El 20 de marzo se publica el octavo disco de Ladytron, ‘Paradises’. Un trabajo que vuelve a reunir al trío de Liverpool compuesto por Helen, Mira y Daniel con Nettwerk, el sello que editó ‘Velocifero‘ (2008) y ‘Gravity the Seducer‘ (2011).
Un trabajo que “desborda color”, ‘Paradises’ muestra a Ladytron “en su versión más estilizada, romántica, urgente y psíquica”. Según la nota de prensa, el álbum construye “un collage luminoso de primitivismo tecnológico, música disco de suma sacerdotisa, soul espectral y noir balear”, imaginando una especie de “playa al final del mundo llena de sueños e invocaciones”.
Pero al grano: ¿están bien las canciones? La respuesta es sí, y bastante. Podríamos hablar del piano glam de ‘Kingdom Underseas’, de la intrigante atmósfera sci-fi de ‘I Believe in You’ o del italo disco de ‘I See Red’, pero hoy nos quedamos con el último single, ‘Caught in the Blink of an Eye’.
En ‘Caught in the Blink of an Eye’, la Canción del Día de este domingo, Ladytron reflexiona sobre la fugacidad de la vida, una idea plasmada elegantemente en la frase “daylight fades across the arcade”, que captura la imagen de una ciudad que transita del día a la noche. A sus habitantes, Ladytron las describe como “ghostwriters of their lives”, es decir, “escritores a la sombra de sus propias vidas”, como si existieran al margen de su propia planificación.
La idea de encontrarse “atrapados en un parpadeo” sugiere que la vida es un tránsito, que las personas y los momentos duran muy poco y que la existencia es intermitente. De manera apropiada, la música de ‘Caught in the Blink of an Eye’ recurre a un electro gélido que casa con otra de las frases destacadas de la letra, que apela directamente a la muerte o a la petrificación: “Say goodbye and return to stone”. Morimos y volvemos a ser cuerpo inerte.
En contraste con su profundidad temática, ‘Caught in the Blink of an Eye’ es una canción que no se complica demasiado en melodía y producción. El tema es “sota, caballo y rey” en estructura y ejecución y recurre en el estribillo a una repetición tan obvia como efectiva. Esta aparente falta de pretensión insufla a ‘Caught in the Blink of an Eye’ una frescura notable. Si en 2021 lograron viralizar ‘Seventeen‘ en TikTok, ‘Caught in the Blink of an Eye’ bien podría ser un digno sucesor.
Uno de los conciertos que recuerdo con más cariño fue la presentación del debut de los Strokes en La Riviera. Solo tenían un disco de media hora, tocaron 37 minutos y se piraron. Además, llevaron a Stereo Total de teloneros, los cuales salieron al escenario cargados de bolsas de la compra. Ona Mafalda, que tampoco olvida cómo su madre indie la llevaba a conciertos de la banda principal de Julian Casablancas, refleja por primera vez -al menos de manera tan clara- esa influencia en su música.
Por eso este segundo disco es un enorme «Reset», en el que «Salta» al vacío sin temor a lo que «hay debajo». Esa cadencia rockera, que a su vez tiene en cuenta los teclados, que fueron cada vez más importantes en la carrera de los Strokes, se percibe claramente en canciones como ‘Sedated’ u ’80 cerillas’.
Esta última está inspirada en los titulares que le ha dedicado la prensa rosa, a consecuencia de ser nieta de un rey búlgaro. Aunque en verdad ‘Reset’ es más bien un álbum sobre el cambio de manera genérica. Ni predomina el «qué dirán» ni tampoco su divorcio, que parece limitado a baladas más prescindibles como ‘For Us’.
Ona Mafalda no quería escribir canciones tristes porque asegura que no le funciona para su estado emocional, y si ‘Reset’ es una victoria es porque tiene otro cometido: el de asentar su identidad, encontrar su sonido, reafirmarse a sí misma. Consciente o inconscientemente estas canciones están diciendo «no soy solo una princesa que está triste, ¿qué tendrá la princesa?», se rebelan en favor de su independencia, su carácter y su sonido como artista, lejos de sus inicios más tipo London Grammar.
Porque «ya no es esa» es que aparece una versión del gran éxito de Mari Trini, llevada al sonido del álbum, que ha perfilado junto a productores como Khotthon o Ed Is Dead. La inmediatez de canciones como ‘Salto’ (que a ratos parece devenir en drum&bass), la ligeramente distorsionada ‘Pink Lies’ y sobre todo ‘Harta’ da lugar a una potente colección de singles, mientras la colaboración con Merina Gris que cierra el largo abre posibles nuevos frentes. Media hora de pop, no tan afilado como el de ‘Is This It’ -me ha faltado un ‘NYC Cops’-, pero en el que no faltan «guts«.
En un giro de los acontecimientos, los propios artistas y no solo los fans han empezado a hablar del Khia Asylum, que en jerga de internet se refiere a una especie de “cárcel virtual” donde conviven las artistas (y los artistas en masculinos, pero habría menos) que han “flopeado” -nótense las comillas- durante largo tiempo; es decir, artistas que tuvieron éxito y relevancia en el pasado, pero que no logran igualar ese impacto en el presente, aunque lo intenten.
Zara Larsson ha expresado recientemente haber salido del Khia Asylum en una entrevista con Dazed, y Charli XCX ha llegado a mencionarlo en una entrevista promocional para su nueva película ‘The Moment‘. Dice que «quizá algún día regrese al Khia Asylum» y «vuelva a ver a todos sus amigos que siguen ahí». Allí se encontraría, por ejemplo, con Bebe Rexha, una de las inquilinas veteranas. Bebe Rexha ha rogado recientemente en X ayuda para salir de ahí, y ha dado el visto bueno a que sea Taylor Swift quien le eche un cable. Swift ha sido crucial para que artistas que vivían en el Khia Asylum abandonen el centro, como fue el caso de su telonera en el Eras Tour, Sabrina Carpenter.
Artistas como Charli, Sabrina, Ava Max, y ahora en menor medida Zara Larsson, así como Chappell Roan, Tinashe, Madison Beer o Kehlani, tienen en común haber logrado en tiempos recientes elevar exponencialmente su nivel de notoriedad, a través de singles que han trascendido la barrera “alternativa” y han llegado al mainstream, después de largo años intentándolo muy fuerte. Por ejemplo, Tinashe viralizó ‘Nasty‘ en 2024, pero es que, después, el éxito del remix de ‘No Broke Boys‘ ha sido enorme y continúa a día de hoy. ‘Brat‘ de Charli XCX fue un fenómeno pop en toda regla, y tanto ella como Sabrina y Chappell se han asentado en el mainstream después de una eternidad operando “under the radar”. A nosotros nos flipa Charli xcx, pero la mayoría no la conocía antes de ‘brat’ ni sabía que tenía más discos.
Todas estas artistas tienen además en común ser mujeres, y el sexismo implícito del Khia Asylum ha sido muy comentado. Es inherente a su nombre, de hecho: viene de la rapera Khia, que lo petó con ‘My Neck My Back (Lick It)’ en 2002 y luego desapareció de la escena mainstream. Khia es un ejemplo reciente de artista que una vez tuvo éxito y después no logró replicarlo: la ironía es que su nombre está más presente que nunca gracias al concepto del Khia Asylum, una de tantas ocurrencias del Stan Twitter, ese espacio de X donde los fans de la música debaten sobre sus artistas favoritos, sobre todo mujeres.
(La vinculación del Khia Asylum con figuras femeninas se ha reforzado con el uso del vídeo de Hannah Montana despidiéndose a través de una ventana, que se ha “meme-ficado” y se asocia al Khia Asylum cuando una artista abandona ese espacio después de mucho tiempo. Miley Cyrus dice adiós emocionada: triste, pero contenta por poder salir de ahí por fin).
Es evidente que los hombres no despiertan el mismo interés ni la misma fascinación entre los stans del pop, y su presencia en el Khia Asylum es prácticamente invisible, tanto que alguien podría pensar que ahí no hay chicos. Pero sí los hay. El ejemplo más evidente, aunque por alguna razón se pasa por alto habitualmente, es Lil Nas X, actualmente fuera de combate tras su detención el año pasado. Shawn Mendes también ha ingresado al “asilo”, junto a su ex Camila Cabello, y Khalid fue aceptado justo cuando contó que es homosexual (después de sufrir un «outing»). Por cierto, Sam Smith -que es no binarie- sale y entra de ahí con frecuencia, mientras que su amiga Kim Petras tiene récord de permanencia.
¿Pero qué hace que algunos artistas entren en el Khia Asylum y otros no? Evidentemente, hay artistas que nunca han pisado ese sitio en su vida, como Taylor Swift, Drake o Bruno Mars, porque nunca han conocido un “flop” demasiado prolongado en el tiempo. A este purgatorio virtual acceden artistas que han estado en la cima (hablamos siempre de mainstream, insisto) y, de repente, han caído estrepitosamente, muchas veces por haber transmitido un “cringe” demasiado intenso que el público no perdona.
Ahí habría que mencionar a Katy Perry, que aunque agota entradas en todo el mundo, su fuerza comercial no es ni remotamente la que un día fue; Justin Timberlake, que ha pasado de ser considerado prácticamente un genio a ser reducido a memes; o, por supuesto, la pareja formada por Shawn Mendes y Camila Cabello, que cuando sellaron sus besos en aquel fatídico vídeo, sellaron también su suerte.
El factor crucial que aleja a un artista del asilo, según diagnostica el influencer Zachary Hourihane -conocido como Swiftologist por ser especialista en Taylor Swift- en una reciente entrevista, es la «guayedad»: ser «cool». Debido a un episodio embarazoso -como los que protagonizó Perry en la era ‘Witness‘- muchos artistas pierden el misterio y se convierten en figuras que despiertan más vergüenza ajena que admiración. El cringe, sin duda, es un gran aniquilador de carreras.
Conviene matizar que el Khia Asylum no entran artistas permanentemente instalados en un ámbito de nicho o alternativo, como Carly Rae Jepsen o Marina Diamandis, ya que aunque ambas tuvieron éxitos comerciales en el pasado, no se puede decir que ahora mismo piloten su carrera en esa dirección. Por no mencionar solo a mujeres, Troye Sivan es otro artista que parece que debería fichar en el asilo, pero todavía no ha logrado las credenciales; quizá porque su impacto comercial no ha sido tan elevado, por ahora.
El concepto de Khia Asylum es producto de las redes en tanto que parte de una idea distorsionada del éxito, según la cual ciertos artistas están «fracasando». Hace un tiempo, Guille Galván de Vetusta Morla criticaba en X el uso de la palabra «triunfo» en la crítica musical, apelando a esa misma narrativa binaria de éxito o fracaso en que se basa el concepto de Khia Asylum. Una narrativa, por cierto, que deshumaniza a los artistas e ignora sus propias circunstancias y contextos, reduciendo sus carreras a un ejercicio de burla más que de análisis.
Existen precedentes que nos ayudan a comprender el Khia Asylum. Ninguna caída del pasado debió doler tanto como la de Christopher Cross, que pasó de ganar en 1981 los cuatro Grammys más importantes en una sola noche con su debut (un hito que no se repetiría hasta 2020 con el «big four» de Billie Eilish), y de ganar un Oscar, a esfumarse de la conversación por completo. Cross puso el primer ladrillo en la construcción de este edificio de artistas instalados en su “flop era” sin salida en el horizonte. Pero, como demuestran Zara Larsson, Tinashe o Sabrina Carpenter, la tenacidad puede sacarte de ahí. Solo tienes que esperar que el público tome la última decisión.
Mariah Carey ha sido elegida Persona del Año por MusiCares, una organización benéfica ligada a la Academia de los Grammy que, en el pasado, ha reconocido a artistas como Paul McCartney, Dolly Parton o Bob Dylan. Como es costumbre, una gala-homenaje se ha celebrado esta noche en Los Ángeles en honor a Carey, con la artista de cuerpo presente. Aunque, viendo algunas de las actuaciones, lo mismo empezó a disociar y a pensar en volver al hotel en el que se hospedaba.
La gala está siendo comentada, pero no por lo bien que ha salido, sino más bien por lo contrario. La cara de estupor de Mariah escuchando gritar cantar ‘My All’ a Jennifer Hudson -la que ilustra esta noticia- lo dice todo. Bueno, casi todo.
La verdad es que Jennifer Hudson, a pesar de su querencia por la combustión vocal, se puede decir que tiene buena técnica y que ha hecho una actuación correcta. Más discutibles han sido otras presentaciones, como la de Kesha cantando ‘Obsessed’, por alguna razón. Kesha llevaba gafas de sol durante la actuación, como si no quisiera que nadie la reconociera. Parecía salida directamente del vídeo de ‘TikTok’ (2010), aquel donde despertaba con una resaca épica.
Ha dejado atónito también el actor y cantante Billy Porter, que ha elegido el outfit idóneo para rendir homenaje a Mariah Carey: un drag de Whitney Houston. Su interpretación de ‘Always Be My Baby‘ pudo estar bien, pero nadie podía quitar los ojos a su estilismo. Por su parte, Charlie Puth ha cantado ‘I Still Believe’ al piano estupendamente. El problema es que, dentro del vasto catálogo de canciones de Mariah Carey escritas por Mariah Carey, justamente esa no la escribió Mariah Carey.
No todo en la gala ha parecido una emboscada para que Mariah Carey adelantara la Navidad por puro estrés. Maggie Rogers, por ejemplo, ha cantado ‘Honey’ con mucho gusto, mientras que Laufey ha tenido una idea muy original transformando ‘It’s Like That’ en una bossa nova. Se la ha llevado a su estilo y parecía que Mariah Carey la disfrutaba.
Es cierto que en algunos casos la selección de artistas parecía diseñada porque no había nadie más a mano en ese momento. Porque si no, que alguien nos diga qué hacían ahí Taylor Momsen, de The Pretty Reckless, y Foo Fighters homenajeando a Mariah Carey. Ellos se han llevado la tarea a su terreno, versionando una canción de ese disco de grunge inédito.
El homenaje a Mariah Carey concluyó con una actuación de ‘All I Want for Christmas is You’ un 30 de enero, y con la propia Mariah cantando la canción en el escenario. Le puso un poquito más de empeño que en el tributo de los MTV Video Music Awards, probablemente mientras se acordaba de sus declaraciones de hace meses sobre los artistas que versionan sus canciones.
Poco ha cambiado para Sen Senra en estos últimos dos años. Ha completado su ambiciosa trilogía, sí, pero el Movistar Arena sigue sin agotarse y a él le sigue dando completamente igual. Y qué alegría por esto último. Que el artista gallego ni siquiera haya optado a la capacidad completa del recinto, a diferencia de la última vez, no tiene nada que ver con un declive de la calidad musical. Es, simple y llanamente, un problema de marketing. Uno que no le ha impedido realizar un expansivo recital de dos horas y media que, si bien no ha sido perfecto, sí ha sido el emocionante final que merecía ‘PO2054AZ‘.
Al preguntarse qué canciones debería meter en el concierto de despedida de esta etapa, que ha dado lugar a tres volúmenes de discos, Sen Senra se miró al espejo y dijo: sí. Esta «última misa» estaba hecha para los mayores fans del artista, con tres partes bien diferenciadas. Una por cada disco, en orden cronológico. No ha cantado todos los temas de cada LP, pero casi. Hemos podido escuchar por primera vez las versiones en directo de muchas canciones, pero ni rastro de otras que se han mantenido constantes en su setlist durante estos años, como ‘Completamente Loco’ o ‘Ataúd’. Tampoco es que se haya quedado solo con la trama oficial, porque ‘Padiante’ sí se ha echado de menos en la última parte, por eso de que es su única canción en gallego.
Durante estos años, y principalmente en festivales, los conciertos de Sen Senra han pasado por muchos cambios. Lo hemos visto con banda acompañante, con un coro de góspel para ‘Da Igual Lo Que Opine La Gente’, con versiones completamente diferentes a las originales… Nada de esto ha ocurrido en su gran misa. Durante la gran mayoría del concierto, lo que se veía en el escenario era a Senra cantando sobre la base de estudio. Muy bien, por cierto, pero nada más. Con lo bien que habría quedado la última parte con una banda de verdad. Es por esto que la sección del Volumen II (‘El emigrante’ o «Si no, ¿aquí que comías? ¿Patatas y berzas?», parafraseando a la abuela de Senra) ha sido la menos interesante, porque las canciones son un pelín más flojas. ¿Bajón? Puede ser, pero Christian ha compensado en otros frentes.
Su propuesta sigue siendo minimalista, con tres sets poco saturados para que Senra no deje de brillar. Esto funciona por sí mismo, con la pared de una casa y un tronco a medio talar en la primera parte, un dormitorio en la segunda y un salón con vinilos en la última. Pero ojo, porque el storytelling del tronco terminando el concierto con ramas nuevas es un puntazo. Estos decorados se sentían como algo sacado de una obra de teatro. Los bailarines que acompañaban algunas secciones del show no hicieron más que confirmar esta idea. Por cierto, novedad total. No sabría clasificar con seguridad el tipo de baile, pero contemporáneo y abstracto me parecen buenos adjetivos. La teatralidad llegó a su momento álgido en los últimos momentos del concierto, durante ‘PO2054AZ’ y ‘Hasta El Fondo’, con la danza convirtiéndose en interpretación.
Además de las bienvenidas novedades, Senra también ha recuperado algunos elementos de todos estos años. Uno fue el final maquinero de ‘No Se Preocupe’. El otro fue la guitarra de Juan Habichuela en ‘Familia’. Fue el momentazo puramente musical de, no ya solo el Volumen I (‘El origen’ o «¿Quién decía que iba a salir artista? Y salió»), sino de todo el concierto. Lo vimos por primera vez hace dos años y anoche fue incluso mejor. Es directamente de lo mejor que ha hecho Sen Senra en un escenario. Imposible cerrar la boca, tanto por el desparpajo de los artistas como por la participación del público en el sencillo estribillo.
«La última de las últimas» llegó a su fin con el Volumen III, titulado oficialmente como ‘El retorno’. La abuela de Senra no participó en este interludio, pero aun así pude capturar el título más adecuado de las palabras del propio artista: «Cansado y feliz». Esta última parte del show fue la que mejor definió el viaje de ‘PO2054AZ’, juntando los momentos más solemnes con la epicidad propia de ese tipo de odiseas. ‘Idea Loca’ y ‘ROMEO‘ se sucedieron con Senra a la guitarra, acústica y eléctrica respectivamente, y ni un acompañamiento más. Un pedal de loop, lo único. Él, sentado tranquilamente en un sofá. Entonces, cuando parecía que no había cabida para canciones fuera de la trilogía, se sucedieron ‘Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer‘, ‘Perfecto‘ y ‘Ya No Te Hago Falta‘. Con esta última, la emoción se palpaba en el aire. Está muy manida a estas alturas, pero en ocasiones como esta no se puede hacer otra cosa que sumarse a la ovación.
El tono del concierto hizo un giro de 360 grados de forma instantánea cuando sonaron las guitarras de ‘Por Si Vuelve’ y se mantuvo así hasta ‘La Belleza’. En esta canción no repararon en gastos. Bailarines por aquí, fuego por allá, Senra a la guitarra… El claro clímax del show, solo capaz de ser superado por la emoción más pura.
Sen Senra describió su trilogía como un «proceso», y no como un simple «proyecto». Es por eso que tuvo que aguantarse las lágrimas durante su discurso final: «Este camino me obligó a atravesar muchas cosas, a perder una vida para ganar otra». En estos instantes, del personaje misterioso y ‘cool as fuck’ de Sen Senra no quedaba nada. En el escenario solo había un chaval de Presqueiras flipando con todo lo que tenía delante. El homenaje a Woody Guthrie escrito en su guitarra, una certeza: «Esta máquina mata el olvido».
Mientras el mundo cambia, María Escarmiento sigue siendo la misma. Y eso es una buena noticia. Su compromiso con el hyperpop es total y absoluto, y su nuevo single, ‘Son de amores’, demuestra que aún tiene cosas que contar dentro de este estilo.
‘Son de amores’, la Canción del Día de hoy, es puro happy hardcore pasado por la pátina del hyperpop actual. Y no, no es una versión de Andy y Lucas. ‘Son de amores’ ocupará el corte 2 de un álbum llamado ‘Forever’, que se pondrá en circulación a partir del 6 de febrero -el viernes que viene- y que incluirá colaboraciones con Julieta, Samantha Hudson y Fran Loaren, además del single ya publicado, ‘Espiral despiadada‘.
‘Son de amores’ será uno de los claros pepinazos del álbum. La producción, diseñada por Detunedfreq y Danisan47, recurre a los trucos típicos del hardcore de los 90, pero la melodía de María Escarmiento no puede dar más en el clavo, siendo una de las mejores que ha escrito. El estribillo “te juro que te traigo flores” es un subidón que estamos deseando presenciar en directo: no es casualidad que María Villar haya usado un rápido bombo a negras en la canción. Ella dice que “ya tocaba”. Nosotros defendemos que La Oreja de Van Gogh deberían devolverle el favor y versionarla.
‘Son de amores’ parece un canto a la autenticidad frente a la deshonestidad, el postureo y los prejuicios, reflejado en expresiones del slang de internet tipo «it’s giving nothing». Aunque la letra permite una interpretación más profunda.
Escarmiento alude a personas que “no espabilan” y “no se enteran” y que necesitan “abrir sus ojos”. Porque pasan el día “jugando al Fortnite” y “fumados”, parece que se les escapa algo. En mi interpretación, Escarmiento habla de la depresión y de las dificultades para madurar y responsabilizarse emocionalmente de aquellas personas -probablemente chicos- que se refugian en distracciones superficiales y evitan enfrentarse a sus emociones. Por eso ‘Son de amores’ trae “música para tu dolor”, un antídoto para el vacío emocional que percibe a su alrededor. Que una canción como ‘Son de amores’ apele tan explícitamente a la angustia emocional ya da una pista de que esto, música superficial, no es.
Catherine O’Hara, la actriz canadiense-estadounidense que interpretó a la madre de Kevin en ‘Solo en casa’ (1990) y, anteriormente, al icónico personaje de Delia en ‘Bitelchús’ (1988), ha fallecido a los 71 años. O’Hara padecía una breve enfermedad, según las primeras informaciones. Su hermana es la cantante Mary Margaret O’Hara.
El rostro de O’Hara fue tremendamente conocido en el cine y la televisión de finales de los 80 e inicios de los 90 gracias a su interpretación de la madre del personaje de Macaulay Culkin en ‘Solo en casa’ y en su secuela de 1992. Culkin ha recordado a O’Hara en sus redes sociales, dirigiéndose a ella como «mamá», algo que seguía haciendo: «Pensé que teníamos tiempo, quería sentarme en una silla contigo, tenía tanto que contarte», ha escrito.
El extravagante personaje de Delia en ‘Bitelchús’, la icónica película de Tim Burton, fue otro de los roles emblemáticos de esta actriz, que comenzó en el mundo de la interpretación después de trabajar en el bar de un teatro. Cualquiera que haya visto ‘Bitelchús’ tiene grabada en la memoria la escena de Delia bailando «Banana Boat».
O’Hara también participó en ‘¡Jo, qué noche! (1985)’, ‘Se acabó el pastel’ (1986) o ‘Dick Tracy’ (1990) y desarrolló una carrera paralela como dobladora de películas de animación como ‘Chicken Little’ (2005). Últimamente, su perfil había resurgido gracias a sus papeles en ‘Schitt’s Creek’ -el cual le valió un Globo de Oro- y ‘The Studio‘.
En los próximos días el PACK de viejos Anuarios (2022, 2023 y 2024) desaparecerá de nuestra tienda por falta de existencias, en concreto de la edición 2022. Aunque este PACK ha lucido agotado en la tienda durante los últimos días, hemos rescatado las últimas copias decentes de la edición 2022 para su distribución, del fondo de una caja. Puede ser, por tanto, tu última oportunidad de completar tu colección JENESAISPOP. Asimismo, en próximos días, los gastos de envío dejarán de ser gratis para compras superiores a 20 euros, una vez terminada la campaña del Anuario 2025. JENESAISPOP agradece al público su fidelidad un año más y trabaja ya en el Anuario 2026.
Baxter Dury se topó un buen día de 2024 con Paul Epworth, productor de Adele, Coldplay, largo etcétera, y quedaron en hacer un disco juntos: este ‘Allbarone’. Epworth puso música a varios temas y produjo, lo grabaron en The Church y se debieron gastar bien de pasta, a tenor de lo que cuenta Dury en las entrevistas (sobre todo, en comida). Pero tanto oropel no ha cambiado mucho el estilo de Baxter. En su noveno disco presenta su synth-pop recitado ahora envuelto en disco-soul decadente, con bien de satén, y el contrapunto vocal femenino de JGrrey, una habitual ya de sus discos. Muy familiar, pero aún más putifino, para entendernos.
El personaje central de ‘Allbarone’, pretendidamente sofisticado, realmente desaliñado, (como se muestra Dury en la portada), se mueve entre habitaciones de hoteles baratos y citas frustradas. Ese tono chulesco y de estar de vuelta de todo contrasta con letras de patetismo sentimental que recita de manera mecánica mientras JGrrey le da réplica.
Pero, ay, el arranque no es ni lo memorable ni lo sardónico que se presupone: todo el rollo que lleva en las letras, toda esa imagen sarcástica y decrépita, toda la oscuridad y el patetismo, todo el brillo de la producción, no acaban de cristalizar. Las intenciones son mucho mejor que las canciones, que no son lo gloriosas que deberían con tales mimbres.
Además, tienen la particularidad de irritar, más que seducir. Sospecho que esa era la intención. Pero ni siquiera incomodan lo suficiente: en ‘Allbarone’, la canción homónima (e inicial), cuesta poco imaginar a Baxter como Pino D’Angiò, cigarro en ristre, producido por Miss Kittin. Explicado así, suena estupendo. Pero en la realidad la canción no tiene la garra que promete: se alarga, se deshincha. En ‘Schadenfreude’, “alegría del mal ajeno”, los coros y los efectos recuerdan tanto a Ladytron como a los Pet Shop Boys de ‘Electric’, pero sin llegar a las cotas de los referentes.
Poco a poco Dury se va acercando a ese ideal de sonido de playboy decadente arrastrándose por la pista de baile. En ‘Alpha Dog’ el estilismo funky disco elegante alcanza unas alturas bastante majas gracias a la línea de bajo, los arreglos de cuerda, unos coros gélidos, la bola de espejos dando vueltas y Dury actuando de Barry White británico. Y en ‘Other Me’ el bajo gordísimo y los arreglos cinematográficos nos llevan a un post punk bailable y oscuro.
Y es hacia el final que llega lo más sustancioso, donde la incomodidad sí que dispara grandes temas. Si en ‘Kubla Khan’ se acercaba a unos Sleaford Mods algo más refinados, el parecido es aún más evidente en ‘Mockingjay’, quizás el mejor tema de todo el conjunto, porque Dury y JGrrey muestran una furia auténtica, quizás porque es la canción más contundente en arreglos, melodía e interpretación.
En ‘Return Of The Sharp Heads’ Dury nos dibuja un entorno de falso glamour, de postureo y de seductores acabados, que son criticados con fiereza glacial por la voz de JGrrey: “You’re just a bunch of soul-fuckers / Who rate yourselves / (…) I’ll sit back and admire how much you hate yourself / (…) You total cunts”, (“Sólo sois un puñado de folladores de almas / que se dan valoraciones a sí mismos / me sentaré y admiraré lo mucho que os odiáis a vosotros mismos / Sois unos completos hijos de puta”). Es oscuro, es incómodo, es sensual y es bailable: es lo suficientemente desesperado y lo suficientemente elegante. Justo lo que quería ser ‘Allbarone’ en su totalidad y no ha conseguido.
Rosalía incluía en ‘Lux‘ una colaboración con Estrella Morente y Sílvia Pérez Cruz titulada ‘La rumba del perdón’. Tal fue el impacto de ‘Lux’ en España tras su lanzamiento que ‘La rumba del perdón’ entró en el puesto 9 de la lista de singles, a pesar de ser el antepenúltimo corte del álbum.
Morente está a punto de presentar un concierto en el Liceo de Barcelona y ha concedido una entrevista a Catalunya Ràdio para promocionarlo. En ella le han preguntado por ‘La rumba del perdón’, y sus palabras sobre Rosalía y la canción no han podido ser menos halagadoras.
Morente asegura estar decepcionada con ‘La rumba del perdón’ porque las voces de Morente y Pérez Cruz apenas se escuchan en los coros. “Estoy muy disgustada porque no nos ha dejado cantar a ninguna de las dos”, declara la artista, que incluso reconoce estar “avergonzada” de la canción porque no la puede “compartir” con sus seguidores, ya que su voz es prácticamente imperceptible. “Me da lache, porque no nos han dejado cantar a ninguna de las dos”, afirma. “Nos ha castigado”.
‘La rumba del perdón’ iba a ser originalmente un dueto con Morente, cuenta la autora de ‘Mi cante y un poema’ (2001), pero Rosalía tuvo la idea de convertirlo en un trío. Morente explica que pasó horas en el estudio durante varios días grabando material para la canción, pero lamenta que Rosalía no utilizara casi nada de ese trabajo en la grabación final. En su opinión, Rosalía ha “faltado al respeto” a su trabajo, al de Pérez Cruz y al arte de la música en general, y afirma que “la música debe prevalecer por encima de los intereses de los productores; si dos compañeras han hecho un trabajo de varios días, hay que respetarlo, no se puede tirar a la basura”.
Aunque Morente señala que ella no se quiere «meter en el trabajo de nadie» y que «cada uno hace su trabajo como quiere», y niega que sus declaraciones se reduzcan a la típica «pataleta de artista que está empezando», opina que Rosalía no ha tomado la decisión correcta con ‘La rumba del perdón’, y espera que sus palabras le sirvan como «toque de atención»: «Es una llamada al respecto y al compañerismo, porque con la música no se juega».
‘Aperture‘, el electrónico nuevo single de Harry Styles, empezó muy fuerte en listas globales. Fue top 1 en la tabla mundial de Spotify con 12 millones de streams diarios, pero enseguida se desplomó a unos 4 millones por día. La buena noticia es que se ha mantenido ahí, y las cifras locales le valen el número 1 oficial en la lista semanal de Reino Unido.
El número 1 se ha logrado sin trampa ni cartón, es decir, sin ediciones en cassette, CD, vinilo o acuerdos con plataformas concretas. De las 70.498 copias despachadas, casi 69.000 han sido puntos de streaming y casi 2.000 descargas de mp3. Su principal competidor, Dave con ‘Raindance’, queda lejísimos con 45.000 copias.
Por extraño que parezca, ‘Aperture’ es tan solo el tercer número 1 en su propio país, tras la glam ‘Sign of the Times’ y obviamente ‘As It Was’.
Si pensamos en otros de sus singles que han vendido 1 millón de copias solo dentro de las islas británicas, hay que recordar que ‘Watermelon Sugar’ quedó en el puesto 4, ‘Adore You’ en el puesto 7, ‘Falling’ en el puesto 15, ‘Golden’ en el puesto 26 y ‘Late Night Talking’ en el puesto 2. También hay que destacar que ‘Music for a Sushi Restaurant’ quedó en el puesto 3, aunque no ha vendido 1 millón de copias, según la OCC.
Buscando más resultados internacionales, ‘Aperture’ «abre» en el top 1 en Irlanda, en el top 2 en Australia, en el top 7 en Alemania, en el top 9 en Noruega y en el top 17 en Holanda, entre otros territorios. Los datos español y estadounidense se conocerán a principios de la semana que viene.
La andadura artística de Josh y Benny Safdie ha tomado rutas diferentes (por una polémica en torno a una escena de sexo con una actriz menor de edad durante el rodaje de ‘Good Time’), y por primera vez, los hermanos han entregado películas dirigidas por separado. Es curioso cómo ambos lo han hecho con biopics deportivos.
Benny con ‘The Smashing Machine’, sobre el luchador Mark Kerr; y Josh con ‘Marty Supreme’, sobre el jugador de ping-pong Marty Reisman. Las dos suponen un acercamiento personal al drama biográfico, pero mientras que la primera es más clásica en su narrativa, esta segunda no dista en exceso de las epopeyas urbanas de ‘Good Time’ o ‘Diamantes en bruto’.
Muy heredero del cine del primer Scorsese, el cineasta continúa creando historias de ritmo frenético en las que el protagonista debe hacer todo lo posible por mantener su vida a flote, lidiando con la presión de ver cómo todo lo que le rodea se viene abajo. En esta ocasión nos lleva a los años 50, donde Marty intentará escapar de su destino como trabajador de una tienda de zapatos y convertirse en un jugador profesional de tenis de mesa. El talento lo tiene y la ambición también, tanta que hará que su búsqueda de gloria esté plagada de adversidades que dan pie a situaciones de lo más extravagantes.
Pero nada frena a Marty en sus ansias de gloria. Ni a un excelso Timothée Chalamet, que compone un personaje tan canalla como carismático; un sinvergüenza del que, sin embargo, no puedes apartar la vista e incluso desearle lo mejor en sus fechorías. Ni a Josh Safdie, cuya cámara filma con tremenda vivacidad, desparpajo y un vertiginoso sentido del ritmo cada uno de sus movimientos, creando un tensísimo ejercicio de estilo que intriga, angustia y divierte a partes iguales. Porque ‘Marty Supreme’ es tanto una comedia negra como un thriller adrenalínico que deja sin aire -con ayuda de la extraordinaria música de Oneohtrix Point Never- sobre el lado más podrido del sueño americano.
Al director le interesa indagar en lo lejos que alguien está dispuesto a llegar para cumplir con sus objetivos, en la ambición sin límites y el egoísmo y la falta de escrúpulos que esta trae consigo. Y también en cómo Estados Unidos y los valores que proclama se basan exactamente en eso mismo. De esta forma, la película hace una suerte de metáfora política en la que presenta además a un país recuperándose de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial y despegando como potencia internacional.
El contexto histórico es importante, pero a Safdie le preocupa aún más la humanidad detrás de los imperfectos seres que retrata, tan bien escritos como interpretados. No solamente Chalamet -una decisión de casting absolutamente brillante- está magnífico, también Odessa A’zion y Gwyneth Paltrow aportan un gran magnetismo a sus respectivos personajes, dos mujeres de clases muy diferentes pero ambas atrapadas en una sociedad que de una manera u otra las oprime.
Josh Safdie entrega una muestra de cine audaz y vivo que transforma los códigos del drama deportivo para elevarse como un estilizado y fascinante estudio sobre la ambición y la masculinidad. Pero por encima de todo, ‘Marty Supreme’ es puro disfrute.
El concierto Act X Palestine, celebrado esta noche en Barcelona, ha sido una muestra clara de la confluencia entre distintas luchas. Aunque la causa palestina era el eje central y el motivo de la recaudación, hemos visto a Ana Tijoux portando una camiseta de “Fuck ICE”, a la palestina Lina Makhul recordando a Sudán y al Congo, o escuchado apoyos a las víctimas del inhumano desalojo del B9 en Badalona y a todas las personas oprimidas en general. El concierto, más allá de su buena organización, ha sabido ser cálido, algo no siempre fácil de lograr en eventos benéficos como este, donde desfilan artistas de todo tipo, uno detrás de otro.
El evento, celebrado en el Palau Sant Jordi y dividido en actos, ha contado con un montaje inspirado en una plaza mediterránea y ha alternado actuaciones musicales con discursos y proyecciones sobre el genocidio de manera amena y ágil. Mensajes sobre las divisiones artificiales del mundo, sobre la vigilancia tecnológica -con un aplaudido Lluís Llach- o imágenes de familias devastadas por el conflicto han transmitido muchos más mensajes -y muy necesarios- que el de la liberación de Palestina, que ya es suficientemente importante.
Pep Guardiola ha sido el encargado de inaugurar el evento y, tras sus palabras, los artistas han ido apareciendo uno a uno. Amaia, uno de los principales reclamos, ha ofrecido una preciosa interpretación al piano de ‘Nadie podría hacerlo’ y ‘Tengo un pensamiento‘, y ha expresado su satisfacción por “poder aportar mi granito de arena”. Aunando nombres nacionales e internacionales, no ha sido tan extraño ver a Zaho de Sagazan y, un rato después, a La Zowi, como lo ha sido ver juntos a Guillem Gisbert y Mushka presentando su cumbia de la mejor manera que han podido, con Mushka sentada en una silla de ruedas tras sufrir un esguince.
Aunque personalmente tenía ganas de ver a Aurora -que también ha cantado al piano su bonita canción sobre Palestina y cuya presencia en el evento había sido comunicada el día anterior-, el momento de la noche lo ha protagonizado Rosalía, que ha aparecido sin estar anunciada para cantar ‘La Perla‘ en acústico. Acompañada de una pequeña banda de músicos -guitarra, coros y palmas-, la autora de ‘Lux’ ha jugado con los tiempos de la canción y ha usado el famoso puente de “no referirse a él como icono” para agradecer la invitación, subrayando el “honor” de subirse, precisamente, a ese escenario. La críticas por la «tibieza» política de Rosalía deberían aflojar a partir de ahora. Como mínimo, ya nadie podrá decir que Rosalía no apoya la causa palestina, o que juega a la ambigüedad.
Honor ha sido también el nuestro al recibir sobre el escenario a personalidades como el activista Arab Barghouti, hijo del influyente líder palestino Marwan Barghouti, encarcelado desde 2002, o a Natalia Abu Sharar, presidenta de la Comunitat Palestina de Catalunya, que ha lanzado un emotivo mensaje de resistencia: “Nos roban las casas, pero no la memoria; queman nuestras tierras, pero no nuestras raíces”. No queda otra que mantenerse unidos en medio de un genocidio que ni respeta el alto al fuego, ni -por cierto- ha acabado, pues continúa ya fuera del foco mediático.
El concierto, que ha subrayado la presencia de nombres palestinos como Zeyne -que tiene tablas para convertirse en una pop star global- o de otros lugares como el Tuareg, de donde proviene la banda Tinariwen, todo un descubrimiento para quien esto escribe; ha contado también con la anunciada presencia de Bad Gyal, otra de las artistas más esperadas de la noche. Bad Gyal ha interpretado ‘Fiebre‘ sin desmadrarse bailando, dado el contexto, antes de dar paso a Morad, quien ha cantado primero con Farelo y después en solitario, paseándose de un lado a otro con la bandera palestina.
El concierto ha agotado entradas justo antes de empezar y ha sido un éxito artístico. De hecho, ya lo estaba siendo antes de Rosalía y lo habría sido sin ella. Su presencia, sin embargo, ha servido para reforzar y visibilizar la importancia de la reivindicación que nos había reunido allí. Pero en absoluto habríamos olvidado el divertido dabke de Fermín Muguruza, el pop coreado de Oques Grasses, el violín y flamenco de Laura Pacios, el piano de Clara Peya o el teatro experimental de La Fura dels Baus en plan distópico. Todos ellos han entretenido sin dejar de recordarnos por qué estábamos ahí y por qué lo seguiremos estando.
El biopic de los Beatles, compuesto por cuatro películas dedicadas a cada uno de sus integrantes, será uno de los grandes estrenos cinematográficos de 2028. En concreto, será en abril de ese año cuando podamos ver las cuatro cintas protagonizadas por Harris Dickinson (John Lennon), Paul Mescal (Paul McCartney), Joseph Quinn (George Harrison) y Barry Keoghan (Ringo Starr). Sam Mendes es el director de este ‘The Beatles Four-Film Cinematic Event’ que ya esperamos como agua de mayo.
Aunque todavía faltan dos años para el estreno de los biopics, se ha revelado el primer vistazo a las caracterizaciones de sus cuatro protagonistas. El Liverpool Institute for Performing Arts -cofundado por Paul McCartney- ha recibido cuatro postales de Sony Pictures que muestran a Dickinson, Mescal, Quinn y Keoghan recreando los icónicos looks de cada Beatle al que representan.
La peor suerte se la ha llevado Barry Keoghan, no porque su look esté mal -que no lo está-, sino porque los fans argentinos han detectado similitudes entre su caracterización de Ringo Starr y el aspecto del polémico presidente de Argentina, Javier Milei. Aunque más apropiado sería decir que es el dirigente argentino quien porta un look típico de los Beatles.
Sony Pictures ha revelado las imágenes hoy, 30 de enero, una fecha que los fans de los Beatles conocen muy bien, ya que marca el 57º aniversario de su famoso concierto en el balcón de 1969, donde los Beatles actuaron juntos por última vez.
O Son Do Camiño sigue sumando nombres a su próxima edición, que se celebrará del 18 al 20 de junio en Monte do Gozo. La línea principal ya incluía artistas de la talla de Linkin Park, Katy Perry y Dani Martín, conformando el cartel más ambicioso del festival gallego hasta la fecha.
Ahora se suman a la programación nuevos nombres internacionales como Biffy Clyro o Hoobastank -a quienes recordarás por su éxito ‘Reason’-, mientras que Lola Indigo, Leire Martínez, Guitarricadelafuente y Sen Senra destacan entre las confirmaciones nacionales.
Engrosan la nueva tanda de nombres anunciada hoy por O Son Do Camiño figuras de la electrónica como Afrojack, o del indie patrio como Sexy Zebras y Carlos Ares.
Además, el escenario SON Electro Repsol, dedicado a la electrónica, recibe las confirmaciones de Jimi Jules, Patrick Mason, DJ Gigola, Héctor Oaks y Carlita. Los abonos siguen disponibles en la web del festival.
El próximo mes de abril se publica el nuevo álbum de Parquesvr, uno de los grupos que más están despuntando por su combinación de crítica social y humor. Las rimas provocadoras de canciones como ‘Que te pares’, ‘Juancarlista’ o ‘Tu nombre es una puerta por cerrar’ han podido provocar carcajadas o resultar directamente increíbles en sus menciones a Froilán o Santiago Abascal; prácticamente ningún personaje de la clase política o social ha escapado al agujero negro de Parquesvr, que todo lo engulle.
Varios personajes de ese tipo aparecen en una nueva canción de Parquesvr, nada casualmente llamada ‘Tonto’, tercer avance de su cuarto disco, ‘Mitos y leyendas’. Ni Carlos Mazón, ni Eduardo Inda, ni Vito Quiles, ni El Xokas, ni Pablo Motos son los protagonistas de ‘Tonto’, aunque seguramente estarán encantados de escuchar sus nombres pronunciados en una canción.
Los “tontos” serían todos ellos y quienes se parecen a ellos por “votar como una puta mierda”, nadar directamente en la mentira o la ignorancia, difundir bulos o desinformación para infundir miedo, o simplemente por ser tontos y no saber que lo son. Esos serían los más peligrosos, ya que el malo “para cuando va mal, pero el tonto no para hasta el final”, rima el cuarteto madrileño.
De nuevo, Parquesvr entrega una serie de pareados increíbles y convence con su consigna final: existen “Tontos de izquierdas y de derechas, tontos, tontas, tontes por doquier: lo más transversal es la estupidez”. A nadie le sorprenderá que Obama y Trump aparezcan nombrados, pareciendo casi lo mismo.
‘Tonto’ es otra divertida producción de Parquesvr inspirada en el indie dosmilero tipo Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand o The Hives, pero potenciando la guitarra garajera. El videoclip es directamente una exposición de retratos de toda esa gente que Parquesvr consideran enemiga del sentido común: ahí tenemos a Marta Sánchez, Íñigo Errejón, Jordi Wild o Isabel Díaz Ayuso.
FECHAS:
31.01: Barcelona. Sala Apolo
07.02: Madrid. La Riviera [sold out]
13.02: Sevilla. Sala Malandar
14.02: Granada. Aliatar
21.03: Alicante. Los Conciertos del Baluarte
21.03: Murcia. Sala REM
11.04: Tenerife. Lalamusic
26.04: Valencia. Serialparc
09.05: Aspe. Aspesuena
14.05: TBA
16.05: Gijón. Vibra Mahou Fest [sold out]
30.05: Rábade. Entrepontes Fest
06.06: Burgos. In Festival
20.06: Castellón. Concerts del Pinar
10.07: Barcelona. Cruïlla Festival
24.07: Pozoblanco. Festival Al Fresco
31.07-02.08: Torrevieja. Low Festival
08.08: Muros. Castelo Rock
22.08: Huesca. Metro Festival
02-03.10: TBA
Hoy, 30 de enero las novedades discográficas son escasas, aunque interesantes, ya que recibimos nuevos lanzamientos de Sébastien Tellier en clave synth-pop o de Joyce Manor en un estilo indie, así como nuevos trabajos de Dani Dicostas, Yumi Zouma, Joaquina o Shackleton.
Maria Arnal sigue presentando su disco y su nuevo single abre la playlist «Ready for the Weekend», ya disponible en Apple Music. Destacamos también los estrenos -en forma de single- de Parquesvr, MEEK, María Escarmiento o esos L Kan que apelan a Los Javis.
Entre los artistas que han anunciado nuevo disco tenemos que hablar de Melanie Martinez, que ya ha puesto en marcha la promoción de ‘HADES’ con un primer avance, así como del genial Thundercat, además de Miss Grit (en la foto) o Tom Misch, en un ámbito más underground.
También Camellos, Lewis OfMan, Tokischa, Ferran Palau, RATA, Baby Queen o Christine and the Queens lanzan nueva música hoy. Entre los nombres que pueden dar de qué hablar durante 2026 están Los Buenos Valedores, Magalí Sare o NAZZ.
Como siempre, no podemos dejar de comentar las curiosidades del día, y aquí es imposible no mencionar el regreso de A*Teens o la enésima canción dedicada a ‘Barcelona’, en este caso firmada por Paula Koops.
Con los números que estaba haciendo sin disco en el mercado, incluso habiendo salido sus últimos singles hacía ya un año, Bruno Mars lo tenía que hacer muy mal para no triunfar con ‘I Just Might’. El tema no ha reventado del todo -en España se mantiene en el puesto 28-, pero sí sigue fuerte en listas tres semanas después.
Y lo que es más importante, ha conseguido ser número 1 en Estados Unidos durante dos semanas consecutivas. ‘I Just Might’ es nada menos que el 10º top 1 en el país norteamericano para Bruno Mars. ¿Pero es el mejor? En este artículo establecemos un top y os damos la posibilidad de votar.
10.-Nothin’ On You (B.O.B.)
Cuesta recordar que Bruno Mars fue un día un artista de «featurings» y antes de eso, un imitador de Elvis Presley de niño, bastante conocido en Hawaii. Cuando se mudó a Los Ángeles para probar suerte en la música, trabajó en campamentos de composición y le salió el «hook» de esta canción, inspirándose en ‘The Most Beautiful Girl in the World’ de Prince. La idea original era vender el tema a Lupe Fiasco, pero al director de Atlantic Records no le gustó la versión de este, por lo que se lo pasó a B.O.B. y se decidió conservar la parte de Bruno por su frescura. Producciones más sofisticadas y con más de Bruno Mars vinieron luego, pero aquí se plantó una semilla.
9.-I Just Might
Tenemos 10 meses -hasta el Anuario 2026- para arrepentirnos, pero de momento ‘I Just Might’ no luce a la altura del mejor Bruno Mars. El tema suena exactamente como algo compuesto por Justin Timberlake para una película familiar, es decir, una especie de ‘CAN’T STOP THE FEELING’: un tema que, al margen de su éxito, puede terminar en alguna que otra lista de lo peor del año por su ausencia de riesgo y por lo que tiene de pasteloso. Esperamos que haya al menos un single menos holgazán y más certero que ‘I Just Might’ en su próximo disco ‘The Romantic’. Lo sabremos exactamente dentro de un mes.
8.-When I Was Your Man
Pianistas como Elton John o músicos como Billy Joel fueron la inspiración para esta balada, publicada en el segundo disco de Bruno Mars (2012). La escribió pensando en su novia de entonces, la modelo Jessica Caban, aterrorizado por la idea de perderla. Duraron hasta el año pasado, así que ni tan mal. Aún favorita de su público bordeando los 3.000 millones de streams solo en Spotify, es simplemente un anticipo de otras grandes baladas que vendrían después. Por ejemplo, ‘All I Ask’, el tema que donó a Adele.
7.-Grenade
Que Mars también era un gran seguidor de Michael Jackson es evidente en esta grabación de su primer álbum que escribió inspirado por una chica que no le hacía caso. Eran los tiempos en que formaba parte del equipo de compositores y productores The Smeezingtons junto a Philip Lawrence y Ari Levine. Una grabación similar a ‘Dirty Diana’, in crescendo, en la que el piano durante estrofas y pre-estribillo tiene casi tanto peso como el estribillo «explosivo». Por cierto, que Bruno debutó justo el año en que Michael murió: 2009. ¿Casualidad? No lo creo.
6.-Just the Way You Are
El primer single en solitario de Bruno Mars, el que presentaba su debut ‘Doo-Wops & Hooligans’ (2010), se definió como una transición entre sus primeras colaboraciones y lo que finalmente iba a ser su carrera en solitario. Bruno se inspiró en clásicos como ‘Wonderful Tonight’ de Eric Clapton, ‘You Are So Beautiful’ de Joe Cocker y ‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor para escribir esta canción que tenía lo mismo de intensa que de eufórica. ¿Su secreto? La repetición de ese estribillo más grande que la vida «You are amazing», por el que Chris Martin habría matado.
5.-That’s What I Like
El único tema que consiguió el número 1 del mejor disco de Bruno Mars, ’24 Magic’, fue este ‘That’s What I Like’ que representa su vena más sexy. Esa línea más desafiante y ostentosa de lo que se había visto en sus primeros discos, curiosamente, en principio no convenció a los directivos de Atlantic. Al final todo el mundo tenía razón: Bruno Mars vendió menos discos, sí, perdió algo de público en cuanto a ventas directas (su debut recibió 9 veces platino en USA, y este disco, «solo» 3)… pero a su vez ese cambio fue convirtiéndole en la estrella global y llenaestadios que es hoy.
4.-Die With a Smile (con Lady Gaga)
En 2021, Bruno Mars empezó a trabajar en la maqueta de una balada que se barajaba pudiera acabar en la banda sonora de ‘Joker: Folie à Deux’. Luego se desechó, pero Lady Gaga sí acudió a las sesiones de Bruno para completarla, junto a su escudero Andrew Watt. El resultado es totalmente espectacular, escalofriante en el modo en que ambos extienden las sílabas «to youuuuuuu» o cambian de melodía «just for a while». La artista no solo aportó la voz de chica tras otro dúo baladesco que le había funcionado de maravilla, ‘Shallow’, sino también el carisma, algo de lo que Bruno siempre fue algo más justo, perseguido por su pasado como «impersonator». En el icónico vídeo, los planos de Gaga fumando y tocando el piano roban todo el foco.
3.-Leave the Door Open (como Silk Sonic)
Prueba de que Bruno Mars no reniega de su pasado colaborativo, tras ’24k Magic’ se enfrascó en un proyecto paralelo junto a Anderson .Paak. El resultado es pura seda, una producción niquelada en cuanto a pianos, palmas, chasquidos, coros, en homenaje a la Motown y a personajes con el gusto para la producción de Marvin Gaye. ‘Leave the Door Open’ triunfó en los Grammy, muy merecidamente, pero después el dúo Silk Sonic decidió no presentarse a Mejor Álbum el año siguiente. Quizá no querían lidiar con la presión de ganar o no ganar porque lo que querían era divertirse. Y muchas veces ese es justo el secreto para dar con algo tan atemporal.
2.-Locked Out of Heaven
Si una canción ha identificado a Bruno Mars durante años es el primer single de su segundo disco, ‘Unorthodox Jukebox’, tras pasar por anuncios de Samsung y Toyota. Uno de estos últimos prohibido tras mostrar a una persona conduciendo con los ojos cerrados. Fue temeraria y no, no intenten esto en su vida, pero es una buena metáfora de la sensación de libertad que contiene la canción, que repite incesantemente la idea de «sentirse vivo». Bruno admitió la inspiración en el sonido The Police, tan identificativo, entre el reggae y el rock.
1.-Uptown Funk (con Mark Ronson)
Imagínate alguien diciendo en 2015, en medio de la oleada trap y reggaeton, que ya no se hacen canciones como las de antes. ‘Uptown Funk’ es precisamente una canción como las de antes, con un Bruno Mars que ha dejado de ser un imitador y definitivamente se ha convertido en una superestrella. Mark Ronson, que tan bien había entendido la música de los 60 y los 70, como es muy visible en ‘Back to Black’ de Amy Winehouse, lleva a Bruno a otro nivel, entre lo que parecen guiños a Chic. Mars deja de sonar amateur, a triunfito (como Lizzo), para pasar a la primera línea absoluta. El lustroso vídeo, con su humor, su coche de lujo y su mucho de calle, se acerca a los 6 millones de visualizaciones en Youtube, cifra inimaginable hoy. ¿Será que ya no se hacen canciones como las de antes?
Bonus: 24k Magic
Las listas de éxitos, el «número de números 1», pueden servir para recordarnos cuántos clásicos tiene un artista, como es el caso. Y al mismo tiempo pueden recordarnos que no sirven para nada. ¿Es posible que la mejor canción de Bruno Mars no fuera número 1? Es posible. ¿Estamos hablando de ‘APT.’? Nah… Atascada en un ridículo puesto 4 en Estados Unidos, ’24k Magic’, el tema que presentaba el disco homónimo de 2016, tomaba buena nota de lo aprendido junto a Mark Ronson. Retazos disco, rap, ad-libs brillantes, detalles electrónicos en sintes y voz conforman la que, sin duda, es la mejor grabación de Bruno Mars en solitario.
Hacía tiempo que no me reía tanto leyendo una entrevista o viendo Reels de un artista. La promo del EP ‘JANE DOE IN THE DREAM HOUSE’ ha salido redonda a Metrika. Si ‘TOTO DE LOCA’ ya había circulado libremente por TikTok, ahora ha sabido llevar la honestidad brutal de sus letras a la prensa, donde trata de explicar qué coño hacía actuando en un evento en el que estaba Vito Quiles. «¿Dinero de facha para mis bailarinas trannies? Pues claro que sí», ha declarado la cantante, que se define «de izquierdas» y el verano pasado sufrió una agresión homófoba durante una actuación en Burgos.
Este año habrá nuevo disco de Metrika. Mientras comprobamos qué más tiene que ofrecer en formato largo, Universal publica un EP que no es ningún pasatiempo: ya contiene otro par de pequeños virales que responden a nombres tan ilustrativos como ‘CONEJITA PLAYBOY’ o ‘VIRGEN PUTITAS’. Esta ex vendedora de cupones de la Cruz Roja, estudiante de Farmacia de día y «delincuente de Mattel» de noche, que se corta «el flequillo con las tijeras de cocinar», se inspira aquí en la película ‘Conejita en el Campus’ y en la estética vampira para hacer desaparecer a sus enemigos y gozar mordiendo, a partes iguales.
El sentido de un EP de 13 minutos como este es que cada una de sus pistas tenga un sentido, que no haya demasiado filler porque tiempo no da. Te taladra con ‘EL TASER DE MAMÁ’, la canción que repite «tra, tra» mientras se jacta de hacer dinero «con maricas, scorts y asesinas». La comunidad LGTBIQ+ vuelve a aparecer en ‘CONEJITA PLAYBOY’, donde deja claro quién manda aquí: «Te squirteo con la regla y parece que te acabo de matar / Esa es mi fantasía sexual».
‘UNA BIMBO POR MADRID’ reincide en su obsesión por las ITS, pues en ella rima «test de gonorrea» con «te tengo dicho que no te folles a feas» y después de eso su verborrea no se agota. ‘STILETTO O CUADRÁS’ tiene las mejores barras de ‘JANE DOE IN THE DREAM HOUSE’ y ‘VIRGEN PUTITAS’ es la que contiene la mejor melodía, lo creáis o no. Sí, «Ponte puta» es el mejor estribillo de este pequeño disco.
Transitan las producciones de D. Basto y Came Beats por el reggaeton oscuro y por el trap más manido. En ese sentido, no hay mucho que decir. ¿Habrá un guiño a Kraftwerk al final de ‘UNA BIMBO POR MADRID’? Da igual, porque cualquier idea es devorada por frases lapidarias como «sufrir es para hombres, yo estoy en la peluquería / Tú eres libre de irte y yo de montar una carnicería».
Nada de lo que oímos es tan distinto de aquel ‘Soy puta y mi coño lo disfruta’ que Carmen de Mairena transformó en icono. Esta mujer también canta lo que le sale del mismísimo, haciendo que la vida de esas «zorras, putas y travestis» a que apela en ‘VIRGEN PUTITAS’ sea un poquito mejor. Es fácil imaginar a miles poniéndose el eyeliner cada sábado, mientras perrean con estas canciones sobre «pollas feas», meades de la risa. Estábamos demasiado acostumbrados a artistas que no sea creían tales y ella ya se refiere a sí misma como «icónica»: «Me parece icónico ir a cantar ‘TOTO DE LOCA’ delante de fachas y pirarme con las mismas. Es que no me quité ni las gafas, ni el abrigo. Fui, canté y me piré para Salou». Si no comulgas, no te preocupes. Ya ha dicho que a los 50 ella lo que quiere es trabajar en una farmacia. Imagínate que es Metrika quien te vende el Duodart en el futuro.
Tras el luto por Liam Payne, los integrantes de One Direction vuelven a enfocarse en sus carreras en solitario. Liam Tomlinson acaba de lanzar disco, Harry Styles ha anunciado el suyo, Niall Horan estrenará un single el próximo 6 de febrero y Zayn Malik ha iniciado estos días su residencia de conciertos en Las Vegas.
Ha sido en la capital de Nevada donde Zayn ha lanzado una curiosa indirecta a Harry Styles, o eso afirman los fans del artista.
Los elevados precios de las entradas de la gira de Harry Styles, que oscilan entre los 50 y 530 euros, y el polémico sistema dinámico de venta, ha puesto a Harry en el punto de mira, y Zayn no ha desaprovechado la oportunidad para -aparentemente- tirarle un mensaje velado: «¿Quién de aquí es de Las Vegas? ¿Quiénes vienen de otro lugar? Solo quiero daros un enorme agradecimiento por estar aquí conmigo esta noche… espero que los precios de las entradas no hayan sido demasiado altos, ¡de paso lo digo!»
Aunque Zayn no menciona directamente a Styles, a nadie le parecerán casuales sus palabras, ya que ambos fueron compañeros de banda y la coincidencia entre sus declaraciones y la controversia de los tickets de Styles es demasiado evidente.
NME ha señalado que, en comparación con los precios de las entradas de Styles, los tickets para ver a Zayn en Las Vegas cuestan «entre 79 € y 190 euros», si bien existen algunas entradas “Premium” que alcanzan los 400 euros. La entrada más cara de “Reventa Verificada” asciende a algo más de 500 euros.
Lady Gaga se ha sumado a las voces críticas con las acciones del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas y la violencia ejercida por los agentes de la Patrulla Fronteriza en Estados Unidos, tras el tiroteo letal a dos personas en Minneapolis, y las detenciones y deportaciones masivas de inmigrantes en Estados Unidos efectuadas en los últimos meses. En los últimos días, figuras como Billie Eilish u Olivia Rodrigo han denunciado la violencia del ICE, mientras Bruce Springsteen ha lanzado una canción protesta.
En un discurso pronunciado estos días durante un concierto en Tokio, Japón, la artista ha expresado su dolor “al pensar en la gente, en los niños, en las familias de todo Estados Unidos que están siendo atacadas sin piedad por el ICE”. “Pienso en todo su dolor y en cómo sus vidas están siendo destruidas justo frente a nosotros”, ha afirmado, señalando además que “en unos días” regresará a Estados Unidos. Este domingo, Gaga actuará en la ceremonia de los premios Grammy.
“También pienso en Minnesota y en todos los que están de vuelta en casa, viviendo con tanto miedo… y buscando respuestas sobre qué deberíamos hacer todos. Cuando comunidades enteras pierden su sentido de seguridad y pertenencia, algo se rompe en todos nosotros”, ha señalado la artista, quien ha pedido a su público en Japón que se solidarice con las víctimas: “Sé que no estamos en Estados Unidos en este momento, pero estamos con nuestra comunidad y los amamos”.
Gaga dedica su canción de 2017 ‘Come to Mama’ “a todas las personas que están sufriendo, a quienes se sienten solos e indefensos, a cualquiera que haya perdido a un ser querido y esté pasando por un momento difícil, un momento imposible, sin poder ver cuándo llegará el final”.
Durante su emotivo discurso, la cantante subraya que la sociedad estadounidense “necesita volver a un lugar de seguridad, paz y responsabilidad”, y razona que “la gente buena no debería tener que luchar tan duro ni arriesgar su vida por bienestar y respeto”. Además, se dirige a los líderes del país para pedirles que “cambien el rumbo de sus acciones con rapidez y que tengan misericordia con todos en nuestro país”.
Gaga concluye su discurso destacando la importancia de contar con una red de apoyo comunitaria: “En un momento en el que no parece fácil tener esperanza, es mi comunidad, mis amigos y mi familia quienes me sostienen. Por eso, me gustaría cantar una canción que sí tenga un poco de esperanza, para intentar darnos un poco esta noche”.
Lady Gaga condemned ICE in a speech during her show in Japan: "I wanna take a second to talk about something that it's extremely important to me, something important to people all over the world, and especially in America right now. In a couple of days I'm gonna be heading home… pic.twitter.com/Bv3MVuUQmi
Jägermusic es la plataforma musical de Jägermeister centrada en descubrir el talento musical del futuro, y que en los últimos años ha funcionado como escaparate para dar a conocer las propuestas de artistas como Ginebras, Metrika, PUTOCHINOMARICÓN, Janire o Bajocero X, ofreciéndoles visibilidad, apoyo y oportunidades reales para avanzar en sus carreras musicales.
Coincidiendo con su 12º aniversario, Jägermusic revela la cartera de nombres que estarán bajo su paraguas artístico durante 2026, y es tan interesante como siempre.
Volverán a ser un total de ocho artistas los que formen parte de la programación de Jägermusic en 2026. Algunos de ellos te sonarán, ya que han pasado recientemente por esta página, como SVSTO -el proyecto en solitario de Carla Parmenter de Las Bistecs-, los divertidísimos EZEZEZ o la inclasificable Azuleja.
También se unen a Jägermusic este año la irreverente L0rna, autora del genial ‘Mr. Sexo Beat’; dentro de su mismo ámbito urbano también El Virtual; los conocidos Fresquito & Mango, que han trabajado con artistas como Aitana; Kiliki, el proyecto electropunk de un integrante de Chill Mafia; y la productora de techno, música de club y performer Meritxell de Soto.
Jägermusic ha elegido una estética de videojuego para promocionar su nueva agenda de artistas, convirtiéndolos en avatares digitales.
Bruce Springsteen ha lanzado una canción condenando las actuaciones del ICE en las calles de Minneapolis y la complicidad de Donald Trump en las ejecuciones de Renee Good y Alex Pretti, cuyos nombres Springsteen menciona en la letra.
En especial la muerte de Pretti a manos de los agentes anti-inmigración es inmortalizada en ‘Streets of Minneapolis’, donde Bruce escribe que fue perpetrada por los «matones federales de Trump»: «Le pegaron a su cara y a su pecho / Luego escuchamos los disparos / Y Alex Pretti yacía en la nieve, muerto», canta el artista.
Springsteen, una de las figuras públicas más críticas con la administración republicana, describe al ICE como el «ejército privado de Trump» y como un cuerpo que «dice defender la ley», pero que «pisotea nuestros derechos» y aterroriza a las personas migrantes: «Si tu piel es negra o marrón, amigo / Puedes ser interrogado o deportado a la vista», canta el Boss. En una línea de la canción, Springsteen pide al público que confíe en lo que ven sus ojos y cuestione si el ICE realmente actuó en «defensa propia», como alega.
Compuesta en el estilo de un himno pop‑rock popular, ‘Streets of Minneapolis’ -cuyo título recuerda al del éxito de Springsteen de 1994, ‘Streets of Philadelphia’- captura los sucesos del «invierno del 2026» y retrata al ICE como fuerza ocupante enviada por el «rey Trump», pero también recuerda a la población estadounidense que «defendieron la justicia» y cuyas voces «resonaron durante la noche» en medio de la «niebla ensangrentada».
Springsteen, en un comunicado, explica que grabó la canción el sábado y decidió publicarla al día siguiente: «Escribí esta canción el sábado, la grabé ayer y te la publiqué hoy en respuesta al terror de Estado que se está viviendo en la ciudad de Minneapolis. Está dedicada al pueblo de Minneapolis, a nuestros vecinos inmigrantes inocentes y en memoria de Alex Pretti y Renee Good».
Mientras la Fiscalía británica estudia reabrir el caso por «terrorismo» contra Mo Chara, rapero de KNEECAP, alegando que la demanda se archivó por un error técnico, el grupo irlandés continúa su carrera y anuncia nuevo disco: ‘FENIAN’.
El 24 de abril podremos escuchar este álbum, producido por Dan Carey, que traerá un sonido más industrial y apocalíptico, según la nota de prensa, acorde con los tiempos actuales. El disco volverá a estar cargado de discurso político: uno de sus cortes se llama directamente ‘Palestine’, y la portada retrata a un hombre cubierto con un pasamontañas con los colores de la bandera irlandesa y los ojos tapados, como si hubiera sido secuestrado.
‘FENIAN’, explica KNEECAP, es un término irlandés que originalmente «nombraba a guerreros de la mitología irlandesa» y que «posteriormente fue usado como insulto hacia los irlandeses». KNEECAP recupera la palabra para describir a la disidencia frente al poder; con ella pretenden «nombrar a cualquiera que diga la verdad al poder».
‘Liars Tale’, el primer avance de ‘FENIAN’, anticipa ya el oscuro sonido del álbum, apoyándose en una producción musical enérgica y vociferante que recuerda a Prodigy. Probablemente nunca hayamos escuchado a Mo Chara y Móglaí Bap tan engorilados.
Tampoco se puede pasar por alto que la letra de ‘Liars Tale’ incluye una mención directa a Benjamin Netanyahu, al que KNEECAP compara con excremento de vaca, que sería usado «mejor como abono para agricultores». El videoclip, por su lado, cuenta con el cameo de una Margaret Thatcher zombie, sugiriendo que sus ideas neoliberales y autoritarias han vuelto.
Cargando ...
