alemania) en verano. Welch presentará su nuevo disco, muy esperado tras el éxito del aclamado ‘How Big, How Blue, How Beautiful‘, el jueves 12 de julio.

Otra gran confirmación en Bilbao BBK Live es la de Childish Gambino, el proyecto musical del actor y director Donald Glover (‘Atlanta’), recientemente nominado a Álbum del año en los Grammy por ‘“Awaken My Love!”‘, el disco que incluye su éxito ‘Redbone’. Será su primera actuación en España y la segunda que hará en Europa en 2018. A él se suman otros grandes nombres como Cigarettes After Sex, uno de los grupos de dream-pop más queridos del momento, y Friendly Fires, que publican al fin su nuevo disco, siete años después de ‘Pala’.

A todos ellos se suma una ristra de jugosos nombres, en una última tanda de confirmaciones de Bilbao BBK Live, compuesta también por Hot Chip Megamix, Mount Kimbie, Gaz Coombes, Porches, Fat White Family, Sophie, Let’s Eat Grandma, Meute, María Arnal i Marcel Bagés. Bad Gyal, Iseo & Dodosound, Neuman, Bejo, Gengahr, Nilüfer Yanya, Anteros, Morgan, Ed Is Dead (live band), Joe La Reina, Las Odio, Rural Zombies, Nunatak, The Zephyr Bones, Greenclass, Lukiek, Pet Fennec, Dj Mato, Daniless, Dark DJ, DJ Göo!, Rock Nights, Hal9000, Innmir y Edu Anmu.

Jueves 12
FLORENCE + THE MACHINE/ ALT-J/ CHILDISH GAMBINO/ BOMBA ESTÉREO/ CIGARETTES AFTER SEX/ MOUNT KIMBIE/ BAD GYAL/ GAZ COOMBES/ ISEO & DODOSOUND/ PARQUET COURTS/ TEMPLES/ ED IS DEAD (LIVE BAND)/ LET’S EAT GRANDMA/ LUKIEK/ MARÍA ARNAL I MARCEL BEGÉS/ MELENAS/ MORGAN/ QUENTIN GAS & LOS ZÍNGAROS/ RURAL ZOMBIES/ EDU ANMU/ INNMIR

Basoa: MODESELEKTOR dj set/ PROSUMER/ OPTIMO (ESPACIO)/ SKATEBARD/ CORA NOVOA

Viernes 13
THE XX/ THE CHEMICAL BROTHERS/ DAVID BYRNE/ FRIENDLY FIRES/ FAT WHITE FAMILY/ MEUTE/ MEXRRISSEY/ NEUMAN/ PORCHES/ SOPHIE/ ANTEROS/ BORROKAN/ CAROLINA DURANTE/ CECILIA PAYNE/ GENGAHR/ PET FENNEC/ NUNATAK/ DARK DJ/ HAL9000/ ROCK NIGHTS

Basoa: BEN UFO/ HUNEE/ AVALON EMERSON/ DEKMANTEL SOUNDSYSTEM/ DJ FRA

Sábado 14
GORILLAZ/ NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS/ BENJAMINE CLEMENTINE/ FISCHERSPOONER/ HOT CHIP MEGAMIX/ JAMES/ JUNGLE/ ANA CURRA/ BEJO/ COOPER/ NILÜFER YANYA/ TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO/ YOUNG FATHERS/ ANEGURIA/ GREENCLASS/ JOE LA REINA/ LAS ODIO/ THE ZEPHYR BONES/ YONAKA/ DANILESS/ DJ MATO/ DJ GÖO

Basoa: JOHN TALABOT/ ANTHONY NAPLES/ YOUNG MARCO/ SAMO DJ/ DANIEL BAUGHMAN

Precio:
Bono 3 días: 135€ + gastos (oferta hasta el 6 de marzo, incluido). A partir del 7 de marzo a las 10am el precio del bono será de 155€ + gastos
Camping: 10€ +gastos
Entradas de día: 60€ + gastos. Ya a la venta
También puedes comprar tu bono en 2 ó 3 cómodos plazos.

¿De verdad tenían algo que ver Garbage y The Cranberries?

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Shirley Manson de Garbage ha comparado el impacto que le ha producido la muerte de Dolores O’Riordan, de la que hoy se cumple un mes, con la de David Bowie. Se refiere lógicamente, más que a lo artístico, a la generación a la que pertenece, la suya propia. En cualquier caso, ya sorprendía el sentido mensaje de Garbage en su Twitter a la muerte de Dolores, porque no se conocía declaración de admiración mutua, foto conjunta, ni prácticamente nada en común en cuanto a estilo.

No podemos caer en el lugar común de que ambos fueran grupos de chicos liderados por chicas: Magnus de The Cardigans reconocía en su foro oficial hace unos años que odiaban ser comparados con The Cranberries porque no tenían nada que ver (curiosamente, Nina Persson y Dolores cumplían años el mismo día). Y este caso era el mismo: habría sido inimaginable ver a Cranberries en la electrónica de ‘Version 2.0’ o a Garbage en los territorios bucólicos de ‘Linger’ o en el punk anti-droga de ‘Salvation’. Aun así, rescatamos 5 puntos en común a modo de curiosidad.

La conexión post-grunge

Aparentemente nada que ver en cuanto a background musical: Cranberries eran 4 personas procedentes de pueblos cercanos a Limerick, a su vez una pequeña ciudad irlandesa de menos de 100.000 habitantes; fans de los Smiths y Sinéad O’Connor, formados a finales de los 80. Garbage era un supergrupo de productores estadounidenses, vinculados directamente a Nirvana y Smashing Pumpkins, que habían reclutado a una cantante escocesa que ya tenía su propio proyecto. La conexión musical entre Garbage y Cranberries puede hacerse a través del grunge: Dolores fue haciéndose cada vez más rockera, Nirvana -producidos por Butch Vig- era una influencia reconocida en ‘Zombie’ y llegó a citar a Kurt Cobain en una canción, ‘I’m Still Remembering’.

Samuel Bayer

El que terminara siendo el director de la versión 2010 de ‘Pesadilla en Elm Street’ había sido el encargado de dirigir el vídeo de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana. Fue seleccionado por Cranberries para dirigir todos y cada uno de los vídeos de ‘No Need to Argue’ entre finales de 1994 y principios de 1995: ‘Zombie’, ‘Ode to My Family’, ‘I Can’t Be With You’ y ‘Ridiculous Thoughts’. Garbage daban sus primeros pasos inmediatamente después y también contaban con él para sus primeros vídeos en 1995 y 1996: ‘Vow’, ‘Only Happy When It Rains’ y ‘Stupid Girl’. Con la excepción de ‘Ode to My Family’, en blanco y negro, todos estos vídeos tienen una estética común: son los mismos tonos ocres, dorados, rojos y azules difuminados, con claroscuros… también presentes en otros vídeos de Bayer de la época de Metallica o Smashing Pumpkins. Especialmente los 2 siguientes vídeos se parecen mucho, incluso habiéndose rodado en lugares distintos aunque parezca lo contrario (Essex y Los Ángeles). En algún lugar de nuestro subconsciente, algunos conectábamos a ambos grupos.

El feminismo

Shirley Manson ha realizado un buen puñado de declaraciones feministas, y sus citas al respecto se cuentan por decenas: «no soy Shirley, la chica del grupo, soy la que lleva las botas grandes en MTV», «lo que hace a una mujer estilosa no es su ropa, sino lo que tiene que decir y cómo decide vivir su vida» o «hasta que tengamos exactamente el mismo salario que los hombres, siento el deseo de apoyar a otras mujeres. Si no estamos juntas, nunca lo conseguiremos». Dolores procedía de un ambiente católico y conservador (se jactaba de haberse encontrado con Juan Pablo II dos veces, era una conocida antiabortista), pero por supuesto se reconocía como feminista, siempre se negó a usar su sexualidad para vender más discos y sonora fue aquella entrevista con Hot Press en que un periodista le preguntaba si se operaría el pecho: «Las mujeres con el pecho pequeño podemos ser guapas también, sin un par de pelotas de fútbol colgando. No me siento insegura sobre mi pecho. Dicho esto, espero que le preguntes a los tíos si consideran alargarse el pene».

La androginia

En relación con el punto anterior, Garbage llegaron a grabar un single llamado ‘Androgyny’, aunque no sea el que con más orgullo recuerdan de su carrera. La imagen de Dolores siempre fue «andrógina», propiciando que, como Shirley, fuera ipso facto un icono lésbico. Shirley solía decir que no tenía groupies chicos, que eran todo chicas («chicas me ofrecen sexo todo el rato, pero no los chicos, creo que soy demasiado alta», bromeaba). Dolores se refería también a la razón de ser tan seguida por el público lésbico: «Era porque llevaba el pelo corto. ¿Pero por qué iba a molestarme? Creo que tenemos que aceptarnos los unos a los otros tal como somos. Los humanos tenemos que querernos los unos a los otros. El amor puede presentarse de muy diferentes maneras. Si las mujeres me encuentran atractiva, me parece estupendo». Ambas cantantes compartieron, por cierto, ser modelos muy particulares de Calvin Klein: Dolores posó con vaqueros caídos, pelo cortísimo y maquillada pero como lo podría haber estado Ziggy Stardust… Manson, sin maquillar.

Su visión del pop

Shirley Manson nos dejaba como titular hace unos años cuando la entrevistábamos «no soy una chica pop y nunca lo seré», pero cuando la terminaba de liar era cuando en otra ocasión decía: “creo que a las mujeres en el pop les han quitado las garras y las han domesticado, simplemente quieren salir guapas y cantar bonito. No oyes realmente una perspectiva femenina en la radio, porque muchas canciones las han escrito hombres”. La visión de O’Riordan era muy similar, siempre criticando la sexualización de la mujer en el mundo del pop, considerando su grupo a la postre una banda de rock (conocida era su admiración por Metallica y Pearl Jam), y reivindicando los tiempos en que las emisoras de radio sonaba música «auténtica» hecha por mujeres «como la de Alanis Morissette», en contraste con la eclosión de las Britneys y las Aguileras, que propició su propia caída en popularidad en 1999. Llegó a escribir una canción sobre este tema, un ‘Copycat’ en el que criticaba que «todo el mundo sonara igual en la radio». No es una de las mejores canciones de Cranberries, pero sí una de las, paradójicamente, más electrónicas.