Charli XCX sigue trabajando en su próximo trabajo discográfico, que todavía no tiene fecha de lanzamiento. Sin embargo, con el tiempo vamos conociendo más detalles sobre la música que tiene en camino. En una reciente entrevista con The Face, la artista ha hablado sobre la narrativa que podemos esperar en algunas de sus futuras canciones.
Lo más llamativo es, sin duda, el recuerdo de SOPHIE, quien era muy cercana a Charli XCX y había trabajado junto a la cantante antes de su trágica muerte en 2021. Charli XCX confiesa ahora que «sentía admiración por ella» y que siempre quiso «impresionarla». Antes de su accidente en Atenas hace casi tres años, ambas habían trabajado juntas en varios EPs y singles.
El próximo álbum de Charli XCX contará con una canción dedicada a SOPHIE, en la que abordará el dolor de su pérdida. «Ella creía en mí de una forma en la que yo no creía en mí misma. Pero yo sentía que nunca lograría ser lo suficientemente interesante como para entrar en su mundo fuera del estudio, que era el espacio seguro donde podíamos conectar y estrechar lazos a través de la música», reconoce la artista.
Charli XCX continúa: «No sentía que fuera lo suficientemente mágica que esta persona sí que era. Y ahora que ella se ha ido, me avergüenzo mucho de ella porque ya no tengo la oportunidad de vivirlo. Me da pena haber sido una cobarde. Es difícil escribir sobre ello. Estoy triste por mí misma por no haber vivido todo lo que esta persona tenía que ofrecer».
Asimismo, la artista ha desvelado en la entrevista que quería hacer un disco sobre lo «jodidamente complicado y duro» que es ser músico. Por ello, en su sexto disco también cantará sobre la tensa relación que mantiene con una cantante de la industria. Si bien aún no se ha publicado el que promete ser uno de sus temas más polémicos, hay quien ya especula que Rina Sawayama podría ser la protagonista de esta canción. Charli XCX ha reaccionado ante los rumores con la siguiente publicación: «Si quieres contexto, lee la entrevista. Si no quieres contexto, invéntate lo que quieras y convéncete de que es la verdad… Estamos en 2024, ¡a quién coño le importa!».
Ester Expósito ha protagonizado por sorpresa el regreso musical de Dani Martín. El exintegrante de El Canto del Loco, que cumple 47 años, ha decidido celebrar su cumpleaños con el lanzamiento de una canción que toma por título ‘Ester Expósito’, haciendo alusión a la actriz de 24 años.
Trayendo de vuelta el sonido que caracterizaba a su banda, el pop-rock de su nuevo tema ha logrado que la canción llegue a liderar las tendencias de YouTube. Sin embargo, todo apunta a que la letra también ha supuesto un factor importante. «He visto a Ester Expósito, que no la conozco en persona y me tiene muy loco. La miro, a ver si me mira y pasa de todo», canta Dani Martín en el estribillo.
El single, aunque menciona a otros famosos como Hugo Silva, Leiva y J Balvin, es foco de la conversación social por sus referencias a la vida de la actriz. De hecho, el tema hace alusión a ‘Élite’, la serie con la que se hizo conocida Ester Expósito, así como a su compañero Arón Piper.
«Tus canciones me marcaron y acompañaron en tantos momentos desde hace tanto tiempo que me hace mucha ilusión que vuelvas a sacar música y formar parte de ella. Feliz día y feliz lanzamiento, te admiro», ha escrito Esther Expósito en redes sociales compartiendo la canción. Él no ha tardado en responderle haciendo un guiño a la letra: «Eres la mejor, aunque ni me mires, hija».
Siguen anunciándose nuevos biopics de figuras relevantes en la industria de la música. A los que ya hay en desarrollo sobre Michael Jackson o Linda Ronstadt, hoy se suman cuatro películas sobre los Beatles. El grupo más importante de la historia será homenajeado en la gran pantalla con varias películas independientes que se centrarán en la vida de cada uno de sus diferentes miembros.
Dirigidas por Sam Mendes y distribuidas por Sony Pictures, hay en preparación hasta cuatro filmes sobre los Beatles cuyo eje de la historia girará en torno a los distintos integrantes del grupo, una sobre cada uno de ellos. Mendes, ganador del Oscar, cuenta con el visto bueno de la banda, siendo esta la primera vez que Paul McCartney, Ringo Starr y las familias de John Lennon y George Harrison ceden los derechos de su música y de su vida para un guion cinematográfico.
El proyecto, anunciado por Deadline en exclusiva, se propone contar historias interconectadas en las que cada uno de ellas sea narrada desde el punto de vista de un miembro del grupo. «Este proyecto surge de una idea que Sam tuvo hace más de un año, y el hecho de que Paul McCartney, Ringo Starr, Sean Lennon y Olivia Harrison respondieran con tanta calidez y entusiasmo en cuanto habló con ellos es una prueba de su brillantez creativa y su poder de persuasión», ha comentado Pippa Harris, socia de Mendes.
El estreno de las películas está previsto para 2027, aunque habrá que esperar para conocer más detalles acerca de las películas, que el grupo descibe como «innovadoras y revolucionarias» en un comunicado. Sam Mendes también se ha manifestado al respecto: «Me siento honrado de contar la historia de la banda de rock más grande de todos los tiempos, y emocionado de desafiar la idea de lo que supone un viaje al cine».
La estrategia de lanzar secuelas de discos antiguos parece menos habitual en el mundo de la música pop que en el del cine. Pero existen casos. Un ejemplo de enorme éxito es ‘The Marshall Matters LP2’ de Eminem, editado 13 años después del primero. Aunque muchos de esos discos salen inmediatamente después de los originales (‘The Blueprint 2’, ‘The Carter II’), algunos artistas como Miguel Bosé (‘Papitwo’) o últimamente Nicki Minaj (‘Pink Friday 2’) se han valido de esa táctica para intentar reanimar su carrera años o incluso décadas después de lanzar las primeras partes de esos discos.
Jennifer Lopez se ha unido a la tradición publicando la segunda parte de su disco de 2002 ‘This is Me…Then’. El concepto de ‘This is Me…Now’ es exactamente el mismo que el de aquel álbum que regaló al mundo el hit ‘Jenny from the Block’: la relación de Jennifer Lopez con Ben Affleck. “Entonces”, Bennifer se vieron forzados a terminar su relación y a cancelar su inminente boda debido a la presión mediática. “Ahora”, más de 20 años después, han vuelto, se han casado y Lopez vuelve a dedicar un disco al amor de su vida.
Y no solo un disco, pues Lopez ha publicado ‘This is Me…Now’ juntamente con una película musical que narra la historia del disco utilizando una breve selección de las pistas contenidas en el elepé. Una superproducción financiada por ella misma, sobre ella misma, basada en su vida amorosa, completamente surrealista de principio a fin y que, precisamente porque es todo lo palomitera que esperas, logra su cometido de entretener. Algo que no se puede decir exactamente de ‘This is Me…Now’.
El nuevo álbum de Jennifer Lopez presenta un agradecido retorno de la diva al R&B-pop de tintes clásicos que tan bien le ha sentado en el pasado, por ejemplo, en su olvidado disco de 2007, ‘Brave’. En algunos puntos, el propósito de entregar una segunda parte de ‘This is Me…Then’ es tan directo que las influencias se repiten en este nuevo trabajo, pues Luther Vandross inspira ‘To Be Yours’, una de las pistas destacadas, y el uso de violines y arpas en ‘This is Me…Now’ y ‘Rebound’ remite a Minnie Ripperton. También los beats más o menos ricos, pero inofensivos, de ‘Mad in Love’ o ‘Hummingbird’ parten desde donde lo hacía el disco anterior. Hasta hay una “segunda parte” de ‘Ben’.
El single principal de ‘This is Me…Now’, ‘Can’t Get Enough’, no es ‘Jenny from the Block’ ni lo pretende. Pero resulta que es uno de los mejores singles de J Lo en años, una chuchería pop-disco de tonos pastel que refleja perfectamente el momento en el que Lopez se encuentra: ella tiene el corazón contento y en esta canción se nota.
‘Can’t Get Enough’ tiene muy poco que ver con el resto de ‘This is Me…Now’, que se centra en el R&B de principio a fin. Pero, aunque el sonido de ‘This is Me…Then’ era igualmente pastel y vainilla, el disco cumplía entregando una colección de canciones cálidas y reconfortantes a las que volver de vez en cuando, puro “comfort food” musical que se enorgullecía de ser cursi y ñoño, pero con el valor añadido de que algunas canciones podían presentar melodías tan atractivas como la de ‘Still’, tan bonitas como la de ‘Ben’, o que directamente eran escalofriantes: ‘Again’ sigue siendo uno de los mejores deep cuts de Jennifer Lopez, tantos años después.
La producción de ‘This is Me…Now’ no es tan blandita como la de aquel álbum, pero esta vez el músculo melódico de Jennifer Lopez suena realmente debilitado. Hay momentos atractivos: ‘This is Me…Now’ es un buen single que, recordando “todos los desastres” que “Bennifer” han superado, samplea ‘Cry Me a River’ en sus segundos finales. En ‘To Be Yours’, Lopez vuelve a sumirse en la promesa del amor eterno, actualizando dignamente el sonido del disco anterior. ‘not.going.anywhere’ es una carta de amor cantada con todo el gusto que Jennifer Lopez le pone a este género.
Pero las canciones de ‘This is Me…Now’ se van sucediendo planas e insípidas tan pronto como en ‘Mad in Love’. Demasiado pronto empiezan a confundirse unas con otras. En ‘Rebound’, que cuenta con la extraña participación de Anuel AA, parece emerger un single potencial, mejorado, por cierto, por su inclusión en la película, pues suena en la mejor escena. Pero ni ‘Dear Ben Pt. II’ te “abruma” de amor, ni el beat atareado de ‘Hummingbird’ descubre una canción mejor. Y, la verdad, cuando Jennifer Lopez se pone intensa cantando baladones para los que carece realmente de voz, no da sus mejores momentos. ‘Broken Like Me’ es el enésimo ejemplo.
En un disco tan deliberadamente autobiográfico (uno de los temas recuerda explícitamente la boda de Lopez y Affleck en Las Vegas), Jennifer Lopez entrega una colección de canciones admirablemente honesta, donde su fe en el amor eterno está siempre en el centro. En ‘This Time Around’ así lo expresa cuando canta que “esta vez lo nuestro durará para siempre”. Pero la falta de ambición en las melodías está arrastrando el disco hacia un fracaso comercial que se está reflejando en sus pobres streamings, en absoluto propios de la que se supone una de las grandes reinas del pop internacional.
MGMT publica nuevo disco este viernes. ‘Loss of Life’ se ha presentado con los singles ‘Mother Nature’, ‘Bubblegum Dog’ y ‘Nothing to Declare’. El cuarto sencillo oficial es ‘Dancing in Babylon’, la colaboración con Christine and the Queens que nos da la Canción Del Día de hoy. ‘Loss of Life’ es además el Disco de la Semana.
‘Dancing in Babylon’ es una de esas composiciones épicas de los autores de ‘Little Dark Age‘ (2018). Adoptando, esta vez, un sonido más bien ochentas, ‘Dancing in Babylon’ es como una versión retorcida, marca MGMT, de la balada de pelo cardado de Bonnie Tyler.
En ‘Dancing in Babylon’, Andrew VanWyngarden y Redcar cantan a dúo una letra de amor pasional. Evocando «dos barcos en la noche» mandándose señales mutuamente, el mantra de la canción no es otro que el de «quiero decirle a todo el mundo que te quiero», que se repite al final de manera insistente.
MGMT ha colaborado con Christine and the Queens porque la de Redcar era la voz idónea para una canción tan inspirada en los ochenta. «Su voz es una de las mejores que hay. Es poderosa, en el estilo de los ochenta, pero sin demasiadas florituras. Es pop, pero también sofisticada», cuenta MGMT a JENESAISPOP en una entrevista que publicaremos en los próximos días.
MGMT recuerda que participó en la composición de ‘Paranoïa, Angels, True Love‘, el último disco de Christine and the Queens, y describe paralelismos entre la carrera de MGMT y la del cantante francés: «Musicalmente hemos hecho cosas diferentes, pero en cuantos a las letras, nuestras temáticas e intenciones se han parecido, hablando del poder del amor y de relaciones desde un ángulo espiritual, pero no religioso». El videoclip de ‘Dancing in Babylon’ se acaba de estrenar.
Este domingo 25 de febrero vuelve a Razzmatazz la fiesta queer Iconiqa. Garantizando una «noche de excelencia queer, celebración y expresión», la cuarta edición de Iconiqa contará con las actuaciones de Gigi Goode, concursante de la 12ª edición de RuPaul’s Drag Race, y de Marina, concursante de Drag Race España. Las entradas están disponibles en la web de Razzmatazz.
Conocida por sus looks elegantes y sofisticados, Gigi Goode ha dado grandes momentos a Drag Race como su imitación de un robot en Snatch Game, su recreación del videoclip de ‘Take on Me’ de A-ha o su lipsync contra The Widow con ‘Starships’ de Nicki Minaj… con Nicki Minaj sentada en el jurado. El paso de Goode por Iconiqa nos sirve para preguntarle por su música favorita.
¿Canción favorita de todos los tiempos?
Es una pregunta complicada. Realmente cambia constantemente, pero si tengo que decir una, sería ‘All the Lovers’ de Kylie Minogue.
¿Y tu disco favorito?
‘Rock Steady’ de No Doubt. Adoro a Gwen.
¿Qué canción te ha obsesionado últimamente?
No puedo parar de escuchar ‘Prescription’ de Remi Wolf, la tengo en bucle.
¿Qué canción te recuerda a tu paso por Drag Race y por qué?
¡Buena pregunta! ‘Take On Me’ de A-ha me trae recuerdos siempre, pero también ‘Whenever Wherever’ de Shakira porque iba a ser la canción de un lip-sync que nunca ocurrió. Escuché esa canción una, y otra, y otra vez en la habitación del hotel.
¿Qué canción tienes más ganas de interpretar en Iconiqa?
Traigo un mix de Britney muy divertido que incluye mis dos canciones favoritas de ella. Y la actuación tiene MUCHA coreografía.
¿Qué canción nunca harías en Iconiqa o en cualquier otro show?
Supongo que cualquiera de Nickelback. No sé, ¡nunca nadie me ha preguntado esto!
Sales en el videoclip de ‘I’m Ready‘ de Sam Smith y Demi Lovato junto a Valentina y otros artistas. ¿Qué otros dos artistas juntarías en una canción?
Kylie Minogue y Gwen Stefani, ¡de lejos!
¿Qué otros dos artistas JAMÁS juntarías en una canción?
A Kanye y a RuPaul.
¿Qué nuevo artista recomiendas?
Me encanta Chappell Roan. Últimamente no he parado de escuchar ‘Super Graphic Ultra Modern Girl’.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
El himno de Estados Unidos.
¿Sigues comprando discos? Si la respuesta es afirmativa, ¿cuál es tu formato favorito?
El único disco que he comprado en mi vida es ‘She’s a Lady’ de Tom Jones porque un día a mis amigos les dio por comprar discos en una tienda y me entró el pánico y cogí el que me pillaba más cerca. Pero resulta que ahora me encanta esa canción.
¿Alguna compra que recuerdes con cariño de tu infancia?
Oh, cariño, Miley Cyrus/Hannah Montana lo era todo para mí.
¿Qué canción siempre te anima antes de una fiesta?
‘Man! I Feel Like a Woman’ de Shania Twain.
Una actuación vocal que adores.
La de Fantasia Barrino en ‘I Believe’ me emociona. Mi colega Symone la canta en directo enlazándola con ‘Apeshit’ de los Carters.
¿Una canción que te gusta aunque nadie lo adivinaría?
‘Rainy Days and Mondays’ de los Carpenters.
Momento exacto en una canción que te dé vida.
El crescendo de ‘The Winner Takes it All’ de ABBA.
¿Alguna canción que te guste y te haya dado vergüenza reconocerlo, o no existe el guilty pleasure?
No tengo ninguna vergüenza en absoluto.
¿Un remix que te vuelva loca?
El remix de Darkchild de ‘Overprotected’ de Britney es mi remix número 1. ¡Es mejor que la original!
Tomavistas sigue desgranando su cartel de 2024. Entre los nombres que se suman hoy a la programación del festival madrileño se encuentra Phoenix, nuevo cabeza de cartel; Editors, Villagers, que acaba de anunciar nuevo disco, y Joe Goddard, de actualidad por haber cedido su tema ‘Gabriel’ al polémico disco conjunto de Kanye West y Ty Dolla $ign.
Cariño, Georgia, Repion, Melenas y Adiós Amores se suman también a Tomavistas, que celebrará su octava edición y diez años de vida los días 24 y 25 de mayo en la Caja Mágica.
Todos estos nombres se suman a los ya confirmados The Blaze, Belle and Sebastian, The Jesus and Mary Chain, Los Planetas interpretando su debut ‘Super 8’ por su treinta aniversario; Dinosaur Jr, Standstill, Alizzz, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, La Luz, Hurray for the Riff Raff, Baiuca, Dry Cleaning y Bodega. Las entradas siguen disponibles en la web del festival.
Paul Kalkbrenner, autor del macrohit 'Sky and Sand', se suma a Sónar
Paul Kalkbrenner, Sevdaliza y Laurent Garnier se encuentran entre los artistas que completan las confirmaciones en el cartel de la edición número 31 de Sónar, que se celebra en Barcelona los días 13, 14 y 15 de junio.
Adriatique, VTSS, DJ Tennis, Anetha, Kittin b2b David Vunk, Richie Hawtin, Jennifer Cardini b2b HAAi, Danny Tenaglia, DJ Flight & MC Chickaboo, Octave One live, Soto Asa, Aïsha Devi & Emmanuel Biard presentando ‘Les Immortelles’, Tayhana con su Club Latinx, Yerai Cortés y Laurel Halo figuran también en la última tanda de nombres revelada hoy por el festival.
Los artistas añadidos hoy se suman a los ya anunciados Air, que tocarán su mítico disco de 1998 ‘Moon Safari‘ al completo; y también a Charlotte de Witte presentando ‘Overdrive’, Kaytranada, Jessie Ware, Ben Böhmer live, Vince Staples, Folamour, The Martinez Brothers, Kerri Chandler, Floating Points y Olof Dreijer & Diva Cruz, entre muchos otros.
Como cada año, Barcelona será el epicentro mundial de la música electrónica y la innovación cultural, con la suma de los programas de Sónar de Día, Sónar de Noche, Sónar+D y OFFSónar. Además, Sónar de Noche incorporará el escenario SonarLab x Printworks (14 y 15 de junio). Este nuevo espacio co-comisariado traerá por primera vez a Europa la esencia de la añorada sala británica, con un nuevo formato que mostrará la emblemática producción audiovisual de Printworks London y su cuidada selección artística.
Sónar+D, el encuentro de innovación y creatividad digital, abordará la implementación masiva de la Inteligencia Artificial en las industrias creativas y cómo esta determina su presente y futuro. La oferta de actividades se presentará en breve.
El liderato de la listas de singles española sigue en manos de Quevedo, que acumula una nueva semana en el número 1 gracias a su single ‘La Última’. El artista continúa en su posición del español más exitoso del momento y así lo certifican las 9 canciones con las que hace presencia en la lista. Le siguen de cerca Dellafuente y Morad con sus ‘Manos Rotas’, que se mantienen en el top 3 justo detrás de la sesión de Bizarrap y Young Miko.
Esta semana, sin embargo, una nueva canción logra meterse en el top 10: ‘Una Foto Remix’ de Mesita, Nicki Nicole, Tiago PZK y Emilia. El tema, que ha ido subiendo en streaming en nuestro país en los últimos días, consolida este impulso ascendiendo hasta el top 10 por primera vez tras su debut en la lista hace ya más de un mes. Por otro lado, pese a su salida del top 10, Nebulossa se mantiene dentro del top 20 con su éxito ‘ZORRA’ (#13).
En cuanto a las entradas, la más alta se la apuntan Chris Jedi, Gaby Music, Dei V, Anuel AA y Ozuna con ‘Bad Boy’ (#19). También logra debutar en la lista el ‘Mal de Amores’ de Natos y Waor e Israel B (#37). Asimismo, entran Camilo y Evaluna Montaner con ‘Plis’ (#84), Chris Jedi, Gaby Music y Dei V con ‘Perreo Lento’ (#91), Yovngchimi y Dei V de la mano de ‘Tussi’ (#93) y Benson Boone con ‘Beautiful Things’ (#100).
Roger Waters, uno de los antiguos componentes de Pink Floyd, ha cargado contra Bono, el líder de U2, en una nueva entrevista. Lo ha hecho calificándolo de «asqueroso» y tildándolo de ser «una mierda», motivado principalmente por unas declaraciones sobre el conflicto entre Gaza e Israel.
Recientemente, el grupo U2 ha estado dando conciertos en el Sphere de Las Vegas, donde ha hablado sobre asuntos de actualidad. Uno de esos temas fue la guerra entre Gaza e Israel, que hizo a la banda irlandesa posicionarse tras los atentados de Hamás en Israel el pasado 7 de octubre.
«A la luz de lo que ha ocurrido en Israel y Gaza, una canción sobre el no a la violencia parece hasta ridícula, incluso de burla, pero nuestras oraciones siempre han sido por la paz y por la no violencia… Ya sabéis hacia dónde apuntan nuestros corazones y nuestra indignación, así que canta con nosotros… y con esos niños tan guapos en ese festival de música», dijo Bono a la multitud antes de interpretar ‘Pride (In The Name Of Love)’.
El grupo también cambió parte de la letra de la canción, que supone un grito a la paz inspirado en la vida de Martin Luther King. «Temprano por la mañana, 7 de octubre, el sol está saliendo en el cielo del desierto… Estrellas de David, te quitaron la vida pero no pudieron quitarte tu orgullo», canta Bono.
Este acontecimiento no ha pasado desapercibido para Roger Waters, que lleva mucho tiempo criticando a Israel y que este fin de semana ha charlado con Al Jazeera sobre la situación política de Oriente Medio. «Mi madre me decía que, ante los problemas difíciles, lo primero que hay que hacer es leer, leer y leer. Después, el siguiente paso es fácil: ¡hacer lo correcto!», comentó el artista refiriéndose a sus propios antecedentes familiares, pues su padre falleció en la Segunda Guerra Mundial.
La conversación pasó a centrarse en los compañeros de industria de Waters, lo cual hizo confesar al músico que las declaraciones de Bono le parecieron «repugnantes»: «Cualquiera que conozca a Bono debería ir a cogerlo por los tobillos y zarandearlo… hasta que deje de comportarse como una mierda». «Tenemos que empezar a decirle a esta gente lo repugnante y degradante que es su opinión… dando la cara por la entidad sionista… Lo que hizo hace un par de semanas en el Sphere de Las Vegas, cantando sobre las Estrellas de David, fue una de las cosas más repugnantes que he visto en mi vida», concluyó.
In the light of what’s happened in Israel and Gaza, a song about non-violence seems somewhat ridiculous, even laughable, but our prayers have always been for peace and for non-violence…
But our hearts and our anger, you know where that’s pointed. So sing with us… and those… pic.twitter.com/S1zfCMNtzz
DIIV ha estado más de 4 años trabajando en un nuevo disco, que finalmente hoy han anunciado bajo el título de ‘Frog in Boiling Water’. Su lanzamiento, programado para el próximo 24 de mayo, supondrá el logro de un grupo que casi se destruye durante su proceso de creación. Para celebrarlo ya han publicado ‘Brown Paper Bag’, primer adelanto del álbum y nuestra Canción del Día para este domingo.
La realidad es que Andrew Bailey, Colin Caulfield, Ben Newman y Zachary Cole Smith tuvieron dificultades para sacar adelante el que supone su cuarto trabajo discográfico. Así lo reconocen ellos, desvelando que por poco rompen antes de finalizar el álbum. Con el objetivo de empujar su sonido y hacer música que los desafiara, el viaje que tuvieron que tomar hizo que «las relaciones entre ellos se deterioraran, con las complejas dinámicas de la familia, la amistad y las finanzas enredadas, junto con sospechas, resentimientos, egos heridos y preguntas angustiosas».
El disco, que DIIV describe como un «testamento hipnótico a la resistencia», está compuesto por un total de 10 canciones. El «sonido desafiante» al que hacen alusión viene de la mano de Chris Coady, quien se ha encargado de producir ‘Frog in Boiling Water’. Así queda recogido en ‘Brown Paper Bag’, tema experimental que juega con un rock tranquilo.
«Si metes una rana en una olla de agua hirviendo, por supuesto intentará salir frenéticamente. Pero si la colocas suavemente en una olla de agua tibia y pones el fuego a bajo, la rana se hundirá en un sopor tranquilo, exactamente igual que uno de nosotros en un baño caliente, y al poco tiempo, con una sonrisa en la cara, se dejará hervir sin resistencia hasta morir», comenta DIIV sobre el álbum, cuyo título hace referencia a ‘The Boiling Frog’ de Daniel Quinn en The Story of B.
Su explicación sigue: «Entendemos que la metáfora trata de un colapso lento, enfermizo y abrumadoramente banal de la sociedad bajo el capitalismo en fase terminal, las realidades brutales que quizá hemos llegado a aceptar como normales. Es el agua hirviendo y nosotros somos las ranas. El álbum es más o menos una colección de instantáneas desde varios ángulos de nuestra condición moderna que creemos que pone de relieve cómo es este colapso y, más particularmente, cómo se siente».
Este es el tracklist de ‘Frog in Boiling Water’:
1. In Amber
2. Brown Paper Bag
3. Raining On Your Pillow
4. Frog In Boiling Water
5. Everyone Out
6. Reflected
7. Somber the Drums
8. Little Birds
9. Soul-net
10. Fender on the Freeway
Delaporte se han entregado a su etapa más hedonista. Así lo han plasmado en su último disco, ‘Aquí y ahora‘, que parece solo la excusa para el fiestón en que se han convertido sus conciertos de un tiempo a esta parte. Así lo acaba de vivir la ciudad de Madrid en sendos conciertos en La Riviera durante dos fines de semana consecutivos (9 y 17 de febrero).
El dúo formado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi alterna el «live» con la sesión, hasta el punto de que su show actual se abre con una larga intro en la que la gran protagonista es una versión de ‘Toro’ de El Columpio Asesino, por encima de temas propios como ‘Un jardín’. Quién lo iba a decir cuando esta empezó a abrirse un camino gracias a ‘Fama ¡A bailar!’.
Su carrera continúa siendo pura exclamación. A Sandra se le llena la boca con frases como «¡a puta muerte!», «¡os como la cara, pero a cada uno!», «¡me suda el culo!» o «yo ya me puedo caer muerta ahora mismo». Como una coach puestísima de energía y ganas, más que cantar, grita y jalea al respetable.
Pese a tener una preciosa y delicada voz, apta para baladas tan bonitas como ‘Las montañas’, en un momento llega a afirmar que a ella «no le gusta nada cantar, que lo que quiere es bailar». Y el repertorio actual de Delaporte, absolutamente exento de baladas, es el camino perfecto para ello.
Entre éxitos como ‘Ni un beso’ o ‘Droga dura’, se insertan singles actuales como ‘Techno cura’, ‘Me la pegué’ o ‘Súbete la radio’, el que afirman que es su favorito. Alice Wonder no falla y aparece para sumarse a la mejor canción de este último álbum, ‘Ángel caído’.
Jaime Massieu
‘Clap Clap’, acaso la producción más lustrosa de Delaporte, no representa ni remotamente el gran cénit del concierto, porque el grupo está muy ocupado insertando fragmentos de ‘Smack My Bitch Up’ en ‘Bang Bang’, de ‘Hung Up en ‘Me la pegué’ o de ‘Gasolina’ en ‘Cariñito’. Por no hablar de ese momento en que suben a escena las madres de Sandra y Sergio para bailar esa ida de olla llamada ‘Fractal de coños’. «Salí del coño de mi madre, y mi madre de su madre», repiten una y otra vez abrazados a ellas mismas.
Jaime Massieu
Una chica a hombros de alguien no para de agitar un cartel que reza «Delaporte cura», como prueba de que el show no consiente decaer en sus 100 minutos de duración. Un tema que ni siquiera ha sido single llamado ‘Soy de aquí’ se convierte en el himno que gritar y, una vez terminado el concierto, todo el mundo continúa coreando «muerte al que no me reviente el suelo». La gente empieza a abandonar la sala con las luces encendidas y otra musiquilla de fondo. Sandra se tira al público y se mezcla entre la gente, resistiéndose a irse no ya a casa, sino al camerino. Nadie puede decir que no esté disfrutando su momento…
La rabia por la victoria de Donald Trump y la muerte de Prince habían inspirado en parte el álbum anterior de Brittany Howard, ‘Jaime‘. 5 años después el mundo no parece haber cambiado lo suficiente como para que su discurso sea demasiado diferente. La que fuera líder de Alabama Shakes suena cada vez menos pureta y cada vez más cómoda en una amalgama de sonidos que incluye tintes rock, funk, jazz, blues y soul.
La primera pista de este ‘What Now’, ‘Earth Sign’, es puro contorsionismo entre estilos. Prince continúa siendo un referente en producciones tan complejas como ‘Another Day’. Por otro lado, apenas ANOHNI con su aproximación reciente al sonido Marvin Gaye, ha querido hacer últimamente un tema soul tan puro como ‘I Don’t’.
En ese momento, Brittany Howard nos lleva a un entorno paradisíaco de voces adulteradas en busca de un pasado ingenuo. «¿Alguien recuerda cómo se sentía reír toda la noche? ¿Dormir hasta tarde, no preocuparte por nadie ni por nada?», se pregunta en una grabación tan «ambient» que acaba con 10 segundos de transición que la unen a la siguiente pista, la titular, que justo empieza con otro par de “I don’ts”.
Es ‘What Now’ una pista más enrabietada, que pretende retratar «el momento presente del mundo». Casi al final del álbum aparece otro tema peleón titulado ‘Power to Undo’. «Tienes el poder de deshacer todo lo que quieras, pero no te dejaré», desafía entre guitarras de raíces blues y toda la experimentación que también inunda canciones como ‘Red Flags’. En esta contrasta lo arisco del pre-estribillo con el estallido que supone el coro principal.
Pero la gran sorpresa de ‘What Now’ es el single ‘Prove It To You’. Cuenta Howard que quería hacer una canción para bailar, con el típico cuatro por cuatro, «que te hiciera querer bailar pero al mismo tiempo reflexionar sobre las complejidades de estar en una relación». «Nunca he sido buena enamorándome», lamenta en un sorprendente tema house que desearías contagiara al resto del álbum, por lo que supondría para la búsqueda definitiva de nuevos géneros indeterminados.
Con alguna composición en la que prima el mensaje sobre la melodía (‘Power to Undo’) y alguna que ya parece el interludio antes del interludio con poema de la activista Maya Angelou (la acústica ‘To Be Still’), ‘What Now’ remonta con otra de sus grabaciones inesperadas. ‘Every Color In Blue’ presenta resquicios de jazz, a su vez podría ser una producción de Nigel Godrich para Radiohead, y es donde Brittany y el co-productor Shawn Everett mejor condensan en tan solo 3 minutos lo que saben hacer sin casarse con nada en particular.
Jessica Pratt, últimamente de actualidad por haber sido sampleada en el disco de Troye Sivan, ha anunciado su primer disco en un lustro. ‘Here in the Pitch’ sale el 3 de mayo y se inspira «en el desalentador final de la era hippie y en el lado oscuro del sueño californiano».
En ese lado oscuro se ubica Jessica Pratt en el primer adelanto de ‘Here in the Pitch’. En ‘Life Is’, por primera vez en su carrera, a su fórmula de guitarra y voz añade batería y bajo. Y las baterías especialmente se hacen notar casi tanto como en una canción de Jefferson Airplane o de los Beach Boys.
‘Life Is’ es una canción uptempo de Jessica Pratt (una rareza), pero sigue capturando la misma melancolía presente en todas sus canciones. Ella sigue obsesionada con el paso del «tiempo», preocupada porque las «oportunidades de una vida» pueden escapársele de las manos. Sabe que «la vida nunca está para lo que esperas que esté».
Explicando el significado de ‘Life Is’, Pratt habla precisamente de la vida: «La vida ha ido y venido sin que te des cuenta, y tú no estás donde pensabas que ibas a estar. Es el tercer acto y tratas de subirte al caballo de nuevo antes de que se haga de noche».
Parece que se hará de noche en ‘Here in the Pitch’ después de ‘Life Is’: Pratt ha dicho que el resto de temas del disco no suena así. Es un adelanto «engañoso» aunque también dice que es una «declaración de intenciones».
A finales de enero, Brian Wilson perdía a su esposa Melinda tras 28 años de matrimonio. Melinda fallecía el pasado 30 de enero y el artista de los Beach Boys compartía un emocionado mensaje: “Tengo el corazón roto. Melinda, mi amada esposa durante 28 años, nos ha dejado esta mañana. Nuestros cinco hijos y yo no podemos parar de llorar. Estamos perdidos. Melinda era mucho más que mi esposa. Fue mi salvadora. Me aportó la seguridad emocional que necesité para mi carrera. Me apoyó para hacer la música que estaba más cerca de mi corazón. Fue mi ancla. Era todo para nosotros. Rezad por ella, por favor”.
Tan solo dos semanas después, la familia de Brian Wilson ha comunicado que ha solicitado la curatela del artista, pues no se vale por sí mismo. «Tras el fallecimiento de Melinda, la amada esposa de Brian, después de una cuidadosa consideración y consulta entre Brian, sus siete hijos, Gloria Ramos [su cuidadora] y los médicos de Brian, y de acuerdo con los procesos familiares decididos por Brian y Melinda, confirmamos que LeeAnn, representante de la familia Wilson desde hace mucho tiempo, Hard y Jean Sievers actuarán como cotutores de la persona de Brian».
Continúan: «Esta decisión se tomó para garantizar que no habrá grandes cambios en el hogar y que Brian y los niños que viven en el hogar serán atendidos y permanecerán en el hogar donde son cuidados por Gloria Ramos y un maravilloso equipo. Brian podrá disfrutar de toda su familia y amigos y continuar trabajando en proyectos actuales, así como participar en cualquier actividad que elija».
Según documentos publicados por medios estadounidenses como People, Brian Wilson “no tiene la capacidad de dar consentimiento para la administración de los medicamentos apropiados para el cuidado y tratamiento de trastornos neurocognitivos importantes (incluida la demencia)”. Además, sería “incapaz de satisfacer adecuadamente sus necesidades personales de salud física, alimentación, ropa o vivienda”.
Un doctor ha determinado que “se distrae fácilmente, a menudo incluso cuando es consciente del entorno”, que “hace declaraciones espontáneas irrelevantes o incoherentes” y tiene problemas para “mantener el decoro apropiado a la situación”. El 26 de abril habrá una vista ante el juez para que la curatela sea oficial y legal.
Pitchfork recuerda que Brian Wilson ya tuvo que ser tutelado en los 90 debido a sus problemas con las drogas, de salud y por los tratamientos de Eugene Landy.
Usher se las prometía muy felices haciendo coincidir la Super Bowl con el lanzamiento de ‘Coming Home’, su primer disco de estudio en solitario en 8 años. El autor de ‘Confessions’, disco de diamante en Estados Unidos por encima de los 14 millones de copias ya solo en este país, tenía todo a su favor para ser número 1 en el Billboard 200: una promo frente a más de 120 millones de personas. Pero no contaba con el disco sorpresa de Kanye West y Ty Dolla $ign.
‘Vultures 1’, que ha sido retrasado y retocado en numerosas ocasiones, se publicaba finalmente por sorpresa un día después que el álbum de Usher, y pese a su publicación en sábado se ha llevado el gato al agua en cuanto a listas de éxito. Es el nuevo número 1 del Billboard 200 con lo equivalente a 148.000 copias dentro de EE UU. De ellas, 18.000 han sido ventas reales. Es el 11º número 1 de álbumes para Kanye en su país y el primero para Ty.
En cuanto a Usher, ‘Coming Home’ queda en el puesto 2 con 91.000 unidades. De ellas, 53.000 han sido ventas reales. La ausencia de singles de éxito, e incluso dentro del setlist de la Super Bowl, ha podido tener algo que ver. Incluso se pueden ver estas cifras como un éxito si recordamos que el último disco de Usher de 2016, ‘Hard II Love’, quedó en el puesto 5.
‘Vultures 1’ también ha sido número 1 en territorios como Noruega, Suiza, Lituania, Islandia, Holanda, Australia, Bélgica o Finlandia. Ha quedado en el puesto 2 en Reino Unido, tan solo por detrás de Noah Kahan. El número 1 global ‘Carnival’, ‘Burn’ y ‘Back to Me’ son top 20 en Reino Unido, donde solo se permiten 3 entradas por disco. Estamos hablando por tanto de un éxito total, pese a las malas críticas del álbum.
En cuanto a Usher, ha sido en Reino Unido únicamente puesto 24 de álbumes. El mejor mercado para este último tras Estados Unidos ha sido Holanda: un top 19 en discos. Esta tarde descubriremos si hay entrada en las listas españolas.
‘Oppenheimer’ se ha convertido en la gran ganadora de los Premios BAFTA, al hacerse con los galardones a Mejor Película, Mejor Director para Christopher Nolan, Mejor Actor para Cillian Murphy y Mejor Actor Secundario para Robert Downey Jr. El Mejor Guión Adaptado ha sido para ‘American Fiction’, eso sí; mientras el original fue para ‘Anatomía de una caída’.
‘La zona de interés’ también ganó premios a Mejor Película en Habla No Inglesa y Mejor Película Británica a la vez.
‘Saltburn’ se ha ido de vacío, muy merecidamente, aunque ha dejado un momento memorable en la actuación de Sophie Ellis-Bextor. La cantante ha interpretado su tema de corte disco rodeada de un elegante elenco de variados bailarines y bailarinas.
Más de 20 años después de su edición, ‘Murder on the Dancefloor’ se ha disparado en las listas de éxito. Ha vuelto al top 2 oficial de Reino Unido, como cuando se publicó originalmente, incluso ha entrado en el Billboard Hot 100, y ha llegado al top 12 del Global de Spotify. Mes y medio después del estreno de ‘Saltburn’, aún está en el top 30 de esta última lista. Se acerca ya a los 400 millones de streamings.
Jennifer Lopez ha pasado por el altar cuatro veces: con el actor cubano Ojani Noa, el bailarín Cris Judd, el cantante Marc Anthony y con Ben Affleck, su actual marido. En el videoclip ‘Can’t Get Enough’, la cantante del Bronx ironiza sobre su afición a dar el “sí, quiero” (¿y el anillo, pa’ cuando?), su búsqueda del amor ideal y el constante escrutinio público al que ha sido sometida en su vida sentimental desde que en 1997 se convirtió en una estrella: primero de Hollywood, con el triplete ‘Selena’, ‘Anaconda’, ‘Giro al infierno’, y, dos años después, de la música con su exitazo ‘If You Had My Love’.
El prolífico Dave Meyers echa mano de los códigos de la comedia romántica en su versión bodas (casi un guiño meta a la propia carrera cinematográfica de J.Lo ya que ha protagonizado unas cuantas: ‘Planes de boda’, ‘Cásate conmigo’, ‘Una boda explosiva’), para montar un bodorrio lleno de festivas coreografías, acrobáticos bailes nupciales y contrapuntos cómicos en forma de comentarios sarcásticos lanzados por los invitados.
Una fantasía en blanco y rosa, diseñada para que se luzca la novia y montada con mucha habilidad por el director para ir intercalando tres novios diferentes. El vídeo termina con un tartazo que funciona como tortazo de realidad: la señora Lopez sentada en la consulta del psicólogo en una sesión (se puede ver en el tráiler de ‘This is Me… Now: A Love Story’) de terapia de pareja.
Benson Boone es el actual número 1 global de Spotify con ‘Beautiful Things’. Se trata del primer número 1 global en Spotify de este artista debutante, estadounidense, oriundo de Washington. Él además es patinador profesional, según su biografía oficial.
‘Beautiful Things’ debe su éxito sobre todo a TikTok, donde se está usando masivamente en vídeos que capturan «cosas hermosas» de la vida. Boone dice que ‘Beautiful Things’ habla del «sentido de la vida» y que, en ella, se muestra «agradecido» a la vida pero consciente de que la «felicidad es volátil».
‘Beautiful Things’ es una canción de pop-rock que empieza con tintes de balada de raíces americana pero que, en el estribillo, explota en intensidad. La canción captura dignamente el vaivén emocional de Benson, pero el sonido es insulso y la letra roza el puritanismo en sus referencias a la validación paternal («he encontrado una chica que les encanta a mis padres») y a Dios («le doy gracias cada día por la chica que ha puesto en mi camino»).
‘Beautiful Things’ es el primer número 1 de Benson Boone en la plataforma, pero en absoluto es su primer tema de éxito. ‘In the Stars’, su single anterior, acumula 600 millones de reproducciones en Spotify. ‘Ghost Town’ supera los 300 millones. En Estados Unidos, ‘Beautiful Things’ ha subido al tercer puesto del Billboard Hot 100: podría ser número 1 la semana que viene… si Beyoncé no llega primero.
Benson Boone se dio a conocer precisamente en TikTok, donde actualmente acumula 5 millones de seguidores. Dan Raynolds, líder de Imagine Dragons, vio un filón y le fichó en su sello, Night Street Records. El resto es historia. Su primer single, ‘Ghost Town’, entró en las listas de 13 países, y ‘Beautiful Things’ ha superado esa cifra con creces llegando hasta 27 territorios. En ningún caso el éxito de Benson Boone ha llegado a España… de momento.
Beyoncé triunfa pasándose al country. ‘Texas Hold ‘Em‘, el principal de los dos sencillos extraídos de ‘Act II’, la segunda parte de su proyecto de varios discos ‘Renaissance’, da a Knowles la posición más alta de toda su carrera en la lista global de Spotify. La bailonga ‘Texas Hold ‘Em’ llega al puesto 2 de la clasificación y solo la balada rock ‘Beatiful Things’ de Benson Boone le impide llegar al 1. Pero lo mejor es que se mantiene y logra su mejor posición, más de una semana después.
‘Texas Hold ‘Em’ supera la que hasta ahora había sido la posición máxima obtenida por Beyoncé en el global de Spotify, el puesto 3 logrado por ‘Perfect Duet‘, su colaboración con Ed Sheeran, y supera también el que hasta ahora había sido el máximo logrado por Beyoncé en Spotify con un tema cantado en solitario, el de ‘Break My Soul’.
‘Texas Hold ‘Em’ ha dado el mayor peak de Beyoncé en Spotify sumando exactamente 5.897.578 escuchas en un día. Esta cifra supera la de ‘Break My Soul’ (5.463.454 escuchas) y ‘Perfect Duet’ (4.250.965), pero no la de ‘Delresto (Echoes)’, la colaboración de Beyoncé con Travis Scott. «Delresto» marcó 7.094.053 reproducciones en un solo día, pero su peak en Spotify fue un octavo puesto, debido a que otras siete canciones del disco de Travis, ‘Utopia‘, lograron streams más altos.
En el Spotify de Estados Unidos, por supuesto, ‘Texas Hold ‘Em’ es número 1, y las primeras predicciones apuntan a que el tema debutará directamente en el número 1 del Billboard Hot 100. Este sería el noveno single de Beyoncé que alcanza el número 1 del país.
‘Texas Hold ‘Em’ ha sido objeto de polémica en los últimos días después de que una estación de radio de Oklahoma se negara a pinchar la canción alegando que Beyoncé «no es una artista de country». Esta estación, acusada de «racismo y discriminación» por un fan de Knowles, ha decidido pinchar la canción finalmente. De todas formas, no se puede hablar de veto en absoluto: al menos 100 emisoras de country de Estados Unidos están emitiendo ‘Texas Hold ‘Em’, hasta el punto que la canción acaba de entrar en el puesto 54 de la lista Country Airplay de Billboard, centrada en las radios.
El debut de los Violent Femmes no fue el único primer disco que abría excitantes posibilidades para el futuro del pop el año en que fue publicado: ‘Murmur’ de R.E.M. y ‘Confusion is Sex’ de Sonic Youth nacieron también en 1983. Pero mientras que el peso e influencia de estas dos bandas se ha hecho patente a lo largo de los siguientes 41 años, la impronta dejada por Violent Femmes es más compleja de vislumbrar: es evidente que nunca hubo legiones de grupos siguiendo la estela sónica del trío de Milwaukee, pero algo tiene este álbum cuando es recordado y celebrado con sorprendente regularidad.
En cuanto a la ausencia de sucesores, en realidad es de agradecer. Como ocurre con el punk-pop (después de los Ramones todas las réplicas resultan siempre algo pálidas, redundantes), cualquier copia de esta banda habría desmerecido su singularidad. Porque habría resultado muy difícil igualar lo que supone este bombazo de punk acústico que canaliza la angustia romántica y frustración sexual propias de la adolescencia.
Precisamente por eso ‘Violent Femmes’ sigue muy vivo cuatro décadas después. De hecho ha seguido una trayectoria fascinante: tras el impacto modesto de su lanzamiento independiente (las multis los rechazaron por “sonar raro y tener los cortes de pelo equivocados”), el disco fue ganando tracción: en 1987 llegó a disco de oro, y en 1991 incluso entró tímidamente en las listas del Billboard americano. En la actualidad se estima que ha vendido unos tres millones de copias, nada mal para un disco de culto. Un estatus de «grower» labrado durante aquella primera década gracias su creciente popularidad en la crucial red de emisoras de radio universitarias, las críticas entusiastas de la prensa especializada, el éxito creciente de sus giras, y el propio impacto de sus tres siguientes discos. Y por supuesto la razón principal: que se trataba de un álbum completamente excelente, que en 2024 sigue sonando tan fresco e inmediato como el primer día.
Parece imposible creer que la mayoría de canciones de este disco las compusiera Gordon Gano cuando aún estaba en el instituto, pero así fue. Cuadra en cuanto a los temas de ansiedad y psicosis sentimental, pero no deja de deslumbrar la brillante expresión de estas en las letras, y por lo inventivo y atractivo de su propuesta musical, ya perfectamente formada cuando ellos tenían todavía 16, 17 años: una especie de hermanos pequeños de la Velvet Underground con mucha más mala leche que los Modern Lovers, y con el exótico añadido de un descomunal –casi cómico– bajo acústico de mariachi, más un baterista de pie tocando con una simple caja, haciendo ritmos a caballo entre rockabilly, calipso y skiffle anfetamínico.
Se puede uno imaginar el impacto de la visión de estos tres inadaptados tocando por las calles de Milwaukee. Así se batieron el cobre en sus primeros años de existencia (en parte porque no les dejaban tocar en casi ninguna parte, y en parte porque pasaban menos calor ensayando en la calle que en su local), hasta conseguir la pericia instrumental y tablas que tan bien recoge este debut de diez canciones.
La cara A entera es completamente intachable, una sucesión de sopapos de crudeza placenteramente melódicos y con una energía explosiva: del inmortal riff acústico de ‘Blister in the Sun’ (todavía hoy en día su éxito más reconocible y escuchado) se pasa a la excelente ‘Kiss Off’, que abre el melón del aislamiento social e incomprensión adolescentes: “necesito a alguien, una persona con la que hablar / ¿podrías ser tú? (…) la situación empeora, y empiezo a sentir pánico”. La rabia en la voz de Gano, con esa secuencia numérica de colosal tensión creciente, deja claro que la solución de todos esos problemas no va a llegar (“uno porque me dejaste, dos por mi familia, tres por mi corazón roto, cuatro por mis migrañas, cinco por mi soledad, seis por mi dolor, siete porque no hay futuro…”
Curiosamente al llegar el siguiente número Gano canta “ocho… se me ha olvidado por qué era el ocho”, disparando la primera sonrisa de humor negro. Es un momento crucial, porque anticipa que el disco, con toda su carga de bilis y frustración, también te va a hacer sonreír con su ingenio. Algo que se confirma con el paso veloz a ese desenfadado ‘Please Don’t Go’ en clave de reggae, con un groove y coros muy Jonathan Richman, en el que se explora el fracaso sentimental de forma más performativamente pop, alejada de la crudeza confesional del comienzo, o de la maravilla que llega inmediatamente después.
‘Add it Up’ es puro punk acústico via rock and roll de los 50 (los tres Violent Femmes eran muy fans del tercer disco de Gene Vincent, ‘Gene Vincent Rocks! And the Blue Caps Roll’, de 1958). El tema es un excelente exponente de ese dominio de la dinámica de la interpretación en directo, con la banda retorciendo a su voluntad el tempo e intensidad para crear esos momentos de tensión y distensión tan brutalmente bonitos. Que además van acordes con el desarrollo de la letra, que comienza con un directo “Why can’t I get just one kiss?” (“créeme, hay cosas que no me perdería / pero miro a tus pantalones y necesito un beso”) y crece maravillosamente con los mucho más explícitos “Why can’t I get just one screw?” y “Why can’t I get just one fuck?”.
Cerrando la cara A con absoluta perfección, ‘Confessions’ incorpora la primera guitarra eléctrica del disco en un tempo de lamento casi bluesístico, perfecto para su letra de soledad y desengaño. A pesar de esa electrificación (que sigue en la cara B), el disco consigue en todo momento evocar la rabia y la alienación sin una sola guitarra distorsionada.
La segunda mitad del álbum mantiene ese mismo e inspirado equilibrio entre minimalismo semiacústico, rabia juvenil y ganchos melódicos, aportando nuevos y refrescantes matices: pop casi 60s en el estribillo de ‘Prove My Love’ y sus cómicos símiles entre amor y dulces (caramelos de menta, Life Savers), punk desengañado con voz a lo David Byrne en ‘Promises’ (“¿querrás alguna vez amarme? / Ignora mi nerviosismo / Ignora mis miradas perdidas”), y un reptante medio tiempo en ‘To The Kill’ con el Gordon Gano más Lou Reed de todo el disco.
Como bien apuntan las excelentes notas de David Fricke en la preciosa reciente reedición de este ‘Violent Femmes’ (que incluyen dos bonus tracks, más un disco extra lleno de fascinantes demos y una recopilación de temas en directo de 1981 a 1983), el amasijo musical de este álbum se agita y sacude como si proviniese de muchos posibles lugares y ninguno en particular: el CBGB neoyorkino de 1976, el revival folk de los 60, los estudios de la Sun Records en los 50… Por esa razón la composición propia ‘Go Daddy Go’ encaja tan bien la interpolación del ‘I Just Wanna Make Love To You’ del legendario compositor de blues Willie Dixon, hecha popular en los 50 por Muddy Waters y después Etta James.
Pero todos estos elementos musicales se quedarían en un simple batiburrillo si no creasen algo nuevo al combinarlos con confesionalidad lírica, que resulta única en su crudeza emocional. No cuesta imaginarse a esxs adolescentes de mediados de los 80 identificándose con el miedo a la volatilidad del amor (o quizá la codependencia) de la colosal y concluyente ‘Good feeling’: “¿No te vas a quedar un rato más? / Parece que siempre te estás marchando / Cuando te necesito aquí más tiempo / Hay tanto a lo que temo / Una vocecita me dice que me estoy volviendo loco / al ver mis pequeños mundos desaparecer”). Ni Willie Dixon ni Lou Reed habrían escrito algo tan introspectivo, ni darían el hermoso giro poético que sigue: “un vago boceto de una fantasía / riéndose del amanecer como si hubiese estado toda la noche despierto”. Su aire casi de himno adolescente (para teenagers inseguros), con precioso piano y cuerdas, supone el broche de oro melódico a un disco que es una joya atemporal.
En el último concierto de U2 en el Square de Las Vegas, Bono ha compartido unas palabras de recuerdo sobre Alexei Navalni, el mayor opositor ruso del régimen de Vladimir Putin, fallecido de manera repentina durante su estancia en una prisión en el Ártico.
En Las Vegas, Bono ha apelado a la libertad y pedido que no se olvide el nombre de Navalni. «La semana que viene se cumplen dos años desde que Putin invadió Ucrania. Para la gente de Ucrania la libertad no es solo una palabra en una canción, es la palabra más importante del mundo. Tan importante que los ucranianos están luchando y muriendo por ella. Tan importante que Alexei Navalni decidió entregar su propia libertad. Por lo visto, Putin nunca pronunciaba su nombre. Así que esta noche quienes creemos en la libertad debemos pronunciarlo: no solo recordarlo, sino también pronunciarlo».
A continuación, Bono insta a la audiencia a gritar repetidamente el nombre de Alexei Navalni. Mientras, The Edge toca la guitarra acústica.
Según la versión oficial, Navalni se empezó a encontrar mal durante un paseo por la cárcel en la que se encontraba encerrado desde 2021. Entonces, perdió el conocimiento y falleció. Sin embargo, la portavoz de Navalni, Kira Yarmysh, asegura que Navalni ha sido asesinado y que las autoridades no han entregado el cuerpo de Navalni todavía para tapar la verdad.
Por su parte, U2 continúa ofreciendo su serie de conciertos fijos en el innovador recinto The Square, de Las Vegas, donde el grupo autor de ‘Beautiful Day’ está actuando desde el pasado mes de octubre.
Bilbao BBK Live vuelve un año más. Los días 11, 12 y 13 de julio, el monte de Kobetamendi acogerá esperados directos de cabezas de cartel como Arcade Fire, Massive Attack, Jungle, Underworld o The Prodigy y también conciertos igualmente recomendables de grupos favoritos del público como Alvvays, Khruangbin o Parcels. En el plano nacional, artistas consagrados del calibre de El Columpio Asesino o Sen Senra y nombres pujantes como los de Jimena Amarillo o Ralphie Choo ofrecerán también propuestas en un festival especialmente querido por el público por diversas razones. JENESAISPOP ha hablado con asistentes al Bilbao BBK Live para que cuenten sus experiencias y anécdotas vividas en el festival… esas que les llevan a volver a él año tras año.
Una de esas razones es por supuesto el entorno natural en que se celebra Bilbao BBK Live. Marta Díaz lo destaca por encima de todas las cosas. “Lo que más me llevo del BBK ha sido el entorno idílico donde se encuentra, que crea una simbiosis entre los asistentes y el entorno que nos rodea. Hace que literalmente escapes del día día”. Marta enfatiza la experiencia de “dormir en el camping, en lo alto de una montaña, echándote siestas en el césped, y luego coger el autobús y, entre laderas, escuchar a tus artistas favoritos y a artistas nuevos que se convierten en favoritos”. Julia Martín también opina que “una de las cosas más destacables del BBK es el paisaje que rodea el recinto, tanto la zona del camping como la zona de los conciertos”, y subraya que “la estética del lugar hace que te quede un recuerdo súper bonito del festival”.
Para Yolanda “lo que une cada edición es el espíritu de aventura que hace que el festival sea único”. Para ella, la aventura también se extiende a la experiencia de visitar Bilbao. “Vienen a la mente memorias de subir la montaña super justos de tiempo después de estar de pinchos por el centro para llegar a ver a Rusowsky. De bailar un mix de ‘Break My Soul’ que pinchaba Romy a las 7 de la mañana, de cantar ‘We Are Your Friends’ con desconocidos en el bus que te lleva al recinto. De cantar y bailar ‘Ay Mamá’ mientras te salen las lágrimas de felicidad, cerrando el festival en el Basoa entre los árboles con John Talabot pinchando ‘Sunshine’ mientras sale el sol. Es un festival con mucha alma y cada año es una aventura”.
A Ainhoa el paisaje de Kobetamendi le dejó un bonito recuerdo cuando ella y sus amigos llegaron al camping a primera hora de la mañana, después de toda una noche de conciertos. Sus amigos decidieron retar al cansancio y subir andando cuesta arriba ajenos a que les quedaba una hora de trayecto. Por suerte, un autobús les salvó: “Mi amiga se tiró literalmente a la carretera a la desesperada suplicando una recogida a tiempo. El conductor y todos los que estaban dentro se apiadaron de nosotros y conseguimos finalizar el tramo como debíamos haberlo empezado. Recuerdo un vago “sois los p. amos” de la gente que nos recogió”. El paisaje puso la guinda en el pastel: “En esta subida captamos el amanecer en Bilbao con un “parece un paisaje de David Friedrich” que alguien dijo por ahí de fondo, pero no recuerdo quién. Me pareció de una claridad cultural maravillosa para el momento”.
Imagen cedida por Ainhoa
Que el entorno de Bilbao BBK Live potencia la experiencia de los conciertos es algo en lo que muchos asistentes concuerdan. Álex subraya que “lo que me gustó del BBK fue cómo ibas de un escenario a otra con súper buena energía, muy buen rollo de la gente y la presencia que tiene la naturaleza me parece clave”. Esta unión entre música y naturaleza fue especialmente clave para Marta Muñoz durante el concierto de Florence + the Machine. “Yo no conocía a Florence y recuerdo que mis amigos y yo nos pusimos bastante cerca del escenario porque ellos sí la conocían. Fue un concierto mágico. Aunque no conocía las canciones, fue una genial manera de conocerla. Tengo muy presente que nos pidió que dejáramos los teléfonos y disfrutáramos de la canción. Se me pusieron los pelos de punta. Recuerdo conectar con ella y mis amigos de una forma muy especial. Y el lugar, la montaña, hizo que el concierto fuera intenso en el buen sentido”.
La experiencia comunal es fundamental en cualquier festival. Es la que imprime los recuerdos en la memoria, probablemente más que los conciertos. Álex recuerda sentir especial conexión en The Blaze y Jamie xx y subraya que en Arctic Monkeys “todos teníamos ese sentimiento de euforia de cuando escuchas a uno de tus grupos de la adolescencia que hacia mucho que no escuchabas”. Aunque él destaca especialmente el “público queer” del festival y recuerda con estima un concierto de María Escarmiento en el que vivió otro tipo de pogo. “No era el típico pogo que da miedo, en el que los tíos aprovechan para dar hostias, sino uno más suave y de estar a gusto”. Este asistente rememora que Escarmiento les puso a él y sus amigos “locos al escuchar las versiones de La Oreja de Van Gogh y conectar con esa época a saco”.
Para Mar Castellano, asistir a Bilbao BBK Live por primera vez supuso descubrir la experiencia de vivir la música tecno en vivo. «Fue mi primer festival, en una ciudad nueva. Fue la vez que fui a una fiesta tecno y lo entendí. Por primera vez en mi vida me hico clic la música electrónica y desde entonces no he parado. Recuerdo cuando pinchaba SOPHIE y se puso a llover como si no hubiera un mañana. SOPHIE tocaba en la carpa, todo el mundo fuimos allí para resguardarnos de la lluvia, lo cual era imposible porque el lugar estaba petado. Yo estaba cerca, debajo de un árbol, escuchando esa música bizarra de SOPHIE. Parecía el fin del mundo».
Un concierto de The Cure en 2012 está grabado en la memoria de Victor Geis: «Robert Smith salió 15 minutos antes a tocar un acústico. Y después el concierto duró tres horas y fue increíble». Ha llovido desde entonces, pero Geis sigue volviendo al festival año tras año: «Bilbao BBK Live es el único de los festivales grandes que nunca me ha decepcionado con los años. No me parece tan masificado ni tan vendido a hacer dinero por hacer dinero, pero sigue teniendo las ventajas de los festivales grandes en cuanto a nivel de los grupos o del cartel».
El mutualismo de música y naturaleza se da especialmente en el escenario Basoa, uno de los grandes favoritos de todo el mundo. Es claramente el tesoro (no tan) escondido del festival. Ainhoa describe que “cuando ya te has cansado de prestar atención a los escenarios”, Basoa es “el mejor sitio al que ir para no pensar y abandonarte durante un rato». Es, describe, «un bosque lisérgico, electrónico, con las luces reflejadas en las hojas de los árboles, sucio y lleno de barro cuando llueve, y con tendencia a la dantescada ya a ciertas horas de la madrugada, pero sin duda el escenario más especial”. Para Eva Nanini, Basoa es “ese lugar increíble en que cada vez que entras te inunda la misma sensación de felicidad, fuese el primer día recién llegado o el último”. La adoración a Basoa llega a tal punto que una amiga de Eva se ha tatuado el nombre de este escenario en el hombro. “Después de unas semanas nos volvimos a encontrar con unos colegas que también habían ido al festival y uno de ellos nos enseñó un tatuaje que decía: BASOA”.
Jorge recuerda que el Basoa no siempre fue lo que es hoy. Inicialmente daba lugar a situaciones hoy impensadas. «Fuimos el año en que Amy Winehouse confirmó, después canceló y, unas semanas después, falleció. El camping antes estaba donde la entrada, y había un cámping no oficial que es donde está el Basoa ahora. Estaba guay porque había muchos árboles y mucha sombra, pero era un caos y no había organización. Había mucha gente en el cámping que ni siquiera iba al festival. El último día apareció un grupo de argentinos y montaron una barbacoa con la parte de atrás de la nevera, el radiador, que es una rejilla. Hicieron un agujero en el suelo, lo clavaron ahí y se pusieron a hacer un asado».
Álex también ha quedado prendado del Basoa: «Lo vimos por primera vez a eso de las 20.00, aún había poca gente, y la reacción con mis amigos fue de “aquí la vamos a gozar a saco”, y así fue, porque era el lugar para perderte completamente, la música y las luces eran de otro planeta y la energía de la gente era muy buena». La magia del Basoa lleva a Ainhoa a vivir otra anécdota: «Me perdí por el festi, y le pregunté a mi amigo que dónde estaba. Su respuesta fue una foto borrosa en la que se veía un árbol, un tío de perfil con gafas y luces rosas. “Estamos aquí Ainhoa”. No sabemos cómo ni por qué, pero a los 5 minutos ya estaba con ellos. No pensamos en ello hasta revisar la conversación al día siguiente. ¿Cómo fue posible encontrarles con esa referencia? Pues será la magia oscura y magnética del Basoa».
Ese magnetismo hace que el público vuelva a Bilbao BBK Live año tras año. Claro que el éxito del festival no tiene ningún misterio: todos quienes han ido lo han hecho movidos por la calidad del cartel, por la buena gestión de barras y colas (Álex así lo atestigua) y por la experiencia de pasar unos días o bien en la ciudad de Bilbao o bien perdido en medio del monte, rodeado de un asombroso paisaje natural que efectivamente hace a cualquiera olvidar el día a día. Como dice Jamie xx en una de sus canciones más populares, cuando acudes a Bilbao BBK Live, «sabes que te lo vas a pasar bien».
El paso de Mahmood por San Remo ha vuelto a dar una alegría al artista italiano. Aunque no ha ganado el certamen, pues ha quedado en sexto lugar, su propuesta, ‘Tuta Gold’, ha logrado colocarse en el top 50 mundial de Spotify, concretamente en el puesto 46.
‘Tuta Gold’ es una de las mejores canciones de Mahmood. Mezclando sonidos de club, urbanos y orquestales, la canción se engorila con la aparición de un coro masculino que parece cantar con armadura puesta y una espada en la mano. Un recurso no tan típico en el pop de hoy que a Mahmood le sirve para llevar al extremo de la parodia la historia de la canción: «bailábamos en el norte cuando me llamaste bro». En ese momento, parece, nació ‘Tuta Gold’.
El sonido del marcado de teléfono es otro recurso atípico utilizado en la grabación, y vuelve a tener sentido. Mahmood está cantando que no llamará a ese chico «ni llevando cinco teléfonos encima». Ese chico ha hecho sentir a Mahmood insuficiente, y el cantante no tiene tiempo que perder ni es «bueno persiguiendo a los demás». Prefiere llorar las penas en la «rave».
Recordando momentos en «Budapest» y en el club, ‘Tuta Gold’ es, según el periódico italiano Il Messaggero, la historia de un chico que, bailando en la discoteca, empieza a rememorar su adolescencia y los vaivenes de su vida amorosa hasta ese momento.
Sumando 23 millones de reproducciones a tiempo de redacción de esta noticia, ‘Tuta Gold’ ya ha sido número 1 oficial en Italia y puede considerarse el mayor éxito de Mahmood en solitario desde ‘Soldi‘. El tiempo dirá si alcanza como mínimo los streamings de ‘Brividi’, su colaboración con BLANCO con la que volvió a Eurovisión en 2022, quedando en sexto lugar.
