‘Melodrama‘ es el mejor disco de 2017 para JENESAISPOP por su hábil retrato de la post-adolescencia contemporánea, en grandes canciones como ‘Green Light’ o ‘Liability’ que ilustran con acierto la euforia, el miedo y la incertidumbre de tener 20 años y -en el caso de Lorde- estar en la cima del mundo, logrando a su vez sonar completamente universal.
En la montaña rusa que es ‘Melodrama’, dentro de esta “fiesta” imaginada por Lorde en la que se suceden momentos de éxtasis, introspección y revelación, brilla intensamente una canción en la que parecen converger todos esos sentimientos. En ‘Supercut’ (un término acuñado en 2008 por el tecnólogo Andy Baio) los recuerdos de un amor pasado transcurren en una serie de “diapositivas” que la neozelandesa proyecta rápidamente en su cabeza, y en la que no caben los malos recuerdos. Diapositivas modernas como son esos “supercuts” o “cortes rápidos” de los que se componen tantos vídeos actuales -sobre todo contenidos en Youtube-, y que nos hacen olvidar la parte incómoda y las decenas de errores que se esconden tras la realización de un vídeo perfecto.
Y perfecta recuerda Lorde una relación pasada en su cabeza en una ‘Supercut’ donde, sin embargo, no puede evitar darse de bruces contra la realidad: “en mi cabeza, todo lo hago bien”, insiste en la canción al galope de un ritmo uptempo y un piano noventero que remite directamente a ‘Green Light’, también en su expresión de pura euforia y melancolía ante la frescura de un primer amor que ya forma parte del pasado. “En mi cabeza, pongo un corte rápido de los dos, de toda la magia que emitimos, de todo el amor que tuvimos y perdimos”, canta Lorde, recordando un amor “salvaje y fluorescente” cuya luz todavía recuerda “en su cabeza”, como si nunca se hubiera apagado. Una luz que ilumina la realidad de esta “compositora en la oscuridad” que encontramos en la canción anterior, y que con tanta sensibilidad logra emocionarnos.
Fever Ray no suele dar entrevistas: una búsqueda de la frase “Fever Ray interview” en Google resulta en unas pocas que la sueca ofreció en 2009, cuando se publicó su primer disco al margen de The Knife. A estas se suma hoy la única que Karen Dreijer ha concedido en todo 2017 tras la publicación el pasado mes de octubre de su nuevo disco, ‘Plunge’. El medio afortunado es The Guardian.
En la entrevista, realizada en realidad durante la semana de lanzamiento de ‘Plunge’ (el periodista lamenta no poder acudir a la fiesta de salida del disco, que se celebra en una sauna gay), Fever Ray habla de los temas que le preocupan en ‘Plunge’, principalmente sobre patriarcado y libertad sexual. Dice que está harta de que la gente diga que ya hay igualdad porque el matrimonio homosexual es legal en Suecia. “Dicen “ya sois iguales, ya os podéis casar”, pero yo no me quiero casar, ¡yo quiero follar!” La artista continúa: “Hay mucho folleteo en este disco, pero es importante porque las formas de follar que no conforman el sexo heterosexual están súper estigmatizadas. Mis hijos no aprenden sobre sexo no heterosexual en la escuela. Mi hija pequeña se me acercó el otro día y me preguntó: “¿cómo tienen sexo las chicas? ¿Es en plan coño contra coño?” Y yo le dije “sí, puedes hacer eso”. Y ya está”.
En otro punto de la charla, Fever Ray habla sobre el vídeo de ‘To the Moon and Back’ y sobre la calva que presume en él, que compara con la de Britney Spears en 2007. “Es como cuando Britney Spears se rapó aquella vez”, afirma. “Me encanta la idea de rapar tu cabeza y que eso signifique un nuevo comienzo”. De las conexiones más improbables que se nos podrían haber ocurrido.
A través de los foros de JENESAISPOP conocemos la existencia de Leslie & Betsie, un dúo de Murcia que se define así: “Somos una gorda y un maricón haciendo pop y mucha fantasía, pero no somos cantantes. Somos lo que comemos”. No te sorprenderá saber que tienen un EP titulado ‘Subnopop’ (un saludo a Ojete Calor) y otro llamado ‘Tu vida de mierda’.
Este es el palo de Leslie & Betsie: el dúo combina la estética “vaporwave” de la presente década con el lenguaje moderno de internet (su debut se titula ‘ELLISIMA’, así escrito, por la #aesthetic) y ritmos y letras propios del electroclash dosmilero de Putilatex y Alma-X… precisamente en el momento en que Las Bistecs finalizan su gira y anuncian un descanso indefinido. Puede que sea momento para que Leslie & Betsie ocupen el espacio que deja libre el “electro-disgusting” con canciones igualmente mamarrachas y “trashy” como ‘Crystal’ o ‘Estrellada’, o con canciones que más que mamarrachas apuntan a un talento mucho más serio como es ‘Una mujer igual’, la canción que presenta oficialmente ‘ELLISIMA’.
En palabras de Leslie & Betsie, ‘Una mujer igual’ “trata sobre no etiquetar a nadie y el amor libre, de cómo te puede sorprender enamorarte de alguien de quien jamás imaginabas que podrías”. Sus autores se la dedican a La Veneno “por demostrarnos que hay que vivir nuestra vida sin importar lo que digan de ti”. Producida por VHS Dreams y Gryves Martell, ‘Una mujer igual’ puede que proceda de un grupo irónico, pero su robusta línea de bajo y sus elegantes sintetizadores propios de New Order o Tino Casal van muy en serio, componiendo junto a su melodía evocadora propia de OBK una canción de las que ejercerían un punto de inflexión en la carrera de cualquiera.
Parte de la redacción evalúa ‘Guerrera’, el nuevo single conjunto de C. Tangana y Dellafuente:
«‘Mala Mujer’ me parece un temazo indiscutible, pero cuando en la redacción hicimos su Veredicto, le puse un «pero» a la letra que, en comparación con la similar en temática ‘Bolsas’, era más obvia y tiraba más de esa demonización de la mujer, como decía mi compañero Sebas. Luego comprendí que ese exceso era parte de la gracia de la canción, pero, en cualquier caso, ‘Guerrera’ es todo lo contrario. No sorprende viniendo de Dellafuente (ni tampoco de Antón, al que cuando lees en entrevistas se te caen ciertas etiquetas que algunos están empeñados en colgarle), pero es que, además, ‘Guerrera’ vuelve a ser eso: un temazo indiscutible. La hipnótica voz en el trap de Dellafuente sale de ahí para combinarse con un Tangana más agudo (parece que de un momento a otro va a entrar Guille Milkyway) y un ritmo house que explota, previo gancho del madrileño, en ese estribillo casi instrumental que te obliga a darlo todo en la pista – mientras suena el tema y un golpe de sudor empapa tu frente.» Pablo N Tocino
“’Guerrera’ es un agradable número de disco-house que reutiliza un tema anterior de Dellafuente llamado ‘Me muera’. No estorba ni en el repertorio de uno ni del otro, pero tampoco añade mucho: la base es tan holgazana como el riff de guitarra, el tema del empoderamiento femenino parece algo forzado y lo mismo puede decirse de ese “lo juro, me muera” que no tiene ningún sentido como gancho principal. Casi lo más simpático es la hábil incorporación de la palabra “pedal”, tan polisémica”. Sebas E. Alonso
“Lo peor de ‘Guerrera’ es la letra: “ella, que ha nacido modelo, diva y superestrella” parece una frase de La Oreja de Van Gogh tipo “eres la reina del pop, una diva sin nombre, un montón de ilusión” pero sin ningún tipo de ironía que la avale. Lo mejor es la canción que se esconde tras frases igualmente cuestionables como “ella tiene arsenal pa’ cargarse a cualquiera” (qué presente sigue la “mala mujer” por aquí). ‘Guerrera’ y ‘Pop’ son radicalmente diferentes por temática (una empodera a la mujer, la otra… no), pero ambas presentan el lado más popero de sus respectivos autores, en el caso de C. Tangana y Dellafuente, sirviéndosa de una base puro “Ibiza house realness” que retrotrae con elegancia a las pistas de baile españolas de 2001. Por cierto, base obra principalmente de Pional, quien ya era hora oliera el “mainstream” tras la enorme promesa de canciones como ‘It’s All Over’. Jordi Bardají
Sala Apolo cerraba sus puertas el pasado 3 de octubre con motivo de la huelga general en Cataluña, lo que afectaba al concierto de Clap Your Hands Say Yeah programado para ese mismo día, que había de ser cancelado. La sala anunciaría pronto nueva fecha, que finalmente será el 13 de enero. Curiosamente, el anuncio de esta nueva fecha coincide con las enésimas elecciones autonómicas en Cataluña.
Clap Your Hands Say Yeah, que sí tocó en Valencia, Murcia y Madrid en octubre, regresará a España para presentar su nuevo disco, ‘The Tourist‘, sobre el que Alec Ounsworth nos habló recientemente en una interesante entrevista donde también compartía su opinión sobre su debut, el que mucha gente considera su mejor disco. Decía: “Si pienso en los 5 discos, pegan unos con otros, pero no pienso necesariamente que el primer disco sea el mejor. Tampoco me ha cansado y eso es importante para mí. No aburrirme mientras toco aquellas canciones, es una buena señal de que es sólido”.
Las entradas para el concierto de Clap Your Hands Say Yeah en Sala Apolo ya están disponibles a un precio de 14 euros + gastos de gestión anticipada, 18 euros taquilla y 10 euros + gastos de gestión para socios de Apolo 113.
Podéis acudir a esta página para dejar vuestro top 5 de discos y de canciones del año o, si lo preferís, enviar un mail con vuestras votaciones a jenesaispop@gmail.com. Dejaremos de contabilizar votos el sábado 23 de diciembre a las 23.59.
El ciclo de conciertos Madtown Days by Jim Bean, del que JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador, vuelve a Madrid de febrero a mayo de 2018 y ha dado a conocer las primeras confirmaciones de su cartel, que son Ñu, Sínkope, MÄBU, Aurora & the Betrayers, Lucas Colman, Papaya, Bambikina (foto) y Nora Norman.
El ciclo arranca el 17 de febrero con el concierto de Ñu en La Riviera, que incluirá una grabación con invitados como Youenn Le Berre de Gwendal, Julio Castejón de Asfalto o Tete Novoa. El ciclo transcurrirá por los directos de Sínkope el 24 de febrero en La Riviera, MÄBU el 10 de marzo en Galileo Galilei, Aurora & the Betrayers el 23 de marzo en La Riviera, Lucas Colman el 19 de abril en Joy Eslava, Papaya el 27 de abril en El Sol (con el grupo hablamos hoy con motivo de su nuevo single), Bambikina el 28 de abril en Copérnico y Nora Norman el 10 de mayo en Joy Eslava. Próximamente se anunciarán nuevas fechas para este ciclo cuyo objetivo es que “la capital sea el centro representativo de diferentes ramas musicales dirigidas a los amantes del directo”.
Cuando The Neptunes estaban en la cumbre en cuanto a producciones molonas, N.E.R.D –o sea, el tándem de productores más Shay Haley– dieron una notable campanada con sus dos primeros discos de funk rock moderno. Pero nadie les había pedido ni esperaba su regreso tras dos álbumes discretos –los típicos que aún cogen polvo en las cubetas de las tiendas de CDs de 2ª mano– como ‘Seeing Sounds’ y ‘Nothing’. Máxime cuando a Pharrell Williams, especialmente, le va muy bien como estrella del pop colaborando aquí y allá. Pero ellos parece ser que vuelven porque entienden que la actual situación socio-política de su país, Estados Unidos, necesita algo de agitación. Sí, ‘No_One Ever Really Dies’ es el disco político de Williams, Chad Hugo y Haley.
Lo que no se entiende tanto es que, por el hecho de ser un disco comprometido, que pone el acento sobre la brecha racial que sigue creciendo en EE UU, la música tenga que ser fea. Da la sensación de que el trío ha tratado de plasmar su enfado a través de sonidos y estructuras feístas, machaconas y algo agresivas, llenas de giros bruscos, que a menudo suenan inspirados en el ska y el punk. Esto funciona en varias ocasiones, especialmente en los singles ‘Lemon’ –con Rihanna, que está tocada por una varita que hace mejor cualquier cosa que toque– y ‘1000’ –con Future– y, sobre todo, ‘Don’t Don’t Do It!’ –que tras su inicio dulcemente soul, da un giro que desemboca en el fastuoso verso de Kendrick Lamar–. También es las más dóciles ‘Deep Down Body Thurst’ y ‘Voilá’, si bien la sensación es que se recrean demasiado con temas demasiado simples como para prolongarlos hasta los 4 minutos.
Sin embargo, ese equilibrio que soporta la primera parte del disco se viene del todo abajo desde ‘ESP’ en adelante. Todo parece un simulacro, un mal chiste contado con poca gracia y alargado hasta lo irritante –los casi 8 minutos de ‘Lightning Fire Magic Prayer’ son el colmo–. Tan rematadamente feo es que N.E.R.D son capaces de arruinar la presencia de nada menos que André 3000, Ed Sheeran –que sinceramente no se entiende qué pinta aquí, aparte de puro márketing– o M.I.A. y hacerlas del todo intrascendente. Salvo esa primera mitad –y no sin algún reparo: ¿a qué viene hablar en ‘1000’ de lo rico que eres en un disco sobre clasismo y racismo?–, ni lírica ni musicalmente hay por dónde coger ’No_One Ever Really Dies’. Si alguien necesita un disco de rock experimental y político hecho por artistas afroamericanos, le recomendamos que acuda a Ho99o9 y no pierda el tiempo con este. Lo agradecerá.
Calificación: 5/10 Lo mejor: ‘Lemon’, ‘Don’t Don’t Do It’, ‘1000’ Te gustará si: eres fan fatal de Pharrell, si es que tal cosa existe Escúchalo:Spotify
Pese a que su segunda temporada parece no haber convencido a todo el mundo, ‘Stranger Things’ sigue siendo uno de los productos televisivos más impactantes y exitosos de este año. Por encima de su calidad técnica y argumental, lo que parece que tiene mayor aceptación es su uso de la estética de los 80, un agudo sentido de la nostalgia que busca tocar la patata de los que crecieron cuando ‘Los Goonies’, ‘Cuenta conmigo’ o ‘Los cazafantasmas’ eran block-busters –ahora ya son clásicos del cine contemporáneo–.
En ese aspecto, ya lo hemos hablado antes, la música tiene un papel fundamental, y su sintonía es ya un icono de la televisión moderna, al nivel de la cabecera de ‘Juego de Tronos’. Los scores que Kyle Dixon y Michael Stein –del grupo S U R V I V E– han compuesto e interpretado para la serie de Netflix tienen casi tanto éxito y repercusión como el propio programa de televisión hasta el punto que sus giras se han convertido en un acontecimiento. El próximo 3 de abril actúan en la Sala BARTS de Barcelona.
Precisamente sobre ese fantástico ‘Stranger Things Theme’, cabe fantasear con cómo sería interpretado por otro enamorado de la estética de aquellos días, Kevin Parker y sus Tame Impala. Pues bien, alguien –un músico que se hace llamar Flynn Hendry– no solo ha pensado en ello sino que se ha puesto manos a la obra y lo ha hecho, con resultados fascinantes. Curiosamente, Hendry también es australiano, aunque su bio dice que reside en Adelaida, no en Perth como Parker. ¿Vendrá en realidad de El Otro Lado?
Netflix ha confirmado recientemente que ‘Stranger Things’ tendrá una tercera temporada. Y ya que hablamos de Tame Impala, es uno de los últimos confirmados en el cartel de Mad Cool 2018.
La lista de singles española sigue por supuesto coronada por Luis Fonsi y Demi Lovato con ‘Échame la culpa’, mientras Ed Sheeran tiene la subida más fuerte del puesto 13 al 3 pues ahora sí computan juntas las 2 versiones de ‘Perfect’, la que trae a Beyoncé (en España acreditada) y la que no, a diferencia de lo que sucedía la semana pasada. También hay que destacar la subida del puesto 25 al 7 de Bad Bunny con ‘Chambea’.
En cuanto a nuevas entradas, la más potente es el reggaetón ‘Bella’ de Wolfine, que aunque fue editado el pasado mes de septiembre, llega ahora a nuestro país, en concreto al puesto 78.
Más urban es ‘Cicatrices’ de Natos y Waor, directa al puesto 86.
Aunque quizá la noticia sea lo tímidas que son dos entradas en la lista, las de ‘Never Be the Same’ de Camila Cabello (puesto 91) y ‘Háblame bajito’ de Abraham Mateo junto a 50 Cent y Austin Mahone (puesto 97). La primera apenas parece un single principal del disco de Cabello teniendo en cuenta que ‘Havana’ sigue en el top 6 y su remix con Daddy Yankee sube aparte al puesto 16 (nuevo máximo). De Mateo habría cabido esperar más de esta colaboración internacional, pues ‘Loco enamorado’ sigue en el puesto 36.
SOPHIE, una de las productoras más audaces de la actualidad como miembro del colectivo PC Music y que ha trabajado para Madonna, Charli XCX o Vince Staples, ha dado un auténtico sorpresón en las últimas semanas con sus dos nuevos singles, ‘It’s Okay To Cry’ y ‘Ponyboy’. Porque, además de ser dos producciones emotivas y espectaculares, iban acompañados de vídeos en los que revelaba por primera vez su imagen. Y precisamente ahora, cuando la artista británica parece estar a punto de anunciar su segundo álbum de estudio tras ‘Product‘, se acaba de anunciar que encabezará un evento musical llamado True Equality en Madrid, que a su vez se engloba dentro de un minifestival.
True Equality, que se ha anunciado con un manifiesto cuyo lema es “Creemos en una noche en la que la creatividad nos lleve a la verdadera igualdad”, está comisariado por el club Valle Eléctrico, garantía de calidad y audacia en la selección. Junto a SOPHIE, también estarán dos dúos, el norteamericano 18+ (electropop con toques de hip-hop y R&B) y el danés Blondage (pop R&B), además de la barcelonesa Somadamantina y los DJs salute (UK) y CHICA (Madrid).
Se celebra el próximo 26 de enero en el Pabellón Satélite del Recinto Ferial de la Casa de Campo y, como decíamos, forma parte de un minifestival de 3 días –del 25 al 27 de enero– en el que también habrá acciones artísticas y otras actuaciones musicales y sesiones de artistas como Evian Christ o Aérea Negrot, clubs como Horse Meat Disco y El Cuerpo del Disco o un DJ-set de Annie, entre otros. El abono de 3 días tiene un precio de 30 euros, y las entradas de cada día, 12 euros. Encuentra toda la info en la web del evento.
Por suerte para nosotros, los que seguimos a Fernando Alfaro desde los tiempos de Surfin’ Bichos –cuya gira por el 25º aniversario del enorme ‘Hermanos carnales’ da ya sus últimos coletazos–, luego en Chucho y más tarde en solitario, su fuente creativa parece estar lejos de agotarse. Así, en un ciclo inferior a dos años desde que publicara ‘Saint-Malo’, ya nos anuncia la inminente publicación de un nuevo álbum.
Se titula ‘Sangre en los surcos’, se lanza el día 23 de febrero y será precedido del single ‘Dominó’, que podremos escuchar en la víspera de Reyes, el 5 de enero. Ha dado a conocer la noticia mostrando su portadón, una foto de fichas de dominó del revés formando un circulo imperfecto que presenta cierta reminiscencia de los trabajos de Javier Aramburu –aunque el pintor y miembro de los maravillosos Family ya apenas hace portadas musicales, solo ocasionalmente para el grupo Single–.
Conectando con la portada, Alfaro nos muestra la letra de ese primer single que rememora, en su estilo confesional, lo que suponía o supone para él este antiguo juego de mesa. De paso, recuerda a su padre, su pueblo, su perro y sus veintiséis, cuando “creía que me iba a morir de esa enfermedad que ya sabéis”. Se harán largas estas dos semanas.
Phoenix son la segunda gran confirmación de Low Festival 2018, que se celebra como siempre en Benidorm entre los días 27 y 29 de julio. JENESAISPOP es, como siempre, medio colaborador. La semana pasada se conocía el nombre de The Chemical Brothers como cabezas de cartel. Phoenix presentarán su último disco ‘Ti amo‘, en el que jugaban con el factor kitsch de nuevo y también con la estética VHS, pero por supuesto también habrá lugar, como es habitual, para los hits lanzados a lo largo de su carrera, lo que incluye los del célebre ‘Wolfgang Amadeus Phoenix’ o maravillas como ‘If I Ever Feel Better’, que aún suele aparecer de vez en cuando por su repertorio.
Los abonos para Low Festival están a la venta actualmente desde 59€, si bien el precio subirá esta noche. También están disponibles los abonos VIP (120€) y VIP Pool (160€), aunque estos últimos están a punto de agotarse. El festival celebra su 10º aniversario, por lo que se está denominando #TheBigLow.
Este año teníamos ocasión de ver en un par de ocasiones a Phoenix y esto es lo que mi compañero Raúl Guillén escribía al respecto sobre su paso por Vida Festival: «Thomas Mars y los suyos no se la jugaron y acometieron el concierto como el público medio de un festival espera: tocando sus mejores canciones. Seleccionando mayormente la crema de su nuevo lanzamiento (‘Ti amo’, que abrió el set, ‘J-Boy’, una refrescante ‘Fior di Latte’ y ‘Role Model’, que supone un inesperado subidón en el set), el resto del show se nutrió de temas tan rotundos como ‘Lasso’, ‘Entertainment’, ‘Lisztomania’, ‘1901’ (glorioso cierre, antes de que Mars echara a correr hacia el centro de la masa de gente para ser elevado en pie mientras sonaba un reprise de ‘Ti amo’) o ‘If I Ever Feel Better’. El grupo triunfó gracias a un sonido contundente y refinado a la vez, con Thomas magnético y en buena forma vocal. Ni su insistencia por incluir el bajonero interludio ‘Love Like a Sunset’ a mitad del set logró amainar la revolución anímica que provocaron en el público. Fantásticos».
La rapera Cardi B es una de las triunfadores del año en Estados Unidos. Su tema ‘Bodak Yellow’ (incluido en el puesto 89 en nuestra lista de Mejores Canciones de 2017) no solo fue la canción del verano en su país, sino que además logró el hito de alcanzar el número 1 de Billboard Hot 100 en solitario, cosa que no conseguía una rapera desde Lauryn Hill, 18 años atrás.
Ahora ostenta condición de estrella y todos quieren colaborar con ella o viceversa. La hemos escuchado recientemente en singles de G-Eazy, Quality Control o Migos (Offset, uno de los miembros de los reyes del trap, es su actual pareja), siempre en su perfil de MC cortante y contundente. Ahora también la podemos oír también cantar en ‘La modelo’, un nuevo single del portorriqueño Ozuna y, con cierta sorpresa, comprobamos que además de que no lo hace nada mal –si no es un milagro de estudio, claro–, podría tener en sus manos un nuevo éxito.
Si no lo es en el mercado yanqui, parece que lo será seguro en el hispanohablante, habida cuenta de que interpreta sus versos en buen español –la ex-stripper es neoyorquina, pero tiene raíces dominicanas–. Porque su vídeo oficial es ahora mismo el clip musical más visto de nuestro país, situado en el Top 3 de Youtube España. El clip, que se acerca a los 10 millones de visualizaciones en menos de 48 horas, nos muestra al “negrito de ojos claros” –como Ozuna se hace llamar– de manera bastante random en Jamaica.
Un poco cogido con pinzas, porque no hay un homenaje claro a los rastafaris en su música, sino un reggaetón lento bastante resultón con un clip en el que brillan unos efectos visuales bastante chulos, por encima de la media. La verdad, no esperábamos que Cardi B pudiera llegar a convertirse en una estrella también en España, pero después de ver y escuchar este ‘La modelo’, no es descabellado pensar que pueda coronar las listas de singles de Promusicae.
Papaya es nuestro top 1 semanal votada por el público con ‘¡Ay, mujer!’, su estupendo nuevo single, extraído de un 7″ publicado hace unas semanas y avance del disco que tiene programado para el año que viene. El proyecto de Yanara Espinoza nos contesta unas preguntas sobre este tema y alguna sobre el álbum que se avecina, con el que dice que vamos «a flipar» por su variedad de estilos.
Una de las gracias de partida de ‘¡Ay, mujer!’ parece que está cantada por una mujer, cuando este tipo de exclamaciones a lo ‘Chiquilla’ suele estar entonada por un hombre. ¿Lo ves parte de la gracia o crees que tendría la misma cantada por un chico?
La gracia está donde el espectador la quiera ver independientemente de que la cante un hombre o una mujer. No es una canción de amor hacia una mujer, es una canción de amor para mi madre, al menos los estribillos. Además, no creo que eso hoy en día sea relevante ni nadie se fije en eso.
«Ellas (las madres) siempre son más fuertes y se levantan después de caer mientras nosotros nos ahogamos en un vaso de agua»
El tema parece de empoderamiento femenino pero hay partes más opacas o ambiguas, sobre todo en la última estrofa. ¿Se trata algún tema más que no sea tan evidente?
No hay ningún empoderamiento femenino ni nada feminista en esta canción. Lo que sucede es que como está tan de moda pues escucháis la palabra «mujer» y ya enseguida no se os ocurre otra cosa. La mujer es mi madre y va dedicada a ella, fue mi inspiración a la hora de hacerla. Es un piropo optimista para mi madre en forma de metáfora cuando habla de lo de nacer ya que ellas siempre son más fuertes y se levantan después de caer mientras nosotros nos ahogamos en un vaso de agua. En las estrofas no hablo solo de ella, hablo de mi padre también, de cosas familiares y del sitio en el que me crié, de mi pueblo y lo que lo rodea.
La canción se presenta como un homenaje a la figura maternal, pero hay partes que parecen irónicas o por lo menos parecen divertidas, como lo de “No le fíes, dale buen garrafón”. ¿Estamos frente a una ‘Carmina’ como la de Paco León?
Claro que hay partes irónicas, no todo va a ser serio o intenso. Intentar interpretar una canción es casi imposible. En mis canciones hay una inspiración y luego mil cosas de por medio que adornan eso. Para mí lo importante no es darlo todo hecho ni evidente sino más bien expresarme, que suene bien y que le guste a la gente por algún motivo que incluso hasta ellos mismos a veces desconocen. No hay una clave ni un tema en concreto. No lo voy a dar todo mascado, para eso ya tenéis mucha música así ya en España que se encarga de esa misión. Mi madre es guapísima, blanca, rubia, de ojos verdes y pelo ondulado y rubio. Pero vamos, que soy fan de la madre de Paco. Ya podrían poner a mi madre a hacer anuncios y así ganar pasta.
«No lo voy a dar todo mascado, para eso ya tenéis mucha música así ya en España que se encarga de esa misión»
De estas 3 canciones, ¿solo ‘¡Ay, mujer!’ irá en el disco del año que viene o habrá alguna más?
Sí, solo irá ‘¡Ay, mujer!’, ya que la idea de la colección “Singularidades” era hacer algo especial y único. Por ello metimos una versión y una colaboración. No queremos repetirnos tanto. Guardamos las mejores canciones para el disco.
Hay en redacción quien de hecho prefiere ‘No sé nada del amor’ frente a ‘¡Ay, mujer!’. ¿Te lo está diciendo más gente o teníais el single claro? Por cierto, ¿habrá vídeo del tema?
En la redacción y en todos lados hay gente que prefiere una y otra que prefiere otra, de eso se trata, de poder elegir y de que no todo sea una apuesta a una misma canción. De ‘No sé nada del amor’ la melodía y el estribillo los tenía hechos desde hace mucho tiempo y por aprovecharla le dije a Alberto & García que hiciese la letra ya que la consideraba pegadiza y había que aprovecharla. En Spotify las cifras están sobre 26.780 reproducciones ‘Ay, mujer’ y ‘No sé nada del amor’ está en las 3.187. Las cifras, algo dicen, creo yo. Y sí, habrá vídeo del single el próximo año, nos lo está haciendo una gente de Barcelona. Hemos tenido que elegir entre muchas propuestas ya que teníamos muchas ofertas y todas buenas.
No he interpretado ‘No sé nada del amor’ como dúo chico/chica al uso sino más bien como una voz única. ¿Es así?
Supongo que eso sucede por la masculinidad de ambas voces y que esto no es Operación Triunfo. Alberto tiene muchos registros y supongo que de algún modo también intentó acoplarse a mi rollo y darle un rollo homogéneo y oscuro.
«En el disco musicalmente hay de todo, todo lo que me gusta: pop, country, latino, baladas, rock, rap… vais a flipar»
En cualquier caso, el disco o el resto del material que tienes, ¿sigue la línea parecida a la que encontramos en este single?
Ya sabéis que con Papaya no hay mucha línea, más bien hay circuitos entrelazados en caos de varios estilos. En el disco musicalmente hay de todo, todo lo que me gusta: pop, country, latino, baladas, rock, rap… vais a flipar. Lo que hace un hilo común es mi voz y las letras.
¿Consideras entonces que la amalgama de estilos improbables es parte de la gracia de Papaya?
Supongo que sí. Mucha gente está acostumbrada a que sus artistas favoritos hagan lo mismo y siempre les apoyan. En nuestro caso, hago lo que me sale, lo que quiero y lo que me apetece sin importarme nada, creo que me lo puedo permitir. No tengo miedo a nada y me gusta de todo. Quizás es un riesgo pero en este mundo que vivimos tan rápido y que todo nos aburre enseguida y que todo es tan predecible pues no lo considero un handicap. Alguien tiene que traer frescura ante tantas canciones y artistas predecibles y a nosotros nos encanta hacer esa tarea.
Para espanto de artistas tradicionales y alternativos, en 2001 los discos de las galas semanales de Operación Triunfo, de manera insólita, copaban la lista de ventas española. En 2017 no hemos cambiado tanto y los discos de las galas semanales han empezado a copar (o a computar) en la lista oficial de “streaming álbumes” de Promusicae, estrenada este año.
Así, la Gala 6 entra esta semana al puesto 6, la Gala 7 al puesto 7 (sic), la Gala 5 al puesto 17, la Gala 4 al puesto 34 y la Gala 3 al puesto 63. ¿Qué se interpretó en la gala 6 para que aún tenga más éxito que la 7? Los mayores hits de ese día fueron ‘La llamada’ por Roi Méndez, ya con 300.000 reproducciones en Spotify, y ‘Comiéndote a besos’ de Mireya Bravo y Ana Guerra con 250.000. Por si todo esto fuera poco, un disco recopilatorio con ‘Lo mejor de OT 2017 Parte 1’ es número 3 en ventas. Por otro lado, quienes siguen en la lista de singles son Amaia Romero y Alfred García con ‘City of Stars’, que baja ya al puesto 89 tras haber alcanzado el número 61. Fenómeno OT, a tope. Mañana se ponen a la venta, por cierto, las entradas para la gira de OT 2017 a través de Ticketmaster. Los conciertos son en marzo en Madrid y Barcelona.
Alejandro Sanz es número 1 en ventas, pero no en streaming
De vuelta en la lista española de streaming álbumes, la entrada más fuerte es el concierto ‘Más es más’ de Alejandro Sanz, que es número 1 en ventas desplazando a Pablo Alborán. Lógicamente, escuchar un álbum entero en directo no es algo apto para todos los públicos y el disco es solo número 8 en la lista de “streaming álbumes”. El show estuvo lleno de famosos como Laura Pausini.
Melendi, Taburete, Big Sean & Metro Boomin, en la lista de streaming
Mientras la subida más fuerte en streaming es la banda sonora de ‘Coco’ (del 32 al 16), entran Taburete con su reeditado debut ‘Tres tequilas y un mezcal’ (puesto 53, ronda el top 30 en ventas) y Big Sean & Metro Boomin con ‘Double or Nothing’ en el puesto 99. Melendi aparece en el puesto 82 de streaming con el disco de 69 canciones y 4 horas de duración ‘Yo me veo contigo’, que además es número 8 en ventas.
Calum y Pradera, entre las entradas en ventas
Centrándonos en ventas, aparte de los artistas citados entran Calum con ’47 Days’ (puesto 23, del sello de Gemeliers), María Dolores Pradera con ‘La colección definitiva’ (puesto 58), Tomeu Penya con ’50 cançons’ (puesto 60) y El Consorcio con ‘El Consorcio eres tú, Más de 50 grandes canciones’ (puesto 69). Además, la subida más fuerte es la de Sínkope con ‘El parque de los poetas’ pasando del puesto 96 al 27 y superando lo que era una entrada muy decepcionante en su discografía.
Anitta no se conforma con el pelotazo dado con ‘Downtown‘ junto a J Balvin y pocas semanas después ha estrenado un nuevo tema llamado ‘Vai Malandra’. Se trata de una canción que ella misma, Larissa Machado, ha escrito junto a Isaac Daniel, más conocido como MC Zaac, y Brandon Green «Maejor», y han producido Tropkillaz y DJ Yuri Martins.
El tema se ha instalado como número 1 directo de Spotify Brasil (ya es número 18 en el global), por no hablar de Youtube, donde suma 24 millones de visitas en un día, cifras al alcance de Taylor Swift y poco más. ¿Los ingredientes? Una inspiración en el llamado funk picante de Sao Paolo y su adecuación también a los parámetros estéticos de Major Lazer, siempre metido en el ajo del debate del apropiacionismo, o la Nicki Minaj de ‘Anaconda’. El callejero vídeo, brevísimo y por tanto pensado para ver en bucle, va bien cargado de nalgas, marcas de bikinis y twerking como si esto fuera 2013. Aparecen personalidades locales como Goan Fragoso, icono de la androginia, la despampanante Jojo Toddynho y los modelos Elthon Charles y Pietro Baltazar. El set de rodaje tuvo lugar el pasado verano, pero parece que Anitta decidió retrasarlo porque el director es nada menos que Terry Richardson, en el peor momento de popularidad de su carrera tras haber sido acusado de acoso y despedido de varias revistas.
No es difícil imaginar que esto sea el nuevo hit global martilleante a lo ‘Mi gente’. Anitta es cada vez más popular incluso fuera del área latina y de hecho las listas internacionales están cada vez más preparadas para un tema como este y menos para su compañera reciente de single Iggy Azalea.
Han sido noticia, además, la celulitis exhibida con orgullo en el vídeo o la opinión de Anitta contra el proyecto de ley que en Brasil busca criminalizar el funk por su contenido soez y «podrido», que se referencia en la matrícula de la portada del single (#ANT1256). La respuesta de Anitta es que ella es dueña de su cuerpo y sus acciones.
Entre los momentos icónicos, nada como el biquini de cinta aislante, un símbolo, como ha contado su «creadora» Erika Bronze durante una entrevista: «Tomar el sol en la terraza es algo típico para las mujeres del extrarradio, que viven muy lejos de las playas. Usar el bikini de cinta aislante es un clásico. Todas las mujeres suburbanas lo han hecho alguna vez. Yo de pequeña no tenía dinero para comprarme un traje de baño. Entonces cogía a escondidas el rollo de cinta aislante de mi padre y me hacía el mío a medida», indica, añadiendo que «Anitta quiso mostrar en ‘Vai Malandra’ esta parte de la cultura suburbana de Río», por lo que la llamó para que le hiciese personalmente su biquini.
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Según contaba ella misma en su perfil de Instagram a través de una serie de fotos y un pequeño clip extraídos del rodaje, Katy Perry estrenaría este 20 de diciembre el videoclip de ‘Hey Hey Hey’. Se confirma así que este tema, y no ‘Roulette’, es el elegido como cuarto single de ‘Witness’. El vídeo, como se había filtrado semanas atrás, está ambientado en la estética versallesca de la época de Maria Antonieta, con maquillajes y vestuarios recargados y voluminosos, aunque en una imagen, la que confirma que el vídeo existe, la vemos como una suerte de Juana de Arco multicolor, con el ojo que ocupa buena parte de la iconografía de su cuarto álbum.
El breve clip de avance mostraba también que todo esto se combina con estética VHS, en un guiño-homenaje-copia descarada al tratamiento visual de esta figura de la aristocracia francesa que dio la directora Sofia Coppola en su película ‘Maria Antonieta’. También se incluye algo de humor, frecuente en los clips de Katy.
El vídeo se inspira en la corte de Luis XVI, pero en realidad esconde un trasfondo de empoderamiento femenino. Katy es una aristócrata –una Maria Antonieta– que padece la opresión de ser una dama bella y refinada, dentro de los cánones, que debe esforzarse por gustar a hombres que le repugnan –Príncipe Cerdito– pero sueña con ser una mujer liberada de esos yugos y luchadora –Juana de Arco–. La historia, de la que no revelaremos su final, está repleta de toques cómicos, al estilo de ‘Last Friday Night’ o ‘Swish Swish’: la camiseta-pijama de Mozart con la tipografía de Metallica, las apps de sus avanzados smartphones o la parodia de una conocida cadena de cafeterías son algunos de ellos.
‘Hey Hey Hey’ sucede a ‘Swish Swish’, ‘Bon Appétit’ y Chained To The Rhythm’ en los esfuerzos de Perry por promocionar este disco que no ha funcionado comercialmente a la altura de lo esperado, siendo uno de los flops del año. La crítica, pese a contar con firmas del prestigio de Hot Chip o Purity Ring, tampoco le ha sonreído en general y los Grammy lo ignoraban por completo en sus nominaciones. Aunque también ha habido algunos medios, como NME, Entertainment Weekly o nosotros mismos, que le han procurado reseñas muy positivas. A muchos les sorprendía ver ‘Witness’ en nuestra lista de los Mejores 50 discos de 2017. DrownedinSound, que puntuaba el disco con un 5/10, ha terminado incluyéndolo en su top 50 de 2017.
La sorpresa de la temporada me la ha dado valenciana Raquel Adalid con su proyecto Chlöe’s Clue. Tras su debut ‘Hidden Rhythms’ (2014), que tuvo cierto impacto apareciendo en campañas publicitarias, llega ahora el luminoso ‘Panorama’. Grabado en los estudios Rio Bravo de Valencia, muestra un accesible indie folk deliciosamente ejecutado, versátil y apetecible. ‘The Desk of Despair’ -puede que uno de los temas más retro del disco- es una muy buena muestra del brillo que desprende Chlöe’s Clue y explica por qué me tiene loca enamorá. Otra maravilla nos trae el dúo de Denver, Tennis, que hace apenas unos meses publicaban ‘Yours Conditionally’ y nos sorprenden ahora con el EP ‘We Can Die Happy’. Los cinco temas que lo componen nos recuerdan que sí es posible hacer canciones sofisticadas con melodías clásicas. Con canciones como ‘I Miss that Feeling’ Tennis aportan una letra elaborada y una interesante reflexión sobre la ansiedad y la nostalgia.
Nat Simons vuelve con su precioso pop-folk. La madrileña ya ha publicado tres singles adelanto de su nuevo álbum, ‘Lights’, que llegará seguramente en febrero de 2018 y ha sido producido por Gary Louris, líder de los Jayhawks. ‘Endless Summer Road’ es, de los tres sencillos, el más country aunque equiparable en calidad a ‘Happiness’ o el recién estrenado ‘Learning to Fly’. Es posible que el nuevo álbum de la madrileña sea el salto definitivo que algunos hemos deseado desde hace años. Y desde Suecia llega Sumie Sagano, conocida artísticamente como Sumie a secas, que ha publicado recientemente su segundo álbum, ‘Lost in Light’, un disco intimista, un canto la tristeza que se alza entre las sombras que recuerda en muchos matices al primer disco de la austriaca Tanja Frinta (Lonely Drifter Karen).
Entre los estrenos en castellano este mes no he dejado de escuchar el primer adelanto del nuevo disco de Maria Rodés, ‘Eclíptica’, que se publicará a principios de 2018. ‘Fui a buscar el sol’ relata una historia de amor imposible a través de la metafórica relación entre la luna y el sol, la luz y la sombra en un pop de raíces tradicionales que no hace sino reafirmar a esta artista que destaca por cada ángulo desde la que se la observe. Wild Honey presentaron el single de ‘Acantilado’, incluido en su álbum ‘Torres Blancas’. Su cara B, ‘Sueños premonitorios’, no abandona las escenas costumbristas ni ese toque esotérico que han caracterizado a su último largo. Una nueva pieza de soft pop de arreglos refinados pero finalmente adictiva como un mantra hindú.
Templeton publicaron hace unas semanas su nuevo disco ‘Una mar enorme’ y no solo no defraudan sino que se superan entre la psicodelia y los arreglos vocales del pop de toda la vida. Me he quedado con ‘Me has dejado de gustar’ por esa descripción tan espeluznantemente clara de cómo se suceden los acontecimientos en muchas relaciones comidas por el aburrimiento, la costumbre o ese drama-por-el-drama. Las voces, a medio camino entre Los Ángeles y, como dijo por aquí Sebas E. Alonso, un poquito de Perales, le otorgan un plus que hacen de este tema uno de mis imprescindibles de la temporada. Y de discusiones de pareja nos vamos al sabio dicho que advierte de que “segundas partes nunca fueron buenas” en el ‘Van Damme’ de The Lawyers. Y no es que ‘Los años luz’, el segundo álbum que publican, no sea bueno como “segunda parte” -se deja oír enterito con un muchísimo gusto- sino que el tema en cuestión desmonta las razones por las que alguien pueda haberse imaginado volver a una relación ya rota. Melodía atemporal y aroma a esas bandas indies de finales de los 90 que hacen que valga la pena darle una oportunidad a este disco.
Giorgio Bassmatti vuelve con ‘Trencadís’, un EP variado y luminoso, grabado en casa y abarcando un abanico estilos tan diversos que ¡parece imposible haberlos repartido todos en tan solo seis canciones! ‘Que no se te olvide’, la canción más íntima -y para mí la más emocionante- de este mini disco cuenta con unos muy acertados coros de Arrate García que dan cuerpo a una letra directa sobre una instrumentación sencilla pero perfecta, como su letra. Porque es muy necesario tener a alguien cerca que te recuerde que el sol va a seguir brillando pase lo que pase y que te levante cuando tú sola no puedes y necesitas una guitarra, un piano y una voz amiga que te recuerda “que no hay más dolor / que perderte de vista”. Ay…
Desde Sudáfrica viene el músico y actor Johnny Flynn, que este año publicó su sexto álbum de estudio, ‘Sillion’. El prolífico artista presenta nuevamente un indie folk atemporal con letras que encierran vivencias cotidianas envueltas de poesía de la que no estorba, como ocurre en ‘Wandering Aengus’. También muy recomendable es el último trabajo de Jordan Klassen, ‘Big Intruder. El canadiense se mueve entre melodías folk de décadas pretéritas y un mundo cercano al de Sufjan Stevens, por citar alguna influencia directa, que seguro llama la atención de los seguidores del de Detroit.
Los catalano-chilenos The Zephyr Bones me han conquistado con su debut ‘Secret Place’. El «beach wave» –nombre que ellos mismos dan al estilo que cultivan– acaba de alguna manera adhiriéndose a la piel y a los sentidos. Entre los grandes temas del álbum, ‘Hurricanes’ se ha quedado para siempre a vivir conmigo y os lo tenía que contar. No podía dejarme fuera mi pequeña dosis de ese pop francés que tanto me toca. ‘Passade digitale’ es la canción que da nombre al EP de la parisina Marie-Flore que actualmente continúa su gira por Francia. Cuatro temas deliciosos que recomiendo encarecidamente que pueden recordar al Kavinsky de la banda sonora de ‘Drive’ y al dream pop de Beach House.
El fantástico EP de Papaya, ‘¡Ay, mujer!’, además del tema homónimo y una estupenda versión de ‘La bambola’, nos deja la especial ‘No sé nada del amor’, una trepidante cumbia que define el lado oscuro y misterioso del amor y que no hace sino que esperemos con más ganas el nuevo largo de la banda que llegará ya en 2018.
Para terminar os hablo de dos de mis últimas obsesiones. No sé qué me dio con el temazo bicicletero de BC Unidos con Shungudzo pero me tiré dos días enteros sin quitar el repeat de este ‘Bicycle’. Resulta que el EP del dúo no está nada mal y ha sido otro motivo de alegría en las pasadas semanas. Como también lo ha sido ‘Stay Free’ de The Sound of Arrows que título al esperado álbum. La pieza elegida para esta lista, aunque hable de la llegada del verano y estemos en Europa con el invierno a las puertas, imaginemos que estamos en Nueva Zelanda o en el Caribe. ¡Bailemos! ¡Liberémonos!
Tracklist:
‘The Desk of Despair’ – Chlöe’s Clue
‘I Miss that Feeling’ – Tennis
‘Endless Summer Road’ – Nat Simons
‘Fortune’ – Sumie
‘Fui a buscar el sol’ – Maria Rodés
‘Sueños premonitorios’ – Wild Honey
‘Me has dejado de gustar’ – Templeton
‘Van Damme’ – The Lawyers
‘Que no se te olvide’ – Giorgio Bassmatti
‘Wandering Aengus’ – Johnny Flynn
‘Housefly’ – Jordan Klassen
‘Hurricanes’ – The Zephyr Bones
‘Passade digitale’ – Marie-Flore
‘No sé nada del amor’ – Papaya
‘Bicycle’ – BC Unidos, Shungudzo
‘Stay Free’ – The Sound of Arrows
Al final los rumores no iban mal desencaminados: Lady Gaga acaba de firmar un contrato de dos años con el Park Theater de Las Vegas, donde hará una residencia de conciertos que arrancará a finales de 2018. Y con la noticia, como era de esperar, ya han saltado los típicos comentarios que la tachan de “vendida” y “acabada” por involucrarse en el asunto. Pero pensando fríamente, ¿hace bien ella en aventurarse en este nuevo proyecto?
Partiendo de lo estrictamente económico, obviamente, sí. Según informaciones de Las Vegas Review-Journal la diva se llevará al bolsillo 400.000 dólares por concierto, y teniendo en cuenta que por el momento ya hay 36 fechas confirmadas las cuentas hablan por sí solas. Por lo pronto Gaga ya tiene garantizados más de 14 millones de dólares con esta primera tanda de conciertos. Y la cifra se inflará lo más seguro tan pronto estas entradas vuelen cuando se pongan a la venta y haya que añadir otras tantas fechas.
La recaudación de un show en Las Vegas, indiscutiblemente, es enorme. Sin ir más lejos, Céline Dion en su primera residencia entre 2003 y 2007, ‘A New Day…’, recaudó 385 millones de dólares en total (sigue siendo la residencia de mayor recaudación en la ciudad del pecado); Elton John con su ‘The Red Piano’ generó entre 2004 y 2009 169 millones de dólares, y Britney Spears entre 2013 y 2017 con su ‘Piece of Me’ recaudaba hasta 132,5 millones de dólares. El negocio está más que asegurado y compensa muchísimo como alternativa a un tour mundial al uso, con el desgaste físico y mental que ello conlleva.
Teniendo presente que en este 2017 el exitoso ‘Joanne Tour’ ha estado algo gafado por sus problemas de salud, imaginamos que la residencia en Las Vegas le facilita mucho el estar a pleno rendimiento porque de esta forma se evita vivir constantemente en un aeropuerto y así puede centralizarlo todo en un único lugar. Por mucho que ella maquille estos futuros conciertos como un sueño hecho realidad, lo más probable es que se haya decantado por este formato porque tanto a ella como a su equipo, más allá de abaratar gastos, les facilita el poder reaccionar en caso de que puntualmente vuelva a sentir fuertes dolores. Nunca es del agrado de nadie tener que aplazar y/o reorganizar una gira mundial por los millones que se pierden. Y si no que se lo digan ahora mismo a Shakira, cuyo tramo europeo se tuvo que cancelar en el último momento por sus problemas en las cuerdas vocales y, de momento, se desconoce cómo se va a reprogramar.
Más allá del dinero, este futuro show en Las Vegas le puede servir a Lady Gaga para reafirmar lo que desde hace unos años es ya palpable: sus ganas de escapar del público que le dio la fama en 2008 y conquistar a un target de público más adulto y familiar, el que al fin y al cabo sacará la tarjeta de crédito para verla aprovechando una escapada en la ciudad de los casinos. La estratagema ya arrancó aliándose con Tony Bennett en 2014, siguió con su homenaje a ‘Sonrisas y Lágrimas’ en los Oscar, su aplaudida actuación en la misma gala después con ‘Til It Happens to You’, la publicación el pasado año de un álbum como ‘Joanne’ en el que rebajaba drásticamente sus dosis de mamarracherío y el éxito del medio tiempo de la Super Bowl, en el que hermanó a la perfección a la antigua con la última Gaga. Aparcando la excentricidad puede haber perdido a algún seguidor, pero no hay que olvidar que este año dio el campanazo con una canción tan inofensiva e intensita de manual como ‘Million Reasons’, que le ha abierto las puertas de par en par a una audiencia que, anteriormente, no le prestaba la atención que se merecía. A ellos, especialmente, va destinada esta residencia.
Sin noticias de nuevo disco a la vista, este 2018 su estrategia sigue viento en popa porque en septiembre podremos verla en la gran pantalla protagonizando el remake de ‘Ha Nacido una Estrella’ junto a Bradley Cooper, por lo que sus conciertos en Las Vegas bien podrían servir para presentar en vivo su banda sonora y recuperar al piano, ya de paso, parte de su repertorio más laureado. Actuar en un teatro con capacidad para 5.300 espectadores, sin duda, se presta a ello (está por verse cuál será el setlist finalmente). Y el precio de las entradas, por eso mismamente, dudamos que acabe bajando de las tres cifras.
Ahí está Bruce Springsteen por ejemplo, quien en vez de por Las Vegas se ha decantado por un pequeño teatro de Broadway con capacidad para 975 personas para ofrecer un show mucho más íntimo con entradas a precio de oro (las hay por 75 dólares, pero también por 850) que le permiten recaudar una salvajada por noche. Gaga de tonta no tiene ni un pelo. “Vendida” quizás, pero “acabada” va a ser que no.
Madmua Records es un modesto sello dedicado a recuperar en vinilo antiguas grabaciones perdidas de grupos poco conocidos de los 60 y 70, como Juan Muro, Los Brujos o Célula. En paralelo a esa actividad, Discos Madmua publica 7” muy especiales de grupos actuales. Su primera referencia fue un single de Maronda –cuyo último álbum ‘Patrones de fuerza’ reseñábamos precisamente esta semana– que reunía tres joyas de su repertorio; y la segunda es el single que hoy nos ocupa.
Se trata de ‘Normandía y Algora’, que no es otra cosa que una canción de homenaje a Sergio Algora, el carismático músico y poeta tras bandas como El Niño Gusano o La Costa Brava, banda que compartió con Francisco Nixon. Y precisamente él es el autor e intérprete del tema, que narra con extrema ternura cómo se conocieron, cómo formaron aquel estupendo grupo y los días que lo sucedieron, hasta la triste muerte de Sergio, mencionando cómo abrió el popular Bar Bacharach en su ciudad, Zaragoza, o también la reciente noticia de que un jardín de la capital aragonesa lleva ya su nombre, en memoria.
Los arreglos de saxo y coros están en perfecta sintonía con el maravilloso disco que el líder de Australian Blonde publicó hace un par de años, ‘Lo malo que nos pasa’. Curiosamente, este no es el único homenaje de Fran hacia su amigo, puesto que ‘Capitán Negrito’, incluida en ese disco, también se dirigía a Algora. Gracias a él y a sus propias canciones, 9 años después de esta terrible pérdida pocos olvidan su genio.
Un precioso medio tiempo que en el 7” se acompaña de una demo acústica del tema y de ‘Todas las mujeres paren desconocidos‘, un poema recitado por el propio Sergio. La cuidada edición incluye una portada exclusiva realizada por Óscar Sanmartín, que fue responsable del maravilloso mundo gráfico de El Niño Gusano, además de cuatro postales con fotografías de Sergio y Fran. Aún quedan algunas copias de las 450 editadas, y puedes adquirir la tuya escribiendo a info@madmuarecords.com.
Liam y Noel Gallagher han tenido un buen fin de 2017. Los hermanos han lanzadosus respectivos nuevos discos, ambos han sido número uno en Reino Unido y a ambos también les esperan giras mundiales para presentarlo en 2018 (y las dos pasan por España). Por separado, a ambos les va genial laboralmente. Como hermanos, siguen llevándose fatal… ¿o ya no?
En las últimas horas, Liam ha acudido a Twitter para dejar un mensaje felicitando la Navidad al “equipo NG”. Liam continúa el tuit expresando que 2017 “ha sido un gran año” y que tiene “ganas” de ver a “NG” y a su equipo “mañana”. Extrañado, un fan contesta a Liam: “¿equipo qué? Liam, no vendrás a Twitter a llorar cuando NG finalmente no te contacte en Navidad, ¿verdad?”, a lo que Liam replica que “NG” “ya se ha puesto en contacto” con él, y que ambos “vuelven a llevarse bien”.
Varios fans de Liam no tardan en indicar que “NG” se refiere al locutor Nick Grimshaw, con quien Liam se habría entrevistado durante el día de hoy, 20 de diciembre. Sin embargo es difícil no entrever en estos tuits de Liam la insinuación de que se ha reconciliado con su hermano, debido a que no existe historia de enemistad alguna entre Liam Gallagher y Nick Grimshaw, pero sí entre ambos hermanos. Lo más probable, sin embargo, es que Liam esté troleando al personal.
I wanna say Happy Xmas to team NG it's been a great year thanks for everything looking forward to seeing you tmorrow AS YOU WERE LG x
RTVE confirmaba hace unas semanas que el representante de España en Eurovisión -en su próximo paso por Lisboa- saldría del panel de concursantes de Operación Triunfo.
De Operación Triunfo salieron en su momento tres representantes de Eurovisión como fueron Rosa, Beth y Ramón, y así será de nuevo en 2018. RTVE confirma que los cinco finalistas de Operación Triunfo competirán en una gala especial por acudir a Lisboa, lo que significa lógicamente que el ganador o ganadora de Operación Triunfo no será automáticamente la persona elegida para ir a Eurovisión, aunque sí puede darse el caso, como sucedió con Rosa. Los cinco finalistas cantarán composiciones originales, compuestas específicamente para ellos “por prestigiosos autores”, informa Vertele.
RTVE repite por tanto el mismo sistema de sus anteriores ediciones cuando el formato se emitía en Televisión Española en lugar de Telecinco. Por ejemplo, aunque casi nadie se acuerde, en 2003 Beth, Ainhoa Cantalapiedra y Manuel Carrasco -los tres finalistas de la segunda edición de OT- compitieron en una preselección para ir a Eurovisión. Al final fue Beth con ‘Dime’.
Posteriormente otros triunfitos como Soraya y Edurne participaron en Eurovisión, si bien lo harían años después de su paso por la Academia.
¿Quién se llevará el gato al agua? De momento el posible aspirante a Eurovisión en Operación Triunfo parece encontrarse entre las cuatro A: Amaia, Aitana, Alfred y Ana Guerra… ¿y también Cepeda?
Por cierto, hoy miércoles se han puesto a la venta las entradas para Eurovisión y ha sido un drama de colas virtuales interminables. Los tuits hablan por sí mismos:
Tres años de cola para Eurovisión en Lisboa y que luego os cante Cepeda
I've done the math… I'm 7500 in the queue, its currently at 7055 and it has been 1 hour and 15 mins. At this rate I have to wait approx 17.5 hours till my turn in the queue. HAHAHAHAHAHA 😐 #eurovision@Eurovision#ticketspic.twitter.com/bkB8vr7PNd
Tras un año marcado por la insospechada pujanza de lo latino en el mercado anglosajón, esa revolución de artistas hispanohablantes podría extenderse a otros ámbitos musicales no necesariamente mainstream. Por ejemplo, al dream pop o el “soul psicodélico”, que es como los propios The Marías autodefinen su música.
Aunque ahora funcionan como quinteto, el grupo lo formaron el compositor y productor Josh Conway y María –no consta su apellido–, una chica de origen portorriqueño criada en Atlanta cuyas personalidad y dulce voz marcan la diferencia. Juntos realizan una sensual mezcla de elementos como el jazz, el soul y el soft pop que evoca a The Cardigans, los primeros Phoenix o Lana del Rey, con algunos toques de psicodelia contemporánea a lo Tame Impala. Una cálida nube, matizada con elegantes ambientes, que condensa en canciones tan seductoras como ‘I Don’t Know You’, ‘Déjate llevar’ –coronados con videoclips de preciosa factura– o ‘Basta ya’.
Sí, María parece que no tiene el más mínimo problema en componer sus textos en español, abriendo un nuevo abanico de posibilidades comerciales que podrían acercar a The Marías al mercado Hispanoamericano de dentro y fuera de los EE UU e incluso a nuestro propio país. El grupo radicado en Los Ángeles acaba de autoeditar su Ep de debut, ‘Superclean Vol. I’ y ya preparan su continuación, ‘Superclean Vol. II’. Con algo de fortuna, no nos sorprendería lo más mínimo que puedan dar un salto a un sello potente en breve.