Como se anunció hace unos meses, el debut de Sia en la discográfica Atlantic -tras su marcha de RCA, el sello que ha publicado sus últimos discos superventas- se materializará con un disco navideño, del que ahora se conocen más detalles. ‘Everyday is Christmas’ sale el 17 de noviembre y esta que veis es su portada, que retrata a Maddie Ziegler y remite obviamente a la de ‘This is Acting’.
De ‘Everyday is Christmas’ también se ha dado a conocer su listado de canciones, que no podría contener más clichés navideños por título: ‘Snowman’, ‘Snowflake’, ‘Ho Ho Ho’, ‘Underneath the Mistletoe’… Realmente la curiosidad aquí reside en que esto es material cien por cien original. ¿Habrá dado Sia con un nuevo clásico navideño a la altura de ‘All I Want For Christmas Is You’?
A falta de escuchar el primer single de este disco, Spotify ha revelado que regalará unos gorros de Sia a las personas que más hayan escuchado a la artista en la plataforma de streaming este 2017. ¿Será alguno de nuestros lectores uno de los afortunados? La prenda, por cierto, es el “gorrito de Sianta Claus”. Sí, sí, en serio…
‘Everyday is Christmas’:
01 Santa’s Coming for Us
02 Candy Cane Lane
03 Snowman
04 Snowflake
05 Ho Ho Ho
06 Puppies are Forever
07 Sunshine
08 Underneath the Mistletoe
09 Everyday is Christmas
10 Underneath the Christmas Lights
Sia's making your holidays brighter with 'Everyday Is Christmas,' out 11/17 🎅 – Team Sia pic.twitter.com/JSVf1c7GbK
Marilyn Manson tiene claro su propósito en la música (aparte de hacer entrevistas tocahuevos -literalmente-): “no intento salvar el mundo; soy un tornado que intenta joderlo todo, porque el mundo necesita caos, si no no puede haber evolución”, ha declarado en una entrevista. Su nuevo disco, ‘Heaven Upside Down’, sin embargo, ni presenta una gran evolución en su sonido, ni en sus letras, ni en sus melodías, ni mucho menos tiene pinta de que vaya a “joder” el mundo de ninguna manera: es, ni más ni menos, otro disco de Marilyn Manson. Y cumple su propósito.
Ya desde su título, ‘Heaven Upside Down’ nos sitúa en un “cielo del revés” y el disco está lleno de referencias a Jesucristo, Satán, la Biblia, el apocalipsis, la Torre de Babel o a “Cocaine and Abel” (por no hablar de sus vídeos, que cuando no presentan monjas asesinas, son un chorreo de sangre). Como siempre, Manson emplea en su disco referencias religiosas o esotéricas para hablarnos sobre la sociedad estadounidense y también para hablarnos sobre sí mismo. Pero “cielo del revés” no significa “infierno”, sino que apunta a un paraíso trastornado, en crisis, en proceso de cambio, y de eso nos habla la canción central del disco, ‘Saturnalia’, dedicada a Saturno, Dios de la disolución, la generación y la renovación. Una de las canciones más importantes del disco, según Manson, y también la más emocionante y, por calidad, su punto cumbre.
Varias canciones en ‘Heaven Upside Down’ reflejan ese mismo cambio: el álbum arranca con un tema dedicado al apocalipsis, el sucio y agresivo ‘Revolution #12’, y se desarrolla por un proceso de transformación que culmina en ‘JESUS CRI$I$’, que contiene una posible referencia a la Torre del tarot, como se menciona en Genius. Una carta que representa un proceso de destrucción y cambio (el resto de la letra “si no te decides entre que luche contigo o que te folle, ya decido yo por ti” no será muy bienvenida en el contexto de las acusaciones contra Harvey Weinstein). Llegados a este punto, cabe preguntarse si ‘Heaven Upside Down’ contiene mención alguna, explícita o no, a Donald Trump, y la respuesta (por suerte) es que no. Pero si hay algo que refleje una crisis en la sociedad americana es la llegada de Trump a la Casa Blanca, y eso hace de ‘Heaven Upside Down’ un disco relevante para la cultura popular de Estados Unidos en estos momentos, aunque solo sea temáticamente.
Porque si ‘Heaven Upside Down’ refleja una crisis en la sociedad, por sonido estamos ante otro álbum de Manson para jugar al “¿a qué clásico recuerda esta canción ahora?”. En el disco hay elementos de otros trabajos anteriores de Manson y hay cosas que destacar por ejemplo en el porte punk de ‘Revolution #12’ y la furiosa ‘WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE’, que remiten vagamente a los dos primeros discos de Manson; el ritmo bailable de ’KILL4ME’, en los sintetizadores afilados como cuchillos de ‘Tattooed in Reverse’ o en la robustez y el revestimiento glam de ‘Threats of Romance’ (ese piano). Puede que Manson no ofrezca aquí grandes hallazgos que sumar a su repertorio, pero sí mantiene un buen nivel a lo largo del disco y lo que busca en ‘Heaven Upside Down’ lo consigue. Pero aunque Manson no se dedique ahora a reinventarse radicalmente, sus canciones igual sí necesitan que alguien las ponga “del revés”, en busca de algún tipo de evolución.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Revolution #12’, ‘WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE’, ‘Tattoed in Reverse’, ‘Saturnalia’ Te gustará si: eres fan Escúchalo:Spotify
Una de las joyas presentadas este año en el Festival de Sitges es ‘A Ghost Story’, la nueva cinta de David Lowery, conocido por ‘En un lugar sin ley‘. La película protagonizada por Rooney Mara y Casey Affleck es un precioso retrato de la muerte de uno de los miembros de una pareja, pero desde un punto de vista diferente: el del fantasma incapaz de dejarse ir. Premiada con el galardón a mejor fotografía, ‘A Ghost Story’ puede pecar de ceñirse a eso, a «una bonita fotografía» en la que no pasa demasiado, durante parte de su metraje, pero finalmente deja un gigantesco poso y un considerable desasosiego gracias a su reflexión existencialista sobre la muerte, el sentido de la vida, la crisis de mediana edad o la empatía por quien se ha marchado versus la propia pena que supone perder a un ser querido.
La película cuenta con un cameo de Kesha y un monólogo entre divertido y demoledor de Will Oldham, más conocido como Bonnie «Prince» Billy, pero ni por esas a nadie se le va a escapar que el momento musical más importante de la película es la aparición de la canción ‘I Get Overwhelmed’. ¿Sabéis esas ocasiones en que una canción captura al 100% la esencia de una película hasta el punto de resumirla, hasta el punto de que canción es indisociable de la película y viceversa? Pues esta es una de esas ocasiones.
La banda sonora de ‘A Ghost Story’ ha corrido a cargo del colaborador habitual de Lowery, Daniel Hart, quien ha trabajado también con gente como St Vincent, Swans o Broken Social Scene. Cuenta la leyenda que a 3 meses de empezar a rodar, Hart le envió a Lowery esta canción y al director de la cinta le gustó tanto que no podía parar de escucharla por todas partes, añadiendo inmediatamente una escena más para que la composición luciera de manera absoluta.
Y vaya si lo hace. Con un fondo musical y una voz protagonista que podemos vincular a Jónsi, Bon Iver, James Blake, James Vincent McMorrow, Sigur Rós o Majical Cloudz (me encanta un comentario de Youtube que dice “esta actuación no puede ser más pretenciosa y aun así me encanta a pesar de mí mismo»), la letra alterna la cotidianeidad de la vida diaria con el vacío que deja la soledad de un amante que se ha marchado para no volver. Aunque “carece de estribillo”, sí se repiten estructuras, tarareos y aparecen arreglos que hacen la canción recordable desde la primera escucha.
Como resultado, desde que la película se proyectase en el Festival de Sundance, la popularidad de ‘I Get Overwhelmed’ no ha dejado de crecer, suma ya 1 millón de escuchas en Spotify y Daniel la ha incluido en un disco de su proyecto paralelo Dark Rooms, si bien tiene toda la pinta de ensombrecer todo lo que puedan tocar estos.
Queda menos de un mes para que se publique ‘Reputation’, el esperadísimo nuevo álbum de Taylor Swift y su estrategia de marketing sigue siendo confusa, cuanto menos. Una impresión que no esperábamos, teniendo en cuenta lo mucho que parece medir cada paso que da. O eso nos pareció cuando fue desgranando aquellos vídeos en Instagram que, vistos en miniatura, conformaban una serpiente; o cuando hizo sombra al lanzamiento del último clip de Katy Perry publicando el mismo día ‘Look What You Made Me Do’, o cuando soltó el micro con el enorme vídeo de ese mismo single…
Sin embargo, tras lograr de manera rotunda el número 1 en EEUU y, por vez primera, en UK con esa canción, no ha seguido dando que hablar como se suponía, ni por sus obras (‘…Ready For It?’ ha sido la única canción nueva presentada tras ‘Look What You…’ y su repercusión ha sido discreta), ni por sus actos. Porque, por el momento, apenas ha aparecido en público un poco más que antes de iniciar la campaña de ‘Reputation’. Algo que hace sospechar que quizá no todo ha ido tan bien como parecía al principio y haya hecho replantearse la estrategia a su equipo. No ha pasado nada, en suma, que justifique su nominación a Artista del Año en los MTV EMAs.
Hoy, al fin, parece que hace algo significativo por la promoción de este nuevo disco. Según reportan medios británicos de todo tipo, ha sido vista filmando durante horario nocturno en distintas localizaciones típicas de Londres: un paseo en bici por el Puente del Milenio, un pub… emmmm… un local de kebabs en el Norte de Londres. Según The Telegraph, Taylor ha visitado de incógnito esa zona de la ciudad con frecuencia durante los últimos meses junto a su nuevo novio, el actor Joe Alwyn, que ese precisamente de esa zona de la capital británica. Este diario tiene una fuente que asegura que el vídeo muestra a Taytay haciendo las típicas cosas que se hacen de fiesta por la noche, “para demostrar que es una chica normal”. ¿Acaso es eso posible?
En todo caso, seguimos sin saber para qué canción será este vídeo, ni cuándo se mostrará. Una pista podría ser que, en un giro de los acontecimientos, parece que esta semana se enviará a las emisoras de radio la citada ‘…Ready For It?’, pese a que se había dicho de forma explícita que no era el segundo single de ‘Reputation’. Una de dos, o Swift y su equipo están improvisando sobre la marcha, o estamos ante una estrategia de promoción tan novedosa que no podemos entenderla todavía.
Taylor Swift has left fans perplexed by shooting her new music video in a London kebab shop. pic.twitter.com/g4URT7p38e
No Age, dúo de Los Ángeles que revolucionara el rock underground de finales de la pasada década con discos tan volcánicos e incisivos como ‘Weirdo Rippers’ y ‘Nouns’, parecía totalmente desaparecido. Tras su disco publicado en el verano de 2013, ‘An Object’, en el que expandían además los límites de su lo-fi punk, apenas habíamos tenido noticias de Randy Randall y Dean Spunt, hasta ahora cuando, dejando atrás la aventura en el popular sello Sub Pop –en el que su música, curiosamente, se hizo menos melódica, más arisca e incómoda–, reaparecen anunciando un nuevo disco.
‘Snares Like a Haircut’ será el quinto largo oficial de No Age y verá la luz ya en los primeros días del año que viene. Concretamente, el 26 de enero. Lo hará en Drag City, sello que acoge las obras de artistas como Bill Callahan o Joanna Newsom y que hasta hace poco era espartano con la exposición de su catálogo en la red –ahora sigue sin estar en las grandes plataformas de streaming, pero sí puede escucharse parte de él en Bandcamp–. El anuncio de este disco se acompaña de una muestra de su actual sonido, bajo el nombre de ‘Soft Collar Fad’.
Una canción que remite a la inmediatez violenta pero ultramelódica de sus primeros trabajos. Un sonido que, como apunta Drag City en su gráfica nota de prensa, parece más necesario que nunca en estos tiempos inciertos: “Con el mundo a nuestro alrededor amoratado y ensangrentado, con los dientes ya clavados en el bordillo de la acera, nos encontramos con la sombra de una enorme bota acercándose. ¿Qué mejor momento para No Age? Ellos saben bramar y encenderse extáticamente a través del dolor, porque, ¿qué otra cosa puedes hacer? El futuro pertenece a las cucarachas, y este disco está hecho para el dispar grupo de inadaptados que 2017 no pudo matar”.
Tracklist de ‘Snares Like a Haircut’:
1. Cruise Control
2. Stuck In The Changer
3. Drippy
4. Send Me
5. Snares Like A Haircut
6. Tidal
7. Soft Collar Fad
8. Popper
9. Secret Swamp
10. Third Grade Rave
11. Squashed
12. Primitive Plus
El próximo viernes se publica ‘Glasshouse’, el tercer disco largo de la cantante y compositora británica Jessie Ware, y por eso está intensificando su maquinaria promocional. En los últimos días ha presentado el vídeo oficial de ‘Alone’, tercer tema avanzado del disco tras ‘Midnight’ y ‘Selfish Love’ –la cual, recordemos, ha sido objeto de una insólita adaptación al español–. Se trata de un clip de cuidada factura estética, pero algo más aburrido que los de esos otros dos singles, filmados en Mallorca y con el trasfondo de una relación sentimental complicada –por decirlo de una manera suave y sin espoilear–.
También ha presentado otra de las canciones incluidas en el disco, que en este caso tiene más miga. Se trata de ‘Sam’, un lacrimógeno baladón semiacústico compuesto junto a Ed Sheeran y Francis Farewell Starlight (Francis and The Lihts) en la que, arreglos jazzísticos al margen, lo más llamativo es la literalidad de su letra: en ella se dirige a su madre para decirle cuánto la admira, que espera ser tan buena madre como ella y, de paso, hablarle de lo que siente por su ya marido, Sam Burrows. Cuenta de él que cuenta que ha sido su único amor desde los 17 años y que está “muy lejos de [parecerse a] su padre”. John Ware, padre de Jessie, es un conocido periodista que se divorció de su madre cuando aquella tenía 10 años y formó una familia con otra mujer.
Jessie Ware lanza este nuevo álbum después de haber triunfado en 2012 con su debut ‘Devotion’, que tuvo una gran respuesta comercial, sobre todo en Reino Unido, donde fue Disco de Oro. Tampoco lo hizo mal, aunque por debajo de aquel, su segundo disco ‘Tough Love’, publicado en 2014.
Desde que la semana pasada se supiera que uno de los productores más importantes de Hollywood, Harvey Weinstein, era despedido de su propia compañía debido a varias acusaciones de acoso sexual, la industria del entretenimiento –sobre todo la del cine, pero también la televisión y la música– está viviendo una avalancha de casos silenciados o desapercibidos verdaderamente terrorífica. Tras los primeros testimonios de Mira Sorvino, Rosanna Arquette y Asia Argento en un reportaje de The New Yorker, más de 30 actrices populares se han sumado a denunciar públicamente el trato dispensado por Weinstein, al que definen como un depredador sexual: Angelina Jolie, Gwyneth Paltrow, Ashley Judd, Cara Delevigne, Léa Seydoux –la cual ha explicado su experiencia en un crudo artículo para The Guardian, corroborado por su amigo, el músico Jeremy Jay– y Lysette Anthony –la británica asegura que fue violada por él– han contado cómo el fundador de Miramax se valía de su posición de poder en la industria para forzar encuentros en los que se insinuaba sexualmente e incluso trataba de forzar a las actrices. Es algo que al parecer ha sucedido con frecuencia durante los últimos 30 años y que, en caso de producirse una denuncia, silenciaba con acuerdos económicos.
Lo más pavoroso del asunto es que era un secreto a voces en Hollywood: aunque muchos dicen sorprenderse, Jessica Chastain o Kate Winslett han contado que ya habían oído del asunto. Incluso ha emergido un vídeo de la presentación del Oscar a la mejor actriz del año 2013 en el que Seth McFarlane aseguraba que, por suerte para las cinco nominadas, “ya no tendrían que fingir que les gusta Harvey Weinstein”. También se ha recordado que la músico Courtney Love dijo en una entrega de premios en 2005: “Si Harvey Weinstein te invita a una fiesta privada en el Four Seasons (hotel de lujo de Beverly Hills), no vayas”. Ahora Love ha contado en Twitter que, aunque nunca sufrió ese acoso, sí fue vetada por esas declaraciones de CAA, la agencia de interpretación más importante de Hollywood. Sin embargo, no ha sido hasta hace unas horas que Weinstein ha sido expulsado de la Academia de Cine De Hollywood. Sumado a los casos judiciales en marcha contra el actor Bill Cosby, es evidente que tristemente no es algo inédito en la Meca del cine, pero este caso parece haber hecho despertar a las actrices y mujeres de esa industria.
Sin embargo, como decíamos al principio, el escándalo Weinstein no ha hecho más que espolear la aparición de más casos, de manera casi insólita y también en otros ámbitos. En el televisivo, el presidente de Amazon Studios, Roy Price, ha sido suspendido por la compañía después de que la hija del célebre escritor Philip K. Dick, Isa Dick Hackett, denunciara en una entrevista que fue acosada sexualmente por él durante una cena en la que hablaban sobre el proyecto de la serie ‘The Man In The High Castle’, basada en una novela de Dick. En el mundo del rock, también hemos conocido diferentes noticias igualmente terribles: Real Estate han asegurado ahora que despidieron del grupo a su anterior guitarrista Matt Mondanile (ahora en Ducktails, que han sido despedidos de Domino de manera fulminante) después de que este fuera acusado por varias mujeres de haber sido tratadas de forma “inaceptable”; del mismo modo, el ex-guitarrista de Mac DeMarco y autor de discos como ‘Strange Dreams’, Alex Calder, ha sido despedido de Captured Tracks después de que el músico fuera acusado de una agresión sexual; también ha sido cancelada la gira del productor de electrónica The Gaslamp Killer por Australia después de ser acusado de violación por una mujer y su amiga en el año 2013 –lo cual él ha negado–.
De manera aún más llamativa y a medio camino de ambos mundos, una de las mujeres más influyentes de la música pop de los últimos 20 años, la islandesa Björk, también ha denunciado un caso de acoso sexual vivido en sus propias carnes. “Inspirada por las mujeres de todas partes que están hablando online”, ha decidido contar en su perfil de Facebook su experiencia personal “con un director danés”. Aunque protagonizó ‘The Juniper Tree’ en el año 90 a las órdenes de la norteamericana Nietzchka Keene en Islandia y participó en ‘Drawning Restraint 9’ de su ex-marido –también norteamericano– Matthew Barney en 2005, su experiencia cinematográfica más destacada fue la película musical ‘Dancer In The Dark’ (en España, ‘Bailar en la oscuridad‘, del año 2000) dirigida por el danés Lars Von Trier. Aunque no le cite en ningún momento, blanco y en botella. Björk asegura que le sorprendió descubrir, viniendo de uno de los países más igualitarios del mundo y estando en una “posición fuerte” en el mundo de la música, que la norma en el cine era que el rol de la mujer era el de alguien “inferior”, y que el acoso sexual y los tocamientos estaban totalmente normalizados y asumidos por todos los implicados en la industria.
También cuenta que, cuando se negaba a ello, el director “se enfurruñaba” y la “castigaba”. Dice que ella logró zafarse de ello gracias a su fuerza y su “gran equipo”, pero teme que otras actrices con las que trabajara el “mismo hombre” no lo consiguieran. Pero está segura de que “el filme que el director hizo después estaba basado en sus experiencias conmigo” –la primera película que hizo Von Trier tras ‘Dancer In The Dark’ fue ‘Dogville’, protagonizada por Nicole Kidman– y asegura que “tuvo un comportamiento más justo y una relación más seria con sus actrices” tras su enfrentamiento, por lo que cree que hay esperanza y que su escrito se une a “una ola de cambio en el mundo” para “detener esto”.
Actualización: En una entrevista a un medio danés, Lars von Trier ha negado las acusaciones de Björk, asegurando que “no es el caso” que acosara sexualmente a la artista, aunque apunta “es un hecho que no nos llevamos bien”. Por su parte, el productor Peter Aalbæk Jensen, que trabajó en ‘Bailando en la oscuridad’ junto a von Trier y Björk, ha defendido al director, explicando “lo que recuerdo que es que las víctimas fuimos nosotros, esa mujer era más fuerte que Lars von Trier, yo y todo el equipo de la película juntos”. Björk no ha respondido a estas declaraciones.
‘Fe de etarras’, la nueva película de Borja Cobeaga (‘Pagafantas’, ‘Negociador’), llega envuelta de cierta polémica. La Asociación de Víctimas del Terrorismo ha pedido que no se estrene, la campaña de promoción de Netflix ha recibido una denuncia por un «posible delito de humillación a las víctimas del terrorismo» -ya rechazada por la Fiscalía de la Audiencia Nacional- y Netflix ha hecho además coincidir su estreno con el Día de la Hispanidad.
La situación de la trama -cuatro etarras reunidos en un piso franco de Madrid esperando para atentar- en 2010 es el gran acierto de la película y de la fecha de estreno. Justo cuando los balcones de la capital -sobre todo el Barrio Salamanca, pero no solo este- se llenan de banderas de España coincidiendo además con la crisis por la independencia catalana, llega al mercado una cinta sobre unos etarras ahogados por el récord de nacionalismo que ha vivido el país en los años recientes, el cual no ha tenido nada que ver con el PP ni con el Día de la Hispanidad ni con Felipe VI: la victoria de La Roja en el Mundial.
Esta ocurrencia nos deja algunas de las (pocas) escenas tronchantes de la película, como la de la aparición de la bandera con toro o la de los petardos. Como ya hiciera como coguionista de ‘Ocho apellidos vascos’ y ‘Ocho apellidos catalanes’, Cobeaga sabe rescatar algunas de las contradicciones e idas de olla de nuestra sociedad para hacernos reír, y así la escena del Trivial, las discusiones gastronómicas («en ETA se comía de puta madre») o esa manera de hacer de menos en el comando a quien proviene de La Rioja o incluso Albacete resultan divertidillas. Sin embargo, otras escenas, como la visita a los vecinos musulmanes, no es que sean ofensivas o no sino que simplemente van muy justitas de gracia.
También perjudican severamente los titulares que la cinta ha copado durante los últimos días: ‘Fe de etarras’ ni es tan irreverente, ni contiene tanto humor negro, ni es tan ofensiva con nada ni nadie. Al contrario, la deriva del personaje de etarra de Ramón Barea, que por cierto, de quien debería hacer en una película es de Mariano Rajoy, deja muy claro el signo por el que apuesta la cinta. Aquí los únicos que se podrían sentir ofendidos son los fans de Lady Gaga (bueno, los que no tengan sentido del humor). Por alguna razón que se me escapa, abre y cierra la película una canción totalmente desconocida (menos de 1000 escuchas en Spotify, pese a haberse editado en 2012) de Goienetxe Anaiak llamada ‘Zabor Gehiegi’ que se dedica a mandar «a la mierda a Lady Gaga», le pide que lo deje y arremete contra el pop americano en general.
Mejor que aquella cosa de Leire con David Demaría está, pero no es que añada mucho sentido a una película que no va ni a seducir a los amantes del humor irreverente de un ‘Four Lions’, 30 añazos después de los terroristas chiítas de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’; ni probablemente sirva para estirar el chiste de ‘Ocho apellidos vascos’. Quizá para ese público generalista, la violencia de la película y los muertos que dejó ETA sí que sean ya demasiado. 4.
Hace unas semanas, mientras leía la anécdota con la que el crítico de televisión Alberto Rey comenzaba un artículo en El Mundo sobre ‘Juego de Tronos’, recordaba otra mía: la primera vez que oí hablar de la serie fue porque una compañera de clase, que se había devorado los libros publicados hasta el momento por George R.R. Martin, me habló de ellos, de que HBO estaba preparando una adaptación y de que “los frikis de ‘Canción de Hielo y Fuego’ estamos deseando verla”. En estos años, la serie de los Siete Reinos ha conseguido unir a frikis y a las señoras de la anécdota de Rey en un mismo target, una idea de la que los expertos en márketing se hubiesen reído por imposible… pero que así es. Tan imposible como ver a políticos hablando de ella, a Pablo Iglesias regalándosela al Rey o a Cifuentes llevando esa camiseta, tan imposible como (aviso: a partir de aquí, spoilers, no explícitos pero spoilers, de las temporadas emitidas) cerrar el piloto de una serie tirando a un niño de una torre, tan imposible como matar a quien parecía el protagonista a las primeras de cambio, tan imposible como la Boda Roja. Tan imposible como un dragón o tan imposible como presentar una guerra que tiene a MUJERES liderando prácticamente todos los bandos, como ocurría nada más empezar esta temporada. Tan imposible antes y tan posible ahora.
HBO acertó de pleno arriesgándose con una superproducción que, de haberse estrellado, hubiese podido ser el equivalente televisivo de ‘Waterworld’. Su audiencia no solo no ha bajado a medida que pasaban las temporadas, sino que ha ido ganando cada vez más espectadores hasta llegar a datos increíbles, con un pico de 12,1 millones en su último episodio… y esto teniendo en cuenta solo a la gente que lo vio en EEUU por HBO en su primer pase en televisión (todos sabemos que las cifras reales realmente serían mucho mayores). Cuando se estrenó, nuestro compañero Lolo se preguntaba si a algunos les resultaría una serie “solo apta para frikis”, aunque también apuntaba la posibilidad de un campanazo. Ha sido claramente lo segundo: cuando acabó ‘Perdidos’ se habló mucho de quién sería su “heredera” en cuanto a serie-fenómeno -ni ‘Fringe’, ni siquiera la exitosa ‘The Walking Dead’, ni… ¿os acordáis de ‘FlashForward’?, lo fueron-, y parece claro no solamente que ‘Juego de Tronos’ lo sea, sino que probablemente la haya superado en cuanto a popularidad (no me matéis los fans de Locke y compañía, yo también fui lostie pero la realidad es esa). ¿Cómo ha ocurrido esto? ¿De verdad es para tanto?
Si tenemos que enumerar sus puntos fuertes, es justo empezar por la calidad del material en que está basada. Sí, hay de todo, adaptaciones que mejoran el original (‘A Single Man’), otras que, sin llegar a mejorarlo, le hacen justicia de sobra (‘Misery’) y otras, como la de ‘El Retrato de Dorian Gray’ que… bueno. Pero sin duda es una ventaja partir de un material que da tanto juego como el de los libros de Martin: personajes multidimensionales dibujados con mimo, historias que mezclan fantasía y política en un mundo inventado que no es simple pero sí más accesible que el de Tolkien, mil giros de guión (hasta el punto de que se hiciese viral un vídeo con las reacciones a la Boda Roja, como veis sobre estas líneas) y momentos que son un regalo/desafío para un actor, como lo fue para Peter Dinklage el monólogo de Tyrion en la cuarta temporada o para Lena Headey su paseo en la quinta. Esto nos lleva a otro de los aspectos positivos: el reparto. Cersei Lannister sería un personaje interesantísimo aunque lo interpretase Kim Kardashian, pero Benioff y Weiss deben estar besando el suelo por donde pasa Headey, que se come la pantalla con una simple mirada. Pero no es ni mucho menos la única baza actoral: Sophie Turner, el citado Dinklage, Charles Dance o Michelle Fairley son algunas de las joyas entre los papeles principales, y una cuidadísima selección de secundarios, con Diana Rigg, Natalie Dormer, Aidan Gillen, Rose Leslie, Indira Varma (una pena cómo han desaprovechado la potentísima historia de Dorne), Conleth Hill, Iwan Rheon o Carice van Houten como algunos ejemplos.
“Aprendo lento, es cierto, pero aprendo” dice Sansa Stark en una escena clave de la última temporada emitida. La suya es una de las mayores evoluciones de los personajes en la serie, dejando al descubierto de paso, como pasó con Skyler en ‘Breaking Bad’, cierto machismo en los espectadores que se cebaban con ella (el odio tan visceral a Sansa, habiendo en la serie personajes mucho más despreciables y/o estúpidos que ella, me hace recordar el “doctor, obviamente usted nunca ha sido una chica de trece años” de ‘Las Vírgenes Suicidas’). En general, las evoluciones de sus personajes comportan otro de los aspectos destacables de ‘Juego de Tronos’: el caso de Sansa es evidente, pero ahí tenemos a Jaime, Cersei, Daenerys, Arya, El Perro y otros tantos.
La evolución de personajes que se ha ido produciendo temporada a temporada coincide además con los cierres, provisionales o incluso definitivos, de tramas que han durado no ya una sino varias temporadas (Cersei con sus “relaciones eclesiásticas”, su paseo.. y su respuesta a todo ello), o incluso toda la serie: es el caso de los Stark, tan apaleados durante estos años y que por fin parecen estar teniendo una justa venganza. En esos momentos (las habilidades culinarias de Arya, el encuentro final de Sansa y Ramsay o la escena a la que pertenece la frase que citábamos antes) los espectadores, tan acostumbrados a sufrir, acaban aplaudiendo. Tampoco podemos olvidarnos de la música, y no nos referimos solo a las aportaciones más (The National y el escalofriante ‘The Rains of Castamere’) o menos (Ed Sheeran en el 7×01) afortunadas de artistas consagrados, sino a la banda sonora de la serie, por lo general obra de Ramin Djawadi, que sabe aportar las dosis de épica necesarias, y cuya cima podemos decir que está en ‘Light of the Seven’, la majestuosa pieza que abría el último episodio de la sexta temporada -y responsable en parte de que muchos consideren esos 10 primeros minutos uno de los puntos cumbre de la serie.
Así que, respondiendo a la pregunta, quizás sí que sea para tanto. No se trata de la mejor serie de la Historia, probablemente tampoco estaría en un Top 5 (al menos para mí), y tiene más de un punto débil, pero no se pueden negar sus muchas virtudes, ni tampoco todo lo que ha supuesto tanto en la televisión como fuera de ella. Y lo que le queda por suponer: aún falta por emitirse la octava y última temporada, que se rumorea podría retrasarse hasta 2019 (!), por lo que nos queda mucho tiempo por delante para teorizar sobre quién se sentará finalmente en el Trono de Hierro, si es que se sienta alguien, sobre sobre qué pasará con los Caminantes Blancos, sobre los linajes familiares de los protagonistas, sobre si el culo de Kit Harington cumple la proporción aúrea (sí, esos titulares existen), sobre qué pasó con los irónicos recaps de tumblr y sobre qué haremos nosotros una vez que todas esas preguntas y teorías se hayan visto respondidas; es decir, una vez que todo esto acabe. Si es que estamos aquí para verlo, como dice bajo estas líneas la abuela que se ha hecho famosa por sus comentarios sobre la serie, llegando a ser entrevistada por Carlos Herrera. Tal cual. ¿Cuántas pruebas más se necesitan para demostrar que ‘Juego de Tronos’ no ha sido, no está siendo y no va a pasar a la Historia como “una serie más”?
Hamilton Leithauser de The Walkmen nos conquistó definitivamente con su clasicismo en su estupendo disco junto a Rostam, donde disfrutamos a lo grande de canciones como ‘A 1000 Times’ o la sobrecogedora ‘In a Black Out’.
Y ahora sigue la misma línea en todos los sentidos: en solitario pero muy bien acompañado, ha publicado una canción maravillosa esta semana que parece como salida de otra época. ‘Heartstruck (Wild Hunger)’ podría haber sido cantada por Elvis Presley o Roy Orbison, mientras el insistente y lineal piano (no tan alejado del que sirvió tantas comparaciones entre ‘Roar’ de Katy Perry y ‘Brave’ de Sara Bareilles’) nos remite a clásicos como ‘At Last’ de Etta James o más recientemente ‘Wake Up Alone’ de Amy Winehouse.
El tema cuenta con la colaboración de Angel Olsen, quien curiosamente parece Cyndi Lauper en cuanto abre la boca. Sobre ella, Hamilton ha dicho: «Creía que ‘Wild Hunger’ debía interpretarse con gran pasión y energía, y necesitaba una voz fiera y atronadora como contrapunto. Por suerte, conseguí a quien quería: Angel Olsen». Además, añade: «esta canción es sobre cuando una emoción te coge con la guardia baja, cuando te noquea con más fuerza que para la que estabas preparado. Es una situación desesperada y divertida. La desesperación puede ser ridícula, lo cual puede ser un poco divertido, pero también agonizante». Muy apropiadas, por tanto, portada y animación en Youtube. El disco nuevo de Hamilton se espera ya para 2018.
RTVE ha confirmado al fin este miércoles 18 de octubre por la mañana que la fecha de regreso de Operación Triunfo es el próximo lunes 23 de octubre, como habían revelado medios televisivos como Fórmula TV. Sigue sin ser oficial, en cambio, el listado de candidatos filtrado hace unos días.
Un despiste en la APP oficial desvelaba la imagen de los 18 concursantes del nuevo Operación Triunfo, que RTVE planea para este otoño con la participación, entre otros, de Guille Milkyway de La Casa Azul como profesor. Roberto Leal ejercerá la función de presentador. La imagen filtrada -aunque hay quien dice que se buscaba simplemente generar runrún- revela los nombres de dos de los concursantes, Alfred y Thalía, pero además, hay quien ha hecho los deberes, reconociendo a concursantes de otros realities recientes.
Según informa Fórmula TV, la número 3 es Nerea de ‘La Voz Kids’, la número 7 es Amaia Romero de ‘El número uno’, la número 11 es Mimi de ‘Fama Revolution’ y el número 14 es Ricky Merinto. También se ha reconocido a Raoul Vázquez (6), Joao (13), Luis Cepeda (9) y el mencionado Alfred de ‘La Voz’. De todos ellos solo 16 entrarán en la Academia de Noemí Galera finalmente.
La filtración revela también que la APP está preparada para que los usuarios escojan cada semana a sus favoritos, e igualmente han aparecido las primeras fotos de cómo será el plató.
Marilyn Manson ha tenido que reubicar varias fechas de la gira de presentación de su último disco ‘Heaven Upside Down‘ después de que parte del escenario se le cayera encima en Nueva York el pasado 1 de octubre. El accidente no fue moco de pavo, según ha contado ahora a Yahoo. «No estoy seguro de qué fue lo que me dio en la cabeza, pero cayó sobre mi pierna y rompió el peroné por dos sitios. El dolor era insoportable… Definitivamente podría haberme aplastado el cráneo y las costillas. Tengo algunos hematomas menores en esa zona, e hicieron falta seis tíos para quitármelo de encima. Fue como luchar con un monstruo gigante de hierro».
El artista, siempre a un titular pegado, ha sido noticia también esta semana por narrar cómo una fan trató de morderle la polla cuando se tiró al público en un lugar, cree que de Europa del este. «Alguien mordió con fuerza hacia el lugar donde está mi polla. No consiguió llegar a mi polla, pero sí a la parte del pantalón que pertenece a la polla. Pero mi polla se agachó, se desvió como una polla Matrix», ha narrado, especificando después que era una chica. «Tuve que apuntar a la chica con mi micrófono, porque no paraba».
Lo seguro es que las fechas de los nuevos conciertos han tenido que pasarse de octubre a enero. Los conciertos reubicados son los de Estados Unidos. La gira europea, sin parada en España, permanece sin cambios.
11-05 Devore, CA – Ozzfest Meets Knotfest
11-12 Helsinki, Finland – Ice Hall
11-14 Stockholm, Sweden – Annexet
11-15 Elsinore, Denmark – HAL 14
11-16 Hamburg, Germany – Sporthalle
11-18 Munich, Germany – Zenith
11-19 Prague, Czech Republic – Tip Sport Arena
11-20 Vienna, Austria – Gasometer
11-22 Turin, Italy – Pala Alpitour
11-23 Zurich, Switzerland – Samsung Hall
11-25 Berlin, Germany – Velodrom- UFO
11-27 Paris, France – Accor Hotels Arena
11-28 Eindhoven, Netherlands – Klokgebouw
11-29 Dusseldorf, Germany – Mitsubishi Electric Halle
12-01 Nancy, France – Zenith
12-02 Brussels, Belgium – Forest National
12-04 Manchester, England – 02 Apollo
12-05 Glasgow, Scotland – 02 Academy
12-06 Wolverhampton, England – Civic Hall
12-08 Newport, England – Newport Centre
12-09 London, England – SSE Wembley Arena
01-10 Phoenix, AZ – Van Buren
01-12 Las Vegas, NV – House of Blues
01-13 Las Vegas, NV – House of Blues
01-16 Oakland, CA – Fox Theatre
01-19 Salt Lake City, UT – The Complex
01-20 Denver, CO – Fillmore
01-23 San Antonio, TX – Aztec Theatre
01-24 Houston, TX – House of Blues
01-26 Springfield, MO – Shrine Mosque
01-27 Tulsa, OK – Brady Theatre
01-28 Kansas City, MO – Arvest Bank Theatre at the Midland
01-30 Des Moines, IA – 7 Flags Event Center
01-31 Minneapolis, MN – The Myth
02-02 Madison, WI – The Orpheum
02-03 Milwaukee, WI – Eagles Ballroom
02-06 Chicago, IL – Riviera Theatre
02-07 Grand Rapids, MI – 20 Monroe
02-09 Buffalo, NY – Rapids Theatre
02-11 Toronto, Ontario – Rebel
02-12 Boston, MA – House of Blues
02-13 Baltimore, MD – Rams Head Live
02-15 Huntington, NY – Paramount Theatre
02-16 Sayreville, NJ – Starland Ballroomy
Puede que La Bien Querida sea siempre recordada por el toque aflamencado de sus composiciones pop. La grandeza de ‘De momento abril’ y sus icónicas primeras fotos promocionales vestida de faralaes pueden pesar mucho. Y sin embargo, cualquiera que haya prestado un poco de atención a lo muchísimo que nos ha dado durante los últimos 10 años sabrá que se ha merendado igualmente marchas religiosas, bajos synth-pop a lo New Order, himnos contemplativos como ‘Poderes extraños’, homenajes a Franco Battiato e incluso algún que otro witch-house bajo la producción de su pareja David Rodríguez de La Estrella de David.
‘Fuego’, su nuevo disco, incluye al menos una sorpresa más que añadir a tan sobresaliente repertorio. La cumbia dub de ‘7 días juntos‘ -una de las muchas canciones que cuenta con el bajo de Laura Antolín de Doble Pletina- compite en las listas de lo mejor del año gracias a sus sugerentes ritmo y arreglos, en sintonía con el carácter narrativo de esta canción de desamor tan llena de detalles. La composición ya era una maravilla por sí sola, pero la incorporación de Joan Miquel Oliver castellanizando una vieja composición propia termina de bordarla. Insisto: esa capacidad por convencernos de que su último primer single es lo mejor que ha hecho, lo más ambicioso, solo se ha visto cuatro o cinco veces seguidas en la carrera de grandes como Bowie, Madonna o, le pese a quien le pese, Rihanna.
Por eso es una lástima que La Bien Querida no haya repetido experimento en el resto de ‘Fuego’, donde más que la estrella de pop que se intuye en el vídeo de ‘7 días juntos’, explora más bien su vertiente de cantautora, lo que al fin y al cabo siempre ha sido. La buena noticia es que hay algunas composiciones que pasan a pelear ya por estar entre lo mejor de su repertorio… y qué jodida es ya la carrera por aparecer en un setlist de La Bien Querida. El público se decantará claramente por la rumba de ‘Recompensarte’ gracias a la presencia de Jota de Los Planetas (también están Muchachito dando palmas y jaleando y Alejandro Martínez a la guitarra). Es una canción mona, si bien casi formulaica, en la que lo más llamativo es cuán aniñada puede llegar a sonar la voz de Ana. Pero la mejor es ‘Dinamita’, una maravilla orquestada que muy hábilmente se ha colocado al comienzo del disco. No es una balada de cierre ni una canción cualquiera sino una de sus composiciones más tensas, y no precisamente gracias a las cuerdas.
Curiosamente, en algunos puntos de ‘Fuego’ los arreglos nos llevan a La Buena Vida, grupo al que rara vez ha recordado el proyecto de Fernández-Villaverde. ‘Permanentemente‘ recuerda a Family y un poquito a Stone Roses, sí, pero sobre todo a ‘Panorama’. Y ‘Los jardines de marzo’, con el teclado de Sebastián Litmanovich, podría ser una canción de ‘Vidania’. Eso sí, no siempre los arreglos equivalen a grandes canciones. La seca ‘Lo veo posible’ es salvada más que nada por su ultra siniestro estribillo. ‘El lado bueno‘ parece hecha de retales de ‘9.6’ y recuerda que los trucos de New Order no les van a dar mucho más de sí. ‘Si me quieres a mí’ suena también algo anacrónica, mientras ‘La pieza que me falta’ sí es un gran grower pese a que la voz de David no es precisamente la de Joan Miquel.
A colación de esta última, llama la atención que Ana presente este disco como «luminoso y claro» («Es un disco que habla mucho del deseo que reivindica la vida, el placer, la autorrealización, la libertad. El proceso de vivir establecido por el deseo. Un deseo que no es oscuro ni confuso sino luminoso y claro»). Sí hay momentos de claridad, pero también estamos hablando de constantes apelaciones al desamor, a la dependencia obsesiva de alguien o a los celos en un número tan oscuro como ‘Peor que las demás’. Más bien ‘Fuego’ suena algo indeciso entre los extremos que han caracterizado a La Bien Querida, además de parecer regular secuenciado hacia la mitad. ‘Recompensarte’ pegaría más alrededor de la bonita ‘Fuerza mayor’ y la pista final que haciendo un sándwich entre las sintéticas pistas 5 y 7. Un disco, por tanto, algo peor que los demás, lo cual hay que aceptarlo con resignación porque lo de esta mujer empezaba a no ser ni medio normal.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘7 días juntos’, ‘Dinamita’, ‘La pieza que me falta’ Te gustará si te gustan: Los Planetas, La Buena Vida, New Order, Soleá Morente Escúchalo:Spotify
En 1948 Andrew Wyeth pintó ‘Christina’s World’ (MOMA, Nueva York), una de las obras capitales del regionalismo norteamericano. La pintura muestra una frágil figura femenina arrastrándose por la hierba en dirección a una casa situada en lo alto de una colina. Aunque la realidad de esta representación es mucho más prosaica de lo que parece (era una vecina inválida del pintor que solía desplazarse por el suelo), su enorme poder de sugerencia generó múltiples lecturas, a cual más perturbadora.
‘Annabelle: Creation’, precuela de la formularia ‘Annabelle’ (2014), parece poseída por el espíritu de este cuadro. Todos sus elementos iconográficos aparecen reformulados en la película en clave de gótico americano: el solitario entorno rural de los años 50, el siniestro caserón en lo alto de la colina, la niña inválida… Este ‘Annabelle’s World’ es un mundo poblado por gente sencilla temerosa de Dios, pero también capaces de invocar al Diablo por amor; un inquietante universo donde, como en la reciente ‘It’, la infancia está amenazada por su propia imaginería: payasos, muñecos…
El sueco David F. Sandberg, quien se dio a conocer en 2013 con el eficaz corto ‘Lights Out’ (alargado tres años después en forma de largometraje), consigue extraer mucho partido macabro de estos elementos iconográficos. ‘Annabelle: Creation’ es una película muy disfrutable desde un punto de vista estético y alegórico, un tren de la bruja que funciona con sorprendente elegancia y avanza por paisajes enormemente evocadores. El problema (o no, depende de las expectativas) es que la película no deja de ser una simple atracción de feria a la que nos hemos subido demasiadas veces.
‘Annabelle: Creation’ es, para bien y para mal, una subfranquicia de la marca ‘Expediente Warren’. Para bien, porque los productos envasados por la factoría Wan -aquí en labores de productor- te garantizan varias cosas: un par de buenos sustos, alguna imaginativa solución de puesta en escena, una o dos imágenes para llevarte del cine como recuerdo (una de ellas, la que ilustra el póster) y el mencionado estilo visual. Para mal, porque los productos envasados por la factoría Wan también te garantizan otras cosas: un abuso de los sustos sonoros de posproducción, una repetitiva sucesión de escenas y lugares comunes del género ya vistos en sus otras películas, y un desarrollo dramático más previsible que un reloj de cuco.
Guardada -de momento- la muñeca en el armario, ahora es el turno de las monjas diabólicas. ‘The Nun’, dirigida por el británico Corin Hardy (‘The Hallow’), será el siguiente capítulo del “universo expandido” de ‘Expediente Warren’. ¿Vuelve la Nunsploitation? 6.
Sabina Urraca se dio a conocer hace un año por un artículo que se hizo viral: ‘Pesadilla en el Blablacar’. Después de leerlo, descubrí dos cosas: que los “aristócratas aventureros”, como define la wikipedia a Álvaro de Marichalar, usan servicios de “plebeyos”, y que Sabina Urraca (nombre verdadero, por cierto) escribe de maravilla. El ex cuñado de la infanta Elena, que debe creer que una redactora freelance gana cifras de tres ceros por artículo, se rebotó y le pidió 30.000 euros para restituir su honor (no la desafió a un duelo al amanecer de milagro). La periodista, obviamente, se negó; y, por ahora, parece que no hay demanda.
Un año antes de que esto ocurriera, Urraca se encontraba en una casa de La Alpujarra granadina. Se había ido allí a escribir su primera novela. Pero no buscando inspiración o tranquilidad, como los novelistas de la película ‘Tamara Drewe’, sino por necesidad, para ahorrase el alquiler de un piso en Madrid y poder sobrevivir un año sin apenas ingresos. Obviamente, no era una de esas casas cuquis de Pampaneira o Capileira, sino un cortijo aislado y destartalado, sin agua corriente y con una manada de jabalíes como vecinos. Sus vivencias allí, sus temores, aprendizajes y epifanías, se colaron en la novela. Y desde ese presente, la escritora profundizó en su pasado.
“Las niñas prodigio” del título no son estrellas precoces como Nadia Comaneci, Drew Barrymore, Punky Brewster, Marisol o la niña poeta Nika Turbiná, con cuyas palabras empieza el libro, sino todo contrario, niñas vulgares, inseguras y desorientadas, niñas normales que hacen cosas normales pero que normalmente no se cuentan: desear tener sexo con hombres mayores, con amigas, meterse plátanos en la vagina… Unas niñas en busca de amor y reconocimiento que ha imaginado Urraca partiendo de su propia experiencia. En ese sentido, ‘Las niñas prodigio’ (fabulosamente editado por Fulgencio Pimentel) es un imaginativo ejercicio de autoficción, una mirada tragicómica, sórdida pero también muy pop, sobre la infancia y adolescencia de una mujer.
La novela está divida en veintiséis capítulos que casi se pueden leer de forma independiente, como si fueran relatos más o menos autobiográficos. Urraca escribe en primera persona y de manera muy ágil, como en sus artículos. El libro se lee sin que te des cuenta, pero lo que cuenta no pasa desapercibido. Sabina le quita la máscara (de gato) a la niña protagonista y nos deja ver su mundo interior, sus pensamientos, sentimientos y deseos más oscuros. Lectoras escandalizadas le han recomendado a Sabina que vaya a terapia. Nosotros te recomendamos que leas este singular e incómodo libro. 8.
El sonido de Tears for Fears ha terminado siendo más influyente de lo que muchos adivinaron, como prueba el éxito de artistas actuales como Bastille, Lorde o fun. Si ellos mismos lo reivindicaban con una gira reciente en la que decidieron sumar fuerzas a Hall & Oates, ahora vuelven con un recopilatorio que traerá dos canciones inéditas.
La segunda será una balada intimista llamada ‘Stay’, y suponemos que se reserva para un momento más cercano a la Navidad; pero la primera ha llegado este fin de semana como habéis notado los seguidores de nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend». Se llama ‘I Love You But I’m Lost’ y es un considerable tiro de 4 minutos de sintetizadores y estribillos demoledores, que ya hubieran querido para sí Hurts para intentar levantar un poquito más de expectación en torno a su cuarto álbum ‘Desire’. ¿Es posible que Tears for Fears, que no sacaban nada desde 2004, suenen más frescos?
El recopilatorio de Tears for Fears sale el 10 de noviembre con el título de ‘Rule the World’ y ya se conoce su tracklist:
1. Everybody Wants To Rule The World
2. Shout
3. I Love You But I’m Lost
4. Mad World
5. Sowing The Seeds Of Love
6. Advice For The Young At Heart
7. Head Over Heels
8. Woman In Chains
9. Change
10. Stay
11. Pale Shelter
12. Mothers Talk
13. Break It Down Again
14. I Believe
15. Raoul And The Kings Of Spain
16. Closest Thing To Heaven
Fischerspooner, que fueran uno de los grupos más importantes de la corriente electropop que tan de moda se puso a principios de siglo, van a sacar su primer disco en casi una década. Sucediendo a aquel ‘Entertainment’ que salía en 2009, ‘SIR’ llegará al mercado el próximo año, en concreto el 16 de febrero. Sabíamos que habían estado trabajando con Michael Stipe de R.E.M., en un single dado a conocer hace unos meses llamado ‘Have Fun Tonight’ (que también contaba con Boots), y vuelve a ser el caso del single que conocemos ahora llamado ‘Togetherness’, que cuenta con invitada de lujo: Caroline Polachek de los recientemente separados Chairlift.
El vídeo está lleno de sensualidad, torsos musculados sin camiseta y lenguaje corporal, con la propia Caroline Polachek apareciendo en un rol felino en el que pocas veces la habíamos visto. El vídeo ha sido dirigido por Warren Fischer y cuenta con la colaboración de Juliana Huxtable.
Además, también se conoce el tracklist del álbum, que incluirá, como veis, más colaboraciones.
01 Stranger Strange
02 Top Brazil
03 Togetherness [ft. Caroline Polachek]
04 Everything is Just Alright
05 Have Fun Tonight
06 Discreet
07 Strut
08 Get It On
09 I Need Love
10 Butterscotch Goddam [ft. Johnny Magee]
11 Dark Pink
12 Try Again ft. Andy LeMaster
13 Oh Rio [ft. Holly Miranda]
‘Somos droga’ de Cabezafuego es uno de los discos más singulares del año. Por si fuera poco con la amalgama de blues, locura psicodélica, kraut, música clásica, ritmo latino y folclore nacional que contiene, el álbum se ha editado en formato de disco-tebeo. Y es que si entre los músicos invitados encontramos a Los Hermanos Cubero y Dan Wilson en la fronteriza ‘Chino Blues’, a Cristina de El Columpio Asesino y Rober! de Atom Rhumba en el single ‘Caramelos 6 de julio’, a Aitor Ibarretxe de Lendakaris Muertos en la mutante ‘Busco título’, a Isa de Aries en ‘Telarañas’ o a Jose Domingo en ‘Visiones’ y en la popera ‘El suplente de los minutos basura’, la edición vinilo incluye un libro grapado con tiras tamaño 12″ de Molina, Jorge Parras, Don Rogelio J, Mauro Entrialgo, Roger Peláez, Víctor Aparicio, Paco Alcázar, Óscar Benas, Kaz, Ata y Olaf Ladousse. Estamos, por tanto, ante una de las ediciones físicas más suculentas de 2017.
La temática principal del tebeo es, como indica el título del disco, el consumo de drogas, en concreto en relación con el fracaso artístico y laboral, el acoso escolar y la alienación; algo muy en sintonía con la producción de tipo lisérgico que se ha dado a canciones como ‘Caramelos 6 de julio’ o ‘Minueto del arribista’, que suenan como si a las composiciones más desbocadas de MGMT y Flaming Lips les hubieran inyectado una dosis de canallismo patrio, desde Andalucía a Navarra.
Íñigo Cabezafuego, que ha estado también en Half Foot Outside, Mermaid y Atom Rhumba, entre otros proyectos, ha gestado este álbum a lo largo de varios meses, tras haber terminado «hasta los cojones» de grabar discos de rock’n’roll durante 20 años. Su decisión de «salirse por la tangente» alcanza su cumbre creativa en ‘Busco título’, cinco minutos en los que cabe una primera buena canción pop que parece de Los Planetas clásicos, un puente psicodélico, otro folkie de finales de los 60 o principios de los 70 a lo Vashti Bunyan, una marcha con un coro infantil que grita «¡aburrido!», una segunda buena canción pop en la que, de manera delirante, aparece un estribillo que dice «esto parece una canción de los 80 / nada ocurrente pero efectista y se pega» y una outro que parece como entonada por Ojete Calor.
La lucha con uno mismo por ser original y creativo es otra de las grandes protagonistas líricamente del disco. Se aprecia en esa ‘Minueto del arribista’ que podrían haber escrito los Hidrogenesse de ‘Soy un mystique determinado’ (tenor incluido). Y es que entre bailes de género y cambios de ritmo, el sentido del humor se revela como el verdadero ingrediente fundamental del álbum. Hay cierto humor negro en el estribillo «le pegaba todo Dios / porque era más tonto que un copón» de ‘La balada del irritante’, de nuevo con Cristina Martínez, y humor a secas en la final ‘Motorik Boogaloo’, en la que el debate sobre el kraut con una vecina parece un capítulo de ‘4 en Alicante’. ¿Y qué decir de ese «¿tú quién te crees que eres, el Woody Allen de la música?».
Hay momentos buscados de caos, como la aparición de ‘Thriller’ antes de la cencerrada muy ‘THR!!!ER‘ de la pista final, o ese principio de ‘Telarañas’, en el que parece que te has dejado la radio puesta o una ventana del navegador o de la calle abierta, pero acude al orden de todo esto la brillante melodía de ‘El suplente de los minutos basura’, en la que por una vez Íñigo Cabezafuego relaja su ambición para rendirse a la canción. Quizá no es lo más representativo del disco pero sí lo que sirve para aportar un buen contrapunto en busca del equilibrio que no nos habría dado como final sólo «Motorik».
Cabezafuego actúa hoy sábado 14 de octubre en Monkey Week.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Busco título’, ‘Caramelos 6 de julio’, ‘El suplente de los minutos basura’ Te gustará si te gusta: MGMT, The Flaming Lips, una mezcla de Hidrogenesse con Guadalupe Plata Escúchalo:Spotify
Ni Beyoncé ni mucho menos Madonna. Quien ha terminado dando un hit a MNEK ha sido Zara Larsson, y así, ‘Never Forget You’ se acerca ya a los 500 millones de reproducciones en Spotify. El dance noventero sigue siendo el protagonista de la nueva canción que este artista y productor ha presentado este viernes en compañía de Riton y el House Gospel Choir, cuyo nombre lo dice todo.
Riton es un productor de house británico que el año pasado conseguía su primer top 20 en Reino Unido casi a los 40 años con un tema llamado ‘Rinse & Repeat’. Y ahora vuelve a intentarlo con este pelotazo de gran estribillo «let’s get down, let’s get down, let’s get deeper» que tiene ese punch llenapistas que ‘Living for Love‘ (featuring MNEK) parecía evitar, y del que su co-productor Diplo se desquitó en la fantástica y divertidísima ‘Be Right There’.
Por su parte, el londinense House Gospel Choir, que ha colaborado con The Kooks o Labrinth, pone, aparte de por supuesto los coros y el obligado puente, un «pride (a deeper love)» que referencia claramente el tema de 1991 así llamado de C+C Music Factory. Recordado sobre todo por «Everybody Dance Now», el dúo de productores (David Cole falleció en los 90, es el destinatario de ‘One Sweet Day’ de Mariah Carey y Boyz II Men) también tuvo otros hallazgos como este «Pride» que en 1993 versionó la mismísima Aretha Franklin para la banda sonora de ‘Sister Act 2’. Como curiosidad, en principio no era más que una cara B de su estrafalaria versión de ‘Pride’ de U2. ¿Quién iba a decirles que iban a ser sampleados por gente tan famosa como Tiësto y Anastacia y ahora referenciados por gente semi underground como Riton y MNEK?
La playlist de novedades de esta semana viene marcado por dos de los álbumes más esperados del año en el plano internacional: primero, el nuevo disco de St. Vincent, ‘Masseduction’, el primero tras ganar el Grammy al mejor disco alternativo en 2014 por su disco homónimo; el segundo, el regreso de de Beck al pop después de ganar en 2015 otro Grammy, esta vez al mejor disco del año. Otros discos destacables que ven la luz hoy son los nuevos de P!nk, la alianza entre Courtney Barnett & Kurt Vile, la vuelta de Robert Plant en solitario, King Krule, Gucci Mane, BillyWilliam Patrick Corgan, Stars, Sean Nicholas Savage, Wu-Tang Clan, Digital 21 & Stefan Odsal, el trío barcelonés Pacosan, dvsn, Julio Bustamante, el belga Warhaus, el combo femenino de rock The Beaches y el primer álbum en solitario del líder de Parquet Courts, A. Savage. Además, encontramos un nuevo EP del siempre interesante araabMUZIK, y otro del combo de trap-pop de Barcelona Damed Squad.
La semana también ha estado marcada por el lanzamiento de singles significativos. En los últimos 7 días destacábamos lo nuevo de The Go! Team, Belle and Sebastian, Porches, Sharon Jones –primer adelanto de su disco póstumo–, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Django Django, Son Lux, Mabel y Delorean –de su disco en euskera dedicado a Mikel Laboa–. Hoy encontramos, además, temas de Tears For Fears (¡vuelven al fin!), el ex-1D Louis Tomlinson, Calexico, Fangoria –que publicarán en disco su espectáculo ‘Pianissimo’–, Tom Chaplin –la voz de Keane, de nuevo en solitario–, Ruth Lorenzo, Xoel López, Icona Pop –de la mano del dúo australiano Peking Duk–, las más que prometedoras Dagny y Kiiara, Albin Lee Meldau, Bishop Briggs, Chris Brown –con Future y Young Thug–, Daya –la voz detrás de ‘Don’t Let Me Down’ de The Chainsmokers–, Mykki Ekko, Fito Páez, la interesante alianza entre Riton y MNEK o Marmozets. Con ellos, nuevos avances de los próximos discos de Sufjan Stevens –procedente de un disco de outtakes de las sesiones de ‘Carrie & Lowel’ que verá la luz próximamente–, Julien Baker, John Maus, Sierra, Shamir, Kehlani, blackbear y Gregory Porter (de su disco homenaje a Nat King Cole).
Por último, como siempre, destacamos algunas de las curiosidades musicales y discográficas que nos dejan estos últimos 7 días: además de un curioso nuevo disco de Sébastien Tellier –la banda sonora para la adaptación televisiva de un antiguo western francés llamado ‘A Girl Is A Gun’–, nos encontramos con un homenaje de Haim en forma de versión de ‘That Don’t Impress Me Much’ al actual número 1 de álbumes en USA y UK –Shania Twain–, además de una versión de ‘Sit Next To Me’ muy distinta a la que se incluía en el último disco de Foster The People, un EP con demos y rarezas del último disco de Grandaddy, y una nueva versión del hit de Logic, ‘1-800-273-8255’, esta vez con la voz de Juanes como protagonista.
Como ya sucedía a Katy Perry con ‘Witness’, Miley Cyrus logra un número 1 en España justo en su peor momento de popularidad. ‘Younger Now’ fue la semana pasada el álbum más vendido de todo el país, pese a que en Estados Unidos ha tenido que conformarse con el puesto 5 y en Reino Unido con el número 8. ‘Malibu’, ya fuera del top 100 en singles, llegó a ser número 20 y disco de oro en nuestro país. Repasamos las novedades de la lista de ventas de nuestro país.
1(E) Miley Cyrus / Younger Now
Además de ser número 1 en ventas, hay que destacar la buena posición de Miley Cyrus en la nueva lista de discos más reproducidos del país, donde es puesto 4.
4(E) Demi Lovato / Tell Me You Love Me
No puede decir lo mismo Demi Lovato, que con su nuevo disco solo ha conseguido ser número 25 en la mencionada lista de discos más reproducidos del país. ‘Tell Me You Love Me’ es puesto 3 en Estados Unidos y puesto 5 en Reino Unido, en ambos casos por encima de Miley a diferencia de lo sucedido en nuestro país.
6(E) David Gilmour / Live at Pompeii
El directo del ex Pink Floyd es número 3 en Reino Unido y número 45 en Estados Unidos.
7(E) La Maravillosa Orquesta del Alcohol / Salvavida (de las balas perdidas)
Gran entrada del nuevo disco de La M.O.D.A. después de que ‘La primavera del invierno’ alcanzara el número 40. Además, son top 2 en las listas de streaming.
9(E) Michael Jackson / Scream
El nuevo recopilatorio de Michael Jackson, inspirado en Halloween, es número 9 en Reino Unido, al igual que en España, y número 33 en Estados Unidos.
13(E) Josele Santiago / Transilvania
El nuevo disco de Josele Santiago, encabezado por el tema ‘Un guardia civil’, supera el número 23 que lograba en 2011 ‘Lecciones de vértigo’, aunque no logra colarse en la lista de streaming.
16(E) Revólver / Tu noche y la mía. Colección Definitiva
El recopilatorio de 33 canciones de Revólver no iguala el top 3 logrado este mismo año en ventas por ‘Capitol’.
20(E) Los Coronas / Señales de humo
El disco doble de Los Coronas, distribuido por Sony, supera el top 30 logrado hace unos años por ‘Adiós, Sancho’.
21(E) Pearl Jam / Let’s Play Two
El disco en vivo de Pearl Jam, grabado durante su gira de 2016, llega más alto en España que en el mismo Estados Unidos, donde es número 31.
27(E) Aslándticos / Aquí y ahora
El grupo andaluz Aslándticos llega al top 30 tras haber sido número 86 con ‘Lo bueno’. ‘La receta’ se acerca al medio millón de reproducciones en Youtube.
39(E) Shania Twain / Now
El álbum de regreso de Shania Twain tras 15 años ha logrado ser número 1 en Reino Unido, Estados Unidos y Canadá, pero ni remotamente en España, donde nunca fue tan popular. ‘Come On Over’ de Shania Twain fue tan solo número 12 en nuestro país durante el año 2000.
41(E) Joana Serrat / Dripping Springs
Joana Serrat logra colarse casi en el top 40 con su último disco, ‘Dripping Springs’. Se mejora por tanto el número 69 conseguido por ‘Dear Great Canyon’ hace tres años.
61(E) Wolf Alice / Visions of a Life
El segundo disco de Wolf Alice, que peleaba por el número 1 en Reino Unido, un poco de aquella manera, logra situarse en el puesto 61 en nuestro país. Y ya es más de lo logrado en Estados Unidos, donde es número 190.
62(E) Robin Schulz / Uncovered
Pese a contener colaboraciones con David Guetta o James Blunt, el nuevo disco de Robin Schulz no ha logrado esta vez llegar al top 10 alemán y ni mucho menos por tanto el español.
70(E) La Iaia / Tornar a ser u
El nuevo disco de La Iaia no iguala el número 25 conseguido hace un par de años por ‘On és la màgia?’.
72(E) Juan Habichuela Nieto / Sentimientos de mi ser
El guitarrista de flamenco Juan Habichuela Nieto, que viene de una de las familias más conocidas en el género, entra al top 100 por primera vez con su nuevo disco.
73(E) Hurts / Desire
El nuevo disco de Hurts ha quedado por primera vez fuera del top 20 británico (número 21) y del top 10 alemán (son número 14). Sí ha llegado al top 8 en Suiza y al top 4 en República Checa, pero la cosa no pinta muy bien. En España esta es su peor marca, pues su debut fue número 47, el segundo top 25 y el tercero número 55.
92(E) Benjamin Clementine / I Tell a Fly
El segundo disco de Benjamin Clementine llega a la lista de España por los pelos. El mercado en el que más le quieren es Suiza (#23), seguido por Austria (#30).
97(E) Kamasi Washington / Harmony of Difference
El saxofonista y productor Kamasi Washington se cuela en el top 100 con su nuevo disco de 6 canciones, algo que no ha logrado en los principales mercados.
100(E) Benny Andersson / Piano
El miembro de Abba ha sacado un disco llamado ‘Piano’ a través de Deutsche Grammophon que ha logrado ser top 2 en Suecia y top 12 en Reino Unido.
… y en streaming: RecycledJ y Kaydy Cain
De todas estas entradas, solo aparecen en la lista de “streaming álbumes” La M.O.D.A. (puesto 2), Miley Cyrus (puesto 4) y Demi Lovato (puesto 25). Por el contrario, encontramos en ella dos interesantes entradas: ‘Oro Rosa’ de RecycledJ en el número 12 y Kaydy Cain de PXXR GVNG y Los Santos en el número 56 con ‘Calle amor’.
El hype montado por Liam Gallagher en solitario durante todo este año, lo cual ha incluido más de un buen single y un montón de declaraciones polémicas, recoge sus frutos. Su disco en solitario ‘As You Were‘ es ya un éxito. Ha vendido 103.000 copias en una semana en Reino Unido (ya es, por tanto disco de oro) y es el nuevo número 1 de las islas británicas. Como curiosidad, 16.000 de esas unidades se han despachado en vinilo, un porcentaje muy superior al habitual, y las mejores ventas en este formato desde hace 20 años. Pero también ha conquistado a los nuevos públicos y el disco es número 1 en streaming. Además, este es el tercer disco con mejor semana de salida en las islas de todo 2017, tan solo por detrás de Ed Sheeran y Ragn’n’Bone Man.
Liam supera las ventas de la primera semana de los dos discos de su proyecto Beady Eye, que no lograron ser número 1 sino número 3 y número 2, aunque lo que no supera son las cifras con las que debutó su hermano Noel en solitario (122.000 unidades en su primera semana). Veremos qué pasa con el disco de este en noviembre. En cualquier caso, ‘As You Were’ es ya uno de los 40 discos más vendidos del año en Reino Unido, pero parece que le queda fuelle: el single ‘For What It’s Worth’, pese a su género, logra colarse esta semana en el top 40 británico, exactamente en el número 33.
The Streets no funciona como proyecto de Mike Skinner desde la edición y gira de ‘Computers and Blues’, que se anunció como álbum final en 2011. Sin embargo, Skinner ha enviado esta semana un comunicado indicando que echaba de menos los autobuses de las giras y hablar entre canción y canción como no puede hacerlo durante una sesión de dj, por lo que ha anunciado una serie de conciertos en Reino Unido, que tendrán lugar a lo largo de una semana en abril, en Birmingham, Glasgow, Mánchester, Leeds y finalmente el O2 Academy Brixton de Londres, con capacidad para 5.000 personas.
Se ha advertido que sobre todo se interpretarán canciones de sus dos grandes clásicos, ‘Original Pirate Material’ y ‘A Grand Don’t Come For Free’, y las entradas han volado esta mañana en pocos minutos en cuanto han salido a la venta. Como recoge NME, sus fans están profundamente decepcionados, pues ni los precios cercanos a las 200 libras, han impedido la locura en torno a las entradas.
Vista la demanda, no sería de extrañar que Mike Skinner se replantee su futuro, pues ninguno de sus proyectos paralelos -un par de discos como The D.O.T. y un buen puñado de pistas como The Darker the Shadow The Brighter the Light este mismo año- ha logrado igualar el interés que el pueblo británico ha mostrado siempre hacia The Streets. ¿Podríamos verle quizá actuar en algún festival durante 2018?