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Nicki Minaj tira de bulos para deshonrar a Megan en ‘Big Foot’

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Nicki Minaj y Megan Thee Stallion ya no viven su ‘Hot Girl Summer’ juntas y se encuentran enfrascadas en una agria contienda pública que solo acaba de empezar, con ambas repartiéndose zascas tanto en redes sociales como en su propia música.

El origen de la pelea entre Nicki y Megan se halla en una frase contenida en la letra de ‘Hiss’, el nuevo single de Thee Stallion. En dicha frase, Thee Stallion alude a la «ley Megan» estadounidense, una aparente indirecta a los problemas del marido de Minaj, Kenneth Perry, con la ley, pues él es delincuente sexual registrado. Nicki se ha dado por aludida y ha contestado con una canción.

En ‘Big Foot’, Nicki compara a Megan con el mítico monstruo de pies grandes por supuestamente tener pies grandes (Megan mide casi 1,80 metros, su apellido artístico alude al caballo «semental»). Sobre todo, Nicki va directa a hacer daño mencionando reiteradamente a la «madre muerta» de Megan, tanto para acusar a Megan de «mentir jurando sobre su madre muerta», como para acusarle de acostarse con la pareja de su madre después de que esta falleciera («How you fuck your mother man when she die?»).

Nicki por supuesto se mete con el flow de Megan («tu flow es un aburrimiento») en otro punto de ‘Big Foot’, y desacredita a los Grammy (Megan ha ganado tres gramófonos dorados, Nicki todavía ninguno) por haberla premiado a pesar de que «su flow es un no».

En otros puntos de ‘Big Foot’, Nicki se entretiene disparando conspiraciones contra Megan y acusa a la autora de ‘Savage’ tanto de usar «compositores a la sombra» como de inventarse el disparo en el pie que sufrió en 2020 por parte de su pareja de entonces, el rapero Tory Lanez («¿te dispararon y no tienes herida?»), a pesar de que Megan demostró que efectivamente había sido víctima de un disparo publicando una gráfica imagen de su pie herido. También recrimina a Megan haberse «acostado con el hombre de su mejor amiga».

Nicki aprovecha los segundos finales de ‘Big Foot’ para dirigirse a Megan y, en un tono conversacional pero amenazante, declara que «ya que te parece divertido hablar de las familias de otros, todos nos apuntamos», y da a entender que habrá segunda parte de ‘Big Foot’. Megan no ha respondido a ‘Big Foot’ por el momento.

Britney Spears se disculpa a quienes ha «ofendido» con su libro

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Britney Spears se ha disculpado por «algunas» historias que aparecen relatadas en su libro de memorias, ‘The Woman in Me‘, aunque no ha nombrado cuáles.

En un extraño mensaje de Instagram, Spears pide «perdón por algunas cosas que he escrito en mi libro» y también por «haber ofendido a esas personas a las que realmente quiero». Spears acompaña su mensaje con un vídeo en el que Jimmy Fallon y Justin Timberlake aparecen tocando ‘SexyBack’ con The Roots en el programa del primero.

A continuación, Spears dice que está «enamorada» del nuevo single de Timberlake, ‘Selfish’, y también del segundo tema que Timberlake ha estrenado en Saturday Night Live, ‘Sanctified’. Y reflexiona: «¿Y cómo es que siempre que veo a Justin y a Jimmy juntos me río tanto?»

Con su mensaje, Spears puede estar mostrando su desacuerdo con el «troleo» de sus fans a Justin Timberlake, después de que estos hayan comprado en masa ‘Selfish’, el tema de Spears de 2011, un bonus track de ‘Femme Fatale’, para boicotear el lanzamiento del ‘Selfish’ de Justin. ‘Selfish’, el tema de Britney, ha alcanzado el número 1 global en iTunes gracias a la compra masiva de los fans de la cantante. Sin embargo, iTunes ya no es tan relevante como antes, y solo ‘Selfish’ de Timberlake ha logrado colarse entre los 200 temas más reproducidos en Spotify en los últimos días.

En ‘La mujer que soy’, Spears revela diversas informaciones acerca de la relación sentimental que mantuvo con Timberlake, algunas de las cuales han traído ríos de tinta. En la mayor bomba informativa de todo el libro, Spears revela que estuvo embarazada de Timberlake y que abortó el bebé por deseo del cantante.

Podcast: ‘La mujer que soy’ de Britney Spears

‘Pobres criaturas’: Emma Stone corre hacia el Oscar vestida de novia de Frankenstein

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Cuando Yorgos Lanthimos encontró al guionista Tony McNamara (‘Cruella’) las puertas de Hollywood se le abrieron de par en par a través de un inesperado anfitrión: Disney. De repente ese griego chiflado, cabeza visible del “nuevo cine raro griego” (Greek Weird Wave), que coleccionaba premios en Cannes con sus sátiras siniestras llenas de humor esquinado, comenzó a acumular nominaciones a los Oscar (10 con ‘La favorita’ y 11 con ‘Pobres criaturas’) y dinero en taquilla (de los 6 millones de ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ a los casi 100 de ‘La favorita’).

¿Se ha perdido algo de su personalísimo sello autoral por el camino? La sensación es que algo sí, por lo menos en cuanto a la profundidad psicológica, riqueza simbólica y capacidad subversiva de sus historias. Pero, a cambio, ha crecido un cineasta. El dominio y la creatividad en la puesta en escena que muestra Lanthimos en ‘Pobres criaturas’ son apabullantes, sobre todo por el contraste con la geométrica y bressoniana gramática de sus inicios.

La película es un prodigio de inventiva visual. El director refleja la transformación de la protagonista (una sensacional Emma Stone), su proceso de emancipación, su viaje hacia la liberación (sexual) de las cadenas del patriarcado victoriano, por medio de un formidable despliegue de recursos estilísticos: el uso de lentes deformantes, los juegos con el blanco y negro y el color, la utilización de decorados barrocos y fantasiosos (muy fellinianos), las trasformaciones de la vestimenta (el diseño artístico es una maravilla)… Sin olvidar la música deliciosamente extravagante del primerizo Jerskin Fendrix, que conecta muy bien con el espíritu rebelde y vibrante del personaje de Bella.

Todo este armazón audiovisual, con mucha estética steampunk, le sirve a Lanthimos para ilustrar la novela más célebre de Alasdair Gray. Un cuento neogótico, parábola feminista (el deseo sexual como fuerza revolucionaria) y fábula socialista (este aspecto ha sido reducido en la adaptación a apenas una mención de pasada), que acaba de ser reeditado por Libros Walden.

La relectura posmoderna que realiza Gray alrededor del mito de Frankenstein, llena de sorprendentes piruetas narrativas, está fantásticamente trasladada por el director griego. Una mezcla enormemente sugestiva de los códigos del cine de terror (la decisión de convertir al científico interpretado por Dafoe en doctor Moreau, Frankenstein y monstruo a la vez es fabulosa), la imaginería felliniana (estéticamente le debe mucho a ‘Y la nave va’) y de Terry Gilliam, el feminismo libertario (atención al personaje de Hanna Schygulla, la musa de Fassbinder), la comedia sexual y hasta el ‘Cándido’, de Voltaire.

La próxima película de Lanthimos, ‘Kind of Kindness’, de nuevo producida por Disney y otra vez con Emma Stone y Willem Dafoe como protagonistas, promete despejar las dudas planteadas en el segundo párrafo: el director recupera a Efthymis Filippou, su guionista habitual. ¿Funcionará la mezcla o será una unión “frankensteniana”, llena de costurones, entre Hollywood y el cine “raro” griego?

Sen Senra se hace grande en su misa particular

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Ainhoa Laucirica

Unos pocos asientos libres en grada han impedido a Sen Senra alcanzar el sold out en su primer Wizink sin restricciones, pero para el gallego esto no es lo más importante. Él busca algo más: “Qué te voy a contar mi neno, no te equivoques, no compares, porque una cifra no mide tu talento ni tu valía”, exclamó frente a su entregado público, consciente de que es uno de los mejores artistas de su generación y que, aun así, en un momento en el que parece que cualquiera puede hacerlo, no es capaz de agotar el recinto. Cuesta saber qué habría sido de la carrera del gallego si no hubiese coincidido con la pandemia, pero el sold out estaría asegurado. En cuanto a lo que se merece un concierto así, más de una fecha sería obligatorio.

Sen Senra actuó como sacerdote de una misa de 2 horas en la que primó tanto la elegancia como el minimalismo. Gabardina de cuero marrón, gafas negras y unos brillantes dedales de lujo adornaban su imagen. Este salió a la tarima con una actitud altiva y orgullosa, la cabeza bien alta, y se bañó en el vitoreo del público mientras calentaba el cuello lentamente. “Enanito”, se escuchó, y sí, pero con muchas agallas, porque todo el espectáculo era él. Con la excepción de un cruceiro y un piano, no había nada más en el escenario. Los tres músicos presentes, intencionadamente apartados en una esquina. En las pantallas, o salía él o no salía nada. Se nota que ha trabajado para que esto no resulte un coñazo.

Ainhoa Laucirica

‘Perfecto’, ‘Tumbado en el jardín viendo atardecer’ y ‘Taba Sucio’ se sucedieron sin parón, ganándose al público gracias a un envolvente sonido y una magnífica presencia. Irónicamente, cuando se paseaba por la pequeña pasarela que sobresalía, este se hacía más grande. Su disfrute, contagioso, y su imagen, magnética. Esto dio momentos como el de ‘Blue Jeans y Un Crop Top’, en la que el público se encargó de jalear, juzgando por las caras que ponía, un orgasmo de Sen Senra. Bailecitos, miradas, sorpresas y un repertorio inigualable, que abarcó toda su carrera e incluyó su último disco de forma íntegra, fueron clave para mantener el ritmo y la atención del público durante todo el show.

Todas las canciones suenan mejor en directo, pero existe una tendencia a tranquilizarlo todo que puede resultar excesiva para algunos. ‘Por Ti’ fue un íntimo dúo entre el público y una tenue guitarra, ningún rastro de un beat, al igual que ‘Ya No Te Hago Falta’, que hasta tuvo momento a cappella. Algo parecido ocurrió con ‘Nos Dará Alas’, con una guitarra que sonaba ahogada y compacta de más. Consciente de esto, el gallego se escondió algunos ases bajo la manga: una preciosa canción “que no va a salir nunca”, un inesperado y sorprendente invitado y un emocionante final. Además, una sopesada sucesión de canciones que inyectaba energía cuando era necesario, valiéndose de sus cortes más ‘reggaetonish’, y calmaba las aguas cuando tocaba.

Ainhoa Laucirica

‘Cielo Azul’, inédita y presentada de forma acústica al piano, es tan bonita que inspiró este comentario: “No he llorado porque se me caen las pestañas”. Sin embargo, el momento más inesperado llegó con ‘Familia’. “Hoy tengo mucha suerte, porque está con nosotros Juan Habichuela”. Instantáneamente, alguien se lamentó: “Queríamos a C. Tangana y viene este”, pero se comería sus palabras. Nieto del mítico guitarrista Juan Carmona ‘Habichuela’, fue el único invitado de la noche. En cuanto empezó a tocar la guitarra flamenca, nadie echó de menos a Pucho, y solo existía un sentimiento de agradecimiento a Senra por haber sacado al verdadero talento. La ovación fue estruendosa.

“Hay momentos que solo suceden una vez en la vida, es la cruda y hermosa realidad. No va a haber bis y os pido que viváis este momento como la última vez que nos vamos a ver aquí”, sentenció. En el momento justo, alguien lanzó la bandera de Galicia. A esta, le siguió la arcoíris. Un emocionado Sen Senra recogió ambas con orgullo, vistió el micro y terminó con una versión cañera de ‘No Se Preocupe’ y con miles de personas siguiendo, literalmente, el mantra de la canción: “El que no salte, se va pa’l hoyo”.

‘Mágica’ es el nuevo hechizo synth-pop de Amor Butano

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Amor Butano, el trío de synth-pop de Valencia, vuelve con un EP de cuatro cortes llamado ‘Te noto cambiada’ que saldrá en las próximas semanas. Elefant ha publicado un nuevo adelanto que se posiciona inmediatamente entre los mejores temas del grupo.

Afilando las tuercas de su sonido, tan deudor del pop de los años ochenta, ‘Mágica’ es un hit redondo de Amor Butano que mejora lo ofrecido en ‘Ultravioleta‘ entregándose a la pista de baile. Canción y producción suenan especialmente inspiradas en la Canción Del Día de hoy.

En ‘Mágica’, Amor Butano -el trío compuesto por Diego, Raquel y Sara- ofrece su mejor surtido de sintetizadores hi-NRG y synth-pop y, proyectando una de esas melodías «bubblegum» que también se les da, entrega una oda a la magia que habita en el interior de todos nosotros.

‘Mágica’ es oficialmente el primer adelanto del próximo EP de Amor Butano. Es de esperar por tanto que ninguno de sus singles publicados en 2023, ‘Géminis y Sagitario’ y ‘Planeta Venus‘, aparezca en el disco.

El videoclip de ‘Mágica’ está dirigido por Javier Artigas y Óscar Javier. «En el videoclip acompañamos a un chico mágico en su día a día», cuenta el grupo. «Bailes por casa, encuentros con amigas y una cita muy especial en el parque, todo eso y más en este viaje que vivimos a través de su mirada».

Rigoberta se arrepiente de ciertas entrevistas y avanza su 2º álbum

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Con motivo de su nominación a los Goya y sus últimos singles junto a Julieta Venegas y Pipiolas, Rigoberta Bandini ha concedido una entrevista a El País. De manera simbólica, la charla con Álex Vicente ha tenido lugar en el Ocaña, el bar en honor al performer LGTB+ donde la artista comenzó a actuar hace 4 años.

Rigoberta bromea sobre lo «intensa» que fue cuando anunció su retirada («necesitaba imponer una cronología, marcar el final de una etapa. En eso soy muy cuadriculada») y avanza cómo sonará el segundo álbum que prepara. Dice que tendrá «colores un poco diferentes»: «Me he liado, creo que va a ser un álbum largo, tengo como 45 temas, aunque pocos producidos. Mi manera de componer no ha cambiado, pero quiero jugar con mi voz y no cantar siempre de la misma manera».

De manera sorprendente, la artista no parece muy cómoda hablando con la prensa y afirma: «Los periodistas no sois muy amigos míos. No os tengo mucho cariño. Los que más me habéis dado por culo sois vosotros». En particular afirma que le dolió la polémica sobre si ‘Ay, mamá’ era una canción transfóbica por la referencia a las «mujeres que sangran» y se arrepiente de ciertas entrevistas: “Tal vez tuve que decir que no a más cosas. Soy ingenua en esto, y bastante natural, y me lancé con cada titular sin pensármelo mucho. Es lo que más me ha hecho sufrir. Si pudiera volver atrás, hay entrevistas que no hubiera aceptado. Por eso paré. Fue una manera de decir: “Me retiro, no me toquéis más los huevos. Ahora voy a decir que no a todo”.

También responde a las polémicas sobre si era una pija de Barcelona: “Mis padres han vivido toda la vida de alquiler. Por cuatro detalles se me quiso encasillar. Pero lo entiendo, yo también hago eso con los demás”. Y a sus creencias religiosas: «Me metí en ese jardín yo solita, pero creo que está bien que exista esta voz. La figura de Dios o de lo espiritual se la ha apoderado la derecha. Qué huevos… Lo que tú entiendas por Dios debería ser de izquierdas, porque está más conectado con otra forma de ver la vida. Al venir de contextos conservadores con alta religiosidad, quise poner bombas en esos sitios. Los escombros me explotan en la cara y me duelen, pero no me arrepiento. Es algo que me va a costar cambiar, porque creo mucho en ello».

Respecto a la referencia a Britney Spears de sus últimas letras, rehuye la comparación por edad, aunque no por fondo. «Ser el juguete roto de la industria musical lo vería complicado porque ya me siento muy señora. Pero si hubiera empezado un poco más joven, igual sí. Cuando voy a cualquier showroom no me entra ni una puta talla de las grandes marcas. He parido, tengo 33 años y estoy un poco de vuelta de todo, pero si tuviera 23 acabaría con un TCA como una catedral. No nos lo ponen fácil para estar sanas mentalmente”.

Podcast con Rigoberta Bandini (finales de 2022):

Reneé Rapp / Snow Angel

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Además de por la afición a la lectura de su actriz, el personaje de Rachel Berry (‘Glee’) era conocido por ser el máximo exponente de lo que se conoce como theatre kid -en España tenemos el equivalente de Thalía Garrido-. Reneé Rapp podría tener toda la energía de una theatre kid (llegó a ganar el Premio Jimmy por su papel en la representación de su instituto de ‘Big Fish’), pero el no tomarse demasiado en serio ha hecho que eso no termine de devorarla y, lejos de despertar recelo y antipatía en el gran público, parece que se lo está ganando cada vez más.

Estos días está de actualidad por el estreno del remake musical (las promos se empeñan en disimularlo, pero es un musical) de ‘Chicas Malas’, donde Rapp asumía el reto de reinterpretar a Regina George, a la postre el personaje más icónico de esa película, y al que ya llevaba años dando vida en Broadway. Y es que tanto música como interpretación van de la mano para ella: puede sonarte por su papel en la recomendable ‘La vida sexual de las universitarias’, pero inició su carrera musical (“es lo que siempre quise hacer”, dijo) hace un par de años con el EP ‘Everything to Everyone’, lanzando en 2023 este primer largo, ‘Snow Angel’ -que amplió a finales de año con una versión deluxe, por la que lo recuperamos ahora-. De hecho, a su paso por SNL hace unos días aprovechó para promocionar la película, pero también para promocionar su último single, ‘Not my fault’, una colaboración con Megan Thee Stallion no incluida en el disco y donde la invitada asegura ser “la Regina George negra”.

Pero ‘Not my fault’ no representa el tono general de ‘Snow Angel’. Lo más cercano serían algunos tramos de ‘Pretty Girls’ (¿a vosotros también os suena a ‘Love You Like That’, por cierto?) o ‘Talk Too Much’, pero en general el disco es mucho menos uptempo. Es, más bien, una colección de medios tiempos y de baladas, recordando en muchos momentos a Olivia Rodrigo. No en vano, el productor principal de ‘Snow Angel’ es Alexander 23, uno de los productores de ‘SOUR‘. Aquí, Alexander se reúne con Pop Wansel (que ha trabajado para Ariana Grande o Nicki Minaj), Jon Bellion (Christina Aguilera, Justin Bieber), Some Randoms (Kehlani, Lil Wayne) o Tenroc (Jonas Brothers, Tory Lanez), y le encontramos también en la composición junto a nombres como el de Justin Trenter, que ha escrito para Britney o Gwen Stefani.

El R&B, que a Rapp siempre le ha encantado, está también muy presente a lo largo del tracklist, siendo los ejemplos más claros ‘Willow’ de la versión deluxe (donde dice haberse inspirado por Frank Ocean) y ‘Tummy hurts’, con un estupendo estribillo entre la rabia y el patetismo: “they’d make beautiful babies / and raise ‘em up to be a couple of / fucking monsters, like their mother and their father / eventually, 2043 / someone’s gonna hurt their little girl like their daddy hurt me”. El remix de la versión deluxe con Coco Jones (otra que es un poco theatre kid) le da otro significado a la canción, haciéndola más típica como “tema empoderador de mujeres apoyándose”, y le quita la energía de perdedora de la original. Los coros de Jones le sientan muy bien, eso sí.

Salvo excepciones (como la pose de bad-bitch-pero-no-mucho de ‘Poison Poison’ y de la deluxe ‘Messy’, o la simplona ’23’, pese a tener una buena frase en “I hope that I can care less, but I’m afraid to care less”), la letra es uno de los puntos fuertes de Rapp. A veces recuerda incluso a Lily Allen, tanto por su timbre (‘Willow’, por ejemplo) como por ese punto irónico-resentido pero también sencillo: ya sea hablando de líos con chicas heteros (“You think that I’d be flattered / it’s pathetic cause you’re right” canta en ‘Pretty Girls’), de adicciones (‘Snow Angel’), del momento en que fue consciente de que sus padres iban a morir (‘I Wish’) o del fracaso de una relación en la que tenía puestas muchas esperanzas, con toda la intensidad de una theatre kid.

Hablamos de ‘The Wedding Song’, una de las destacadas del disco y un poco meta: va sobre otra canción, un tema que dedicó a su pareja pero que nunca llegó a sacar por la manera en que acabó todo, y lamenta que esa canción habría sido “perfecta para una boda” o para “que la pusieran en la radio hasta quemarla”, proyectando en ella su propia relación. ‘The Wedding Song’ la aleja de Rodrigo, la lleva un poco hacia Allen y, en definitiva, la acerca a un punto más particular y menos “parecido a”. Ése es uno de los defectos del disco, juntos a algunas demostraciones vocales más lovatonescas (‘Gemini Moon’, o ‘I Hate Boston’) y cortes como ‘Swim’ que recuerdan a la Tove Styrke más genérica. En cualquier caso, son defectos comprensibles en un debut, que pueden irse corrigiendo a medida que Rapp encuentre más su lugar como artista, y en ‘Snow Angel’ hay pruebas de que puede ser interesante seguir su camino.

‘La Mesías’ arrasa en los Feroz; los premios de cine se reparten

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La Mesías’ ha sido la gran ganadora de los Premios Feroz celebrados este viernes. No podemos decir que la serie se llevara todos los galardones a los que optaba, porque varios actores y actrices competían entre sí en las mismas categorías, pero sí es verdad que no hay categoría que se le escapara a la serie.

La serie de Javier Calvo y Javier Ambrossi ganó el premio a Mejor Serie Dramática, Mejor Guión, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz de Reparto. Los galardonados fueron Roger Casamajor, Lola Dueñas, Albert Pla e Irene Balmes, lo que dejó a Amaia, Carmen Machi, Ana Rujas, Macarena García o Biel Rossell Perfort sin estatuilla. La excelente ‘Poquita fe’ pudo arañar Mejor Serie de Comedia.

En cine, los premios estuvieron mucho más repartidos. ’20.000 especies de abejas’ fue la Mejor Película Dramática y ‘Robot Dreams’ la Mejor Comedia, pero el Mejor Director fue Bayona por ‘La sociedad de la nieve’ y el Mejor Guión fue para la notable ‘Upon Entry’, que recomendábamos recientemente precisamente hablando de sus posibilidades en los Feroz. ‘Cerrar los ojos’ de Víctor Erice es la gran damnificada del reparto, al irse sin nada cuando era favorita con 9 nominaciones.

En cuanto a actores, Malena Alterio, David Verdaguer, Patricia López Arnaiz y La Dani fueron los premiados en las categorías de cine. Esta, mejor actor de reparto por ‘Te estoy amando locamente‘, hizo un discurso visiblemente emocionada.

Como informa El País, varias personalidades han mostrado su apoyo a las 3 mujeres de la industria que han denunciado abusos sexuales y de poder del director Carlos Vermut desde la alfombra roja. Entre ellas, el ministro de cultura Ernest Urtasun, la vicepresidenta del gobierno Yolanda Díaz, así como Aitana Sánchez Gijón, Jedet, Carolina Yuste, José Coronado, Berto Romero, Brays Efe, Juan Antonio Bayona, Isabel Coixet, Javier Calvo y un largo etcétera.

Mejor película dramática
Cerrar los ojos, de Víctor Erice
Un amor, de Isabel Coixet
20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola
La sociedad de la nieve, de Juan Antonio Bayona
Upon Entry (La llegada), de Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vasquez

Mejor película comedia
Bajo terapia, de Gerardo Herrero
Las chicas están bien, de Itsaso Arana
Mamacruz, de Patricia Ortega
Robot Dreams, de Pablo Berger
Te estoy amando locamente, de Alejandro Marin

Mejor guion
Estíbaliz Urresola, por 20.000 especies de abejas
Isabel Coixet y Laura Ferrero, por Un amor
Víctor Erice y Michel Gaztambide, por Cerrar los ojos
Elena Martín Gimeno, por Creatura
Juan Sebastián Vásquez y Alejandro Rojas, por Upon Entry (La llegada)

Mejor dirección
Víctor Erice, por Cerrar los ojos
Juan Antonio Bayona, por La sociedad de la nieve
Isabel Coixet, por Un amor
Elena Martín Gimeno, por Creatura
Estíbaliz Urresola, por 20.000 especies de abejas

Mejor actriz protagonista
Laia Costa, por Un amor
Malena Alterio, por Que nadie duerma
Kiti Mánver, por Mamacruz
María Vázquez, por Matria
Carolina Yuste, por Saben aquell

Mejor actor protagonista
Alberto Ammann, por Upon Entry (La llegada)
Enric Auquer, por El maestro que prometió el mar
Hovik Keuchkerian, por Un amor
Manolo Solo, por Cerrar los ojos
David Verdaguer, por Saben aquell

Mejor actriz de reparto
Ane Gabarain, por 20.000 especies de abejas
Luisa Gavasa, por El maestro que prometió el mar
Patricia López Arnaiz, por 20.000 especies de abejas
Aitana Sánchez Gijón, por Que nadie duerma
Ana Torrent, por Cerrar los ojos

Mejor actor de reparto
La Dani, por Te estoy amando locamente
Luis Bermejo, por Un amor
José Coronado, por Cerrar los ojos
Oriol Pla, por Creatura
Hugo Silva, por Un amor

Mejor música original
Federico Jusid, por Cerrar los ojos
Zeltia Montes, por Que nadie duerma
Alfonso de Vilallonga, por Robot Dreams
Michael Giacchino, por La sociedad de la nieve
Nico Casal, de Te estoy amando locamente

Mejor cartel
Cristina Hernández Bernardo, por 20.000 especies de abejas
Sergio Pozas y Manolo Pavón, por Cerrar los ojos
Alejandro Llamas Sánchez por O Corno
Iñaki Villuendas y José Haro por Herman Muerte
José Luis Ágreda, por Robot Dreams

Mejor tráiler
Liviu Neagoe, por 20.000 especies de abejas
Elena Gutiérrez, por Cerrar los ojos
Miguel Ángel Anantonio, por Saben aquell
Harry Eaton, por La sociedad de la nieve
Mikel Garmilla, por Te estoy amando locamente

Mejor serie dramática
El cuerpo en llamas – Producida por Andrea Martínez, Ibón Cormenzana e Ignasi Estapé
El hijo zurdo – Producida por Domingo Corral, Fran Araújo, Alberto Félez, Cristina Sutherland y José Antonio Félez
La Mesías – Producida por Domingo Corral, Fran Araújo, Susana Herreras, Javier Calvo y Javier Ambrossi
Rapa – Producida por Domingo Corral, Susana Herreras y Alfonso Blanco
Selftape – Producida por Mireia Vilapuig, Joana Vilapuig, Iván Mercadé y Jaume Ripoll

Mejor serie de comedia
Citas Barcelona – Producida por Pau Freixas, Eric Navarro, Laura Fernández y Oriol Sala-Patau
Esto no es Suecia – Producida por Marta Baldó, Aina Clotet, Sergi Cameron y Marc Clotet
El otro lado – Producida por Fran Araújo, Susana Herreras, Xen Subirats, Laura Fernández Espeso, Toni Carrizosa, Javier Pons y Javier Méndez
Poquita fe – Producida por Fran Araújo, Ignacio Corrales y Pepe Ripoll

Mejor guion de una serie
Laura Sarmiento, Eduard Solá, Carlos López y José Luis Martín por El cuerpo en llamas
Rafael Cobos por El hijo zurdo
Javier Calvo, Javier Ambrossi, Nacho Vigalondo y Carmen Jiménez por La Mesías
Berto Romero, Rafel Barceló y Enric Pardo por El otro lado
Pepón Montero y Juan Maidagán por Poquita fe

Mejor actor protagonista de una serie
Javier Cámara por Rapa
Roger Casamajor por La Mesías
Raúl Cimas por Poquita fe
Patrick Criado por Las noches de Tefía
Quim Gutiérrez por El cuerpo en llamas

Mejor actriz protagonista de una serie
Úrsula Corberó por El cuerpo en llamas
Lola Dueñas por La Mesías
Ana Rujas por La Mesías
Macarena García por La Mesías
Esperanza Pedreño por Poquita fe

Mejor actor de reparto de una serie
Andreu Buenafuente por El otro lado
Chani Martín por Poquita fe como
Albert Pla por La Mesías
Biel Rossell Pelfort por La Mesías
José Manuel Poga por El cuerpo en llamas

Mejor actriz de reparto de una serie
Amaia por La Mesías
Irene Balmes por La Mesías
Carmen Machi por La Mesías
Tamara Casellas por El hijo zurdo
Julia de Castro por Poquita fe

‘Anatomía de una caída’: la verdad, qué más da

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Los franceses se han equivocado. Como cuando nosotros enviamos ‘Los lunes al sol’ por encima de ‘Hable con ella’, y en EEUU ignoraron a León de Aranoa pero acabaron nominando ellos (y premiando) a Almodóvar, este año Francia decidió no enviar ‘Anatomía de una caída‘ sino ‘A fuego lento’. En EEUU no son muy de Rosana y pasaron de esa peli, pero sí que les dio fuerte por ‘Anatomía de una caída’, y ha acabado nominada a CINCO Oscar (película, dirección, guión, actriz y montaje).

¿Por qué Francia hizo eso? Las malas lenguas cuentan que viene de lo ocurrido en el Festival de Cannes de este año. Allí se presentó ‘Anatomía de una caída’, que narra la historia de Sandra Voyter, una mujer que se ve señalada como sospechosa tras la muerte ¿accidental? de su marido, y que cuenta en el reparto con la excelente Sandra Hüller, pero también con el buen hacer de Samuel Theis, el niño Milo Machado (tremendo), Swann Arlaud o Jehnny Beth (sí, la líder de Savages). Y con su perro, por supuesto. Porque el perro se llevó la Palm Dog (sí, existe), en algo que complementa el gran triunfo de la película en esta edición: se llevó la codiciada Palma de Oro. ¿Y dónde está aquí el problema?

Por hacer un resumen: se organizaron manifestaciones y revueltas en varias zonas de Cannes como protesta por la subida de edad de jubilación a 64 años, y tanto directores como actores eligieron no mojarse y no mencionar nada de las protestas durante el Festival. Muchas veces nos tragamos políticas neoliberales por el miedo a la alternativa de ultraderecha (recordemos la fuerza de Le Pen en Francia), y podría haber sido también el caso de Justine Triet. Pero no. En su discurso de ganadora, la directora habló de la represión de Macron contra estas protestas, y criticó los recortes y las “medidas neoliberales” del gobierno francés, al que acusó de “mercantilizar la cultura” y destruir la “excepción cultural” de Francia. Ahí es nada. La Ministra de Cultura y varios diputados de Macron entraron al trapo y, casualidad o no, la película no fue elegida para los Oscar, pese al éxito internacional de crítica y público que estaba teniendo.

Y lo de los Oscar es solo lo más sonado. Además de esto y de la ya comentada Palma, ‘Anatomía de una caída’ viene de estar nominada a 7 BAFTA, de ganar dos Globos de Oro (mejor guión y mejor película extranjera) y de llevarse los cuatro premios principales de los EFA (película, director, guión y actriz). El de actriz es curioso, porque Sandra Hüller se convirtió en la primera actriz en ser nominada a los EFA por dos películas a la vez: iba con ésta y con ‘La zona de interés‘, y finalmente se lo llevó por la película de la que estamos hablando. Y no es para menos: uno de los pilares de ‘Anatomía de una caída’ es la impresionante interpretación de Hüller. Ya nos conquistó en ‘Toni Erdmann‘, pero aquí está todavía mejor, consiguiendo una muy difícil combinación: ser gélida y a la vez magnética. Tiene aún más mérito pasar el escrutinio cuando hablamos de un rol ante el que el espectador va a estar sobreanalizando cualquier gesto, porque – a priori – de eso trata la peli, de si ella es culpable o no.

Como podéis imaginar: no, no trata de eso. Justine Triet comentaba que quería abordar la cuestión legal con todos sus detalles pero sobre todo las relaciones de pareja y la convivencia, que lo legal era una excusa para “diseccionar cada aspecto de sus vidas”. Hacer el guiño a ‘Anatomía de un asesinato’ con el título y con que la caída sea la causa de la muerte tiene aún más sentido si piensas que la “caída” de la que Justine Triet está haciendo una autopsia es la caída de esta pareja. O, incluso, la caída moral de esta protagonista. Triet viene de la divertidísima ‘El reflejo de Sybil’ (muy recomendable si no la habéis visto), y ‘Anatomía de una caída’ supone un giro tremendo en el tono. Sigue parte del humor, por ejemplo en esos zooms, pero la película va por otros derroteros, haciendo las delicias de los amantes del cine de juicios… sin realmente ser parte de ese “cine de juicios”.

Porque, como decimos, el guión (escrito entre ella y Arthur Harari) usa el misterio de si lo hizo o no como un mcguffin. No estamos ante un drama judicial en sí, Sandra no es una inocente (¿o sí?) con quien queremos que se haga justicia, ni una culpable (¿o sí?) que queremos que se salve. No interesa cuál es la verdad, sino qué es la verdad. La verdad depende de la interpretación que le demos a la historia, de la imagen que tengamos de su protagonista, y de nuestros propios prejuicios y experiencias, y eso es lo más estimulante de ‘Anatomía de una caída’. Como se dice en un momento de la película, “a veces, cuando no sabemos si algo es verdad o no, lo que tenemos que hacer es decidir cuál es la verdad para nosotros”.

Triet juega con la verdad durante todo el metraje y, de hecho, se negó a responder a la propia Huller cuando le preguntaba una y otra vez en el rodaje si su personaje era culpable o no. “La Verdad”, como concepto, sobrevuela toda la película. Como el a menudo falso “juro decir la verdad, toda la verdad y nada más que la verdad” ante los tribunales, o como la canción de Fangoria. “La verdad, qué más da, quién la tiene y dónde está” es lo que podría cantar Triet (y González Sinde) presentándonos esta historia. Qué más da la verdad, desde luego, cuando te sale un peliculón.

Cuando Martiño Rivas perdió el culo de Bad Gyal

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Natalia Cornudella

Bad Gyal ha publicado este viernes el que se considera misteriosamente su disco de debut, 8 años después de ‘Fiebre’ y aquella mixtape que tanto circuló, ‘Slow Wine’.

De marcado carácter comercial y promocionado en ‘El Hormiguero’, el álbum parece buscar sobre cualquier otra cosa justificar su fichaje por la multinacional Interscope. Prima sobre todo su intención comercial, visible en la recuperación de ‘Chulo pt 2’ con Tokischa y Young Miko, en las colaboraciones con Quevedo, Myke Towers o Anitta, o en la promoción de singles nuevos como ‘Give Me’.

Una vida larga en las listas españolas parece garantizada para el álbum, que presenta nuevos aciertos melódicos, propios de esta experta en barras muy llamativas.

‘Perdió este culo’, nuestra Canción del Día para este sábado, es el nuevo single que promociona ‘La Joia’ en su semana de salida, y para ello se ha rodado un vídeo promocional. Si Bad Gyal está cantando a un hombre tan tonto como para perder “su culo”, ese hombre despechado en el videoclip no es otro que el actor Martiño Rivas, muy popular por su participación en series como ‘El Internado’ o ‘Nacho’ y películas como ‘3 bodas de más’.

La producción medio dembow medio reggaeton junto a Mag es sencilla, depositando en Bad Gyal la responsabilidad de estructurar varios estribillos.

¿Cuál es el gran gancho de ‘Perdió este culo’? ¿Qué frase se cantará más alto en esa gira por arenas que aguarda?
-¿El de “cada vez que entro al club ponen algo mío”?
-¿El de “yo por ti ya no me rayo más”?
-¿El de “Ni desnuda ni con ropa vuelvo a tu cama”?
-¿El de “te creíste muy guay”?
-¿El de “quien ríe último, mejor reíra”?

Nicki Minaj, cabreada con ‘Hiss’ de Megan Thee Stallion, estalla

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Megan Thee Stallion tiene un nuevo single llamado ‘Hiss’. El tema empieza mencionando ‘Obsessed’ de Mariah Carey y apela a R Kelly, pero sobre todo es un «que os jodan a todos» desde la primera línea, con una frase que ha sentado muy mal a Nicki Minaj, quien ha estallado.

La frase en cuestión es «These hoes don’t be mad at Megan, these hoes mad at Megan’s Law». Es decir, «estas putas no están enfadadas con Megan, estas putas están enfadadas con la Ley de Megan». ¿A qué apela este juego de palabras con el nombre de la artista? Sin duda a la Ley de Megan estadounidense, según la cual las personas con antecedentes en delitos sexuales tienen que notificar en todo momento a los Estados Unidos un cambio de dirección.

El marido de Nicki Minaj, Kenneth Petty, que se declaró culpable de un intento de violación a los 16 años, se la saltó hace pop. No notificó un cambio de dirección cuando se mudó con Nicki, y en 2022 fue condenado a un año de arresto domiciliario.

Como os podéis imaginar, Nicki no ha tardado en responder a través de un directo de Instagram y Twitter, donde está reposteando de todo. Ha improvisado un tema de respuesta del que ha colgado un fragmento, se ha burlado del tamaño de los pies de Megan Thee Stallion y ha hecho varias afirmaciones despectivas sobre su carrera.

Como recopilan Pop Crave y Pop Base, ha posteado sus singles y discos de platino recientes por ‘Pink Friday 2‘, recalcando que la carrera de Megan es “flop tras flop” a pesar de “pagar blogs y tuits» y a pesar de haber gastado mucho dinero «en promoción y actuaciones en los VMA’s».

Otra de sus perlas ha sido: “Llama a todos los ghostwriters que quieras. Sabes que caerás por tu propio pie porque todavía tienes que aprender a rapear y eso es un problema”.


Nebulossa, Ariana y Kali Uchis, podio de la semana en JNSP

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Nebulossa recuperan el número 1 de JENESAISPOP. En X vuelven a ser lo más votado con el 40% superando ‘yes and?’ de Ariana Grande, que ha obtenido el 38% de los votos y por tanto pasa al puesto 2. La entrada más fuerte es la de Kali Uchis (con Peso Pluma), destacando también el buen funcionamiento de Jamie xx, Allie X y Adrianne Lenker, todos ellos en el top 10. Delaporte con Alice Wonder, Kim Gordon, Groupthink y TRISTÁN! con rusowsky se cuelan en el top 40.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 1 5 Zorra Nebulossa Vota
2 1 1 2 yes, and? Ariana Grande Vota
3 3 1 Igual que un ángel Kali Uchis, Peso Pluma Vota
4 4 4 2 Can’t Get Enough Jennifer Lopez Vota
5 5 1 It’s So Good Jamie xx Vota
6 6 6 2 J CHRIST Lil Nas X Vota
7 7 1 Off With Her Tits Allie X Vota
8 7 2 5 Qué más da Rigoberta Bandini, Julieta Venegas Vota
9 15 9 2 C’est la vie Mika Vota
10 10 1 Sadness As a Gift Adrianne Lenker Vota
11 10 10 2 Spinning Julia Holter Vota
12 11 1 10 Houdini Dua Lipa Vota
13 12 5 5 Dos Extraños st Pedro Vota
14 13 5 9 Oral Björk, Rosalía Vota
15 16 15 2 ENAMORADODE Chico Blanco Vota
16 5 5 3 Solo Mai Paola & Chiara Vota
17 8 7 6 YO TENGO UN NOVIO Lola Indigo, La Zowi Vota
18 18 1 Ángel caído Delaporte, Alice Wonder Vota
19 19 1 BYE BYE Kim Gordon Vota
20 14 14 2 Ligera como el aire Christina Rosenvinge Vota
21 23 9 4 Give Me Bad Gyal Vota
22 22 1 Dancing On My Grave Groupthink, KennyHoopla Vota
23 39 23 2 Adore Adore Adore SPRINTS Vota
24 29 22 3 Migajas Apartamentos Acapulco Vota
25 19 4 9 Poema de la pasión Christina Rosenvinge Vota
26 24 14 4 Hadsel Beirut Vota
27 18 1 8 ¿Dónde estás? Stella Maris Vota
28 26 9 5 El amor Confeti de Odio Vota
29 33 7 9 La carretera nocturna Triángulo de amor bizarro Vota
30 37 1 8 Melocotón Tulsa Vota
31 3 3 6 Fangos Karmento Vota
32 32 1 CELL TRISTÁN!, rusowsky Vota
33 21 20 3 El Condenao Lola Indigo, Maka Vota
34 22 2 4 Iparraldera Izaro Vota
35 32 22 4 Amen M.I.A. Vota
36 9 6 5 Allá arribita Rodrigo Cuevas Vota
37 20 2 8 Dime mentiras Papa Topo Vota
38 25 4 5 x eta besteak IZARO Vota
39 27 4 5 Algo que nos haga felices Cómo vivir en el campo Vota
40 30 8 11 Caras nuevas Adiós Amores Vota
Candidatos Canción Artista
Un tragaluz Viva Belgrado Vota
Say It Like You Mean It Sleater-Kinney Vota
Real Power Gossip Vota
Selfish Justin Timberlake Vota
One Night/All Night Justice, Tame Impala Vota
ORO Bravo Fisher! Vota
El lago del alma Rojuu Vota
Lindo lindo TOLEDO Vota
Discount De Kooning The Vaccines Vota
Lo que fuera Carlos Sadness, Ximena Sariñana Vota

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Future Islands: «En EE UU no votan por ti, votan en contra del otro»

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Frank Hamilton

Hace diez años se hizo viral la desbordante interpretación de Sam T. Herring al frente de Future Islands en el show de David Letterman. Un tipo fuertote y ágil, sobriamente vestido, pasaba de cantar arrebatado a vociferar poseído entre aspavientos ‘Seasons (Waiting for You)’, una canción maravillosa, mientras el resto de la banda permanecía impasible. Para muchos esa fue la carta de presentación de Future Islands y también supuso el descubrimiento de su nuevo grupo favorito: ven por nuestro carismático cantante, quédate por los temazos de synth-pop. Y es que ‘Singles’, el tercer disco de Future Islands, los tenía a patadas. Fue uno de los mejores discos de 2014, si no el mejor.

Diez años han pasado ya. Parecía que la estela de ‘Singles’ se iba debilitando. ‘The Far Field’ y ‘As Long as You Are’ eran buenos discos, pero no tan brillantes. Ahora han vuelto con brío renovado. Por un lado, tenemos el fenomenal rescate de ‘Light House’ en ‘Titane’ de Julia Ducournau, donde la canción reina en la escena clave de la película. Y ahora llega su nuevo disco, ‘People Who Aren’t There Anymore’, que recupera la fórmula de ‘Singles’ y alcanza casi el fulgor de su obra maestra.

El pasado mes de diciembre entrevistamos a Sam vía Zoom sobre este regreso, pandemias, adioses, gente que ya no está y, claro, ‘Titane’. Sam es un entrevistado extenso y eso hizo que la media hora se consumiera en pocas cuestiones, así que me quedé con las ganas de preguntarle por décimos aniversarios de actuaciones virales míticas. Pero también es una persona emocional y encantadora de voz balsámica, con la que da gusto charlar. Y lo mejor de todo es que dice acordarse de mí y de nuestra entrevista anterior…

Mi primera pregunta es sobre el título del disco, porque es muy explícito: ‘People Who Aren’t There Anymore’ (gente que ya no está ahí). ¿A quién está dedicado? ¿A las víctimas de la pandemia, las guerras, la violencia armada? ¿O a la gente que, simplemente, desaparece de tu vida?
De alguna manera habla de todas esas cosas, nos habla a cada uno de manera individual, de diferentes maneras. Y, por esa razón, creímos que era un buen título para el disco. Para mí, trata de las relaciones que tenemos y de la gente que desaparece de nuestras vidas, gente con la que estábamos conectados y con la que luego ya no hay relación, gente con la que has hecho planes y a la que no vuelves a ver más. Creo que para Mike va de las personas a las que perdió durante la pandemia y del miedo a la muerte que esta trajo. Creo que para Gerrit va de ser padre por primera vez y del miedo a no poder estar ahí con su bebé. Pero, a la vez, a él la pandemia le dio tiempo para poder estar, tiempo que no habría tenido si hubiéramos estado de gira como solemos. Y para William, creo que habla más de él mismo, de que hace diez años era una persona diferente a la de ahora.
Ya no somos nuestros yo del pasado, ya no somos esa gente nunca más. Todos hemos proyectado nuestros propios sentimientos en ese título. Y esperamos que el público se conecte y lo comprenda cada uno a su manera. Y eso es algo bonito, crear ese lazo a través del título… Pero el título viene de la autora de la portada, Beedallo. En realidad, es el título de otra de sus pinturas, así que le preguntamos: “¿podemos usar esta pintura… pero este título?” (risas). Por suerte, es una gran fan del grupo.

Precisamente iba a preguntar por el significado de la ilustración de la portada, porque ofrece un mensaje potente: cuatro mujeres, que pueden ser la misma, con las bocas y las cabezas tapadas por sus manos.
Esa ilustración en particular llegó más tarde durante el proceso de creación del álbum. Había varias ilustraciones que me atraían, pero esta no me golpeó al principio. Pero cuando ya tuvimos el título del disco volví a mirar su trabajo y esa me pareció nuestra portada. Es increíble, porque tiene esa imagen icónica tan potente, ves que tiene una cualidad simétrica y, a la vez, hay elementos que aparecen y desaparecen: la figura central no tiene cara. Es como que hay cosas que se desvanecen en esas personas. Pero, una vez más, como sucede en el arte, cada uno podemos aplicar nuestros sentimientos, mensajes e historias. Y yo estaba en plan: “Hummm, ¿puede ser que sean mis exnovias? ¿¿¿Puede ser que estén todas mis exnovias en la portada???” (risas). Pero también está esa cosa de la gente que desaparece, esa gente cuyas caras vemos frecuentemente y, un día, sus caras empiezan a desvanecerse. De esa gente cuyas voces ya no podemos oír nunca más porque sus bocas están tapadas, o porque han fallecido. Las figuras de la portada tienen ese movimiento, como si estuvieran huyendo, como si nos estuvieran abandonando. Hay movimiento en ellas… La verdad, dudo que hubiéramos encontrado una imagen y un título más perfectos para el disco.

En 2020 te pregunté si ‘As Long as You Are’ era vuestro disco más melancólico y, si lo comparo con este… creo que sí lo es. Porque a pesar del título, ‘People Who Aren’t There Anymore’ desprende esperanza. ¿Era esa la idea? ¿Hacer un disco que transmitiera esperanza, a pesar del título?
Nunca nos planteamos hacer un disco que sea de una manera determinada. Los discos y las canciones son simplemente reflejos de en qué punto de nuestras vidas estamos en ese momento. Me alegra escucharte decir que notas la esperanza en este disco, porque he escuchado las dos cosas, porque he hablado con amigos que se preguntaban dónde estaba la esperanza [en el álbum], que estaban pasando por alto el optimismo que hay. Para mí, la historia de cualquier viaje en esta vida, es que si todavía vamos hacia un final, eso es la esperanza. Y es el optimismo de que atravesamos por esas dificultades en nuestras vidas, pero que seguimos tirando para adelante. Para mí, una gran esencia de nuestra música es intentar compartir historias duras y oleadas de emoción, pero manteniéndonos firmes en mostrarnos a nosotros mismos y mostrar al público que puedes pasar por todas esas cosas, pero no tienes por qué sentirte solo, no tienes por qué pensar “es el final y todo se ha terminado”, sino que el final es un nuevo principio, hablando del ciclo natural de la vida, de las emociones, de la naturaleza de las relaciones.

Eso significa que este disco realmente gira alrededor de la dificultad durante la pandemia de estar lejos de la gente que queremos, y luego la secuela de ello, que aparece en mitad del disco, que es perder realmente esa gente. Y nos lleva de vuelta al jardín: ‘The Garden Wheel’ [la última canción] nos saca fuera de la habitación en la que hemos estado encerrados durante años por la pandemia. Y estamos finalmente de vuelta en el jardín, viendo las flores brotando de nuevo en la tierra, viendo de nuevo el ciclo de la vida. Así que hemos pasado por este periplo, pero ahora estamos aquí, viendo las cosas crecer otra vez y sintiendo que un nuevo viaje empieza. Así que encuentro mucha esperanza en esto. El optimismo que encierra es que seguimos y aceptamos que la vida es esto y que no estamos al mando.

El anterior disco era más social, pero en este otro de los temas principales es el amor, ¿no? Echar de menos a tus seres queridos, ya sea por la pandemia, como has dicho, o por estar de gira.
Ese es un tema que realmente atraviesa muchos de los discos de Future Islands, ya que lo que escribimos es reflejo de nuestras vidas, y gran parte de nuestras vidas durante los últimos 15 años la hemos pasado en la carretera, lejos de la gente que queremos y perdiéndonos acontecimientos de las vidas de nuestras familias y amigos. Y eso también es una parte del título del álbum: ser las personas que no estamos aquí para la gente que nos necesita. Pero de dos maneras diferentes. Normalmente no estamos cerca porque trabajamos, pero por la pandemia tampoco estábamos cerca porque nadie podía estar cerca, así que no trata solo del grupo: es la pérdida colectiva de todo el mundo, ese daño que sufrimos todos, esa cosa que nos apartó de nuestros amigos y familias, esa distancia y entender cómo esa distancia desgarra a la gente. Eso está en nuestra música y en este disco.

¿Estabais de gira mientras grababais el disco?
Escribimos y grabamos unas siete de las canciones antes de empezar a girar de nuevo, a lo largo de 2020 y 2021. Luego las últimas cinco canciones fueron escritas y grabadas después de nuestra primera gira de vuelta de la pandemia, que fue en septiembre y octubre de 2021. Y después de eso, se escriben las últimas cinco canciones, que son ‘The Sickness’, ‘Iris’, ‘Corner of My Eye’ y ‘Garden Wheel’. ‘Garden Wheel’ la empecé a escribir en Copenhague, y la acabé en Toronto. Nos pusimos a grabar hacia la mitad del 2022… nos llevó un rato lograr juntar todo el disco (risas).

«ser capaz de decir “gracias” es ser capaz de apreciar una vida vivida»

Preguntaba lo de la gira porque el disco transmite mucho esa energía del directo. Quería saber si el hecho de que los prepararais durante una gira ha influenciado a la manera que suena.
Bueno, de alguna manera sí. La gran cosa de este disco es que se ha escrito y grabado durante dos años y medio. Normalmente los discos que hemos hecho los hemos compuesto y grabado en un año. Así que estás recopilando las emociones de un período de unos seis o siete meses. Y en este disco el período se ha extendido más allá. Así que estábamos juntando esas emociones desde diferentes puntos. Y siento que muestra un espectro y un movimiento mucho más amplio que ‘As Long as You Are’ y ‘The Far Field’, porque estaba capturando muchos estadios diferentes de la pérdida, la aflicción, de la recuperación y de ganar fuerza otra vez durante un período de dos años y medio o tres años.

De hecho, este es el primer disco al que no le han afectado demasiado las giras porque gran parte se escribió en la pandemia. Realmente es un disco atípico, porque a nuestros discos siempre les han afectado las giras, y eso implica que en algún punto de esas giras debemos averiguar cuál es el momento de empezar a componer, y averiguar, también, si tendremos la energía de componer después de llegar a casa tras dos meses de gira. Pero esta vez simplemente estábamos en casa. No podíamos estar juntos, claro, pero estábamos en casa, en nuestros espacios individuales componiendo. Y cuando finalmente nos juntamos por primera vez fue como: “guau, estamos juntos en la misma habitación, esto es nuevo” (risas). Es como que algo que era tan normal se había transformado en algo extraño: ser capaces de estar juntos. Y te das cuenta de cómo dabas por hecho esas cosas, y te das cuenta de lo afortunado que eres por trabajar en esto. Esto es algo que la pandemia nos dio, esta revelación: “hey, haces esto para ganarte la vida”. Así que cuando regresa [tu rutina] estás en plan: “echaba esto de menos, lo necesitaba”. Ves cómo el público también lo necesita, y sientes este sentimiento colectivo otra vez, porque cuando dejamos la carretera en 2018, estábamos un poco quemados y cansados. Luego sacamos ‘As Long as You Are’ y no pudimos actuar por la pandemia. Cuando por fin volvimos a actuar habían pasado tres años. Y de repente volvimos a sentir toda esa riqueza de emociones, y compartimos la tristeza con el público y, a la vez, recuperamos la fuerza con el público: estamos juntos otra vez en un recinto con una sensación increíble.

La gran balada del disco es ‘Corner of my Eye’, en la que das las gracias a alguien. ¿A quién va dedicada? Porque es muy emotiva, la que más.
A mi exnovia. Rompimos durante la pandemia por la distancia. Ella estaba en Suecia, yo en Estados Unidos, no podía ir donde ella por el cierre de fronteras, así que estábamos separados a la fuerza. Pude arreglármelas para volver un par de veces a finales-principios de 2020 y 2021, pero me tenía que ir de nuevo porque no tenía la residencia. Cuando la pandemia se iba aproximando a su fin, hacia finales de 2021, rompimos. Las emociones que habíamos pasado durante todo ese tiempo que habíamos estado separados nos afectaron cuando estábamos juntos. Como si todo ese dolor y todo lo que hicimos para aferrarnos se hubieran vuelto demasiado grandes, y hubieran afectado nuestra relación al completo. Esa canción va de tener que dejar ese lugar y volver a casa, va de tener que decir adiós a un lugar al que llamabas hogar y una persona en que encontrabas paz, y aceptar que eso está bien. Y ese es el motivo de dar las gracias porque, en realidad, quieres decir justo lo contrario a “gracias”. Todo lo que quieres decir es “¿por qué lo hiciste? ¿Por qué no pudiste aguantar?”. Pero ser capaz de decir “gracias” es ser capaz de apreciar todos los momentos bellos y apreciar una vida vivida… Y me voy a emocionar ahora mismo [se le quiebra la voz y sí, Sam se emociona]. Y tengo que decirte “gracias” porque no te puedo traer conmigo, y no te puedo obligar a venir conmigo. He de seguir adelante, lo que significa decir que nunca… Esta es la misma persona para quien compuse ‘For Sure’ de ‘As Long as You Are’. “Nunca te impediré abrir una puerta” [NdR: es uno de los versos de ‘For Sure’]. Esa persona dijo que se quería ir. No le puedo hacer cambiar de idea. No puedo retenerla. Así que la dejé ir y le doy las gracias por el tiempo que tuvimos.

Vaya, qué triste…
¡Es muy triste! (risas). Pero eso es la música de Future Islands. Y eso es la vida.

Bueno, tengo ahora una pregunta política. En 2020 te mostraste muy duro con la figura de Donald Trump. Ya no es presidente, pero la amenaza sigue. ¿Temes que pueda volver o crees que, a pesar de toda la propaganda, ya es una cosa del pasado?
Desgraciadamente, Estados Unidos tiene un sistema muy estúpido de dos partidos, y hay una gran probabilidad de que sea reelegido. Y si no es él, hay una buena probabilidad de que algún otro republicano salga elegido. Y todos ellos me aterran. Y lamentablemente, siento que los demócratas tampoco protegen a la gente lo suficiente. No hay suficiente protección o representación en el sistema político americano, porque es un sistema bipartidista. Siento miedo por mi país en general cuando se acercan las elecciones, porque no creo que la gente confíe completamente en las personas a las que votan. En Estados Unidos no votan por ti, votan en contra del otro. Siento como que he de votar el menor de dos males en vez de votar al mejor candidato, porque solo puedes escoger entre dos. Como decía mi abuelo: “simplemente vota por quien te vaya a joder menos” (risas).

Y creo que eso es todavía pertinente a día de hoy. Hay gente que deberíamos jubilar, necesitamos más gente joven, gente que represente de verdad lo que es este país… No sé, tengo tantas sensaciones sobre esto… porque en mi país los medios alimentan a la gente con lo que quieren escuchar. Y a veces ese algo es odio, rabia y miedo. Mucha gente sale elegida porque crean miedo. Y esto no es correcto. Estás mintiendo sobre lo que es real, así que mucha gente que no tiene contacto con diferentes culturas y con diferentes tipos de personas se refugian en su miedo, en su odio y en su rabia, y ni siquiera saben a qué temen. O simplemente, la televisión les ha dicho que han de tener miedo. Así que tienen miedo y votan según ese miedo. Esto es algo muy de este país.

«Siento que los demócratas tampoco protegen a la gente lo suficiente»

Me temo que ese es un problema generalizado en el primer mundo, no solo en Estados Unidos. Cambiando de tercio, ahora vienen las preguntas cinematográficas. Has actuado en la serie ‘The Changeling’. ¿Ha sido la primera vez que actúas o ya habías actuado antes?
No. Ha sido mi primera vez. A ver, en la universidad participé en pelis amateurs para amigos que estudiaban cine, pero eran cortos malísimos, sin guiones ni nada. Así que esta fue mi primera vez actuando de verdad, con un guion de verdad y con otros actores. Fue muy divertido, disfruté mucho del proceso de actuar. La parte que no ves cuando miras series o películas es la parte más dura del trabajo, que es estar esperando a poder hacer tu parte. Muchas veces tienes que estar en el estudio durante doce horas al día y trabajar solo 30 minutos, eso durante meses. Y eso me volvía loco, porque yo estaba en plan “¡quiero hacer mi parte ya!”. Pero era divertido ser capaz de actuar con otra gente, aprender un nuevo oficio. Sobre todo porque estoy a punto de cumplir los 40, y es un nuevo tipo de experiencia, un oficio nuevo, una nueva perspectiva a estas alturas de mi vida. Creo que me dio fuerzas cuando las necesitaba.

La canción ‘Light House’ apareció en la BSO de ‘Titane’ de Julia Ducournau. ¿Viste la película?
Sí, la vi.

¿Qué sentiste cuando oíste tu canción, que además aparece en una escena muy importante?
Me voló la cabeza que usara la canción entera, que es algo muy inusual. Para mí la película es muy intensa. Realmente tiene dos caras. La primera mitad, donde sale esta persona que es muy destructiva, una homicida maníaca. Esta primera mitad es muy visceral y extraña, te da casi miedo mirar.

Y luego está la segunda mitad. Trata de una extraña relación de padre e hijo. Pero también es una historia de amor y de gente perdida. Y ‘Light House’ funciona como el giro emotivo en el film. Es el momento cuando esa persona que te aterroriza se convierte en alguien que ves que también es un niño asustado. Y es en ese momento que lo aceptan en ese lugar, y llega la calma. Es una escena muy hermosa en una película realmente jodida (risas). Fui a verla con Mike, nuestro batería, y durante los 30 primeros minutos estábamos en plan “¡Oh, Dios mío!”. Y entonces cuando sale la canción nos empezamos a dar codazos en plan “¡cómo mola!”. Creo que es un uso hermoso de la canción, además en un momento muy importante de la película. Da la sensación que ella debió rumiar esta idea durante mucho tiempo. En plan “tengo la canción perfecta para la escena perfecta”, porque para mí es muy impactante.

Para nosotros también fue impresionante, porque no estábamos tocando esa canción en aquel momento. Había sido una canción esencial en nuestros setlists entre 2014 y 2015, pero hacía años que no la tocábamos ya. Y cuando volvimos a tocar de nuevo tras la pandemia y volvimos a Europa, en Francia estábamos en plan “tenemos que tocar ‘Light House’, porque sale en esta película francesa y parece que a la gente le gusta”. Y la gente la reconocía y era realmente emocionante. Así que la volvimos a tocar una y otra vez, reconectando con ese sentimiento. Esta fue una de las primeras canciones que compuse y que sentí que la gente respondía a ella de verdad fuera del escenario porque… es una canción sobre el suicidio, sobre la gente que nos apoya en esos momentos en que no queremos estar en la Tierra, esa gente que nos mantiene alejados de esos momentos, que te dice: “no vayas allá, tú eres luz. Quédate con nosotros”. Así que va de eso. Y ser capaces de regresar, tocar esa canción de nuevo, fue importante para nosotros y para el público. Así que estoy muy contento, creo que la directora y la película le han dado a la canción una segunda vida.

Liam Gallagher y John Squire, optimistas frente al desastre

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Liam Gallagher y John Squire, cumpliendo el sueño de tantos fans de Oasis y The Stone Roses, han grabado un álbum conjunto que se pondrá a la venta el 1 de marzo.

NME comparte los detalles que faltaban por conocerse de este disco firmado a dos manos entre Gallagher y Squire y que no tendrá título.

Estos detalles son, en primer lugar, la portada del disco, un bodegón de productos de limpieza, cosmética y plásticos varios y, en segundo, la secuencia oficial, compuesta por 10 pistas. La pista final se titula ‘Mother Nature’s Song’, casi como aquella canción de MGMT que «se inspiraba en Oasis».

‘Mars to Liverpool’ es el segundo single del álbum y ya está disponible, revelando un sonido más luminoso y menos psicodélico que el del primer adelanto, ‘Just Another Rainbow’. En ‘Mars to Liverpool’ manda un sonido vitalista, marcado por el sonido de unas guitarras que recuerdan tremendamente al trabajo de The Stone Roses.

En contraposición con la energía optimista de ‘Mars to Liverpool’, Liam canta una letra atormentada basada su propio «autodescubrimiento» personal. Liam, de resacón emocional después de una noche de la que se arrepiente, se disculpa con alguien con quien estuvo a punto de consolidar una relación, pero no pudo ser, y pide pasar cuanto antes «de Marte a Liverpool»: parece que no termina de dar con la tecla adecuada para meterse a esa persona en el bolsillo, pero no desiste.

Así queda el tracklist del disco:
01 Raise Your Hands
02 Mars to Liverpool
03 One Day At a Time
04 I’m a Wheel
05 Just Another Rainbow
05 Love You Forever
06 Make It Up As You Go Along
07 You’re Not The Only One
08 I’m So Bored
09 Mother Nature’s Song

Yo La Tengo, Johnny Jewel… en Primavera a la Ciutat 2024

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Primavera Sound ha revelado el cartel de Primavera a la Ciutat, la siempre interesante programación musical de Primavera Sound que sucede paralelamente al festival diseminada en distintas salas y locales de Barcelona. JENESAISPOP es medio colaborador de Primavera Sound un año más.

Si Primavera Sound tendrá lugar del 29 de mayo al 2 de junio, los conciertos de Primavera en la Ciutat podrán disfrutarse desde el 27 de mayo hasta el mismo 2 de junio repartidas en Sala Apolo, La (2) de Apolo, Razzmatazz, Paral·lel 62, La Nau y LAUT.

Entre los nombres de Primavera a la Ciutat destaca el de Yo La Tengo “tocando versiones” y también encabezan la programación The Chamaleons, American Football, The Lemon Twigs, autores de uno de los mejores discos de 2023; Dorian Electra, Él Mató a un Policía Motorizado, The Mountain Goats y hasta dos nombres asociados a Italians Do It Better, el mismo Johnny Jewel y Desire. Un cabeza de cartel tachado quedaría por confirmar en el día 29.

Igualmente quedan confirmados Abstract Concrete, Model/Actriz, Les Favy Sav, Armand Hammer, Sandra Monfort, Royel Otis, TRISTÁN, Water from Your Eyes o Mandy, Indiana.

El acceso a los conciertos de Primavera a la Ciutat está sujeto a limitaciones de aforo y funcionará con un sistema de reservas para poseedores de abono por un importe reembolsable de 10 euros. Además, un pequeño cupo de entradas se pondrá a la venta para todas aquellas personas que no tienen abono. El proceso de reservas y venta de entradas se habilitará próximamente.


El banger rockero de FLETCHER te «guía» hacia su nuevo disco

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Entre las artistas que estrenan música hoy se encuentra FLETCHER. La superestrella de Nueva Jersey, autora de éxitos millonarios en plataformas de streaming como ‘Undrunk’, prepara el lanzamiento de su segundo álbum de estudio. ‘In Search of the Antidote’ sale el 22 de marzo.

Después de ‘Eras of Us’, un tema, sí, inspirado en la gira de Taylor Swift, FLETCHER entrega un single aún mejor. ‘Lead Me On’ exhibe la faceta dramática de Cari Elise Fletcher en un banger rockero que remite a los inicios de Kelly Clarkson y Avril Lavigne. Vocalmente, Fletcher se luce como nunca, entregando una melodía igual de «torturada» que la letra.

Porque si algo sabe hacer el rock como pocos géneros musicales es transmitir la sensación de tormento que pueden ser las relaciones amorosas. En ‘Lead Me On’ FLETCHER persigue a su persona amada, pero esta continúa huyendo. «Yo nací para quererte, tú naciste libre y salvaje», canta. A FLETCHER no le queda otra que arrastrase, suplicando a la persona amada que le «guíe» allá dónde esté. Prefiere que le dé migajas a «nada en absoluto».

Os recordamos que FLETCHER presentará ‘In Search of the Antidote’ en España el próximo mes de abril, además, después de haber ampliado recintos. Las fechas son el 3 de abril en el Palacio de Vistalegre de Madrid y el 4 de abril en el Sant Jordi Club de Barcelona.

FLETCHER ha sido noticia recientemente por revelar que ha contraído la enfermedad de Lyme, motivo por el cual su gira actual ha pasado de 2023 a 2024.

Suzete acierta, Álex Marquez y Salma no tanto, en sus singles

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Hoy 26 de enero, al margen de los lanzamientos disponibles en Spotify, se estrenan exclusivamente en Amazon Music los primeros singles de tres ex-concursantes de Operación Triunfo 2023, estos son Suzete, primera expulsada; Álex Marquez y Salma. Cada uno se presenta con un sonido perfectamente asociable al tipo de música que han declarado querer explorar durante su paso por la Academia.

Operación Triunfo 2023 continúa el próximo lunes llegando a su novena gala. Tras la expulsión de Cris, Álvaro y Paul se juegan esta semana su estancia en el concurso.

Suzete, ‘Kombolewa’
Suzete puede correr la misma suerte que Lola Indigo y Mai Meneses, primeras expulsadas de sus primeras ediciones… o no. De momento, Suzete entrega un primer single completamente entregado al afrobeat, sin cambios de estilo ni tempo efectistas. ‘Kombolewa’ («liberada» en suajili) se sustenta en un beat bailongo firmado por KICKOMBO, productor de ‘Copiloto’ de Belén Aguilera, y el gancho «kombolewa ma ma ma» juega evidentemente con la sonoridad del título de la canción.

Álex Márquez, ‘El Modo’
Álex Márquez, quinto expulsado de Operación Triunfo 2023, se dice seguidor acérrimo de artistas como Dani Fernández. ‘El Modo’ introduce a Márquez de pleno en el sonido Los 40 Principales con una mezcla desfasadilla de pop-rock y teclados en la que las baterías suenan extrañamente apagadas. Márquez, desamparado, trata que una relación fallida «funcione otra vez» en esta producción de Chechu, quien ha trabajado con Chanel, David Bisbal o Christian Nodal.

Salma, ‘La Mirá’
Salma apuesta por la mezcla de géneros en ‘La Mirá’ y, bajo la producción de Kabasaki, conocido por su trabajo con Don Patricio o Lenis Rodríguez, también por la mutación de tempos, en esta grabación que pasa del bolero al trap trayendo incluso ecos de salsa y guaracha, como aquel extraño single de Christina Aguilera que dividió a sus seguidores. Salma se fija en una chica de «labios rojos» en esta canción que de momento no termina de hacerla relucir vocalmente.

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Operación Triunfo 2023: todas las crónicas

Crónica de la Gala 8 de Operación Triunfo: La revolución soviética
Crónica de la Gala 7 de Operación Triunfo: Poligoneo de lujo
Crónica de la Gala 6 de Operación Triunfo: La zona de confort
Crónica de la Gala 5 de Operación Triunfo: Apriétame más fuerte
Crónica de la Gala 4 de Operación Triunfo: La Canción de los Enamorados
Crónica de la Gala 3 de Operación Triunfo: Mariquita el último
Crónica de la Gala 2 de Operación Triunfo: El Efecto Cepeda
Crónica de la Gala 1 de Opetación Triunfo: Los Amigos de Mis Amigas son Mis Amigos

RFTW: Bad Gyal, The Smile, Belén Aguilera, Liam Gallagher…

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Hoy 26 de enero sale el esperado debut después de ocho años y tres mixtapes de Bad Gyal, ‘La joia’, y también circulan ya los igualmente esperados nuevos álbumes de The Smile, Future Islands, a los que entrevistamos hoy en portada, Torres, Katy Kirby Tiburona o Alkaline Trio.

Desde hoy -o desde las últimas horas- están disponibles en streaming novedades de Lil Nas X, Liam Gallagher y John Squire, Belén Aguilera, Ice Spice, Varry Brava, FLETCHER, Skepta, Hurray for the Riff Raff o Megan Thee Stallion.

Desde el underground nacional llegan además interesantes novedades de Maren con Anne Lukin, Camellos, Emilia, Pardo y Bazán, Mueveloreina, _juno, Parquesvr o Corea la Buena.

En la semana que Justin Timberlake ha efectuado su comeback con el amable single ‘Selfish’ han lanzado también nuevos temas Gossip, Justice con Tame Impala, Fabiana Palladino, DORA, Bullion con Carly Rae Jepsen, Squid, Empress Of con MUNA, George Fitzgerald, Elbow, Arab Strap, Jane Penny de TOPS (en solitario), Milky Chance o Sinkane.

De Purple Disco Machine a Abraham Mateo, de Little Kid a HOLOGRAMMA, de Heems a Phosphorescent, de Shinova a Ramona con Ximena Sariñana, todos estos artistas y más estrenan hoy música y la puedes escuchar reunida en la playlist «Ready for the Weekend».

Tres mujeres acusan a Carlos Vermut de violencia sexual, este responde

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Tres mujeres han denunciado haber sido víctimas de violencia sexual por parte del director Carlos Vermut. Las denunciantes incluyen una estudiante de cine, una empleada en una de sus producciones y una trabajadora del sector cultural. Las tres mujeres denuncian en El País -bajo declaración jurada y firmada- que Vermut mantuvo con ellas relaciones sexuales violentas sin su consentimiento abusando de su posición de poder y prestigio dentro de la industria del cine. Hasta 31 trabajadores de la industria han aportado declaraciones anónimas a El País manifestando haber sido conscientes de estos tres testimonios o aportando contexto a los mismos. Estas declaraciones incluyen actrices, jefes e integrantes de equipos técnicos y artísticos, y a seis personas del entorno del cineasta.

Los episodios de violencia sexual ocurren en la propia residencia de Vermut en Madrid entre mayo de 2014 y febrero de 2022 acorde con el relato aportado por las tres denunciantes. La estudiante de cine asegura haber sido inmovilizada, estrangulada y forzada sexualmente, asegurando que frente a la supuesta agresión de Vermut ella mostró oposición “tanto no verbal como física”, llegando a “zafarse” del director “a patadas”. La estudiante cuenta que pidió reiteradamente a Vermut que se pusiera un preservativo y que este «no lo hizo». La mujer explica que, meses después, siguió manteniendo relaciones con Vermut, pero que solo con el tiempo se dio cuenta de que sus actitudes supuestamente violentas eran constitutivas de agresión, y que psicológicamente estaba «negando lo que pasó».

La segunda mujer, empleada en una de las producciones de Vermut, relata que el cineasta la besó y tocó sin su consentimiento y que este le arrancó el sujetador. Ante el estupor de ella, Vermut se fue a su habitación y «empezó a chatear con otra tía para quedar».

La tercera, trabajadora del sector cultural, asegura que Vermut le prometió un mejor empleo y que el cineasta la sometió durante meses a un trato “denigrante” tanto “verbal” como “físico”. La mujer acusa a Vermut de haberla encerrado en su casa en un episodio en el que Vermut le expresó que «no puedes dejarme solo», y describe que el “nivel de violencia” ejercida durante las relaciones sexuales que mantuvieron “no fue consentido”.

El reportaje de El País cuenta con declaraciones de Carlos Vermut en las que el cineasta confirma haber tenido relaciones de “sexo duro” y “violentas” a lo largo de su vida pero “siempre de manera consentida” y asegura “no haber sido consciente de haber ejercido violencia sexual contra ninguna mujer”. Vermut asegura que “otra cosa es que la persona en su casa después se sintiera mal y a lo mejor en el momento tuviese miedo a decirlo. Eso yo no lo puedo saber”, y apunta que “me gustaría que saliera publicado que he tenido muchas relaciones de muchos tipos, siempre queriendo que la otra persona esté bien. Y creo que haber tenido una vida sexual promiscua y haber tenido sexo de muchos tipos puede llevarte a situaciones como estas”. En el artículo se detallan en mayor profundidad los tres testimonios.

Dos de las denunciantes aseguran no haber denunciado los hechos que relatan a la policía por miedo a perder sus empleos, mientras la tercera no lo hizo por temor a no conseguir uno, detalla el reportaje.

«Flos Mariae es el epítome de lo indie»

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Verano en Barceloka‘ fue uno de los himnos underground del verano 2023, la historia de un «paraíso en decadencia» impactado por la especulación inmobiliaria, el tráfico de drogas y las consecuencias de un cambio climático que hace que la temperatura de la ciudad suba hasta los «40 grados», contado a golpe de trance y makineo. Pero, sobre todo, ‘Verano en Barceloka’ era -y sigue siendo- un divertidísimo hit en el que cabían referencias lo mismo a las raves de Montjuïc, que a las Cheetah Girls y su famosa visita a la ciudad.

Su autor, Alberto Varela, conocido por el alias de ttrraaccaa, en realidad procede de Ubrique, es decir, de Cádiz, y reside en Barcelona desde hace pocos años. La fiesta ha marcado sus dos discos publicados hasta ahora, ‘Depressed 24/7 but Always Down to Party’ (2020) y ‘Party Monster’ (2022). ‘Linkedin, Territorio hostil’, ‘Er mareíto’, ‘Llorando en el after’ o ‘No pienso dejar la discoteca’ son algunos de los títulos con que se presentan las canciones del que básicamente es un disco conceptual sobre la vida fiestera.

ttrraaccaa es el último invitado a nuestra sección Meister of the Week, patrocinada por Jägermusic, en la que diferentes artistas hablan en profundidad sobre temas que les interesan no relacionados con su carrera musical. El interés -o, en sus palabras, obsesión- de ttrraaccaa es Flos Mariae, un grupo al que se toma en serio, al contrario que la mayoría, por razones que expone de manera tremendamente elocuente. Ni ‘La Mesías‘ ni las más convencionales Stella Maris pueden hacer sombra a uno de los proyectos musicales más absolutamente libres de la historia del (anti)pop español.

¿Por qué has decidido hablar de Flos Marie en esta sección?
Fue lo primero que me vino a la cabeza cuando me propusisteis hacer una entrevista sobre algún tema que me gustara (me obsesione, más bien). Además, que ahora están super poppy otra vez jajaja
¿Cuándo descubres a Flos Mariae y dónde ubicas el inicio de tu fascinación por ellas?
Como casi todo el mundo, las descubrí cuando se hicieron virales por la canción ‘Amén’ y aparecieron en todos los medios de comunicación. Al principio, llegué por las risas, pero conforme pasó el tiempo y me fui introduciendo cada vez más en su mundo, la cosa se volvió mucho más seria.

La rima del sandwich es una de las mejores de la historia, ¿ha eclipsado otras igual de buenas? ¿Qué otras rimas destacas de su repertorio?
De primeras, se me ocurre otra metáfora culinaria en ‘Sé Sal’, donde dicen: «La vida es como una ensalada, hay de todo: gente buena y gente mala. Sé la sal, no seas soso, evita el mal».
Y otras más recientes, una de de 4HBD en ‘Éstate al loro’: “No pierdas el cielo por hacer el canelo”, y otra de Mariah’s Pop en ‘A mi bola’: «Soy un alma libre y voy a mi bola, sin miedo a tigres: mi vida mola».

Realmente su catálogo de canciones es inabarcable, ¿cuáles son tus favoritas y por qué?
He de reconocer que no las he escuchado todas. El hecho de que tengan más de 120 temas con videoclip publicados me permite volver a ellas cada cierto tiempo y tirarme toda la tarde descubriendo joyas nuevas y re-escuchando otras que había olvidado.

‘Romeo’ es una de mis favoritas con diferencia. Recuerdo que cuando la encontré, pasé el día entero en la oficina escuchándola en bucle. Tiene como unos estribillos que son súper épicos y pegadizos donde suena un sinte que podría ser perfectamente de A.G. Cook con unas campanas de iglesia repicando y unas segundas voces que me flipan. Otra que escuché también hasta quemarla fue la de ‘Viva el papa’, especialmente por el bridge de techno más clásico donde rapean a coro. Y luego ‘Saranghae Forever’, en la que se atreven con el coreano. De esta, el estribillo me parece súper dulce y me encantan las armonías que hacen con las segundas voces (especialmente cuando les salen bien y lo hacen a tono).

Los videoclips son arte. Realmente son muy locos. ¿Recomiendas alguno específicamente?
‘Cuidado con los lobos’ de Flor que podría ser un videoclip de Evanescente o Kelly Clarkson en ‘Behind These Hazel Eyes’ con ese traje de novia corriendo por el bosque, unos planos muy dramáticos y la escala de colores fríos. Una vez más, con una base que podría ser perfectamente de hyperpop, y lo más sorprendente es que fue publicada hace 9 años, cuando PC Music a penas llevaba un par funcionando.

‘Saranghae Forever’ me gusta mucho también porque es el primero en el que dejan de mostrarse tan rígidas y solemnes para introducir una coreografía al puro estilo k-pop. Me encanta porque para mí fue la confirmación más evidente de que no estaban completamente aisladas de lo que ocurría en la música actual.

También destacaría el de ‘Dios es lo importante’ porque es un tema de trance con un videoclip que es totalmente 90s con esos planos contra-picados, zooms y transiciones donde la imagen se desvanece para dar paso a la siguiente. Es otro que me dio pistas de que verdaderamente conocen las referencias cuando deciden hacer un género concreto.



¿Exactamente qué de la propuesta de Flos Mariae te fascina y por qué crees que seguimos hablando de ellas 10 años después de ‘Amén’?
O sea, creo que si la pregunta fuera ¿qué no me fascina? Acabaríamos antes.
No les interesa ser famosas. No conceden entrevistas. No tocan en festivales. Son conscientes de que no siempre cantan bien y no les importa porque, como han explicado en sus vídeos, no les interesa ser cantantes, sino que lo hacen solo y exclusivamente por la promesa que hicieron a la virgen sobre difundir la palabra de Dios para que su madre se curara de cáncer. Son el epítome de lo indie. Tienen una estética única e inconfundible (visual y sonora) que no abrazan desde la tendencia, la ironía hipster o la nostalgia. No tienen prejuicios o miedo a la hora de probar diferentes géneros y experimentar con melodías y ritmos que se salen de lo común. Me flipa el hecho de que hayan estado toda su vida híper-expuestas en internet y, a pesar de esto, que siga habiendo tanto hermetismo y misterio alrededor de la familia. Existe un canal llamado Flosdei que es previo a Flos Mariae en el que encontramos vídeos desde 2009 (pensemos que YouTube llegó a España en verano de 2007), donde aparecen desde que eran súper pequeñas. También está como ejemplo el vídeo de la canción ‘Gracias a la vida‘, en el que aparecen vídeos caseros de la familia (estoy 100% seguro que está inspirado en el de ‘Mama’ de Spice Girls) y luego las decenas de sitios webs donde podemos ver desde sus currículum a sus empresas (ninguna dada de alta en la Seguridad Social, por cierto), pasando por el blog de su madre, donde publicaba hasta sus conversaciones con Dios.

Otra parte que me atrae y me inspira mucho es algo que he visto en otras ocasiones, como pasa con Delfín hasta el fin y su canción ‘Torres gemelas‘, y es la cosa esta de hacer una obra intentando expresar una idea o sentimiento y causar en el espectador algo totalmente contrario de manera ¿involuntaria?. Delfín Quishpe intenta rendir homenaje a las víctimas del atentado del 11-S pero utiliza una melodía y un ritmo súper alegres, unos visuales y una letra que, en conjunto, consiguen que quien la escuche se horrorice y piense que le están tomando el pelo. Algo similar pasa con muchos temas de Flos Mariae. Por poner un ejemplo, la canción ‘Héroe’, que escriben en agradecimiento y tributo a su padre, tiene una base musical que parece sacada de una película de payasos asesinos. Cuando me enfrento a este vídeo como espectador, me surgen muchas preguntas: ¿Es posible que estuvieran tan aisladas de la sociedad que no hayan visto nunca ninguna peli de terror y no relacionen ese tipo de sonido con algo inquietante? Si es así, ¿cómo puede ser que luego tengan referencias tan evidentes como el k-pop, el dubstep o el trance noventero? ¿Es posible que en realidad sí que lo sepan pero lo están haciendo para enviarnos mensajes subliminales pidiendo ayuda tipo Marina Joyce? ¿Puede ser que sean conscientes pero prefieran sacrificar la belleza a favor de la creatividad y la experimentación para así causar mayor impacto en internet? AAARGGGGG NO TENGO NI IDEAAAA

En resumen, y siendo totalmente honesto, son todo lo que me encantaría poder algún día llegar a hacer con mi música. ¿Cómo es posible que nos proporcionen tantas dosis de FANTASÍA de manera altruista y sin pretensiones?

Comparas la autenticidad de Flos Mariae con la pose de la música urbana. ¿Entregarse ciegamente a Dios es más auténtico que repetir que eres “real hasta la muerte” hasta la náusea?
Jajaja mi comparación no iba tanto por ahí. Dejando a un lado lo religioso, en Flos Mariae no consigo encontrar ni un ápice de pretensión. A pesar de la teatralidad con la que se comunican, sus canciones tienen un discurso súper coherente con sus creencias, con cómo viven su vida y cómo conciben el mundo. No quieren parecer “la más mala de España” (guiño, guiño) o hablar de ghettos y de armas siendo alguien que probablemente nunca ha salido de su barrio de clase media-alta y su máximo conflicto con la ley fue cuando le expulsaron tres días del instituto por fumar vaper.

Dedicas todo un story de recuerdos a explicar por qué te parecen vanguardistas. Las asocias al movimiento proto-hyperpop e incluso a la IDM de Aphex Twin a raíz de los beats de ‘Héroe’ o ’15 minutos’. ¿La mezcla de letras devotas y electrónica experimental es demasiado avanzada incluso para el Sónar? Realmente no andan tan lejos de lo que hace otra artista vinculada a la religión, Virgen María.
Después de haber estado tanto tiempo siguiéndolas y viendo los géneros tan dispares con los que han jugueteado, he llegado a la conclusión de que esto de la experimentación puede deberse (en parte) al ritmo tan frenético de producción que han tenido siempre. Creo que sacar una canción con videoclip cada semana durante cuatro años puede llevarte a muchos derroteros para evitar el aburrimiento. Más que nada, porque tienen temas que son verdaderamente pop y siguen las estructuras convencionales de estrofa-estribillo-estrofa con compases, melodías y acordes agradables, coherentes a lo que quieren expresar y en las que cantan a ritmo y tono. Quiero decir, a pesar de que saben hacer las cosas “bien” o “como deberían ser”, en muchas ocasiones deciden seguir otros caminos. Al final, si hubieran hecho todo correctamente, lo más probable es que hubieran pasado desapercibidas en el océano infinito que es internet.

Hay una parte de mí que quiere creer que esto es así, pero hay otra que piensa lo contrario: que Montserrat (que es la que produce los temas) en realidad no tiene ni idea de teoría musical y va pegando palos de ciego de forma natural e impulsiva, según le apetezca hacer una cosa u otra (y a veces acierta y otras no). Como decía antes, esto me genera un nivel de incertidumbre que suma puntos a mi fascinación por ellas.

En cuanto a la comparación con Virgen María, yo diría que andan lejísimos. El proyecto de esta última me parece frívolo, pretencioso y carente de discurso; la estética por la estética, jugar a hacerse la moderna. El proyecto de las hermanas Bellido-Durán me parece mucho más auténtico y vanguardista. Una vez más, repito, no es por su discurso religioso o su estética “desfasada”, sino por la cosmología tan particular y propia y el desarrollo autárquico de esta.

Hay cientos de Vírgenes Marías en el mundo y un solo Flos Mariae. Yo veo cualquier performance de Virgen María y no me hace pensar, no me hace cuestionarme nada y no me genera ningún tipo de emoción. Sin embargo, con esta familia me pasa totalmente lo contrario: me crean mucha confusión, aparecen en mí muchos sentimientos contradictorios y, sobre todo, muchísimas preguntas para las que sé que probablemente nunca tendré respuesta. Esto sin olvidar la parte de que tienen temas que me gustan de verdad.

Aunque a muchos al principio nos pudieran parecer una broma, con los años se ha descubierto que en ellas no hay ironía, no hay sarcasmo, no hay cinismo. Cuando Montserrat sube el vídeo hablando sobre cómo se le había ocurrido la famosa frase de la loncha de queso en un sándwich preso, nos explica que encontró una forma diferente de expresar cómo se sentía y que en su familia siempre se respeta la creatividad de cada uno. Esta anécdota refleja perfectamente una espontaneidad y falta de prejuicios con la que se enfrentan a sus creaciones que para mí son dignas de admirar.

«El proyecto de Virgen María me parece frívolo, pretencioso y carente de discurso, todo lo contrario que Flos Mariae»

¿Incluyes la escisión de Flos Mariae en 4HBD y Mariah’s Pop dentro de tu fascinación por las hermanas, o te parecen proyectos menos interesantes? ¿Algo que remarcar de ellos?
Pfff esto es el plot twist definitivo que fue como echar agua al aceite de una sartén ardiendo. Como leí en un comentario de un vídeo de YouTube, Mariah’s Pop son Hard Flos Mariae. Montserrat, Flor y Patricia han decidido seguir con la experimentación y tengo que confesar que la mayoría de canciones son too much incluso para mí. O sea, esos up tempos con tantos gritos y líneas off the beat muchas veces me generan demasiada ansiedad y no puedo ni terminar de escuchar los temas porque me ponen el corazón a 200 por hora. Eso sí, el primero que sacaron, ‘Te prometo mamá’, es INCREÍBLE. Con ese sintetizador 100% bakalao valenciano a un compás diferente del 4×4 del bombo, esos redobles de caja de eurodance, el grito de Flor a lo Mónica Naranjo, los coros, los susurros… pff sin palabras.

Por otro lado, están las 4HBD, que me hicieron caerme de la silla. De pronto, Estel, María, Victoria y Alba son cuatro chicas risueñas y mucho menos hieráticas que hablan y se expresan de forma normal y nada teatral en sus vídeos.

Se nota que Montserrat ya no está detrás de la producción de los temas porque son completamente pop, e incluso las localizaciones, las coreografías, las letras (en ‘¡Bailemos mamá!’ Y ‘Latiendo for you’ a penas hay referencias a Dios o la religión); la forma de cantar, de vestir (¡llevan pantalones!) y la dirección de los videoclips (más profesional) han dado un giro radical hacia un producto mucho más mainstream, lo cual me flipa igualmente. A diferencia de Mariah’s Pop, también han dejado a un lado los vídeos grabados dentro de casa, en el jardín o en las afueras del área urbana (como han continuado haciendo las otras) para tomar localizaciones en el espacio público como puede ser un parque o un mirador con vistas a Toledo. No obstante, solo sacaron tres temas y llevan más de un año en stand by, a diferencia de Mariah’s Pop, que siguen con ese ritmo de creación tan frenético que les caracterizaba.

«Flos Mariae son todo lo que me encantaría poder algún día llegar a hacer con mi música»

¿Te ha gustado ‘La Mesías’ o el caso de Flos Mariae es un nivel extremo de «la realidad supera la ficción»?
‘La Mesías’ me la meto P.E.C. Es una pedazo de serie. Es cierto que he tenido sentimientos encontrados a raíz de que se publicara porque, a pesar de que los Javis han repetido en numerosas ocasiones que se trata de un relato ficticio inspirado en varios casos similares, mucha gente cree que es la historia real porque los medios la han vendido un poco así.

Me dio mucha pena ver el vídeo de Alba en su canal teniendo que dar explicaciones sobre su familia y aportando todas las noticias sobre cómo a pesar de haber sido denunciados hasta en tres ocasiones, siempre habían ganado los juicios, dado que no había indicios de maltrato o de malcrianza por parte de los padres. También me pareció una falta de respeto por parte del programa ‘Focus‘ la manera tan invasiva en la que se aproximaron a ellas a pesar de haberles dicho que no querían dar entrevistas y cómo hicieron un programa basándose en la información aportada por una cuenta de Twitter (creada supuestamente por los hermanos que abandonaron la familia) de la que ni siquiera tenían certeza de que fueran fuentes fiables.

A pesar de que sean una familia fuera de lo común, creo que no hacen daño a nadie y empatizo mucho con ellas en lo de que no les interese vender su privacidad o que se sientan intimidadas o violentadas por tener a todo el país hablando de cómo sus padres las maltrataban sin poder demostrar que esto fue así. Igualmente, también hay que recordar que la madre falleció hace casi diez años y ellas han seguido igual todo este tiempo. Por ello, no sé hasta qué punto se puede confiar plenamente en el relato de uno de los hermanos que se separaron de la familia. Me temo que es bastante probable que nunca lo lleguemos a saber tampoco.

¿Qué opinas de Stella Maris? ¿Por qué crees que Flos Mariae no han dado al paso al directo? ¿En qué festival las encajarías?
Pues lo de Stella Maris me parece otra fantasía, la verdad. Los de Hidrogenesse han hecho muy buen trabajo en la composición, pero he de reconocer que el hecho de que su música esté bien hecha y que canten a tono y a ritmo, hace que no me interesen tanto jajaja. Igualmente, quiero ir a verlas en directo 100%.

Si tuvieras que elegir una frase de Flos Mariae que te guíe para siempre en la vida, ¿cuál sería?
Voy a tirar de clásico y voy a elegir la del icónico solo de Montserrat: “Voy a mi paso sin hacer caso, a lo que no me interesa ni llama porque no es bueno para mi alma”.


Dua Lipa da un adelanto de ‘Training Season’, su próximo single

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Dua Lipa ha anunciado ‘Training Season’, el segundo single de su nueva era. Después de muchos rumores acerca de la canción, la artista finalmente ha confirmado su lanzamiento a través de redes sociales, que será el 15 de febrero. Está producida por Danny L Harle y Kevin Parker, mientras que Dua Lipa, Danny, Kevin, Tobias Jesso Jr. y Caroline Ailin figuran como compositores.

El primer adelanto de la canción lo hizo ayer a través de su canal de WhatsApp, donde compartió un vídeo de 10 segundos en el que se escucha el comienzo del tema. Hoy ha vuelto a desvelar más contenido del mismo, sacando a la luz hasta 30 segundos. «Cuando me siento vulnerable, él le habla directamente a mi alma / Exceso de conversaciones / Me hace sentir vértigo», canta Dua Lipa.

La noticia llega unos días después de conocer que actuará en la próxima ceremonia de los Grammy, que se celebrará el 4 de febrero. La artista mostró su entusiasmo en una fotografía subida a Instagram, en la que se observa que Dua Lipa está ensayando dos canciones para la actuación. La segunda de ellas es ‘Houdini’, pero de la primera no enseña el título. Sin embargo, en su sudadera se puede leer del revés ‘Training Season’, el single que ha anunciado hoy mismo.

De tratarse de ‘Training Season’ ese título oculto, su promoción podría empezar antes de lo que espeamos. No hay ningún motivo para que Dua Lipa esconda el título de ‘Dance the Night’ si esa fuera la canción que planea cantar junto a ‘Houdini’, por lo que, ¿tendrá la artista intención de presentar su nuevo single durante la noche de la que toda la industria musical está pendiente? ¿Pretenderá hacerse viral interpretando un trozo del tema para conseguir su ‘Despechá’? ¿O simplemente cantará la banda sonora de ‘Barbie’ y ha querido jugar al despiste?

«‘Training Season’ trata sobre el fin de mi etapa de formación y de mí creciendo con cada experiencia. Nunca me he sentido más segura de mí misma, más tranquila ni más fuerte. Y aunque puede que la etapa de formación nunca termine para ninguno de nosotros, empiezas a darte cuenta de lo bonito que es encontrar a esa persona con la que pasar esa etapa. Dejas de fijarte en los aprendices y te interesas más por tener a alguien que esté donde estés tú y con quien crecer», ha comentado Dua Lipa sobre la canción.

Blam de Lam hablan de pastor y fieles en ‘El Predicador’

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Blam de Lam está de vuelta tras 8 años de descanso. El grupo, que publicó su álbum debut ‘La Máquina y el Movimiento’ en 2013, y que más tarde volvió a la escena principal con ‘Dualismo’, prepara ya su tercer trabajo discográfico. Y, aunque todavía es poca la información que tenemos al respecto, ya conocemos su primer single: ‘El Predicador’.

La canción de regreso de Blam de Lam es un guiño al rock de hace varias décadas. El tema, inmerso en instrumentos agresivos que crean una animada atmósfera que nos transporta a sonidos del pasado, consigue recordar a otros grupos del panorama nacional como Los Planetas.

En cuanto a la narrativa, ‘El Predicador’ es una referencia constante a la religión. «Los colores se acentúan al ponerse el sol / Y caminé sobre las aguas con elegancia…», canta Blam de Lam apuntando a sucesos bíblicos. La luz se convierte en uno de los elementos fundamentales de la historia.

«La idea de ‘El Predicador’ surge tras ver un documental sobre los pastores evangelistas afroamericanos en EEUU… Lo que impacta es esa comunión perfecta entre pastor y fieles como si de una llamada a la insurrección se tratase», ha comentado el grupo al respecto, aludiendo a «(…) una figura con un poder de convicción para mover a masas y conciencias como el personaje que hemos intentado representar en esta canción».

El nuevo disco de Blam de Lam se espera para la próxima primavera. Su proceso de creación ha durado dos años y lo describen como «un álbum emocionante, atemporal, dinámico y eléctrico, que se ha forjado a fuego lento».

Viva Belgrado / Cancionero de los Cielos

«A veces miro el cielo y pienso que odio la música» es una de las más desgarradas confesiones de Viva Belgrado en su nuevo disco. El grupo viene de la escena hardcore y screamo y en ese momento de la canción ‘Saturno devorando a su hijo’, el líder Cándido Gálvez está chillando como un gorrino el día de matanza. En otras partes del mismo tema llora «la furgoneta me agobia, las drogas ya no me sientan bien. Hay tantas cosas que no puedo soportar». Por si no te dedicas a la música profesionalmente y de momento no se te ha movido un pelo, esta sí que va a doler: «¿Te has dado cuenta de que el alcohol siempre saca todo lo peor de mí?».

Uno de los temas principales de ‘Cancionero de los cielos’ es el amor/odio por la música. El grupo de Córdoba que hasta ahora publicaba sus discos en Aloud Music ha decidido que este sello no era lo suficientemente independiente y se ha lanzado a la autoedición. Su aversión hacia la industria y hacia la dinámica de la misma es palpable en el primer tema del álbum, ‘Vernissage’, en el que recuerdan que ellos van a los festivales «a currar» y no a lucir palmito en el backstage: se preguntan si «con ceros en la cuenta se duerme mejor». Paradójicamente, «Saturno» es una canción capaz de hacerte llorar, y este es el mejor disco de este grupo. El mundo irá muy mal, pero por lo que respecta al arte de la música, al menos en cuanto a Viva Belgrado, cada cosa está en su sitio.

Y más allá. Porque el grupo no se ha conformado con seguir a pies juntillas los mandamientos de la escena post-hardcore. Si el rap ya se percibía como influencia en algunos fraseos y ritmos de obras como ‘Bellavista‘, en este disco una de las colaboraciones más vistosas es la de Erik Urano. ‘Jupiter and Beyond the Infinite’ no es una rara avis sino una más de las de canciones del álbum que hablan del cielo (todas menos la primera, de ahí su nombre), y sobre todo una de las que presentan un color diferente.

El modo en que Viva Belgrado han ampliado su paleta ya se vio en el single ‘Elena observando la Osa mayor’, una producción dominada por los teclados. Esta canción dedicada a la novia rusa del vocalista viene sucedida por la versión «redux» de otro single, ‘Un tragaluz‘, en este caso esbozada con un piano Rhodes. No solo lo dicen sino que lo ejecutan a lo grande: estos Viva Belgrado ahora están en su propio sello, pero no tienen ningún miedo a lucir completamente pop.

Lo que no implica que las cosas sean simples. Este se define como el disco más «narrativo e inmersivo» de Viva Belgrado y es por eso que canciones como ‘Gemini’ tienen tanta pegada desde la primera escucha. Todos sabemos de qué nos está hablando Cándido (de nuevo sobre la industria) cuando contrapone al músico «que se ve sobre el escenario a los 60» con el que «cree que se ha cansado de esta mierda ya». Pero al ahondar en el álbum, las referencias son complicadas.

En los textos escritos por el grupo acompañando las letras, averiguas que han copiado una palabra inventada por Bon Iver en su tercer disco («follificado»). Que «no me deja bueno hueso alguno» es una referencia a Miguel Hérnandez. Que Ereván es la ciudad en la que los rusos se refugian para evitar la movilización militar o para volar a otros países. Que en el tema con Erik Urano hay referencias a Kubrick, Malévich, Aivazovski, Oteiza. Que C. Tangana -pero el de 2012- es una referencia en ‘Chéjov y las gaviotas’. Un tema en el que se sirven de la metáfora de este autor sobre tal pájaro para hablar del oficio artístico y de la inspiración.

Un mundo apasionante, aunque rozando los subrayados excesivos: hasta han marcado con boli las autorreferencias. Como buenos pupilos de Standstill, han tenido que llamar un tema ‘Vernissage‘, por no llamarlo «apertura». A veces es mejor dejar a las canciones hablar por sí mismas y no era necesario aclarar en ‘Nana de la Luna Pena’ que Sara Zozaya interpreta a la pena (“si me acunas una noche más, te prometo la mejor de tus canciones”).

Hay muchas cosas interesantes en este disco, por ejemplo la habilidad del batería Álvaro Mérida para hacerte creer que está construyendo en vivo con su instrumento un puto drum&bass, pero una de las más hermosas es, sí, definitivamente, ese amor/odio hacia la música. Mucho antes de un desenlace luminoso en el que la post-rock ‘Perfect Blue’ representaría la esperanza, en algún momento entre ‘Nana de la Luna Pena’ y ‘Ranchera de la Mina’, Viva Belgrado nos están hablando sobre lo lamentable que es tener que excavar en lo peor de sí mismos para hacer buenas canciones. Dicen que componer les hace «renunciar a otras formas de hacer vida seguramente más sanas». Por eso «acunan la penita entre las manos, como a un animal pequeño y suave».

‘ZORRA’ de Nebulossa, lo más escuchado de Benidorm Fest 2024

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A tan solo cinco días de que el Benidorm Fest 2024 celebre su primera semifinal, Nebulossa se ha hecho con la canción más escuchada de su tercera edición: ‘ZORRA’. A falta de conocer las puesta en escena de cada propuesta, el dúo compuesto por María Blas y Mark Dasousa se ha ido posicionando poco a poco como uno de los favoritos.

Lo cierto es que ‘ZORRA’ partió con un buen recibimiento en streaming tras su lanzamiento. En su primer día acumuló hasta 40.361 reproducciones, siendo el quinto mejor debut de la edición. Por encima de Nebulossa, otros artistas como Marlena, Almacor o Mantra.

Ahora, más de un mes después de su publicación, ‘ZORRA’ escala cuatro puestos para liderar la lista y ser el tema más escuchado hasta el momento del Benidorm Fest 2024. Es, junto a ‘te echo de -’ de Noan, la canción que ha ascendido más posiciones con respecto a su primer día en Spotify. Marlena, Mantra, Lérica y St Pedro también han gozado de un gran aumento en consumo.

Lo más escuchado en su debut en Spotify:
1.-Marlena / Amor de verano 63.663
2.-Almacor / Brillos platino 51.034
3.-Mantra / Me vas a ver 50.501
4.-Lérica / Astronauta 45.830
5.-Nebulossa / Zorra 40.361
6.-Miss Caffeina / Bla Bla Bla 39.367
7.-Sofia Coll / Here to Stay 34.769
8.-Angy / Sé quién soy 33.329
9.-St Pedro / Dos extraños (cuarteto de cuerda) 31.639
10.-Noan / Te echo de – 26.613
11.-Yoly Saa / No se me olvida 26.400
12.-María Peláe / Remitente 24.342
13.-Jorge González / Caliente 24.286
14.-Dellacruz / Beso en la mañana 22.477
15.-Quique Niza / Prisionero
16.-Roger Padrós / El Temps 14.961

Lo más escuchado a día 25 de enero de 2024:
1.-Nebulossa / Zorra 1.406.334 (+4)
2.-Marlena / Amor de verano 1.111.359 (-1)
3.-Mantra / Me vas a ver 969.729 (=)
4.-Lérica / Astronauta 692.889 (=)
5.-Noan / Te echo de – 641.194 (+5)
6.-Almacor / Brillos platino 632.251 (-4)
7.-St Pedro / Dos extraños (cuarteto de cuerda) 612.437 (+2)
8.-Sofia Coll / Here to Stay 595.889 (-1)
9.-Miss Caffeina / Bla Bla Bla 456.852 (-3)
10.-Angy / Sé quién soy 385.662 (-2)
11.-Yoly Saa / No se me olvida 304.009 (=)
12.-Dellacruz / Beso en la mañana 281.210 (+2)
13.-María Peláe / Remitente 243.128 (-1)
14.-Jorge González / Caliente 237.912 (-1)
15.-Quique Niza / Prisionero 196.687 (=)
16.-Roger Padrós / El Temps 175.883 (=)