Los hermanos Brian y Michael D’Addario conforman uno de los grandes grupos revivalistas de nuestra generación. Y no estoy hablando de los que miran al grunge o al drum&bass de los 90, o al eterno synth-pop ochentero: ya tenemos demasiado de eso, pero muchas gracias. The Lemon Twigs se miran en la década de los 60 y los primeros 70. Les gustan aquellos años más incluso que a Adele. De hecho, este cuarto álbum no es una evolución sino más bien una regresión. El componente glam se ha desvanecido de su música, y prevalecen las composiciones que podrían ser de Burt Bacharach o la primera Carole King.
Su nueva gran obra maestra es ‘Corner of My Eye‘. Por si la sola idea de mirar a alguien con el rabillo del ojo no fuera suficientemente retro, en estos tiempos de absoluto descaro, las armonías vocales son las más celestiales que escuchamos, por lo menos, desde el debut de Fleet Foxes. Una constante en este disco que precisamente se llama ‘Everything Harmony’. Atención al final de ‘In My Head’, una canción más indie pop que podrían haber compuesto The La’s o Teenage Fanclub; o al de ‘Every Day Is the Worst Day of My Life’, un tema cuya letra se recrea en su título y poco más, y precisamente por eso resulta tan cuco. Que no cuqui.
Si en los discos anteriores, la principal crítica que podíamos hacer a The Lemon Twigs es que fueran demasiado raros, que estuvieran demasiado apegados al underground sin motivo, cuando su música estaba gritando «¡CLASICISMO!», ese componente bizarro ha desaparecido casi por completo. Este álbum no es una ópera que cuente la historia de un mono como lo fue ‘Go to School‘, ni cuenta con textos tan extraños como algunos de ‘Songs for the General Public‘, cuyo título parecía irónico cuando nos hablaba de incesto.
En ese sentido, The Lemon Twigs dejan atrás las comparaciones con colegas como Foxygen o MGMT, en favor de otras más universales como los primeros Bee Gees, The Beach Boys o The Beatles. Esto último muy evidenciado por ejemplo en las cuerdas del tema titular. Si a veces nos viene a la mente gente como R.E.M. (sobre todo cuando cantaba Mike Mills) o los mencionados The La’s, es por lo que a estos les inspiraba la música pop de los 60. Algo a lo que The Lemon Twigs no miran con ironía, y por fin lo demuestran. Por eso su público ha dejado de escuchar su antigua obra y ya solo tiene oídos para ‘Everything Harmony’.
Aunque en algún caso aislado, la composición y la producción tampoco es que sea la de Phil Spector, son muchos los temas y los arreglos que nos levantan de la silla, nos emocionan, o ambas cosas a la vez. El disco se abre con una gran canción a la hoguera, ‘When Winter Comes Around’, que nos habla de la caída de la hoja, del invierno, e incorpora una segunda parte con distorsiones y teclados. El aire a salón de baile de ‘What Happens to a Heart’ que tiene gracias a su clavecín, se viene arriba con un estribillo a la altura.
‘Born to Be Lonely’, que empieza como una balada a la trompeta, cambia de ritmo solo para reclamar una cosa tan tontorrona como «No he nacido para estar solo / Necesito un nuevo amor que me mantenga vivo». Y ‘Ghost Run Free’ eleva un disco que lucha por mantenerse arriba durante 48 minutos sin tropezar. Y casi lo consigue. Olvídate de indie o no indie, underground o todo lo contrario, esta canción te gustará si te gustaban las canciones buenas de Sixpence None the Richer. Y eso es un elogio por aquí.
Rob Grant, padre de Lana dey Rey, ha estrenado hoy otro single que pertenece a su próximo álbum debut, ‘Lost at Sea’. La canción tiene el mismo nombre y en ella su hija, Elizabeth Woolridge Grant, ha puesto la voz dulce que acompaña a la melodía. ‘Setting Sail on a Distant Horizon’, ‘Deep Ocean Swells’ y ‘The Poetry of Wind and Waves’ son los otros singles ya disponibles del disco, que saldrá el 9 de junio.
Según Rolling Stone, este primer álbum de Grant padre se tratará de una recopilación de canciones de piano. En dos de ellas Lana ha prestado sus letras y voz, ‘Hollywood Bowl’ será el nombre de la segunda.
Aunque no es la primera vez que padre e hija trabajan juntos (fue pianista para ella en ‘Sweet Carolina’), el músico ha indicado en su cuenta de Instagram que esta canción es «enormemente emotiva y etérea».
La canción es tranquila y limpia, muy en la línea de los temas más sensibles de la autora de ‘Cinnamon Girl’. «La voz de Lana es inquietante y poderosa. Se mueve fantasmagóricamente a través de la canción como la niebla sobre el océano. Tiene un profundo mensaje de esperanza… para todos los que nos sentimos perdidos y desconectados en el mundo actual», así ha expresado Grant el resultado final.
La letra es sencilla, es acompañamiento más que protagonista en este caso. «I was lost at sea /’Til you found me, ‘til you found me». Lana habla de sentirse perdida, de cómo llegar a un lugar familiar (en este caso el mar) en el que volver a encontrarse, en el que ya no sentirse sola. El videoclip se estrena mañana.
No sé si hay alguna manera mejor de inaugurar un Primavera Sound que con un concierto de hits de Pet Shop Boys. He ido a unas cuantas ediciones del Primavera… Bueno, en realidad, he ido a todas. Y creo que el de anoche ha sido el concierto de arranque más bonito, eufórico y dispuesto a elevar los corazones que he tenido el placer de contemplar. Si unes un dúo con una carrera repleta de hits (¡y qué hits!), prestos a cantar todos esos hits (¡y los que se han quedado fuera!) y que encima del escenario derrochan ganas, perfecto.
A los que vieron este espectáculo en el BBK o hayan seguido por internet las transmisiones de Glastounbury, no les habrá sorprendido: misma escenografía, con dos farolas de calle a los lados y una pantalla-reja que subía o bajaba, tapaba o mostraba a los jovencísimos músicos, en la que lucían audiovisuales basados en gran parte en los vídeo-clips del dúo, juegos de luces vistosos, repertorio de grandes éxitos. Antes de empezar el show, lucía la bandera de Ucrania. “Sus canciones llegaron directamente desde los 80, sin cambios, pero lo que sucedía en el escenario solo podía tener lugar en el siglo XXI”, decía mi compañero Jordi sobre su anterior visita a Bilbao. Pero también fue un show que resumió lo que son Pet Shop Boys: euforia y melancolía, baile y reflexión, todo a la vez.
Habría que destacar, y mucho, la producción y sucesión de las canciones. Unas versiones que eran muy fieles a las originales, pero a las que les otorgaban los suficientes cambios, el debido empaque para que no fueran miméticas o aburridas, reforzando casi siempre la parte energética de su música. Y estaba todo tan bien hilado, fluía tan bien la transición entre temas, que no daba respiro, no hubo ningún momento bajo. El tiempo se congeló. El concierto pareció más breve de los 90 minutos que duró, tal fue la maestría a la hora de ir desgranando las canciones. Neil Tennant derrochaba entusiasmo como maestro de ceremonias. Chris Lowe no se salió de su papel de Chris Lowe ni cuando le tocó recitar ‘Paninaro’. En las primeras filas no solo hay gente de edad “respetable”: atisbo montones de veinteañeros y varios niños, lo que reafirma que su música es ya transversal, no una cosa meramente del pasado.
Parapetados tras dos máscaras, que Neil tardó tres canciones en retirarse (Chris, unas cuantas más), abrieron con ‘Suburbia’, reforzando su esencia nocturna. A día de hoy ‘Opportunities’ no puede sonar más actual. Recortaron un poco ‘I Don’t Know What You Want but I Can’t Give It Any More’ y ‘So Hard’, pero me dio un poco igual, a cambio de que recuperaran dos de mis favoritas que no suelen tocar mucho. ‘Rent’, aun acelerada, no pudo sonar más emotiva. En ‘Love Comes Quickly’ se realzó la melancolía de la canción, con Neil solo, paseando lentamente mientras las luces de colores lo bañaban. ‘Left to My Own Devices’ sonó con toda la épica y fanfarria que merece. En ‘Domino Dancing’ Neil volvió a recuperar sus dotes de profe enrollado animando a todos a que cantáramos el estribillo.
Hubo pocos cambios de vestuario, pero efectivos. En la tercera parte del set, Neil luce una gabardina plateada que refleja las luces y anuncia la andanada de hits final. Arranca ‘Always on My Mind’, según Spotify, su mayor éxito. Pero para mí, lo más destacado fue recuperar ‘It’s Alright’ seguida de ‘Vocal’: dos canciones que hablan del poder de la música, especialmente la de baile. El resultado es tremendamente emocionante, especialmente cada vez que Neil canta “It’s in the music” y hasta Chris se marca unos discretos bailes. O un ‘Go West’ que rehúye su versión eufórica para abrazar la más melancólica (porque ‘Go West’ es una canción triste, realmente) con emotivos resultados. Como para recordarnos la otra cara de Pet Shop Boys, ‘It’s a Sin’ viene cargada con toda su grandiosidad.
Pero lo mejor estará en los bises. Neil y Chris regresan a primera línea, solos. Arranca ‘West End Girls’. Ellos van vestidos mimetizando sus looks de aquella época. Neil con elegante gabardina larga, Chris de sport y luciendo su mítica gorra “BOY”. Es su manera de unir pasado y presente, de decir: “seguimos siendo nosotros, los que éramos en el 86, los que somos aquí y ahora”. Un acto de reafirmación. ‘West End Girls’ suena elegante, majestuosa, con recuerdo a Mariúpol incluido. Le dedican ‘Being Boring’ a Tina Turner, un ‘Being Boring’ debidamente acelerado en el estribillo. Se levanta la pantalla, se incorpora la banda, Neil los presenta, Chris incluso sonríe brevemente y entonces… Entonces, al final, se quedan solos, la música es leve y Neil canta prácticamente a capella el final del estribillo con una voz preciosa: “And we were never holding back or worried that / Time would come to an end / We were always hoping that, looking back / You could always rely on a friend”. Un final escalofriante para un concierto casi perfecto.
El Primavera se respira en el ambiente. Es «solo” la jornada inaugural de la edición de Barcelona -que, al ser gratuita, atrae a muchísima gente, eso sí, previa reserva de entrada- pero la concurrencia ya es abultada a primeras horas de la tarde, cuando llego al recinto del Parc del Fòrum y los ecos de Jake Bugg resuenan desde lejos. El británico es uno de los entrantes del día gratuito de Primavera, previos al plato fuerte que protagonizarán Pet Shop Boys caída la noche.
Antes, a La Paloma les toca estrenar uno de los escenarios grandes, el Amazon, en el que a plena tarde presentan su indie garajero y su himno ‘Bravo Murillo’. Después los italianos Guatemala serán los primeros en tocar en el pequeño escenario Night Pro, una de las novedades logísticas de esta edición, pues está colocado prácticamente a un paso de la entrada, aunque luego parece recóndito cuando contemplas la envergadura del recinto y del resto de escenarios. Desde el recinto, es básicamente el escenario escondido de esta edición.
La primera impresión del recinto es diferente a la habitual, porque el mapa ha cambiado: los escenarios más cercanos a la entrada parecen estar más cerca los unos de los otros y se prescinde del “camino hacia Mordor” acortando distancias hacia los escenarios de electrónica. Las “distancias renovadas” de las que habla el Primavera se hacen notar y no tardas en constatar que el festival ha escuchado a su público, pues las quejas sobre los largos trayectos del Primavera son habituales desde hace años. En el podcast de JENESAISPOP, Almudena Heredero, directora de Primavera Sound Madrid, reconoce haber caminado 17 kilómetros en una sola noche.
Comprobado que la nueva edición del Primavera en Barcelona -y con muchas ganas de descubrir qué depara la de Madrid- será a priori más cómoda de recorrer, me sorprende de repente el eco de una voz que cual sirena canta desde lejos el ‘Waiting for Tonight’ de Jennifer Lopez. Ha empezado el set de Confidence Man. El grupo de Brisbane se marca un show teatral y coreografiado, algo naíf y pastiche en ejecución y sobre todo en la obviedad de sus referencias, pero también un show del que no puedes despegar la vista por todo lo que sucede en el escenario.
El dúo que lidera Confidence Man, compuesto por dos personas que se hacen llamar Janet Planet y Sugar Bones, saca a pasear sus influencias. Musicalmente, el set -como su disco ‘Tilt‘- es un homenaje a los noventa en todo momento, pues a los ritmos de piano house de temas como ‘Feels Like a Different Thing’ hay que añadir unas coreografías que parecen sacadas de un videoclip de teen-pop de la era MTV. Luego el vestuario apunta en diferentes direcciones: los homenajes a las hombreras gigantes de David Byrne y a las tetas-cono de Madonna son explícitos, y el uso de sangre falsa recuerda a aquella actuación de Lady Gaga en los VMA. La fiesta de Confidence Man se reserva lo mejor para el final: no por nada ‘Holiday’ es su mayor éxito.
En una galaxia diferente, Dagger Moth hace un pequeño showcase de su proyecto en el escenario “recóndito” antes citado. Apenas un beat programado, plúmbeo, unos acordes de guitarra eléctrica, y la bonita voz de Sara Ardizzoni, dibujan una propuesta bastante oscura (como su nombre) que se mueve entre el dream-pop, el slowcore y esa cosa llamada doomgaze. Un set bonito, etéreo, que nos pone definitivamente en marcha para el gran concierto de la noche.
Renovamos la playlist Sesión de Control, dedicada al pop nacional o en castellano. Comenzamos con una de las grandes estrellas de Latinoamérica de los últimos tiempos,Silvana Estrada, presente entre lo mejor de 2022. Ahora lanza un tema con enormes juegos vocales llamado ‘Milagro y desastre’. También hay un nuevo tema de Adiós Amores y una curiosa versión de Carolina Durante de Amaral.
Entre quienes han lanzado su disco completo recientemente tenemos el rock garajero de La Trinidad en ‘Sheriff Playa’. Asimismo, el dúo Galician Army se ha embarcado en un proyecto muy curioso: temas electrónicos con las voces gallegas de gente tan dispar como Xoel López, Grande Amore, Eladio y Los Seres Queridos, Iván Ferreiro y Luar Na Lubre, entre otros. Por su parte, Los Pilotos han publicado EP.
También en las últimas horas nos han llegado el tema conjunto de Vermú y Karmento por el Día de Castilla La Mancha, el indie pop sintético de Teleclub o el de Aiko El Grupo, más rockero. Escuelas Pías presentan el tercer tema de su serie de singles de este año.
Varios habituales de la web y la sección como Paco Moreno, Maria Jaume, Megansito el Guapo y Teo Planell tienen nuevos temas. Finalmente, os presentamos al productor y cantante vasco Suave, que publica un tema disfrutón llamado ’Si tú te vieras’; a Estado Temporal, con ex miembros de Zivo y Maga; y de nuevo a Madbel, que ya ha sido “Canción del Día” en el site con ‘Hamburguesa’.
Has oído hablar y mucho en los últimos meses de Peso Pluma porque está siendo uno de los principales responsables de llevar la música mexicana al primer plano de las listas globales.
‘Ella baila sola’ con Eslabón Armado se acerca a los 500 millones de streamings y ha sido número 4 en el Billboard Hot 100. Curiosamente, España se ha mostrado más reticente que Estados Unidos a todo esto: ha podido más la distancia geográfica que la idiomática. Aun así, esta semana ‘Ella baila sola’ ha subido al puesto 17 en nuestro país y el remix de ‘La Bebe’ con Yung Lucas sube al 14. En ambos casos es un nuevo máximo para sendos temas.
Bizarrap, aún arrasando en todo el globo con sus canciones con Shakira y Quevedo, aunque esta va a cumplir un año en breve, ha decidido subirse a la moda mexicana. Para ello, primero anticipó ayer un vídeo en el que él mismo aparecía caracterizado como una rata, atacado por un humano, y finalmente salvado por su nuevo tema con Peso Pluma.
En esta nueva Session, la #55 ya, Bizarrap da el micrófono a Peso Pluma en una canción de despecho que este entona “pedo, no voy a mentir”, en la que «no puede dormir» y en la que advierte a su chica que “tiene que aceptar” que «en sus brazos ya no a va estar». También proclama, en un alarde de imaginación: “¡arriba los corridos!”. El vídeo incorpora efectos especiales en forma de disparo, pero sobre todo está marcado por los instrumentos que identifican el folclore mexicano.
No parece la canción más inmediata de Bizarrap, ni la letra más afilada que se ha entonado en ese estudio, pero lleva 10 millones de visualizaciones en 6 horas. Sin duda, este paso por allí de Peso Pluma es una plataforma brutal para la reivindicación de los sonidos mexicanos, y así lo manifiestan ya miles de usuarios en redes y Youtube.
Tove Lo ha estrenado ‘I like u’, tema que es continuación de su último y quinto álbum ‘Dirt Femme’. La canción continúa con el concepto de este último trabajo aunque está más cerca de la parte bailable de su música. La artista ha asegurado en una entrevista para NME que la versión deluxe de ‘Dirt Femme’ llegará, porque está muy inspirada creativamente, pero no en un futuro muy cercano.
Para ‘I like u’, la autora de ‘Habits’ se basó en todo lo que ocurría en su mente el día que conoció al que sería su marido después. «Cause I’m too high to lie / I wish I was your girlfriend», dice en la canción, con un sonido que recuerda a la época más pop y electrónica de los años 2000. Todo vuelve y el bacalao también.
Tove Lo explicaba en la entrevista para NME que ahora, a pesar de haber sacado recientemente los singles de ‘Borderline’ (Dua Lipa participó en la letra) y ‘No One Dies From Love’, le gustaría centrarse en escribir durante un tiempo para su próximo álbum, pero sin presión. Cree que quizá es tiempo de trabajar en letras para otros artistas y dejar que, si la inspiración para un nuevo proyecto tiene que llegar, llegue trabajando.
Cuando está a punto de comenzar Primavera Sound tanto en Barcelona como en Madrid (de hecho ya lo han hecho los conciertos en sala de Primavera en la Ciudad en el caso de Barna), se anuncia el cartel de su hermano pequeño. De hecho, ya ha podido verse en una lona del Fòrum.
El Primavera Weekender, que se celebra en un cuco resort con cabañas para pernoctar en Benidorm, tendrá lugar los días 17 y 18 de noviembre. Y entre los grandes nombres de su cartel figura gente clásica como The Jesus & Mary Chain, Blonde Redhead, Alan de Low actuando en solitario tras la muerte de Mimi…
Antònia Font, Deerhoof, Fucked Up, OFF!, Protomartyr, Public Service Broadcasting, Bush Tetras y Bob Mould también figuran entre los grandes nombres, junto a DOMi & JD Beck, Biig Piig, The Dare, Water From Your Eyes, Model/Actriz y Mannequin Pussy.
En el apartado nacional destacamos a Renaldo & Clara, Aiko El Grupo o Mainline Magic Orchestra, además de los dj sets de Brava e Indiespot vs Xtrarradio.
Las entradas para Primavera Weekender 2023, a la venta a partir del próximo jueves 15 de junio a través de DICE, incluyen acceso a los conciertos, régimen de pensión completa durante el fin de semana y alojamiento durante dos noches en bungalows con un mínimo de 2 personas y un máximo de 6. Todos los precios y modalidades de entradas ya se pueden consultar en la página web de Primavera Sound.
The Weeknd ha confirmado los rumores que ha habido a lo largo de los últimos días respecto a la colaboración con Madonna y Playboi Carti. La canción que les une, ‘Popular’, es parte de la banda sonora de ‘The Idol’, serie creada por Tesfaye y Sam Levinson, autor de ‘Euphoria’.
La serie presentó sus dos primeros capítulos en Cannes y recibió críticas bastante negativas. Esto se suma al reportaje que publicaba Rolling Stone, acerca del mal ambiente en el rodaje y la segunda grabación que hubo que hacer.
No solo habrá un single, ‘The Idol Vol. 1’ será un álbum completo y se estrena este viernes, dos días antes que la serie, que se podrá ver en HBO a partir del domingo. El cantante ya había estrenado otro tema que parece que también será parte de esta primera parte de la banda sonora. Tesfaye presentó ‘Double Fantasy’ en Coachella.
La canción se anuncia pocas horas después del anticipo del sencillo de Madonna y Sam Smith, que verá la luz el 9 de junio. Ese mismo día, Christine and the Queens estrena su álbum ‘Paranoïa, Angels, True Love’, en el que también participa la intérprete de ‘Like a Virgin’.
«Para querer no tengo tiempo, para chingar tengo los dedos», dice uno de los últimos singles de La Zowi. Su nuevo disco es una reivindicación constante de su autenticidad, de su valor, de su autosuficiencia. Por algo la autora de ‘Élite‘ y ‘Ama de casa’ se proclama en este proyecto ‘La Reina del Sur’. Y lo hace con un sonido en el que sobreviven los beats clásicos del trap, si bien salpicados de otras cosas. Sobre todo reggaeton.
En un mundo en el que todo el mundo parece obsesionado por los beats dance, si no es por el folclore patrio; en un mundo en el que las canciones mutan cada 15 segundos de estilo por si alguien se aburre en TikTok; en un mundo en el que ya le han dicho a Bad Bunny que ha llegado tarde a copiar el «club rap» cuando nadie se había enterado de lo que era el «club rap»; La Zowi sigue sonando a La Zowi.
Incluso cuando su distintivo «La Zowi Puta» ya no suena por ningún lado, tú crees seguir escuchándolo, quizá porque lo de «puta» da lugar a muchas de las frases más lustrosas de este lanzamiento. «Tus putas son franquicias como Starbucks», dice ‘Make Up’. «Mis putas son de club, las tuyas son de bar», añade ‘Bitch Feka’. «Mis putas son de verdad, las tuyas están sacadas de Telecinco», se ríe ‘De la calle’.
La Zowi sigue siendo, por tanto, lo mejor del disco de La Zowi. Zoe Jeanneau Canto es la única autora de temas tan relevantes en el disco como ‘Chapiadora’, en el que la cantante cuenta que la «cuenta del banco le pone el toto húmedo», por mucho que el mundo se empeñe en que rebusquemos entre sus productores.
Y podemos hablar de la melodía de ‘Contarte’ con Soto Asa; del gran flow de ‘Bitch Feka’ junto a Lex Luger; o de lo que se pega ‘Yo lo pongo loco’ con Leo RD. Hay incluso guiños a otros géneros, como el momento palmas flamencas de ‘Chill’. Como el beat de funk carioca de ‘Tu mamá’. O del ritmo jamaicano que se ha dado al tema en francés ‘Bebé’, lo que es casi lo mismo que decir que se acerca a Manu Chao (aunque este nunca te pediría que le llamaras “madame”).
Pero ‘Reina del Sur’ es más «Reina del Sur» cuanto más se concentra en lo que La Zowi quiere contarnos, sobre muy sencillas bases de trap y reggaeton. Dice en ‘Portarse mal’ que ella está «tan fuerte como Bitcoin». Será curioso concluir dentro de un tiempo cuán «fuerte» significaba eso.
No es la primera vez que Morad se enfrenta a causas judiciales. En esta ocasión, la Fiscalía pide 6 años de prisión para el rapero por presuntos delitos de atentado a la autoridad con el uso de un arma, provocando así un delito grave de lesiones a los Mossos d’Esquadra que le quisieron detener. Se agrava su situación porque se trataba de un Taser, arma de electrochoque, que está prohibida en España.
Según el fiscal, el delito se produjo en la noche del 17 de julio de 2021 en Hospitalet de Llobregat, cuando estaban en pleno apogeo las normas Covid, concretamente el toque de queda. Sucedió en el barrio de Morad, La Florida. Los Mossos acudieron porque, al parecer, iba a haber botellones en esa zona. Según han dicho, al llegar les gritaron desde un edificio «perros, hijos de puta» mientras les lanzaban botellas de cristal.
A partir de ese momento, dos agentes entraron en un portal donde presuntamente se encontraron con el autor de ‘Pelele’ que se debió ver sin salida y fue entonces cuando usó el Taser contra los agentes. Aun así, consiguieron detenerle.
El oficial que más lesiones tuvo, ha pedido una indemnización de 350 euros, además de la condena de cárcel y una multa para Morad que propone la Fiscalía. El juicio tendrá lugar en un juzgado por lo penal en Barcelona en los próximos meses, donde se decidirá la condena final.
‘Say Yes to Heaven‘ es ya uno de los mayores éxitos de la carrera de Lana Del Rey. El tema, rescatado de los descartes de ‘Ultraviolence‘ (2014), se ha viralizado en TikTok y su éxito ha traspasado a las listas oficiales como ningún tema de «Ocean Boulevard» ha logrado. ‘Say Yes to Heaven’ ha entrado en el nº9 de Reino Unido, en el nº54 de Estados Unidos y también en el nº8 de Irlanda, el nº10 de Nueva Zelanda, el nº20 de Australia, el nº34 de Canadá, el nº41 de Alemania o en el nº90 de Francia. Nada mal para una artista que no suele colar singles en las listas de éxitos, pues Lana es sobre todo artista de álbumes.
Mejor aún, ‘Say Yes to Heaven’ se mantiene fortísima entre los 30 primeros puestos de las canciones más escuchadas en Spotify Global, concretamente en el número 24, entre hits de Yandel y The Weeknd. En solo 10 días suma más de 35 millones de streamings (entre su versión normal y la acelerada) y no es descabellado pensar que vaya a superar los 54 millones de «Did you know» y los 70 millones de ‘A&W‘ en muy poco tiempo.
El responsable del éxito de ‘Say Yes to Heaven’ es evidentemente TikTok, donde el tema se ha viralizado. De hecho, el viral viene de lejos: ya en 2022, ‘Say Yes to Heaven’ empezó a circular en la plataforma y en marzo de 2023 UMG y Polydor reclamaron los derechos de la canción.
Pero, más allá del viral, ‘Say Yes to Heaven’ está aguantando en listas por méritos propios. Quizá hay un anhelo por aquella Lana que fabricaba hits como ‘Born to Die’, ‘West Coast’ o ‘Lust for Life’ y ‘Say Yes to Heaven’ logra sonar mucho más accesible, inmediata y pegadiza que todo el último disco de Lana, un trabajo centrado en los textos y en la narrativa, sin apenas singles. Quizá Lana deba reflexionar sobre qué temas mete y cuáles deja fuera de sus discos, pues sus fans han entendido las posibilidades de ‘Say Yes to Heaven’ más que ella y además desde el primer momento: el tema se filtró en 2020 y era uno de los inéditos favoritos de los fans desde entonces. Su éxito es justicia poética.
Y ojo porque la repercusión de ‘Say Yes to Heaven’ no se quedará aquí, pues el tema va a ser enviado a las radios americanas: el 5 de junio empezará a sonar en la llamada ‘US adult alternative radio’ y el 6 de junio lo hará en la radio alternativa general. Todo esto mientras la promoción de su disco «Did you know» continúa: el vídeo de ‘Candy Necklace‘ salió no hace ni un mes.
James Ford es el nombre detrás de muchos de tus discos favoritos. Él es el productor de ‘AM‘ y de otros discos de Arctic Monkeys, de los últimos trabajos de Depeche Mode y Jessie Ware, y ahora mismo está trabajando en el nuevo proyecto de Pet Shop Boys. Entre sus clientes se cuentan también Florence + the Machine, Haim, Gorillaz, Klaxons, largo etcétera. Puede que a él ya le tuvieras fichado por su trabajo en Simian Mobile Disco (es mitad del dúo junto a Jim Shaw) pero jamás habrías adivinado por dónde saldría su propia música en solitario. ‘The Hum’, su primer disco, trae a la mente influencias del prog de Canterbury, Brian Eno o Robert Wyatt. Es un trabajo de pura exquisitez musical que demuestra que Ford es incluso más transversal de lo que imaginabas. Hablo con él por Zoom y me cuenta los entresijos de ‘The Hum’ y de su trabajo con algunos de sus más célebres colaboradores.
Has dicho que sacar un disco tú solo a los 40 años te sorprende. ¿Sientes que has salido de un cascarón?
Han sido varias cosas. He instalado un estudio en la buhardilla de mi casa. Nunca he tenido un estudio solo para mí. Esto me ha permitido experimentar y buscar mi sonido. Por otro lado, Jim Shaw de Simian Mobile Disco ha estado enfermo y no hemos podido trabajar juntos, mucho menos durante la pandemia. Este me parecía buen momento de sacar algo que fuera diferente, sin colaborar con nadie, haciendo la música que me gusta. Es un disco muy experimental, nada que ver con tu trabajo como productor. Ahora las influencias son Brian Eno o Robert Wyatt. ¿Ha sido liberador para ti trabajar este sonido?
Es la música que escucho, de hecho es la música que escuchaba con mi padre, el estilo del prog de Canterbury británico. Realmente he vuelto a mi zona de confort: esta es la música que escucho cuando me voy a dar un paseo, por ejemplo. Escucho mucha música esotérica y ambient, como la de Harold Budd o John Hassell. Es la música que me ha salido crear trabajando solo. Cuando trabajo con gente intento ayudarles a realizar su visión, mi gusto musical es amplio, y el trabajo tiene que ver con ellos, no conmigo. Ahora es al revés.
¿Qué discos podemos encontrar en la colección de tu padre?
Robert Wyatt, los discos de Brian Eno de los 70, Caravan, King Crimson… ese mundo. Mi padre y yo aún tenemos una relación musical muy buena, él me sigue pasando nuevas bandas todo el tiempo. Es la primera persona a la que le puse el disco.
¿Te manda nueva música porque estás demasiado ocupado?
A veces. Como productor te pasas todo el día escuchando música, escuchando sonidos, no tienes mucho tiempo de ocio para escuchar música, de hacerlo por placer. Cuando escucho música por placer lo atesoro, y suele ser música con mucho espacio, ambiental… Alice Coltrane, cosas que te envuelven o te relajan…
Has tocado 18 instrumentos en el disco.
Probablemente más [Me enseña su estudio por vídeo] Todos estos sintetizadores los he tocado yo. El clarinete bajo lo he aprendido a tocar mirando tutoriales. Este instrumento ha sido el génesis de varias canciones del disco, curiosamente.
Björk acaba de sacar su «disco de clarinete bajo». ¿Se va a poner de moda?
Siempre me ha gustado este instrumento. Hace años, cuando vivía en Manchester, tocaba en una banda y Graham Nassey, que estaba en 808 State, me solía pasar mucha música nueva en la que sonaba este instrumento. Me recordaba a Moondog, cosas así. Pensé que este disco era buen momento para coger este instrumento y ver qué pasa.
No sueles escribir letras, ¿ha sido un reto para ti?
En las típicas sesiones de composición pop he ayudado a escribir letras. Por ejemplo, con Alex Turner nos intercambiamos ideas frecuentemente. Pero no me considero letrista y para mí escribir las letras del disco ha sido la parte más difícil de todo el proceso.
¿Por qué?
Ha sido difícil decidir qué tipo de letras escribir. Pero el proceso ha sido enriquecedor, de repente leyendo un libro reparas en ciertas frases, o escuchas a alguien decir una frase que te llama la atención… Cuando escribes letras empiezas a fijarte en ciertas cosas que, si no las escribes, pasan desapercibidas.
Por un momento te tentó llamar a tus amigos y hacer un disco de colaboraciones. ¿Ese disco imaginado era diferente al que ha salido?
El disco empezó con «loops» ambient y poco más. Después, a medida que empezaba a componer canciones más definidas, mi equipo me sugirió llamar a algunos de los artistas con los que he colaborado para que pusieran las voces. Pero yo no quería hacer ese tipo de disco, me parecía una idea demasiado básica y obvia. Me resultaba más valiente y honesto hacer el disco que yo quería hacer por mi cuenta. Además, en el segundo disco de Simian Mobile Disco ya trabajamos con vocalistas y, aunque disfruté la experiencia de crear ese trabajo, siento que algo de la personalidad de la banda se perdió en el camino, y no quería que esto volviera a suceder en mi álbum.
Has producido el nuevo disco de Depeche Mode, el primero como dúo. ¿Cómo abordaste el proyecto?
Ya produje ‘Spirit‘ (2017) y fue una experiencia complicada, había mucha gente en el estudio, ingenieros, programadores… Recuerdo que fue un disco estresante de hacer. Quería que el siguiente fuera diferente, que el equipo fuera pequeño. Contacté a Marta Salogni y me di cuenta de que ella aportaba una energía femenina muy necesaria en el estudio. Este era el plan inicial.
Hasta que Andy Fletcher falleció…
Exacto. En ese momento pensé que el disco ya no saldría, pero lo sacamos adelante. Lo hicimos entre Dave (Gahan), Martin (Gore), Marta y yo, fue una experiencia muy amable y agradable. Entre todos intentamos hacer el mejor disco posible dadas las circunstancias. Fue un disco fácil de hacer. Fue una experiencia agridulce, en el estudio hablábamos mucho de Andy, de recuerdos… Cuando haces un disco la música no es todo, también es importante la dinámica que se establece entre los propios creadores. A veces las estrellas se alinean y otras no, y en este caso lo hicieron.
«Producir el anterior de Depeche Mode fue estresante, el nuevo ha sido fácil»
¿De qué manera crees que has contribuido a la evolución de Arctic Monkeys?
Creo que siempre les he animado a evolucionar, a no estancarse. Alex es un músico brillante, creo que jamás podría repetirse a sí mismo, se aburre rápido. Quizá a la gente le gustaría escuchar otro ‘AM’ pero él no podría escribirlo una segunda vez. Alex y yo nos pasamos música todo el rato, nos descubrimos mucha música nueva, confiamos mucho el uno en el otro.
El cambio de sonido ha sido muy evidente en los últimos discos…
Si quieres que tu grupo favorito haga la misma música todo el rato, estás abocado a la decepción. Todos los grandes artistas han evolucionado y corrido riesgos. Lo que pasa es que la gente establece vínculos emocionales con ciertas obras y eso les hace esperar que sus artistas favoritos las repitan continuamente. Pero no se puede viajar en el tiempo, es imposible.
Estás produciendo el disco de Pet Shop Boys. ¿Cómo va?
El disco no saldrá hasta dentro de un tiempo, puede que ni siquiera este año, pero va muy bien, las canciones son excelentes y ellos son brillantes y encantadores. Hay cosas que son puro Pet Shop Boys y otras que son nuevas para ellos. Hemos trabajado mucho en casa, porque aquí tengo un montón de sintetizadores. (Neil) y (Chris) son personas muy agradables e inteligentes. Cuentan muchas historias de los años 80, de Nueva York, Nueva Jersey, cuando trabajaron con David Bowie… todo lo que han vivido. Son fascinantes hasta decir basta y estoy muy contento de poder trabajar con ellos.
¿Eres consciente del culto que hay alrededor de ‘What’s Your Pleasure?‘ de Jessie Ware?
Sí, sí… A Jessie la conozco desde hace tiempo, es una buena amiga. En ese momento venía de estar bastante disgustada con su discográfica y quería hacer un disco que fuera bailable y divertido. Contó conmigo porque como DJ y productor cuento con un bagaje considerable en el ámbito de la música de baile y la electrónica. Jessie es una cantante y compositora brillante, fue muy fácil hacer ese disco y también el nuevo. Estoy muy contento de que haya encontrado un nuevo público y un nuevo estilo, y que se entregue a la faceta más divertida y extravagante de su personalidad.
Te iba a preguntar sobre la inteligencia artificial, pero he visto que en la nota de prensa del disco, tú mismo la mencionas. Dices que a medida que la «pesadilla de la IA se acerca, la humanidad es la principal cualidad que puedes aportar a la música». ¿Qué opinas de las voces «deepfake» que tanto han proliferado en los últimos meses?
Escuché una anoche, de ‘New York State of Mind’ de Nas, pero cantada por Notorious B.I.G., y da miedo lo mucho que se parecen las voces. Creo que se avecina un cambio parecido a la revolución industrial, y que estamos al borde de un enorme cambio social…
¿Como productor te interesa la IA?
Me interesa más ver cómo puede la IA afectar al mundo, cuál puede ser su impacto en la industria de la música. La IA afectará a todos los trabajos, no solo a la música. Creo que en la música los trabajos que están realmente en peligro son los trabajos medianos. La gente que se dedica a crear música para anuncios tiene los días contados… Pero los artistas en sí, bueno, la IA no puede replicar a Prince realmente.
«A Grimes le gusta llevar la contraria. Ella siempre iba a estar de lado de la inteligencia artificial»
Ahí entra la humanidad de la que hablas…
En el futuro, probablemente si deseas crear una canción de «Dua Lipa» podrás hacerlo, pero lo que nunca va a poder hacer la inteligencia artificial es realmente SER Nick Cave, SER Tom Waits… Toda la música que amo posee ese componente humano y no puedo imaginar que la inteligencia artificial vaya a reemplazar realmente a los humanos.
Luego está Grimes, que ha sacado su propia réplica vocal.
A Grimes le gusta llevar la contraria. Ella siempre iba a estar de lado de la inteligencia artificial. Y eso está bien, ella es una futurista y tiene ideas interesantes. Lo que me interesa de todo esto es pensar cómo va a afectar realmente al mundo de la musica. Creo que la IA generará mucho más ruido, mucho más información, y que para los artistas será mucho más difícil hacerse notar, más que ahora incluso… Será un paisaje inundado de información…
Quevedo continúa dominando la lista de Discos en España una semana más, con un ‘Donde quiero estar’ que tras 18 semanas ya ha conseguido el doble disco de platino.
Ghost, entrada más fuerte
La entrada más fuerte esta vez no la encontramos hasta el número 12, donde aparece ‘Phantomime’ de Ghost. El EP de versiones de la banda de metal ha sido número 1 en su país, Suecia, colándose en el top 10 de lugares como Reino Unido, Finlandia o Austria. En Alemania y Holanda ha quedado en el número 11, más o menos como en España.
Nicki Nicole, top 20
Por debajo, pero también en el top 20, está ‘Alma’ de Nicki Nicole, directo al 19. El disco de tan solo 10 canciones incluye colaboraciones como la de Rels B, ‘qué le pasa conmigo?’.
Lewis Capaldi arrasa en UK
Lewis Capaldi, que es número 1 en Reino Unido con números espectaculares (95.000 copias en 7 días, casi el disco de oro, de momento es el mejor debut de 2023 por encima de Ed Sheeran), llega al puesto 30 en España con ‘Broken By Desire to Be Heavenly Sent’. Este dato, que puede saber a poco, es una mejora respecto al número 44 que conseguía en nuestro país su debut. ¿Qué otros territorios han apoyado masivamente a Lewis Capaldi? Ha alcanzado el puesto 1 por supuesto en listas casi gemelas a la británica, como la de Irlanda, y la de Australia, y también en Holanda. En Italia y Francia el puesto se parece más al de España (top 31 y top 41, respectivamente), y en Estados Unidos, ha llegado al puesto 14. El artista encabeza la próxima edición de Dcode.
La Zowi y Cruz Cafuné subirán
También hay que pararse a hablar de La Zowi, que llega al puesto 65 con ‘La Reina del Sur’; y de Cruz Cafuné con ‘Me muevo con Dios’, que llega al número 85; en ambos casos con tan sólo 2 días y 1 computados, respectivamente. Ambos subirán la semana que viene en su primera semana completa.
Coldplay suben gracias a sus conciertos
Con motivo de sus conciertos multitudinarios en España, ‘Music of the Spheres’ de Coldplay pasa del puesto 80 al puesto 25, siendo la subida más fuerte de la semana. Este álbum es disco de oro en nuestro país.
Otras entradas de la semana en Discos España son la banda sonora de ‘Fast X’ en el número 41, ‘Paraíso 39’ de Juancho Marqués en el 64, ‘Drastic Symphonies’ de Def Leppard en el 86 y ‘El niño que nunca crece’ de Maki en el 89.
Sia recibió hace dos años críticas muy duras por su retrato del autismo en su película ‘Music’. Se cuestionó, entre otras cosas, que escogiera a una actriz neurotípica, su gran aliada Maddie Ziegler, para un papel que iba a tener tanta visibilidad.
La cantante estuvo en depresión e incluso barajó suicidarse. Ahora la autora de ‘Chandelier’ ha revelado en un podcast que está en el espectro autista.
Estos días Sia era la invitada de Rob Has a Podcast. Hablando sobre la 44ª temporada del ‘Supervivientes’ estadounidense y en concreto con la concursante Carolyn Wiger, que no está en el espectro autista, pero sí tiene el trastorno de déficit de atención y está en rehabilitación por sus adicciones, Sia le ha tirado un cable a la que ha llamado su «concursante favorita de la historia»: «Estoy en el espectro, y estoy en recuperación, muchas cosas pasan”. Además, Sia le ha donado a esta concursante 100.000 dólares para que resuelva sus problemas económicos y los de su hijo.
Carolyn le da entonces las gracias y le pide que hable sobre su lucha. Sia se refiere también a su conocida lucha contra sus adicciones, retratada en discos como ‘1000 Forms of Fear‘: “Solo en los últimos 2 años me he vuelto completamente yo misma. Nadie puede conocerte y amarte cuando estás llena de secretos y viviendo avergonzada. Cuando finalmente nos sentamos con un montón de desconocidos y les confesamos nuestros secretos más profundos, oscuros y sonrojantes, y todo el mundo se ríe con nosotros y no nos sentimos pedazos de mierda por primera vez en nuestras vidas, y sentimos que nos están entendiendo por primera vez en nuestras vidas por quienes somos, solo entonces podemos empezar a salir al mundo como seres humanos con corazón y no fingiendo ser cualquier cosa”.
Sia también ha sido noticia recientemente por casarse con Dan Bernards en Portofino, Italia. Solo 4 personas acudieron como testigos a la ceremonia, que se daba a conocer este mes de mayo. Os dejamos con el vídeo del referido podcast. Podéis ver la entrevista con Sia desde el minuto 10. Su revelación es en el minuto 16.
Nuestro compañero Juan Sanguino ha publicado un libro en el que desgrana ‘Palabra de mujer’ de Mónica Naranjo. Ya disponible en la tienda de JENESAISPOP, tiene un título prometedor: ‘Apriétame más fuerte’. El año que Mónica Naranjo desató a un millón de chonis, maricas y marujas’. El contenido está a la altura de las expectativas gracias a la profundidad que permiten más de 350 páginas sobre este tema.
El análisis de Sanguino incluye por supuesto lo musical, canción a canción, en una mezcla de copla, dance y R&B que la crítica de la época no quiso valorar ni para bien ni para mal. Y ahí entra el análisis de los prejuicios de una sociedad en el que era necesario profundizar desde el punto de vista sociológico.
El libro se pregunta por qué la cantante triunfó antes en México que en España. Cómo Sony se vio obligada a apostar por ella pese a su falta de fe. De qué manera Mónica consiguió penetrar en la sociedad española pese a la falta de apoyo de las radios como Los 40 Principales, donde se negaron a pincharla ni cobrando, y en qué estratos lo consiguió. Maricas, chonis y marujas serían fundamentales en el apoyo de temas como ‘Desátame’, ‘Pantera en libertad’ o ‘Empiezo a recordarte’. Al final, cada single se ofrecía a un estrato de la sociedad diferente, conquistando a cientos de miles de personas.
Juan Sanguino ha hablado con casi todos los creadores envueltos en ‘Palabra de mujer’, excepto Ella: letristas, autores, programadores, diseñadores… y también con algunos responsables de la industria, entre otros José Luis Gil, figura muy visible recientemente por su testimonio villano en el documental de Loco Mia.
Ahora Sanguino visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP para contarnos los entresijos del libro y analizar de nuevo el disco, en este caso con la suma de nuestra visión. ‘Palabra de mujer’ estuvo en nuestra lista de Mejores Discos de 1997 publicada hace unos años; y ‘Desátame’ entre las Mejores Canciones de 1997, aunque es cierto que también tuvimos nuestras reservas, como la prensa especializada de aquel momento, y tratamos de dilucidar por qué.
El libro sobre Mónica Naranjo está disponible en tienda.jenesaispop.com junto a los otros 3 libros de Juan Sanguino. Os recordamos que los gastos de envío son gratis a partir de 30 € con el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL.
En redes ha aparecido un anticipo de lo que parece a todas luces una colaboración entre Madonna y Sam Smith llamada ‘Vulgar’, plagada de sonidos orientales. En ella, Sam Smith reivindica lo «vulgar» como «hermoso» en clara alusión a las críticas recibidas por ambos, una por «vieja» y otro por no binarie. Madonna ha confirmado que ‘Vulgar’ sale el 9 de junio.
Como algunos recordaréis, Madonna fue la artista que presentó la actuación de Sam Smith junto a Kim Petras en los Grammy. La Reina del Pop copó titulares por su look desfavorecedor, y Sam Smith por ofrecer una performance de carácter satánico para -ejem- ‘Unholy’. Madonna criticó a los cámaras que la habían deformado, y Sam Smith fue insultade por la calle.
En la gira de Sam en presentación de ‘Gloria’, su nuevo disco, que tan desapercibido está pasando por las listas, Smith estaba realizando una reivindicación de ‘Human Nature’, uno de los singles perdidos de la carrera de Madonna, nunca un gran éxito, pero sí una de las favoritas de la artista.
En principio se decía que era un remix de ‘Unholy’, de ‘Human Nature’ o de ambas. Sin embargo, Ryan Tedder ha retuiteado una información de un insider que dice que la canción es «nueva» y «muy vulgar», lo que hizo pensar que el tema se llamara ‘Vulgar’.
Sam Smith tenía pensado estrenar un tema al término de su concierto anoche en Manchester, pero justo tuvo que cancelarlo tras unas 4 canciones por una circunstancia no aclarada. Así lo están comentando los usuarios de Popjustice.
Como nota curiosa, fue Sam Smith quien impidió que ‘Rebel Heart’, el penúltimo disco de Madonna, fuera número 1 en Reino Unido. Quedó en el top 2 por detrás, en aquel momento, de ‘In the Lonely Hour’. Fue en aquella época, y pese a ser gran fanático de Lady Gaga hasta el punto de hacer cola en sus conciertos, cuando Sam Smith comentó que se estaba haciendo fan de Madonna. Escribía en Twitter en enero de 2015: «hasta hace un mes, no era fan de Madonna. Pero de repente me he OBSESIONADO. Lo es todo».
Amazon Prime Video anunciaba esta mañana todos los nuevos detalles de Operación Triunfo 2023, el programa que presentará Chenoa. Aunque aún no se ha desvelado la fecha de emisión, sí se han adelantado algunas informaciones acerca de la dinámica que tendrá el reality.
Esta primera temporada durará 14 semanas en las que habrá cambios sustanciales. Las galas pasarán a durar 90 minutos, un intento de evitar las emisiones excesivamente extensas de las últimas ediciones. No desaparecerá la post-gala, pero tampoco se mantiene como antes. El canal 24 horas en YouTube se mantiene como punto fuerte del formato, allí se seguirá el día a día de los concursantes de la misma forma. Pero Prime Video incluye un contenido más novedoso aún: un magacín diario. Tendrá un presentador diferente y colaboradores que siguen siendo un misterio. Podría decirse que será un repaso diario de lo que ocurra en la Academia.
Los responsables del programa han asumido que los fans de OT son muy poco transigentes en cuanto a los cambios o novedades, así que han decidido mantener a cuatro de los profesores más conocidos. Se verán caras nuevas, pero Noemí Galera seguirá siendo la directora de la Academia, Manu Guix el director musical, Mamen Márquez vocal coach y Vicky Gómez coreógrafa.
La Academia, nueva también, seguirá manteniendo una de las cosas que hace que el formato tenga éxito, el encierro de los concursantes. Incluso Chenoa ha reconocido en la rueda de prensa el valor de esto: «Cuando estaba en la Academia, el hecho de no enterarme de nada me hacía focalizar». Aun así, parece que la dirección tendrá en cuenta lo que puede hacer ese aislamiento un poco más llevadero.
El Festival Tomavistas ya ha desvelado el horario de su cartel para los tres días. Tendrá lugar del 22 al 24 de junio en el parque Enrique Tierno Galván, en Madrid. Aunque ya desvelaban su cartel por días hace algo más de dos meses, hoy presentan los horarios.
El jueves 22 actúan Ginebras, La La Love You, Carlangas, Niña Polaca, Menta y BRAVA. Shego coincidirá con Queralt Lahoz a las 18.30h y Depresión Sonora con Judeline a las 20.15h.
El segundo día, el viernes 23, coinciden a la misma hora Perro y Pip Blom, y Mujeres y Playback Maracas. También se podrá ver ese día a artistas como La Casa Azul, The Vaccines, Triángulo de Amor Bizarro, Parquesvr, Playback Maracas, Mujeres, La Femme y Gazzi.
Por último, el sábado 24 cerrarán el festival Dani, La Bien Querida, La Paloma, Allah-Las, Cala Vento, Sidonie, La Élite, Ladytron y Metronomy. Aun así, coincidirán Blanco Palamera y Margarita Quebrada, y Los Punsetes con HOFE X 4:40. Los últimos abonos están disponibles en la web de Tomavistas.
Así adelantaba la artista su próximo sencillo, ‘LAS BABYS’. Todo apunta a que se trata de una canción que formará parte de su nuevo álbum, que podría llamarse ‘alpha’, al que también pertenece el single ‘Los Ángeles’.
En el adelanto, que aún no tiene fecha, Aitana ha dejado ver que en su nuevo tema sampleará el clásico del eurodance ‘Saturday Night’ de Whigfield. «Quiero bailar perreando toda la noche con las babys / Quiero brindar por un amor que nunca fue, fuck you baby». En lo que parece que será el estribillo, la artista mantiene el formato de la canción original, añadiendo el toque personal.
La artista no se cansa de publicar en las redes sociales que este nuevo trabajo pertenece a su nueva «alpha era», una era en la que ritmos house y la electrónica estarán muy presentes. Se muestra con una faceta que hasta ahora no había mostrado, muy alejada del pop más tradicional.
En su cuenta de TikTok, Aitana ha revelado otro fragmento de ‘LAS BABYS’ en el que queda claro que en esta nueva era las amigas son pilar fundamental. «Por la niña buena, por la niña mala / Y por esa amiga que vuelve hermana». Augura un tema para celebrar la amistad con esas ‘babys’ con las que salir a divertirte no tiene dificultades.
En una de las mejores canciones de ‘My Soft Machine’, el nuevo disco de Arlo Parks, la británica canta como un mantra una frase que, por su sencillez, llega hondo: “es más fácil no sentir nada, qué difícil es confiar en alguien”. En ‘I’m Sorry’, Arlo vuelve a abordar el tema de la salud mental desde una perspectiva personal y universal, y consigue reconfortarnos como tantas de sus canciones logran.
La propia Arlo ha necesitado confort: en 2021 canceló su gira por sentirse exhausta y “rota” y, aunque con su primer disco ganó el Mercury Prize, aún las ansiedades con las que convive llaman a su puerta. En ‘My Soft Machine’ las vuelca en unas canciones que parten del sonido del debut para llevarlo ligeramente adelante, en otro de esos discos que son continuistas pero solo porque desarrollan lo anterior añadiendo pequeñas novedades.
El sonido de Arlo Parks, ese pop relajado que hace uso de baterías ligeras de hip-hop y guitarras eléctricas a lo bedroom-pop, sigue presente en ‘My Soft Machine’, por ejemplo, en el estupendo single ‘Impurities’ o en el mencionado ‘I’m Sorry’. Los ecos al trip-hop blandito de Dido (voluntarios o no) se hacen notar en otros dos singles, ‘Weightless’ y ‘Pegasus’. Sin embargo, Arlo también arriesga, por ejemplo, dotando ‘Devotion’ de unas guitarras inspiradas en el grunge, y, en ‘Blades’, entregando su canción bailable. Ambas apuestas le salen bien.
Compuesto en los momentos libres que le permitió la gira de ‘Collapsed in Sunbeams’, y producido con Paul Epworth, ’My Soft Machine’ habla de las típicas experiencias de una veinteañera que empieza a reconocer las dificultades de la vida adulta. En la intro recitada de ‘Bruiseless’, Arlo canta que “ojalá volviera a tener siete años” y que “ojalá mis ojos aún fueran amplios”, en referencia a esa infancia que aún no ha perdido la inocencia, a la que todo asombra. Es un momento especialmente poético. Y en ‘Weightless’ lidia con haberse dado cuenta de que la persona a la que ama solo le da “migajas” emocionales.
Evidentemente el amor es uno de los protagonistas de ‘My Soft Machine’, que recibe su título de una frase de la película de 2019 ‘The Souvenir’. La dependencia emocional inspira una de las mejores canciones, ‘Pegasus’, en la que participa Phoebe Bridgers, y Arlo dedica varios temas a las inseguridades que emergen en su cabeza cuando se encuentra en una relación. Por su parte, ‘Impurities’ celebra que “irradio cuando tú abrazas todas mis inseguridades”, y ‘Devotion’ afronta el amor de esa otra persona con una dosis de incredulidad: “¿por qué te creo cuando me dices que soy buena?”
Y es que a veces a Arlo Parks le asuela la “culpa” por no poder ayudar a esas personas de su círculo que lo están pasando realmente mal, en concreto, con el abuso de sustancias. Nos lo cuenta en ‘Bruiseless’. Sin embargo, en sus nuevas canciones, Arlo demuestra que poco a poco va siendo capaz de salir del fango y de aceptarse a sí misma, en todas sus dimensiones. Quizá, por eso, ‘My Soft Machine’ es un disco especialmente colaborativo: además de Epworth y de Bridgers, también están por aquí Ariel Rechtshaid, Romil de Brockhampton y hasta David Longstreth de Dirty Projectors. Él toca la guitarra precisamente en ‘I’m Sorry’, llenando la canción de una luz que en realidad ilumina, tenuemente, todo el disco.
‘Hamburguesa’ es el último single de Madbel, una artista emergente que basa su sonido en tres pilares: lo urbano, la música electrónica y el indie-pop. ‘Tarara’ es el nombre de su álbum que verá la luz en los próximos meses. Con tan solo tres canciones publicadas, su estilo recuerda al de El Columpio Asesino. Esa mezcla del rock y la electrónica, con la presencia del sintetizador están en ‘Hamburguesa’, nuestra Canción del Día hoy. La reciente separación del grupo hace pensar que quizá Madbel pueda subsanar esta pérdida para una nueva o una vieja generación. Sin querer suplir, tomando el testigo.
Sus letras son una vía de escapatoria para situaciones cotidianas, especialmente situaciones en las que las mujeres se encuentran de forma habitual. En ‘Hamburguesa’ la artista reivindica el derecho a comerse una hamburguesa cuando tienes el día torcido, literalmente. A veces una chica necesita mandar callar a toda la gente que siempre tiene un consejo para todo aunque nadie se lo haya pedido. Siempre hay gente que está peor y mejor que tú, pero quejarse de lo propio es sano. “Aunque mi vida tenga mil defectos todos tenemos un ‘momento hamburguesa’ que nos hace conectar con esos pequeños placeres de la vida que hacen que todo lo demás sea más llevadero” explica Madbel. Se refleja en el tema: la sátira va del brazo de esa pequeña libertad que es silenciar el mundo de vez en cuando.
‘Tarara’ es la canción que da nombre al disco y que usa la mítica canción infantil para componer el estribillo. Busca ser cercana pero con un carácter novedoso. Adaptada al contexto pero con notas inocentes. Lo que está claro es que el sonido tecno estará presente a lo largo de todo su trabajo. En el sencillo ‘Maribitch’ Madbel se desprende de lo ingenuo pero sin soltarle la mano a la feminidad. Su tono de voz es menos melódico, más hablado. Suena a reivindicación, como el resto de sus temas. Que lo mantenga, o no, es algo que veremos en su próximo álbum.
El Primavera Sound no empieza el jueves. Ni siquiera el miércoles en la fiesta inaugural. Desde hace bastantes años, el Primavera Sound comienza el lunes con el Primavera a la Ciutat: una serie de conciertos en los que toca parte del grueso del cartel y que se celebran en los días previos y el domingo siguiente al festival. El formato ha ido mutando a lo largo de los años: de conciertos gratuitos abiertos a todo el público (mitiquísimo el de Richard Hawley en Arc de Triomf en silla de ruedas en 2016) a conciertos en salas solo para poseedores del abono: en 2019 pudimos ver a Cate Le Bon o Deerhunter de lujo en el Apolo.
En esta edición se ha recuperado este formato del 2019: conciertos el lunes, martes, miércoles y el domingo, a los que los poseedores del abono pueden entrar haciendo una reserva en Access Tickets de 10 euros (que se retorna) y los no “abonados” pagando una entrada de 16,50 euros a través de la app de Dice.
El cartel de Barcelona se reparte entre las dos salas del Apolo y del Razzmatazz y está bastante bien: Black Country, New Road, Black Midi, Arab Strap, Maggie Rogers, The Comet Is Coming, Melody’s Echo Chamber y, claro está, Pet Shop Boys, entre otros. Pero en Madrid será aún mejor. El número de salas es mayor: hasta ¡once!, del Teatro Eslava a la Riviera, Clamores, Independance… Y, a mayor número de salas, mayor número de artistas. Aparte de los antes nombrados, el plantel madrileño (y que, agh, no veremos en sala en Barcelona) quita el hipo: The War on Drugs, St Vincent, Julia Holter, Karate, Nation of Language, The Delgados… Una oportunidad única para degustar delicatessen en un ambiente perfecto… y para quitarse solapes durante el festival. Los conciertos de Madrid se celebrarán del lunes 5 de al miércoles 7 de junio y el domingo 11. Más información sobre horarios y salas aquí.
Sharon Lopez
Este lunes, pues, ya empezamos a zambullirnos en el ambiente festivalero. En el Apolo resonaban los ritmos marciales de los bielorrusos Molchat Doma, en la sala grande del Razz el post-post rock de black midi. Pero mi corazoncito era para Arab Strap, en la sala 2 de Razzmatazz. Antes, tocaron los jovencísimos The Goa Express. El grupo se formó cuando perdieron el último bus a su pueblo tras un concierto de The Brian Jonestown Massacre (¡no siempre es malo estar esperando el Nit Bus!). Menos abrasivos que los americanos, los Goa suenan muy bien, tocan mejor, son enérgicos y su pop-rock con bastante de jangle no puede ser más vitalista, aunque a la ecuación solo le falle tener unos temas con más gancho. Aun así, el cantante jugando con su gorra y el guitarrista que buscaba afanosamente latas de cerveza no pudieron resultar más simpáticos.
Para Arab Strap ya hay una buena entrada en el Razz 2, pero nada de agobios. Al dúo no se le caen los anillos teniendo que salir a montar ellos su escenario. Mi acompañante hace hincapié en el buen aspecto que luce Aidan Moffat. Su presencia, imponente de cintura para arriba, se relaja en unas bermudas vaqueras de cintura para abajo. Cuando arranca el set, unos golpes marciales resuenan en el escenario. Han venido en formato banda. Malcolm Middleton se queda en segundo plano, inamovible en su rincón. Aidan se hace de rogar, hasta que aparece desafiante con el pie de micro. Él lleva todo el peso del show, salmodiando con el pie de micro a cuestas, al que pasea por todo el escenario. Nos regalan para empezar la asfixiante ‘The Turning of Our Bones’, con la que abren su estupendo ‘As Days Get Dark’, disco que va a ser el grueso de la actuación.
Así transcurre el concierto: bajos gordos, tormentas sónicas, Aidan mandando, ora dándole a la batería eléctrica, ora desapareciendo del escenario entre flashes de luz… Se ha traído una colección de botellines de sidra y un abridor. Los botellines van cayendo, uno tras otro, mientras él ejerce de rápsoda entre el silencio en ‘Compersion pt 1’, o la intensidad y la concentración de ‘Keybabilon’… Alguien pide ‘Cherubs’ de ‘Elephant Shoe’ (yo lo hago mentalmente), pero no hay suerte. Sin embargo, sí que cierran con clásicos como ‘Girls of Summer’ y ‘The First Big Weekend’. Nada menos que 90 minutos de fango, pero inusitadamente luminoso.
Ya este martes, era el momento de vera a Melody’s Echo Chamber. Un colega me dijo que ella era “esquiva” y que tampoco se dejaba ver mucho en directo. Que había que aprovechar su visita al Apolo, vamos. Mucha gente debía pensar lo mismo. Si la sala estaba a la mitad con los norteamericanos Zopa, para cuando le llegó el turno a Melody Prochet, el aforo estaba hasta los topes. Melody conduce una banda efectivísima, que le da un empaque muy físico a su psicodelia onírica. Tras su teclado, Melody baila, canta, se sumerge en la música y se deja llevar, a ratos parece casi en éxtasis. Y lo hace todo tan bonito, que nosotros también nos dejamos llevar. La única pega es que hay un exceso de canciones de su primer disco, el homónimo ‘Melody’s Echo Chamber’. Lo compensa convirtiendo en pieza mayor, ya hacia el final del set, la preciosa ‘Shirim’ de ‘Bon Voyage’. Por otra línea, me informan de que el concierto de Black Country, New Road en Razzmatazz ha sido “histórico”, a pesar de no contar con Isaac Wood. Bien, histórico quizás no, pero el show de Melody’s Echo Chamber ha sido precioso y hechicero.
Buck Meek, guitarrista de Big Thief, ha publicado dos discos en solitario, ‘Buck Meek’ (2018) y ‘Two Saviors’ (2021), y este año publicará el tercero. ‘Haunted Mountain’ sale el 25 de agosto, un disco «sobre el amor» pero también sobre «algo más, más grande que el amor, algo que no desafía al amor sino que actúa como su contraste».
Meek cree que «a veces parece que todas las canciones de amor ya han sido escritas», pero Meek intenta su propia gran canción de amor en ‘Haunted Mountain’, la pieza que avanza su nuevo disco y que además le da título.
Haciendo uso de las típicas metáforas naturalistas en el trabajo de Big Thief, ‘Haunted Mountain’ habla de un amor que ha salvado a Meek de la oscuridad. Antes él era una persona que «divagaba», solitaria, por las «llanuras verdes». Ahora ha llegado a la «montaña encantada», donde una «nube de oro» le envuelve; una montaña de la que ya no se quiere ir.
Alegre y feliz, ‘Haunted Mountain’ recuerda a las canciones más luminosas de Big Thief, pero la influencia del country es evidente, en sonido y también en letra, pues la narrativa letra de ‘Haunted Mountain’ -co-escrita con Jolie Holland- trae ecos a las grandes historias de Glen Campbell o Dolly Parton.
