Aitana logra ascender al número 1 de JENESAISPOP gracias a los votos en la web y después al “Desempate de Twitter”. Se trata del tercer número 1 para la cantante en nuestro site, pero del primero en solitario, pues los otros fueron ‘Lo malo’ con Ana Guerra y ‘La canción que no quiero cantarte’ con Amaia. ‘Los Ángeles’ ha sido tan sólo top 5 en España, aunque se espera que suba la semana que viene.
La entrada más fuerte es la de Warmi con ‘Replaced’, después de haber hecho un llamamiento en Twitter que textualmente decía “1 voto = 1 mamada”. El cantante ha recibido exactamente 39 votos.
Otros artistas que han llegado a la lista han sido Melanie Martinez, Tyler the Creator, Purple Disco Machine y NOIA.
La Zowi ya ha comenzado el rollout de su nuevo disco, el primero en tres años, ‘La Reina del Sur’. Lo ha hecho con el lanzamiento de ‘BITCH FEKA’, instantáneamente una de las mejores canciones que ha sacado nunca. Además, viene acompañada de un ya icónico vídeo que también protagonizan Samantha Hudson y Olivia Missy.
‘BITCH FEKA’ es un bombardeo continuo de insultos y desplantes a un nivel del que solo La Zowi es capaz. «No me creo a esas putas» es la primera frase del tema, y no hace más que mejorar. La autora de ‘Matrix’ tiene para dar a todos sus enemigos, desde las putas de «la tota seca» hasta los hombres de su vida, los cuales casi ya no necesita porque «pa’ chingar tengo los dedos». La agresiva producción de Lex Luger, que ha colaborado con artistas como Lil Wayne o Gucci Mane, solo suma al lado más crudo de Zoe.
El vídeo es el acompañamiento perfecto para ‘BITCH FEKA’, con un guión confeccionado sorprendentemente por la conocida autora y feminista francesa Virginie Despentes. Con una trama digna de una película de Tarantino, en él La Zowi, Samantha Hudson y Olivia Missy se vengan de su chulo torturándole y obligándole a ingerir la droga que tanto le gusta.
‘La Reina del Sur’ apunta a ser su «trabajo más ambicioso y rotundo hasta la fecha», según indican en un comunicado, aunque por el momento no existe fecha de salida. Este será el sucesor de ‘Élite’, lanzado en 2020.
Britney Spears ha terminado sus esperadas memorias y planea ponerlas a la venta este otoño, según informa Page Six, quienes ya dieron la primicia sobre la información del libro y sobre su reciente single con Elton John. Fuentes internas de la editorial han asegurado a la publicación británica que el libro será «un rompedor best seller instantáneo» y que «sacudirá el mundo».
«El libro de Britney es una historia de triunfo», asegura una de estas fuentes, que matiza que también es «una historia de supervivencia». También cuenta que este cubrirá «sus momentos más vulnerables, su infancia (siendo una niña pequeña con grandes sueños), su ruptura con Justin Timberlake, el momento en el que se rapó la cabeza y la batalla por su tutela contra su familia».
Una fuente también ha detallado que lo que se cuenta en el tomo es «brutalmente honesto» y «desde el corazón». Una segunda fuente de la editorial también ha contado que «es una lectura inspiradora, no solo porque muestra la fuerza del espíritu de Britney, sino porque su historia está contada con estilo, ingenio, honestidad y sin ninguna autocompasión».
Desde Page Six también revelan que Spears ha estado trabajando con Sam Lansky, un aclamado novelista y periodista que ha perfilado a artistas de la talla de Madonna, Nicki Minaj o Adele, en el libro que todavía no ha recibido un nombre oficial.
Lady Gaga ha dado el salto a la política, tras ser nombrada por el propio Joe Biden como la nueva codirectora del Comité de Artes y Humanidades del Presidente (PCAH, en inglés), junto al productor audiovisual Bruce Cohen. De esta forma, la cantante neoyorquina se embarca en su primera experiencia en el gobierno estadounidense.
La administración de Biden ha hecho público el nuevo cargo de la autora de ‘Bad Romance’ o ‘Shallow’ a través de la cuenta de Twitter del comité, a lo cual Gaga ha respondido con un escueto «Gracias», mencionando también a Joe Biden. Esta se unirá a otros nombres de la cultura norteamericana que también formarán parte del comité, pero que no presiden, como son Jennifer Garner, George Clooney o Kerry Washington.
Lady Gaga ya se había pronunciado anteriormente sobre sus creencias demócratas y además fue la encargada de cantar el himno nacional durante la investidura de Biden. El PCAH se fundó en 1982 con el propósito de abordar cuestiones del mundo de la cultura y las humanidades a través de la esfera política, además de reconocer a aquellas personas que destaquen en sus respectivos campo. Donald Trump disolvió el comité durante su presidencia, hasta que Biden lo reactivó el año pasado.
Lola Índigo ha lanzado su primera colaboración con Quevedo, el Midas del pop español actual, y apunta a convertirse en todo un hit. ‘EL TONTO’ es el sexto single de ‘EL DRAGÓN’, el esperado tercer disco de la extriunfita, que sale hoy, y cuya gira dará comienzo con un concierto en el WiZink el próximo 6 de mayo.
‘EL TONTO’ lo tiene todo para no parar de sonar en las discotecas este verano: un estribillo pegadizo, una letra divertida que gritar a los cuatro vientos y a Quevedo, que siempre ayuda a tirar un poco más. Musicalmente, es un tema de reggaetón básico, no te vas a encontrar nada sorprendente, pero a veces no hace falta más para pasar un buen rato.
En ella, ambos artistas se ríen del «tonto» que ha dejado a Mimi, la cual lejos de estar triste, se encuentra saliendo «de noche hasta tarde» y despertándose «en casa de otro». Bien por ella. El tema viene acompañado de un videoclip ambientado en el desierto canario que comienza con Mimi saliendo de un huevo gigante. Es una mezcla entre Dune, por el vestuario de la madrileña y sus bailarinas, y Mad Max, por las escenas en las que van a todo trapo en camiones y coches ligeramente destartalados.
El símbolo del martillo no es extraño a la música pop. En la canción protesta ha estado presente en ‘If I Had a Hammer’ de Peter, Paul and Mary (escrita originalmente por Pete Seeger y Lee Hays) y Depeche Mode lo utilizaron en la portada de ‘Construction Time Again‘ para marcar visualmente su evolución industrial. El martillo como herramienta que con un golpe lo rompe todo ha atraído también a Yaeji, que se cuelga uno en la portada de su primer disco.
¿Qué destruye Yaeji con su martillo? Su coraza, la que ha construido durante años en los que ha reprimido sus sentimientos de ira, rabia y frustración frente a la marginación con la que ha lidiado en su infancia, como persona coreana nacida y criada en Estados Unidos. Son sentimientos que a Yaeji le afloraron durante la pandemia. Con ‘With a Hammer’ su niña interior empieza sanar.
El proceso de Yaeji es de transformación. ‘Ready or Not’, dice Yaeji, el cambio es inevitable. En ‘Michin’ coge ese martillo y rompe con todo. A Yaeji los conocidos «cuartos de la ira» le han servido en el pasado para desahogar rabia acumulada, y la música de ‘With a Hammer’ puede ser un torbellino de emociones. El single ‘For Granted‘ acaba con una descarga «drum n’ bass» mucho mejor colocada que aquella de Björk, en el electro-punk de ‘Fever’ le cabe un rap y, en general, los beats de ‘With a Hammer’ son afilados y agresivos, y están provistos de un «punch» que eleva todas las canciones.
Ese «punch» puede ser decididamente industrial, como el trip-hop de ‘Passed Me By’, el synth-pop de ‘Done (Let’s Get It)’ o los ritmos metálicos de ‘With a Hammer’, o recordar a los laberintos tecno de Aphex Twin, como ‘Michin’. En todos los casos Yaeji entrega unas producciones espectaculares y que son todo lo modernas que pueden ser en 2023. También buenas canciones, aunque estas se diluyen en la segunda mitad. Era difícil escribir otra canción igual de pegadiza que ‘For Granted’, pero los exquisitos breakbeats de ‘Awayx5’ merecían una canción mejor, por no hablar de ‘Ready or Not’, cuya producción parece una actualización del ‘Post‘ de Björk.
Yaeji encuentra un buen equilibrio entre producción y composición en ‘Submerge FM’, la canción inicial, que apela a la unidad de todos los seres humanos aunque «internet diga que no hay nada que podamos hacer para salvar a las futuras generaciones». Es pop electrónico de primera categoría, como el citado trip-hop de ‘Passed Me By’, en la que la Yaeji adulta se encuentra con la infantil, o en el ultranoventero ‘Happy’ con Nourished by Time. Con influencias hasta del jazz en ‘I’ll Remember for Me, I’ll Remember for You’, ‘With a Hammer’ es un estupendo golpe en la mesa de Yaeji.
Parte de la redacción evalúa ‘Beso’ de Rosalía y Rauw Alejandro, primer single de su EP conjunto, ‘RR‘, y actual número 1 de singles en España.
«Soy una sentimental y me tocan mucho la patata estas muestras tan desatadas entre Rosalía y Rauw Alejandro, desarman todas mis defensas y cualquier atisbo de cinismo que pudiera albergar. Y si encima la canción con la que la pareja proclama su amor a los cuatro vientos es una delicia como ‘Beso’, pues perfecto. Me encanta ese aire de bachata-trance tan melancólico, cómo Rosalía canta en un tono alto, entregado; Rauw igualmente rendido; el estribillo tan bonito; la letra tan sin miedo a caer en lo cursi: «Lo mejor que tengo/Es el amor que me das/Huele a tabaco y melón…» Yo es que estas cosas me las creo. Y el vídeo… Disculpen, creo que se me ha metido algo en el ojo». Mireia Pería
«El EP de Rosalía y Rauw Alejandro sabe a muy poco, y no solo porque sea tan corto que a duras penas se le pueda llamar EP. Las canciones no aportan gran cosa a la discografía de ambos, mucho más interesante. ‘Beso’ es número 1 en España, así que el equivocado debo ser yo, pero no me parece para tanto en ningún sentido. La letra, especialmente, a veces me recuerda a lo más almibarado que se puede escuchar en Cadena Dial («Tú eres la exponente infinita, la equis, la suma / te queda pequeña la luna») y la cruda producción, bueno, digamos que el lo-fi funciona mejor en otros contextos». Jordi Bardají
Entre los regresos más esperados del pop nacional se encuentra el de Rodrigo Cuevas. El asturiano da al fin los primeros detalles de su nuevo disco, ‘Manual de Romería’, que ha producido en Puerto Rico mano a mano con Eduardo Cabra, conocido por el alias de Visitante y por ser integrante de Calle 13. El disco, que saldrá a través de Sony Music España, sigue sin fecha, pero el single sale hoy.
‘Más Animal’ en una fusión entre la muiñeira y el ajechao que se convierte en «un himno de sensualidad, vitalidad y poder». La canción pasa del desafío («te doy mil vueltas, chaval») a la fiesta total cuando nos invita a bailar hasta romper los zapatos, y es una de las más divertidas jamás publicadas por Cuevas. ‘Más Animal’ cuenta con la colaboración a los coros de la portorriqueña iLe, conocida por éxitos como ‘Mentiras con cariño’, a la que Cuevas conoce en Puerto Rico.
El videoclip de ‘Más Animal’ vuelve a ser inolvidable. Dirigido por Ricardo Villoria, colaborador habitual de Cuevas, el vídeo vuelve a poner el mundo rural en un prisma pop y es por momentos increíble: sexy cabaret, lucha en lodo… y un enorme cerdo tienen cabida en su universo.
Cuevas presentará su nuevo disco en una gira llamada ‘La Romería’ que comenzará el 30 de junio de 2023 en el Festival (a)phónica. Una gira de la que ya tiene fechas cerradas hasta 2024, año en que cruzará el charco para presentar el álbum en el continente americano.
‘Manual de Romería’ será la continuación de ‘Manual de Cortejo’, el disco con el que se dio a conocer Cuevas, producido por Refree. Os invitamos a recordar la entrevista que nos concedió entonces el autor de ‘El día que nací yo’.
Hoy 14 de abril se ponen a la venta los nuevos discos de Metallica, Feist y Lola Indigo. También es posible escuchar nuevos lanzamientos largos de La Plazuela, The Tallest Men on Earth, Pearly Drops, Temples, Petite Noir, el disco de remixes de Shygirl o el EP de Miss Caffeina.
Entre los lanzamientos sueltos a destacar hay que mencionar el single sorpresa de Post Malone, el regreso de Kelly Clarkson con hasta dos nuevos temas (uno de ellos escrito por GAYLE), el nuevo single de Rodrigo Cuevas con iLe, el remix de ‘Kill Bill‘ de SZA con Doja Cat que puede llevar el tema al número 1 de Estados Unidos por fin o la colaboración de Ice Spice con Nicki Minaj que puede significar un punto de inflexión para la primera.
Como cada semana hay novedades muy interesantes que descubrir. King Krule presenta su nuevo álbum, La La Love You publican su «himno» para aquellos que «están jodidos», la pionera Dawn Richard vuelve con ‘Bubblegum’, Luna Ki se estrena cantando en catalán, Jonny Greenwood se alía con el israelí Dudu Tassa, Jorja Smith se entrega al afrobeat de ‘Try Me’, Ghouljaboy coloca su colaboración con Dent May en la playlist internacional de «All New Indie», Magdalena Bay vuelven con nuevo EP…
La playlist «Ready for the Weekend» se abre con una de las recientes Canciones del Día, ‘Enjoy Your Life‘ de Romy, puro dance de los 2000s. Jessie Ware sigue poniéndonos los dientes largos de cara a su próximo disco con un single entre el disco y el góspel, Alison Goldfrapp (foto) sigue pegada a la pista de baile ochentera, Putochinomaricón sofistica su propuesta hyperpop y SIMONA se saca de la manga un temazo político que también hemos destacado en portada.
Entre las decenas de novedades musicales que ven la luz hoy no dejéis de hincarle el diente a las nuevas propuestas de Nation of Language, Decisive Pink, Albert Hammond con GoldLink, Lori Meyers con Kora, Juanes, DELLAFUENTE, Angel Olsen, el francés Aime Simone, La Plata…
Depeche Mode, Kendrick Lamar, Rosalía, Blur, Halsey… son algunos de los gigantescos cabezas de cartel de Primavera Sound. Pero en ese cartel, en una segunda línea, encontramos nombres casi igual de apasionantes, algunos de los cuales nunca hemos visto en directo, o no vemos hace un par de décadas.
JENESAISPOP, por primera vez medio colaborador de Primavera Sound, realiza un repaso de esos otros 15 nombres que aparecen hacia la «zona media» del cartel, pero que en casi cualquier otro festival serían el cabeza. Os recordamos que Primavera Sound se celebra del 1 al 3 de junio en el Fòrum de Barcelona y del 8 al 10 de junio en Arganda del Rey en Madrid. También habrá conciertos por toda la ciudad en ambos casos en los días previos y posteriores, actividades paralelas que de hecho han comenzado ya. Las entradas y abonos están disponibles en la web oficial.
St Vincent
Uno de esos nombres que aparecen en letras grandes desde hace tiempo entre lo mejor del siglo XXI es el de Annie Clark. Siempre se habló de ella desde la edición de su debut ‘Marry Me’ en 2007. En 2014, con su excelente álbum homónimo, pasó a otro estatus siendo reconocida en los Premios Grammy. No suele dejar atrás en su repertorio temas de su obra maestra ‘MASSEDUCTION‘ (2017) y la única duda que nos queda ahora mismo es si su setlist seguirá fiel a su última obra ‘Daddy’s Home’ (2021) o estará pensando más bien en un nuevo trabajo un par de años después.
Caroline Polachek
Uno de los discos que veréis en absolutamente todas las listas de lo mejor del año es ‘Desire, I Want to Turn Into You‘, la segunda obra en solitario de Caroline Polachek. La cantante, que se diera a conocer en los 2000 como líder de Chairlift, ha dado un paso de gigante con una personal reivindicación de la new-age, el synth-pop, el trip hop o el ambient. ‘Sunset’ se inspira en España, como ‘Fly to You’ con Grimes y Dido lo hace en el drum&bass.
Christine and the Queens
Tampoco es muy dado a visitar nuestro país Christine and the Queens. Vendió un millón de copias de un álbum tan sublime como su debut ‘Chaleur humaine’ y ahora vendrá presentándonos una obra conceptual de la que conocemos el primer volumen, ‘Redcar les adorables étoiles’. ‘Paranoïa, Angels, True Love’ llegará al mercado el 9 de junio, el mismo día que actúa en Madrid (una semana después de presentarlo en Barcelona). En cualquier caso, su show será uno de los más teatrales, coreografiados y trabajados del festival. Quizá cuando lo veamos comprendamos por qué no ha podido traerlo a un país como España, donde desgraciadamente es un artista más minoritario que en Reino Unido o, por supuesto, Francia.
Kelela
Otra artista que no piensa faltar en las listas de lo mejor de 2023 es Kelela. Fusionando el R&B con la electrónica experimental del prestigioso sello WARP al que pertenece, ‘Raven‘ es su mejor álbum de momento. Lo sabe hasta Jimmy Fallon, así que no seas la última persona en enterarte.
Rema
Con casi 40 millones de oyentes en Spotify, no quiero ni pensar dónde está el caché de Rema, ni cuándo podremos volver a verle en nuestro país tras su paso por Primavera Sound. ‘Calm Down’ todavía no ha dejado de crecer en las listas de éxitos, ya era un hit antes del obligado añadido de Selena Gomez, por lo que el show del nigeriano promete ser toda una fiesta de afrobeat y buen rollo.
Pusha T
Parece que no podremos ver a Kanye West en directo en ningún momento cercano, por lo que una manera de aproximarnos a sus producciones, a su trabajo en el estudio, es a través de uno de sus discípulos, Pusha T, con el que tantas veces ha trabajado. El rapero, con una carrera propia que le ha llevado al número 1 del Billboard 200 con su cuarto trabajo, está presentando en vivo ese ‘It’s Almost Dry‘, en el que West y Pharrell Williams se repartían los créditos a medias. Tampoco van a faltar representaciones de su gran disco de 2018, ‘Daytona‘.
Four Tet
La electrónica ocupará un lugar primordial en Primavera Sound, desde hace un par de ediciones incluso asentada en varios escenarios propios, tan gigantescos y variados que han llegado a constituir un pequeño festival aparte, como ya se ha visto en la edición barcelonesa. A falta de averiguar dónde se ubicará Four Tet, su presencia sirve para poner en valor esa línea editorial en la que la electrónica de calidad, más fina y a la vez accesible, es un reclamo también para miles de personas. Avalan a Four Tet maravillas como ‘Rounds’ (2003), ‘There Is Love In You’ (2010) o ‘New Energy‘ (2017).
Skrillex
Quien puede darse un baño de masas bien entrada la madrugada es Skrillex, que ha pasado de ser uno de los referentes del dubstep (o el brostep) a nivel mundial a ser una superestrella capaz de parir macrohits como ‘Where Are Ü Now’ con Justin Bieber. Ahora viene a presentar no un solo disco sino dos, que responden al nombre de ‘Quest for Fire’ y ‘Don’t Get too Close’. De ellos están sonando particularmente ‘Rumble’ y ‘RATATA’ del primero. Missy Elliott, Aluna, el mencionado Four Tet o Fred again.. están entre sus colaboradores.
Fred again..
Hablando de lo cual, Fred again.. va a ser otro que sospechamos que también va a atraer a un público multitudinario. Sus números no han dejado de crecer con sus producciones compartidas durante la pandemia, dejando sobre todo para ‘Marea (we’ve lost dancing)’ números millonarios. Pero atentos también a maravillas como ‘Danielle (smile on my face)’, que parte de una vieja idea de 070 Shake.
Swans
Lo bueno de Primavera Sound es que su entrega a los nuevos ídolos de masas, como Rema, Måneskin o Mora no les llevan a dar la espalda a los artistas que han representado su línea editorial desde siempre. El festival es fiel a Shellac, que aparecen en el cartel como es tradición, y también a Swans. Michael Gira es una leyenda viva que reventará tímpanos dando vueltas alrededor de obras como ‘To Be Kind’, así que no olvidéis llevar tapones si queréis llegar bien a viejos.
The Moldy Peaches
El cambio estilístico de escenario a escenario puede tener forma de pirueta. The Moldy Peaches han vuelto después de 20 años de ausencia para reivindicar su legado. El dúo formado por Adam Green y Kimya Dawson ya era una referencia desde antes de sonar en la película ‘Juno’, y ha marcado a un par de generaciones que han preferido las canciones en pequeño y las grabaciones caseras al modo de los artistas DIY de finales del siglo XX. Antes de que se hablara de bedroom pop ya existió el anti-folk, y ellos están aquí para recordarlo.
Le Tigre
Otra reunión inesperada pero llena de justicia poética es la de Le Tigre. Ahora que tanto se habla de «no binarismo», fluidez y derechos LGTB+, y más en un espacio seguro como es Primavera Sound, solo podemos considerar a Le Tigre unas pioneras al respecto. Sus hits se sostienen por sí solos: ‘Deceptacon’ tiene los streamings que muchos artistas de esta lista querrían para sí, y tampoco deberían fallar canciones tan pinchadísimas en discotecas como ‘TKO’ o su versión de ‘I’m So Excited’.
The War on Drugs
No hay dinero en ningún festival del mundo -ni siquiera en Primavera Sound- para pagar el caché de Bruce Springsteen y la E Street Band 7 años después de su última gira, así que a falta del Boss, uno de sus más excelsos seguidores. The War on Drugs llevan años trabajando un sonido que de manera encantadora no se decide entre la grandiosidad y la melancolía. Por el camino, nos han dejado álbumes tan relevantes y completos como ‘I Don’t Live Here Anymore‘ (2021).
Julia Holter
Entre los nombres que hace daño a la vista no ver en letras doradas, el de Julia Holter. La artista lleva años promoviendo una especie de dream pop exquísito, con elementos que la acercan a nombres tan dispares como Angelo Badalamenti, Broadcast, Carole King o Scott Walker. Sólo leyendas entre sus referentes en una artista esquiva que no es tan fácil ver en vivo por aquí. Comenzad por ‘Have You In My Wilderness‘.
The Delgados
Y terminamos (por el momento) con otro de esos grupos que no abarrotarán escenarios al modo de Depeche Mode y Rosalía, pero que nos pueden ofrecer algo que no olvidemos fácilmente: The Delgados. Grabaron discos tan importantes en el indie pop como ‘The Great Eastern’, ‘Hate’ y ‘Universal Audio’ y después se separaron. Esperemos que este regreso les inspire para grabar nueva música, como sucedió con Slowdive. No hay mejor manera de cerrar este especial que con la escalofriante ‘Coming In from the Cold’.
En ocasiones los concursantes de talents que quedan segundos triunfan más que los primeros. Fue el caso de David Bisbal y Pablo López, y también el de Aitana, a la que cada vez le cuesta menos colarse en el top global de Spotify. En Cataluña le ha pasado a Francesc Fuentes i Triquell, concursante de ‘Eufòria’, el talent que busca la nueva estrella del pop catalán. A espera de lo que pase con Mariona Escoda, ganadora de ‘Eufòria’ y artista revelación de Enderrock 2023, Triquell ya puede decir que ha colado ‘Entre fluids’ entre los discos más vendidos de España (y continúa en lista).
No cuesta adivinar el porqué del éxito de Triquell: sus canciones son divertidas, desenfadadas y pegadizas hasta decir basta. ‘Jugular‘, su mayor éxito, es una mezcla de Jungle y la canción-broma de Duck Sauce o ‘Gangnam Style’ (intencionado o no), un trallazo total diseñado para levantar cualquier fiesta. ‘CBD i espardenyes’, otro de sus mayores éxitos, desafía a la industria que le ha convertido en un «producto» que le «explota» con otro estribillo redondo y un beat electro que alcanza la categoría de rompepistas, y ‘Clímax’ huye de la «monotonía» en una de esas canciones festivaleras que podrían haber firmado Crystal Fighters o Two Door Cinema Club.
Las letras contribuyen a la frescura de Triquell. «No limpio nada que no sea mi culo cagado» no es una frase muy apetecible de escuchar en ningún contexto, pero tampoco es habitual. Cuando Francesc se entrega al hedonismo da ganas de irse con él al fin del mundo, situación en la que le hallamos en la también bailonga ‘Evanjelly (Flowin’)’ o en ‘Clímax’ («si el mundo se acaba que nos pille a todos follando»); y cuando se pone romántico, como en la preciosa ‘Road Trip’, perfecta para escuchar exactamente en una ruta por carretera, enternece. Cuando intenta dibujar un retrato deshumanizante de la industria, como en ‘CBD i esperdenyes’ («soy consciente de quién me explota», peca de ingenuo, pero cuando habla de una sociedad que opera en piloto automático, como en ‘NPC’, da con una buena analogía con esos «non playable characters» que pueblan los videojuegos, vinculándola además con su propia «despersonificación» producida por la separación que encarna entre artista y persona. Se intuye un discurso detrás de los ritmos bailables, y eso siempre es bienvenido.
Pero la verdadera gracia de Triquell se encuentra en su capacidad para escribir hits y también en su oído para la producción. En este disco grabado mano a mano con Arnau Vallvé, otro gran talento del pop catalán actual, Triquell encuentra una herramienta magnética en su uso de autocoros (‘Evanjelly’ y ‘Jugular’ son dos ejemplos) y también en su mezcla de estilos. Su fuerte no es solo crear canciones divertidas y bobas: ‘Aliviat’ es una efectiva producción de «daytime disco» que incorpora las armonías R&B más claras que escucharás en cualquier disco de pop nacional, ‘L’espai que et crema’ agrega matices italo a una composición pop-rock algo más convencional; si ‘Road Trip’ suena a lo que promete su título, también lo hace ‘Detroit Tango’, y ‘Nirvana’ cierra el disco con un exquisita producción de synthwave que remite al mejor The Weeknd. Casi puedes imaginar a Abel Tesfaye conduciendo de noche por una carretera perdida, cantando «yo me quedo aquí, yo me quedó aquí, no llores por mí, no llores por mí».
En ‘Entre fluids’ sobresale sobre todo el espíritu funky de Triquell, evidente en ‘Jugular’, en ‘Entre fluids’ y en sus fraseos rápidos, como cantados y rapeados al mismo tiempo, y también en el uso de efectos tipo vocoder como los que emergen en el corte titular. La experimentación puede ir tan lejos como en el R&B psicotrópico de ‘Massa tard’, pero la desnudez también tiene cabida en la balada atmosférica de ‘Laberint’. Un disco tan hijo de su tiempo como el propio Triquell, que solo tiene 23 años, pero ya bagaje de sobra para seguir sorprendiendo en el futuro, como hace en cada uno de estos 40 minutos de disco.
Después de una pandemia como no se había visto en 100 años, en medio de una guerra tan cerca como la que hay en Ucrania, ya se nos había olvidado lo del gusto musical de Pedro Sánchez. Y su sonada visita al FIB en Falcon.
Antes de ser presidente del gobierno, el Secretario General del PSOE hablaba a menudo de música medio underground, aunque el verdadero pionero al respecto fue su compañero de partido Patxi López. Antes de ser portavoz del Grupo Socialista en el Congreso de los Diputados, qué digo, antes de que fuera Lehendakari, López era usuario de Last.Fm, donde su grupo favorito parecía Vetusta Morla «antes de que se hicieran tan famosos». Como tú y como yo, desde 2010 Patxi ya no usa tal red social, aunque su perfil sigue visible.
En una legislatura marcada por la covid-19, por la crispación más fiera y por el augurio constante de un apocalipsis económico que no se termina de producir, ni uno ni otro han osado hablar de música. Digamos que tenían mejores cosas que hacer. Que recuerde, Sánchez usó su Twitter para alabar a Chanel en Eurovisión, pero poco más.
Antes de ser presidente, en campaña, Sánchez sí compartió playlists en las que su grupo favorito lucía La Habitación Roja. También estaban Bowie, Blur, Iggy Pop y mucho indie nacional masculino, pese a lo que le ha gustado después rodearse de mujeres en sus ministerios. Lori Meyers, Izal, Supersubmarina, León Benavente, Vetusta Morla, Mucho o Second estaban por allí. Los Planetas también y hoy Pedro Sánchez ha vuelto a hablar de ellos después de varios años de silencio (musical). Años en que nos preguntábamos si todo esto era lo que estaba sonando en Moncloa, o nos había dejado abandonados.
Lo ha hecho en Twitter con motivo del 25º Aniversario de la considerada obra maestra de los de Jota. Nuestros compañeros de Rockdelux recordaban que hoy era el día de 1998 en que se lanzaba ‘Una semana en el motor de un autobús’, un disco sobre el que se han escrito libros enteros. Una obra que contenía temas tan ambiciosos como ‘Segundo premio’ o ‘La copa de Europa’, y dianas de pop tan cristalinas como ‘Cumpleaños Total’.
Hoy Pedro ha calificado este disco como una «obra de arte», y además ha apelado a lo personal. Por un lado, ha elevado el valor de la buena música popular. Por otro, nos ha contado algo de sí mismo. Y finalmente ha puesto en valor a la prensa musical, y eso sí que ha sido raro. «Hoy se cumplen 25 años de esta obra de arte que marcó una época. Muchas gracias a @LosPlanetasGr por acompañarme en tantos momentos a lo largo de mi vida», ha escrito incluyendo el tuit de RDL. ¿Pero qué momentos? ¿Su guerra interna con Susana Díaz? ¿La moción de censura a Rajoy? ¿Tener que gobernar con Pablo Iglesias? ¿Comunicar a los españoles que no podríamos salir de casa, decirnos algo así como que «no será peor de lo que era, no será peor, seguro que es mejor»?
En cualquier caso, una maniobra política perfecta -estamos en precampaña- de no ser porque Jota no ha podido pronunciarse más veces en contra de todo el sistema.
Actualización 14 de abril: Si te preguntabas cuál sería la respuesta de Los Planetas, ya la hay: también a través de Twitter, han apelado al aniversario de la II República y a su hit ‘Cumpleaños Total’: «Gracias a usted, Señor Sanchez. Con su permiso y aunque juré que nunca más, voy a darme una fiesta por mi cumpleaños. Salud y República». Lo cual abre otro melón porque Letizia Ortiz, Reina de España… también es fan de Los Planetas.
Hoy se cumplen 25 años de esta obra de arte que marcó una época.
Muchas gracias a @LosPlanetasGr por acompañarme en tantos momentos a lo largo de mi vida.
Gracias a usted, Señor Sanchez. Con su permiso y aunque juré que nunca más, voy a darme una fiesta por mi cumpleaños. Salud y República. https://t.co/8QlvVRUYI6
«Llegó la mami» es una especie de broma en internet, pues Chanel nunca termina de llegar, de dar ese paso definitivo: desde que quedó tercera en Eurovisión con ‘SloMo’ ha publicado solo un single, ‘TOKE‘, que ha resultado ser un fracaso comercial. Su disco debería salir en algún momento de este año, pero se desconoce cuán avanzado está.
De momento, Chanel ha anunciado nuevo single, ‘Clavaíto’, una colaboración con Abraham Mateo que verá la luz en algún momento de los próximos días. No hay fecha confirmada por ahora, pero es de esperar que se pueda escuchar el viernes que viene o el siguiente.
De momento, Chanel y Abraham avanzan un fragmento de ‘Clavaíto’ para alimentar el «hype», y lo que revela el trozo es que la canción se basa en un ritmo alegre de bachata. Un género musical que vive una especie de renacimiento en los últimos tiempos gracias a éxitos como ‘La Bachata‘ de Manuel Turizo o ‘La Fama’ de Rosalía. ‘Clavaíto’ presenta bpm más rápidos que los de los citados dos temas, pero se apoya también en una bonita melodía, melancólica, sugiriendo en su breve avance una posible candidata a canción del verano.
A espera de que se confirme fecha de lanzamiento de ‘Clavaíto’, Chanel seguirá «clavaíta» (perdón) a la silla de ‘Cover Night‘, el nuevo talent de RTVE que tampoco ha reventado las audiencias televisivas, ni siquiera con la participación de Miguel Bosé.
Cuando Rosalía y Rauw Alejandro permanecen pegados al número 1 de Singles España con ‘BESO’, la pareja estrena videoclip para otro de los cortes incluidos en ‘RR‘, su «EP» de 9 minutos que parece más bien un single de 12″ o algo parecido.
‘VAMPIROS’, el corte más «MOTOMAMI» del EP, pues su producción incorpora percusiones industriales, es el siguiente tema que recibe apoyo visual. El vídeo, rodado en Barcelona, muestra a Rosalía y Rauw vagando por las calles del Gótico a altas horas de la noche. La pareja de vampiros interpreta el tema en el mítico Bar Marsella, y, a continuación, acude a la famosa churrería de la calle Marina, favorita de Rosalía y de todo barcelonés que sale de Razzmatazz en busca de desayuno.
El clip de ‘VAMPIROS’, una producción de CANADA bajo dirección de Stillz, termina con escenas grabadas en el espectacular Espai Corberó, ubicado en Esplugues de Llobregat. El centro es famoso por su estructura de arcos y escaleras flotantes. Rosalía y Rauw comparten mesa, o se relajan en el sofá rodeados de estanterías llenas de vinilos.
Rosalía y Rauw han confirmado que las tres canciones del EP cuentan con videoclip. Queda por ver el de ‘PROMESA’, el bolero. Se cerraría así una trilogía visual que cuenta con concepto: «Beso es lo que sentíamos al principio, Vampiros es donde estamos ahora y Promesa es el futuro» es la declaración que ha dejado la propia Rosalía sobre el proyecto.
Jimin ha vuelto a hacer historia en el Billboard, la lista de éxitos de Estados Unidos, pero ahora los números son negativos. En la semana actual, ‘Like Crazy’ baja del 1 al 45, representando la mayor caída desde el número 1 para un single en la historia de Billboard. Jimin supera el récord de Taylor Swift, que lo ostentaba con ‘Willow’, que cayó del 1 al 38.
‘Like Crazy’ entraba en el número 1 de Billboard en la semana del 8 de abril, pero su popularidad ha bajado en los días sucesores. En la segunda semana apenas ha vendido 15.000 copias, informa Forbes, y tanto sus streamings como su presencia en radios ha disminuido considerablemente.
Los fans de BTS tienen algo que decir al respecto. Argumentan que las predicciones oficiales (como la de HITS Daily Double) situaban las cifras de ‘Like Crazy’ en su segunda semana en torno a las 120.000 unidades equivalentes, pero que Billboard solo ha contado el 10% de esas ventas para perjudicar a Jimin. El 90% restante las habría suprimido por estimarlas fraudulentas, según medios surcoreanos. La «BTS Army» habría descargado copias de ‘Like Crazy’ en masa (la canción existe en cinco versiones diferentes) para compensar por su pobre presencia en radios, pero Billboard no las habría considerado válidas, pues no representan el consumo real de una canción que es número 1 o que permanece en el top 10. Los fans de BTS acusan a Billboard de racismo y xenofobia.
Más allá de las listas de Billboard, ‘Like Crazy’ permanece en el puesto 25 de las canciones más escuchadas en Spotify Global, tras desbancar ‘Flowers’ de Miley Cyrus del número 1 en la semana del 27 de marzo. Suma cerca de 72 millones de streamings. Bajo estas líneas os dejamos la lista de hits número 1 en el Billboard que han sufrido las mayores caídas. Curiosamente figuran dos éxitos de BTS.
1.- ‘Like Crazy’, de Jimin, del 1 al 45
2.- ‘Willow’, de Taylor Swift, del 1 al 38
3.- ‘TROLLZ’ de 6ix9ine y Nicki Minaj, del 1 al 34
4.- ‘Life Goes On’, de BTS, del 1 al 28
5.- ‘Franchise’, de Travis Scott y M.I.A., del 1 al 25
6-. ‘Heartless’ de The Weeknd, y ‘Butter’ de BTS, del 1 al 17
7.- ‘Nothing from Nothing’, de Billy Preston, y ‘Then Came You’ de Dionne Warwick and the Spinners, del 1 al 15
8.- ‘Stuck with U’, de Ariana Grande y Justin Bieber, del 1 al 13
Echo & The Bunnymen darán tres conciertos en España el próximo mes de septiembre: el día 24 estarán en la valenciana población de Mislata (en la Sala Repvblicca), el 26 en Madrid (La Riviera) y el 29 en Barcelona (Razzmatazz 1).
Corren tiempos de reconocimiento para Echo & The Bunnymen. Recientemente ha llegado al mercado la reedición de su recopilación de grandes éxitos ‘Songs To Learn & Sing’, y luego ha comenzado la gira ‘Celebrating 40 Years Of Magical Songs’. Una celebración que continúa en 2023.
No viene mal recordar que sin la bravuconería de su vocalista, Ian McCulloh, seguramente no habría existido luego la de Ian Brown (Stone Roses) y Liam Gallagher (Oasis). McCulloh es el frontman por excelencia del post-punk (Ian Curtis al margen). Y Echo & The Bunnymen, una de las bandas británicas indiscutibles surgidas en los años 80, gracias a discos míticos como su debut ‘Crocodiles’, de 1980.
Su trayectoria se inició en 1978 -al principio llamándose solo Echo, un dúo entre McCulloh y el guitarrista Will Sergeant, hasta que entró el bajista Les Pattinson- y dura hasta el presente. Tuvieron su momento de duda entre 1988 y 1997, coincidiendo con la excedencia temporal de McCulloh, quien junto a Sergeant montó entonces el fugaz proyecto Electrafixion y publicó dos de los tres discos que tiene en solitario. Parecía que los días del grupo estaban contados. Pero Ian volvió a coger su micrófono y recuperaron el brío con el digno ‘Evergreen’ (1997), para pasar a despejar todas las dudas sobre su futuro con ‘What Are You Going To Do With Your Life?’ (1999). En lo que llevamos de siglo han publicado cinco álbumes más, como ‘Meteorites‘ o el más reciente ‘The Stars, The Ocean & The Moon’, conteniendo trece canciones seminales de su cancionero reinterpretadas y reimaginadas.
Sam Smith ha dado inicio a la gira ‘The Gloria Tour’ este miércoles 12 de abril en Sheffield, Reino Unido. Con la gira se espera que ‘Gloria‘ coja impulso en listas, pues ya está completamente ausente de la lista de álbumes más exitosos de Reino Unido, pese a que se publicó el pasado mes de enero. Por contra, el debut de Smith ‘In the Lonely Hour‘ aparece en el puesto 85. En España, la gira de Smith se podrá ver en el festival Mad Cool de Madrid, en el mes de julio.
Smith había anunciado que ‘The Gloria Tour’ se dividiría en tres actos, el primero llamado «amor», el segundo «belleza» y el tercero «sexo». Un vistazo al setlist revela que cada acto abarca una etapa diferente de su carrera. El primero se centra principalmente en sus dos primeros discos. De hecho, el concierto empieza con ‘Stay with Me’ y continúa con ‘I’m Not the Only One’, ‘Too Good at Goodbyes’ o ‘To Die For’ hasta llegar a los primeros singles bailables de Smith, como ‘Dancing with a Stranger’.
En el segundo acto es en el que aparecen la mayoría de cortes de ‘Gloria’, como ‘Lose You’ o ‘I’m Not Here to Make Friends’, aunque son menos de lo esperado. Se presenta ‘Promises’, la versión de ‘I Feel Love’ y otra cover de ‘I’m Kissing You’ de Des’ree, además de clásicos como ‘Latch’ o ‘Lay Me Down’. El tercer acto se compone de una cover de ‘Human Nature’ de Madonna, muy simbólica dado la controversia que ha acompañado a Smith en esta era; y finalmente ‘Unholy’ pone el broche de oro.
En el aspecto visual, es espectacular la escenografía de ‘The Gloria Tour’ presidida por una gigante estatua dorada que representa a una persona acostada, similar a la del Buda reclinado de Tailandia. Smith viste varios atuendos extravagantes, entre ellos uno que representa el diablo. En la actuación del himno ‘Gloria’ parece una Virgen. Todo esto cuando no va directamente desnude de cintura para arriba. También recupera los outfits del vídeo de ‘I’m Not Here to Make Friends’, entre ellos el de plumas fucsia.
ACT I: LOVE
Stay with Me
I’m Not the Only One
Like I Can
Nirvana
Too Good at Goodbyes
To Die For
Perfect
How Do You Sleep?
Dancing with a Stranger
ACT II: BEAUTY
I’m Kissing You (cover de Des’ree)
Lay Me Down
Love Goes
Gimme
Lose You
Promises
I’m Not Here to Make Friends
Latch
I Feel Love
Restart
ACT II: SEX
Gloria
Human Nature (cover de Madonna)
Unholy
VÍDEO: Sam Smith faz cover de “Human Nature” no primeiro show da GLORIA THE TOUR pic.twitter.com/1OvbyDmXkf
En Semana Santa ya es tradición celebrar en Madrid una pre-party de Eurovisión con estrellas de primera línea. Con nuestra gran aspirante, otras viejas glorias y favoritos de este año, como es el caso de Loreen. La cantante sueca, que cambiara las normas del juego con el enorme éxito internacional que obtuvo con ‘Euphoria’ en 2012, vuelve al certamen con ‘Tattoo’.
Tiene previsto atender a la prensa de Madrid en Viernes Santo, pero su maleta se pierde y toda la promo se retrasa un día. Pese a las 24 horas de retraso en plena semana vacacional, es un gusto hablar con Loreen en un hotel plagado de eurofans a sus puertas.
Ella te invita a sentarte donde prefieras, justo a su lado o a cierta distancia; te toca repetidas veces un brazo o una pierna mientras te habla de la conexión entre los seres humanos. Hace tanto tiempo que no me siento tan cerca de alguien que no sea mi pareja o un compañero sexual, que solo puedes asentir a todo lo que Loreen te cuenta sobre el mundo. Yo iba allí a hablar de quién iba a ganar Eurovisión, si ella, Ucrania o España, y terminé hablando de espiritualidad y energía.
¿Por qué es tan importante para ti Eurovisión? Es la segunda vez que vas, y la cuarta que te presentas.
Es por el proceso creativo. Te permite crear un universo dentro de un universo. Y tienes el reto de hacerlo en solo 3 minutos. Tienes tan sólo 3 minutos para meterte dentro a nivel espiritual y tratar de cambiar algo. Eso me emociona. La gente me pregunta por qué me presento este año y no estoy segura. Simplemente pasa. Es donde te lleva la vida. Ni en mis sueños más salvajes pensé que iría. Cuando escuché la canción sentí que iba a hacer algo especial con ella. Después me dijeron que me presentara a Melodifestivalen y respondí: «joder, ni hablar». Es una competición, no me gusta competir con música. Pero había cierta energía en torno a la canción, esa energía cambió y dije: «igual lo hago». ¿Por qué no hacer esto otra vez? Sentí una energía positiva en ese sentido. Creo que fue por la gente, también.
¿Recuerdas bien hacer tu performance de ‘Euphoria? Son tan sólo 3 minutos. Creo que ya llevamos hablando como 3 minutos.
Recuerdo el suelo del escenario. Recuerdo ir de esquina a esquina, moverme de un lado a otro. Sentimientos así. El resto… se ha ido (risas)
¿Qué harías si tuvieras 5 minutos? O 7.
Si tienes más tiempo, la canción sería diferente. La canción es muy eficiente (NdE: hace ruidos de explosiones) Es como un carrusel. Si tuviera más tiempo, probablemente cambiaría la canción. Sería otra. Me lo tomaría con más calma.
¿Disfrutas este tipo de fiestas antes del Festival?
Lo que sí disfruto es conocer a la gente. Cada vez me gusta más. Lo único que tenemos las personas es la conexión entre nosotras. Podemos perder todo pero no la conexión entre nosotros. En estas pre-parties lo más importante es conversar, tener estas conversaciones porque son enriquecedoras. No la fiesta en sí, porque no soy una persona de fiesta. Soy la persona más aburrida (risas) Me dicen «¡vámonos de fiesta!». Y yo respondo: «vamos a tomar una copa de vino y a charlar». Soy más de filosofar… (risas)
Además, supongo que no estás pudiendo ver otros shows, porque tienes que estar en el backstage concentrada en el tuyo…
Me concentro en mi performance, para dar algo que salga del corazón y que sea auténtico. En cuanto pierdes la autenticidad, pierdes la conexión.
¿Cuál es la conexión entre ‘Tattoo’ y la performance que sueles hacer? Porque entiendo por la letra que es sobre una ruptura, sobre una relación que no puede tener lugar en ese momento concreto. Pero en tu performance te vas levantando poco a poco. Parece como sobre la libertad.
Es muy abstracta. Pero si buscas un significado, es sobre andar a través del fuego y de la lluvia. No hay día sin noche. No hay amor sin lucha. Esto va en la ley de la naturaleza. Si quieres experimentar el verdadero amor, tienes que pelear por ello. Si nunca has tenido hambre, nunca vas a disfrutar de la comida. A veces odio esa balanza, pero ese es el significado. Luego hay capas en la actuación. De repente vi la escena, no podría explicar por qué. Hay un atardecer, hay un amanecer, hay viento, hay piedra… Todo es naturaleza. Todo son cosas que necesitamos. También necesitaba crear un espacio seguro, donde tú tomas energía de mí, y yo de ti.
Has escrito esta canción, por eso me la estás explicando tan bien, pero también hay otros autores. Y uno de ellos (Thomas G:son), escribe muchos temas para Eurovisión. ¿Cómo fue el proceso creativo?
Había un embrión. Thomas escribió lo que yo considero un embrión. Hace ya 2 años. La escribieron conmigo en mente. Dije: «OK, déjame ir al estudio y lo que pase, pasará. No me digáis nada después». Porque todo va de conexión, conexión, conexión. Pasaron cosas con la canción. Necesita empezar así, seguir así, no me preguntes por qué. Tenía que ser así.
«Cuando algo me duele, recuerdo que la vida me está enseñando algo»
Me voy a hacer mi primer «tatuaje». ¿Qué me recomiendas?
¿Te gustan los textos o los símbolos?
Símbolos.
¿Símbolos? Yo soy más de palabras. Tengo unas en árabe tatuadas. Son palabras que me gustan: «Sufres, aprendes y luego cambias». Cuando algo me duele, recuerdo que la vida me está enseñando algo.
¿Y las uñas de la performance?
Simplemente pasó. Juego con mis manos durante la actuación y hay mucho significado. Hay un significado espiritual. Necesito las uñas porque hay movimientos en las manos y le da un flow espiritual.
Las uñas largas también pueden ser algo agresivo. Como defensa propia.
No en esta energía, no hay defensa. Es interesante. Es más como un juego. Creo que la gente está creando con esto. Muchos niños se han puesto uñas de papel por esto y eso genera una energía. Puedes acabar con la energía negativa cuando creas algo.
La producción de este tema es muy 90’s: trance, dance… Como tu otro tema ‘Neon Lights’, que es un poco así también. Tu segundo disco era muy diferente…
Ese era muy de directo. Era otro envoltorio musical completamente diferente. No se puede hacer solo una cosa. Me encantan los viejos sintetizadores, como Prophets… Los sonidos electrónicos son tan bonitos… Por eso me encantan Kraftwerk.
¿Y The Knife?
¡Claro!
¿Fever Ray?
¿Fever Ray? ¿Estás de broma? Me encanta. Tiene una energía oscura, profunda que te mete dentro de su proyecto. Bueno, no diría «oscura», diría más bien «profunda».
«¿Fever Ray? ¿Estás de broma? Me encanta. Tiene una energía profunda que te mete dentro de su proyecto»
¿Crees en el formato álbum? Porque solo tienes dos.
Ya… ¡no me lo recuerdes! Me encantan. Lo único malo es que metes 9 canciones y solo el single tiene una exposición. La gente no escucha lo demás. Me encanta el concepto. Beyoncé hace un disco y le da a cada canción una cara propia. Cada canción es personal, tienes una relación especial con ella, y quieres hacerla en directo. Me gustaría hacer un disco así y que cada canción tuviera una cara propia.
¿Hay un tercer disco en camino?
La verdad es que sí. Pero va a haber muchos singles antes y quiero darle a cada uno una cara propia, como hizo Beyoncé.
Eres favorita para ganar Eurovisión. No sé si sigues las apuestas.
No sé. No sigo las apuestas, pero me lo estáis diciendo todos y cada uno (risas)
¿Viste el certamen el año pasado? ¿Viste cómo todos los puntos fueron a Ucrania en el último segundo? ¿Estás preparada para algo así?
No sé para qué estoy preparada. Solo quiero ser auténtica en la actuación. Disfrutar de la gente. Si hay algo más, simplemente pasará. Ser auténtica es lo importante. La energía puede distraerte. A veces lo único que importa es el ego.
«Blanca Paloma representa la música tradicional española y a la vez logra que te sientas incluido»
¿Te refieres a tu propio ego como ganadora?
Puedes intentar controlarlo, pero es inevitable que esté ahí: cuando te vistes, cuando te preparas. Y puedes perder la conexión. Hay maneras de hacerlo. Cuando entra en juego el «YO, YO, YO, YO SOY LO IMPORTANTE», conlleva dolor. Así que intento evitarlo.
¿Qué otras canciones de este año te gustan?
La de Blanca.
¿De verdad?
Porque suena antiguo. Yo soy bereber, mi familia viene del norte de África. Y esa forma de cantar me es familiar. Ella representa la música tradicional española y a la vez logra que te sientas incluido. Representa algo que de alguna manera está dentro de ti. Cuando canta así (NDE: tararea) tiene un poder curador.
La broma es recurrente: Miley Cyrus vive en una «Endless Summer Vacation«. En referencia al título de su último disco, pareciera que la cantante ha pasado ya al modo «veraniego» cuando aún estamos en abril. Y es que no es la primera vez que Miley abandona la promo de un álbum muchísimo antes de tiempo. Desde ‘Bangerz’ (2013) no realiza grandes giras de presentación, sino series de 5 o 10 conciertos en todo el mundo, como fue el caso de Attention Tour en la era anterior.
Al menos esta vez el disco podría funcionar por inercia, aunque está por ver a qué nivel. ‘Flowers‘ continúa en el número 1 Global de Spotify, posición que ha ocupado durante 79 días no consecutivos. Y no puede haber promoción mejor para un disco. Pero por un lado, estamos ante un claro caso de single que puede comerse a un disco entero. El ‘As It Was‘ de este año. Y por otro, ella podría responder haciendo algo. Por poner un ejemplo extremo, Adele construyó ’21’ sucediendo ‘Rolling In the Deep’ con una espectacular presentación en vivo de ‘Someone Like You’. Y ‘Someone Like You’ con ‘Set Fire to the Rain’. Nada sucederá si nada se intenta.
‘River’, el segundo single de ‘Endless Summer Vacation’, podemos considerarlo muerto. Ha desaparecido del Global de Spotify y de los puestos de cabeza de las listas importantes. En ‘Plastic Hearts’, Dua Lipa contribuyó un mucho a que el segundo single de un disco de Cyrus pegara. Pero es que además ‘Angels Like You’ ha sobrevivido como la gran balada de aquella era.
Tan sólo mes y medio después de que haya salido este nuevo disco, aún hay margen de maniobra. Quizá su sello esté esperando que ‘Flowers’ pierda un poco de fuelle, pero eso no tiene pinta de pasar en absoluto. Sus seguidores, que tan bien saben cómo puede abandonar un disco propio y recién salido a su suerte, y a ‘Younger Now’ me remito, empiezan a olerse la tostada. «¿Por qué odia ella misma este álbum?», se pregunta uno en Popjustice. «Ella odia TODOS sus álbumes», contesta otro. «¿Dónde está?», se pregunta alguien, y le contestan: «Al teléfono con sus fans. Lo cual es mono, pero un poco raro».
La acción mediante la que Miley ha hablado 40 minutos por teléfono con una fan que estaba enferma es muy bonita, claro. Sobre todo porque termina con el envío de FLORES, lo cual enriquece de alguna manera el discurso de quererse a una misma de esta era, la pequeña obra de arte que se supone que es un disco.
No es ‘Endless Summer Vacation’ la obra magna de Miley Cyrus que esperábamos después de un huracán como ‘Flowers’. Pero hace poco defendíamos a la artista como una máquina de hacer buenos singles, y empezamos a echar en falta más de eso. Dua Lipa tocó 50 veces ‘Don’t Start Now’ en la tele hasta que la convirtió en un hit. Lady Gaga hizo lo mismo con ‘Million Reasons’. Un poco más de insistencia en teles, radios y medios digitales con un directo de ‘River’. Remixes para la pista de baile. Una versión «sped up» para ‘Jaded’ (sorry). Un vídeo épico para ‘Rosed Colored Lenses’. ¿Algo de esto habrá? ¿Y una gira como está mandado?
La argentina residente en Barcelona SIMONA tiene un nuevo disco preparado que saldrá el próximo 10 de mayo. Si su música se ha caracterizado por un R&B orgánico de tintes latinos, exóticos y house, últimamente estamos asistiendo a cambios. ‘MELONI’ es el tercer adelanto que conocemos del álbum llamado ‘Esfera de amor’, y no tiene tanto que ver con los beat 90’s de ‘PLUSH’ o ‘SHAMPOO’.
‘MELONI’, nuestra «Canción del Día» hoy, obviamente debe su nombre a la política de ultraderecha que gobierna Italia. En particular SIMONA se ha inspirado en un discurso de odio en el que carga contra «la ideología de género». Sus palabras fueron: «Sí a la familia natural, no al lobby LGBT. Sí a la identidad sexual, no a la ideología de género. Sí a la cultura de la vida, no al abismo de la muerte». Tuvieron lugar en un mitin de VOX, como podéis observar bajo estas líneas.
SIMONA ironiza sobre su ideología haciendo suyo algunos de sus mantras, especialmente en la frase «Matrimonio fake para robarte el trabajo, amor / Reciclo tu mierda y siempre me sale algo mejor».
La cantante reta todo el rato a la dirigente con un sonoro «cuéntale a tu mamá», irrumpiendo en su «fiesta» en sentido figurado: «vine a tu fiesta a robarme tu vermut / Y reírme de tu secta / Y tu discurso purista / Cómo brilla mi look en este «pary» lleno de narcisistas». Además, por supuesto disfruta de su sexualidad en contraposición a esos «puristas» haciendo referencia a la doble moral de la derecha: «Abro la webcam y me toco. ¿Quién se ha conectado? Tu novio». Por si no queda claro, también dice: «Tengo el coño juicy porque yo no tengo religión / Pervierto a tu hermana mirando mi vídeo en el salón». Estas últimas frases son las que han inspirado el vídeo de corte sexual.
El tono de SIMONA es aquí mucho más agresivo de lo habitual, más comparable a Mala Rodríguez en su etapa fiera, mientras los beats casi industriales empalman con ‘Yeezus’ de Kanye West. A la espera de que llegue ‘Esfera de amor’, podéis recordar nuestra entrevista con SIMONA aquí, en este caso desarrollada el verano pasado.
La familia de Paco de Lucía ha salido victoriosa tras la demanda que presentó contra la familia del músico y compositor José Torregrosa, quien se inscribió en la SGAE como coautor de 37 piezas musicales del maestro flamenco. Entre estas, ‘Entre Dos Aguas’. Ahora, la familia de Torregrosa deberá devolver todo el dinero obtenido, además de una indemnización extra de 10.000 euros.
La familia de Torregrosa ha venido percibiendo desde su registro el 50% de los ingresos por derechos de autor de todas estas obras. Sin embargo, la demanda sostenía que Torregrosa se limitó a pasar las obras a partituras, sin hacer arreglos ni modificaciones. Para el resultado obtenido, fue necesario un informe de 36 páginas por parte del flamencólogo Faustino Núñez declarando la autoría del músico gaditano.
En tal documento se puede leer que «el género del flamenco tiene un componente personal muy agudizado que, en el caso de la música de Paco de Lucía, responde a su personalidad creadora combinada con su alta capacidad técnica». Además, se indica que Torregrosa, fallecido en 2005, tenía una formación musical centrada en el piano, por lo que no habría sido capaz de hacer arreglos y mejoras para las piezas de flamenco de Paco de Lucía.
Apodado como «el niño sensible del rap español», Nico Miseria es el poeta más interesante del panorama. Equilibrando letras para reflexionar con un variado apartado musical, que va desde el góspel o el trap hasta el boom bap más puro, Miseria consiguió su primer reconocimiento social importante con ‘El Tercer Verano del Amor’, que presentó alrededor de todo el país. Ahora, ha abordado uno de los temas más clásicos y ambiciosos en su último disco, ‘El Periplo del Héroe’.
El álbum, como toda buena historia clásica, está dividido en tres actos: Mundo real/Propósito, Aventura y Camino de regreso. Además, Miseria ha tenido el detalle de publicar un mapa de todo el disco en su Instagram, en el que aparece donde se enmarca cada canción. Sobre el proyecto, el artista nacido en Ciudad Real ha contado en Twitter que «es por amor a la aventura» y ha aclarado que «en este camino estoy tan insegurx, perdidx y confundidx como vosotrxs».
El manchego presentará su aventura particular el próximo 27 de abril en la sala Independance de Madrid, a las 21 de la noche, como parte de la iniciativa Escenarios Vibra Mahou. La ocasión se tratará de toda una «experiencia interactiva concebida como un híbrido entre tragedia griega y concierto de rap», según se indica en un comunicado.
El manchego realizará temas del nuevo LP como la ecléctica ‘El Censor’, que samplea uno de los mejores temas de Todd Rundgren, o la catártica ‘El Sentido de la Vida’, que rescata el leitmotiv de ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ (‘PARADISE’ de NOT THE TWOS). Además, no podrán faltar temas como ‘Isabel’ o ‘Me Gustas, Es Broma, Pero Si Tu Quieres No Es Broma’, sacados del disco ‘Tercer Verano del Amor’, un antes y un después en la carrera de Nico Miseria.
Common People, la fiesta de tardeo de Razzmatazz que rinde tributo a los años dorados del indie de los 80, los 90 y los 2000, capitaneada por el DJ residente Amable, cumple un año. Para celebrarlo, Common People inaugura temporada y celebra nueva edición el próximo domingo 16 de abril, en la que Amable volverá a contar con la compañía de Legoteque a los platos. Las entradas siguen disponibles para este evento que, recordamos, se celebra desde las 18 hasta las 00 horas.
Como sabréis, Common People recupera la energía vivida en la mítica sala A Saco, fundada por Amable a principios de los 90, y que se convirtió en uno de los lugares más importantes de la escena alternativa barcelonesa. Amable se dio a conocer en 1985 pinchando en el Depósito Legal de L’Hospitalet de Llobregat, es DJ residente de Razz desde su apertura en el año 2000, y de Barcelona se ha presentado en multitud de salas de toda España. De cara a la fiesta de primer aniversario de Common People, Amable selecciona cinco canciones favoritas de su set y, con ellas, cinco recuerdos.
‘Bizarre Love Triangle (Extended Version)’, de New Order (1986)
Impresionante y atemporal. Recuerdo a Adrian Borland, cantante de The Sound, apareciendo a primera hora en el Bikini antiguo del mini golf, después de su concierto en Studio 54, para preguntarme si tenía el tema, y después volverse loco bailando en una pista todavía vacía y solo para él.
‘I Wanna Be Adored’ de The Stone Roses (1989)
El maxi americano que se editó un año antes que en Gran Bretaña era uno de los preferidos para las noches que pinchaba en Compliche, L’Hospitalet, en medio de sesiones protagonizadas por el EBM belga y el incipiente sonido Manchester.
‘Girls and Boys’ de Blur (1994)
Lo estrenamos en la sala A Saco de L’H. Locura máxima y canción abanderada de ese último año pinchando en la Sala de L’Hospitalet, junto al ‘Supersonic’ de Oasis, el ‘Nevermind’ de Nirvana y el ‘Creep’ de Radiohead, que utilizábamos para cerrar la sesión.
‘Common People’ de Pulp (1996)
El tema que da título a nuestra party. Difícil de pinchar al principio pero que iría calando poco a poco y a base de mucha insistencia, estando ya en la sala A Saco / Zeleste de Barcelona (actual Razzmatazz) y compartiendo liderazgo con temas de Prodigy, Chemical Brothers, Green Day, Suede…
‘Such Great Heights’, de The Postal Service (2003)
Uno de los temas incluidos en el primer recopilatorio de Razzmatazz, editado en el año 2003. Recuerdo ir a negociar personalmente y a última hora a las oficinas de Houston Party para su inclusión. Sería la guinda del pastel, junto a temas de Interpol, The Libertines, The Faint y los ya consagrados Planetas.
‘Rat Saw God’, el quinto álbum de los rockeros Wednesday, nos sumerge en los suburbios de una anónima ciudad de la América profunda. Las vidas de los personajes que habitan sus canciones son generalmente tristes y anodinas, sin rumbo ni propósito: duermen borrachos en sofás de desconocidos en nochevieja, se drogan con Benadryl hasta alucinar con cosas trepando por las paredes, o son detenidos en su propia casa por traficar con cocaína. Como si fuesen personajes de una película de Harmony Korine, están sumidos en la decadencia de un mundo del que no saben cómo escapar.
En el corazón de estas historias truculentas, inquietantes y desgarradas se encuentra una narradora sobresaliente. La cantante Karly Hartzman se esfuerza por contarlas con pasión y arrojo mediante unas interpretaciones vocales muy particulares. Su registro imprime la monotonía de un entorno hostil y apático, alterada en ocasiones por la turbulencia de los sentimientos que nacen de la pura desesperación. Así, el épico noise-rock de ‘Bull Believer’, un espectacular tema de 8 minutos y medio situado en segundo lugar en la secuencia, comienza describiendo la crueldad de la tauromaquia y desemboca en un sofá donde alguien juega a Mortal Kombat mientras a la narradora le sangra la nariz sin cesar en las escaleras de al lado. Durante los tres últimos minutos, el momento más catártico del álbum, Hartzman grita “Finish him” envuelta en una instrumentación que evoca tanto al grunge como al shoegaze más oscuro hasta que sus chillidos guturales se vuelven prácticamente indescifrables.
Sin coger demasiado aliento llega ‘Got Shocked’, un breve pero intenso corte donde destaca el trabajo del guitarrista MJ Lenderman, quien publicó en solitario el aclamado ‘Boat Songs’ el año pasado. Este último aparece en los coros de ‘Formula One’ que, al igual que la otra balada ‘What’s So Funny’, son ejercicios aparentemente calmados pero llenos de tensión contenida.
Hacia la mitad del álbum, Wednesday parecen evolucionar progresivamente del rock duro y siniestro del principio hacia terrenos más country. Al principio de esta transición, irrumpe ‘Chosen to Deserve’, un terremoto de sinceridad emocional con alma de canción de amor, pero repleta de anécdotas desagradables, donde la cantante se muestra sin filtros hablando de sus complicados años de adolescente, cuando tenía sexo en callejones sin salida o cuando bebía hasta vomitar en casa de sus padres. En el poderoso número indie-rock de ‘Bath County’, la banda referencia directamente a una de sus grandes influencias, Drive-by Truckers: “On the way home, play Drive-By Truckеrs songs real loud / You’ll be my baby ‘til my body’s in the ground”. El estilo narrativo recuerda al de Big Thief o incluso al de Phoebe Bridgers en sus descripciones de personas y lugares.
El espíritu country se percibe claramente en ‘Quarry’, donde se describen las vidas de diferentes personajes: una pareja discute en ropa interior en el jardín mientras sus hijos, con piojos y escoliosis por sus “caídas constantes en la miseria”, se bañan en la piscina; el chico de familia judía deja embarazada a la hija del predicador; Mandy y su novio son detenidos por narcotráfico. Son imágenes potentes e inolvidables que el grupo construye sumiéndolas en capas de ruido de guitarras eléctricas y percusiones agresivas.
Si ‘Twin Plagues’ vislumbraba un brillante futuro para Wednesday, ‘Rat Saw God’ es la confirmación de que han llegado para quedarse. Es un disco que mira al pasado -al grunge de Nirvana y Hole, el rock alternativo de Pixies, las guitarras envolventes del shoegaze de My Bloody Valentine- pero cuya forma de ver el mundo es puramente contemporánea.
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