Este año Sabrina Carpenter encabezaba Primavera Sound, y el año que viene hará lo mismo en Coachella, ya con su nuevo álbum, ‘Man’s Best Friend‘ en la calle. Los otros cabezas de cartel serán Justin Bieber y Karol G, esta última mayor referente femenino de un público latino pujante desde hace rato en las listas del Billboard.
Coachella volverá a celebrarse desdoblado durante dos fines de semana: el que comienza el 10 de abril y el que comienza el 17 de abril.
En la segunda línea del cartel de Coachella 2026 aparecen The xx, que están trabajando en nuevo disco y quizá para entonces habrán dejado oír al menos algún single del mismo; y The Strokes, de los que tampoco tenemos novedades discográficas hace rato.
Destaca gente que ha hecho alguno de los mejores discos de 2025, como Turnstile, Ethel Cain, Blood Orange, CMAT, FKA twigs, Addison Rae, PinkPantheress y Model/Actriz.
Entre los nombres destacados, gente tan dispar como KATSEYE, Iggy Pop, Moby, Devo, Foster the People, Lykke Li, David Byrne, sombr, Laufey o Röyksopp. Igualmente se anuncia, aparte, «The Bunker Debut of Radiohead Kid A Mnesia», en referencia a aquellos dos álbumes de Radiohead que iban a ser un disco doble, en principio.
En la letra pequeña del festival nos ha sorprendido encontrar a Carolina Durante, como en otras ocasiones estuvieron Cariño; a Mëstiza; y también a rusowsky, cuyo viral ‘malibU’ ha calado algo en México.
Demi Lovato acaba de anunciar su noveno álbum de estudio. ‘IT’S NOT THAT DEEP’ estará disponible el próximo 24 de octubre y significará un regreso al pop para la artista estadounidense, a juzgar por los dos singles previos.
Si algo tienen en común ‘Fast’, con un toque muy ‘BRAT’ e injusto flop, y ‘Here All Night’, es que se alejan claramente del sonido rock del último disco de Lovato, ‘HOLY FVCK’, lanzado en 2022. Sobre la música de este nuevo proyecto, la cantante asegura que se trata de «un reflejo del lugar en el que estoy ahora». ‘Here All Night’ es nuestra Canción del Día hoy.
Estamos ante un electropop muy ágil y juguetón en el que Demi Lovato utiliza la pista de baile para olvidar una relación que no ha funcionado. «No quiero nada natural, quiero electrónica, porque si la música para, me vuelvo psicótica», dice en una estrofa. Por su parte, el estribillo habla de «sudar en la pista de baile, bajo las luces» y amenaza: «para olvidarte estaré aquí toda la noche».
Directa a la yugular en menos de 3 minutos de duración, bajo la producción de Zhone y Leland, ‘Here All Night’ nos adentrará en el álbum como pista 2, sonando inmediatamente después de ‘Fast’. En el vídeo, Demi Lovato lo da todo también, bailando en este caso sola, entre posibles referencias a ‘Flashdance’.
Zhone es el productor principal del álbum, conocido por trabajar junto a Troye Sivan en ‘Rush’ y en el remix de ‘Talk Talk’. Demi también ha revelado la portada del proyecto, en la que aparece desnuda y tapándose con un vestido rosa que parece recién sacado de la tintorería. Alrededor, lo que ella misma describe como «la escena más hermosamente caótica»: dos hombres mayores jugando al ajedrez, un niño con una pelota, un perro corriendo…
Después de Irlanda, Países Bajos, Islandia y Eslovenia, España es el siguiente país en decidir que se retirará de Eurovisión si la candidatura de Israel sigue en pie. Además, tampoco emitirá el festival si este país participa.
Esa ha sido, por mayoría, la decisión del Consejo de Administración, reunido en la mañana del 16 de septiembre. España es el primer «big five» que decidirá retirarse si Israel es definitivamente admitido. La decisión se ha tomado con 10 votos a favor, 4 en contra y 1 abstención.
Los miembros que han apoyado esta medida son el propio José Pablo López, presidente de RTVE, junto a Esther de la Mata, Angélica Rubio, Rosa León y Mercedes de Pablos (estos 5 en su momento elegidos por el PSOE); Sergi Sol, por ERC; Marta Ribas y María Teresa Martín, por Sumar; Mariano Muniesa, por Podemos; y María Roncesvalles Solana, por el PNV (todos ellos aprobados por el Congreso). El miembro de Junts, Miquel Calçada Olivella, alias Mikimoto, se ha abstenido, y han votado en contra de la decisión los 4 miembros en su momento designados por el PP: Eladio Jareño, Rubén Moreno, Ignacio Ruíz Jarabo y Marina Vila.
El genocidio en Gaza, que ya ha dejado más de 64.000 muertos, está haciendo que muchas delegaciones se cuestionen su participación en Viena 2026. La decisión de qué países participarán se espera para principios de diciembre, aunque RTVE está presionando para que se produzca antes, dada la gravedad de los hechos.
El anuncio ha llegado poco después de las manifestaciones en Madrid por La Vuelta, que acabó siendo cancelada, a causa de la participación del equipo israelí. Por otro lado, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha declarado en múltiples ocasiones su deseo de que España no participe en Eurovisión si la delegación israelí sigue en la competición. La última, este lunes en RNE: «Si no logramos expulsar a Israel, España no debe participar».
Parte de la gracia del pop es el éxito y por tanto, depende directamente de los entresijos de la industria musical de cada momento. «Pop» viene de «popular», al fin y al cabo, y el musicólogo británico Simon Frith definía este tipo de música como «una cuestión de empresa, no de arte». Con los sinsabores que la lucha por buenas cifras deja, es que JADE de Little Mix ha construido una carrera en solitario interesante. ‘THAT’S SHOWBIZ BABY!’ es el disco de pop perfecto o casi, que siempre esperaste de Geri Halliwell o Mel C, sobre todo porque tiene mucho de esa amargura de «no estar consiguiéndolo».
Su «rollout» ha sido espectacular. El año pasado se lanzaba ‘Angel of My Dreams‘, una canción en la que JADE se dirigía a la industria: esta y nadie más es el «ángel de sus sueños». El tema analiza su relación amor/odio con mánagers y demás, después de que la persona que la contrató para una discográfica, desapareciera. Es especialmente significativa la frase «selling my soul to a psycho», pues es un dardo a Simon Cowell, quien fichara a Little Mix al participar en el ‘Factor X’ británico: su sello se llamaba sin ninguna vergüenza Syco Music.
Aparte de una canción meta, ‘Angel of My Dreams’ es una producción muy loca con cambios de ritmo y recovecos. Su vídeo contiene referencias a Mariah Carey, Victoria Beckham, Christina Aguilera, Kylie Minogue, Madonna y Lady Gaga, además de un cameo cruzado con Grian Chatten de Fontaines DC, absurdo como toda la composición en sí. La proclamamos una de las 20 mejores canciones de 2024, pero en realidad tenía que haber sido top 10.
‘IT girl‘ es su continuación natural en el álbum. Si ‘Angel of My Dreams’ se abría de manera improbable con un sample de ‘Puppet on a String’ de Sandie Shaw, ‘IT girl’ vuelve a referenciar aquel clásico para decir: «no soy tu muñeca, ni una marioneta», solo que en un entorno más club, un poquito Azealia Banks, entre el house y el rap, bajo los mandos en esta ocasión de Cirkut y Lostboy.
Salvo algún baladón como el desgarrado ‘Natural at Disaster’ o ‘Silent Disco’, el electropop es el género que reina en el álbum, a través de producciones desarrolladas junto a Mike Sabath, Grades y MNEK, entre otros. ‘Plastic Box‘, escrita tras el hallazgo de unas viejas cartas que producen tremendo ataque de celos, es una de las mejores y más bonitas. Raye aparece en los créditos de ‘FUFN (Fuck U For Now)’, un tema sobre discutir por una tontería, y Tove Lo en los de ‘Lip Service’, sobre sexo oral.
‘Fantasy‘ es un homenaje a las ambientaciones que hicieron famosa a Donna Summer, y lo curioso es que JADE se ha puesto disfrutona hasta cuando ha escrito un tema sobre la delicada salud de su madre. Aunque no lo creas, el trallazo de electropop que es ‘Unconditional’ está dedicado a eso. «Si tan solo mi amor pudiera servirte de medicina…», lamenta.
‘THAT’S SHOWBIZ BABY!’ no es un álbum tan loco como prometía ‘Angel of My Dreams’: hacia su mitad es generoso en temas de tintes R&B que remiten o bien a Beyoncé (‘Midnight Cowboy‘) o incluso a FKA twigs (‘Self Saboteur’, ‘Glitch’). La gran sorpresa de la segunda mitad -lo único que desconocíamos hasta ahora- la da en penúltimo lugar un sample de las Supremes que tiene toda la razón de ser. JADE quería ser famosa desde pequeña y junto al productor Mike Sabath pasó un tiempo buceando en grabaciones suyas en las que aparece versionando hits en concursos locales y otras formas de talent shows.
No siempre ha sido un camino fácil, pues de pequeña la artista sufrió bullying, racismo y desórdenes alimenticios. ‘Glitch’, de hecho, habla sobre el síndrome del impostor. Documentándose sobre su propia carrera, un día dieron con un vídeo en el que cantaba ‘Stop! In the Name of Love’ y han podido incorporar aquella grabación infantil en ‘Before You Break My Heart’. Una ilusión para JADE, pues asegura que Diana Ross es su «artista favorita de todos los tiempos». Y es que pese a que el pop no sea más que una «empresa», JADE ha peleado con éxito por darle un sentido.
‘Double Infinity‘ ha sido nuestro último Disco de la Semana. Un gran álbum del que ya destacamos el single ‘Incomprehensible’ y en el que incluso despuntan tracks que no fueron single como ‘No Fear’ o ‘Happy with You’, que logran hacer de la repetición, su virtud.
Hoy seleccionamos como Canción del Día el segundo corte del álbum, ‘Words’. En él, la melodía fluye preciosa mientras la bonita voz de Adrianne Lenker apela al «subconsciente» una y otra vez. De hecho, el modo en que entona la palabra «subconscious» parece conformar el verdadero estribillo de la composición.
Entre otras cosas, ese «subconsciente» se refiere al modo en que tarareamos una melodía «en bucle» y eso es lo que termina pasando con ‘Words’, como no podía ser de otra manera. Una canción sobre lo vagas que pueden ser las «palabras» para expresar nuestros sentimientos. Dice una estrofa: «las palabras no tienen sentido», «las palabras no van a hacerlo bien» o «las palabras están cansadas y tensas».
En el sencillo vídeo, una pequeña batalla con las mismas a través de libros o dibujos en la playa, realzando el carácter poético y evocador de la producción. Otra de las joyitas de Big Thief y van…
El madrileño Ochoymedio celebra este otoño sus 25 años con un ciclo de conciertos que arrancará tras una fiesta inaugural el 27 de septiembre en la que pincharán Hidrogenesse, Joaquín Reyes, Inés Hernand y muchos más. Entre las decenas de invitados al ciclo están Los Punsetes, que interpretarán íntegramente su álbum ‘LPIV’ el 23 de octubre. Las entradas están a la venta.
Es difícil determinar cuál es el mejor disco de Los Punsetes, pues todos incluyen varias canciones carismáticas. El primero traía ‘Dos policías’ y ‘Maricas’. El segundo, ‘Tus amigos’. El tercero, ‘Alférez provisional’. ‘Viva‘ traía ‘Tu puto grupo’, ‘Mabuse’ y por supuesto el tema titular. ‘Aniquilación‘ incluía ‘Una persona sospechosa’ y ‘Vas hablando mal de mí’. Y el último hasta ahora ‘AFDTRQHOT‘, ‘ESPAÑA CORAZONES’ y ‘HOLA, DESTRUCCIÓN’. Preguntamos a Los Punsetes por qué entonces se han decantado por ‘LPIV’. Responde el guitarrista Manuel Sánchez, más conocido como Anntona.
¿Por qué habéis decidido hacer un concierto sobre ‘LPIV’ y no otro de vuestros discos? ¿Qué significó para vosotros?
Honestamente, la propuesta vino del Ochoymedio. Nosotros no nos habíamos planteado nunca tocar un disco íntegro, aunque es cierto que en cuanto nos lo propusieron nos pareció divertido y dijimos enseguida que sí. Igualmente, la elección del disco fue cosa del Ocho, hay que preguntarles a ellos. Para nosotros fue un disco importante, veníamos de hacer ‘Una Montaña es una Montaña’, que era un disco más oscuro y denso y queríamos cambiar de tercio y hacer un disco más directo, lleno de singles y canciones más inmediatas. Todo esto de la mano de El Guincho, fue nuestro segundo disco con él, y cambiando por primera vez de discográfica: nos fuimos de Everlasting para trabajar con CANADA.
Creo que el hecho de que las canciones funcionaran bien nos dio un empujón moral importante.
¿Hay consenso total en la banda sobre cuál es el mejor disco de Los Punsetes?
No creo ni que tengamos claro cada uno personalmente cuál es nuestro favorito. No es una cosa que solamos hablar, somos más de mirar hacia delante siempre.
«Salvo el segundo, que para mí es un disco flojo en general, creo que todos representan dignamente al grupo y tienen por lo menos tres o cuatro canciones realmente buenas»
La verdad que cuando tuve que incluiros en un libro que hice sobre los mejores álbumes de 2000 a 2019 lo pasé mal eligiendo. Al final me decanté por ‘Aniquilación’. Pero vaya, que le di tanta vuelta que lo he tenido que comprobar. ¿Qué opináis de esta diversidad de «opiniones de mierda»? ¿Qué creéis que significa para el grupo? Normalmente la gente está de acuerdo en qué disco es el mejor de una banda.
A mí me gusta pensar que el grupo ha mantenido una línea de calidad constante y que los discos que hemos hecho tienen todos muchas virtudes. También defectos, claro. Salvo el segundo, que para mí es un disco flojo en general, creo que todos representan dignamente al grupo y tienen por lo menos tres o cuatro canciones realmente buenas.
También creo que somos un grupo que se centra siempre en las canciones. Los discos se hacen cuando tenemos suficientes canciones buenas, más que con un concepto previo, aunque luego lo podamos buscar para redondear el disco. Eso hace que los discos se mezclen en tu cabeza, y también que un recopilatorio (como ‘Que le den por Culo a tus Amigos’) resulte una escucha muy natural y coherente.
En cualquier caso, nunca habéis sufrido nunca el síndrome «el primero era mejor», ¿verdad?
¡Cuando hicimos el segundo! (risas)
’LPIV’ es el disco de ‘Opinión de mierda’, ‘Me gusta que me pegues’ o ‘Arsenal de Excusas’. ¿Qué recuerdos os traen estas canciones?
‘Opinión de mierda’ fue una canción muy difícil de terminar. No acabábamos de dar con la estructura y estuvimos a punto de descartarla. Sin embargo, a Pablo (Guincho) le parecía que, precisamente por tener una estructura menos convencional, era de las más interesantes. Aun así, nunca pensamos que sería un single y de hecho fue el tercer vídeo que se hizo del disco, y casi un año después de sacarlo, cuando en CANADA vieron que la canción tenía esa cara más viral y quisieron darle bola.
‘Me gusta que me pegues’ fue el primer single. Recuerdo que fuimos precisamente a la puerta del Ochoymedio a repartir unos flyers donde solo ponía “ME GUSTA QUE ME PEGUES” en una cara y la fecha de lanzamiento por la otra. CANADA hicieron una auténtica superproducción para el vídeo (siempre hemos tenido mucha suerte con esto), y en las entrevistas a veces nos siguen preguntando si no hemos recibido palos por la letra. Y nunca los recibimos, en honor a la verdad.
Y de «Arsenal» te diré que la escribí pensando en Everlasting Records, la discográfica de la que nos estábamos yendo. ¡¡Esto no lo he contado nunca!!
¿Alguna otra favorita de este álbum que estéis deseando tocar ahora?
‘Los Últimos Días de Sodoma’. Es una canción muy atractiva para un directo intenso y tengo la sensación de que le vamos a sacar más punta ahora que en su día, porque la madurez también tiene sus ventajas (risas). También va a ser la más difícil de repescar.
¿Se sigue «mereciendo esta ciudad un disgusto»?
Las ciudades desde luego cada vez dan más disgustos a los ciudadanos, no estaría mal que se llevaran uno de vez en cuando ellas.
«El Guincho llevó la filosofía de pocas pistas, pero muy trabajadas desde el sonido y musicalmente relevantes, de ‘LPIV’, primero a ‘Hiperasia’ y luego a ‘El mal querer'»
En este álbum volvisteis a grabar con El Guincho. Aún faltaba tiempo para ‘Con altura’. ¿Cómo recordáis su aportación? ¿Mantenéis algún contacto con él?
Para nosotros fue muy importante, hicimos nada menos que tres discos con él, y aprendimos mucho. También vimos cómo cambiaba de intención produciendo: de ‘Una Montaña es una Montaña’, que para él era un disco “de capas” a este ‘LPIV’ que era un disco “de partes”. En ‘LPIV’ buscaba más distorsión, partes básicas y diferenciadas, “carismáticas”, pocas pistas, pero muy trabajadas desde el sonido y musicalmente relevantes. Personalmente creo que esa filosofía fue la que se llevó luego a ‘Hiperasia’ y después a ‘El Mal Querer’, reconozco esa misma intención en ambos discos.
Yo hace mil años que no hablo con él, Jorge creo que de vez en cuando se cambia un mensajito. Su vida cambió mucho post Rosalía (para bien, jaja). Aunque no mantengamos el contacto para nosotros siempre será una persona importante y queridísima.
The Kooks, uno de esos grupos de rock que jamás te ofrecerá mal concierto, como llevan probando unos 20 años, nos visitará en 2026. El grupo de Brighton presentará su último trabajo ‘Never/Know’ el 3 de marzo en la sala Razzmatazz de Barcelona, el 4 de marzo en sala La Riviera de Madrid y el 5 de marzo en la sala Pelícano de A Coruña.
Las entradas, desde 40 euros más gastos, se pondrán a la venta el viernes 19 de septiembre a las 10h en Livenation.es y Ticketmaster. También hay una preventa en Live Nation y en S.SMusic el miércoles 17 de septiembre a las 10 horas.
Se anuncia oficialmente que la gira va a ser un homenaje a toda la trayectoria de The Kooks: desde los himnos que marcaron a una generación hasta sus temas más recientes.
Es decir, no faltarán esos éxitos que rondan los 1.000 millones de streams sumando plataformas, como ‘Naive’ y ‘She Moves In Her Own Way’, pero reivindicando también el valor de los temas de ‘Never/Know’. Atención al tema cuasi titular ‘Never Know’, o también al pizpireto ‘Sunny Baby’, con su espléndida melodía sesentera.
El debut de The Kooks, ‘Inside In/Inside Out’, cumplirá 20 años a principios del año que viene. Un álbum que fue 5 veces platino en Reino Unido, logrando también certificaciones en Australia o Irlanda.
En los últimos años, una comedia nos ha conquistado como pocas en la historia. ‘Hacks‘, que fue elegida Mejor Serie, así en general, por nuestra redacción en el Anuario de 2022, se hacía el año pasado con el Emmy a Mejor Comedia. Pero ya este verano, en la reseña de su cuarta temporada, adivinábamos que no se iba a repetir la hazaña: ‘The Studio‘ era demasiado buena.
La serie que parodia los entresijos de Hollywood desde dentro y que ha tenido el nivel de contar con cameos de Martin Scorsese o Charlize Theron haciendo de sí mismos, ha resultado la gran ganadora en los Emmys de esta noche en la categoría de Comedia. También se ha hecho con el premio a Mejor Dirección, Mejor Guión o Mejor Protagonista para Seth Rogen. En total se ha hecho con 13 galardones en una noche, un récord histórico. Eso sí, ha dejado un alivio para ‘Hacks’, al no contar con enormes protagonistas femeninas. La industria, parece, sigue controlada por hombres.
Así, Jean Smart ha podido conservar su Emmy a Mejor Actriz, y Hannah Einbinder el de Mejor Actriz de Reparto. La relación de amor/odio entre Deborah y Ava en ‘Hacks’ sigue generando premios un año más. Además, Hannah ha sido de las más combativas de la ceremonia al declarar: «Es mi obligación como persona judía distinguir a los judíos del estado de Israel. Nuestra religión y nuestra cultura es una institución importante y longeva que está realmente separada de esta especie de estado étnico-nacionalista». Llegó a decir «Palestina libre». Javier Bardem, que estaba nominado aunque no ganó, acudía con una kufiya palestina y sentenciaba: “Tenemos que llamar al bloqueo diplomático a Israel”.
En drama, ‘The Pitt’ ha sido la gran ganadora como pronosticamos también este fin de semana, con algún galardón para el elenco de ‘Separación’; y como era de prever también, la revelación ‘Adolescencia’, que logró que algunos reconectáramos con Netflix, ha triunfado en cuanto a miniseries. *En elaboración.
Serie de comedia
The Studio (GANADORA)
Colegio Abbott
The Bear
Hacks
Nadie quiere esto
Solo asesinatos en el edificio
Terapia sin filtro
Lo que hacemos en las sombras
Mejor dirección de una serie de comedia
The Studio • The Oner (GANADORA)
The Bear • Napkins
Hacks • A Slippery Slope
Clásicos modernos • Here’s To You, Mrs. Schneiderman
Los ensayos • Pilot’s Code
Mejor guion en una serie de comedia
The Studio • The Promotion (GANADOR)
Colegio Abbott • Back To School
Hacks • A Slippery Slope
Los ensayos • Pilot’s Code
Somebody Somewhere • AGG
Lo que hacemos en las sombras • The Finale
Actor protagonista de comedia
Seth Rogen (The Studio) GANADOR
Adam Brody (Nadie quiere esto)
Jason Segel (Terapia sin filtro)
Martin Short (Solo asesinatos en el edificio)
Jeremy Allen White (The Bear)
Actriz protagonista de comedia
Jean Smart (Hacks) GANADORA
Uzo Aduba (La residencia)
Kristen Bell (Nadie quiere esto)
Quinta Brunson (Colegio Abbott)
Ayo Edebiri (The Bear)
Actriz de reparto de comedia
Hannah Einbinder (Hacks) GANADORA
Liza Colón-Zayas (The Bear)
Kathryn Hahn (The Studio)
Janelle James (Colegio Abbott)
Catherine O’Hara (The Studio)
Sheryl Lee Ralph (Colegio Abbott)
Jessica Williams (Terapia sin filtro)
Actor de reparto de comedia
Jeff Hiller (Somebody Somewhere) GANADOR
Ebon Moss-Bachrach (The Bear)
Ike Barinholtz (The Studio)
Harrison Ford (Terapia sin filtro)
Michael Urie (Terapia sin filtro)
Bowen Yang (Saturday Night Live)
Colman Domingo (Las cuatro estaciones)
Actor invitado de comedia
Bryan Cranston (The Studio) (GANADOR)
Jon Bernthal (The Bear)
Dave Franco (The Studio)
Ron Howard (The Studio)
Anthony Mackie (The Studio)
Martin Scorsese (The Studio)
Actriz invitada de comedia
Julianne Nicholson (Hacks) (GANADORA)
Olivia Colman (The Bear)
Jamie Lee Curtis (The Bear)
Cynthia Erivo (Poker Face)
Robby Hoffman (Hacks)
Zoë Kravitz (The Studio)
‘The Pitt’, mejor drama
Serie de drama
The Pitt (GANADORA)
Andor
La diplomática
The Last of Us
Paradise
Separación
Slow Horses
The White Lotus
Actor protagonista de drama
Noah Wyle (The Pitt) (GANADOR)
Sterling K. Brown (Paradise)
Gary Oldman (Slow Horses)
Pedro Pascal (The Last of Us)
Adam Scott (Separación)
Actriz protagonista de drama
Britt Lower (Separación) GANADORA
Kathy Bates (Matlock)
Sharon Horgan (Hermanas hasta la muerte)
Bella Ramsey (The Last of Us)
Keri Russell (La diplomática)
Actriz de reparto de drama
Katherine LaNasa (The Pitt) GANADORA
Patricia Arquette (Separación)
Carrie Coon (The White Lotus)
Julianne Nicholson (Paradise)
Parker Posey (The White Lotus)
Natasha Rothwell (The White Lotus)
Aimee Lou Wood (The White Lotus)
Actor de reparto de drama
Tramell Tillman (Separación) GANADOR
Jack Lowden (Slow Horses)
Walton Goggins (The White Lotus)
Jason Isaacs (The White Lotus)
Sam Rockwell (The White Lotus)
John Turturro (Separación)
James Marsden (Paradise)
Zach Cherry (Separación)
Actriz invitada de drama
Merritt Wever (Separación) (GANADORA)
Jane Alexander (Separación)
Gwendoline Christie (Separación)
Kaitlyn Dever (The Last of Us)
Cherry Jones (El cuento de la criada)
Catherine O’Hara (The Last of Us)
Actor invitado de drama
Shawn Hatosy (The Pitt) (GANADOR)
Giancarlo Esposito (The Boys)
Scott Glenn (The White Lotus)
Joe Pantoliano (The Last of Us)
Forest Whitaker (Andor)
Jeffrey Wright (The Last of Us)
Mejor dirección de una serie dramática
Slow Horses • Hello Goodbye (GANADORA)
Andor • Who Are You?
The Pitt • 6:00 P.M.
The Pitt • 7:00 A.M.
Separación • Chikhai Bardo
Separación • Cold Harbor
The White Lotus • Amor Fati
Mejor guion en una serie dramática
Andor • Welcome To The Rebellion (GANADORA)
The Pitt • 2:00 P.M.
The Pitt • 7:00 A.M.
Separación • Cold Harbor
Slow Horses • Hello Goodbye
The White Lotus • Full-Moon Party
‘Adolescencia’ arrasa en miniseries
Miniserie o serie antológica
Adolescencia (GANADORA)
Black Mirror
Dying for Sex
Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez
El pingüino
Mejor dirección de una serie limitada/película para televisión
Adolescencia (GANADORA)
Dying For Sex • It’s Not That Serious
El pingüino • Cent’anni
El pingüino • A Great Or Little Thing
Sirenas • Exile
Zero Day • Netflix
Mejor guion de una serie limitada/película para televisión
Adolescencia (GANADOR)
Black Mirror • Common People
Dying For Sex • Good Value Diet Soda
El pingüino • A Great Or Little Thing
No digas nada • The People In The Dirt
Actriz protagonista de miniserie o película para televisión
Cristin Milioti (El pingüino) (GANADORA)
Cate Blanchett (Disclaimer)
Meghan Fahy (Sirenas)
Rashida Jones (Black Mirror)
Michelle Williams (Dying for sex)
Actor protagonista de miniserie o película para televisión
Stephen Graham (Adolescencia) (GANADOR)
Colin Farrell (El pingüino)
Jake Gyllenhaal (Presunto inocente)
Brian Tyree Henry (Ladrones de drogas)
Cooper Koch (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Actor de reparto de miniserie o película para televisión
Owen Cooper (Adolescencia) (GANADOR)
Javier Bardem (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Bill Camp (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Rob Delaney (Dying for Sex)
Peter Sarsgaard (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Ashley Walters (Adolescencia)
Actriz de reparto de miniserie o película para televisión
Erin Doherty (Adolescencia) (GANADORA)
Deirdre O’Connell (El pingüino)
Jenny Slate (Dying for Sex)
Chloë Sevigny (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Ruth Negga (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Christine Tremarco (Adolescencia)
Mejor talk show
The Late Show con Stephen Colbert (GANADOR)
The Daily Show
Jimmy Kimmel Live
Mejor reality de competición
Traitors (GANADOR)
The Amazing Race
RuPaul’s Drag Race
Top Chef
Survivor
Mejor programa de variedades con guion
Last Week Tonight with John Oliver (GANADOR)
Saturday Night Live
El mundo cada vez es más feo, y quizás por eso David Byrne, que es sandunguero de per se, se muestra más sandunguero aún en su último disco. ‘Who Is the Sky?’ llega 7 años después de ‘American Utopia’. A diferencia de aquel, suena muy, pero que muy alegre. Y muy pop. Y muy fresco. Y muy David Byrne, claro.
David se ha juntado con la neoyorkina Ghost Train Orchestra para fabricar lo que parece un musical, aunque no sea tal: no hay un concepto ni una historia detrás. Más bien viñetas que David dedica al amor, a la gente, a su apartamento… Pero los ajustados arreglos orquestales, las letras, que actúan como relatos, le dan precisamente ese carácter cinematográfico.
Abre un cañonazo de alegría llamado ‘Everybody Laughs’ que nos lleva a los momentos más latinos de Byrne, pero también a los más joviales de Talking Heads (¿alguien ha dicho ‘Wild Wild Life’?). Unos aires estivales, y casi tropicales, enmarcan una letra tremendamente optimista: todo el mundo se ríe. Todos somos iguales dentro de nuestras diferencias, viene a decir Byrne en una canción pegadiza y vitalista, que cuenta con los coros de Annie Clark, St Vincent.
Todo el disco está lleno de detalles latinos, divertidos y deliciosos, como el scat burlón que cierra ‘When We Are Singing’. También brilla el aire de music-hall, cercano al espíritu de Sparks, en ‘My apartment Is My Friend’, sincopado homenaje a ese apartamento con quien David ha compartido todos sus momentos, buenos y malos.
Con regusto de cha-cha-cha llega ‘What Is the Reason for It?’, el dueto con Hayley Williams. Ambos se preguntan, de manera muy graciosa, por qué nos enamoramos: ¿qué sentido tiene? ¿Sirve de algo? Y, de paso, David regresa al espíritu de ‘Loco de amor’, aquel maravilloso tema con Celia Cruz que abría ‘Algo salvaje’ de Jonathan Demne. De hecho, cuando David se pone seriote, al menos musicalmente, en ‘I Met The Buddha at a Downtown Party’ mola menos que cuando vuelve a lo pizpireto: ‘Don’t Be Like That,’ además, la remata con el punto justo de arrebato, mientras suplica a su amante “no seas así (de guay)”. O el cuento con moralina ‘Moisturizing Thing’, sobre un potingue cosmético que funciona tan bien, que le hace a David parecer un bebé de tres años… Para descubrir inmediatamente que, aunque por dentro siga siendo “el mismo hombre”, le tratan como idiota por verse como un crío.
Hacia el tramo final el disco pierde algo de fuelle, pero a cambio gana ternura en ‘She Explains Things to Me’, con un David maravillado ante la sabiduría de ella, que entiende mejor el mundo que él. Y, de paso, le da cera al “mansplaining”. ‘Who Is the Sky?’ es un disco ligero pero no intrascendente, vitalista y teatral. Como el reverso luminoso de ‘American Utopia’. Aunque el mundo sea ahora un lugar feo, nos queda David Byrne para creer que sí: que puede ser mejor.
¿En qué se parecen la última canción de Teo Planell y ‘Corazón salvaje’ de David Lynch? Según el propio Planell, en nada. El joven artista madrileño está a punto de poner fin a un ciclo centrado en reivindicar el elemento comunitario que comparten el cine y la música. Tampoco es difícil ver el amor incondicional de Sailor y Lula en las certeras letras de ‘Cómo Pensarte Mal’. Es la Canción del Día.
Durante los últimos meses, Teo Planell ha apostado por un concepto muy sencillo. Unir el cine y la música proyectando algunas de sus películas favoritas (‘Paris, Texas’, ‘El sabor de las cerezas’, ‘La Notte’) y tocando algunas de las canciones de su próximo disco, ‘Demian’, en sesiones gratuitas, dirigidas tanto a fans como a curiosos.
El objetivo está claro: convertir la cultura en una enriquecedora experiencia en comunidad. Siempre había existido una relación entre la canción, tocada generalmente de forma acústica, y la película proyectada. Sin embargo, en el último ciclo celebrado en Madrid, Planell aclaró que no existía una conexión clara entre ‘Cómo Pensarte Mal’ y ‘Corazón salvaje’.
El último adelanto de ‘Demian’ es una minimalista y melancólica pieza que bien le podría haber escrito el personaje de Nicolas Cage al de Laura Dern mientras este se encuentra encarcelado durante la primera parte de la cinta. «Aún quedaba tanto que contarnos / Quién va a quererme más», canta Planell. La estructura de la canción es circular, repitiendo tres estrofas, pero también es un sutil crescendo. Los elevados coros en la segunda mitad del tema así lo confirman.
‘Cómo Pensarte Mal’ es también el tercer sencillo de ‘Demian’ después de ‘Me Vas A Matar’ y ‘Radio’, más inmediatas que esta última. El primer LP de Teo Planell, que también es el invitado más reciente de nuestro videopodcast ‘ALGO CAMBIÓ…’, estará disponible el próximo 26 de septiembre. Por otro lado, la última sesión de los ciclos de cine y música de Teo Planell tendrá lugar el 18 de septiembre en Barcelona. ¿La película? ‘El sur’ de Víctor Erice.
Tracklist:
St.
Una Visita
Demian
Dormir en tus Manos
Al Final
Una Visita (Pt. II)
Me Vas A Matar
El Mundo Delante de Ti ft. TRISTÁN
Radio
Cómo Pensarte Mal
La Espiral
Sinclair
Tanto Ariana Grande como Radiohead han agotado todas las entradas de sus próximas giras. La popstar, a través de Ticketmaster. Los británicos, mediante entradas.com. Ahora, ambos artistas tienen que enfrentarse a la gestión de la reventa de entradas de dos formas muy diferentes.
Los conciertos de la gira europea de Radiohead que tendrá lugar en noviembre se agotaron en escasos minutos durante la venta general de este pasado viernes. Ahora, la banda ha anunciado que llevarán a cabo una «reventa oficial» para las personas que no hayan podido conseguir entrada.
«Por favor, no caigáis en la tentación de comprar en plataformas de terceras personas. Esas entradas no son reales», han asegurado en sus redes sociales. La reventa oficial de Radiohead comienza el próximo 13 de octubre.
Ariana Grande, sin embargo, está teniendo problemas para evitar que sus entradas asciendan a precios desorbitados en los mercados de reventa. Por ello, ha publicado un comunicado: «Lo que está pasando con los revendedores secundarios me ha llegado y por supuesto que estoy totalmente preocupada por ello», comienza.
«He estado al teléfono durante cada segundo de mi tiempo libre luchando por una solución», asegura Grande. Esta continúa prometiendo que conseguirán más entradas para los fans, y no para aquellos que están haciendo negocio con la reventa: «Estamos haciendo todo lo que podemos», concluye la cantante estadounidense sobre la gira en la que visitará solamente 10 ciudades.
Ariana Grande addresses the high number of resellers for her tour tickets and says she and her team are working on a solution:
“i've been on the phone every second of my free time fighting for a solution. i hear you and hopefully, we will be able to get more of these tickets… pic.twitter.com/KtJhGU7qBh
La Plaza de San Pedro del Vaticano ha acogido el primer macroconcierto pop de su historia. Así, 100.000 personas han podido presenciar de forma gratuita las actuaciones de Karol G, Andrea Bocelli, Pharrell Williams y John Legend gracias al Encuentro Mundial sobre la Fraternidad Humana.
El concierto ‘Grace for the World’ se celebró ayer en el Vaticano, reuniendo a algunos de los artistas más importantes del mundo. Karol G fue la clara estrella de la noche, interpretando ‘Mientras Me Curo del Cora’ y una sentida ‘Vivo por ella’ a dúo con el mismísimo Andrea Bocelli. El italiano, además, también reclutó a Teddy Swims para inaugurar el evento con ‘Amazing Grace’.
John Legend cantó ‘Glory’ y ‘Bridge Over Troubled Water’ al piano y, dado que el evento trataba sobre la bondad y la fraternidad humana, Pharrell Williams no tuvo que indagar mucho en su repertorio para encontrar la canción perfecta. ‘Happy’, por supuesto. El estadounidense también invitó en su discurso a iluminar el mundo con «luz» y «amor».
Jennifer Hudson y Angélique Kidjo, entre otros artistas, también estuvieron presentes en un espectáculo que contó con más de 3000 drones. Estos llenaron el cielo de imágenes inspiradas por los frescos de la Capilla Sixtina e incluso homenajearon al difunto Papa Francisco, proyectando su cara sobre el Vaticano.
Karol G junto a Andrea Bocelli cantando “Vivo Por Ella” en el evento “Grace For The World” en la ciudad de Roma. pic.twitter.com/4Log6ekhF0
🇻🇦| El 13 de septiembre en el Vaticano se celebró un concierto público en la Plaza de San Pedro.
En el concierto Grace for the World, participaron artistas internacionales como Pharrell Williams, Andrea Bocelli, John Legend, Karol G, Jennifer Hudson. pic.twitter.com/gWSFWRlhtH
“Grace makes space, curiosity leans in and together they can carry us toward one another.” Pharrell Williams opens the historic "Grace for the World" concert from Vatican City with a powerful message of unity. pic.twitter.com/FZyxabhdxc
Ari Aster nos tenía un poco engañados. Solo un poco. El nuevo “rey del terror” de Hollywood, como se le bautizó (de forma precipitada) tras el impacto de ‘Hereditary’ (2018) y ‘Midsommar’ (2019), tenía un pasado que lo delataba. Su prolífica trayectoria como autor de cortometrajes -ocho títulos desde 2008- anunciaba a un cineasta mucho más inclinado hacia la comedia negra, la sátira grotesca o el drama psicológico que hacia el terror puro y duro. Más cercano a Yorgos Lanthimos o Charlie Kaufman, para entendernos, que a Jordan Peele o Robert Eggers, los otros dos estandartes de lo que se dio en llamar “terror elevado”.
De hecho, tanto su tercer trabajo, ‘Beau tiene miedo’ (basada en su propio corto ‘Beau’), como esta ‘Eddington’, cuyo guion escribió hace diez años, iban a ser sus primeros proyectos de larga duración. Es como si, gracias al éxito dentro del género de terror, Aster estuviera ahora filmando lo que de verdad le interesa. Incluso en su faceta como productor se aprecia esa misma deriva temática y estilística: ‘Dream Scenario’ (2023), ‘Sasquatch Sunset’ (2024), ‘Malas lenguas’ (2024) o ‘Bugonia’, la nueva de Lanthimos.
‘Eddington’ nace de dos experiencias autobiográficas. Por un lado, la adolescencia del director. Aster nació en Nueva York, pero creció en Nuevo México, donde transcurre la acción, en un pequeño pueblo que funciona como microcosmos del presente. Por otro, la pandemia de covid. Aster, que se ha definido como neurótico e hipocondriaco, confesó en Cannes -donde compitió por primera vez por la Palma de Oro- que vivió aquel período con enorme angustia.
Toda esa ansiedad, desconcierto, paranoia y miedo que generó la pandemia en Estados Unidos, agravados por el asesinato de George Floyd y las protestas del movimiento Black Lives Matter, impregnan ‘Eddington’ como un recordatorio ultrapesimista del actual mundo de posverdad, crisis democrática y trincheras ideológicas en el que vivimos inmersos.
Aster ha construido una sátira inmisericorde declinada en clave de western. El salvaje oeste como metáfora del fin del dialogo democrático, como escenario simbólico donde expresar físicamente, a través de las armas (la pandemia disparó su venta, llegando al actual promedio de 120 por cada 100 personas), el enfrentamiento verbal que se vive en los teléfonos móviles. De hecho, el reciente asesinato del político trumpista Charlie Kirk (y los que probablemente le seguirán) puede acabar convirtiendo ‘Eddington’ en un casi documental involuntariamente hiperrealista.
La narrativa, el tono y la puesta en escena de ‘Eddington’ parecen seguir la lógica de sus personajes (interpretados por un reparto de lujo: Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone y Austin Butler) y de la propia coyuntura política y social estadounidense: es excesiva, grandilocuente, desequilibrada, errática. Una mezcla hiperbólica de western contemporáneo, comedia negra y thriller conspiranoico que evoca las sátiras violentas de los hermanos Coen o una versión desquiciada de ‘Solo ante el peligro’ (1952). No funciona del todo como comedia ni como intriga criminal, pero sí como corrosiva sátira política y proyección de los miedos de su autor. “No”, parece decir Aster: “después de la covid no salimos mejores”.
Para Justin Bieber, juntarse con Dijon y Mk.gee en la producción de su música ha sido todo un acierto. Ambos han sabido aportar esa frescura que tanto le venía haciendo en falta al artista, que en los últimos años, pese a lograr varios éxitos comerciales, no había conseguido crear nada realmente memorable. ‘SWAG’ escondía algunas de las mejores canciones que el cantante canadiense ha firmado nunca (‘All I Can Take’, ‘Yukon’), aunque el conjunto a veces se veía emborronado por esa ambición inexplicable de agrupar más de una veintena de temas en un solo proyecto. Y por si aquellos 21 cortes fueran poco, Bieber ha vuelto a sacarse de la manga otros tantos para su secuela.
‘SWAG II’ sube la apuesta de su predecesor y alcanza las 23 canciones. La gran diferencia es que todos los momentos de gran interés que Bieber conseguía allí, son prácticamente inexistentes aquí. Todo suena, desde el principio hasta el final, como una versión descafeinada y desprovista de ideas de aquel meritorio proyecto.
Como es habitual en todos sus álbumes, sobresale nuevamente la bonita voz del artista y sus particulares manierismos, siempre muy efectivos sobre estos medios tiempos R&B en los que se ha acomodado últimamente. En ‘SWAG II’ abusa de ellos hasta la exasperación, hundiéndolo todo en una inofensiva monotonía. No es que el disco no tenga ningún valor artístico, ya que sí que pueden encontrarse ciertos atisbos de buen pop (la pegadiza melodía de ‘I DO’, los sutiles punteos de guitarra en la balada ‘PETTING ZOO’) pero el conjunto es demasiado unidimensional como para conseguir que la experiencia completa merezca la pena.
No hay nada que justifique su longitud, ni nada que invite a volver a él. Tampoco nada que moleste particularmente. El proyecto entero se mueve en el desagradecido punto medio de la indiferencia. Hay demasiadas baladas similares las unas a las otras o reproducciones casi exactas de las fórmulas que mejor le funcionaron en ‘SWAG’.
‘SPEED DEMON’, la apertura del proyecto, sin ser nada particularmente novedoso, se encuentra entre los puntos más fuertes del álbum gracias a su gran estribillo y a su producción minimalista, que logra abarcar mucho con poco. También el R&B ochentero de ‘LOVE SONG’, producida y co-escrita por Mk.gee, o la agradable ‘EYE CANDY’.
Sin embargo, todas estas canciones funcionan mucho mejor fuera del contexto del disco, de manera que no quedan perdidas en ese terreno pantanoso y edulcorado que Bieber se empeña en construir. Por cada ‘SPEED DEMON’ hay tres baladas soporíferas e intrascendentes como ‘EVERYTHING HALLELUJAH’ o ‘DOTTED LINE’.
‘SWAG II’ es un ejemplo perfecto de por qué hay veces que cuando uno no tiene nada que decir es mejor no decir nada. Y que más casi nunca es más.
Rex Orange County no lo ha tenido fácil durante los últimos años. Los cargos de acoso sexual hacia el artista fueron retirados por la Fiscalía de la Corona, con veredicto de no culpable, a finales de 2022. Ahora, ha lanzado uno de sus mejores singles, con Pharrell en la producción. ‘Take A Drive’ es la Canción del Día.
Pocas veces se encuentra una canción de ruptura tan honesta y saludable como esta. Alexander O’Connor’, nombre real del artista británico, canta sobre lo fácil que es mantenerse «distante», a pesar de que «la única opción es decir la verdad». Y la verdad es que la relación ya no funciona como antes: «Date una oportunidad», canta O’Connor en el pegadizo estribillo.
Musicalmente, ‘Take A Drive’ tiene todo lo que ha caracterizado siempre la música de Rex Orange County: la inocencia de las melodías, las texturas lo-fi a lo Tyler, the Creator y unas letras que no andan con rodeos. «Estaremos bien / Algo entre nosotros está mal / Sé que ya no te hago sentir bien / Lo pasamos bien / Ahora los dos tenemos que conducir», canta en el puente de la canción, tan sincero como agridulce.
Ha sido el gran descubrimiento de la ficción televisiva de este año. Quién iba a pensar que un drama médico que atufaba a tele de los 90 y parecía sospechosamente un reboot de la gastadísima ‘Urgencias’, iba a convertirse en una de las mejores series de 2025? Yo tenía la ceja levantada desde que oí hablar del proyecto: ¿otra serie de médicos de urgencias protagonizada por Noah “doctor John Carter” Wyle y con medio equipo de guionistas salido de la célebre creación de Michael Crichton? Perezón.
Sin embargo, bastó un episodio para que tirara mi escepticismo al cubo de las jeringuillas usadas. Sí, ‘The Pitt’ (HBO Max) se parece a ‘Urgencias’, está claro: tanto en su gramática visual como en el tratamiento dramático de temas, ambiente y personajes. Pero no sé si se parece lo suficiente como para que la viuda de Crichton acabe ganando la demanda que ha interpuesto a Warner. Como ocurre con los dramas judiciales o periodísticos, el espacio narrativo determina gran parte de la dramaturgia y condiciona la libertad creativa. Habría que hilar muy fino para demostrar un plagio en esas circunstancias.
La principal diferencia entre ambas series es el formato. ‘The Pitt’ no narra el día a día de un hospital, sino que se centra en un único turno. Sus quince episodios corresponden a las quince horas que transcurren en la sala de urgencias de un hospital universitario de Pittsburgh. La referencia más obvia es otro hit de los primeros 2000: el adrenalítico thriller ‘24’. Esta estructura proporciona una tensión añadida a la narrativa que funciona extraordinariamente bien.
Su creador, R. Scott Gemmill, tiene más callo escribiendo dramas procedimentales que el doctor Cavadas haciendo trasplantes imposibles. Entre ‘Urgencias’, ‘JAG: Alerta roja’ y ‘NCIS: Los Ángeles’ ha firmado más de cien episodios. Esas “horas de vuelo” en productos tradicionales de la televisión en abierto quizá expliquen la característica más llamativa de ‘The Pitt’: es una serie con la densidad dramática, la profundidad psicológica, la factura visual y la ambición discursiva que asociamos a un producto de HBO, pero servida con la ligereza narrativa, la agilidad de ritmo, la eficacia en la puesta en escena y la capacidad de enganchar a todo tipo de espectadores propios de la televisión generalista. Gemmill no quiere cortar por lo sano, sino coser por donde siempre aunque con otra puntada.
En ese sentido, ‘The Pitt’ es todo lo contrario a ‘Separación’ (‘Severance’). Su duelo por el Emmy a la mejor serie dramática (aunque la de Apple sigue siendo la gran favorita) ilustra muy bien los dos caminos que parecen estar siguiendo actualmente las plataformas: apostar por las series de prestigio o prestigiar las series de toda la vida.
Taylor Swift, Karol G… y Sergio Ramos. En una nueva entrevista con EFE, el futbolista español ha dejado claro a todo el mundo que sus nuevas andanzas musicales no son «un capricho» y adelanta que le encantaría anunciar un concierto en el estadio Santiago Bernabéu.
El lanzamiento de ‘CIBELES’, dedicada al Real Madrid, ha llenado las redes de memes durante las últimas dos semanas. Nadie se esperaba esto de Sergio Ramos, aunque sí sabíamos que era amante de la música. Sus ambiciones, además, son más profundas de lo que pensábamos: «Ojalá el día de mañana tenga la oportunidad de anunciar un Bernabéu, que sería la hostia, pero hay que ir paso a paso».
Ramos también ha abordado el shock que significó para su círculo cercano su nueva carrera musical: «Al principio, te llaman loco. La gente de mi entorno me decía: ‘Anda, dedícate al fútbol’. Cuando nos encerramos en el estudio y el proyecto empezó a coger volumen… Cuidado con este cabrón que cuando se pone, se pone», asegura el futbolista. «Otra cosa no, pero disciplina tengo para todo», declara Ramos, como si no hiciese falta nada más.
Para todos ellos que dudan de la pasión musical del sevillano, este jura que para él «es una manera de vivir» que le «acompaña desde siempre», nombrando entre sus referentes a Alejandro Sanz, Juan Luis Guerra y Marc Anthony. A la vez, también se siente representado por las nuevas tendencias: «Viniendo de calle, de barrio, me veo más en esa música actual del trap, del reguetón, que es donde pensamos que debe estar mi música». Esto se ve en ‘CIBELES’, un reguetón en toda regla: «La hicimos con esa intención, de que se nos tomase en serio».
Ramos termina la entrevista con la exclusiva de su próximo single, que será una colaboración con Carín León. Saldría en Navidad y, por supuesto, tendrá influencias de la música regional mexicana: «Cuando Carín vino a cantar a Madrid estuvimos en casa comiendo y escuchó todo lo que tenía. Ese tema es el que le gustó, inspirado en las instrumentales mexicanas», concluye el futbolista.
‘Everybody Scream’ arrasa en nuestras Stories una semana más y es top 1 de JENESAISPOP nada menos que con el 66% de los votos. Blood Orange tiene que conformarse con una entrada al top 2 y el 18% de los votos de Insta, lo cual no está nada mal. El trallazo nuevo de Kneecap no ha calado tanto y queda en el número 4. Otras entradas destacadas son las de David Byrne, Juventude, La Paloma y CMAT.
Belén Aguilera cumple hoy 30 años. Se da la circunstancia de que cae en viernes y un 12 de septiembre, a finales de verano y con olor ya a otoño, es un momento idóneo para un álbum como ‘Anela’. La artista ha podido viralizar en el pasado canciones bailables de distinto tipo, del hyper pop al pop de los 2000, pero siempre fue una compositora de melodía clásica, al margen de divas y divos. El resultado de su amplia cultura musical es este álbum que a veces roza lo lírico y al mismo tiempo es 100% ella.
‘Anela’ es un acrónimo de «Aunque No Exista La Arcadia», una frase que aparece en este trabajo haciendo referencia a la felicidad del ahora, en contraposición a la búsqueda de deseo constante. Las composiciones de Belén Aguilera se han caracterizado muchas veces por llevar reflexiones muy necesarias y emocionantes sobre salud mental a un lugar muy parecido a la pista de baile, y este álbum no es una excepción.
En el estreno de ‘Anela’ en la Real Fábrica de Tapices, interpretó todo el disco en orden y entregó un programa de mano con un «track by track» de su puño y letra. Por supuesto cada canción es un auténtico viaje, con frases que son pura terapia: «siempre nos enseñan a evitar lo malo, pero es una parte más del ser humano», dice ‘Ático’. «Siempre elegiré lo que menos me conviene, da igual que me dé miedo», dice ‘Dramático’.
Las más sobrecogedoras son ‘Soledad’ y ‘Salvamento’. La primera incluye la frase «A veces me destruí», y en verdad está dedicada a su abuela, ya fallecida y llamada así, Soledad, intentando a la vez resignificar las connotaciones negativas que suele tener este nombre común. Y ‘Salvamento’ es el tema que más rubor le ha dado cantar, y por eso quizá ha puesto un filtro extremo a su primera mitad. «No sé hacer el amor, sé hacer penitencia», confiesa, condenando formas arcaicas de amor romántico. En la segunda parte del tema, en cambio, se quita la careta, el filtro, acaso aceptando esa parte oscura de sí misma.
Es extraño que un álbum de letras tan ricas, interpretadas por una cantante tan solvente, presente la voz en un plano tan secundario que dificulte la comprensión. La artista dice haber buscado esa mezcla adrede, en un disco que ha querido que fuera «frío» y, viendo los videoclips, yo añadiría que «fantasmagórico». Hay gitanas que leen el futuro, menciones a la muerte, y las bandas sonoras de John Carpenter parecen una influencia en el gran hit del disco, ‘Laberinto‘, lo cual nos lleva a otro de los grandes pros del álbum.
Que este sea un trabajo de coros operísticos, cuerdas, pianos y detalles rococó onda ‘Lubna’ de Mónica Naranjo, elaborado con co-productores como Puche, Naisgai, Nusar3000 y Lionel Castra, no ha impedido que en él aparezcan ritmos R&B (‘Bruja’), techno (‘Atico’), drum&bass (‘Eclipse’) o trip hop (‘Dama en apuros’). Al servicio del mensaje, las canciones van de un género a otro, casi sin que lo notes: he tardado varias escuchas en darme cuenta de que la segunda estrofa de ‘Laberinto’, prácticamente está rapeada.
‘Anela’ termina con un tema llamado ‘Ahora que estoy bien’, medio electrónico medio new-age, con ese sentido de aceptación que se había propuesto este proyecto. Puede parecer obvio, pero es que lo que queda por el camino es el álbum más enriquecedor, poliédrico y confesional que se ha hecho en este país desde ‘PUTA‘. ‘Dama en apuros’ es una reivindicación de la sensibilidad femenina («no soy dama en apuros (…) déjame llorar para mañana ya no llorar»); ‘Mutantes’ habla de cambiar para encajar, de representar «el verbo ser de mil maneras»; ‘Cómo puedo volver’ habla de idealizar algo que ni siquiera ha pasado… y así podríamos seguir. Belén Aguilera te introduce en un laberinto de espejos, solo que a través de su tenebrosidad, de su belleza, de sus contradicciones y finalmente a través de su mensaje positivo, te muestra también un camino de salida.
‘The Dead Dance’ no empezó muy bien en las listas: su segundo día lo pasó fuera del top 100 del Global de Spotify. Pero desde entonces no ha parado de crecer, ayudada por el vídeo de Tim Burton primero, y su presentación en los VMA’s después. El tema que además aparece en la nueva temporada de ‘Miércoles’ asciende ya al puesto 14 de las listas globales. La redacción de JENESAISPOP os ofrece una opinión a favor y otra en contra, así como la posibilidad de votar en este nuevo «Veredicto».
«Confieso que tenía papeletas para odiar ‘The Dead Dance’, porque me parecía un cuadro que Lady Gaga dejase a la mitad la promo de un disco como ‘MAYHEM’, algo que el lanzamiento de este single extra certifica: ¿en serio no iban a ser singles ni ‘Garden of Eden’ ni ‘Perfect Celebrity’? ¿Ni siquiera ‘Vanish Into You‘? ¿O aprovechar que ‘How Bad Do U Want Me’ gustase tanto y la rumorología respecto a Taylor Swift? Pues sí, parece que la edición estándar de ‘MAYHEM’ se da por finiquitada, y ahora pone toda la carne en el asador con este tema creado para ‘Miércoles’ (serie que además me da tremenda pereza), aprovechando para hacer una especie de «edición deluxe» no oficial al añadir en plataformas ‘Kill for Love’ y la estupenda ‘Can’t Stop the High’. Pero al César lo que es del César: Gaga es una maestra haciendo temas como ‘The Dead Dance’, y se nota.
Lanzarla como single es, contratos de Netflix aparte, también una declaración artística de la cantante, que parece preferir la segunda parte de ‘MAYHEM’, claramente de menores posibilidades comerciales. Y es que ‘The Dead Dance’ tiene más que ver con esa segunda parte, pero llevada por un camino bastante más accesible y dirigido a un mainstream al que ‘Killah’ o ‘ZombieBoy’ se les puede resistir un poco más.
La canción va a degüello en su sencillez: inicio con un malvado ex que deja a Gaga medio muerta, y recuperación gracias a la música y al baile, siendo todo el tema una celebración de éste (de lujo para el correspondiente trend infame de TikTok, claro). Estefanía consigue alejar esto de lo formulaico con la progresión de la primera estrofa, el ambiente tenebroso y a la vez alegre que se va creando, una segunda estrofa que empieza a lo grande con esos sintes y guiño a ‘The Rocky Horror Picture Show’ (“you created a criature of the night”) y, por supuesto, el puente. La cantante se acerca deliberadamente a una dicción troglodita en un puente digno de la Gaga más juguetona, que seguramente escribiera junto al estribillo de ‘Abracadabra’ mientras se limaba las uñas. ‘The Dead Dance’ es un temazo cuyo principal aspecto negativo es, para mí, que haya cortado las posibilidades de sus “hermanas” en el disco. Pero ojalá pase lo contrario, que la gente se acerque por esta canción a descubrir el mejor disco que ha sacado la estadounidense en esta segunda década de carrera». Pablo N. Tocino.
«Una vez de cada 10, tengo buen ojo con Lady Gaga: al escuchar ‘The Dead Dance’ escribí que «encajaría en la segunda parte de su último álbum, más o menos en torno a ‘Zombieboy’». Poco después apareció exactamente en ese lugar en una nueva edición del disco. Las otras 9, claramente no me entero de nada. Porque también escribí esto: «no está muy claro que encierre más posibilidades comerciales que ‘Zombieboy'».
También es posible que en este mundo de cifras, caigamos en el error de mezclar calidad y éxito comercial cada día. Porque que un tema triunfe en TikTok o en las playlists no lo hace mejor ni peor. Sigo requiriendo de Paracetamol cada vez que alguien pincha ‘Judas’. Que ‘Bloody Mary’ haya triunfado por una serie en la que no sonaba, no la hace mejor que ‘Scheisse’ ni que ‘Government Hooker’… ‘Venus’, una genialidad absolutamente delirante que debería sonar en todas las fiestas maricas, permanece ignorada. Y ‘911’, sin duda una de las canciones más importantes para comprender qué ocurre dentro de la cabeza de Lady Gaga, y al mismo tiempo TAN divertida, no consiguió ni un top 100.
Suena una y otra vez ‘The Dead Dance’ y sigo sin encontrar el más mínimo atractivo en melodía (forzada), producción (un disco trasnochadísimo), letra (un cliché), voz (ese tono chillón que para mí echa a perder medio ‘MAYHEM’). Al menos, a veces confluyen los astros: entiendo que ‘Die With a Smile’ está en la posición que se merece. Y ‘Abracadabra’, también». Sebas E. Alonso.
Hoy abrimos nuestra playlist Ready for the Weekend con un tema dance. ‘crystallized’, la nueva colaboración de John Summit con Inéz, se ha «teaseado» en festivales en semanas pasadas y en TikTok a la espera de que se viralizara incluso antes de tiempo.
Las playlists la han recibido con los brazos abiertos. Nada menos que abre «mint» de Spotify, que tiene 5 millones de suscritos. También está en «creamy» y «crying on the dance floor», además de en las playlists de novedades. Es decir, la industria la estaba esperando.
‘crystallized’ es efectivamente un tema muy «crying on the dance floor», en el que Inéz nos canta sobre una ruptura. En concreto una que se está superando. «A ti te gusta que duela» se contrapone a «te quise una vez, pero no habrá dos». Su timbre está cercano a lo que podría ofrecernos Fever Ray o cualquiera de las vocalistas amigas de Röyksopp.
La melodía tiene algo que te hace conectar enseguida, como pasó con la descomunal ‘We Are Your Friends’ de Justice y Simian, y la producción tiene subidas y bajadas hechas para ser devoradas por la audiencia de festivales de electrónica.
El DJ John Summit, de Illinois, es habitual de Lollapalooza, Coachella o el enlazado Tomorrowland, donde pinchó este tema este verano. Publicó un disco llamado ‘Comfort in Chaos’ en 2024, donde incluyó sus hits ‘Where You Are’ y ‘Shiver’, así como decenas de singles. Entre sus muchos remixes, trabajos para Ellie Goulding y Anyma. Inéz, mitad de ÄTNA, ya había cantado antes para John Summit, por ejemplo en ‘light years’.
Hoy se anuncia el cartel de SanSan 2026, que se celebrará como siempre en Semana Santa en Benicàssim. Será entre los días 2 y 4 de abril. Los abonos y alojamientos estarán disponibles en www.sansanfestival.com el próximo martes 16 de septiembre a las 12:00. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial de SanSan.
Del lado internacional, SanSan confirma a los islandeses Of Monsters of Men, cuyo ‘Little Talks’ supera los 1.000 millones de streams en Spotify. Y como es habitual, también podréis ver el mejor pop nacional que llena arenas en nuestro país, de mano de Rigoberta Bandini (con su espléndida gira ‘Rigoberta Superstar’), Love of Lesbian, Guitarricadelafuente (autor de uno de los discos del año clarísimos), La M.O.D.A. o La Casa Azul.
El cartel sigue con gente como Xoel López, León Benavente, y artistas tan interesantes como Maria Arnal, Rufus T. Firefly (discazo el suyo de este año), La Élite, pablopablo, Biznaga, Barry B o Califato ¾.
¿Más nombres? Ultraligera, Chiquita Movida, Leo Rizzi o Samuraï. Para cuando llegue 2026 no tendrán nada de «letra pequeña» Sanguijuelas del Guadiana, que no paran de subir en la lista oficial de Promusicae, y ojo también a gente como Gara Durán, Repion o Juventude.
El cartel se completa con Siloé, Angel Stanich, Alizzz pinchando, Perarnau IV Dj Set ft. Drama Av Set (Zahara como DJ), Comandante Twin, Hoonine, Anabel Lee, Las Petunias, Malva, Tiburona, Ultralágrima, Puño Dragón, Anouck y Michael Foster.
Como cada año, el festival también será escaparate para el talento joven de la región con el concurso Groc Talent de la mano del Villarreal F.C., cuyo ganador se subirá al escenario del SanSan.
Finalmente, en esta edición, el 3% de los beneficios se destinará a Médicos Sin Fronteras para apoyar su labor humanitaria en Palestina. Asimismo, durante el proceso de compra de entradas, el público tendrá la posibilidad de añadir un donativo voluntario para esta causa, contribuyendo así de manera directa a la ayuda sobre el terreno.
La semana que viene se celebra Brava Madrid, un festival que en su momento calificamos como «El nuevo Orgullo LGTBIQ+» o -glups- «El Madrid que me representa«. Este año afrontó cierta polémica por su mudanza obligada a Torrejón de Ardoz. Se habilitarán lanzaderas y se ha ampliado el horario de la Renfe, para que el servicio de Cercanías acabe después de los conciertos.
Más compleja es la cuestión política: Brava Madrid está organizado por The Music Republic, como el FIB o Arenal Sound. La plataforma Superstruct compró hace un par de años esta promotora española. Después, otro fondo norteamericano, KKR, que participa en la promoción inmobiliaria en los territorios ocupados ilegalmente por Israel en Palestina, según informaba El Salto, se hizo con la plataforma Superstruct.
Esta semana algunos usuarios han notado en redes sociales que varios artistas que iban a participar han desaparecido del cartel de Brava Madrid. Pero nadie lo ha comunicado, ni el festival, ni los propios artistas. JENESAISPOP se ha puesto en contacto con la organización para obtener una explicación, de momento sin obtener respuesta, como tampoco la obtuvimos respecto al FIB.
Destaca, por ser claramente cabeza de cartel, el caso de Villano Antillano. Pero también han desaparecido del cartel Pixie Lott, Aquaria, Abril Zamora, Lalachús y Oro Jondo.
Permanecen Anastacia, A*Teens, Chanel, La Casa Azul, Javiera Mena, Miss Caffeina, Ms Nina, Daniela Blasco, Olly Alexander, Melanie C, Ojete Calor, Julieta, María Escarmiento, Chica Sobresalto o Deteresa. Suponemos que muchos de ellos hablarán del genocidio en Palestina durante su actuación, como ya se sucedió con Bad Gyal en el FIB o varios artistas en Sónar. Especialmente los españoles, pues nuestro país está más sensibilizado con Palestina que otros como Reino Unido o Alemania, por razones históricas.
Chica Sobresalto ha explicado sobre su caso lo siguiente: “No tengo dinero para cancelar y pagar lo que me cuesta incumplir un contrato. Literalmente no tengo dinero en mi posesión que cubra eso”.
Posición similar a la mostrada por Zahara por actuar en Granada Sound, festival vinculado a los mismos fondos: “No tocar este año supone asumir unas posibles consecuencias legales y económicas vinculadas a un contrato firmado que yo, personalmente, no puedo asumir. Por supuesto el año que viene no tocaré en ningún festival vinculado con KKR, pero con todo mi pesar los de este año no puedo eludirlos”.
Quizá conoces a HEAL de verles actuar en festivales como Primavera Sound. El cuarteto barcelonés formado por Laia Vehí, Dani Ambrosí, Edu Mató y Raúl Pérez -antes en grupos como Wind Atlas, North State, Wann o Glitterhouse- ha publicado un álbum llamado ‘The Shiver’. En él encontramos indie-rock noventero, algún trazo de folk y slowcore.
En su presentación hablaban de construir música a partir de una pseudo-improvisación, lo cual tiene mucho que ver con el tema del que nos ha querido hablar Laia. Invitada a MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección comisariada por Jägermusic, el programa musical de Jägermeister, ha querido hablar exactamente de hábitos de composición. Os dejamos también con sus próximas fechas en directo:
19 Septiembre, 2025 – San Agustín – Azpeitia
5 Diciembre, 2025 – Sala Upload w/ Water From Your Eyes – Barcelona
6 Diciembre, 2025 – Sala El Sol w/ Water From Your Eyes – Madrid
¿Por qué habéis escogido hablar de «hábitos de creatividad»? ¿Cuáles son los diferentes hábitos de creatividad que habéis trabajado?
Laia: Lo he escogido yo. Es un tema que me gusta y considero de importancia dentro de una vida de escribir canciones, y creativa en general. No veo que se hable mucho, y me gustaría encontrármelo en las entrevistas de artistas que me gustan. Me interesa. En HEAL como banda tenemos el hábito de si en cualquier momento alguien empieza a tocar algo nuevo, tod@s seguimos. Sin cuestionar, juzgar, decir o esperar nada. Le damos cabida. Seguimos el juego al otro. Lo grabamos y lo subimos al drive. Es como una regla no escrita. You never know.
¿Es un tema que ha sido objeto de debate entre vosotros? ¿Habéis barajado diferentes fórmulas?
Laia: Es un tema que ha salido alguna vez en la furgo, ya que va ligado a la composición de los temas. Los hábitos creativos son personales. Cada un@ busca y encuentra su manera de relacionarse con la creatividad. Todo está bien y es algo vivo, que va cambiando y evolucionando contigo. En mi caso y a día de hoy, metida en HEAL, banda la cual componemos en directo en el local junt@s, no hay mucho tiempo, y escribo las lyrics, mis hábitos creativos han cambiado bastante y se han dirigido a algo concreto, que es: poder llegar al local y conectarme con el presente de manera integral y dar lo mejor de mí. Para poder llegar a ese momento, hay varias cosas que hacerlas con frecuencia me funcionan, como escribir sin tener un fin de producir nada, correr, reducir o quitar alcohol, o no entrar pantallas en dormitorio. Y de todas ellas hay una, que me está funcionando mucho (y con el enganche a las pantallas más) y es antes de ponerme a tocar o escribir, preparo el espacio, hago respiraciones y estiramientos hasta que me noto en calma absoluta y conectada con la curiosidad. Desde ahí, sin intermediarios, empiezo a crear.
Pero vamos, Edu (bajista), por ejemplo toca un montón en casa y cuando llega al local se saca tres tracks nuevos por ensayo XD. o Dani (guitarra) es un tennis geek y le funciona jugar sin parar y tener la energía aquí arriba y sacar riffs en casa; y Raúl (batería) escucha MUCHA música y tiene una librería en su mente que le permite crear con una perspectiva enorme.
¿No creáis en banda, todos juntos en el estudio? ¿Creéis que esa fórmula da más entidad como grupo, que hace estar más unidos?
Laia: Sí, un 90% está creado junt@s en el local. En nuestro caso hacerlo así es nuestro sello, ya que todos estamos aportando nuestra visión, la cual muchas veces nace y viene de lugares distintos. Y 100% sí, componer junt@s nos une siempre porque gozamos mucho haciéndolo. Esos momentos son la principal razón por la cual hacemos música. Y eso lo compartimos. Aparte, que tenemos magnetismo, nos entendemos bien ahí.
Escuchamos mucho de los 90, de banda del garaje de sus padres, en la música de HEAL. ¿Qué opináis de la curiosa forma creación de Radiohead? Ellos pueden tener una canción que no les convence, la tocan en directo, y a los 20 años la terminan de redondear y la editan.
Laia: ¡Radiohead es una de mis bandas pedestal así que esta pregunta me alegra! Las canciones están vivas y cuando tocas en banda cada vez suenan diferente. Por el equipo, por la energía que tengas y tengáis ese día, etc. Algunas canciones cuando las grabas en estudio están fresh, verdes, o directamente las has compuesto ahí.
Así que con el tiempo se van aposentando como el vino. En algunas vas puliendo y generando dinámicas y/o en otras simplemente toman otra dirección. Opino que apoyo 100% todo lo que quieran hacer Radiohead (risas)
¿Hay algún artista o grupo cuya forma de crear os atraiga? ¿Quizá ese tipo de grupos que hacen jams larguísimas en el estudio y luego seleccionan partes para canciones?
Laia: Hmm… buena pregunta. Supongo que cualquier artista y grupo que con los años siga disfrutando y encontrando su manera de expresarse, y se esfuerce un poco para ir evolucionando y entregar algo un poco diferente en cada trabajo. Así rápido, se me ocurre Big Thief. Para mí son un referente en cuanto a llevar muchos años y seguir disfrutando creando junt@s desde un lugar honesto y personal. Probando siempre nuevas maneras de componer, grabar, evolucionar como músicos y como banda. Y eso lo oyes cuando les escuchas. Este último disco por ejemplo, ‘Double Infinity’, notas el directo, notas que dejaron las canciones abiertas y que dejaron pasar a terceros en el estudio y dejaron que la música fuera a donde quisiera. Se arriesgan, buscan.
¿Tenéis gente como Sonic Youth y Yo La Tengo entre vuestros referentes, o más bien artistas de hoy, como Phoebe Bridgers o Porridge Radio o SPRINTS?
Laia: Todooo nos gustan los 80, 90 y los 2025’s! En cada década hay cosas alucinantes.
En cuanto a proceso de composición, hay un par de artistas que han dicho cosas interesantes. Nick Cave cuenta que se pasa horas y horas al piano, que la inspiración no le viene del cielo. ¿Hay mucho mito sobre ese momento «iluminado» y lo que cuenta es el trabajo-trabajo-trabajo?
Laia: Está claro que en la mayoría de casos, quién es muy bueno en algo ha invertido mucho tiempo en ello. Y él es muy bueno. Está claro también, que dentro de la composición, esos momentos “iluminados” existen, y para acceder a ellos debes tener abierto el canal entre tú y la creatividad. A partir de ahí, cada un@ es un mundo y llegamos de formas diferentes. Y en la ecuación también influirá tu momento vital y en qué proyecto estés. Hay gente por ejemplo con una capacidad de conexión con el presente y su mundo interior muy alta y funcionan diferente. Quizá no necesitan tantas horas. Ahora bien, la repetición, los hábitos, te ayudan a mantener eso en el tiempo. La vida no siempre es excitante. Así que mi respuesta sería que esos momentos iluminados son
esporádicos, y que si quieres alimentarlos y/o componer toda tu vida, trabajo y hábitos son tus amichis.
En la misma línea, habla Christina Rosenvinge, que tiene su libro de rimas para consultar, su metodología, piensa mucho la palabra adecuada… ¿Estáis en esa línea o sois más espontáneos?
Laia: En HEAL hasta el momento he escrito las lyrics, y por lo general, soy 100% espontánea en la creación de las melodías vocales, y luego escribo las lyrics a partir de esos sonidos. Entonces muchas veces, esos sonidos condicionan las palabras. Christina escribe en castellano, y estoy segura que si yo también lo hiciera, estaría obsesionada como ella con la palabra adecuada. El inglés y también mi estilo escribiendo, me permite una cierta distancia entre lo que siento y digo. Y eso me deja fluir un poco con las palabras que escojo. De todos modos, me tiro bastante rato con las lyrics, me gustan.
¿Qué canción vuestra se ha beneficiado de un proceso creativo rápido y exprés?
Laia: ‘Closer’, estábamos en plena creación del disco ‘The Shiver’, llegué al local y estaban Edu y Dani tocando el riff que a Edu le acababa de salir, me senté delante de él dejando el bolso y puse a grabar, y canté toda la melodía del tirón.
¿Cuál ha sido más larga y habéis dado más vueltas?
Laia: ‘The Mystery’ necesitó su tiempo.
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