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Más de 50 muertos y 400 heridos en un tiroteo durante un concierto en un festival de Las Vegas

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captura_de_pantalla_2017-10-02_a_las_10_03_33Más de 50 personas han muerto y otras 400 han resultado heridas en un tiroteo durante un concierto Las Vegas esta madrugada hora española (22.30 horas hora local), según confirma The New York Times citando fuentes hospitalarias.

Miles de personas atendían esta noche el festival de música country Route 91 Harvest, que se celebraba en el Mandalay Bay Resort & Casino de Las Vegas, cuando un hombre empezó a disparar contra la multitud desde una de las habitaciones del hotel, en el piso 32. Cargaba una pistola automática.

El músico Jason Aldean actuaba cuando empezó el tiroteo y se encuentra sano y salvo, confirman medios locales.

La policía de Las Vegas confirma que se ha abatido al tirador en el interior del hotel. Se trata del estadounidense Stephen Paddock, de 64 años. No se ha identificado a más posibles tiradores, pero sí a una compañera de la persona abatida, una mujer llamada Marilou Danley, de 62 años, que ya ha sido detenida y parece ser australiana.

El momento del tiroteo puede verse en vídeo y captura el sonido de una ráfaga de disparos y a una multitud de gente corriendo. Es, ante las cifras de muertos publicadas hasta el momento, ya el peor tiroteo masivo registrado en la historia de Estados Unidos y el segundo desde la tragedia de Orlando.

Shooting at Route 91

Una publicación compartida de Randy (girl) Kindred (@randy_kindred_girl_) el

Mariah Carey, Imagine Dragons, Sia o HAIM han reaccionado al tiroteo en las redes sociales:

‘La llamada’: lo petamos y ya vemos

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lallamadaMusic makes the people come together. O “La música hace milagros, Milagros”, como dice Sor Bernarda, quien se jacta de ser una monja moderna y, cuando alguien lo duda, le remite al show que montó para Juan Pablo II… pero, como le recuerda su compañera en una escena, “eso fue en el 84”.

Es cierto que el intento de ser “modernos” y, más aún, de ser generacional, puede desembocar en desastre (el “síndrome de Sr. Burns con gorro”, como dije hablando de ‘Skam‘), pero algunas veces funciona. ‘La Llamada’ es una de esas veces, y sirve como respuesta a quienes dicen que se está encumbrando a Javier Calvo y Javier Ambrossi por moda; opinión legítima, pero con la que no puedo estar de acuerdo -sin duda más de uno les alabará por moda, pero el talento del dúo es cada vez más innegable (como su capacidad para construir one-liners). ¿De qué va la película? En un campamento de monjas, dos amigas intentan montar un grupo de electrolatino mientras a una de ellas se le aparece Dios cantando por Whitney Houston y la otra amplía sus miras musicales de Juan Magán a Presuntos Implicados. Como no creo que esto os haya aclarado mucho, veo más útil responder a: ¿qué podemos encontrar en ella?

Al hablar de la excelente ‘Verónica‘ (la cual, curiosamente, tiene también a Enrique López Lavigne como productor), mi compañero Joric destacaba una segunda lectura, tras la del terror, una más centrada en las inseguridades y en el miedo a crecer y no encontrar tu lugar. En ‘La Llamada’ tenemos esto (aunque sin sustos), con la música como camino hacia la fe – entendida ésta no solo como fe religiosa, sino como fe en uno mismo, en el amor y en la amistad. La música es, evidentemente, un aspecto muy importante en esta cinta, y no solo porque llevásemos desde el ‘You Don’t Own Me’ de Lily Rabe en ‘Asylum‘ sin ver un baile frente a un crucifijo tan llamativo. También por el tema compuesto por Leiva para la película -¿soy yo o hay un deje a ‘Strawberry Fields Forever’ en ese mellotron?- que acabas cantando aunque no seas muy del madrileño, pero sobre todo porque los números musicales funcionan muy bien, consiguiendo inspirarnos ternura (‘Todas las flores’, ‘Estoy alegre’), mover nuestros pies (‘Lo hacemos y ya vemos’), o directamente mover algo dentro de nosotros (ese clímax con ‘Step by Step’ que, como nos avanzó Ambrossi, les cedió Annie Lennox).

Dos temores que había al acercarse a la cinta eran que se notase demasiado que se está adaptando una obra teatral, y que a sus directores les quedase grande una película de casi dos horas, estando acostumbrados a los veinte minutos de ‘Paquita Salas’ (atentos al guiño a la webserie, por cierto). En el primer caso, aunque es cierto que a veces se nota esa limitación, no llega al punto de ‘Fences‘ ni mucho menos, a lo que ayudan nuevos personajes (el cameo de Esty Quesada es lo justo para arrancarnos unas risas sin que desentone con la historia) y la habilidad para el montaje de algunas escenas (la oración/reggaeton, por ejemplo). En el segundo caso, salvo algún momento hacia la mitad en que el ritmo flojea un poco, el film se hace corto, apoyándose en un reparto que está maravillosoespectacular. Macarena García y Anna Castillo dotan de naturalidad a sus personajes, pero especialmente se salen Gracia Olayo, que brilla (como Macarena en la ficticia ‘Vicenta’), y Belén Cuesta, que si ya era robaescenas en ‘Paquita’, aquí directamente se come la película en un difícil papel: podría haber resultado cargante y, en cambio, consigue su objetivo de ser adorable y desternillante. Apuesto a que una de ellas va a tener que hacer sitio en su casa para un Goya… y si hubiese uno al mejor reparto, estaría ya ganado, porque la complicidad entre el reparto femenino (tanto ellas como personajes más secundarios como el de la siempre eficaz María Isabel Díaz) es tal que ni ‘Orange is the new black’.

En conclusión, ‘La Llamada’ es una estupenda ópera prima que probablemente se convierta en un “happy place” para muchos espectadores, y que consigue hablar con naturalidad sobre una generación, sí, pero, más que otra cosa, sobre arriesgarse, sobre perseguir lo que uno quiere y sobre no renunciar a lo que hace especial. “Dicen que cuando te haces muy famoso, dejas de tener contacto con la realidad, te ríe todo el mundo las gracias y pierdes un poco el norte”, nos decía Calvo cuando les entrevistamos. Nosotros esperamos que la cada vez mayor popularidad de estos chicos (nunca se sabe con la taquilla, pero todo indica a que con ‘La Llamada’ Los Javis no van a “intentarlo”, como María y Susana, sino que van a petarlo) no tenga este efecto negativo en ellos, porque necesitamos proyectos así de frescos y auténticos entre tanto precocinado audiovisual. La música hace milagros. Como que (casi) te entren ganas de ir a un campamento de monjas. Pero solo si son como éste. 8.

La canción del día: la resurrección de Liam Gallagher en ‘Greedy Soul’ (y una propina)

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liam-gallagherNoel Gallagher y Liam Gallagher han dado muchas vueltas desde los dos primeros discos de Oasis, ambos parte de la historia del pop. Podemos discutir algunos hallazgos aislados en el resto de la discografía de la banda, álbumes bastante potables como el último y canciones sueltas más que dignas, incluso durante sus carreras al margen como Noel Gallagher’s High Flying Birds y Beady Eye. Pero desde ‘Morning Glory’, pocas veces ninguno de los dos me ha hecho levantarme de la silla y escuchar una canción en bucle como este ‘Greedy Soul’ con el que Liam nos sorprendía esta semana.

El cuarto adelanto de ‘As You Were’, que se manda a las radios muy hábilmente solo unos días antes de que el disco esté en la calle, es un tiro desde que la batería irrumpe en la canción, mostrando que estamos ante uno de los temas más uptempo que jamás hayan cantado los Gallagher. Hay un riff muy Johnny Cash, una referencia anecdótica a Grateful Dead, una rima “she got a six six six / I got my crucifix” e incluso una armónica que nos recuerda que si Oasis triunfaron en Estados Unidos fue porque les gustaba tanto la música de ese país como a los Rolling Stones. No es la canción más original sobre la faz, Primal Scream ya copiaron todo esto antes y mejor, pero sí nos confirma que Liam es un superviviente, y el rock’n’roll, con la que está cayendo, también.

Como propina, este simpático vídeo que en los últimos días tanto ha circulado por las redes. Es Liam Gallagher poniéndose un té e indicando a la audiencia que ese «trabajo», antes de un concierto o acto promocional, lo hacían entre 4 personas durante los años 90, cuando se vendían millones de discos y las estrellas podían permitirse estas tontadas. «¿Y la gente pregunta por qué ya no hay estrellas del rock’n’roll?», plantea… ¿pero puede ser este nuevo single una solución a su pregunta?

Cut Copy / Haiku From Zero

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cut-copy-haiku-from-zeroYa van casi diez años de ‘In Ghost Colours’, el disco que lanzó a Cut Copy al estrellato y los de Melbourne siguen manteniendo una óptima velocidad de crucero. ‘Zonoscope’ y ‘Free Your Mind’ eran dos discos sabrosones y adictivos; sin modificar demasiado las coordinadas, en ‘Haiku From Zero’ lo han vuelto a conseguir. A su habitual (y gozoso) pastiche dance-house-indie-pop, a la euforia y la melancolía de tapadillo, a la muy reconocible voz de Dan Whitford, doblada y casi siempre en leve falsete, se les ha añadido una corriente tropical, a la manera del africanismo kitsch que salpicaba ‘Zonoscope’, con lo que su hedonismo se muestra aún más desatado. Me cuesta poco imaginar a los Cut Copy ataviados de blanco, gafas de sol y agitando unas maracas en una sala de fiestas que pretende emular una playa tropical, con palmeras hinchables, sombrillitas de papel coronando dudosos cócteles de colorines y flamencos de plástico. Como contraste, flota en el aire un ligero aire distópico y un póster del ‘Scary Monsters’ de Bowie adorna la pared (su sombra planea durante todo el disco). Todo con un aspecto deliberadamente sintético y ficticio, pero tremendamente atractivo.

Personalmente, el lirismo del que presumen en la promoción del disco no lo acabo de ver. Tampoco se ve ningún hit tan directo como ‘Free Your Mind’ o ‘Need You Now’. Pero las canciones son encantadoras; ‘Standing in the Middle of the Field’, el primer tema, donde la marimba y los sintetizadores soleados-pero-misteriosos llegan donde Phoenix, esta vez, no han conseguido. ‘Counting Down’ provoca alegría gracias al desparpajo con que se mezclan la música disco, una guitarra de aires africanos y samples de marcianitos, a lo que se suman los coros proclamando: “Darkness! Night time!”. ‘Black Rainbows’ contiene una introducción a lo sonido Philadelphia, un vigorizante estribillo y guiños a Bowie (y a los sintetizadores de ‘Ashes to Ashes’). El flúor y el desenfreno pululan por doquier, ya sea en la puntita de melancolía synthpop ochentas que se desarrolla en ‘Stars Let me a Lifetime’ o el funk de neón de ‘Airbone’, donde los coros femeninos distorsionados contestan a lo –precisamente- ‘Funky Town’, mientras chapotean en la playa en Miami (o Barcelona).

Pero no solo hay rave y tropicalismo artificial en ‘Haiku from Zero’. La querencia de los australianos por el indie pop melancólico (el que mostraban en ‘So Haunted’) regresa, de manera más discreta, en ‘No Fixed Destination’, un tema muy adhesivo, que rápidamente muta en synth-pop saltarín… y que estaría aún mejor si ese saxo (tan Bowie, otra vez) que se cuela al final fuera más evidente a lo largo del corte. O ese momento en que se lanzan al infinito en ‘Memories We Share’ al grito de “I neeeeed yooou” tras un buen salseo marcial. Quizás el álbum flojea un poco en ‘Living Upside Down’, en que la mezcla de coros bélicos y trópico haya ido demasiado a lo fácil. La poesía asoma la cabeza, al fin, en la última ‘Tied to the Water’, añoranza sintética por el amor perdido que se daba demasiado por hecho. Un cierre extrañamente triste para un disco vital y veraniego. Al final, la fiesta se acaba, las palmeras están desinfladas, alguien ha robado el póster de Bowie antes de que lo consiguieras tú y regresas a casa sola, nostálgica y… exultante, a pesar de todo.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Standing in the Middle of the Field’, ‘Counting Down’, ‘Black Rainbows’, ‘No Fixed Destination’, ‘Airborne’
Te gustará si te gusta: New Order, Hot Chip, Washed Out
Escúchalo: Spotify

Alex Kapranos, Carlos Sadness y Lluís Llach, entre los artistas que condenan la violencia en las urnas catalanas

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cargaspoliciales38 personas han resultado heridas, 3 de ellas de gravedad, durante las primeras horas del referéndum que se celebra hoy 1 de octubre sobre la independencia de Cataluña, declarado «ilegal» por el gobierno de Mariano Rajoy. El Ministerio del Interior, que ha calificado el referéndum como «paripé», ha ordenado el despliegue de miles de policías y guardias civiles para impedir por la fuerza las votaciones, ante la pasividad de los Mossos. Varios vídeos en los que se puede comprobar el uso de la violencia contra los votantes están circulando por las redes sociales, propiciando que «RajoyDimisión» sea «trending topic» en nuestro país. Aun así, según la Generalitat, el 73% de los colegios ha podido abrir.

Varias personalidades relacionadas con el mundo de la música y el arte han acudido a las redes sociales para condenar el uso de la violencia en varios colegios electorales. Lluís Llach, una de las voces independentistas más populares, ha acudido a Facebook para expresar simplemente «asesinos». Alex Kapranos, líder de Franz Ferdinand, ha dicho que «el gobierno de Madrid la está jodiendo» y ha pedido que deje a Cataluña «votar». La escritora J.K. Rowling ha compartido uno de los vídeos de las cargas policiales indicando que es «repugnante» e «injustificable». Björk ha compartido su canción ‘Declare Independence’ en Twitter y ha escrito: “para Cataluña”.

Bad Gyal también está comentando la jornada electoral, criticando la manipulación de los medios y reflexionando sobre la división de los ciudadanos: «Qué triste que queráis dividirnos y que nos odiemos entre nosotros». Por su parte, Carlos Sadness, en respuesta a uno de los vídeos de las cargas policiales, ha escrito: «Quítense las banderas de los ojos, para ver qué esto va más allá. Justificar esto es de enfermos sin corazón». También está retuiteando mensajes y vídeos de las cargas.

Uno de los más activos es Nega de Los Chicos del Maíz, retuiteando constantemente noticias, y mostrándose muy crítico también con PSOE y Gaspar Llamazares: «Espera que sí que está el @PSOE, dando asco, justificando la represión y siendo un miserable», indicaba en respuesta a un tuit de Jordi Sevilla.

Niños Mutantes han retuiteado un mensaje de Dani Mateo que decía: «Yo querría haber visto a la policía entrando con esta contundencia en Génova para llevarse los papeles y discos duros que se destruyeron con total impunidad»; mientras La Habitación Roja han retuiteado diversos mensajes de Mucho, como «Estoy en la furgoneta con el corazón encogido. Avui estem amb tots vosaltres! No a la repressió policial. #NoTenimPor». Anímic han retuiteado el mensaje de Pablo Iglesias «¿Esta es vuestra victoria, Mariano Rajoy?», entre otros.

Marilyn Manson, hospitalizado tras caérsele parte de su escenario encima

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marilynmansonMarilyn Manson ha sido hospitalizado esta noche en Nueva York después de que parte de su escenario se le cayera encima. Su representante ha declarado a Pitchfork que el cantante está siendo tratado de las heridas sufridas en un hospital local.

Presentaba el disco que sale a la venta el próximo viernes 6 de octubre y del que ha publicado varios singles, como ‘We Know Where You Fucking Live’ y ‘KILL4ME’, el último de los cuales está teniendo mayor aceptación en Spotify.

Marilyn Manson pudo llegar a tocar ambas canciones en su show de anoche en Nueva York, pero no terminar el concierto, que hubo de ser cancelado tras este incidente cuando llevaba 10 temas según vemos en Setlist.fm. La canción durante la cual ocurrió fue su conocida versión de ‘Sweet Dreams’ de Eurythmics.

El artista realiza una larga gira de presentación de su nuevo largo ‘The Heaven Upside Down’, que comenzaba el pasado 27 de septiembre. Su próxima fecha es el lunes 2 de octubre en Boston y ha de recorrer todo Estados Unidos durante el mes que comienza hoy. En noviembre visita Europa sin parada en España. En diciembre será el turno de Reino Unido.

Pros y contras de ‘Madre!’, la semilla del diablo de Jennifer Lawrence

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madre-lawrence-aronofskyLa calidad de las películas de Darren Aronofsky es inversamente proporcional a la amplitud de sus encuadres. Cuanto más cerrados -‘El luchador’, ‘Cisne negro’-, mejor. Cuanto más abiertos -‘La fuente de la vida’, ‘Noé’-, peor. Cuando vi el trailer de ‘Madre!’, con la cámara pegada a la protagonista, me froté las manos como cuando Bardem recogió el Oscar. Era una buena señal. Los abucheos en el festival de Venecia me hicieron desconfiar un poco. Pero no mucho.

Lo mejor de ‘Madre!’

1. El signo de admiración del título. Es la mejor metáfora de la película. ‘Madre!’ es Polanski!, Buñuel!, Von Trier!. Es ‘La semilla del diablo’ narrada entre dolores de parto, ‘El ángel exterminador’ contada con cuarenta de fiebre o ‘Anticristo’ vista con los ojos desorbitados por el miedo. Aronofsky no engaña a nadie: toda la película está concebida como un inmenso grito, la puesta en escena de un alarido cósmico que hace retumbar el universo.

2. La tensión es masticable. ‘Madre!’ comienza como un thriller de invasión doméstica, un ‘De repente, un extraño’, y acaba… como acaba. Al igual que hizo en ‘Cisne negro’, su otra película polanskiana, Aronofsky demuestra su enorme habilidad para transmitir inquietud y angustia. La cámara se pega a Jennifer Lawrence y nosotros subimos al calvario con ella. Cada vez que violan su espacio es como si nos respiraran desde atrás en el cine, cada vez que la golpean tenemos que cambiar de postura en la butaca.

3. El diseño de sonido. Parece difícil quitarle este año a ‘Dunkerque’ el Oscar en esa categoría, pero si hay una película que podría hacerlo es esta. La ausencia total de música hace que los sonidos cobren una especial relevancia en ‘Madre!’. Gran parte de la eficacia de la experiencia subjetiva que nos propone el director tiene que ver con su expresivo uso: los inquietantes murmullos, los golpes amenazadores, los ruidos inexplicables, el estrépito final…

4. La madre, y la futura madre. Casi todo el peso dramático de la historia que cuenta ‘Madre!’ se sustenta en el duelo que mantienen los personajes de Lawrence y Bardem, una pareja que se lleva veinte años y en la que no es difícil ver al propio director en la piel de este último. Sin embargo, la relación que de verdad echa chispas bíblicas en la pantalla es la que mantiene la novia del director con una magníficamente irritante Michelle Pfeiffer.

Lo peor de ‘Madre!’

1. Aronofsky es peor poeta que Bardem. ‘Madre!’ quiere ser muchas cosas: un thriller de invasión, una película terror con casa encantada, la crónica subjetiva de una paranoia, una reflexión sobre la pareja, sobre la creación artística, la maternidad, la fama… Pero por encima de todo quiere ser una alegoría de amplio espectro, una gran fábula totalizadora: del Génesis al Apocalipsis. El problema es que a veces esas metáforas parecen escritas con el rodillo que usa la protagonista para pintar la casa. O son demasiado obvias –la “herida” abierta en el suelo, el corazón arrancado- o demasiado estrafalarias, como algunas de las “dantescas” apariciones del final, que recuerdan demasiado a los finales de Álex de la Iglesia.

2. Las referencias bíblicas. Siempre que Aronofsky engola la voz y se pone el traje de rabino me dan ganas de taparme los oídos y ponerme a gritar como Jennifer Lawrence durante el parto. Que si la costilla de Adán, que si el paraíso perdido, que si Caín y Abel, que si el Apocalipsis… ¿No tuvimos suficiente con ‘Noé’? 8.

Lorde considera que es buen momento para reivindicar a Phil Collins, y tiene razón

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phil-collins_Lorde ha comenzado esta semana la rama europea de su ‘Melodrama Tour’, presentando el sobresaliente álbum que ha publicado este año. Antes de que llegue a Barcelona el próximo día 9 de octubre, actúa en Reino Unido y allí ha visitado los estudios de BBC Radio 1 para grabar en directo en el programa Live Lounge.

Además de su single ‘Green Light’, la neozelandesa ha hecho, como es costumbre en ese programa, una versión. Y ha sorprendido al elegir la que, por otro lado, es claramente la mejor canción de Phil Collins, ‘In The Air Tonight’.

Su versión es bastante fiel a la original –incluida ese redoble de batería que entra en torno al minuto 3:00–, aunque aporta un arreglo de guitarra muy The xx. Pero, sin duda, lo más irónico de todo es la cantidad de veces que la propia cantante pronuncia su propio nombre artístico a lo largo de la canción, con esos “oh, Lord, oh, Lord” que se repiten una y otra vez. Oh, LOL.

En todo caso, esto parece ser una reivindicación en toda regla del que fuera batería del grupo Genesis en los 70 y que, ya en solitario, se convirtió en toda una estrella del pop que vendió más de 100 millones de discos gracias a álbumes como ‘No Jacket Required’, ‘…But Seriously’ o ‘Bith Sides’. Es cierto que, en un momento dado, se convirtió en adalid de lo que él mismo definió hace poco como “música para un BMW deslumbrante”, metáfora de una música aburguesada y aburrida, sin riesgo y de emoción de postal. Pero eso es una crítica muy fácil y a todas luces injusta.

Lo cierto es que Lorde es quizá la artista más popular en reivindicar a Collins, pero no la única: tiempo atrás vimos a artistas alternativos como Neon Indian, Sleigh Bells, Yeasayer o How To Dress Well también lo hacían. Y es que no se puede negar que en su haber hay canciones mayúsculas como la propia ‘In The Air Tonight’, que abría magníficamente su debut en solitario ‘Face Value’ (1981), números de soul blanco tan potentes como ‘Sussudio’, ‘Don’t Lose My Number’ y ‘Something Happened On The Way To Heaven’ o baladones históricos como ‘One More Night’, ‘I Wish It Would Rain Down’ o ‘Another Day In Paradise’.

Después de una retirada algo confusa por unos misteriosos problemas de salud, su autobiografía publicada el año pasado, ‘Not Dead Yet’, clarificó un poco el oscuro periodo en el que el británico, que ahora cuenta con 65 años, ha estado inmerso: en 2002 decidió dejar de actuar para pasar más tiempo con su familia, pero su tercera esposa le pidió el divorcio y él se refugió en el alcohol, del que solo ha podido liberarse por medio de terapia. Ya recuperado y tras haber actuado el pasado junio en el Hyde Park de Londres, el próximo mes de noviembre Collins inicia una gira por Reino Unido y la Europa continental tras pasar más de una década alejado de los escenarios. Dado que él padece una lesión crónica que le impide tocar la batería e incluso le obliga a caminar con una muleta, su hijo de 15 años Nicholas será su baterista en directo. Una buena noticia que hace que este sea un momento inmejorable para reivindicarle como autor.

La Terremoto de Alcorcón fue una chanante Katy Perry en el nuevo ‘Tu cara me suena’

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terremoto-alcorcon-katy-perry_Este viernes ha comenzado la nueva edición, la sexta ya, de ‘Tu cara me suena’, en el que varios famosos (bueno, unos más que otros) pugnan por ser los mejores imitadores de cantantes. El talent-show de Gestmusic-Endemol volvió a superar anoche a su competencia directa en audiencia, ‘La Voz’, aunque solo por 2,3 puntos. Lo cierto es que los invitados de esta edición parece que pueden dar mucho que hablar y ver en las próximas semanas. Anoche, tras una presentación a cargo de los ganadores de las 5 ediciones anteriores (más Santiago Segura) en la que pudimos ver a Angy siendo la Madonna de ‘Material Girl’ o a Blas Cantó el Michael Jackson de ‘Man In The Mirror’, pudimos ver las presentaciones de los nuevos concursantes.

Se trata de los actores David Amor (‘Gym Tony’) –que interpretó ‘Mi gente’ de J Balvin, tema que ayer mismo era noticia mundial–, Raúl Pérez –que fue Rosa León(!)–, Pepa Aniorte (‘El incidente’) –que ganó la gala con una imitación de Paulina Rubio–, Lucía Jiménez (‘La buena vida’, ‘Al salir de clase’)–que fue Shania Twain con su ‘That Don’t Impress Me Much’–, Miquel Fernández (‘Mar de plástico’, ‘El incidente’) –convertido en Robbie Williams de manera muy convincente– y los cantantes Fran Dieli (ex-triunfito y Supersingle) –muy cómodo como el Miguel Bosé de ‘Sevilla’–, Lucía Gil (ganadora de la edición española de ‘My Camp Rock’ de Disney) –que imitó una interpretación en directo de ‘Malibu’ de Miley Cyrus– y Diana Navarro (una de las favoritas para ir a Eurovisión 2018, dicen) –que se quitó el sambenito de folclórica siendo Kelly Rowland acompañando a David Guetta, al que interpretó Ángel Llácer–.

Con ellos, La Terremoto de Alcorcón, que se debate entre ambas facetas, promete ser el gran hallazgo de esta sexta edición. Aunque salvó de manera muy cachonda el olvido de la letra de ‘Pepa Bandera’ de Encarnita Polo durante su participación, lo más jugoso de su aparición en el programa de ayer fue su presentación. Cada participante se presentaba escenificando la portada de algún disco pop y en su caso el programa optó por ‘One Of The Boys’ de Katy Perry. “Siempre me he sentido una gran pin-up, así que qué mejor que hacerlo imitando a nuestra amiga Queti Perry (sic) en uno de sus discos”, comienza diciendo en un vídeo digno de un “Celebrities” de La Hora Chanante.

Entre caramelos falsos y auténticos (que se jalaba “des-pa-ci-to”), se definió como una mujer moderna, nivel “Sónar y Primavera Sound”. Aunque reconoció que lo suyo, más que imitar, es parodiar –“¿Cómo voy a imitar yo con esta cara y este cuerpo y este don para el cante y para el baile?”– prometió descubrir todo lo que lleva dentro… de su escote.

Prettymuch VS Why Don’t We: la lucha por el trono de One Direction ha comenzado

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prettymuch_Escindidos One Direction hasta que sus cuentas corrientes requieran de una inyección de cash, el trono mundial de las boybands para adolescentes con hormonas en ebullición y fans de este subgénero del pop sigue vacante. Sin embargo, en los últimos meses se ha abierto al fin una lucha entre dos candidatos a ocuparlo. Su alternativa llegará esta vez desde Norteamérica, no desde Reino Unido. Concreta y curiosamente, desde Los Ángeles.

Porque de aquella ciudad procede un quinteto llamado Prettymuch, aglutinado precisamente por Simon Cowell –descubridor de 1D, precisamente– y fichado por Columbia. Reúne a chavales de distintas etnias y puntos geográficos de Norteamérica: Brandon Arreaga, de Texas, Edwin Honoret, del Bronx, Zion Kuwonu de Ottawa (Canadá), Nick Mara, de Nueva Jersey, y Austin Porter de Carolina del Norte. Todos son jovencísimos, nacidos en los últimos años del siglo XX, y presumen de buenas voces y, sobre todo, grandes dotes coreográficas.

De hecho, su canal en Youtube recoge vídeos con coreografías de ‘Versace On The Floor’ o ‘Bad And Boujee’, por ejemplo. Esta semana han lanzado su nuevo single, ‘Teacher’, que destaca por el uso de una guitarra de inspiración brasileña, y es un nuevo anticipo de un disco de debut que Cowell se las ha apañado para que contenga una colaboración del rapero French Montana y una canción compuesta por Ed Sheeran, casi ná. Su mini-hit, de momento, es ‘Would You Mind’, un tema de pop R&B de corte muy clásico y noventero (sin duda encantará a nostálgicos de Take That o ‘N Sync) que en dos semanas ha acumulado la nada despreciable cifra de medio millón de streams.

Sin embargo, tienen unos rivales –también de Los Ángeles– que les han tomado ventaja. Se llaman Why Don’t We (o WDW) y, en su caso, son cinco niños (sus caras les delatan) blancos entre los que se cuentan Daniel Seavey, concursante de American Idol. El resto ( Zach Herron, Corbyn Besson, Jonah Marais y Jack Avery) son cuatro chicos que se habían hecho una pequeña reputación cantando por libre en Youtube y redes sociales.

Esta semana han lanzado ‘Invitation’, su cuarto EP ya publicado por Atlantic-Sony Music. Estos no bailan tan bien Prettymuch, pero en canciones como ‘Something Different’, ‘These Girls’, ‘Nobody Gotta Know’ o ‘Why Don’t We Just’ –que cuentan sus streamings por millones– presumen de unas producciones bastante chulas que les sitúan en nuestra época en lugar de copiar viejas maneras. WDW cuentan además con un respaldo importante: fueron youtubers y tienen una gran amistad con Logan Paul, un conocido personaje de la plataforma de vídeos en EEUU que ha dirigido ya tres vídeos para ellos.

La batalla está servida. ¿Quién se alzará con el cetro del mojabraguismo mundial? ¿Quiénes serán los robbiewilliams y justintimberlakes del futuro? Solo puede quedar uno. Bueno, cinco.

Billy William Patrick Corgan dedica su nuevo single a “Los Españoles”

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william-patrick-corganResulta comprensible que a un señor hecho y derecho de 50 años recién cumplidos le incomode que le sigan llamando Billy, el diminutivo de su nombre real, William. Así que, aunque nos cueste un poco, el hombre tras Smashing Pumpkins será referido en adelante como William Patrick Corgan (el segundo nombre le da más solemnidad aún al tema). Así es como va a firmar ‘Ogilala’, su próximo disco en solitario que publica el próximo día 13 de octubre.

Tras un primer adelanto de este álbum –producido, por cierto, por el reputado Rick Rubin– llamado ‘Aeronaut’, acaba de presentar un nuevo tema que se titula ‘The Spaniards’, literalmente “Los Españoles”. ¿Y qué tiene que decir de nosotros Bil…, perdón, William? Pues no está claro, puesto que su letra es bastante críptica y emplea una gramática de inglés clásico, con frases difíciles de descifrar como “Upswept in unlaced bodice / To furies i gave no decides” u “Of gentlemen the self arrives / It’s no hell / We divy up the plights / To speak why i am spark”.

Su vídeo oficial, en cambio, parece arrojar algo de luz al asunto. Está compuesto por escenas de una película que ha ideado B… William con su colaboradora habitual Linda Strawberry como complemento al álbum. Se llama ‘Pillbox’ y –atención al concepto– es una película de cine mudo que imita el clásico blanco y negro de los inicios de la cinematografía, y lo mezcla con el color y la animación. En un argumento que muestra a un joven que se enrola en el ejército y es enviado al frente de lo que podría ser la I Guerra Mundial dejando atrás a su amada, “Los Españoles” parecen ser unos seres sobrenaturales que acogen al soldado cuando es herido en combate y le trasladan a un mundo onírico en el que se transforma en una especie de guerrero tipo ‘Mortal Kombat’.

Una ida de olla considerable que se estrenará simultáneamente en cines de Londres, Los Ángeles, Chicago y Nueva York en algún momento del mes que viene. Además mañana, día 1 de octubre, Corgan ofrecerá una presentación exclusiva de ‘Ogilala’ para el canal Arte. Podrá verse en streaming a partir de las 19:00h en este enlace.

La canción del día: ‘Dispatch From Mar-a-Lago’ de L7, un regreso muy necesario

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l7-dispatch-mar-a-lagoTras haberse reunido tiempo atrás para volver a actuar en directo (como por ejemplo, en el Azkena Rock de Vitoria), días atrás se anunció que el legendario grupo femenino de punk-metal L7 volvía a publicar material de estudio. Concretamente, dos nuevos singles que suponen sus primeras grabaciones desde que en 1999 publicaran su último disco de estudio hasta la fecha, ‘Slap-Happy’. La primera de esas canciones, ‘Dispatch From Mar-a-Lago’, veía la luz hace solo unas horas.

Se trata de un tema compuesto de nuevo por Donita Sparks y Suzi Gardner, contundente, ruidoso y pegadizo, menos oscuro que aquellos ‘Everglade’, ‘Pretend We’re Dead’, ‘Shove’ o ‘Andres’ contenidos en discos como ‘Smell The Magic’, ‘Bricks Are Heavy’ o ‘Hungry For Stink’, que calaron en la generación grunge dentro (Courtney Love tiene una evidente deuda artística con el grupo) y fuera de los escenarios. Sin duda, el de L7 es uno de los regresos más justificados y esperados de aquella época, porque tanto musicalmente como en actitud y ética sin duda han marcado a muchos artistas. Pero es que además este tema está dotado de la misma energía que siempre las caracterizó.

Además, esta nueva canción tiene un marcado fondo político. Según cuentan Sparks y Gardner a Pitchfork, percibieron que sus fans estaban claramente decepcionados y asustados tras la victoria de Donald Trump en las elecciones presidenciales del pasado año, y sentían que ellas eran las personas adecuadas para “salvarlas”, aunque fuera a través de una canción. Por eso escribieron este satírico tema (Mar-a-Lago es una opulenta residencia que Trump posee desde hace dos décadas en Palm Beach, Florida) que su nuevo sello, Don Giovanni, define como “un sonoro y festivo himno rock para el Titanic en pleno hundimiento”. Aunque un hipotético nuevo álbum continúa siendo solo un proyecto, su regreso se antoja muy necesario.

Guille Milkyway, Cesc Gay y David Carabén, entre los firmantes del manifiesto por el sí al 1-O

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la casa azulGuille Milkyway de La Casa Azul es una de los varios cientos de personajes destacados de la cultura catalana que han firmado el nuevo manifiesto a favor del 1-O ‘Decidim cultura’, disponible aquí. La larguísima lista incluye asimismo nombres destacados como los del actor Juanjo Puigcorbé, la poetisa Dolors Miquel Abell, el director Cesc Gay, David Carabén (líder de Mishima) o el músico Daniel Alegret Ruiz de Els Amics de les Arts.

El texto parece en principio un manifiesto a favor de la celebración del referéndum, pero se posiciona rápidamente también a favor de la independencia, por ejemplo a través de alusiones a la libertad y a una posible república catalana que se conseguiría con la participación ciudadana en la votación del 1 de octubre. Se firma “por la democracia, por nuestra condición de sujeto político soberano, por la libertad, por la confianza responsable en el futuro propio y por el voto decidido y desacomplejado de la cultura y por la cultura”. Se defiende que la cultura sea “el nervio y la sangre de la República”.

En el resto del texto se alude claramente a un “proyecto de país” que tendría la cultura como herramienta principal de formación. “La extraordinaria complejidad y diversidad de la cultura catalana de hoy en día, así como la flexibilidad y voluntad inclusiva que la caracterizan, inspiran su adaptación a los retos de la globalización”, lee un fragmento. “Y es esta condición actual, abierta y concreta de nuestra cultura la que reivindicamos como punto de partida para repensar la sociedad que compartimos”.

El texto continúa: “La cultura es una fuente inexorable de recursos para orientar el proyecto de país y transformaciones sociales que deberán acompañarlo. La cultura es el factor capital que puede calificar la acción política y humanizar los objetivos de la economía. La cultura es el espacio que hace posible la conformación de la mirada crítica, de la opinión informada y de la participación responsable y comprometida en el debate público. Estar más informados y ser más cultos nos hará más competentes. Ser más capaces, individualmente y colectivamente, de otorgar sentido a los estímulos constantes que nuestra realidad nos proporciona, nos hará más libres”.

Sorpresas en la playlist de Taylor Swift para Spotify, aparte de que exista

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taylorswiftTaylor Swift ha decidido reforzar su nueva amistad con Spotify creando una interesante “playlist” de canciones favoritas para el gigante sueco del streaming que habría sido impensable hace un año.

La lista, que por suerte no incluye ninguna canción de su autora, como suelen hacer muchos artistas (al fin y al cabo, estas playlists no son más que medios promocionales), es en parte algo obvia por la presencia de algunos amigos de Swift, como Selena Gomez, Ed Sheeran y HAIM, de los que sin embargo destaca canciones no tan famosas (‘Nobody’ de la primera, ‘Perfect’ del segundo y ‘Ready for You’ de las terceras) y por supuesto por la ausencia de sus enemigos (nada de Katy Perry o Calvin Harris). Aparecen por aquí también Miley Cyrus, Arcade Fire, Lady Gaga o Ariana Grande, aunque no Lorde.

Pero la lista presenta también varias sorpresas. Por ejemplo, Swift es fan de ‘For What It’s Worth’ de Liam Gallagher y también de algunas canciones de The National y Lana Del Rey. Además, reivindica a Bon Iver, The Japanese House, Dum Dum Girls y ‘I Dare You’ de The xx y de Rihanna no escoge precisamente los hits (‘Close to You’ y ‘Kiss it Better’). También incluye… ¡’Plot Twist’! de Marc E. Bassy y KYLE. ¿Nacerá de esta playlist algún hit?

Por cierto, Swift todavía no se ha inmutado sobre las condiciones que la han hecho regresar a la plataforma, pero en cualquier caso, su nuevo single está yendo muy bien (160 millones de reproducciones para ‘Look What You Made Me Do’).

Björk, Morrissey, Yelle y Vetusta Morla, entradas en el nuevo top 40 de JNSP

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bjorkLorde permanece en el top 1 de nuestra lista semanal con ‘Perfect Places’ en una lista que cuenta como novedades los últimos singles de Björk, Morrissey, Yelle y Vetusta Morla. Nos despedimos de viejos temas de The Killers o Selena Gomez, ya en la mitad baja de la tabla y con 10 semanas o más en lista, y planteamos una nueva lista de candidatos por los que votar, incluyendo interesantes temas de Alexanderplatz, Liam Gallagher, C. Tangana, Mueveloreina, Moses Sumney y un largo etcétera. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 17 Perfect Places Lorde Vota
2 10 1 31 Green Light Lorde Vota
3 3 3 3 Disco Tits Tove Lo Vota
4 9 1 23 Lust for Life Lana del Rey ft The Weeknd Vota
5 5 3 13 I Dare You The xx Vota
6 2 1 12 New Rules Dua Lipa Vota
7 7 1 the gate Björk Vota
8 4 1 46 On Hold The xx Vota
9 6 1 17 Everything Now Arcade Fire Vota
10 8 1 9 Boys Charli XCX Vota
11 7 1 31 Love Lana del Rey Vota
12 16 7 12 Praying Kesha Vota
13 11 1 12 Swish Swish Katy Perry ft Nicki Minaj Vota
14 15 12 6 Younger Now Miley Cyrus Vota
15 13 7 13 Feels Calvin Harris ft. Pharrell Williams, Katy Perry, Big Sean Vota
16 17 13 13 New York St Vincent Vota
17 17 1 Romeo Yelle Vota
18 33 18 7 Something to Remember Me By The Horrors Vota
19 19 1 Spent the Day In Bed Morrissey Vota
20 14 1 20 Malibu Miley Cyrus Vota
21 21 20 8 Guilty Party The National Vota
22 31 28 3 Up All Night Beck Vota
23 12 3 5 Look What You Made Me Do Taylor Swift Vota
24 25 20 8 Systemagic Goldfrapp Vota
25 20 17 4 Escapades Azealia Banks Vota
26 37 26 3 Pain The War on Drugs Vota
27 19 10 15 The Man The Killers
28 26 26 3 Recompensarte La Bien Querida ft J & Muchachito Vota
29 34 29 1 Me voy Ibeyi, Mala Rodríguez Vota
30 39 19 6 Without Love Alice Glass Vota
31 22 22 6 tonite LCD Soundsystem Vota
32 23 21 4 Selfish Love Jessie Ware Vota
33 33 1 Te lo digo a ti Vetusta Morla Vota
34 18 4 19 Bad Liar Selena Gomez
35 38 22 6 Friends Justin Bieber (ft BloodPop) Vota
36 32 24 8 Secrets The Weeknd Vota
37 35 35 2 Dive Saint Etienne Vota
38 24 24 3 Los Ageless St Vincent Vota
39 28 21 8 Loyalty Kendrick Lamar ft Rihanna Vota
40 30 22 4 Crybaby Paloma Faith Vota
Candidatos Canción Artista
Podrías haberte quedado quieto Alexanderplatz Vota
Underdog Banks Vota
Run for Cover The Killers Vota
De pie C. Tangana Vota
Bodak Yellow Cardi B Vota
So True The Pains of Being Pure At Heart Vota
Lonely World Moses Sumney Vota
Tommy Tommy Genesis Vota
Don’t Worry The Sound of Arrows Vota
Time to Live Ariel Pink Vota
Losing All Sense Grizzly Bear Vota
Wanderlust Wild Beasts Vota
Yeoman Baths Vota
Commotion Lowlight, Bad Gyal Vota
Xtasy Samuel O’Kane Vota

Por qué Beyoncé sí es necesaria en ‘Mi gente’

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beyonceLa colaboración de Beyoncé en ‘Mi gente’ de J Balvin y Willy William es claramente una de las noticias musicales del año por muchos motivos. Es la primera canción de Beyoncé después de su sonado parto de mellizos, representa su regreso al español precisamente en un momento en que la música latina está más de moda que nunca y además tiene todas las posibilidades de darle a Beyoncé un nuevo hit mundial a la altura de ‘Crazy in Love’ o ‘Halo’, como sugieren sus primeras cifras en descargas (ya es top 1 en iTunes USA).

Teniendo en cuenta que la colaboración de Beyoncé en ‘Mi gente’ es benéfica, está claro que la canción es una selección meditada por parte de la intérprete de ‘Crazy in Love’: nadie espera que Knowles se sume a ‘Felices los 4’ por la causa de la catástrofe caribeña. ‘Mi gente’ es una canción universal (su lema es “mi música no discrimina a nadie”) que llama al baile y de la que nadie podría hacer una lectura tramposa para detectar machismo. La canción es una carta de amor al baile, a la fiesta y a la unión: perfecta por lo tanto para ser interpretada por un colombiano, un francés y una afroamericana y que puede ser entendida, como ya lo era antes de que se uniera Beyoncé, por todo el mundo.

Pero Beyoncé, cuya carrera de un tiempo a esta parte ha destacado por su buen gusto en las composiciones y en los productores con los que ha trabajado, tampoco se ha sumado a la producción más vulgar que podía haber encontrado en la lista de éxitos latinos de Billboard ni a un cutre ‘Súbeme la radio’ de Enrique Iglesias o ‘Mi sueño’ del propio J Balvin, sino a una producción elegante, de base pulida, dura y con fuerza, que no hubiera desentonado por ejemplo firmada por unos Bomba Estéreo, y que se impulsa además por un estribillo de voces distorsionadas a la moda, muy Jack Ü. Es una de los reggaetones más “modernos” que triunfan actualmente.

Beyoncé añade además un elemento de mayor accesibilidad a ‘Mi gente’ gracias a su melodiosa voz, que suena especialmente madura, pero también un clarísimo elemento de humor en frases como la grande “la fiesta la llevo en mis genes, yo soy la reina de los nenes” que probablemente vamos a tardar muy poco en ver impresa en camisetas y gorras o, en el caso de la segunda frase, en ser usada como nuevo apodo de Knowles. Tampoco hay que ignorar en la letra las referencias a Blue Ivy (“azul, are you with me?”), la cual extiende un puente generacional que será interesante escuchar en el futuro; su descendencia creole, que remite a ‘Formation’, y por supuesto a Jay-Z (“si me quieres, escribes un disco sobre mí” es una clara alusión al último disco del rapero).

Y puede que sea una obviedad, pero una canción tan universal como ‘Mi gente’ probablemente necesitaba una mujer hace tiempo, sobre todo si atendemos a la lista de mayores éxitos latinos de Billboard, en lo que concierne a mujeres prácticamente monopolizada por Shakira, quien cuenta hasta dos éxitos en el top 10. El resto, lo has adivinado, todo hombres: Luis Fonsi, Daddy Yankee, Maluma, Bad Bunny, Ozuna, Nicky Jam, por supuesto el mismo J Balvin… Pero Beyoncé puede conseguir lo que no ha logrado Shakira con ‘Chantaje’: hacer “crossover” en Billboard y por lo tanto dar con un nuevo ‘Despacito’… y por fin hacernos bailar con una canción suya en las discotecas que no sea ‘Crazy in Love’, ‘Single Ladies’ o, en menor medida, ‘7/11’.

¿Sirve para algo la Cápsula del Tiempo de Spotify?

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your-time-capsuleSpotify acaba de lanzar en 60 mercados una nueva playlist llamada ‘Tu cápsula del tiempo’ cuyo objetivo es reunir 30 canciones nostálgicas que te llevarán al momento en que eras adolescente, «creando la banda sonora de tu viaje a los recuerdos del pasado». Está inspirada en el éxito de la playlist ‘Tus recuerdos de verano’ (canciones que te han enganchado en veranos pasados) y si estáis registrados, podéis realizar el experimento aquí.

Con la base de datos que el gigante del streaming tiene de todos nuestros movimientos musicales, no hay que ser un lince para averiguar cómo funciona: la playlist resultante incluye canciones antiquísimas de artistas que sigues escuchando, canciones viejas que sigues escuchando y canciones de artistas relacionados que otros usuarios con un perfil parecido al tuyo continúan escuchando. ¿Pero funciona de veras? Tres redactores de JENESAISPOP lo hemos puesto en práctica.

En mi caso ha clavado a tres de los artistas que más he escuchado (R.E.M., Madonna, Oasis), pero ha obviado a otros que escuché lo mismo o más como Radiohead, The Cardigans o Portishead (supongo que porque no los he escuchado tan recientemente). Además, ha incluido temas muy rara vez o muy poco escuchados en mi vida de gente como Rancid, Spin Doctors y Hombres G. La presencia de estos revela que la inclusión de canciones españolas parece realmente arbitraria (quizá porque la base de datos es más pequeña), pues no hay ni rastro de indie español (ni Dover, ni Los Planetas, ni La Buena Vida, ni Alaska, nada) ni tampoco del mainstream de la época, de Ella baila sola a Amistades Peligrosas pasando por, de nuevo, Alaska. Pero sin embargo, me ha alegrado la tarde la aparición de dos canciones que quemé, tenía casi olvidadas y que sí que no oía hace eones: ‘7 Seconds’ de Youssou N’Dour y ‘What Is Love’ de Haddaway. Solo por recordar temas perdidos, la Cápsula del Tiempo merece la pena.

Una impresión parecida se llevan mis compañeros. Raúl Guillén valora el experimento de forma positiva aunque con matices: «A mí me ha acertado mucho, aunque mi época jevi la ha casi obviado (ha metido Slayer, que tampoco era de mis favoritos, yo era más pastelero) y mucho Mecano y Billy Idol (algún tema que ni me suena por el nombre)». Jordi Bardají comparte impresiones desiguales: «A mí más o menos. No ha salido nada de Within Temptation, cuando era mi grupo favorito de adolescente, pero sí lo típico: Britney, TLC, t.A.T.u., etcétera. También me han salido canciones que no me gustan nada de The Calling, Blink 182 y Juanes con Nelly Furtado, pero igual es porque mis hermanos han usado mi Spotify alguna vez».

Un simpático experimento con el que pasar esta tarde de viernes y del que esperamos vuestras impresiones (sobre todo de los más jóvenes, ¿a qué pasado puede llevarte este chisme si casi no tienes pasado?). De momento, aparentes luces y sombras. Claro que un acierto al 100% casi que daría más miedo: nos convertiría en algo parecido a robots y debería llamarse Black Mirror, más bien.

La canción del día: ‘De pie’ de C. Tangana, ¿no queríais mainstream nacional moderno?

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depieInauguramos sección diaria (o más o menos) en la que comentaremos algunas de las novedades destacadas del momento, favoritas recientes, «no singles» que deberían serlo o canciones que puedan estar de actualidad por un motivo o por otro. Comenzamos con el single sorpresa de C. Tangana, sorpresa porque solo fue anunciado a última hora de ayer, y porque llega tan solo una semana después del intento de convertir ‘Mala mujer’ en un lanzamiento internacional de mano de French Montana y Farruko.

‘De pie’ no es la canción más ocurrente ni ambiciosa de C. Tangana. La nota de prensa, apuesto a que aprobada por el propio artista, si es que no son palabras escritas por él mismo, habla de una «veta creativa fácil de relacionar con ‘Not Nice’ de Partynextdoor o el reciente ‘Unforgettable’ de French Montana», tema que por cierto cuenta con un remix latino en castellano con nada menos que J. Balvin. Aquí C. Tangana y Alizzz han vuelto a incluir una base muy reggaetón, pero lo que más llama la atención es el uso de percusión caribeña, en la línea de lo que ha sido la radiofórmula durante los últimos 2 años, lo que ha incluido en Reino Unido al mismísimo Jamie xx.

La canción de desamor, claramente vinculada por letra a ‘Antes de morirme’ junto a Rosalía, y en la que Tangana se pone morado a soltar sus clásicos autocoros («¡que no lo sé!», «¡eso no!»), se ve complementada por una base -quizá un bajo tratado- muy de dance noventero que definitivamente nos hace pensar en los trabajos Diplo con y sin Jack Ü. Además, solo podemos celebrar la implicación de El Guincho, al que intuíamos algo perdido tras la escasa aceptación comercial del interesantísimo ‘Hiperasia‘.

Entre los 400 comentarios sobre la canción que tan pronto como ya encontramos en Youtube hay de todo: quien elogia su inmediatez, quien reconoce que está bien pero echa de menos al viejo Puchito (algo parecido a lo que sucedió con The Weeknd cuando abandonó aquel post-trip hop tan personal por el pop a secas), quien compara esto con Justin Bieber suponemos que despreciativamente (??) y quien sigue al pie del cañón para llamar a Puchito «vendido». Guste o no guste, sea excelente o no sea su mejor canción, mejore con los días o la olvidemos, lo seguro es que ‘De pie’ es otro paso adelante en la modernización del mainstream español. Igualar el doble platino en España de ‘Mala mujer’ va a ser muy, muy difícil, pero que esto tenga una remota posibilidad de entrar en radio significa que algo hemos evolucionado. ¿Alguien quiere volver a los Bisbales y las Chenoas, a los Chayannes y Dani Martines? ¿Alguna otra alternativa medio moderna para Los 40?

Demi Lovato hace “chiptune” y se ríe de su “síndrome del padre ausente” en ‘Daddy Issues’

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demilovatoA falta de que unas escuchas más confirmen lo que de momento parece, esto es, que Demi Lovato ha publicado hoy el mejor disco de su carrera, permitidnos destacar uno de sus mejores temas. Porque en ‘Tell Me You Love Me’ hay desde funk (‘Sexy Dirty Love’) hasta pop dosmilero (‘Games’) pasando por baladones lloricas (‘You Don’t Do It For Me Anymore’) y R&B contemporáneo (‘Lonely’), todo francamente bien hecho y compuesto, pero la ochentada de ‘Daddy Issues’ es para comentar aparte.

‘Daddy Issues’, una producción de Pop & Oak (‘The Crying Game’ de Nicki Minaj, ‘Invincible’ de Kelly Clarkson, ‘Clumsy’ de Britney Spears; sí, su repertorio es variado) arranca con una frase llamativa: “te llamo demasiado, y nunca lo coges, solo cuando quieres follar”. Lovato canta sobre un hombre del que se ha enamorado hasta las trancas pero que es emocionalmente “inaccesible”, pero al que no puede dejar porque sufre del “síndrome del padre ausente”. Lovato ha hablado siempre sobre su conflictiva relación con su padre, fallecido en 2013 y a quien describió como “abusivo”, de modo que ‘Daddy Issues’ presenta un evidente y divertido punto de humor, que toca su cumbre en la frase: “olvida todas las terapias a las que he ido”.

Acorde al punto irónico de la canción, ‘Daddy Issues’ es una canción abiertamente “chiptune”, un poco CHVRCHES de hecho, que a través de su base machacona y de sus sintetizadores de videojuego disimula ligeramente el mensaje dramático de la letra, no obstante expresado en un estribillo grande y de gran intensidad, que podría darle a Lovato grandes alegrías de jugar bien sus cartas. Sugerencia: hacer un vídeo cómico protagonizado por una novia chiflada en plan “overly attached girlfriend” o ‘Blank Space’ de Taylor Swift. Las posibilidades son inmensas…

Theme Park / Is This How It Starts?

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theme-park-is-this-how-it-starts_Theme Park han sido una de tantas víctimas del hype de la prensa musical de su país, Reino Unido, tan proclive a fagocitar bandas jóvenes a las que encumbra con apenas un par de temas (EPs en el mejor de los casos). Algunos sobreviven al primer disco, muchos no llegan al segundo. Parecía que este sería el caso de Theme Park, grupo del norte de Londres formado por los gemelos Marcus y Miles Haughton y Oscar Manthorpe, que tras un buen pero algo tibio debut homónimo publicado en 2013, parecían haber desaparecido. Especialmente tras lanzar un buen single como ‘Something Good’ en 2015 con el que no pasó nada. Sin sello y con poca gente esperando su regreso, el camino fácil sería haber desistido, pasado a otro tema, buscarse un curro o probar suerte montando otro grupo. Pero ellos, gracias al apoyo de su amigo Ben Garrett (más conocido como Fryars, productor en su día de Lily Allen y Mika), se convencieron de sus capacidades y se animaron a escribir y grabar con él este ‘Is This How It Starts?’. La cuestión es si ha merecido la pena el esfuerzo y, pese a lo que pudiera parecer, lo cierto es que sí.

Convencidos de que ya no podrán ser el grupo de moda, Theme Park han conseguido hacer un disco muy aprovechable y divertido para cualquiera que aún disfrute del buen pop bailable, con base house y ciertos rasgos 80s y 90s, de bandas como Years & Years, Cut Copy o Hot Chip. Porque lo cierto es que si de algo pueden presumir Theme Park es de tener mano para las melodías pop y para hacer bailar: ‘You Are Real’, ‘Dancing With The Other Girls’, ‘LA (Is Stealing My Friends)’, ‘Never Ending Story’, ‘X Box’ –sí, como veis tienen mucha guasa con los títulos–, la ya citada ‘Something Good’, ‘U R Rly Nice’, ‘10AM’… Su colección de estribillos no es ninguna broma y se extiende por la mayor parte del álbum, con algunas excepciones como las anodinas ‘Hello Hello’ y ‘I’ll Do Anything’ (suerte en vuestro intento de crear la canción ideal para un anuncio de telecomunicaciones, chicos). Por acertar, hasta aciertan en la balada (‘Cocoon’). En ‘Is This How It Starts?’ sigue sin haber nada que distinga a Theme Park de proyectos de división B como Miami Horror, Van She, Friendly Fires o Penguin Prison salvo un pequeño detalle: su capacidad para escribir buenas canciones en cantidades notables.

Theme Park presentan este álbum mañana, 30 de septiembre, en la Sala Razzmatazz de Barcelona.

Calificación: 7,1/10

Lo mejor: ‘You Are Real’, ‘Never Ending Story’, ‘Dancing With The Other Girls’, ‘LA (Is Stealing My Friends)’, ‘Something Good’ 

Te gustará si te gustan: Years & Years, Cut Copy, Hot Chip, Miami Horror
Escúchalo: Spotify

Han llamado los noventa y quieren ‘Don’t Worry’ de The Sound of Arrows de vuelta

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soundofarrowsLa vuelta de The Sound of Arrows será una realidad el próximo 27 de octubre, cuando se publique su esperadísimo segundo disco, ‘Stay Free’. El álbum se ha avanzado hasta ahora con dos singles muy diferentes entre sí, ‘Beautiful Life’, que parece un homenaje a ‘Dancing Queen’ de ABBA, y ‘In the Shade of Your Love’, que replica el sonido de Enya.

Una canción procedía de los setenta, la otra de los ochenta… ¿de dónde viene ‘Don’t Worry’, el nuevo baladón de The Sound of Arrows que ya puede escucharse en las plataformas de streaming? Muy claramente de finales de los noventa y primeros años 2000. Estamos ante una canción de sonido místico que recuerda al pop electrónico ambiental de William Orbit (tiene un arreglo igual al de ‘Pure Shores’ de All Saints, que produjo él) y que destaca por su prominente sección de violines.

La letra de ‘Don’t Worry’ busca servir de bálsamo contra los pesares del alma, algo que consigue también la belleza de su emocionante estribillo: “te preocupas de tus ex amantes, de la aprobación de tu madre, de que estos días de verano pronto terminarán”, canta el grupo; “te preocupas por tu futuro, y por tu comportamiento irresponsable, de las cosas que hiciste y de las que nunca harás, pero no te preocupes, solo escucha la música y olvídate de todo”.

Hoy en “Yo he venido de mi casa”… Manual para hacer vídeos trap

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trap

Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R.Flu.

Julia Louis-Dreyfus sufre cáncer de mama

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dreyfusLa actriz Julia Louis-Dreyfus ha comunicado en Twitter que sufre cáncer de mama. Su escrito es el siguiente: “Una de cada ocho mujeres padece cáncer de mama. Hoy yo soy esa una. La buena noticia es que tengo un maravilloso grupo de familiares y amigos que me apoya y me cuida, así como un fantástico seguro médico gracias a mi sindicato. La mala noticia es que no todas las mujeres tienen la misma suerte, así que luchemos contra todos los tipos de cáncer y hagamos de la sanidad universal una realidad”.

Louis-Dreyfus, de 56 años, acaba de ganar su sexto Emmy por su papel de la vicepresidenta de Estados Unidos Selina Meyers en la comedia de HBO ‘Veep’. La actriz, que ya tenía un Emmy por ‘Las aventuras de Christine’, hacía así historia al convertirse en la primera persona que gana seis Emmys consecutivos por el mismo personaje perteneciente a la misma serie. La actriz era conocida anteriormente por su papel de Elaine Benes en ‘Seinfeld’ y también ha aparecido en ‘Arrested Development’ y ‘Web Therapy’.

Este mismo año era otra artista, Olivia Newton-John, quien revelaba sufrir cáncer de mama. La cantante y actriz, que ya superó esta enfermedad en 1992, progresa favorablemente en su camino a la superación del cáncer y asegura sentirse “muy bien”.

Ready for the Weekend: Miley Cyrus, David Bowie, Demi Lovato, Hurts, Michael Jackson…

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first-aid-kit-its-a-shameEsta ha sido la primera semana del otoño de 2017, pero en cuanto a novedades viene tan caliente como el mismo verano, cerrando un mes en el que, aproximadamente, se han publicado más de 100 discos destacables para nosotros. Hoy destaca la publicación de discos tan importantes comercialmente como los de Miley Cyrus, Demi Lovato, Shania Twain o –a nivel estatal– La M.O.D.A., junto con otros quizá más interesantes o sorprendentes desde el punto de vista artístico como los de Wolf Alice, Four Tet, Benjamin Clementine, Ibeyi, Hurts, Torres, Futuro Terror, Protomartyr, Joana Serrat, Kitty, Daisy & Lewis, Josele Santiago, Ben Frost, Vessels (un álbum con colaboraciones de The Flaming Lips y John Grant), Fitness Forever, Mordem (ex-Jane Joyd), Oscar And The Wolf y Birkins.

También hoy coinciden publicando sus nuevos álbumes dos «estrellas» del pop urbano de nuestro país, Kaydy Cain y Recycled J, lanzan EPs Kamasi Washington y King Henry (productor de Beyoncé y Justin Bieber), y se pone en marcha la maquinaria para captar el goloso filón navideño: Dolly Parton publica nuevo álbum (atención a su portada disfrazada de hada) y David Bowie lanza una nueva caja mastodóntica, esta vez sobre su etapa berlinesa.

La semana ha sido profusa en singles, con nuevos temas de Wild Beasts –que anunciaban su disolución y un último EP–, Alborotador Gomasio, Kurt Vile & Courtney Barnett, Los Koplowitz & Las Chillers, Liam Gallagher, P!nk, Ezra Furman, Tommy Genesis, C.Tangana, Banks y Jessie Ware cantando en perfecto español su último single. Hoy también destacamos los nuevos singles de las hermanas suecas First Aid Kit, Mueveloreina, Disciples (los de ‘How Deep Is Your Love’), Aldous Harding, Majid Jordan (protegidos de Drake) con un featuring de dvsn, Lindstrøm, un Rich The Kid que cuenta con nada menos que Kendrick Lamar, una Avril Lavigne que sorprende al regresar de la mano del dúo de productores Grey, Tulsa, Kimbra, Daddy Yankee con la nueva estrella del trap-reggaetón Bad Bunny, Allah-Las, AMA y Mi Capitán.

Este viernes encontramos también unas cuantas curiosidades, con la inesperada intervención de Beyoncé en el nuevo remix del hit de J Balvin ‘Mi gente’ a la cabeza. Con ella nos han sorprendido una remezcla de ‘Thriller’ de Michel Jackson a cargo de Steve Aoki –que, imaginamos, tendrá algo que ver con ‘Scream‘–, sendos adelantos de sendos discos de demos y rarezas de Angel Olsen y Whitney, la aportación de Run The Jewels con un inédito para la BSO del videojuego ‘Fifa ´18’, un single póstumo de la rapera Gata Cattanatriste e inesperadamente fallecida meses atrás– o la colaboración del actor y músico Michael Cera con la cantautora Sharon Van Etten para la BSO del documental ‘Dina’, recientemente premiado en el Festival de Sundance.