La hija de Steven Tyler manda un mensaje ¿tranquilizador? sobre el estado de salud de su padre

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29 septiembre, 2017

Lo latino está de moda, y no solo por el éxito de ‘Despacito’. Hoy amanecemos con dos noticiones de carácter internacional que implican el uso del castellano. Por un lado, Beyoncé canta en castellano en el nuevo remix de ‘Mi gente’. Por otro, Jessie Ware estrena una versión casi totalmente en nuestro idioma de su reciente sencillo, ‘Selfish Love’, una de las mejores canciones del momento para nuestra redacción. Y no es una sorpresa del todo si recordamos su vinculación con Mallorca.

La canción tenía una percusión latina un tanto chachachá que ahora se corresponde con su nuevo texto, de desamor. «Egoísta, el amor que me das / y luego me lo quitas / Egoísta, y me vuelvo a quedar creyendo en tus mentiras / No hay solución, no hay vuelta atrás / Yo no me puedo enamorar», dice el estribillo, mientras la segunda estrofa apunta: «Vamos a decirnos la verdad / Este juego siempre acaba igual / Ya no me divierte volver a quererte / y dejarte ir siempre cuando tú quieras».

Jessie Ware, una de las cantantes británicas de R&B más importantes de los últimos años tras la edición de ‘Devotion‘ y ‘Tough Love‘, tan comparada por su timbre con Whitney Houston, soportaría aquí las comparaciones con Ana Belén (lo que hace un cambio de ritmo y escuchar una letra en castellano). ¿No sería una gozada escuchar una versión de esta canción a cargo de la intérprete de ‘Lía’ y ‘Desde mi libertad’?

El tercer disco de Jessie Ware se llama ‘Glasshouse’ y sale el 20 de octubre.

1. «Midnight» 3:57
2. «Thinking About You» 3:28
3. «Stay Awake, Wait for Me» 3:35
4. «Your Domino» 3:47
5. «Alone» 3:36
6. «Selfish Love»
7. «First Time» 4:05
8. «Hearts» 3:33
9. «Slow Me Down» 3:24
10. «Finish What We Started» 3:49
11. «Last of the True Believers» (featuring Paul Buchanan) 3:53
12. «Sam» 5:15

El torbellino en vivo de La Plata y FAVX: fugaz pero intenso

Por

Miguel Sánchez

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29 septiembre, 2017

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Anoche comenzaba en la Moby Dick madrileña la nueva edición del Jägermusic Tour, con dos de los artistas más recientes de su roster, La Plata y FAVX, quienes abrían y cerraban respectivamente la noche, dejando en medio a las londinenses Goat Girl, conformando un cartel que no pierde comba con la actualidad musical de jóvenes y prometedoras bandas.

Los valencianos La Plata salieron como un torbellino y, pese a su juventud, poseen ya unas tablas que muchos quisieran. Defendieron con garra y casi sin pausa un repertorio que ya va dejando a su paso hits como ‘La Luz’ o ‘Un Atasco’, que en directo impactan aún más si cabe. En un abrir y cerrar de ojos pasaron por el escenario de una sala a la que agradecieron el buen sonido, además de contarnos lo contentos que estaban de comenzar una gira que, por primera vez para ellos, les iba a llevar de seguido a distintos lugares.

Tal vez fuera por la tremenda fuerza que desplegó la primera banda del cartel, pero en comparativa, el concierto de Goat Girl resultó algo soso, anodino. Está claro que la desidia y la ironía son señas de identidad del cuarteto femenino, pero llegaba a haber algún momento en el que la desidia llegaba a confundirse con desgana y eso también se notaba entre el público, que venía de estar encendido al comienzo del evento. Aun así, temas como ‘Scum’ o ‘Country Sleaze’ se dejaron escuchar, pues tienen la suficiente calidad como para ser disfrutados sea cual sea la manera en la que se interpreten.

Aquellos que se quedaron con ganas de más cera para terminar la velada, a buen seguro que lo dieron todo con el abrasivo directo de FAVX, con una puesta en escena entre lo violento y lo destartalado, pareciendo que todo se iba a caer a cachos por momentos, pero con el control de la situación. El trío madrileño despachó temas como ‘Flowers Of The West’, estrenando formación y dedicando algún tema a su antiguo bajista, quien se encontraba entre el público, metido de lleno en el pogo para apoyar a sus excompañeros. Enseguida se han hecho un hueco y a buen seguro que seguiremos sabiendo de ellos. Como otro torbellino, llegaron, soltaron la furia y se fueron pitando. Noche fugaz e intensa, sobre todo para sacar pecho con el panorama musical nacional.

Estas tres bandas repiten juntas hoy 29 de septiembre en Oviedo, en Donosti el 30, en Valencia el 5 de octubre, en Barcelona el 6 de octubre y en Zaragoza el día 7. Entradas, aquí.

Banks quiere sacar la bestia que lleva dentro en ‘Underdog’

Por

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29 septiembre, 2017

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Banks sorprende hoy con un nuevo single que no estaba incluido en su segundo disco ‘The Altar’, sino que podría adelantar un tercero no anunciado o simplemente ser un single suelto en su discografía. La canción se llama ‘Underdog’ y a pesar de que no tiene una traducción literal, pues su título se refiere a “aquel que se espera que pierda” o al “previsible perdedor”, incluye pseudoladridos por aquí y por allá a modo de gancho.

La letra vuelve a tratar los trapos sucios del corazón, con un puente que dice “You got what you wanted / I’ll do what you say” y una pulla del tamaño de “Your drunken words were honest”. El tema ha sido estrenado en primicia en Beats1 y según Sopitas, Banks lo ha presentado recalcando que no es precisamente todo sumisión, como apuntan algunas frases de la letra: “Hay una bestia dentro de mí que no he dejado salir por completo. Y sigo sin hacerlo, pero estoy permitiéndole sacar su cabeza encima del agua un poco más. Creo que eso es sentirse libre, y es por eso que me siento tan libre ahora mismo”.

Lo que es mejor, este medio tiempo electrónico entre el electropop y la oscuridad marca de la casa, sirve para recordarnos que Banks está a punto de visitarnos de gira. El 15 de noviembre estará en Apolo, Barcelona, y el 16 de noviembre en La Riviera, Madrid. Las entradas están a la venta aquí.

Beyoncé, «reina de los nenes» en la versión en Spanglish de ‘Mi gente’

Por

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29 septiembre, 2017

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Beyoncé se ha prestado a poner su voz a un nuevo remix de ‘Mi gente’ de J. Balvin y Willy William, el hit internacional de estos artistas que antes de la llegada de ella ya sumaba 357 millones de escuchas en Spotify y 892 millones de visualizaciones en Youtube. La canción ha sido número 1 en España, número 5 en Reino Unido y número 19 en Estados Unidos, aparte de un hit en muchos otros lugares que la han llevado a liderar la lista global de Spotify durante un mes.

Y ahora nos llega este remix, justo 3 meses después del estreno de la original, que se suma a la estrategia de ‘Despacito’ añadiendo a Justin Bieber, con la diferencia de que aquí el dinero se destinará a las víctimas del huracán de Puerto Rico y al terremoto de México. Beyoncé canta una parte de esta canción en castellano. Aunque su dicción no nos permitía esclarecer si realmente canta «La fiesta la llevo en mis genes / Yo soy la reina de los nenes», hay lyric video casero confirmando que sí. En el vídeo salen Cristiano Ronaldo, Martin Garrix y Diplo, entre otros.

En caso de que J Balvin y Beyoncé logren hacer de este remix tan shakiresco un número 1, sería el primer número 1 para Beyoncé en Estados Unidos desde 2008 y en Reino Unido desde ‘Telephone’ de Lady Gaga en 2010. Una década «de vacío» en la que, no obstante, se ha confirmado como artista de álbumes y llenaestadios.

C. Tangana estrena nuevo posible hit caribeño, ‘De pie’

Por

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29 septiembre, 2017

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Solo una semana después de estrenar el remix de ‘Mala mujer’ con French Montana y Farruko, actual puesto 65 en Spotify España mientras la canción original continúa en el top 20 (no hay noticia sobre su repercusión internacional), C. Tangana estrena nuevo single. Y esta vez no es una curiosidad a lo ‘Pop Ur Pussy‘ (que, ojo, se acerca al millón de streamings), sino una canción que realmente puede darle un nuevo éxito, grande o pequeño.

‘De pie’ es una nueva colaboración con su mano derecha ahora mismo, el productor Alizzz, que publicaba el EP ‘Ascension‘ este verano y ya produjera ‘Mala mujer’; y también El Guincho, que según la nota de prensa de Sony, trabajaba igualmente en el remix de ‘Mala mujer’. La letra, una canción de amor básicamente, está llena de autorreferencias, muy especialmente a ‘Antes de morirme’, el éxito de C. Tangana con Rosalía el año pasado.

C. Tangana ha compartido en redes sociales esta imagen promocional al tiempo que indica que este fin de semana se cumplen dos años de ‘C.H.I.T.O.’ No hay noticia sobre el posible nuevo disco de C. Tangana para su nuevo sello, Sony.

Ese finde C.H.I.T.O. cumple dos años 🎂 feel old yet? Hoy a las 24:00 nueva música con @alizzzmusic & @pablodiazreixa una ve mass

Una publicación compartida de El Hombre del año (@c.tangana) el 28 de Sep de 2017 a la(s) 12:13 PDT

Chenoa cuenta todo sobre Bisbal en ‘Defectos perfectos’, Bisbal contesta

Por

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29 septiembre, 2017

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Chenoa ha publicado esta semana un libro llamado ‘Defectos perfectos’ cuya descripción oficial en Amazon dice así: «En plena madurez artística y personal, Chenoa pasa revista a su vida a través de las páginas de un libro sincero, donde repasa su trayectoria profesional y vital hasta llegar al presente, en el que se siente plena y feliz. El libro contiene testimonios reales, algunos verdaderamente desgarradores, junto con episodios desenfadados y anécdotas divertidas; a lo largo de sus capítulos desfilan amores, amigos, compañeros de profesión, familiares… Chenoa nos presenta a Laura, despojada de su nombre artístico y de esa máscara del triunfo que, con frecuencia, oculta otras visiones más auténticas. Glamur, emoción, penas y alegrías se dan la mano en estas páginas que nos acercan a la personalidad de una gran artista y de una persona extraordinaria».

¿Testimonios reales y desgarradores? Los usuarios de la red han ido corriendo a ver qué decía sobre su relación con David Bisbal, en torno a la página 70 del libro, han subido fotos a las redes sociales y la cantante se ha transformado en «trending topic» rápidamente. Rara vez se habló en su momento de cómo fue aquella ruptura, y ahora Chenoa la afronta, de la misma manera que habla también sobre la supuesta cobra que David le hizo frente a los espectadores durante ‘OT, el Reencuentro’.

Si este último paso es un final feliz, pues Chenoa dice que Bisbal le dijo algo al oído que jamás revelará, más angustioso fue el modo de romper con ella, pues asegura que David se fue de casa de manera repentina, que se terminó de enterar de que la ruptura no era temporal por televisión y que además cuando le llamó para hablar las cosas resultó que había cambiado de número de teléfono. Y nadie le dio el nuevo. Por si fuera poco, ella y su madre tuvieron que meter en cajas las cosas de él.

El mundo descubre así que el final de la relación entre dos de las estrellas más conocidas de nuestro país acabó peor de lo que parecía, con media red apoyando a Chenoa y la otra planteando por qué cuenta todo esto ahora. Os dejamos con unos tuits y con su hitazo de la época, ‘Atrévete’, al que solo faltó una producción más moderneta para terminar de ser un clásico del pop.

Actualización 29-9: Bisbal ha comentado respecto a la publicación de este libro, según recoge El Mundo, que el texto le ha «sorprendido», pues pensaba que gracias a El Reencuentro, Chenoa ya tenía este tema «superado».

Muy fuerte la ruptura de Chenoa y Bisbal. Cambió el móvil, la anunció sin avisar y le puso los cuernos. Cabrón. 😡😡😡#ChenoaDefectosPerfectos pic.twitter.com/60cF1byZz8

— Emilio Martínez (@em_martinez7) September 26, 2017

La lectura que mucha gente se hará es, Chenoa hija que necesidad de contarlo ahora.
La mia: hija que agusto te habrás quedao. Me alegro.

— Ojo Crítico (@CriticaGH) September 27, 2017

A mí lo que me flipa del drama de chenoa-Bisbal es que le guardase ella las cosas en cajas.
Le iba a guardar yo una mierda bien gorda.

— Bristol (@Brighton_cor) September 27, 2017

Bastantes vaciles y gilipolleces ha tenido que aguantar Chenoa con el tema Bisbal para que ahora no pueda contar SU vida. Ea. pic.twitter.com/CuqTVKtNW4

— Ri Melocotón ♀🍑 (@blumettrera) September 27, 2017

Wolf Alice / Visions Of A Life

Por

Raúl Guillén

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29 septiembre, 2017

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¿Cuántas veces habremos oído aquello del “difícil segundo disco”? Sin negar que no debe ser sencillo superar un debut que ha tenido una repercusión notable y que casi siempre es básico en la carrera de cualquier artista, es un mito que no necesariamente aplica cuando hablamos de grupos/artistas de gran talento. Ese, al menos eso deducimos tras analizar ‘Visions Of A Life’, parece ser el caso de Wolf Alice, un grupo cuyo debut ‘My Love Is Cool’ logró calar profundamente entre el público y la crítica (especialmente los británicos) pese a que en un principio no parecía para tanto.

Ahora llega su segundo álbum que, de manera clara, supera al primero en prácticamente todos los aspectos: cohesión, sonido, personalidad, canciones… Grabado en Los Ángeles con el productor Justin Meldal-Johnsen (Paramore, Beck, M83), Wolf Alice llevan un decidido paso más allá todo lo mostrado en su debut. Sobre todo, a nivel de diversidad sonora, con una variedad que sobre el papel parece difícil de encajar: si el cambio del punk-pop iracundo de ‘Yuk Foo’ (un himno angst que encuentra una nueva réplica en la eficaz ‘Space & Time’) a los atinados y poperos singles ‘Don’t Delete The Kisses’ (quizá la canción más memorable del disco, con esa excitante subida de intensidad final) y ‘Beatifully Unconventional’ (un coqueteo con el rock de Arctic Monkeys) te sonaron inconexos, es solo la punta del iceberg.

Porque en ‘Visions Of A Life’ hay rock de todo pelaje: guiños a My Bloody Valentine (‘Heavenward’), los Radiohead de ‘The Bends’ (‘Planet Hunter’), Cocteau Twins (‘Sky Musings’), Muse (‘Formidable Cool’), Smashing Pumpkins (‘Sadboy’), folk pastoral (‘After The Zero Hour’, uno de los temas más sorprendentes y bonitos del disco, con una Ellie Goswell emocionante). Y lo mejor es que todo es bueno o, como poco, distintivo. Y en esa mezcolanza a priori imposible emerge la personalidad del grupo y la voz de Ellie para darle un hilván a todo, consolidando una propuesta que cristaliza del todo en las canciones menos inmediatas pero más elaboradas e interesantes del conjunto, esas que cada vez que escuchas te sorprenden con nuevos puntos de vista y detalles. Con un sonido realmente espectacular y Black Sabbath y los Led Zeppelin de influjo asiático emergiendo como probables referentes, la fantasía post-metalera de ’St. Purple & Green’ y el tema titular (pasa tanto en sus 8 minutos que se hacen hasta cortos) se antojan como un pirotécnico final hacia el que confluyen las distintas facetas presentadas en las otras nueve canciones del disco.

Como mayor pero a ‘Visions Of A Life’ podemos señalar unas letras que, al igual que en ‘My Love Is Cool’ pecan de cierto tono naíf que ni engancha (a excepción de ese “you bore me to death / I don’t give a shit” de ‘Yuk Foo’ –simplón juego de palabras con “fuck you”, por si alguien no lo había notado–) ni emociona especialmente. Pero eso no enturbia demasiado un disco con un encanto especial, de esos que te engatusan con 3 o 4 cortes de manera inmediata y que poco a poco te van dando más hasta que prácticamente todo el álbum se antoja imprescindible. ‘Visions Of A Life’ va directo a la selecta lista (precisamente junto a ‘The Bends’, ‘Loveless’, ‘Siamese Dream’, ‘Origin of Symmetry’…) de segundos discos que superaron en alcance comercial y calidad a sus debuts.

Calificación: 8/10 
Lo mejor: ‘Don’t Delete The Kisses’, ‘Heavenward’, ‘Yuk Foo’, ‘After The Zero Hour’, ‘Visions Of A Life’  
Te gustará si te gustan: –o te gustaron en algún momento– Muse, Smashing Pumpkins, los Radiohead de ‘The Bends’
Escúchalo: Spotify

Tommy Genesis ya tiene **** para llamar su hit ‘Tommy’

Por

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28 septiembre, 2017

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Tommy Genesis es una rapera de Vancouver (aunque sus orígenes se dividen entre Suecia y Tamil Nadu) que ha dado que hablar desde que en 2015 publicara su primera mixtape. En este tiempo gracias a canciones como ‘Execute’ de aquella ‘World Vision’ ha ido engrosando un ego que le ha dado para construir una canción en la que se reivindica a sí misma, algo muy común en el género, por otro lado.

El single que publicaba hace unos días, llamado como ella, ’Tommy’, tiene un gancho que llega mucho más lejos que su portadón. Un hipnótico ritmo se repite hasta la saciedad taladrándote el cerebro (parece que ha aprendido un truco o dos de su colega M.I.A., con la que ha colaborado en un anuncio de Mercedes), llevando hasta un desenlace asfixiante más propio de los tiempos en que Alice Glass era la líder de Crystal Castles.

La cantante explica que ‘Tommy’ es una canción en la que habla sobre sus dos personalidades. “Es tal y como soy en sociedad. Es solo una canción de rap, pero también una representación de lo que es Tommy sin Genesis, a la que conoceréis más adelante”. Esta idea en la línea de Beyoncé/Sasha Fierce se perfecciona bajo la producción del productor de G.O.O.D. Music Charlie Heat, mientras ella da vueltas sobre su nombre: “Nobody fuck with Tommy / Nobody’s high like Tommy / Nobody rock like Tommy / All these bitches get off me”. El tema aparece ya entre los mayores virales de Estados Unidos.

Hugh Hefner como anfitrión musical: lo mejor de ‘Playboy After Dark’

Por

Raúl Guillén

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28 septiembre, 2017

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Esta mañana conocíamos el fallecimiento a la edad de 91 años de Hugh Hefner, conocido por ser el creador de la cabecera ‘Playboy’ y todo el emporio que se originó después en torno a esa revista de corte erótico principalmente orientada al hombre heterosexual cisgénero, lo cual hoy, aparte de obituarios, le ha valido también algunas críticas por su contribución a la cosificación de la mujer.

Recordemos que entre las llamadas “conejitas” que aparecieron en su famosa portada se cuentan iconos femeninos de distintas generaciones como Marylin Monroe, Madonna, Kate Moss, Pamela Anderson, Paris Hilton o Kim Kardashian. Recientemente, hemos visto como artistas habituales de esta página como Azealia Banks, Sky Ferreira o Halsey, se desnudaban para esta revista.

Hefner, además de un excéntrico millonario y alimentar el deseo y las fantasías sexuales de muchos, fue todo un icono del sueño americano durante décadas, y como tal apareció en numerosas películas y series haciendo de sí mismo. Incluso U2 dedicaron una canción a la famosa Mansión Playboy en su álbum ‘POP’. Hoy numerosos famosos, de Nancy Sinatra a Mark Hammill, pasando por Rob Lowe o Gene Simmons (Kiss) entre otros muchos, han lamentado su muerte públicamente.

Una de las más curiosas diversificaciones de su marca incluyó una especie de late night que se emitió entre 1969 y 1970, llamado ‘Playboy After Dark’. Lo más curioso de aquel programa televisivo que él mismo presentaba desde un plató instalado en un salón de su mansión-picadero fue que, durante su existencia, invitó a algunas de las figuras musicales más relevantes del momento –hoy Historia de la música, la lista es para caerse de culo– mientras un público de lo más sofisticado y desprejuiciado bailaba y aplaudía. Vamos a repasar algunos de esos momentos, los mejores que hemos encontrado:

B.B. King

El maestro del blues también pasó con su banda por el programa de Hefner para interpretar su clásico ‘The Thrill Is Gone’ en plenitud de forma.

The Byrds

Resulta curiosísimo ver a Roger McGuinn con evidente nerviosismo, admitiendo la influencia de The Beatles antes de unirse al grupo para interpretar ‘You Ain’t Going Nowhere’, de Bob Dylan, y su ‘This Wheel’s On Fire’, co-escrita con Rick Danko de The Band.

Deep Purple

Después de que Jon Lord le asegure a Hefner que ellos también vivieron en una mansión pero que tuvieron que dejarla porque estaba encantada, el grupo británico que entonces estaba comenzando a despuntar interpretó ‘Hush’, el single escrito por Joe South que ellos popularizaron y que en los 90 fue revitalizado por Kula Shaker. Los looks pre-glam son una auténtica pasada.

Fleetwood Mac

Tras un numerito de “humor”, nos encontramos con estos clásicos del rock pero antes de etapa más memorable, previa a la entrada en el grupo de Lindsay Buckingham y Stevie Nicks, interpretando el blues ‘Rattlesnake Shake’, frecuente también en la carrera en solitario de Mick Fleetwood.

Grateful Dead

Nada menos que Jerry Garcia con un poncho charlaba con Hefner sobre una controvertida marcha anti-hippie que tuvo lugar en San Francisco un par de años atrás, antes de interpretar ‘Mountains Of The Moon’ y ‘St. Stephen’, del disco que los Dead editaban aquel año ‘Axomoxoa’. Un documento fantástico.

Harry Nilsson

Tras “padecer” un truco de magia en presencia de Otto Preminger (en aquellos momentos presentaba la película ‘Skidoo’, que incluía algunas canciones de Nilsson), el cantautor de Brooklyn interpretó, de manera un tanto extraña, sentado sobre el brazo de un sillón ‘Good Old Desk’ y ‘Together’ mientras sonaban pregrabados de su disco de 1968 ‘Aerial Ballett’.

Ike & Tina Turner

Antes de su controvertido y traumático divorcio por el maltrato del músico hacia la diva soul, trasladaron un torbellino de soul al picadero de Hugh, con interpretaciones apabullantes de ‘I Want to Take You Higher’ de Sly & The Family Stone, ‘Come Together’ de The Beatles, ‘Proud Mary’ de Creedence Clearwater Revival y ‘Brown Sugar’ de The Rolling Stones. Una barbaridad.

James Brown

Antes de la imagen icónica con el traje de solapones, pelucón y sudor que ofreció con la explosión funk de los 70, Brown pasó por la mansión Playboy en una faceta más comedida y soulera. Casi irreconocible con el pelo corto, interpretó maravillosamente la balada ‘If I Ruled The World’ y su clásico ‘Say It Loud – I’m Black And I’m Proud’.

Linda Rondstadt

Hoy en un injustísimo semi-olvido debido al Alzheimer que la atenaza, la maravillosa cantante de Tucson estaba en lo más alto en 1970. Así lo mostró en las dos ocasiones en que apareció en este show, como podemos ver en la interpretación del tema bluegrass ‘Living Like A Fool’ de Jimmy Martin. Majestuosa.

The Rolling Stones son mucho más que “Sus Robóticas y Ancianas Majestades”

Por

Raúl Guillén

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28 septiembre, 2017

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Como recordó el propio Jagger gracias a un ingenioso teleprompter que le marcaba qué debía decir al público (en un potable mix de castellano y catalán que le llevó a contar que había comido butifarra y trinxat) para metérselo en el bolsillo de su ajustado pantalón (el tipín que gasta este hombre no es normal), este ‘No Filter Tour‘ de anoche era ya la octava vez que Rolling Stones visitaban Barcelona, la última de ellas en 2007. Así que las sorpresas que pudiera deparar el concierto eran más bien pocas. Apenas el espectacular escenario de esta gira, con unas pantallas abrumadoramente altas que mezclaban imágenes de la banda en directo con efectos visuales –por momentos dignos de Power Point–, y certificar que el grupo estaba en una relativamente buena forma anímica y física.

Así como a Charlie Watts y Keith Richards se les vio notablemente cascados –lo cual no afecta a su pericia instrumental, cuidado–, Mick Jagger se mostró a sus envidiables 74 palos tan inquieto como siempre durante las más de 2 horas de concierto, bailando, caminando y hasta haciendo un par de sprints que a mí me dejarían echando el bofe. Aun así, se notaba que medía mucho sus esfuerzos, que era algo que tenía perfectamente controlado, de manera tan mecánica como el propio show, tan poco dado a la improvisación como casi cualquier otro concierto de estadio. Pero es evidente que su papel en escena es fundamental: cuando Keith tomó las riendas vocales durante un par de temas (‘Happy’ y ‘Slipping Away’), el bajón de energía fue palpable. Por otra parte, con Watts impasible en su escueto set de batería, Richards ensimismado en el mástil de su guitarra y moviéndose de manera algo pesada y Jagger a la suya (mi impresión es que los dos últimos ni se hablaron, miraron o tocaron en todo el concierto), el único que parecía salirse ocasionalmente por la tangente era Ronnie Wood, que bailó y sonrió de manera casi permanente. Sabiendo que acaba de superar un cáncer de pulmón, debe estar disfrutando cada segundo al máximo y su entusiasmo era visible y genuino.

Tampoco cupieron demasiadas sorpresas en su setlist –evidentemente, nadie querría que prescindieran de sus mayores clásicos– pero sí algunas bastantes jugosas. Destacó la inclusión de ‘Rocks Off’ –a petición del público– y una ‘Under My Thumb’ que hasta hace poco no tocaban desde más de una década atrás. Y algo más (un par de concesiones de rigor a su reciente disco de clásicos del blues, ‘Blue & Lonesome’). Pero poco más, gracias. Porque en un concierto así, no nos engañemos, uno quiere ver exactamente lo que espera y en ese sentido las expectativas se superaron con creces. Cuando, tras cierta demora sobre la hora prevista –quizá debido al caótico y lento acceso del público al Estadio Olímpico–, comenzaron a sonar las percusiones introductorias de ‘Sympathy For The Devil’ se instaló en el repleto Lluís Companys algo que solo puede definirse como magia. Rolling Stones abrieron la puerta de su Museo del Rock y se fueron sucediendo de forma apabullante –al cuarteto le respalda una amplia banda con notables coristas, teclistas y vientos, pero ellos y el bajista Darryl Jones llevan el peso en buena medida– clasicazos como ‘It’s Only Rock ’N’ Roll’, ‘Tumbling Dice’, ‘Paint It Black’, ‘You Can’t Always Get What You Want’, ‘Street Fighting Man’, ‘Midnight Rambler’ (con un espectacular solo de Ronnie), ’Miss You’ (fantástico solo de bajo de Jones)… que derivaban hacia una irresistible traca final (literalmente) con ‘Start Me Up’, ‘Brown Sugar’, ‘Jumpin’ Jack Flash’ y el éxtasis ante ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’.

Podemos tirar de cinismo, aludir a lo previsible del show –lo más inesperado fue el solo vocal más dueto con Mick que se marcó durante ‘Gimme Shelter’ la corista Sasha Allen en la plataforma central– y quedarnos con que son ricos empresarios ordeñando su vieja vaca (el merchandising inundaba todos los pasillos del estadio y diría que había más gente con camiseta del grupo que sin ella). Pero lo cierto es que lo que vimos anoche fue el espectáculo de rock ’n’ roll genuino que cualquiera querría ver, con un ambiente muy especial y una química evidente con un público animado y bailón (una encantadora mezcla de personas maduras y jóvenes, en el que se veía a padres bailar con hijos e hijas e incluso nietos). Una, como he dicho antes, magia ante la que habría que ser muy necio para no derretirse. 8.

Fotografía de Jesús A. MArtínez cedida por Doctor Music.

El nuevo vídeo de Ezra Furman predijo el pandemonio de Charlottesville

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28 septiembre, 2017

Ezra Furman ha sacado una canción nueva, ‘Driving Down to L.A.’, que ya puede escucharse en las plataformas de streaming y es su primer single desde que su anterior disco, ‘Perpetual Motion People‘, se publicara en 2015. Es una canción de glam-rock desgarrada y dramática de la que destaca la suciedad de su arreglo electrónico.

El vídeo de ‘Driving Down to L.A.’, dirigido por Joseph Brett, se ha rodado en Virginia y cuenta la historia de dos amigos “queer” que escapan de un grupo de supremacistas blancos, sin embargo Furman insiste en que el parecido del vídeo con la tragedia acontecida en Charlottesville hace unos meses es una coincidencia. Furman escribe: “habíamos planeado grabar el vídeo en Virginia mucho antes de que supiéramos que se celebraba una marcha derechista en Charlottesville, así que tuvimos la extraña experiencia de hacer un vídeo sobre escapar de los supremacistas blancos al tiempo que todo el país hablaba de ellos y el presidente se negaba a condenar inequívocamente la supremacía blanca”.

Furman sigue: “es terrible ver florecer de nuevo las raíces de la América supremacista, por no hablar de la misoginia, la fobia al colectivo queer y el anti-semitismo que suelen ocurrir al mismo tiempo. Pretendo que esta canción, el vídeo y mi carrera entera sean una protesta contra esas actitudes. Este vídeo va sobre cómo el miedo se convierte en violencia. No hace falta decir que no defiendo disparar a un coche lleno de gente, sean supremacistas furiosos o no. El vídeo es una fantasía y una pesadilla. Creo que encaja con la pesadilla cultural que vivimos ahora mismo y de la que espero nos levantemos pronto”.

P!nk acierta colaborando con Jack Antonoff (Lorde, Taylor) en su nuevo tema, ‘Beautiful Trauma’

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28 septiembre, 2017

P!nk está triunfando con su single ‘What About Us’, también en España, pero para mantener el interés en su nuevo disco, ‘Beautiful Trauma’, que sale el 13 de octubre, ha compartido un nuevo single promocional, el que lo titula.

En cuanto entra la base de ‘Beautiful Trauma’, marcadamente electrónica, queda claro que estamos ante una producción de Jack Antonoff, líder de Bleachers y uno de los productores más solicitados del momento: él ha producido ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift, los dos nuevos singles de St. Vincent y por supuesto es productor principal del último trabajo de Lorde y de ‘I Don’t Wanna Live Forever’, el éxito de Zayn y la misma Swift.

Acorde a la paradoja que presenta su título, ‘Beautiful Trauma’ se sirve de un sonido electro un poco sucio, oscuro y con garra para contarnos una dulce historia de amor: P!nk está “colgada” por su amante en esta canción en la que canta que “no hay nada más que tú” y en la que le describe como una droga y como su medicina. Por cierto, la conexión de P!nk con Antonoff no acaba aquí: en su anterior disco había una colaboración con Nate Ruess de fun., la otra banda de Antonoff.

Grizzly Bear coronan jueves de vídeos raros acompañándose de una actriz de ‘Dawson crece’

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28 septiembre, 2017

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Si Maroon 5 y SZA han hecho el vídeo más absurdo del día (o del año) y Ariel Pink el más inquietante, Grizzly Bear han hecho el más surrealista de todos para su canción ‘Losing All Senses’. El vídeo está protagonizado por la actriz Busy Phillips, a quien recordarás por ‘Freaks and Geeks’ y ‘Dawson crece’, y parece contarnos la historia de una mujer que pierde completamente la noción de la realidad.

Para entender un poco más el vídeo de ‘Losing All Senses’, Ed Droste de Grizzly Bear ha hablado sobre él en DAZED, donde ha dicho que es “surrealista” (el vídeo incluye por ejemplo una escena donde Phillips entra en las profundidades del mar a través de un plato). Según Droste, el vídeo es “una mezcla entre David Lynch y ‘Mujeres desesperadas’ o entre ‘Beverly Hills’ y ‘Heathers’ o algo parecido” y de su reparto destaca no solo la presencia de Phillips sino también la de la actriz Freckle, amiga suya y una “importante figura genderfluid”.

El vídeo, de impecable factura, como acostumbra Grizzly Bear actualmente, y que sirve para promocionar el último álbum del grupo, ‘Painted Ruins‘, ha sido dirigido por Cody Critcheloe, más conocido como SSION, muy conocido de hecho por sus propios vídeos y autor últimamente por ejemplo de la fiesta de los pijamas de Robyn y Maluca para ‘Love is Free’.

El nuevo vídeo de Ariel Pink es como un viaje a las cloacas de Youtube

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28 septiembre, 2017

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Ariel Pink estrena vídeo para una de las canciones más experimentales de su nuevo disco, ‘Time to Live’. El colectivo ucraniano Gorsad se ha encargado de poner imágenes a esta canción trasladándose a un cementerio, donde vemos vagar a una siniestra niña, que también se entretiene practicando rituales satánicos o disfrazándose de demonio.

Por su realización totalmente lo-fi y casera, y por lo inquietante de su contenido, el vídeo de ‘Time to Live’ parece uno de esos vídeos raros escondidos en las profundidades de Youtube que reflejan el lado más oscuro y extraño de la naturaleza humana. Un vídeo muy “dark side of Youtube” que pide a gritos una sección de comentarios llena de mensajes tipo “yo estaba viendo vídeos de gatos, ¿cómo he llegado hasta aquí?”

‘Time to Live’ ya se había presentado antes de la publicación del notable ‘Dedicated to Bobby Jameson’ junto a otros singles como ‘Feels Like Heaven’ y ‘Another Weekend’ y por su extraña estructura puede decirse que daba pie a un vídeo incluso más raro todavía. La canción combina una parte post-punk con la melodía de ‘Video Killed the Radio Star’ y además incluye un intermedio que parece replicar una interferencia de radio.

¿Han hecho Maroon 5 y SZA el videoclip más absurdo del año?

Por

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28 septiembre, 2017

Después de dirigir el que es probablemente el vídeo pop del año para ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift, Joseph Khan ha prestado ahora sus servicios a Maroon 5 y SZA para dirigir el videoclip de su single conjunto, ‘What Lovers Do’. Y se ha vuelto a superar porque ha hecho el vídeo más absurdo que podría haber hecho para esta canción o para cualquiera.

El vídeo es un festín de efectos especiales más propio de una película de animación que de un single más o menos sensual como el que nos ocupa, y su “argumento” es un “mindfuck” tras otro. Quizá jugando con una doble interpretación del título de esta canción que habla sobre “lo que hacen los amantes”, Khan ha puesto a Adam Levine y SZA a hacer cosas de pareja como surcar los mares en moto acuática, jugar en el casino, correr por un bosque o surfear.

Aunque parece que todas estas cosas son más o menos normales, Khan las hilvana en el vídeo de manera que den pie a situaciones tan surrealistas como que, al caer al mar, SZA se convierta en sirena, o que Levine corra en una carrera junto a un dinosaurio. También hay animales que cantan la canción y el vídeo se remata con un homenaje a King Kong completamente random.

50 Cent dice que rechazó medio millón de dólares por aparecer en un acto de Donald Trump

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28 septiembre, 2017

Donald Trump consiguió convertirse en presidente de Estados Unidos, pero desde luego no fue por el apoyo de los músicos. El líder de los republicanos encontró serias dificultades para poder contar con artistas de música pop en sus mítines. Uno de aquellos a los que se lo ofreció -con sobre incluido- fue 50 Cent, o al menos eso es lo que este cuenta en una entrevista con Hot 97 que puede verse online, en el minuto 37.50 del vídeo bajo estas líneas.

Sus palabras son: “quisieron pagarme 500.000 dólares por ser parte de la campaña, solo por aparecer”, añadiendo que por supuesto lo rechazó y que Trump es presidente por accidente. “No creo que nada haya dividido a la gente tan rápido como lo ha conseguido Trump”.

En la larga entrevista que lleva ya medio millón de visualizaciones, también habla de si es necesario gustar y conquistar a las nuevas generaciones, de Jay Z o de su carrera pasada. Recuerda de hecho cómo lo vendió todo en Estados Unidos con ‘Get Rich or Die Tryin» (2003). Sin embargo, su quinto disco, varias veces retrasado, continúa sin fecha de edición pese a barajar el nombre de ‘Street King Immortal’ desde que se habló por primera vez de él en 2011. ‘Animal Ambition’, de 2014, fue una compilación de singles sueltos que no tuvo demasiado éxito ni de crítica ni entre el público.

Fermín Muguruza y The Suicide of Western Culture se unen para reivindicar «la Barcelona antifascista»

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28 septiembre, 2017

Fermín Muguruza y uno de los grupos de electrónica más destacados del país, The Suicide of Western Culture, autores de discos como ‘Long. Live. Death! Down With Inteligence’, se han unido para construir un tema llamado ‘Barcelona / Sant Andreu’. En él protestan por las detenciones a varios altos cargos de la Generalitat con el objeto de impedir el referéndum del 1 de octubre. El tema comienza con las voces de Marala (Paula Giberga, Selma Coll y Clara Fiol), entonando ‘Txoria Txori’ de Joxean Artze y Mikel Laboa: “Si le hubiera cortado las alas / habría sido mío / pero así / habría dejado de ser pájaro / Y yo lo que amaba era el pájaro”.

Por si fuera poco ilustrativa esta intro, el tema contiene después frases como “Solo el pueblo salva al pueblo” y “El cinturón rojo comienza en Sant Andreu”. El estribillo repite “Barcelona antifascista”. Todo ello se puede entender aún mejor a través del “lyric video” con subtítulos en inglés y castellano que se ha subido a Youtube. Fermín Muguruza explica en Facebook cómo le acogió el barrio de Sant Andreu tras asistir al evento de Voces Contra el Machismo, cómo ha decidido escribir su primera canción en catalán y menciona también las referencias a Lluís Llach, Inadaptats y KOP.

Meghan Trainor será productora y compositora en la serie ‘Broken Record’, sobre un girl group

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28 septiembre, 2017

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Meghan Trainor arrasó con su primer disco gracias al gancho de singles como ‘All About That Bass’ o ‘Lips Are Moving’. Con el segundo se la pegó aunque varios de sus sencillos fueron muy acertados y de hecho tampoco funcionaron tan mal (‘Me Too’ y ‘NO’ pueden ser considerados éxitos menores gracias a su número de streamings). Pero el caso es que ahora la autora se ha embarcado en otro proyecto, com apunta The Hollywood Reporter, medio que informa en exclusiva de que Trainor será productora de una serie nueva de la ABC.

Será un drama sobre un «girl group» llamado ‘Broken Record’ (sí, como tantas canciones a lo largo de la historia) y además sabemos que Meghan será encargada de componer música para la serie. El grupo protagonista recibe el nombre de The Candies quienes, según la trama principal, 9 años después de su separación, se ven obligadas a reunirse tras un acontecimiento trágico. Siempre según este medio, la serie recorre «el viaje de cuatro mujeres de cierta edad enfrentándose a los cambios en la industria musical, intentando encontrar una segunda oportunidad tanto para su vida como para su amistad». La idea original es de Danny Rose, con otros nombres de la industria involucrados como Justin Sylvester, Jenni Ross, y Rose y Drew Comins.

The Horrors / V

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Sergio del Amo

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28 septiembre, 2017

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Hace diez años, justo cuando publicaron su debut ‘Strange House’, pocos apostaron por la valía de The Horrors. Como tantos otros podrían haber sido una nueva víctima del hype, pero los británicos a lo largo de esta década en numerosas ocasiones han demostrado que son muchísimo más que esa banda garagera que se dio a conocer por entonces. Su anterior ‘Luminous’, pese a ser un buen disco, ciertamente pecó de falta de ambición y sorpresas mayúsculas en comparación con el manto shoegaze que explotaron en ‘Primary Colours’ o las influencias post-punk ochenteras que vertebraban ‘Skying’, hasta ahora sus dos álbumes más demoledores. Y digo lo de hasta ahora porque ‘V’, meritoriamente, se postula si no como el mejor, como uno de los mejores discos que el grupo jamás nos ha presentado.

‘V’ es uno de esos trabajos en los que prácticamente nada sobra y en el que el quinteto, sin renunciar a sus señas de identidad, dispara hacia otras sonoridades que sorprendentemente les van como anillo al dedo. Sin ir más lejos, ahí está esa nueva puerta que abren hacia el rock industrial. Aunque hayan teloneado a Depeche Mode este verano, al escuchar apisonadoras sonoras como ‘Hologram’, ‘Machine’ (una de las indiscutibles canciones del año) o ‘World Below’ parece que hayan girado en realidad con Nine Inch Nails o hayan participado en una hipotética gira de aniversario del siempre a reivindicar ‘Mechanical Animals’ de Marilyn Manson.

El papel del productor Paul Epworth resulta, asimismo, esencial en estas nuevas canciones. Gracias a él Faris Badwan se ha crecido como nunca como líder y vocalista y, además, la banda se ha atrevido a coquetear con las pistas de baile creyéndose New Order (‘Something to Remember Me By’) con una naturalidad que para nada rechina. ‘V’, pese a su compleja producción y depender de las guirnaldas electrónicas prácticamente en su totalidad (ahí está ese precioso remolino de sintetizadores al final de ‘Ghost’, por citar un ejemplo), acaba realmente siendo un LP de lo más accesible gracias a piezas como esa ‘Press Enter to Exit’ en la que se dejan abrazar por la psicodelia apta para todos los oídos; o medios tiempos como la bonita ‘Gathering’ (que no hubiera desentonado en ‘Luminous’) o esa ‘It’s a Good Life’ que pide a gritos un dueto con Brett Anderson de Suede. Si con estos temas no encandilan al público que hasta ahora no les había prestado la atención que se merecían, la verdad es que no sabemos con qué podrían conseguirlo.

The Horrors, al igual que Foals o Liars (dos bandas que también han luchado disco tras disco por desquitarse del hype de sus inicios), progresan mucho más que adecuadamente. Aunque todas las canciones, a excepción de ‘World Below’, superan los cinco minutos de duración, ‘V’ es una gozada de casi una hora en total que se escucha del tirón en un suspiro. ¿Estamos ante uno de los discos del año? La duda ofende.

Calificación: 8,2/10 
Lo mejor: ‘Hologram’, ‘Machine’, ‘World Below’, ‘Something to Remember Me By’ 
Te gustará si: ya te gustaban los The Horrors post-‘Strange House’ pero echabas en falta en ellos un accesible toque industrial 
Escúchalo: Spotify

Tronco, Nathy Peluso y King Jedet, entre los invitados del festival Puwerty, «por y para adolescentes»

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28 septiembre, 2017

Este fin de semana se celebra en Madrid la primera edición del festival Puwerty, dirigido por y para adolescentes. Son los comisarios del festival María del Río y Ángel Aranda, ambos nacidos en 1996. Será en La Casa Encendida y las entradas cuestan solo 3 euros a través de Ticketea, divididas en dos tandas, de día, cuando podrás ver a gente como Sant Miquel y los geniales Tronco (entre 17.00 y 20.00, el concierto de ambos será de 18.30 a 19.45); y de noche, cuando podrás ver a Nathy Peluso, argentina residente en la ciudad (actividades de 20.00 a 23.00, con su show desarrollándose de 21.45 a 22.30). Según la nota de prensa, los jóvenes de entre 12 y 25 años son los protagonistas tanto de día como de noche.

Otras actividades incluirán al colectivo Suave pinchando música para millennials, mientras también habrá talleres de Celia Dosal y Rocío Torres explorando «la identidad en formación y transformación de la adolescencia». Le seguirán King Jedet y Kevin Qué Bien con el debate “Fans vs Haters” sobre los orígenes del cotilleo. Puwerty también cuenta con el espacio “Bandeja de entrada” en el que los jóvenes creadores podrán remitir proyectos vinculados con música, spoken word, poesía, talleres, sesiones audiovisuales, performance, danza, etc. Posteriormente una de las propuestas podrá ser seleccionada para formar parte de la próxima edición de Puwerty.

FAVX: «Se habla mucho del machismo en el trap / rap / reggaetón y el rock rezuma tanta misoginia y más»

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28 septiembre, 2017

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FAVX se embarcan hoy en el Jägermusic Tour, una gira de 6 fechas repartidas por todo el país junto a los recomendables La Plata y las emergentes Goat Girl. El grupo, que actúa también en sitios tan selectos como el Primavera Club y Monkey Week, ha publicado 2 singles de 2 canciones cada uno que pueden remover cosas a seguidores de gente como Thurston Moore de Sonic Youth o Yo La Tengo. La banda, atenta al presente, matiza esas influencias y habla de sus planes futuros en una deslenguada entrevista. FAVX actúan en Madrid hoy 28 de septiembre, en Oviedo el 29, en Donosti el 30, en Valencia el 5 de octubre, en Barcelona el 6 de octubre y en Zaragoza el día 7. Entradas, aquí. Foto: Daniel Jordan Pompa.

Podemos encontrar 2 singles vuestros en streaming, ¿pero qué podemos esperar de los próximos pasos de FAVX? ¿Podéis adelantarnos algo del material nuevo que tenéis maquetado a nivel lírico o estilo?
Esos dos singles salieron de unas grabaciones que hicimos el verano de 2016 con Ojo en ZTA. En aquel momento FAVX no llevábamos ni un año tocando juntos y nuestra idea era grabar un LP que finalmente nunca salió a la luz. Las cosas han cambiado mucho desde entonces y ahora estamos a una semana de entrar a grabar en Hans Kruger el que va a ser nuestro primer EP: ‘Welfare’, que saldrá editado por un sello nacional. Además Marcos dejó la banda y de momento Elena está tocando con nosotros estos bolos que tenemos por delante.

«Nos espanta lo revivalista, aunque pensamos que es fundamental conocer lo que se ha hecho antes así como escuchar música de ahora»

Hace unos años hubo una oleada de grupos noveles que emulaban el sonido 90s de Sonic Youth y Yo La Tengo. Gente como Yuck o gente como Noise Nebula. Teniendo en cuenta que tenéis un tema llamado ‘Born in the 90s’, ¿os veis un poco en esa onda o vais por libre?
Nos gusta mucho el sonido 90s pero nuestras influencias directas son también bastante actuales. Nos espanta lo revivalista, aunque pensamos que es fundamental conocer lo que se ha hecho antes así como escuchar música de ahora. Somos muy fans de bandas como Slint, My Bloody Valentine, Sonic Youth o Fugazi; pero pensamos que se nos ha linkado al sonido de esa década por el título de ‘Born in the 90s’, que es un tema que simplemente habla del hecho de haber nacido en los 90. Nos gusta pensar que nuestro sonido mama también de cosas como Protomartyr, Dope Body, Car Seat Headrest, Parquet Courts o Show Me The Body.

Pensáis que este estilo define a FAVX u os veis en el futuro haciendo cosas realmente diferentes a lo que ya habéis presentado?
Creemos que con ‘Welfare’ abrimos una puerta a un sonido que nos gustaría seguir explorando en el futuro. A pesar de ser una banda de guitarras, nos gusta pensar que somos versátiles. No nos sentimos cómodos dentro de ningún género musical, ni trabajamos sobre un sonido fijo, aunque sabemos que lo que hacemos suena a punk, grunge o post-hardcore. Nosotros siempre hemos querido tener un grupo de pop, pero eso es algo que no vamos a conseguir jamás.

«Aunque entendemos que en los festivales llegas a mucha gente que no te escucharía de ninguna otra forma, somos muy fans de las salas»

Aparte del Jägermusic Tour estáis nada menos que en el cartel de Primavera Club y Monkey Week, los 3 caracterizados por su buen gusto seleccionando artistas noveles, ¿significa algo especial para vosotros tocar en estos eventos o disfrutáis por igual de todo festival y todo concierto viviente?
Jägermusic nos ha ayudado a llegar a sitios que tardaríamos años en alcanzar y nos ha servido para estar en algunos festivales este verano. Estamos muy contentos de repetir en el Monkey Week y con muchas ganas de tocar en el Primavera Club, además de otros festivales que nos quedan por anunciar.

Toda oportunidad para tocar es buena porque no hay nada que disfrutemos más que enchufarnos y tocar nuestra música. Aunque entendemos que en los festivales llegas a mucha gente que no te escucharía de ninguna otra forma, somos muy fans de las salas, donde tienes a la gente a tu nivel y la sensación caótica de la música es mucho más envolvente.

«El Chico de los Recados vienen del mundo de la música urbana, donde pensamos que ahora mismo hay un contenido audiovisual bastante más interesante que en el rock»

El vídeo de ‘Flowers of the West’ está bastante bien para un grupo novel, ¿qué podéis contarnos sobre él? De quién fue la idea, si disfrutasteis haciéndolo, etcétera.
Quisimos trabajar con El Chico de los Recados porque ellos nunca habían hecho nada para una banda de guitarras, y nosotros queríamos hacer algo distinto. Nos gustaban mucho sus trabajos y además vienen del mundo de la música urbana, donde pensamos que ahora mismo hay un contenido audiovisual bastante más interesante que en el rock. Las ideas que pusimos en común entre todos fueron desde The Blaze, a Cherry Glazerr, pasando por Lorde o Yung Thug.

Hay un momento en el que aparecen globos de colores en el vídeo. ¿Los habéis usado como contraste o en plan irónico? ¿Tiene alguna relación con la letra de la canción?
Contratamos a Canada para que colaborase en el vídeo pero sólo teníamos presupuesto para 2 segundos.

Tengo la sensación de que la gente está asumiendo que la gente joven solo escucha trap y youtubers, ¿cómo lo percibís vosotros? ¿Qué tipo de público tenéis y qué música escuchan vuestros amigos?
Una de las cosas buenas que ha hecho el trap es devolver el lenguaje joven a la música, que creemos que es un terreno en el que el rock está un poco perdido. No es que pensemos que todas las bandas deberían de hablar de lo frustrante que es tener discusiones por whatsapp, pero no entendemos por qué si es algo que forma ya parte de nuestras vidas hemos tenido que esperar a que llegue el trap para hablar de cosas que nos pasan a todos como puede ser eso o estar tirado un domingo por la noche en el sofá viendo shitposting en Youtube. Creemos que el lenguaje altivo y poco realista del rock puede tener parte de la culpa. Y luego se habla mucho del machismo en el trap / rap / reggaetón y el rock rezuma tanta misoginia y más.

Nosotros sabemos que hacemos música de guitarras, pero hablamos de las cosas que nos pasan al bajar a la calle, o las cosas que sentimos todos los días. Para la ciencia ficción, me pongo un disco de Loquillo o me voy al cine.

«El rock simplemente se ha convertido en una mascota de parque de atracciones, algo completamente inofensivo»

¿Creéis que hay una escena lo suficientemente consistente de gente joven interesada por la vieja música alternativa?
Continuando con la respuesta anterior, no pensamos que el rock sea viejo. Shame tienen 19 años, Mourn tienen 20 y Please Wait tanto de lo mismo. El rock simplemente se ha convertido en una mascota de parque de atracciones, algo completamente inofensivo. Parece que tener un grupo de punk consiste en vestir de negro, escribir canciones sobre ciertos temas y tocar de una forma concreta. ¿Cómo va a ser punk algo con reglas? También pensamos que parte grande del problema está en la industria española en general. Si hubiera el mismo interés por la escena emergente como la hay en Inglaterra, otro gallo cantaría.

Habéis dicho en una entrevista que Tinder os salvó de dormir en la calle al tocar en Burdeos, ¿podéis contarnos más? ¿Tan mal se os dio ligar en persona en el recinto después del bolo?
Sólo podemos aclarar que fue un bolo muy surrealista y que al final nadie pilló cacho esa noche. Pero gracias, Tinder.

Regalamos 7″ de las emergentes Goat Girl, esta semana de gira en 6 ciudades españolas

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28 septiembre, 2017

En los últimos días hemos regalado entradas para el nuevo Jägermusic Tour que llevará a 6 ciudades del país los conciertos de La Plata, FAVX y las británicas Goat Girl. La gira comienza hoy en Moby Dick en Madrid (jueves, 28 de septiembre), para seguir por Lata de Zinc en Oviedo (viernes 29 de septiembre), Dabadaba en Donosti (sábado 30 de septiembre), 16 Toneladas en Valencia (jueves 5 de octubre), Sidecar en Barcelona (viernes 6 de octubre) y Sala López en Zaragoza (sábado 7 de octubre). Todos los ganadores de Madrid han sido ya avisados (¡revisad vuestros mails!), pero aún no los de Barcelona al celebrarse el show la semana que viene.

Ahora queremos premiar a los usuarios que han comprado entradas para esta gira. JENESAISPOP regala vinilos de 7″ de Goat Girl (aún no tienen disco largo) a los primeros que escriban a jenesaispop@gmail.com incluyendo una foto o pantallazo de su entrada para esta gira. Aún podéis comprarlas en la web de Cooncert. Vuelve a ser necesario incluir nombre, apellidos y ciudad a la que asistirás. El 7″ que regalamos corresponde a la canción ‘Crow Cries’, que salía a la venta a finales del mes pasado a través del prestigioso sello Rough Trade.

Goat Girl son uno de los grupos emergentes que han querido alzar su voz contra el Brexit, haciendo referencias a la “corrupción” o al desencanto generalizado de la sociedad británica a día de hoy. Más sobre ellas, aquí.

Spotify vuelve a hacer público el origen de sus escuchas

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