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El cantante de k-pop Wheesung muere a los 43 años

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Jordi Bardají
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El cantante de k-pop Wheesung ha sido hallado muerto este lunes en su apartamento de Seúl, a los 43 años de edad. El cuerpo sin vida de Choi Whee-sung, nombre real del artista fallecido, ha sido encontrado por su madre a las 18.30 hora local.

Las autoridades surcoreanas han confirmado que la causa de la muerte de Wheesung ha sido un paro cardíaco. El cuerpo llevaba desatendido «un tiempo considerable» hasta que fue encontrado.

La carrera musical de Wheesung despegó en 2002 con el lanzamiento de su álbum debut, ‘Like a Movie’ y se caracterizó por su mezcla de pop, hip-hop y R&B en temas como ‘Insomnia’. Wheesung había trabajado en sellos de k-pop como YG Entertainment.

En los últimos años, Wheesung afrontó problemas legales reiterados por su uso recreativo de drogas como el propofol, el mismo anestésico vinculado a la muerte de Michael Jackson. En 2021, Wheesung se declaró culpable de uso no recetado de propofol, pero evitó ir a prisión.

Una tragedia vuelve a sacudir la cultura en Corea del Sur tras la temprana muerte, el pasado mes de febrero, de la actriz Kim Sae-ron, a los 24 años.

31 FAM se pronuncia tras la detención de su road mánager por abusos sexuales

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Jordi Bardají
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31 FAM ha emitido un comunicado tras la detención de su road mánager Miguel Z., conocido por el alias de Flautek, en Bilbao por presuntos abusos sexuales a al menos una decena de jóvenes de entre 16 y 23 años, aunque la cifra de denunciantes podría ascender. Se acusa a Flautek de un presunto delito de agresión sexual y de uno de descubrimiento y revelación de secretos.

La Ertzaintza efectuó la detención a Flautek el pasado martes 4 de marzo después de que dos artistas interpusieran una denuncia al road mánager tras descubrir una cámara oculta en el baño de un apartamento turístico para supuestamente grabarlos desnudos. Otros denunciantes relatan casos de grabaciones sin consentimiento y «tocamientos» inapropiados. Según El Periódico, la mayoría de víctimas eran menores de edad.

En un comunicado, 31 FAM se ha solidarizado con las víctimas y ha aclarado que Miguel Z. ha colaborado con la banda catalana en el papel de road mánager en sus giras, pero que nunca ha gestionado su carrera en el ámbito artístico. «El acusado ha trabajado como ‘road manager’ de diversas giras, incluidas las nuestras, ocupándose de aspectos logísticos y escénicos», pero «no es ni ha sido nunca nuestro mánager».

En el texto, 31 FAM señala que el grupo «no ha puesto ninguna denuncia porque, a día de hoy, no tenemos indicios de que haya cometido ningún delito contra nosotros».

Además de por su labor de road mánager, Flautek es conocido en la industria musical, entre otras cosas, por impartir talleres de gestión de proyectos musicales y por colaborar en el Festival BROT, que desde del Ayuntamiento de Barcelona apoya a solistas y grupos emergentes.

Doechii, Mujer del Año en Billboard, actúa con Ms. Lauryn Hill

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Jordi Bardají
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Doechii ha sido nombrada Mujer del Año por Billboard, y recogerá su premio en la ceremonia que se celebre el próximo 29 de marzo en el YouTube Theater de Hollywood Park, Inglewood, en California.

Doechii es tan solo la tercera mujer que escala de Rising Star directamente a Mujer del Año en los Billboard, después de Lady Gaga y Ariana Grande.

2025 está siendo el año de Doechii gracias al éxito de su single viral ‘Denial is a River‘ y de su tercer mixtape, ‘Alligator Bites Never Heal‘ (2024), galardonado este año con el Grammy a Mejor álbum de rap. Últimamente, Doechii ha aparecido como artista invitada en discos de JENNIE, Katy Perry y BANKS, y ha lanzado su single ‘Anxiety’.

Doechii se une a una lista de artistas nombradas Mujer del Año por Billboard que incluye a Karol G, SZA, Olivia Rodrigo, Cardi B, Billie Eilish, Ariana Grande, Selena Gomez, Madonna, Lady Gaga y Taylor Swift. La gala suele dar a lugar a momentos muy comentados, como el histórico discurso de Madonna en 2016 o el de Taylor Swift en 2019, en el que llamó a Lana Del Rey la «artista más influyente» de su generación.

La gala de Mujer del Año de Billboard, este año, estará presentada por Laverne Cox y contará con las actuaciones musicales de algunas de las artistas premiadas, en concreto de aespa, Ángela Aguilar, GloRilla, Gracie Abrams, Megan Moroney, Muni Long y Tyla.

Por otro lado, Doechii ha sido noticia estos días por aparecer en un concierto de Ms. Lauryn Hill en Miami para cantar ‘Doo Wop (That Thing)’. Doechii ha declarado que ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ (1998) es el disco que despertó su interés por el rap y la música en general.

joseluis, lo mejor que le ha pasado últimamente al folklore español

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Gabriel Carey
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joseluis está a punto de explotar, pero nadie lo sabe todavía. Con solo tres desgarradoras y minimalistas canciones subidas a plataformas y la promesa de un álbum debut del que no se sabe nada, joseluis también es la última incorporación al roster de Sony. ‘Guapo’ es la Canción del Día, pero ‘Navajas de Albacete’ y ‘Estilista’ también podrían serlo.

Las canciones de joseluis han salido en años diferentes, y aun así todas son buenos ejemplos de su personal estilo. Los elementos son una guitarra punteada, una voz muy suya y una letra muy de todos. ‘Navajas de Albacete’, de 2023, revive el espíritu del indie noventero y lo junta con una genial vuelta de tuerca al folklore nacional: «Me duele como siete navajas de Albacete en el pecho al verte», canta en el estribillo.

En ‘Estilista’, que llegó como la novedad del EP ‘Las Dos Primeras’, joseluis es capaz de convertir la chulería en lo más tierno del mundo. Además, con toques más modernos en la producción: «Házmelo muy lento, que no tengo prisa / Yo hago lo que sea, por un trajecito de tu saliva».

‘Guapo’ es la primera canción que saca como parte del equipo de Sony y la más particular de las tres. Sin un estribillo al uso y sin ningún tipo de filigrana en la producción, como sí ocurría con los dos temas anteriores, es su canción más pura. En la letra, sigue valiéndose de la simbología cultural del país, como el «toro» y el «oro».

A su vez, hace un equilibrio perfecto entre la belleza de ‘Navajas de Albacete’ y la chulería de ‘Estilista’ con frases tan bonitas como «Soy guapo porque tú me miras» o tan inteligentes como «Me gustas más que un espejo, me gusta hacerte sudar, mirarme en tu reflejo». En palabras del artista, es una canción sobre «los complejos y las inseguridades escondidas torpemente en el ego».

Ariana Grande lanza este mes el deluxe de ‘eternal sunshine’

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Jordi Bardají
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Ariana Grande ha anunciado que la versión deluxe de su séptimo álbum, ‘eternal sunshine‘, que celebra el primer aniversario del disco, se pondrá a la venta el próximo 28 de marzo. En realidad, ‘eternal sunshine’ cumplió un año el pasado 8 de marzo.

La edición ampliada de ‘eternal sunshine’ recibirá el título de ‘eternal sunshine: brighter days ahead’ e incluirá seis pistas inéditas, además de los tres remixes ya conocidos de ‘yes and?’ con Mariah Carey, ‘supernatural’ con Troye Sivan y ‘the boy is mine’ con Monica & Brandy. En total, la edición deluxe de ‘eternal sunshine’ expande su tracklist hasta las 22 pistas.

En el tracklist compartido en la página web de Ariana Grande, la pista 14 aparece separada del resto de las canciones nuevas por los tres remixes mencionados. Sus fans especulan que podría tratarse del single de presentación.

Además, la edición principal de ‘eternal sunshine: brighter days ahead’ se publicará con esta curiosa portada en la que Grande aparece siendo abducida por una poderosa luz celestial, aunque la cubierta cambiará según el formato.

tracklist:
1. intro (end of the world)
2. bye
3. don’t wanna break up again
4. Saturn Returns Interlude
5. eternal sunshine
6. supernatural
7. true story
8. the boy is mine
9. yes, and?
10. we can’t be friends (wait for your love)
11. i wish i hated you
12. imperfect for you
13. ordinary things (feat. Nonna)
14. track 14
15. yes, and? (with Mariah Carey) – Remix
16. supernatural (with Troye Sivan) – Remix
17. the boy is mine (with Brandy, Monica) – Remix
18. track 18
19. track 19
20. track 20
21. track 21
22. track 22

roserona canta sus penas en el jazz-pop de ‘Malborowinston’

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Jordi Bardají
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roserona es uno de los talentos catalanes que en 2025 pueden dar un paso importante en su carrera. El proyecto de Roser Canet, natural de Cardedeu, se caracteriza por su aproximación al pop de cantautor con influencias del folk y el jazz. Su nuevo EP, ‘Caro Diario’, ha visto la luz este viernes, incluyendo su colaboración con socunbohemio, la intimista ‘Potser som’.

La influencia del jazz diferencia a roserona de sus colegas de profesión. ‘Malborowinston’ es una decadente pieza de jazz-pop que roserona canta, es fácil imaginarla, con un cigarro en la mano. Y ‘El coll vull estimar’ explora una estética casi lynchiana y dream-pop: durante la composición del EP, a roserona le influyó el trabajo de artistas como Alice Phoebe Lou o Lana Del Rey.

Enmarcado entre la nana ‘Tot va perfecte’ y la intrigante ‘Jardins amagats’, ‘Caro Diario’ traslada a música algunas preocupaciones que la artista ha dejado escritas en su diario personal en el último par de años. Cuenta que el proceso de composición ha sido «curativo» y describe en particular su tendencia a sentirse culpable por el éxito propio, que una noche le llevó a llorar durante una fiesta.

Antes de ‘Caro diario’, roserona lanzó su primer EP, ‘Ombres d’amor perduts’, que incluía algunas de sus mejores composiciones, como la balada experimental ‘què faig amb tu’ o la bluesera ‘com si no ens haguèssim conegut’.

roserona presentará ‘Caro diario’ oficialmente el próximo viernes 21 de marzo en Sala Jamboree de Barcelona, un lugar muy vinculado a la escena jazz local. Las entradas siguen disponibles.


Lady Gaga / Mayhem

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Jordi Bardají
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A Lady Gaga le pueden haber tocado los fans más inconformes de la historia. Nada de lo que hace parece nunca suficiente: que si ‘The Fame‘ (2008) era muy poco moderno, que si ‘Born this Way‘ (2011) sonaba a chatarra, que si ‘ARTPOP‘ (2013) era una ida de olla infumable, que si ‘Joanne‘ (2016) era todo postureo, que si ‘Chromatica‘ (2020) era genérico. Cuando hace jazz es aburrida, y cuando hace cine no hay quien se la crea.

Está claro que hay Gagas para todos los públicos, pero las críticas a su obra siempre han apestado un poco a condescendencia. Es como si la gente creyera que sabe lo que le conviene hacer a Gaga más que ella misma. Y digo yo que, si sus discos eran todas esas cosas, para bien y para mal, Gaga era la primera enterada.

‘Mayhem’, el sexto álbum de Lady Gaga, es a la vez una respuesta a todos ellos y una reafirmación. El viral de ‘Bloody Mary‘ parece el punto de partida del proyecto, el momento en que Gaga decide qué tipo de disco sus fans quieren de ella en este momento de su carrera. Pero ‘Mayhem’ también es una confirmación de que Gaga va a seguir haciendo las cosas a su manera y sorprendiendo.

Gaga está en el momento de tomar inspiración ede su propio legado. Las influencias de ‘Mayhem’ pueden llevar a los oyentes al glam de ‘The Fame’, a los sonidos industriales y rockeros de ‘Born this Way’ y a los diferentes coqueteos de Gaga con la música disco a lo largo de su carrera, pero Stefani Germanotta da a estas influencias ahora un trato muy rico a nivel de producción y, con la colaboración de Cirkut, Andrew Watt y Gesaffelstein, potencia sus composiciones con producciones que son absolutamente centrales en la propuesta del disco e interesantes.

Es especialmente llamativo el gusto de Gaga por los falsos finales y por el desarrollo de secciones instrumentales o codas como las de ‘Garden of Eden’ o ‘Killah’, que parece que va acabar pero no, al menos dos veces. ‘Killah’ puede ser la producción más ambiciosa del proyecto. Un «feauturing» con Gesaffelstein, que ya había colaborado con The Weeknd, ‘Killah’ parte del funk sucio de Prince circa 1987 para después explotar como una granada de Suicide. Su grito final ha vuelto a dejar un momento icónico de esta era, tras su presentación en la tele americana.

Más convencionales a nivel de composición, otras pistas como el electro-grunge a lo Garbage de ‘Perfect Celebrity’ o la decadente y disco ‘Vanish into You’ tampoco olvidan armarse de matices. En la primera, Gaga expone una rabiosa reflexión sobre la fama usando rimas tan propias de ella como «I look so hungry, but I look so good / Tap on my vein, suck on my diamond blood». En la segunda, Gaga entrega una lujosa pieza disco para los ‘Bad Kids’ y para las pasarelas queer en las que ya debió sonar ‘Fashion!’, a la que recuerda.

Algunos dicen que ‘Mayhem’ supone el retorno de Gaga al pop, como si ‘Chromatica’ no hubiera existido ni fuera un álbum excelente. ‘Mayhem’ en realidad ahonda en una estética muy arraigada en el punk, el glam y la música disco de los 70 -de manera muy fiel al underground neoyorquino, pues ella es nacida en la ciudad- pero también en la electrónica industrial alemana. ‘Don’t Call Tonight’, uno de los fillers del álbum, es disco pero incorpora guitarras, y el ritmo de la simpática ‘Zombieboy’ -un homenaje al fallecido modelo Rick Genest– es de disco clásico: no ha llegado a los ochenta.

En todos sus coqueteos con el underground, en toda su exploración de una estética sucia y desbocada, ‘Mayhem’ transmite irónicamente un control muy pensado. Por eso, al disco se le olvida ser un poco eso mismo, mayhem, caos, barullo, porque Gaga es compositora de escuela clásica y a la autora de ‘Judas’ le gusta estructurar una canción de la manera más clásica posible. ‘Mayhem’ para Gaga es su propio «caos personal», pero ‘Mayhem’ es un disco de Lady Gaga al fin y al cabo. En ese sentido, los singles de ‘Mayhem’ destacan demasiado y el álbum termina arriesgando menos de lo que prometía.

Los singles sobresalen a veces para bien: ‘Disease‘ era un single apabullante que mostraba a Gaga en excelente forma. Aunque al principio no pudiéramos verlo, resulta que es un gran inicio de disco, Gaga en su cara más cazallera y feroz. ‘Abracadabra‘ es la concesión dance-pop de ‘Mayhem’ que no termina de formar parte del universo sonoro del álbum, pero que, por tono, encaja más o menos, pues también es una pieza bailable, oscura y muy Gaga. ‘Abracadabra’ ha salvado por arte de magia la era, y ya es un clásico de Gaga a la altura de ‘Bad Romance’.

Sin embargo, la inclusión de ‘Die with a Smile‘ en la secuencia de ‘Mayhem’ solo responde a motivos comerciales y, por mucho que Gaga intente vendernos la moto de que la canción era el único cierre del álbum posible para que este «acabara con amor», lo cierto es que Bruno Mars no pinta nada por aquí y la canción tampoco. Además, no es muy «Mayhem» que el disco termine con hasta TRES baladas, pero lo peor de ‘The Beast’ y ‘Blade of Grass’ es que son composiciones débiles y recargadas. ¿No había suficientes de esas ya en ‘Harlequin‘ (2024)?

Gaga sí da unidad al conjunto -siempre lo hace hilando las canciones de ‘Mayhem’ a nivel de concepto y letras a través de continuas referencias macabras a enfermedades, adicciones o muerte (o al asesinato en ‘Killah’). En ‘Disease’, el amor es un «antídoto» a su enfermedad, como lo es también en el himno arena rock de ‘LoveDrug’. En la rematadamente cool ‘Garden of Eden’, que suena como Marilyn Manson vestido con taconazos (la referencia a Nine Inch Nails en la letra es obvia), rulan las pastillas y la adrenalina en un homenaje fabuloso al exceso de la noche y al hedonismo.

Pero, en este festival de estribillos, puentes, codas y melodías dramáticas de ‘Mayhem’ no todas las canciones ni referencias funcionan. Aunque Germanotta siempre ha sido muy buena escritora de deep cuts, canciones que no eran singles pero que eran muy reivindicables, en ‘Mayhem’ pistas como ‘Shadow of a Man’ o ‘Don’t Call Tonight’ estiran el chicle de la música disco demasiado. ‘Shadow of a Man’ partía de un mensaje interesante (Gaga reflexiona sobre el machismo en la industria), pero nunca lleva su influencia de Michael Jackson al siguiente nivel. Por otro lado, el parecido de ‘How Bad Do U Want Me’ con el estilo de Taylor Swift es exagerado y distrae del supuesto sample de ‘Only You’ de Yazoo que incorpora la base.

A pesar de sus influencias neoyorquinas, británicas o alemanas, y de la robusta y detallada producción del álbum, ‘Mayhem’ mantiene en general las formas y rara vez cae en la locura total. En el repertorio se echa de menos que Gaga profundice hasta las últimas consecuencias en el potencial de su colaboración con Gesaffelstein, o que lleve más lejos todavía las influencias de Prince, Blondie o Nine Inch Nails, y sobran melodías obvias y redundantes en su segunda mitad, además de las baladas. ‘Mayhem’ es, por tanto, otro trabajo de Gaga muy logrado pero imperfecto.

Así que volvemos al principio: ‘Mayhem’ será otra obra que deje a los fans de Gaga insatisfechos. Llegados a este punto, ¿cuál es entonces su mejor disco? ¿Su obra maestra? ¿’The Fame Monster‘ (2009) no era demasiado corto? ¿’ARTPOP’ demasiado complicado? Si el estilo de Gaga se define por su tendencia al exceso y al dramatismo sin límites, su mejor obra ha de ser ‘Born this Way’, seguida muy de cerca de ‘Chromatica’. ‘Mayhem’ no anda lejos de ellos.

Lil Nas X alude a su «caída» en la correcta ‘Dreamboy’

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Jordi Bardají
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Lil Nas X prepara el lanzamiento de un nuevo proyecto llamado ‘Dreamboy’, del que ya conocen los adelantos ‘Light Again‘ y ‘need dat boy’. Hoy lunes, Montero lanza el corte titular y, el próximo viernes, saca otro tema llamado ‘Hotbox’.

En ‘Dreamboy’, Montero reflexiona sobre su fama y las dificultades que enfrenta últimamente para revivir la popularidad de sus primeros años. De hecho, la letra de ‘Dreamboy’ alude a su «caída» e incluye una referencia a su single maldito, ‘J Christ’: igual que Jesucristo, Lil Nas X resucita. Y Montero lo hace antes, pues él apenas cuenta 25 años.

En ‘Dreamboy’, el «controversy king» presenta el típico beat switch típico del pop actual, aunque esta vez no es tan marcado, sino natural. La canción pasa de una primera parte vagamente psicodélica que recuerda al trabajo de Tyler, the Creator o Childish Gambino, a una segunda influida por el trap melódico, incluyendo una referencia muy obvia a Missy Elliott y sus «freaky freakys». Como sus singles anteriores, ‘Dreamboy’ vuelve a ser una canción correcta, pero no equiparable a la pegada de sus mejores canciones. ¿Dónde está el hacha que escribió una melodía tan buena como la de ‘Old Town Road’?

La estética visual de ‘Dreamboy’, por otro lado, recuerda a la del videoclip de ‘Up Out My Face‘ de Mariah Carey y Nicki Minaj, pues no hay que olvidar que Minaj es el gran ídolo de Lil Nas X: en ‘Dreamboy’ remiten a ella alguno de sus flows.

El autor de ‘MONTERO‘ (2021) sigue sin anunciar los detalles de ‘Dreamboy’, pero el estreno de la pista titular un lunes cualquiera apunta a que el lanzamiento del disco se acerca.

Barry B busca la eternidad en ‘Infancia Mal Calibrada’

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Jordi Bardají
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Barry B es uno de los artistas revelación del último año en España. Natural de Aranda de Duero, el primer disco de Gabriel Barriuso, ‘CHATO‘ (2024) y, antes, su sonada colaboración con Carolina Durante en ‘Yo pensaba que me había tocado Dios‘, han amplificado su perfil y definido su identidad musical, marcada por un pop-rock de corte anglosajón.

Apenas unos meses después del lanzamiento de ‘CHATO’, Barry B ha vuelto con nuevo single, uno de los mejores de su carrera. Es la Canción Del Día.

‘Infancia Mal Calibrada’ es otra canción de Barry B influida por el pop-rock anglosajón. Esta vez, el sonido remite a la propuesta de grupos como Editors o Interpol, que tan bien han sabido llevar su desesperación existencial a escala de arenas y estadios. La melodía de ‘Infancia Mal Calibrada’ se presta al coro colectivo y recuerda a los himnos que ahora mismo está siendo capaces de firmar Fontaines DC.

Pero, al margen de referencias e influencias, ‘Infancia Mal Calibrada’ es una pieza muy personal e incluso biográfica de Barry B, en la que el artista recuerda su propia infancia, marcada por una búsqueda continuada de su identidad. La letra expone imágenes de una «mirada traumada», del «alma de un infeliz» y de un «soldado roto» que busca el alivio en el amor. Aunque ese alivio dure un segundo, para Barry B, es lo más parecido a vivir la «eternidad».

«La infancia no siempre es como en las películas», ha contado Barry B. «A veces es un camino raro, lleno de caos y sin nadie que te diga por dónde ir. En Infancia Mal Calibrada, seguimos a un niño que no tiene raíces, que va de un lado a otro sin rumbo, atrapado en una vida dura y sin muchas opciones. Pero encuentra algo que lo cambia todo: su inspiración en Barry B y la máscara con su cara que le acompaña a todas partes».

Juanjo Bona: «Busqué el hit, no lo encontré y cogí otro camino»

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Sebas E. Alonso
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‘Recardelino‘ es un disco sorprendente en su reivindicación de la música aragonesa, y su encuentro con autores y productores salidos del underground, como El Buen Hijo y Marcel Bagès. Su autor, Juanjo Bona, visita ALGO CAMBIÓ… el podcast de JENESAISPOP con Fundación SGAE, para hablar de todo el proceso compositivo, y de folclore en general. Comenzamos así la segunda temporada, ahora con la producción de Cariñito Films.

Bona nos explica que para el proceso creativo fue determinante la visita a la casa de Josi Sauca, un historiador de su pueblo, Magallón, para comprender las leyendas antiguas, las tradiciones, la relación con Bécquer o incluso con letras que ya tenía escritas previamente, como la de ‘Golondrinas’.

Durante el proceso compositivo, Juanjo se encontró escribiendo estrofas y estribillos, pero siempre le venía una jota a la cabeza. Desde su sello, le advirtieron que ahí podía haber un camino. «Al principio renegaba de la jota. No confiaba en la jota. Ni en mí, también te digo. Pero no podía hacer otra cosa más que esto», indica, y añade en otro momento: «la jota es muy rica, pero es desconocida. Aquí venimos a abrir una puerta».

¿Nunca le ha preocupado no entrar en playlists o 40 Principales? «Yo lo quería, ¿eh? Yo quería entrar en esas playlists y pensaba que era mi camino. Yo pensaba que debía ser comercial para triunfar, y debía buscar el hit. Al principio busqué el hit y no lo encontré nunca, y me di cuenta de que tenía que coger otro camino. Buscar, dentro de lo comercial, lo que me podía hacer diferente. Hubo varias personas de la industria que me decían: «aquí hay un camino» y yo no quería mirarlo».

Una vez aceptada la idea, era evidente que era buena y que tenía todo el sentido: «En Magallón hay mucha música, casi todo el mundo toca un instrumento. Hay agrupaciones. La banda donde yo toqué el clarinete ganó un certamen mundial en Holanda. Era la banda de Magallón contra bandas japonesas: fuerte. La banda tiene mucha importancia en Magallón y hay un compositor de pasodobles muy famoso, Abel Moreno. Se han hecho muchos encargos a compositores por parte del ayuntamiento. La mayoría de las obras están inspiradas en la jota de La Magallonera, que es una jota que compuso un magallonero, la jota más famosa de Aragón, la jota de mi vida, la que sale en el disco, la jota por excelencia. Yo me inspiré en una de estas obras, ‘Magallón e Instrumento de Civilizaciones’, para sacar varias melodías que aparecen en la intro del álbum. Todo lo que tarareo son melodías que existen realmente: introducciones de la Magallonera, todo está inspirado en La Magallonera».

En el proceso creativo, han ayudado a Juanjo gente como Confeti de Odio, El Buen Hijo o Fresquito y Mango, que se han convertido en sus nuevos amigos cuando se sentía más solo: «No los conocía, antes mis gustos eran otros. Antes no pensaba en letra y cantaba por cantar. En OT, descubrí el sentido de componer una canción, con ‘El Patio’. Antes cantaba en una orquesta y Luis Miguel era mi referente absoluto. David Bisbal, Pablo Alborán, Pablo López. Al empezar a hacer jota, esta gente no tenía nada que ver y tuve que buscar otra gente. Ahí apareció María Arnal, Rodrigo Cuevas y un montón de gente. Gente que había usado la jota u otros folclores de España».

Rodrigo Cuevas puede ser un personaje determinante para su futuro, por las conversaciones que han tenido: «Rodrigo Cuevas me dijo: «estás imaginando el pueblo desde la nostalgia, desde lo bonito, pero no estás haciendo canciones sobre la diversión, sobre las «no normas», sobre la sexualidad en la fiesta de un pueblo». Hay un montón de lugares que explorar y que yo no he explorado, que no son nostálgicos, pero en ese disco sobre todo hay recuerdo y nostalgia, igual a veces demasiado, pero bueno». Sobre si se siente parte de una escena de folclore, reconoce: «Sigo teniendo desconfianza en mí mismo, pero claro que quiero formar parte». También elogia particularmente el trabajo de Rosalía, y sobre todo de Amaia, cuyo concierto en el Movistar Arena indica que le ha cambiado la vida.

Sobre su propio desarrollo como autor, Juanjo Bona reconoce en la composición de ‘Mis tías’ un punto de inflexión, porque además desde Universal le animaron a que fuera un single «para diferenciarse» por muy «rara» que fuera (versa sobre las trabajadoras de su Colegio Mayor), además en una época en la que lo estaba pasando mal «porque ya no había más Colegio Mayor para él». «Hace mucho que no hablaba de este tema, pero una de las primeras veces que vine a Madrid, ciertas personas me trataban como si fuera más corto. Se me había olvidado, pero fue por el hecho de venir del pueblo, de no venir de un instituto enorme».

Una falta de confianza que también se refleja en la gran ‘Villano’: «Era cortísima. Tenía 3 partes que no había manera de hilar, pero a todo el mundo le gustaba. Era la demo más chapucera, y no sabíamos qué parte poner primero. Los productores hicieron ahí su magia, porque son partes distintas sobre diferentes puntos de vista, hablando de mi forma de ser, de mi coraza, cuando se habla desde dentro. Me gusta muchísimo, es muy loca, muy yo, y rompedora». Casi tanto como el nombre del álbum, algo difícil de recordar pero muy original: «Cuando lo propuse hubo alguna persona que no sabía ni pronunciarlo, me planteé cambiarlo, pero otra persona me dijo: «todo tu disco es raro, no pretendas ahora que el nombre sea fácil, que vaya todo en el hilo que tenga que ir».

Hablamos también con Juanjo sobre la ausencia de ‘El destello’ con su pareja Martin: «Me rayé, nadie me lo había dicho hasta que vosotros lo mencionasteis [en una escucha privada para la prensa]. Pero es que va en otra onda. Es de después de OT. Todas las etapas son un camino entre el pueblo y Madrid. La primera, desde que nací hasta que me fui a Madrid. Luego la etapa de estudiante. Y al final, OT, el cambio de vida, el boom de todo esto». E igualmente sobre la ausencia de «featurings»: «Hablé con varias personas para hacer colaboraciones, pero por tiempo o porque no quisieron, no se hicieron. De momento nadie [se ha querido subir a una jota] pero ya se subirán. A día de hoy lo agradezco, no hace falta agradar».

En los últimos minutos del podcast, reflexionamos sobre el sentido de la última canción: «más que búsqueda es un encuentro. Me he encontrado totalmente. Evolucionamos y aceptamos esos cambios. Me gusta mucho porque es un resumen cojonudo de lo que es el álbum. Me gusta que parece que había que componer de manera comercial y justo es en lo más específico, en esta canción o en ‘Mis tías’ donde la gente más conecta». Y adivinamos lo que puede traer su futuro: «Sí, yo creo que haré un disco de pop. Quiero explorar, uno de mis aprendizajes ha sido descubrir la identidad artística, la coherencia, mantener tu estilo. Más que el estilo, es más hacer las cosas desde dentro, que sea tuyo. Y eso ya te hace un disco coherente».

La segunda parte del podcast cuenta con Karmento, os lo contaremos mañana. Juanjo Bona actúa en salas de todo el país esta primavera. Fechas, aquí.

Mala Rodríguez habla de OnlyFans y abusos en Lo De Évole

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Jordi Bardají
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Mala Rodríguez ha sido la invitada de esta noche en Lo De Évole y con Jordi ha repasado algunos momentos de su vida y carrera, empezando por su infancia como hija de madre adolescente, su propia adolescencia grafiteando trenes, y la vez que decidió retirarse de la industria musical porque el éxito de su debut ‘Lujo Ibérico’ (2000) la abrumó. Rodríguez se fue a trabajar a una pastelería. Durante la entrevista se han emitido imágenes de Mala Rodríguez recreando cuadros famosos del pasado, como ‘La muerte de Marat’ (1793) o ‘Magdalena penitente de la lamparilla’ (circa 1640).

Ha sido la de Évole a La Mala una entrevista muy personal, en la que la rapera de Jerez de la Frontera ha tocado temas como los abusos que ha sufrido de sus parejas. María ha reflexionado sobre las relaciones en general, afirmando que «no he tenido éxito con las parejas, no me he involucrado con las personas correctas». Ha contado que algunas de sus parejas han gestionado su carrera, pero que no lo han hecho correctamente, y que esta es la razón por la que ella nunca ha sido dueña de su propia música.

La Mala ha hablado de su complicada maternidad como mujer joven en el ojo público, de la «angustia» que ha padecido por su deseo de la mejor madre posible, y ha recordado que padeció bulimia. Además, ha reconocido que ha tenido ideas suicidas en algún momento de su vida: «He pensado que no me gusta la vida, que no me parece que debiera estar aquí, pero supongo que es porque paso mucho tiempo sola».

En otro punto de la entrevista, Rodríguez ha analizado su uso de la plataforma OnlyFans. Se abrió una cuenta, pero descubrió que, en cuanto empezó a hacer dinero, personas vinculadas a la compañía le contactaron para hacerle crecer en la plataforma y que eso le llevó a abandonarla.

«Me gustaba la idea de compartir mi mundo fetiche con peña rara, me gustaba compartir fotografías mías con lencería, y ya está», ha declarado la rapera. Rodríguez ha asegurado que con OnlyFans «se gana mucho dinero, es una locura», pero ha insistido en que le parece «una forma de prostitución», en contra de lo que aparentemente muchas usuarias creen.

Por otro lado, la autora de ‘Un Mundo Raro‘ (2024) ha hablado de su capacidad para generar titulares, pero ha señalado que en ocasiones sus palabras son tomadas demasiado en serio: «A veces hablo y parece que siento cátedra, pero lo hago a modo cómico: soy más payasa que cantante». Sin embargo, María ha dicho no arrepentirse de ninguna declaración que ha realizado, como aquella vez que comparó a Rosalía con Paulina Rubio porque veía a Rosalía «más pop star que rapera». Aunque ha reinvidicado a Paulina Rubio: «Ha sido muy grande».

Buffy Sainte-Marie devuelve sus premios Polaris, Juno y la Orden de Canadá tras descubrirse que no es indígena

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Jordi Bardají
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Buffy Sainte-Marie está siendo obligada a devolver los premios y reconocimientos oficiales canadienses que ha recibido a lo largo de las décadas tras descubrirse que es estadounidense y no canadiense. El mes pasado, Sainte-Marie devolvió la Orden de Canadá que le fue entregada en 1997 y, en los últimos días, ha perdido los galardones que ha recibido por parte del Polaris y el Juno, dos de los premios musicales más importantes de Canadá.

Ambos han retirado sus premios a Buffy Sainte-Marie porque la autora de ‘Universal Soldier’ ya no «cumple con los criterios» para mantenerlos. Sainte-Marie ganó el Polaris en 2015 por su disco ‘Power In The Blood’ -ganó a Caribou o Drake- y, en 2020, obtuvo el Polaris Heritage Prize por su álbum ‘It’s My Way!’. Por su lado, Juno ha retirado a Sainte-Marie todas sus distinciones, entre ellas el Juno Humanitarian Award en 2015 y el premio a Álbum Indígena del Año por ‘Medicine Songs’, de 2018.

Sainte-Marie conserva -de momento- el Oscar a Mejor canción original que ganó en 1983 por ‘Up Where We Belong’, la canción principal de ‘Oficial y caballero’ (1982), históricamente asociada a la lucha de los nativos americanos e interpretada por Joe Cocker y Jennifer Warnes, y de la que es co-autora. Sainte-Marie, de 84 años, es conocida por su activismo por los derechos de las poblaciones nativas y por otras causas medioambientales y de justicia social.

La revelación sobre la verdadera identidad de Sainte-Marie llegó en octubre de 2023 a través de un reportaje de CBC. El medio canadiense pudo probar que Sainte-Marie nació en realidad en Stoneham, Massachusetts, y no en la Reserva Piapot Cree First Nations en Qu’Appelle Valley, Saskatchewan. CBC, además, encontró declaraciones antiguas de Sainte-Marie en las que la artista afirmaba haber nacido en la reserva del pueblo Cree y que esa era «su tribu», en contra de lo que mostraba su certificado de nacimiento.

Al devolver su Orden de Canadá, Sainte-Marie ha reconocido que es ciudadana estadounidense y que posee un pasaporte de Estados Unidos y ha explicado que, aunque nació en Estados Unidos, fue adoptada por una familia Cree en Saskatchewan «cuando era joven». Sainte-Marie ha asegurado que ella nunca ha afirmado ser canadiense y que nunca ha escondido su verdadera nacionalidad: “Nunca he tratado mi ciudadanía como un secreto y la mayoría de mis amigos y familiares en Canadá sabían que soy estadounidense, y nunca ha sido un problema”.

Baths / Gut

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Jordi Bardají
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La originalidad parece cada vez más valiosa en un mundo musical dominado por la nostalgia, los campos de composición y los discos escritos por un mínimo de 87 personas aunque lleven el nombre de una. Baths, el proyecto del californiano Will Wiesenfeld, es artífice de un sonido muy personal que, en su nuevo disco, ‘Gut’, se perfecciona, confirmando que sí vale la pena prestar atención a su proyecto 15 años después de darlo a conocer, aunque el huracán de lanzamientos semanal empuje tu atención hacia otro lado.

‘Gut’ es su cuarto disco aunque, en medio, Will ha compuesto la banda sonora para la serie animada de Netflix ‘Bee and PuppyCat’. También es ‘Gut’ el trabajo más personal de Wiesenfeld y su perspectiva no solo es más transparente que nunca, sino también específicamente gay y queer. De su vida como hombre gay versan las canciones de ‘Gut’, atravesando temas como el sexo, la soledad o la homofobia.

En esta exposición de sus alegrías y miserias, Baths esculpe un sonido muy personal que hibrida pop, electrónica y cuerdas con melodías y guitarras propias del emo y el indie-rock. Baths cuenta que él creció escuchando nu-metal pero que le cambió la vida descubrir ‘Homogenic‘ (1997) de Björk, el cual considera su disco favorito. Todos estos pilares forman la base de ‘Gut’ mientras los textos se sinceran como nunca.

Es adecuado que las dramáticas melodías de Death Cab for Cutie, el gusto de Will por el screamo, las texturas glitch-pop de The Postal Service y las cuerdas de Björk empapen el sonido de unas canciones que no se cortan en exponer las emociones más crudas de su autor. La adicción al sexo es el tema de la borrascosa ‘Sea of Men’, y en ‘Homosexuals’ -el tema central- Baths habla de «devorar» hombres directamente, solo para darse cuenta de que con ninguno ha logrado construir una mínima relación.

«Tengo amigos que están casados o que viven juntos, pero yo no he pasado la noche con ningún hombre al que he besado», expone Baths en ‘Chaos’, una de las piezas más directas de ‘Gut’ y también una de las más personales musicalmente: nadie hace dance-pop exactamente así. En ‘Gut’, Baths escribe algunas de las canciones más directas de su carrera, como el mejunje indie-rock-glitch-pop de ‘Eyewall’ o la house-pop ‘Eden’, quizá en busca de singles que den a conocer este disco completamente autoeditado.

Las imágenes son bonitas incluso en su exposición de la sexualidad sin tapujos («Oral sex weightless on a haunted lake»), y también tierna cuando narran encuentros íntimos que Baths guarda en la memoria, como en la bonita balada ‘Cedar Stairwell’, que ubica esa intimidad bajo la «escalera de cedro» de una casa familiar. ‘American Mythos’ reflexiona sobre la heteronorma a través de la historia de una pareja que acude a una fiesta a la que uno de ellos no quiere asistir, como muchos de nosotros no queremos intervenir en una sociedad en la que no encajamos.

La homofobia familiar (‘Verity’), la desesperación por que alguien le ame tal y como es (‘Governed’) y la inevitable transformación personal (no en vano cierra el álbum ‘The Sound of a Blooming Flower’) van dando forma a un trabajo que, desde el punto de vista narrativo, expone diferentes facetas de la experiencia gay masculina con una sinceridad que desarma pero que no se lame las heridas. Desde el punto de vista artístico, ‘Gut’ propone un sonido que el mainstream, ni juntando a 10 compositores experimentados en un estudio, sería capaz de inventar.

Lady Gaga actúa en SNL y disemina ‘MAYHEM’ en Spotify

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Jordi Bardají
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Lady Gaga ha sido la invitada musical en el último episodio de Saturday Night Live emitido este sábado y, además, ha presentado el programa. En su monólogo introductorio, Gaga se ha reído de sí misma recordando su denostada colaboración con R. Kelly en ‘Do What U Want’ -que presentó en SNL en 2013- y su éxito en los Razzie por ‘Joker 2‘.

Sobre el escenario de Saturday Night Live, Gaga ha presentado el single ‘Abracadabra‘, apostando por una puesta de escena fiel a la coreografía y vestuario del videoclip. Además, ha estrenado ‘Killah’.

El tema más Prince de ‘MAYHEM‘, Gaga ha comenzado la actuación de ‘Killah’ desde el interior de los estudios de Saturday Night Live y, junto a sus bailarinas, ha realizado una curiosa coreografía de suelo. Después, ha irrumpido en el escenario, llenándolo de color.

Por otro lado, Gaga ha protagonizado varios gags en Saturday Night Live, como ese en que se ha reído del abuso de la jerga LGBTQ+ en la calle y también de la expresión «recalentar los nachos«. Gaga ha hecho buen combo con el actor Bowen Yang.

‘MAYHEM’ ha salido este viernes y varias de sus pistas han entrado en el top 50 global de Spotify: ‘Garden of Eden’ en el 9, ‘Vanish into You’ en el 23, ‘Perfect Celebrity’ en el 31, ‘Zombieboy’ en el 40, ‘Killah’ en el 45, ‘How Bad Do U Want Me’ en el 46 y ‘Lovedrug’ en el 49. Además, ‘Abracadabra’ sube al 5, ‘Disease’ vuelve a entrar en el 39, y ‘Die with a Smile‘ se mantiene en el 1.

‘Presence’: el fantasma es el director

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Joric
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“¡No, no puedo soportarlo!” Hace un año, llegaban noticias desde el festival de Sundance diciendo que algunos espectadores habían salido huyendo de la sala donde proyectaban ‘Presence’ al grito de “I cannot take this stress”. En una película de terror esto siempre resulta sospechoso: hype a la vista. Pero, claro, si el filme viene firmado por un director como Steven Soderbergh y un guionista tan afín al género como David Koepp (‘El último escalón’, ‘La ventana secreta’), y además es elegido para inaugurar el festival de Sitges, uno piensa que, oye, por qué no: a lo mejor estamos ante una de las películas de terror del año.

Pues no. Es cierto que ‘Presence’ parte de una premisa formal y narrativa bastante sugestiva: un relato de casa encantada rodado enteramente en primera persona y desde el punto de vista del espectro. A través del uso de la cámara subjetiva -en modo steadicam, no al hombro-, Soderbergh narra el día a día de un fantasma tras la llegada a “su casa” de una familia. La particular sensibilidad de la hija adolescente, traumatizada por un suceso luctuoso, es el recurso dramático que se utiliza en el guion para hacer avanzar la acción.

La puesta en escena y el trabajo de cámara de Soderbergh (la lleva él mismo, el director “hace” de fantasma) es impecable. El filme está articulado a través de una sucesión de planos secuencia cortados a negro. Dependiendo del tiempo que pasa entre corte y corte así será la duración de la elipsis. El montaje es mínimo. La acción de cada escena se desarrolla en tiempo real, facilitando la inmersión del espectador y enfatizando el protagonismo de la “presencia”.

Hasta aquí todo estupendo. El problema de ‘Presence’ es su dramaturgia. Ni los personajes, bastante planos y superficiales, ni la trama, convencional y muy predecible, están a la altura de su dispositivo formal. Recuerda un poco al caso de la reciente ‘De naturaleza violenta’: la forma narrativa es muy original, un sorprendente slow-slasher, pero eso no significa que funcione desde un punto de vista dramático, terrorífico.

Desde esa perspectiva, ‘Presence’ parece más un ejercicio gimnástico que artístico. Una exhibición de fuerza de la puesta en escena con resultados poco satisfactorios. Conceptualmente, es un experimento digno de aplauso. Narrar lo mismo de siempre de otra manera, darle “otra vuelta de tuerca” -ya que hablamos de fantasmas- siempre es de agradecer. Pero en esta ocasión no termina de funcionar como debería, ni siquiera como drama sobrenatural a lo ‘A Ghost Story’ (2017). ¿Y si los espectadores de Sundance huyeron por otra razón…?

Nathy Peluso saca su salsa más ‘EROTIKA’

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Jordi Bardají
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Cuando aún no se ha cumplido un año desde el lanzamiento de ‘GRASA‘ (2024), su segundo disco ganador de tres Latin GRAMMYs, y uno de los Mejores Discos de 2024, Nathy Peluso ha lanzado esta semana nuevo single y, atendiendo los deseos de sus fans, ha vuelto a darle a la salsa.

Peluso, que colaboró con El Combo de Puerto Rico antes de que lo hiciera Bad Bunny en ‘La Presa’, la salsa incluida en ‘GRASA’, vuelve a tocar el género en ‘EROTIKA’, un single suelto que animará su repertorio de directo, como han venido haciéndolo ‘Puro veneno’, ‘Mafiosa’ y ‘La presa’.

‘EROTIKA’ demuestra dos cosas. En primer lugar, que Peluso es la única artista en este momento haciendo salsa tan pura y a su nivel de fama. En segundo, que lo hace mejor que nadie.

‘EROTIKA’ es un homenaje a la «salsa de los noventa», en concreto a la salsa erótica de Lalo Rodríguez o Frankie Ruiz. Pero, sobre todo, ‘EROTIKA’ es una pedazo de salsa escrita en torno al volcánico talento de la artista argentino-española.

Bailando salsa «en Buenos Aires o en Barcelona», Peluso seduce a su ligue gracias al poder de la música y a la personalidad con que ataca cada una de las frases de la letra. Solo ella podría pronunciar «placa tectónica» de esta manera. Ya hay personas que parodian su dicción, buena señal de la personalidad original y arrolladora de La Sandunguera.

‘Un cortocircuito formidable’ pone en valor el noise y el periodismo musical

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Jordi Bardají
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Que la música de Merzbow parezca accesible es uno de los méritos logrados por ‘Un circuito formidable. De los Kinks a Merzbow: Un continuum del ruido‘, el libro de Oriol Rosell que repasa la historia del ruido en la música popular. Y, después de conocer la historia de, por ejemplo, una banda llamada Nihilist Spasm Band, al lector se lo parecerá también.

Desde la distorsión accidental de ‘You Really Got Me’ de los Kinks -punto de partida del libro- hasta el terrorismo auditivo del japanoise, pasando por el siempre reivindicable ‘Psychocandy’ (1985) de Jesus and Mary Chain o el metal extremo, el ruido ha servido a los artistas para denunciar el status quo y reivindicar la producción de arte fuera del mainstream, ya fuera en grabaciones como encima del escenario.

En ‘Un cortocircuito formidable’, Rosell (conocido por su programa ‘La Biblioteca Inflamable’ de Ràdio 4 y por ser integrante de la banda Dead Normal) repasa la producción cultural del ruido a lo largo de las décadas contextualizándola en la historia, pero nunca su repaso es excesivo o indulgente y, además, lo anima con anécdotas personales que humanizan la lectura.

En su primer ensayo, Rosell sobre todo pone en valor la historia del noise, ampliamente desconocida por el público pero fascinante, y lo hace profundizando en las propuestas de una serie de nombres ocultos u olvidados, como Smegma, pero cuyas trayectorias dejan con la boca abierta. Además, Rosell ilumina el valor estético y artístico de un recurso -el ruido, la distorsión, el muro de sonido- que ha estado mucho más presente en la música de lo que parece.

Por otro lado, Rosell acerca a la audiencia la historia del noise con un lenguaje asequible pero también muy esmerado en su uso de metáforas y que exhibe un elevado valor literario. ‘Un circuito formidable’ es una obra excelente de periodismo musical y un ejemplo de que la crítica cultural también produce obras de arte como las que ella misma examina.

Mención aparte merecen: 1) el prólogo de Javier Blánquez, uno de los grandes de la crítica musical española; 2) los informadísimos pies de página del libro, que en algunos casos ocupan páginas enteras. Y ‘Un circuito formidable’ no es un libro largo, pero, en su cuidada selección de nombres, demuestra que del noise también se pueden escribir ríos de tinta. 9

Chappell Roan sube al nº1 en Reino Unido con ‘Pink Pony Club’

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Jordi Bardají
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Chappell Roan sube este viernes al número 1 de singles de Reino Unido con ‘Pink Pony Club’, uno de los sencillos extraídos de su álbum debut, ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess‘ (2023). ‘Pink Pony Club’ es el primer single número 1 de Roan en Reino Unido. Previamente, Roan había llegado al puesto 2 con ‘Good Luck, Babe!’ y al 4 con ‘Hot to Go!’. Roan se anota un single número 1 de Reino Unido una semana antes del estreno de su nuevo single, ‘The Giver’, que sale el viernes 13.

En las últimas semanas, ‘Pink Pony Club’ ha cogido impulso en listas tras la presentación de la canción en los Grammy y su posterior relanzamiento en radios. El vídeo viral de Roan cantando la canción en un concierto prácticamente vacío en 2021 ha circulado sin parar. Tan vieja es la canción que su lanzamiento se remonta a abril de 2020.

Cinco años después, ‘Pink Pony Club’ puede considerarse la canción insignia de Chappell Roan. También es una de las composiciones de Roan que ayudan a entender y poner en contexto su personaje: ‘Pink Pony Club’ es el punto de inflexión en su carrera, el momento en que Roan decide encarrilar su proyecto hacia la representación de su identidad queer.

Roan escribe ‘Pink Pony Club’ después de visitar un club queer de su pueblo, Springfield, en Missuri, que realmente estaba todo «pintado de fucsia». En la letra, Roan examina la tensión entre su origen conservador (vive en Tennessee, su madre no quiere que se mude a Los Ángeles) y su necesidad de liberación, asistiendo a ese club donde «los chicos y las chicas pueden ser reinas cada día».

La producción de ‘Pink Pony Club’, entre el power pop y el synth-pop, la enfila un Dan Nigro que en la época del lanzamiento de esta canción todavía no había publicado su primer éxito, ‘drivers license’, el single debut de Olivia Rodrigo. Tan pronto en su carrera, Roan ya sabía que «en tacones, encima del escenario, es donde está mi sitio».

Podcast: Chappell Roan, Revelación 2024

Juanjo Bona / Recardelino

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Sebas E. Alonso
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El disco de Juanjo Bona es probablemente el mejor debut de un artista salido de Operación Triunfo. Y por aquí desde luego no lo vimos venir: apegado a su prodigiosa voz, lucía como el típico concursante más pendiente de la perfección técnica del instrumento que le había venido regalado, que de la libertad creativa y el riesgo. Sus referentes era gente como Luis Miguel, David Bisbal o Pablo López. Y ha terminado produciendo música con Marcel Bagés; escribiendo con la única gente que quedaba en pie en el verdadero indie español después de la pandemia: El Buen Hijo y Confeti de Odio, además de Fresquito y Mango.

Fuera de este álbum, pero siempre en nuestros corazones, no olvidemos su dúo con Martin trabajado junto a Hidrogenesse, ‘El destello’: una pequeña maravilla de silbidos y devoción mutua. «Ya está, no hay vuelta atrás», decía el estribillo, que versaba sobre los misterios del amor.

Rodearte de buenos talentos, beber del underground, no otorga automáticamente un buen álbum. A Ana Torroja no le salió muy bien, por dar un nombre. Lo bueno de ‘Recardelino’ es que estos pequeños grandes artistas no le han dado en absoluto maquetas sobrantes o canciones sobre cuya calidad dudaban, sino que se han sentado con él para ayudarle a orientarse al salir de un programa de esta magnitud, cuando él mismo apenas sabía por dónde le daba el aire. En tiempo récord, han sacado lo mejor de él mismo, lo más original, lo que solo tenía él.

‘Recardelino’ es un álbum 100% Juanjo Bona, tan Juanjo Bona que da varias vueltas en torno a su pueblo aragonés, Magallón, de 1.100 habitantes. «No llega a 1.100 y bajando», corrige en una entrevista que publicaremos la semana que viene, y en la que demuestra que ha hecho los deberes en cuanto a documentación, hablando con historiadores, músicos y cuidando hasta el último detalle.

El disco se divide en tres partes: una primera que representa su infancia y su pueblo, una segunda que supone su encuentro con la gran ciudad al marchar a estudiar a Madrid, y una última que representa el amor. La intro se compone de tarareos de cosas que ha escuchado en desde niño, las jotas y las melodías de la canción popular funcionan a modo de leit motiv a lo largo del álbum (ese cierre), y la instrumentación del tipo bandurrias tiene una inspiración reconocida en las bandas municipales.

Ese apego al pueblo vincula este proyecto con otros tan queridos por aquí como los de la pionera Lorena Álvarez o Rodrigo Cuevas. Pero además, Marcel Bagès y David Soler le han empujado en varias direcciones, y canciones como ‘Moncayo’ o ‘Villano’ suenan ambiciosas. La primera tiene unos juegos vocales que parecen inspirados en ‘Medúlla’ de Björk, y la segunda, un punto de vals lisérgico que se aproxima a los territorios de Animal Collective. Poca broma.

El propio Juanjo reconoce que no tenía los mismos referentes antes de entrar en Operación Triunfo y que está descubriendo muchísima música. Sin embargo, toda esa modernidad que se ha puesto sobre letras bucólicas y entrañables, de búsqueda de uno mismo, no suenan impostadas: están integradas en su justa medida con su interpretación vocal, que no va a consentir arrinconarse en un segundo plano de ninguna manera. La producción y los detalles de ‘Moncayo’ y ‘Villano’ molan un montón, ¿pero qué hay de su interpretación al final de una o de cómo se entrega a la verbena en la mitad de la otra?

También se agradece que el disco tenga canciones sencillas, divertidas, pegadas a la tierra, que cada producción no sea más pomposa que la anterior. ‘Virgen de Magallón‘, de manera improbable, recupera una leyenda del siglo XIII sobre dos familias que se enfrentaron a matar, hasta provocar la desaparición de la Virgen del pueblo. El tono y los diálogos son jocosos, y los trucos vocales, casi imperceptibles, pero muy simpáticos. ‘Golondrinas’ es una canción de autor más sencilla, confesional. ‘Me sabe mal’, un pop 60’s muy ameno. Y ‘Mis tías’, una entrañable composición sobre el paso a la vida adulta con varios requiebros melódicos inspirados.

‘Recardelino’ se cierra -como no podía ser de otra forma- con el regreso de ‘La Magallonera’ y el típico tema de aceptación, redención y reencuentro, que aquí se ha llamado ‘Últimamente’ y recuerda a los típicos medios tiempos épicos de Brit Pop. A Bernard Butler escribiendo para Duffy, a maravillas como ‘Distant Dreamer‘. «Quiero volver donde están mis raíces, quiero volver donde están mis padres», canta Juanjo junto a un coro, apelando a «todo lo que soy y fui». ¿Cuáles son los puntos flojos del álbum? ¿Este final de disco está demasiado visto? ¿A ‘Nuestra forma de hablar’ le sobra su coda a lo ‘Creep’? ¿La ‘Intro’ es demasiado larga? ¿Alguien buscando la letra más naíf de todo el disco para menospreciarlo porque ya no recuerda el día que marchó de casa, regresó al pueblo y lloró, o se enamoró de verdad por primera vez? Nah: este disco es -voy a decir esa palabra- bonito. De hecho, es precioso.

Mario Vaquerizo asegura que nadie ha hecho más «por el colectivo» que Alaska y él

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Gabriel Carey
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Mario Vaquerizo ha concedido una entrevista a El País a raíz de la salida de su nuevo single con las Nancys Rubias, ‘Reset’. Sin embargo, como es típico en sus entrevistas, ha hablado de todo menos de eso. Este empieza recordando la aparatosa caída que sufrió el pasado octubre y que casi le cuesta la vida para rápidamente cambiar a aquella vez en la que entrevistó a Marilyn Manson.

«Me pusieron con otros medios, Rockdelux, Mondosonoro… y le preguntaban por el sonido del disco. ¡Si el disco y el sonido ya está ahí para que lo escuchen!», comenta Vaquerizo. Este continuó hablando de la autocensura, la ocupación y el bullying, que para él están muy relacionados: «Todas las personas que están sufriendo bullying lo siguen sufriendo porque muchas veces hoy se ampara al delincuente y al maltratador».

Hacia el final de la charla, Vaquerizo aborda el tema del colectivo directamente: «Más que ha hecho Alaska por el colectivo, o más que yo he hecho por el colectivo, hablando en femenino, no lo ha hecho nadie», asegura. Este deja claro que no pertenece «a ningún colectivo» debido a la variedad de opiniones, pero que tampoco está en contra de ninguno.

«Como Alaska empezó a trabajar con Jiménez Losantos, la tildaron de facha. Y a mí eso… pues me cago en el colectivo, porque mi mujer es de todo menos facha, y Losantos también», denuncia Vaquerizo. Por último, recuerda que él está «a favor de todo» y que solo tiene «dos amigos heterosexuales, que además son heterosexuales raros».

‘Handlebars’, con Dua Lipa, es de lo mejor del disco de JENNIE

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Gabriel Carey
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JENNIE ha lanzado hoy ‘Ruby’, su álbum debut. El resultado es un versátil disco de pop que ya está entre lo más sólido del año. Tanto, que la nueva canción con Dua Lipa ni siquiera ha salido como single, pese a ser una de las mejores canciones del proyecto.

‘Ruby’ comienza con una preciosa intro a cargo del multinstrumentista FKJ y pasa directamente a uno de los grandes bangers del álbum, ‘like JENNIE’. ‘Handlebars’ no tiene nada que ver con un petardazo como este o como ‘ExtraL’, que sí salió como single. En su lugar, apuesta por un melódico dueto entre las dos artistas que, aunque no tiene nada novedoso en su apartado instrumental, resulta uno de los temas más instantáneos del proyecto.

Definitivamente, funciona mejor que la colaboración con Kali Uchis y Childish Gambino, que no está tan enfocada y puede resultar un pelín somnífera. La integrante de BLACKPINK y Dua no paran de intercambiarse frases en los versos antes de juntarse en un estribillo de oro: «Me tropiezo y me enamoro / Como un martes de borrachera / Siempre voy con todo».

El secreto está en la masa. ‘Handlebars’ está coescrita por Amy Allen, colaboradora de artistas como Sabrina Carpenter o Harry Styles, y James Ghaleb, quien ha trabajado con Troye Sivan o Maroon 5. Rob Bisel, ganador de 4 Grammys por su trabajo con SZA, interviene tanto en la composición como en la producción.

‘MAYHEM’ es el disco más neoyorquino de Lady Gaga

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Jordi Bardají
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Lady Gaga no se ha cansado de contar en las entrevistas promocionales de ‘MAYHEM‘ que su nuevo disco es una especie de estudio de su propio «caos personal». También que ‘MAYHEM’ es un homenaje a sus inicios tocando en baretos de Nueva York. En el álbum supuestamente conviven dos Gagas, la persona y la pop star, como dos Gagas aparecen en algunas de las portadas alternativas del disco.

El supuesto concepto de ‘MAYHEM’ sigue sin explicar la inclusión en su secuencia de ‘Die with a Smile’ con Bruno Mars, una decisión evidentemente estratégica, pero no artística, por mucho que Gaga insista en lo contrario. Pero llama la atención la cohesión de ‘MAYHEM’, en realidad.

No es sorprendente esa cohesión, pues todos los álbumes de Lady Gaga presentan una coherencia interna, desde el primero al último. Gaga es artista de álbumes fijados en un estilo, y si ‘Chromatica‘ (2020) miraba al dance-pop venido de Europa, ‘MAYHEM’ tira de glam, rock, punk, new wave y guitarras de sabor neoyorquino.

El glam-pop de ‘Garden of Eden’ es como ‘The Fame’ pero evolucionado. La Canción Del Día de hoy marca el camino de ‘MAYHEM’ más que los singles con un sucio sonido electro-punk que sienta sorprendentemente bien al pop dramático de Stefani Germanotta. Ella, además, vuelca toda su actitud de maestra de ceremonias en esta grabación que imagina una fiesta loca en una discoteca, «bajo las luces». Los cuerpos bailan, se desean; rulan la «adrenalina» y los «caramelos».

Después, ‘Perfect Celebrity’ es un rabioso electro-grunge, ‘Vanish into You’ es un bailongo disco-punk, ‘Killah’ con Gesaffelstein se mira en el espejo de Bowie y Blondie, ‘Don’t Call Tonight’ empieza synthwave pero se vuelve post-disco. Y las guitarras rockeras se hacen notar en ‘Shadow of a Man’. La producción de Cirkut, Andrew Watt, etcétera, sienta de lujo a las canciones.

Sorprende por tanto el lugar que ocupan los singles en ‘MAYHEM’, pues el álbum ni sigue tanto la línea bestial e industrial de ‘Disease‘, ni mucho menos el dance-pop gaga-esco de ‘Abracadabra‘. Sin embargo, ambos temas sí sirven de puente para adentrar a la audiencia en sonidos más underground y vintage. Da la impresión de que a Gaga le salió un disco alternativo y que los singles vinieron después.

‘MAYHEM’ ya es un disco superventas gracias a la inclusión de ‘Die with a Smile’ pero, por mucho que Gaga y su discográfica se empeñen, esta no será nunca una canción propia de este álbum, empezando por que es la de Bruno Mars la primera voz que suena en ella. Pero, si ‘Die with a Smile’ sirve para que el mundo descubra el disco-glam de ‘Zombieboy’, bienvenido sea.

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RFTW: CA7RIEL & Paco Amoroso, Rigoberta Bandini, Barry B…

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Jordi Bardají
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Hoy 7 de marzo se publican nuevos álbumes de Lady Gaga, JENNIE, Juanjo Bona, Bomba Estéreo con Rawayana, SASAMI, Nena Daconte, CA7RIEL & Paco Amoroso, I’m with Her, Hamilton Leithauser o Kedr Livanskiy. En materia de epés está disponible ya el de la solista catalana Roserona.

En singles destacamos ya en portada el debut de Pequeño Mal (grupo nacido de Hazte Lapón), pero ojo al himno que acaba de lanzar Barry B, y no os perdáis tampoco los singles que presentan los nuevos álbumes de Rufus T. Firefly, Tune-Yards, yeule o Car Seat Headrest.

Otros artistas siguen presentando sus inminentes trabajos, y es el caso de SPELLLING, Black Country, New Road, Rigoberta Bandini, chloe moriondo, Destroyer, Queralt Lahoz, Tunde Adebimpe o Suzanne Vega.

La jornada del viernes viene, además, cargada con la nueva salsa de Nathy Peluso y nueva música de Yaeji, Sabrina Claudio, Julia Michaels, Teo Ludacamo con Ciutat, Rachel Chinouriri, Wavves, Pure Bathing Culture, Albany, Destroyer, Anika, TOLEDO o los belgas Maria Iskariot.

En materia de pop nacional las recomendaciones del viernes pasan por las propuestas de xicu, Celia Becks, Ginestà, Gala Nell, GREX o Lapili.

Spotify España discrimina a las mujeres en su mayor playlist, «Éxitos España»

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Sebas E. Alonso
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Spotify es la plataforma líder en streaming y su playlist clave se llama Today’s Top Hits. Con 35 millones de suscritos en todo el mundo, decide qué es un hit y qué no, durante cuánto tiempo y a qué nivel, con el poder que el siglo pasado tenía la radio, o más. Su versión local en España es Éxitos España, con más de 3 millones de suscritos. Su cuestionable línea editorial ha sido objeto de debate en universidades y medios como El País, que hace poco hablaba de sexismo en las canciones más escuchadas de nuestro país, como hace unos años lo hacía nuestra compañera Mireia Pería; y por supuesto en redes sociales. Los fans de Aitana, por ejemplo, suelen reclamar más atención para ella, en X.

Con motivo de la llegada del Día de la Mujer, JENESAISPOP ha elaborado un pequeño estudio que demuestra hasta qué punto las mujeres son marginadas en la elaboración de esta playlist, por debajo de la demanda del mercado, y de playlists similares de otras plataformas.

Éxitos España suele contar con 50 pistas, pero dado el número de «featurings», los artistas totales que aparecen pueden rondar los 60 o incluso los 70. De ellos, en ocasiones solo 6 son mujeres entre 60 hombres.

Este artículo no habla de datos aislados o puntuales de Spotify: quizá con motivo del 8-M, quizá informada de la publicación de este artículo, la playlist abre hoy con Bad Gyal e incluye a Nathy Peluso. Ni lo uno ni lo otro ha sido lo habitual. JENESAISPOP ha recopilado las playlists de Éxitos España de los últimos 6 meses, y más llamativo aún que la falta de paridad, es la constancia de las cifras. La media ronda el siguiente dato: el 85% de los artistas que pasan por Éxitos España son hombres, y solo el 15%, mujeres. Además, en no pocas ocasiones, la presencia femenina es tan sólo una tímida aparición, está muy cogida con pinzas. Por ejemplo, el tema de Aitana con Quevedo ha durado mucho más en esta playlist que su último single en solitario. Si Bad Gyal abre es por su tema con Trueno. Y si contamos a Laura Pausini como mujer presente en esta playlist, tan solo es porque Rauw Alejandro ha sampleado ‘Se fue’.

Durante todo este año, las mujeres han representado sistemáticamente un porcentaje entre el 10% o del 20% de los artistas de esta playlist, con alguna semana incluso por debajo del 10%. A veces una sustituye a otra como si no pudieran convivir juntas: entra Melody, pues sale Naiara. Los porcentajes utilizados en este reportaje pueden oscilar dependiendo de la metodología. ¿Contamos a Natos&Waor como dos hombres o como uno? ¿Si Bad Bunny aparece 3 veces en 1 playlist le contamos 3 veces o 1? ¿Contamos artistas principales e invitados por igual? ¿Canciones con mujeres o solo mujeres en solitario? He elegido sumar apariciones de artistas diferentes por playlist, contándolos solo una vez aunque aparezcan tres, pero es importante recalcar que en ningún caso la metodología altera significativamente los porcentajes: la discriminación a la mujer está tan a años luz del esperable 50% que le correspondería por población, que salta a la vista.

¿Provocan las mujeres mucho «skip»? ¿Pierde Spotify audiencia, fidelidad, «engagement» si programa mujeres? ¿Tantísimo miedo tienen de dejar de ser líderes por darle más voz a Aitana en solitario, sin hombres? Lo curioso es que este machismo no tiene correspondencia ninguna con Today’s Top Hits, la playlist internacional, donde es habitual encontrar a artistas femeninas, muchas veces liderando. De los 45 artistas programados la semana pasada en Today’s Top Hits (son 50 canciones, pero muchos artistas repiten), hasta 20 eran mujeres. Es decir, el 44%. Pero además, las mujeres aparecen en las mejores posiciones.

Si nos fijamos estrictamente en el nuevo top 10 actual con que amanecemos hoy viernes, en las 10 primeras canciones de Today’s Top Hits figuran 10 mujeres y no es por el 8-M: la semana pasada eran 8. La semana pasada esas mujeres fueron SZA, Lola Young, Lady Gaga, Gracie Abrams, Tate McRae, Sabrina Carpenter, Rosé y Billie Eilish. Y esta semana serán Lady Gaga, JENNIE, Dua Lipa, SZA, Gracie Abrams, Lola Young, Tate McRae, Billie Eilish, Rosé y Sabrina Carpenter.

Pese a su fama internacional, todas ellas son ignoradas habitualmente en Éxitos España, incluso cuando de hecho todas han pasado por el top 100 oficial de Promusicae, algunas de manera recurrente y tras una dura escalada, a menudo relacionada con TikTok. Observar Éxitos España durante unos meses es darte cuenta de que jamás estará liderada por 8 o 10 mujeres en sus primeras posiciones. Muchas veces ha costado encontrar 10 mujeres en todo el top 50. Y sus decisiones a veces son completamente random: ‘Disease’ de Lady Gaga llegó a entrar en Éxitos España cuando tenía cifras modestas, y ‘Abracadabra’, con mejores cifras, aún no ha entrado. Ni siquiera hoy, día de salida del nuevo disco de la artista.

«Observar Éxitos España durante unos meses es darte cuenta de que jamás estará liderada por 8 o 10 mujeres»

Esta semana hemos preguntado a Spotify España por la enorme brecha en su mayor playlist. Melanie Parejo, Head of Music de la compañía para el sur y el este de Europa, respondía ayer: “Éxitos España es una playlist muy popular que recoge la música más escuchada en el país. Géneros musicales mayoritarios como el reggaeton y el urbano están tradicionalmente dominados por artistas hombres y en mayor proporción procedentes de América Latina, si bien la curación de Éxitos España refleja también las propuestas de artistas mujeres como Bad Gyal, Lola Indigo, Aitana o KAROL G». Además, y pese a que justo estos días pasados Éxitos España ha estado en uno de sus peores momentos en programación femenina, y una semana de enero tocó fondo por debajo del 10%, asegura: «En los últimos dos años el número de mujeres artistas programadas en la playlist ha aumentado un 30%». Finalmente, Parejo recuerda que se curan muchas otras listas y el «número de canciones de artistas mujeres incluidas en playlists de Spotify en España ha aumentado un 65% desde que en 2021 se creó el programa EQUAL». Este programa organiza conciertos y galas benéficas «que financian becas para mujeres en producción musical y ofrecen ayudas al directo para artistas mujeres emergentes», aunque su impacto luce minoritario: la playlist EQUAL España tiene tan solo 57.000 seguidores.

Es evidente que España está en un momento muy urbano, muy latino y muy poco anglosajón, pero no en una situación tan extrema como la que plantea Spotify España. La lista anual de 2024 que ha publicado Promusicae, con las 100 canciones oficialmente más populares del año, está encabezada por una mujer, Karol G, con ‘Si antes te hubiera conocido’. Ayra Starr -como featuring- e Isabel Aaiún -como artista principal- figuran en el top 10. Y en el top 100 encontramos nombres que tienen que lidiar verdaderas guerras para aparecer en Éxitos España, como Sabrina Carpenter, Samuraï (con La La Love You), La Oreja de Van Gogh o Vicco, que permaneció meses en Éxitos España con ‘Nochentera’, sí, pero abandonó dicha playlist mucho antes de que dejara de ser «un éxito en España».

Promusicae nos dice que no el 15% de éxitos son de mujeres como propone Spotify España, sino casi el 25%. En las 100 canciones más exitosas en España, encontramos 24 mujeres y 74 hombres (muchos repiten). Es decir, Spotify está por detrás del mercado y de la demanda popular en cuanto a artistas femeninas. Pero es que no podemos pasar por alto el enorme peso que tiene Spotify en el desarrollo de Promusicae. Dada su influencia, contribuye a que la brecha sea cada vez más y más grande: me aventuro a adivinar que, de no ser por Spotify, el porcentaje de mujeres en la lista de canciones más exitosas del país habría estado por encima del 30%. En otras palabras, España continúa escuchando música de mujeres pese a los múltiples esfuerzos de Spotify por que no lo hagamos.

«España continúa escuchando música de mujeres pese a los múltiples esfuerzos de Spotify por que no lo hagamos»

Apple y Amazon programan el doble y triple de mujeres

Apple Music cuenta con una playlist llamada Éxitos de Hoy, en la que la proporción también es muy favorable a los hombres, pero no tiene nada que ver. De los 72 artistas programados este jueves en una playlist de 60 canciones, 23 eran mujeres. Es decir, el 32%.

La diferencia es muy clara: Apple Music programa más artistas anglosajones -hombres y mujeres- y eso incluye a Tate McRae, Lady Gaga, SZA, Lizzo, Lola Young, Sabrina Carpenter, Gracie Abrams y Rosé, además en posiciones de privilegio, no al final de la playlist. Tampoco tienen problema en mantener programadas hoy por hoy a Shakira o a Lia Kali, que hace semanas desaparecieron de Éxitos España.

Un porcentaje de mujeres muy parecido presentaba Amazon Music en su playlist Hits de Hoy, ayer jueves. En este caso son 100 canciones, con unos 107 artistas distintos, pero con porcentajes similares. Unas 33 mujeres aparecían en la playlist, lo que da lugar a un 31% de artistas femeninas, el doble que en Spotify de media, ayer concretamente casi el triple.

La línea editorial de Amazon Music es más diversa: no solo incluye estrellas anglosajonas como Billie Eilish, sino que ya son la única plataforma que apuesta por Amaia, en concreto con ‘M.A.P.S.’, un tema que ha estado en la lista oficial de Promusicae; por Amaral, por Judeline o por Melody, a quienes Éxitos España ya ha abandonado (me refiero a las dos últimas, Éxitos España jamás apostaría por Amaral). Que Amazon ofrezca hasta 100 canciones no es lo que marca la diferencia: ellos deciden abrir ahora mismo con ‘Segundo intento’ de Aitana, cuando Spotify ya ha decidido suprimirla.

Con Donald Trump en el poder y a lo loco, secundado por Elon Musk, muchas compañías están suprimiendo sus programas de diversidad. Si algo puede pasar después de ese «brunch» que Spotify dio para el presidente de Estados Unidos, es que Today’s Top Hits copie las políticas de Éxitos España y no viceversa. Así, seguramente tendremos que plantear ya en otra década, qué porcentaje de artistas LGTBIQ+ programan las plataformas de streaming, y si ese número es acorde a la sociedad. De momento, ni siquiera las plataformas se esfuerzan por que escuchemos al 50% de la población, las mujeres. Bad Gyal, Aitana, Lola Indigo o Rosalía son artistas masivas, pero estadísticamente representan una minoría en un enorme campo de nabos con nombres como Manuel Turizo, Duki, Myke Towers, Trueno, Jay Wheeler, Gonzy, JC Reyes, Morad, Rauw Alejandro, hasta Pitbull a estas alturas y 60 más que quizá no duren tanto como otras en el imaginario colectivo. Es evidente que una generación está creciendo sin escuchar voces femeninas, ni la visión correspondiente.

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