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Joana Serrat / Dripping Springs

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La travesía artística de Joana Serrat dice mucho de quién es. Tras obtener el reconocimiento que merecía a la cuarta, con un ‘Dear Great Canyon’ lanzado por El Segell del Primavera Sound en 2014, y refrendado por un sensacional ‘Cross the Verge’, publicado también por la firma británica especializada en americana Loose Music, la cantautora de Vic ha fundado el sello Great Canyon Records –desde el que ya ha lanzado, entre otros, a Marta Delmont, Murdoc o Matthew McDaid– para emprender su propio camino. Y así, sobre ese doble soporte discográfico (particular e internacional), ha puesto en el mercado ‘Dripping Springs’, su sexto trabajo: el cuarto en cinco años. Un álbum lleno de nostalgia que funde, en el crisol del americana, todo el folk, el pop, el dreampop y la narrativa lírica de carretera que la catalana lleva en sus alforjas.

Resulta especialmente meritorio que en un disco en el que han participado tantas diversas personalidades musicales –Israel Nash como productor, los hermanos Joey y Aaron McClellan, Eric Swansony, Josh Fleischmann, Dave Simonett (líder de Trampled By Turtles), Dennis Love (pedal steel guitar en Futurebirds) y el ingeniero Ted Young (ganador de un Grammy con The Rolling Stones) en la grabación y posterior mezcla–, registrado en el rancho-estudio del primero en Tejas (en la ciudad que le da título), se imponga tan claramente la horma de Serrat. Su universo melódico y su voz de cristal fino lo dirigen todo, dibujando en cada tema acuarelas de naturalezas y paisajes vivos, de cromatismo cambiante y con un grado de ensoñación siempre bastante elevado. Como si todo fuera un poco parte de un sueño bucólico perdido en algún punto de la América rural.

Aunque esa sensación va ganando peso a lo largo del disco, ‘Dripping Springs’ arranca fibroso y nítido con el discurso nostálgico, frío y solitario de ‘Western Cold Wind’, una pieza de country-pop apesadumbrada que se va envolviendo majestuosamente en intensidad; con el trote aligerado y resignado de ‘Lost Battles’ –“I was losing my own battles / You were one of them / (…) Now that it’s all over I see / I could only win by your side”–; y con el positivismo autoimpuesto de ‘Trapped In The Fog’, canción que describe a la perfección la trampa que es saber, desde lo más profundo de tu foro interno, que no quieres ni puedes olvidar. La forma en la que canta “You knew / How much I wanted to be with you” es preciosa y desgarradora.

Es a partir de entonces cuando crece la niebla. Desde el inicio minimalista de ‘Unnamed’, que emerge desde cierto maldito infierno de soledad para convertirse en sueño volátil, hasta el cierre plenamente onírico y mecido de ‘Keep On Falling’ –que acaba por todo lo alto–, el sol parece que desaparece tras la bruma, pero apenas lo echamos de menos. Aceptamos la tristeza. ‘Farewell’, corte country-chill lo-fi, funciona junto a la intensa ‘Shadows of Time’ como perfecto epicentro de un disco que va, precisamente, sobre las despedidas; ‘Candles’ como ese fondo de desesperanza tan necesario para realzar el vuelo –“Cause outside / The land is dark / And there’ll be no candles / To hold a light”–; y ‘The Garden’ como la flotación inerte de quien ya no siente nada.

No obstante, quedan rayos de esperanza y optimismo entre las líneas maestras del final de ‘Dripping Springs’. ‘Come Closer’ rebate el momento abatimiento de ‘Candles’ con una preciosa y energética descripción de lo que ha de ser un nuevo amor: lento, seguro y curativo. Y ‘Walk in Sin’, ya sin la pesada carga del amor ciego, pone a los pecadores y las víctimas cada una en su correcto lugar.

Con este son ya demasiados aciertos de la vigitana como para que pase desapercibida. Su travesía es la de la independencia, la de la comunión entre músicos, la de la búsqueda de algo genuino; algo que no suele encontrarse en el camino del mainstream. Pero manteniendo el nivel de sus dos predecesores, ‘Dripping Springs’ debería situar a Joana Serrat como referencia indiscutible del estilo americana en nuestro país.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: La carga nostálgica de ‘Western Cold Wind’, ‘Unnamed’, ‘Candles’ y ‘Keep On Falling’, y el chute energético y moral de ‘Come Closer’
Te gustará si te gustan: los clásicos del country y el folk-rock, y el «sonido» de los rayos de sol filtrándose entre la niebla en el campo
Escúchalo: Spotify

Fangoria / Pianíssimo

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Aunque la gracia de ir a un concierto de Fangoria en 2017 es disfrutar de cómo ‘Dramas y comedias’, ‘Fiesta en el infierno’ y ‘Geometría polisentimental’ unen a distintas generaciones y tipos de público, es de agradecer que de vez en cuando satisfagan a las pesadas que no nos cansamos de repetir que los Vulcano y la «Temporada en el infierno» molaban. Era el caso de los conciertos ‘Pianíssimo’ con Martin Watkins ahora recogidos en una edición limitada que llega al mercado antes de Navidad. En este formato la voz de Alaska, y digan lo que digan (que si no tiene voz, que si Spunky se la come), no suena nada mal, dando toda una lección a Madonna de cómo editar un disco en vivo posiblemente manipulado o editado (o no) sin que suene a rayos. Después de una innecesaria ‘Intro’ que te hace preguntarte si te has dejado el modo «bucle» puesto por equivocación, es una gozada reencontrarse con canciones tan magnéticas y misteriosas como ‘Cebras’ y tan edificantes como ‘Voy a perder el miedo’. Tanto esta como ‘Miro la vida pasar’ y ‘Dios odia a los cobardes’ triunfarían en cualquier versión, incluida la que se presenta a piano, si bien ‘Sálvame’ suena algo más arisca y ‘La pequeña edad de hielo’ queda a punto de estropearse con ese amago de guitarra pelín acelerada que emerge sutil de vez en cuando. Es más feliz el reencuentro con ‘Un astronauta solo, flotando’, mientras la reciente ‘Disco Sally’ es claramente la más coreada. Aunque si se trataba de mejorar originales, y como no han querido incluir el bis de ‘Llegando hasta el final’, la gran ganadora es ‘Lo tuyo no es normal’: su versión minimal resalta la gran letra de la micropoetisa Ajo y uno solo piensa en pedir a los del Tony 2 que acepten la incorporación a su repertorio.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Voy a perder el miedo’, ‘Miro la vida pasar’, ‘Lo tuyo no es normal’, ‘Dios odia a los cobardes’
Te gustará si te gustan: las melodías de Fangoria
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La mayoría de australianos dice “sí” al matrimonio gay: los artistas celebran

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Australia ha dado un importante paso adelante hacia la legalización del matrimonio homosexual. En una consulta postal no obligatoria realizada durante el martes, la mayoría de australianos (un 79,5% del censo electoral) se ha querido pronunciar a favor o en contra de esta ley, ganando el “sí” con bastante diferencia frente al no, un 61,6%, frente a un 38,4%.

El voto no era vinculante, pero el primer ministro australiano, el liberal conservador Malcolm Turnbull, se ha comprometido a acatar los resultados y trasladarlos al Parlamento con la intención de que se debata y probablemente se acuerde un cambio a la antigua Ley de Matrimonio de 1961, vigente en la actualidad y que fue enmendada en 2004 para reforzar la unión tradicional entre hombre y mujer. Turnbull espera poder renovar la ley antes de Navidad.

Varios artistas han celebrado la noticia en las redes sociales, por ejemplo los australianos Kylie Minogue y Troye Sivan, además de Elton John, Kelly Clarkson, Ellie Goulding, Dua Lipa o Mark Owen de Take That. “Australia, lo estás haciendo muy bien”, ha tuiteado Zara Larsson. Esperamos que para las fiestas navideñas, Australia se convierta en el país número 25 que permite el matrimonio homosexual.

El físico importa: Andy Butler se desnuda en el libreto de ‘Omnion’

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La gira de Hercules and Love Affair llega hoy a nuestro país, momento que aprovechamos para recuperar nuestra pequeña sección para comentar las mejores y peores ediciones «físicas», o simplemente las más curiosas. Entre estas últimas hay que destacar la de ‘Omnion‘, el interesante último disco del proyecto de Andy Butler, que incluye algunas de las cimas creativas de la carrera de la banda, como es el caso del corte titular con Sharon Van Etten, ‘Controller’ con Faris Badwan de The Horrors, ‘Running’ o ‘Fools Wear Crowns’, interpretada por el propio Andy justo a la mitad.

El libreto del CD no trae las letras pese al carácter introspectivo y espiritual del álbum. Sin embargo, los créditos nos dejan alguna anécdota, como lo importante que ha sido Bélgica en la grabación del disco, pues muchos temas han sido grabados en Gante y Amberes (además de en París, Nueva York, Londres, Beirut…) y sobre todo el modo en que Butler se desnuda en la larga dedicatoria, que ocupa una página completa. En primer lugar hay palabras para su marido («Frank and the krankies, Bobje y Tsammie»), pero también para sus compañeros. Quien crea que Gustaph y Rouge Mary son carne de directo, quedándose la parte fea del álbum, se equivocaba. Los considera «verdaderos amigos, brillantes estrellas en [su] historia». «Os quiero a los dos», indica.

Ya el inicio de la dedicatoria es épica («gracias al universo por permitirme el privilegio de sobrevivir tanto tiempo»), pero la larga lista, entre músicos y colaboradores es especialmente emocionante cuando agradece a su «familia biológica», dando a entender que sus pareja y amigos son también su «familia». Imposible no vincularlo con la cultura queer y la cultura disco, donde hemos visto tantísimos clásicos sobre «brothers» and «sisters», como la mismísima ‘We Are Family’ de Sister Sledge. Y no falta ANOHNI, quien puede que ya no cante para Hercules, pero recibe una de las frases más largas gracias a que ha «dicho las cosas que había que decir» y «llevado» a Andy a «compartir su verdad».

En último lugar, Andy también ha decidido desnudarse y enseñar tres cuartos de culo en una foto promocional. Ya se había desnudado más o menos para la revista Butt o Loverboy Magazine, pero aquí nos obsequia también con una suerte de arnés/camiseta transparente rollo S&M modelo Señor Potato. Podéis ver la versión censurada en Instagram.

Hercules and Love Affair tocan en directo los días 15 y 16 de noviembre, en Madrid y Barcelona respectivamente. Compra tu entrada en Ticketea. Os dejamos con su último vídeo, ‘Rejoice’.

Muy bien el libreto del cd de @herculesandloveaffair desde hoy de gira por Madrid y Barcelona. Foto de @pierredebusschere

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Digno de Expediente X: la frescura de Spoon se acrecienta mientras su público mengua

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Solidez, fiabilidad, carisma. Podría ser el slogan de un anuncio de Audi o BMW, las prestaciones de un coche alemán, pero no: es la definición perfecta de un concierto de Spoon. La banda tejana, superada ya la época en la que podíamos hablar de simple y llana madurez, está viviendo una segunda juventud sin haber evidenciado en ningún momento atisbo alguno de caducidad; y conciertos como el de anoche en Barcelona son la mejor prueba de todo ello. ¿La clave? En opinión de quien firma estas líneas, el poco miedo al cambio que han demostrado Britt Daniel y Jim Eno –únicos fundadores supervivientes– a lo largo de estos casi 25 años. Más que estilístico, el periplo evolutivo de Spoon les ha llevado a mudarse de sello hasta en cinco ocasiones para acabar volviendo a Matador, su primer valedor, y da la sensación de que cada cambio les ha quitado años de encima, reverdeciendo a cada entrega su fórmula indie-rock.

En una actuación que rozó las dos horas de duración, Daniel fue el auténtico dueño y señor de la sala Apolo. Guió a la banda como si fuera su director, mostró verdadera habilidad con la guitarra, se paseó e interactuó con sus compañeros y con un público al que no paró de aludir, dominó la escena y el tempo, e interpretó un setlist plagado de hits sin dependencia alguna con respecto a ‘Hot Thoughts’, su último y notable trabajo. A sus 46 años, su frescura es la del grupo entero. En realidad ni siquiera ha necesitado reinventarse nunca: solo con cambiar de contexto o de decorado se ha revitalizado periódicamente. Y así es como canciones tipo ‘Don’t You Evah’, ‘The Underdog’ o ‘Black Like Me’, que este año han cumplido la década, siguen sonando lozanas y no a maquillaje antiarrugas. Como si fueran coetáneas de ‘Do You’ o ‘Rainy Taxi’, otros dos aplaudidos aciertos llenos de carisma.

Sobre las tablas Spoon se mostró, ante todo, como una banda muy cohesionada y excelentemente dirigida. Incapaces de bajar el pistón –salvo por un intermezzo de sintetizadores en el que Daniel aprovechó para tumbarse un buen rato en medio del escenario–, repartieron las mejores piezas de su último álbum en puntos estratégicos del repertorio para poner en valor sus características específicas. ‘Do I Have to Talk You Into It’, por ejemplo, abrió la velada con esa contundencia sofisticada como perfecto calentamiento; ‘WhisperI’lllistentohearit’, poco después, significó el cambio de marcha eléctrico necesario tras la elegancia pegajosa de ‘Inside Out’ y ‘I Turn My Camera On’; ‘I Ain’t the One’, hacia el ecuador, y justo después del intermezzo, creció desde el mismísimo suelo –literal– llenándose de carácter; y, rebasada ya la hora de concierto, ‘Can I Sit Next to You’ elevó la temperatura de la sala con ese aire medio funk tan arrollador. O en los bises, donde tenían reservado espacio para envolvernos en el cálido fluir de ‘Pink Up’ y azotarnos con la solidez culminante de ‘Hot Thought’. Efectividad 100%.

Pero más allá de su material más reciente, el buen estado de forma de una banda se puede medir también por cómo aborda sus viejos temas pasados algunos años. Siendo que el distinto de Spoon ha sido siempre la frescura y la actitud dinámica, resulta muy meritorio que canciones como ‘The Beast And Dragon, Adored’, ‘My Mathematical Mind’ o la ya mencionada ‘I Turn My Camera On’, sonaran como si hubieran sido compuestas anteayer.

Lo que resulta difícil de entender es que, con la envergadura que ha alcanzado esta banda, con la extensa y formidable discografía que empieza a acumular y con el pedazo de directo que practican, la sala Apolo no estuviera a reventar. Había buena entrada, pero no acaba de quedar claro cuál es la generación que le corresponde hoy día a Spoon. Los que les siguen desde el principio, después de cientos de conciertos, no se verán especialmente atraídos por su material más reciente, aunque muestren una salud compositiva envidiable; y los más jóvenes se verán abrumados por un cancionero interminable y prácticamente atemporal. Es lo malo que tiene la vida eterna o, en este caso, rejuvenecer en lugar de envejecer: que los tuyos (al menos en Barcelona) te van dejando. 9.

Fotografías de Pablo Luna Chao.

La Reina Letizia baila (un poco) con Taboo de Black Eyed Peas en la cumbre mundial contra el cáncer

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La Reina Letizia ha acudido este martes a la Cumbre Mundial de Líderes contra el Cáncer, que se ha celebrado en Ciudad de México, para ofrecer un discurso sobre la importancia de la prevención contra esta enfermedad y la de promover su investigación. Entre otras cosas, ha dicho que la “salud debe ser una prioridad en la agenda política”.

La madre de la futura reina de España, que es presidenta de la Asociación Española contra el Cáncer, presenció además la actuación de Taboo de Black Eyed Peas, superviviente de cáncer y que interpretó varios temas del grupo durante el encuentro, entre ellos los hits ‘Where is the Love?’ y ‘I Gotta Feeling’. Para esta segunda, Taboo, cuyo nombre real es Jaime Luis Gómez, se acercó a la mesa de Letizia para bailar con ella, a lo que esta respondió positivamente, bailando aunque solo un poco, como puede observarse alrededor del minuto 9.30 del vídeo.

Desconocemos si Letizia es fan de Black Eyed Peas pero sí sabemos que es “indie”, como ha demostrado en anteriores ocasiones por ejemplo en sus visitas a el FIB -donde ha visto a The Killers- o a Dcode o a conciertos de gente como Los Planetas y Supersubmarina. Cuando abdicó el Rey Jaun Carlos, le dedicamos una “playlist” acorde a sus gustos alternativos.

P!nk canta mejor del revés que derecha en Carpool Karaoke

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A P!nk le está yendo de maravilla con su nuevo disco, ‘Beautiful Trauma‘, que gracias a sus estupendas ventas será con toda seguridad uno de los discos más vendidos de 2017. Y para que le vaya mejor todavía, la cantante se ha sentado en el coche de James Corden para cantar algunos temas con el presentador británico, dejando un divertido episodio.

Entre las anécdotas de P!nk, la autora de ‘So What’ cuenta que casi vomita en su propia boca -en serio- cuando se enteró, a los 7 años, de que Bon Jovi se casaría con Dorothea, su novia del instituto. P!nk conocería al músico varios años después y este le regalaría un ramo de flores “del tamaño de la vida” y unos pantalones de cuero propios, con la nota “por fin puedes meterte en mis pantalones”. P!nk explica que su marido tiró los pantalones por la ventana, pero que a ella le hizo gracia la broma.

La artista, que canta con Corden éxitos como ‘Get the Party Started’ o ‘Raise Your Glass’, recuerda además que su primera gira fue de telonera de *NSYNC y que le llegó a gustar uno de sus miembros, Joey Fatone, con quien dice salió pero solo “en plan de amigos”. Además, P!nk asegura que es capaz de cantar mejor del revés que derecha, así que Corden se lo hace probar en un parque… pero el experimento termina un poco mal.

“Minaj à Trois”: la portada de Nicki Minaj que quiere “romper la Internet”

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Paper Magazine es una de las publicaciones más reconocidas en el mundo editorial norteamericano por el carácter artístico y provocador de sus reportajes gráficos. En su portada, además, es frecuente encontrar a artistas del mundo del pop, de Kanye West a Marilyn Manson pasando por Mariah Carey, Zayn Malik, Prince, Rihanna. Especialmente célebres fueron sus reportajes con Miley Cyrus –aquel en que posaba desnuda con su cerdita Bubba Sue– y, sobre todo, aquella portada con el culo de Kim Kardashian a toda página.

Aquel número se titulaba “Break the Internet” y, sí, de hecho tuvo una repercusión enorme. Tanta como la que esperan conseguir con la de su próxima edición invernal, y no en vano es la segunda portada en la historia de la publicación tras la de Kardashian West que incluye ese subtítulo. La protagoniza la rapera Nicki Minaj por partida triple, con tres imágenes suyas que relacionan entre sí sus actitudes muy, muy sexuales: la que está de pie toca sus pechos desnudos a la que está sentada, que a su vez tiene a sus pies a otra Nicki que saca la lengua lascivamente ante su entrepierna.

En el plano musical, Nicki nos ha desconcertado del todo en este 2017. Cuando se esperaba que publicara la continuación de ‘The Pinkprint’ que llegó a anunciar que estaba terminada –incluso lanzó tres singles propios de manera simultánea–, ella se ha dedicado sobre todo a aparecer en casi innumerables singles ajenos que, si bien le han reportado algunos éxitos, parecen haber provocado que no haya tenido tiempo de dar los últimos retoques a ese álbum. No cabe descartar, en todo caso, que se haga un Beyoncé, apurando hasta los últimos estertores del año para lanzarlo.

BTW, this is our new cover. #BreakTheInternet cc @NickiMinaj

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Björk habla sobre el flechazo en la era tecnológica en ‘Blissing Me’

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El próximo 24 de noviembre llega a las tiendas físicas y digitales ‘Utopia’, el nuevo álbum de la artista islandesa Björk que, en esta ocasión, será posible adquirir pagando con criptomoneda. Tras presentar ya varias semanas atrás ‘The Gate’, se hacía esperar un nuevo adelanto del que será su décimo disco de estudio. Y esta madrugada, al fin, ha liberado ‘Blissing Me’.

Se trata de una canción delicada, en la que una melodía vocal bastante sencilla es acompañada por un harpa –asumimos que está interpretada por su harpista habitual Zeena Parkins–, en lo que supone un reencuentro con la era ‘Vespertine’. A medida que avanza el tema, una audaz base rítmica –como el resto del disco, esta canción es una colaboración con el productor Arca– va inundándolo, aunque sin llegar a ser bailable. En cuanto a su letra, ‘Blissing Me’ debe ser aquello a lo que se refería Björk cuando decía que ‘Utopia’ es su álbum sobre Tinder: retrata el contacto entre dos “nerds de la música” que sienten un flechazo al intercambiar canciones de manera virtual.

En las últimas semanas Björk ha sido también noticia por unirse a la ola de denuncias etiquetadas con el hashtag #metoo, en contra del acoso sexual que subyace en el mundo del espectáculo. En su caso, habló sobre el trato vejatorio que, según su versión, le brindó Lars Von Trier durante el rodaje de ‘Dancer In The Dark’. El directo danés negó las acusaciones.

Actualización 11.59: el vídeo de ‘Blissing Me’ se ha estrenado a través de Amazon Music UK. Dirigen Tim Walker y Emma Dalzell:

C. Tangana habla del protagonismo de la inseguridad en ‘Ídolo’, beefs, heteropatriarcado, Van Morrison, Abraham Mateo y Niño de Elche

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C. Tangana ha concedido una amplia e interesante entrevista a Mondosonoro dividida en dos partes en la que habla sobre su nuevo disco ‘Ídolo’, su carrera, su personaje o los tan traídos y llevados beefs, dejando algunas anécdotas, como el hecho de que le gustaría escribir para Abraham Mateo o Niño de Elche. Además, entre los Drakes y los PARTYNEXTDOORs habituales, sorprende la influencia de Van Morrison, en concreto de la improbable ‘This Weight’, a la que se alude en ‘Otro hombre’.

Pero quizá lo que más sorprende es el número de veces que en la entrevista aparece la palabra «inseguridad» (hasta 4), por ejemplo en cuanto a la canción más agresiva del disco, ‘No te pegas’, la que ha generado una canción-respuesta por parte de Kaydy Cain. Tras reconocer que hay gente que ha visto en la letra a Pimp Flaco y Kinder Malo, a Rels B o a Cecilio G, indica: «Para mí ‘No te pegas’ es un tema sobre inseguridad. De un pibe que tiene éxito y todo lo que tú quieras, pero en el fondo tiene que estar partiéndose la cara con los de alrededor para que no le coman el terreno. En el momento en que la estaba escribiendo yo sentía la necesidad de defenderme. Hay mucha gente que ha intentado echarme para abajo. Durante todo este año me han estado tirando muchas personas que estaban por ahí y para mí era una necesidad ponerme en mi sitio. Pero bueno es un tema típico, recurrente de los raperos. Cada uno me ha dicho que iba dedicado a alguien distinto, así que eso también mola».

También menciona la inseguridad como temática central de ‘Ídolo’, pese a su título, indicando que hay letras muy «subidas» que podrían ser «de Migos, del Drake más flipao, de Future, de Kanye West. Delirios de grandeza que tienen todos los rapers». Pero añade: «en una segunda escucha enseguida te das cuenta que todas esas cositas vienen siempre acompañadas de un subtexto que para mí representa toda la inseguridad que me acompaña. Esa necesidad de estar reivindicándome todo el rato». Y de nuevo lo hace al hablar del amor o de ligar, con esa inseguridad en concreto reflejándose en ‘Demasiao tarde’.

C. Tangana vuelve a explicar por qué ha querido desmarcarse de la etiqueta trap al asociarse esta «a ninis y Youtube», decantándose en su lugar por la etiqueta de «música urbana» y comenta ampliamente la tan traída y llevada entrevista con la SER, revelando que llevaba el titular «soy transexual» preparado, pero explicando por qué la elección entre «machismo» y «feminismo» le parecía desafortunada. «Ella (la periodista) me preguntó “machismo o feminismo”. Así, de una forma simplista. Y yo le contesté aquello porque su pregunta me pareció ridícula. A nivel filosófico el análisis que hace el feminismo es que la sociedad en la que vivimos es patriarcal y por lo tanto machista. Y un feminismo de segundo nivel, como puede ser el de la teoría queer, dice que no sólo es patriarcal, sino heteropatriarcal. Y eso es algo en lo que todos estamos incluidos. Desde que somos pequeños adoptamos un papel. Tú y yo hemos asumido el rol de tíos y como tíos no nos puede gustar la sensibilidad, ni las cosas rosas… pero en el fondo claro que tienes sensibilidad (…) Entonces bueno… yo pertenezco a esta sociedad y además soy un hombre, hetero, blanco, occidental con lo cual es posible que tenga actitudes vinculadas al machismo. Pero yo no tengo un discurso machista explícito, no practico el machismo ni considero que el hombre esté por encima de la mujer». El estudiante de Filosofía dice en otro momento: «yo no me puedo apropiar de un discurso feminista ni queer, porque soy un heterazo… como me han dicho últimamente. Y cumplo muchos patrones de eso. Yo lo sé, lo reconozco y lo veo. Pero me apetecía colaborar con artistas que manejaran esos discursos», indica refiriéndose al colectivo queer con el que presentó el vídeo ‘Pop or Pussy’.

Finalmente cabe destacar cuánto hay de personaje en C. Tangana ya, con algunas citas tamaño «claro que me siento un payasito y que estoy montando un circo», «todo lo que hago es una gran performance», «los artistas están continuamente interpretando» o «estoy haciendo una pantomima para sonar en Los 40». Explica: «Hay un momento, justo cuando saco Alligators en el que asumo que estoy haciendo una representación. Y que me alejo de esa idea de que para ser real todo lo que cuente tiene que ser verdad y lo tengo que sentir como tal (…) Marco mucho la diferencia entre cuando estoy trabajando o hago una entrevista, cuando estoy en un ambiente social de trabajo, y cuando estoy en la cama o cuando estoy con mi vieja. Yo estoy con mi vieja hablando y soy Antón, estoy de Antón y me sigo sonrojando. Yo estoy ligando, hace mucho que no ligo, porque ya no puedo (…) Yo estoy con una persona y salgo de la faceta de C. Tangana… y me sonrojo».

Sierra / A ninguna parte

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Siempre es buen momento para recordar la grandeza de los teclados de The Cure, los punteos de The Smiths, los bajos y guitarras de New Order o la influencia que han terminado teniendo en España bandas tan fugaces como Parálisis Permanente o Décima Víctima. Como aprovechando el tirón que en los últimos años ha tenido El Último Vecino (o su ausencia del mercado ahora mismo, tras un precipitado anuncio de retiro luego desmentido), Hugo Sierra retoma el proyecto con el que publicara un EP en 2014.

En ‘Tiene mucha fuerza’ había canciones simpáticas como ‘La chica del cohete’ (otro viaje de ‘Boys Don’t Cry’ a ‘Otra dimensión’) o ‘Golpes’ (que no era una reivindicación de la primera etapa de Gabinete Caligari… ¿o sí?), pero las que ha reunido ahora Hugo, antes en Margarita y Prisma en Llamas, suenan más definitivas y mejor acabadas, quizá por la ayuda de la experiencia y/o la buena compañía de Clara Collantes de La Ruleta China y El Palacio de Linares, Arturo Hernández de Juventud Juché y Antonio Castro de Charades, todos ellos proyectos conocidos y disfrutados en el underground de nuestro país.

Bajo la producción de Cristian Pallejà, el disco es una acertada y desprejuiciada reivindicación del indie de los primeros 80, con el himno ‘Me destrozaré’, de tan sufrida letra, destacada como joya de la corona. Pero no es el único tema cuya fuerza puede contagiar a los fieles que no paran de sumarse a los encantos de aquella década (el público de El Último Vecino, en parte, es sorprendentemente joven). ‘A ninguna parte’ y ‘Hacerlo fuerte’ tienen unos acordes de lo más juguetón -casi tanto como los de ‘Friday I’m In Love’ o ‘Just Like Heaven’-, la primera destinada a convertirse en una de las canciones más celebradas de sus conciertos, la segunda dispuesta a ser una de las favoritas de sus seguidores aunque solo sea por la frase «Nos miramos / y de los ojos nos salieron dos rayos». ‘Perfectamente’, más bien en el tono de Aviador Dro, es de las que sabe añadir cierta variedad sin perjudicar el conjunto.

Las letras de Sierra, deliberadamente incompletas como para que el oyente rellene los huecos, añaden cierta personalidad a la banda desde su sencillez, repletas de figuras surrealistas como «bailando con la cabeza muerta» y apesadumbrados puntos suspensivos («Todo el tiempo que no me dejas es…»), mientras el grupo sabe redondear la jugada estéticamente, por ejemplo con el vídeo de ‘Amiga extraña‘, que han inspirado en el fotógrafo Guy Bourdin, quien afirmaba que «los únicos retratos honestos son los de personas muertas o inconscientes». Una figura siniestra e inquietante perfecta para el cometido de la banda.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Me destrozaré’, ‘A ninguna parte’, ‘Amiga extraña’
Te gustará si te gustan: El Último Vecino, The Cure, Décima Víctima
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Arkano lleva ‘Único’, su hit contra la homofobia, a la tele

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El alicantino Arkano ha ido haciéndose un hueco en los últimos tiempos, principalmente en La Batalla de los Gallos, en la que, como os contamos el año pasado, batía un récord de improvisación mundial en castellano, rapeando durante más de 24 horas en la Puerta del Sol de Madrid. Sonada fue también aquella Batalla de Gallos en Chile en la que en mitad de un combate besó en la boca a su oponente, el argentino Dtoke. El vídeo correspondiente suma la friolera de 27 millones de visitas. En una entrevista con El Español posterior explicaba: «No estaba planeado. Fue fruto del contexto. De repente, me ponen contra el argentino, que era todo lo contrario a mí. Súper duro, que se te encara… y era como: ¿tú eres el más duro? Yo soy el más juguetón. Todo lo contrario. Y de repente el tío súper enfadado, cara a cara. Y fue como instintivo: «Cálmate, mua»».

Hace unas semanas publicaba al fin su disco de debut oficial, contando con la colaboración de nombres como El Langui, El Chojín o Carlos Jean y situándose en el top 25 de los discos más reproducidos en España. Esta semana ha tenido la oportunidad de llevar uno de los temas a la tele, intrerpretándolo en Late Motiv, el programa de Buenafuente.

‘Único’ es presentado, por si hacía alguna falta, como un «tema contra la homofobia», apoteósico y clarito en su mensaje en su intervención televisiva como el tema urban que pretende ser. En una entrevista posterior con Buenafuente, Arkano habla de cómo las «Batallas de Gallos están llenas de machismo y de homofobia» y de cómo «eso hay que combatirlo». Asimismo, califica la cultura del rap, que siempre ha trabajado por las «luchas sociales» como de «libertad paradójica». «Por inercia es muy de machitos, a ver quién la tiene más larga, y ya cansa», indica antes de hablar del alcance de su fama o revelar que al fin ha terminado su carrera de ingeniero informático.

Arkano presenta ‘Bioluminiscencia’ este 15 de noviembre en Madrid.

Madrid Popfest se apunta un nuevo tantazo trayendo a Eggstone

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Madrid Popfest ha sacado hoy sus primeros abonos a la venta después del éxito de la edición 2017, que colgó el cartel de «sold out» con semanas de antelación. Los días 2 y 3 de marzo son las fechas elegidas para la edición 2018 que además cambiará de espacio, ampliándolo a la Sala Galileo Galilei de Madrid. La clarísima línea editorial de este festival autogestionado, sin patrocinadores y sin ánimo de lucro, fiel al sonido indie pop más atemporal, se mantiene como clave de su éxito y desde la organización nos informan de que hoy, en horas, ya se han vendido en torno al 20% de los abonos. Seguirán, por tanto, como dice la nota de prensa, cumpliendo con su objetivo de «animar la vida cultural de Madrid con grupos alejados de los circuitos comerciales, así como transmitir los valores de la cultura DIY».

Los nombres confirmados hoy por Madrid Popfest son BMX Bandits, The BV’s, Cosmen Adelaida, Eggstone, Melenas, Terry vs Tori y The Tuts. Según la nota de prensa Duglas T. Stewart visitará el festival para presentar junto a 6 músicos las canciones de su último disco editado por Elefant ‘BMX Bandits Forever’ así como otros de sus décadas de recorrido. Pero el verdadero notición de esta primera toma de contacto con el cartel es la recuperación de Eggstone, un grupo sueco algo anterior a los primeros Cardigans (también trabajaron con el a la postre reclamado Tore Johansson) y muy anteriores a los estupendos Astrid. Desde principios de los 90 Eggstone publicaron 3 discos de inspiración sesentera, hoy bastante cotizados en sus ediciones originales en vinilo, dado el estatus de culto de la formación, que nunca llegó a grabar 4º álbum. En 2016 publicaron un tema nuevo llamado ‘Like So’.

En cuanto a valores más recientes, se podrá ver a The BV’s, que han debutado este año con ‘Speaking from a Distance’, Cosmen Adelaida presentando las canciones de ‘Dos caballos‘, los navarros Melenas, Terry vs Tori y The Tuts. Los abonos están a la venta aquí. Próximamente habrá entradas de día a la venta.

Hits & Flops: Sam Smith podría vender otros 2 millones, Maroon 5 lo tienen muy difícil

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Hits


samsmtihNuestro nuevo protagonista en positivo de Hits & Flops es Sam Smith. Desde luego no ha logrado la fidelidad de Adele, pero en una industria que ya no espera a casi nadie, solo le queda celebrar el número 1 conseguido tanto en Reino Unido como en Estados Unidos con su segundo disco ‘The Thrill of It All‘. En Reino Unido ha rozado las 100.000 copias en la primera semana (disco de oro, por tanto), y en Estados Unidos sumando puntos de streaming, ticket bundle y ventas reales ha superado las 230.000 unidades. Además, el disco ha sido número 1 en Canadá e Irlanda y número 2 en Australia.

Más reticente suena la Europa continental (número 4 en Italia, número 8 en Alemania, número 15 en Francia), pero sumando fuerzas, se han rondado las 400.000 copias en la primera semana a nivel global, y el top 2 está garantizado durante la segunda semana en Reino Unido con cifras nuevamente muy buenas gracias a un especial emitido en BBC. Realmente mal se lo tiene que montar su equipo para que esto no supere el millón de copias entre Black Friday y Navidad, si bien la pregunta es cuánta vida podría tener el disco en 2018.

Las críticas para ‘The Thrill of it All’ han sido encontradas y, mientras ‘Too Good at Goodbyes’ ha sido un gran éxito (número 1 en Reino Unido, número 4 ahora mismo en Estados Unidos), de momento ninguna otra canción ha despuntado como clarísimo segundo single. El segundo single oficial, ahora mismo apoyado por Radio 1, es ‘One Last Song’, pero esta canción ni se asoma por el Billboard Hot 100, donde la que sí logra re-entrar es ‘Pray’.

En estos momentos parece imposible repetir las cifras millonarias de su debut, pero si en vez de unos 6 millones vende 2, para ser 2017 no estará nada mal.

Flops


El número 1 en Reino Unido y Estados Unidos de Sam Smith deja en el puesto 2 en ambos países el nuevo de Maroon 5, ‘Red Pill Blues’. No estaría mal de no ser porque Estados Unidos es el país de estos, de que vienen del exitosísimo ‘V’, que contenía el macrohit ‘Sugar’, y porque el grupo ha contado con vistosas colaboraciones con SZA, Future o Kendrick Lamar, estas dos últimas relegadas a la categoría de «bonus tracks».

Lo peor es que ‘Don’t Wanna Know’ y ‘What Lovers Do’ no han funcionado nada mal, siendo ambas top 10 en Estados Unidos, pero por alguna razón el público no se ha movilizado de manera masiva a comprar el álbum y el disco suma sólo 122.000 ventas en su primera semana en Estados Unidos pese a contar con «ticket bundle» y unos 30.000 puntos de streaming.

Aunque la verdadera alarma donde ha sonado es en Europa: top 12 en Reino Unido, top 25 en Francia, top 44 en Alemania… Son los peores datos de su vida en todos los casos y con diferencia, ¿en qué momento se han convertido Maroon 5 en un grupo local? Algo más que alerta de flop: el disco baja al puesto 36 en su segunda semana en Reino Unido según las midweeks. ¿Sabrán remontar en algún punto si recordamos que ‘Sugar’ fue el tercer single de ‘V’ y ‘Moves Like Jagger’ hubo de incluirse en la reedición de ‘Hands All Over’?

Aldous Harding ha hecho el mejor disco de 2017 para Rough Trade; Björk, 3ª con ‘Utopia’

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aldousTradicionalmente Rough Trade se adelanta siempre a la hora de publicar su lista de los mejores discos de 2017. Desconocemos si habrá disco sorpresa antes de Navidad, ni siquiera tenemos muy claro si Eminem ha confirmado o no su nuevo álbum para este viernes, pero aquí está la primera lista que conocemos con lo mejor del año. Para Rough Trade el disco del año es ‘Party’ de Aldous Harding, seguido de ‘Prisoner’ de Ryan Adams y ‘Utopia’ de Björk. Lo nuevo de la islandesa se publica el próximo viernes 24 de noviembre, pero la prensa ya ha podido degustar el álbum al tiempo que ha concedido las primeras entrevistas promocionales. En el top 10 también encontramos los discos de Thundercat, Cigarettes After Sex o The Big Moon, aquel ‘Love in the 4th Dimension‘ que en España presentaban en Tomavistas. Mientras el top 20, que podéis consultar en su web, se completa con nombres como Sampha o Kelela, entre las ausencias cabe destacar a Lorde, The xx o The Magnetic Fields.

1. Aldous Harding – Party
2. Ryan Adams – Prisoner
3. Björk – Utopia
4. Big Thief – Capacity
5. Colter Wall – Colter Wall​
6. Cigarettes After Sex – Cigarettes After Sex
7. The Big Moon – Love In The 4th Dimension
8. Jane Weaver – Modern Kosmology
9. Thundercat – Drunk
10. Here Lies Man – Here Lies Man

La Canción del Día: la inquietante poesía visual de ‘Foto aérea’, el regreso en solitario de Ibon Errazkin

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Como él mismo había anticipado en sus redes sociales (bueno, solo en Instagram) en los últimos días, hoy se ha estrenado ‘Foto aérea’, primer adelanto de un álbum de idéntico título que Ibon Errazkin publicará a inicios de 2018 en Elefant Records. Errazkin ha estado ligado al sello madrileño desde que Aventuras de Kirlian se transformaron en Le Mans. Tras la desaparición del grupo donostiarra, recordemos, Teresa Iturrioz e Ibon formaron Single, uno de los proyectos musicales más fantásticos de nuestro país en las últimas décadas.

‘Foto aérea’ es el tercer disco en solitario de Ibon Errazkin tras ‘Ibon Errazkin’ (2000) y ‘Escuela de arte’ (2003). Y, como aquellos, será enteramente instrumental. Bueno, no del todo: en su perfil de Instagram, Ibon ha explicado que tres canciones contendrán voces de Teresa y él mismo. También ha adelantado que la portada será, como es habitual en sus obras, del pintor (y mitad de los fugaces y adorados Family) Javier Aramburu.

Como decíamos, ’Foto aérea’, el single, se publica esta semana como doble single digital con otra canción –‘Las descripciones’– y desde hoy podemos disfrutarla por medio de un fantástico acompañamiento visual. Se trata de un vídeo dirigido por el realizador Gabe Ibáñez, también unido a la carrera de Ibon desde hace años: “además de director de dos películas, ‘Hierro’ y ‘Autómata’, fue autor del único video-clip de Le Mans (‘Canción De Todo Va Mal’, 1998), de dos video-clips de Single (‘Su Recuerdo’, en 2005, y ‘Pío Pío’ en 2008), e Ibon Errazkin compuso la banda sonora de su primer cortometraje, ‘Máquina’”, recuerda la nota de prensa de Elefant.

El vídeo, en fin, es una extraña maravilla: generando una especie de bucle de imágenes que van mutando apenas en pequeños detalles –de forma paralela a la música, que por momentos nos recuerda a la música de las películas de Jacques Tati–, Ibáñez y Errazkin nos trasladan durante algo más de 3 minutos a un espacio en el que lo cotidiano –Ibon tirando fruta, Ibon probándose sombreros…– se convierte en pura poesía.

 

¿Es esta actuación de Amaia y Alfred la mejor de la historia de Operación Triunfo?

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Aunque no esté cosechando las audiencias estratosféricas de la legendaria primera edición del talent-show, Operación Triunfo 2017 está logrando al menos sostener la cara ante un peso pesado de la parrilla como ‘La que se avecina’, intratable. Aunque el formato no se haya renovado demasiado, al menos las últimas galas han cobrado cierto dinamismo y han conseguido enganchar al televisor. Y si lo hacen es, en buena medida, porque algo sí ha cambiado: la selección musical.

Vale que no es la bomba y sigue cayéndose en ciertos tics, pero parece que la sustitución de Nina por Noemí Galera al frente de la Academia ha traído un poco de modernización y variedad a la selección musical. Anoche, por ejemplo, Aitana –una de las favoritas de esta edición– hizo una buena versión del hit de Julia Michaels ‘Issues’, o Thalía y Miriam hicieron a dúo ‘Euphoria’, el tema con el que la sueca Loreen ganó Eurovisión en 2012. Sin embargo, la actuación más llamativa fue la de Amaia y Alfred, que interpretaron juntos al piano ‘City of Stars’, de la película musical ‘La La Land’.

Ambos son dos de los intérpretes más dotados, sensibles y cultivados musicalmente del concurso (atención a este vídeo de Amaia practicando canciones de Él Mató a un Policía Motorizado en la academia), y en esta actuación lo demostraron. También exhibieron cierta química entre ellos, lo cual ha llevado a afirmar a profesores y jurado que fue un momento “histórico”, sin duda «la mejor actuación de esta edición de Operación Triunfo» –tampoco hay que correr tanto, ¿no?–. Mónica Naranjo aplaudió en pie y Joe Pérez-Orive afirmó «por actuaciones como la de esta noche creo que todos los que estamos aquí decidimos dedicarnos a la música».

Renaldo & Clara plasman un deseo secreto en el precioso clip de ‘Sense voler’

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Los lleidatans Renaldo & Clara han dado este año un paso de gigante con la publicación de ‘Els afores’, un gran disco de pop de guitarras atemporal y personal, que proyecta aún más allá la delicadeza exhibida en discos previos como ‘Fruits del teu bosc’. “[Clara] Viñals ha depurado su fórmula de pop delicado; ha desalojado parte de la melancolía y ha ganado en ímpetu, pero manteniendo intacta la frescura. El resultado son unas canciones palpitantes y vivaces, como pequeños animales silvestres”, escribía nuestra compañera Mireia Pería en su entusiasta crítica del disco. Mireia escogía también uno de sus temas, el que le da título, como su canción favorita de la primera mitad de 2017.

Hoy, Clara Viñals, Hugo Alarcón, Víctor Ayuso y Lluís Bestard han escogido a JENESAISPOP para estrenar el segundo vídeo de la etapa ‘Els afores’ tras el de ‘Fent Amics’. Se trata del dedicado a ‘Sense voler’, una de las canciones más vibrantes e instantáneas del disco, con ese final en bucle que marea en el buen sentido, como un rico vino. El clip ha sido dirigido por Ingride Santos, que explica aquí cómo ha creado esta preciosa pieza visual que esconde un deseo secreto:

“Antes de decidir sobre qué trataría el videoclip, para mí era muy importante conocer a Clara y decidir juntas cómo lo podríamos enfocar. Le expliqué que me parecía que tenía madera de actriz y un rostro muy interesante para la cámara. Le expliqué que no quería hacer el típico videoclip con “playbacks” cantando a cámara, sino una cosa mucho más cinematográfica y diferente.
 
La historia sucedería en un túnel de lavado, con Clara interpretando a una chica obsesionada con el encargado de lavar los coches. Era necesario un buen casting.
 
Le di muchas vueltas y llegué a la conclusión de que necesitábamos un actor con cierta intensidad para así crear química mediante el contraste. Quería seguir jugando con los contrastes, así que le di a la fotografía un tono oscuro, con un carácter un poco crudo y cierto tono documental, justo lo contrario a la luz y ternura que desprende la canción. Creo que de esta manera el tema coge una nueva dimensión.
 
Algunas personas me preguntan qué es lo que se dicen Clara y Alex [Moreu] en el videoclip… Pero yo siempre les contesto: lo que cada uno quiera escuchar ;-)”.

Shakira da explicaciones por la posposición de su gira: «Jamás me encontré en una situación similar»

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La promotora Last Tour acaba de enviar el siguiente comunicado anunciando la interrupción de El Dorado World Tour, la actual gira de la colombiana Shakira presentando su último disco ‘El Dorado‘. Incluía cinco fechas en España: dos en Barcelona, la ciudad donde vive con su familia durante buena parte del año, además de Bilbao, Madrid y A Coruña. Imaginamos que la reubicación a fechas del próximo año será anunciada próximamente. La causa es una afección vocal (una «hemorragia») que ya la había obligado a cancelar varias fechas la pasada semana, en días posteriores a la revelación de que poseía sociedades en distintos paraísos fiscales europeos. Este es el comunicado completo:

«Lamentamos informar que, según las indicaciones de los médicos de Shakira, las fechas de la gira El Dorado World Tour en Europa se posponen a 2018. Debido a una hemorragia en las cuerdas vocales, a Shakira se le ha aconsejado retrasar cualquier actuación por el momento para permitirle sanar adecuadamente antes de comenzar su gira mundial y evitar cualquier daño adicional. Aunque muy decepcionada por estos resultados, como esperaba poder comenzar esta semana, Shakira está trabajando para recuperarse y está deseando volver a los escenarios con su mejor actuación nunca vista.

Shakira sigue increíblemente agradecida por la lealtad, paciencia y apoyo que sus admiradores le han demostrado durante este momento tan difícil. Por favor, mantengan sus entradas ya que anunciaremos nuevas fechas para todos los espectáculos que se han pospuesto hasta el momento.»

Actualización: Este mediodía, después del anuncio del retraso indefinido de sus conciertos en Europa, Shakira ha subido a Twitter un extenso mensaje –en español e inglés– dirigido a sus fans y seguidores que habían comprado entradas para El Dorado World Tour. En él detalla que se había encontrado muy bien durante los ensayos que comenzaron en julio, pero que a finales del pasado octubre sintió «una ronquera inusual que me impedía cantar», y los médicos determinaron que se trataba de una hemorragia en su cuerda vocal derecha. Dice que los especialistas le recomendaron reposo total para poder llegar a la fecha de su primer concierto –en Colonia–, pero la hemorragia no se ha reabsorbido a tiempo y tiene que seguir en reposo. Dice que este retraso le duele por «aquellos que han hecho hasta lo imposible para conseguir entradas», por su equipo de 60 personas que preparaban «el mejor show de mi carrera artística» y también por sus hijos, «a los que les hace mucha ilusión ver a su mamá en concierto cuanto antes». «En todos los años que llevo cantando, jamás me encontré en una situación similar», asegura, explicando que seguirá descansando para recuperarse y reubicar las fechas canceladas.

Marilyn Manson organiza una orgía con sorpresa para Johnny Depp en ‘KILL4ME’

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Marilyn Manson es uno de los nombres destacados en el mundo del pop de este final de 2017. Acaba de publicar su álbum ‘Heaven Upside Down’, un disco en el que no renueva lo más mínimo su rock metalero y sucio de siempre, para disfrute de sus fans. Y, también, está dando mucho que hablar con él: además de sus affairs con Justin Bieber, hubo de posponer parte de su gira después de que le cayera encima parte del escenario en el primer concierto. Cuando se recuperó, salió a escena apuntando con un rifle falso a sus seguidores. Además, ha despedido a su bajista Twiggy Ramirez después de que este fuera acusado de violación, casi a la vez que lamentaba la muerte de Daisy Berkowitz, guitarrista fundador del grupo.

En todo caso, la máquina promocional no se detiene y hoy Manson nos presenta un nuevo vídeo de otro tema del disco. En este caso se trata de ‘KILL4ME’, uno de los temas más pegadizos de ‘Heaven Upside Down’. En él, volvemos a encontrar como protagonista a Johnny Depp, que da rienda suelta a sus instintos de voyeur desde una habitación secreta en la mansión de un siniestro personaje. Tras seguir en secreto los intercambios de fluidos de dos mujeres, Depp acaba inmerso en sus juegos sexuales… que le deparan una sorpresa.

El clip parece en realidad una precuela del de ‘SAY10’ que vimos semanas atrás, si bien en esta ocasión la filmación dirigida por Bill Yukich parece más elegante y pulcra, aunque de nuevo encontramos sexo explícito. Recordamos que Marilyn Manson ha sido confirmado como uno de los cabezas de cartel del Download Festival Madrid 2018, en el que esta semana se ha anunciado la presencia como cabezas de cartel de Guns N’ Roses.

‘I Love L.A.’, la oda de Starcrawler a la cultura yanqui más trashy

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En el pasado Primavera Club una de las propuestas estrella eran Starcrawler, una joven banda formada inicialmente por dos compañeros de instituto: Arrow DeWilde, it-girl de Instagram –aunque alejada de los cánones estéticos más prototípicos, hija de la famosa fotógrafa Autumn De Wilde y el batería Aaron Sperske (Beachwood Sparks, Father John Misty)– y el guitarrista Henri Cash. Austin Smith y Tim Franco se unieron después como sección rítmica para terminar de conformar Starcrawler.

Tras varios singles en los que mostraron que su abanico de influencias oscila entre el post-grunge de L7, el metal de Black Sabbath y un punk rock entre la sofisticación de Yeah Yeah Yeahs y el punto primitivo de The Cramps, Starcrawler comenzaron a grabar su álbum de debut a las órdenes de nada menos que Ryan Adams. Hoy ese disco ya es una realidad: bautizado como el grupo, lo publica Rough Trade el próximo 19 de enero y, curiosamente, no incluye su primer single, ‘Ants’.

Sí estará ‘I Love L.A.’, nuevo single del grupo. Como bien especifica su nada irónico título, es un himno punk rock a la capital de California. Después de una escena delirante en el establecimiento de donuts en el que el cuarteto “trabaja” (muy fans del vaso “No soy –de soja, suponemos– hippies”), Arrow y sus colegas despliegan su peculiar glamour por parkings y tiendas de pelucas.

Tracklist de ‘Starcrawler’:

1. Train
2. Love’s Gone Again
3. I Love LA
4. Different Angles
5. Chicken Woman
6. Pussy Tower
7. Full of Pride
8. Let Her Be
9.Tears
10. What I Want

Hit de ayer: ‘Is It Like Today?’ (1993) de World Party

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Cuando en la segunda mitad de los 80 unos pocos artistas empezaron a adoptar una estética retro (visual y musical) a muchos debió parecerles un despropósito: con la increíble variedad de estilos que esa gran década estaba propiciando ¿a quién le interesaba reivindicar a los Beatles, vestirse como un hippy, empezar a componer como un artista de rock americano en 1972 o utilizar mesas y grabadoras analógicas que la mayoría de los estudios estaban tirando a la basura? Y sin embargo hubo quien lo hizo, y hasta se podría decir que acertó, adelantándose a la retromanía de mediados de los 90 en casi una década y además con mucho éxito. Lenny Kravitz es quizá el ejemplo perfecto: escapando de una carrera fallida como aprendiz de Prince bajo el nombre de Romeo Blue (impagable este vídeo, tocando una keytar junto a Herb Alpert en Soul Train) se reconvirtió a tiempo en sosias de Led Zeppelin, los Beatles y Curtis Mayfield y editó un brillante disco de debut (‘Let Love Rule’, 1989) que dejó pasmada a la crítica, entre otras cosas por una producción que era como la antítesis misma de los 80: sonidos orgánicos, baterías “gordas” sin eternas reverbs digitales, riffs de guitarra ácidos… nada nuevo, un ejercicio de estilo, pero que en el momento tenía algo, en su involucionismo, de revolucionario.

World Party llevaban existiendo desde 1986, y Karl Wallinger tampoco salía de la nada: durante unos años fue miembro de The Waterboys, y de su contribución a la banda salieron maravillas como la inmortal ‘The Whole of the Moon’, un ejemplo perfecto de su transición estilística de mediados de la década. Junto a sus aportaciones más contemporáneas a la canción (usar una caja de ritmos y sintetizadores, influenciado por su amor hacia –sorpresa– Prince) había a la vez guiños a ese pasado musical que pronto abrazaría al cien por cien: un coro plagiado directamente de ‘Fame’ de Bowie o ese “break” de trompeta que es puro ‘Penny Lane’.

Para 1986 ya lucía psicodélicas gafas tintadas circulares en la portada de su debut ‘Private Revolution’ adelantándose a Kravitz varios años. Una estética (con sus características camisas estampadas y abrigos de piel) que seguramente provenía del propio Prince, que a su vez había copiado en su fase con The Revolution del look de las bandas del fascinante movimiento musical californiano Paisley Underground (del que hablaremos otro día). Sin embargo el sonido del disco se quedaba a medias en su retro-emulación. Sería ya en 1990, con ‘Goodbye Jumbo’ cuando llegaría la reconversión total: ecos de Lennon, Sly Stone o Todd Rundgren que deleitaban como vehículo de enormes melodías. El disco se llevó un Grammy y apareció en muchas listas de lo mejor del año, confirmando que toda esa moda neo-retro del 89-90 (completada por ‘Sowing the Seeds of Love’ de los Tears for Fears o el debut de los Black Crowes) parecía haber llegado para quedarse. Al componente sonoro se añadía una inequívoca intención, además, en la estética de los vídeos, como en éste de puro look Super 8 que se vio recurrentemente aquel año en canales satélite como Super Channel.

Tres años tardó Karl Wallinger en grabar el disco siguiente (‘Bang!’), para algunos la cumbre de sus planteamientos artísticos. Su único single fue esta extraordinaria canción titulada ‘Is It Like Today?’: en la letra, ecos del rumbo errático de la historia de la humanidad, con el protagonista arqueando desconfiado la ceja ante cada cambio social, motivado por “fe, poder o razón”, ya que “la sangre tiene el mismo aspecto cuando abres la vena”. Al final, la humanidad abandona el planeta y flota a la deriva en el espacio. Una interesante y reflexiva viñeta que venía envuelta en una de las más memorables melodías de los primeros 90:

La canción empieza con un detalle muy significativo, la cinta analógica empieza a andar con la canción ya semiempezada… una especie de prueba auditiva del soporte utilizado (recordemos que Wallinger declaraba en entrevistas de la época cosas como “sólo creo en el poder del estudio de veinticuatro canales”). Al partir de ahí, producción exquisitamente clásica, armonías tan Beatles que casi suenan a la Electric Light Orchestra, y un piano que recuerda a los Kinks más melancólicos, y que en algunos momentos se sale por una deliciosa tangente entre psicodélica y espacial.

No tardarían en coger el testigo -o parte de él- sus compatriotas del Britpop naciente… en 1993 precisamente se publicaron ‘Modern Life Is Rubbish’ de Blur o el debut de Suede, y en un par de años habría docenas de grupos encantadas de reivindicar el pop de los 60, en algunos casos con millones de seguidores. Paralelamente, el mundo del alt-country abrazaba al otro lado del Atlántico parecidos planteamientos de regreso a la sencillez orgánica en las grabaciones, que arrastraría en parte a artistas de pop y rock y acabaría derivando en algo tan clásico (tan retro) como el sonido Americana. Como hemos visto, una evolución cuyas semillas se habían estado gestando desde mediados de los 80.

‘Is It Like Today?’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Jack Antonoff, el co-productor del año, prefiere trabajar con mujeres

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Una de las sorpresas para bien o para mal del disco del momento, ‘reputation’ de Taylor Swift, es cuánto suena a fun. Para mal porque alguien habría esperado algo más ingenioso o ambicioso de la última reina del pop y para bien porque la idea deja algunos de los momentos más disfrutables del álbum, como ‘Getaway Car’ o el estribillo de ‘This Is Why We Can’t Have Nice Things’. Esto es así porque Jack Antonoff es co-autor de medio disco, consolidando al miembro de fun., también conocido por su proyecto en solitario Bleachers y por ser novio de Lena Dunham, la creadora de ‘Girls’, como uno de los nombres clave del pop de 2017.

Taylor ya había confiado en Antonoff en ‘1989’, pues con él firmó tres canciones de aquel disco, entre ellas el single ‘Out of the Woods’, que ha terminado siendo un punto de partida para parte de este nuevo álbum. Pero es que además Antonoff ha co-escrito la música de todo el segundo álbum de Lorde, el excelente ‘Melodrama’, con la excepción de ‘Homemade Dynamite’, y también ha coproducido ‘MASSEDUCTION‘, el gran último disco de St Vincent. Si sumamos un par de créditos en ‘Beautiful Trauma’ de P!nk, es posible que veamos el nombre de Antonoff aparecer en los Grammys de 2018… y en los de 2019, en los que en verdad, por fecha, competirán algunos de estos álbumes.

Corrían las primeras semanas de 2012 cuando se popularizaba ‘We Are Young’ de fun., convirtiéndose poco a poco en todo un himno generacional gracias a la positividad cuasi Disney que contenía. ‘Some Nights’ consolidaría al grupo de Jack Antonoff junto a sus compañeros, entre los que hay que destacar al cantante Nate Ruess, que también ha triunfado sin Antonoff, por su cuenta, muy especialmente en ‘Just Give Me a Reason’ de P!nk. Pero por mucho que vendieran fun., lo cierto es que pocos vieron venir en la banda a un talento capaz de poner de acuerdo a Taylor Swift y a St Vincent (además de a Sia, Carly Rae Jepsen, Sara Bareilles, Fifth Harmony y Tegan and Sara).

Jack Antonoff cuenta con sus peculiaridades. Como indica en una entrevista con Stereogum, no produce canciones que le manden sin conocer al artista, y tampoco manda sus composiciones a artistas para que las aprueben. Le gusta colaborar mano a mano porque «no sabe aún si es bueno» haciéndolo de otra manera, y a poder ser con mujeres. En su lista de créditos casi todo son chicas, y entre los escasísimos chicos, si a alguien le sirve de algo, uno es abiertamente gay (Troye Sivan) y otro de orientación sexual indefinida, en concreto How To Dress Well, quien ha convivido en formato trío durante 18 meses, como él mismo cuenta cuando se lo preguntan. En otras palabras, si Jack trabaja con un chico, no va a ser con un machote a la manera del siglo pasado. «He trabajado con hombres y no ha funcionado tan bien», reconoce él mismo en The Independent. «Crecí con mis hermanas y una madre genial y siempre me he sentido a gusto rodeado de mujeres poderosas. Esa sensibilidad me ha aportado algo que sin duda está funcionando. La verdad es que lo que pasa cuando me junto con algun(a) artista es cuestión del corazón, hablamos del corazón y el fondo de lo que está pasando».

Y una de esas mujeres fuertes de las que se rodea es por supuesto Lena Dunham, quien se la lio hace un par de años bromeando sobre su ascendencia judía al escribir una columna llamada «Novio judío o perro», indignando a la comunidad judía, que la acusó de racista. «Los dos confiamos en el proceso creativo del otro, y nunca nos dejamos mal, a la vez que seguimos creyendo en la idea de que tenemos que escribir sobre lo que sentimos. Nunca le pediría no escribir algo, pero también confío totalmente en que nunca me deje en una posición rara. Escribamos canciones o guiones de televisión, hay una comprensión mutua», contaba en 2015 en The Guardian.

En cualquier caso, esa sensibilidad especial, fruto de su vida trágica y también de su profunda admiración por Lauryn Hill, Joni Mitchell, Kate Bush, Fiona Apple o Robyn, a quienes menciona como artistas favoritas además de a los Beatles, Tom Petty o David Bowie, ha sido probablemente decisiva para que Lorde le escogiera como hombre de confianza para escribir ‘Melodrama’. La neozelandesa quería cambiar de aires tras el éxito de su debut realizado junto a Joel Little, no escribe música ni toca ningún instrumento, pero sí es una «control freak» que tiene muy claros los conceptos en su cabeza. Así hablaba Jack sobre Lorde durante una entrevista con Popjustice: «Le pone un microscopio a todo. Está profundamente obsesionada con cada pieza del puzzle. Es el sonido puro de su cabeza. Creo que por eso hemos hecho un gran trabajo juntos, porque así es como yo también hago los discos. Me gusta que la gente sea obsesiva, de manera que si cambias un suspiro, lo noten. Eso es lo que queremos. Energía meticulosa y profunda».

De hecho, en absoluto Jack Antonoff puede plantearse como el hombre sabio «detrás» de Taylor Swift, Lorde o St Vincent, tomando sus decisiones, porque ninguna de ellas le necesita: no hay más que recordar que su último disco como Bleachers es estupendo y disfrutable, pero no cuenta con el beneplácito crítico o comercial de ellas porque entre otras cosas tiene el single ‘Don’t Take the Money’ -excelente, eso sí- demasiado marcado. Más que un talento sobrenatural como autor, parece aportar su capacidad para comprender a su co-autora y aportar cosas. «Solo me interesa trabajar con gente que tenga las cosas súper claras. Para trabajar con alguien que no sabe lo que quiere ya tengo mis propios discos», contaba jocosamente también en The Independent.

Mientras la co-autoría junto a Taylor va a aportar una locura de ceros a su cuenta y por supuesto solo tiene palabras buenas para ella («lo que es increíble de Taylor es que escribe de la misma forma que yo lo hacía con 15 años» y «una de las razones por las que es tan brillante es porque simplemente simplifica el proceso», contaba ya en 2015 a raíz de ‘Out of the Woods’), reconoce haber hecho especiales migas con St Vincent. «Estoy muy orgulloso de este disco (‘MASSEDUCTION’). Ha llevado muchísimo tiempo. Ha sido muy intenso el proceso de documentar lo que ella quería decir», decía en The Independent, mientras en Stereogum añadía: «En muchos sentidos, (Annie Clark) me es más cercana que otras personas con las que he trabajado. Es extraño. En muchos sentidos, trabajar en ese disco es lo más cercano que he hecho a lo que soy yo de todo lo que he hecho».

El sensual post-disco de Salfvman no abrasa, pero sí envuelve

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Si últimamente has asistido a Primavera Sound, Monkey Week o Autoplacer posiblemente te hayas topado con un concierto de Salfvman. El proyecto de los valencianos Sandra Rapulp y Diego Fertita, del que ya os hemos hablado en un par de ocasiones, cuando era solo el proyecto de ella, lleva varios EPs a sus espaldas, al que este viernes 10 de noviembre han sumado el mejor de todos, ‘Ambiente satén’, en el que entregados a un post-disco y R&B vaporoso y sensual, han presentado canciones tan buenas como ‘Satén’ u ‘Oro’, que no desentonarían en un disco de Nite Jewel o, sin ir más lejos, en el de la compatriota Brigitte Laverne.

El grupo maneja además ritmos muy sugerentes y fluidos, nada abrasadores como ese producto de ácido clorhídrico que le da nombre, como es el caso de un ‘Satén’ que parece haber mandado una oscura discoteca neoyorquina de 1982 hasta nuestros días a través de una máquina del tiempo. Claro que Rapulp canta en español: “sé que tú no lo sabes, yo conozco tus claves, puedo prometer, que antes de perder, no te vas a caer”. La canción coge una marcha imparable desde que empieza y es casi imposible no dejarse llevar también por sus evocadoras guitarras, que se funden en la niebla tanto como esas luces de neón que emanan de sus sintetizadores.

Salfvman dice que busca “crear un ambiente hipnótico y sexy que haga bailar tanto en casa como en los festivales”. En eso entra también el vídeo de ‘Bunic’ y sus “ambientaciones” inspiradas en la estética “vaporwave”, que tanto encajan con la fórmula retrofuturista de Salfvman, definida también en la romántica “prom ballad” de ‘Sí’ -cuyos sintetizadores no podrían ser más reconfortantes- o incluso las inquietudes pseudo-caribeñas y algo más experimentales de ‘Seda’.