Renovamos nuestra playlist que recopila lo mejor del mes. Como sabéis los 4.700 suscriptores, Las Mejores Canciones del Momento anticipa qué encontraréis en nuestra lista con lo mejor del año. 2023 nos está dejando grandísimos singles de Sen Senra, Amaarae, Arlo Parks, Bad Bunny, Kylie Minogue, Róisín Murphy, PJ Harvey, Blur o ANOHNI and the Johnsons, en anticipo de sus próximos trabajos largos.
También es momento de recordar cuáles han sido nuestros últimos «Discos de la Semana» y ahí podemos hablar de Kara Jackson, Jessie Ware, Surfin’ Bichos, Alison Goldfrapp… mientras seguimos disfrutando de los éxitos de otros álbumes notables que han salido recientemente, como ha sido el caso de Simona, Kali Uchis, PUTOCHINOMARICÓN o Miss Caffeina, que recuperan fuelle con un muy buen EP.
Entre lo mejor del pop nacional, hay música para todos los gustos, desde el pop ochentero de Vicco a la resistencia indie de El Último Vecino y airu, Rodrigo Cuevas completamente a lo suyo o Samantha Hudson, que ídem.
Sen Senra, Sky Rompiendo / Uno de eses gatos
Amaarae / Co-Star
Arlo Parks / Blades
Bad Bunny / WHERE SHE GOES
Kylie Minogue / Padam Padam
Róisín Murphy, DJ Koze / The Universe
Young Gun Silver Fox / Moonshine
Alien Tango / Song for FIFA
Jessie Ware / Begin Again
Chanel, Abraham Mateo / Clavaíto
Surfin Bichos / Luz del Mediterráneo
NATHY PELUSO / TONTA
SIMONA / MELONI
Romy / Enjoy Your Life
Blur / The Narcissist
ANOHNI and the Johnsons / It Must Change
Kara Jackson / why does the earth give us people to love
PJ Harvey / A Child’s Question, August
Sarah Kinsley / Lovegod
Lana del Rey, Jon Batiste / Candy Necklace
Kali Uchis / Moonlight
Vicco / Todo me da igual
Miss Caffeina / Y de repente
PUTOCHINOMARICÓN / síndrómé dél ímpóstór…
Alison Goldfrapp / NeverStop
Dagny / Heartbreak in the Making
Kesha / Eat the Acid
Samantha Hudson / Adicta al sonido
Vosotras veréis / Que te vaya mal
Bueno Perdona / Las plantas se están muriendo
El Faro / Sal de mi casa
Bebe Rexha / Satellite
Ana Mena / Ben & Jerry’s
Ona Mafalda / Calor
Remi Wolf / Prescription
Victoria Monét, Buju Banton / Party Girls
Susanne Sundfør / alyosha
Rodrigo Cuevas, iLe / Más animal
El último vecino / Demasiado
airu / Es todo un encierro
Fred again.., Brian Eno / Enough
Lola Indigo ha concedido una entrevista a S Moda, suplemento en El País, en la que habla sobre el éxito de ‘El Tonto‘, que ha sido número 1 en España, y de su disco ‘El Dragón’, que también ha alcanzado la cima. La cantante se muestra emocionada: «nunca había sido número 1. Y es increíble tener esa recompensa después de cinco años. Lo digo desde el trabajo y no desde la arrogancia: me he esforzado mucho para conseguirlo. Me tiro muchas horas de estudio perfeccionando cosas».
Sin embargo, el punto más relevante de la entrevista es cuando habla de sus desórdenes alimenticios, pues un comentario que le dejaron hace poco, bienintencionado, le llamó mucho la atención. El comentario era algo así como “Qué bien que Lola Índigo, que no tiene un cuerpo normativo, se atreva a ponerse esa clase de ropa». La cantante explica: «Es que a mí, que hago campañas de biquinis, me dicen que no tengo un cuerpo normativo. ¿Qué van a pensar el resto de chavalas que lo lean? ¿Entonces, qué es un cuerpo normativo? ¿Una chavala que está muriéndose de hambre o una chavala superdelgada por constitución y que tú nunca vas a conseguir esa constitución porque no la tienes y punto? No, amor, tú come lo que te apetezca, sobre todo tienes que estar feliz».
Mimi Doblas recuerda que su adolescencia no fue fácil, en parte porque no tenía referentes: «A mí ahora la que me inspira es Rihanna, Nathy Peluso… A lo mejor si niñas como yo hubiéramos tenido esos ejemplos no nos hubiéramos obsesionado con la comida. Aunque lo mío empezó en China. Allí hay otra mentalidad. Me dijeron que si quería seguir trabajando tenía que estar delgada como un palillo. Me echaron de trabajos porque para ellos estaba gorda. En China te vuelven bastante loca con el físico a niveles que no te puedes ni imaginar. No he sido yo la única que me he sentido así allí, pero ahora tengo más referentes. El problema es que, cuando yo era una niña, de Kate Winslet, que para mí era la mujer más guapa del mundo, se decía que estaba muy gorda y que se la veía muy grande al lado de Leonardo DiCaprio. Pues vaya».
Respecto a su bisexualidad, explica: «Me sale de dentro, como el feminismo. No hay demasiada visibilidad hacia la bisexualidad. En mi casa nunca tuve problemas con estas cosas. Hasta a mi abuela, que en paz descanse, le dije tranquilamente que estaba harta de los hombres, y que algún día me echaría una novia. También es cierto que las pocas relaciones largas que he tenido han sido con hombres, y no puedo contar la experiencia de haberle presentado una novia a mi familia».
En otros puntos de la entrevista, la cantante expresa lo importante que es para ella la balada ‘El Dragón’ o subraya que sus quejas feministas de la industria no son victimismo sino «datos». Indica: «Hoy he visto un cartel de un festival y he dicho: “Esto es una vergüenza”. La presencia de mujeres era mucho menor. Qué impotencia cuando luego tenemos que escuchar que exageramos o que estamos locas».
Las aplicaciones para ligar normalmente son una gran pérdida de tiempo: silencios eternos tras hacer match, conversaciones banales que nunca pasan del “Hola, ¿qué tal? Bien y tú” o citas incómodas con personas que no sabes muy bien de qué cueva se han escapado. A veces, muy pocas, los astros se alinean y uno encuentra a su media naranja, o al menos a alguien que vale la pena. La existencia de Brutalismus 3000, el dúo techno más prometedor del momento, se la debemos por completo a Tinder, donde sus integrantes, Viktoria Vassiliki Daldas y Theo Zeitner, se conocieron en Berlín.
El resultado, traducido en varios estupendos EPs como ‘Amore Hardcore’ y ‘Eros Massacre’ o el exitoso sencillo ‘Satan Was A Babyboomer’, inmediatamente llamó la atención en una escena techno necesitada de nuevas voces. El proyecto se consolidó en plena pandemia y desde ese momento, no han dejado de ser invitados a festivales importantes, entre ellos el inminente Primavera Sound.
Ellos mismos se definen, de manera bastante acertada, como “nu gabber post techno punk”. Este cóctel de estilos e influencias no solamente se presenta con un sonido fresco y novedoso, sino que también revela su amplio conocimiento musical dentro de un género cuyo valor artístico a menudo se menosprecia.
Zeitner, que empezó a producir música en 2012, cuenta en una entrevista para Playful Magazine que en un principio detestaba el techno y que el único motivo por el que se acercó a él era porque quería demostrar que podía hacerlo fácilmente. Al final acabó cogiéndole el gusto acercándolo al punk que siempre le había interesado. Por otro lado, Daldas aprendió de pequeña a tocar el piano e iba a clases de coro. Poco a poco se fue acercando también al punk y, al mudarse a Berlín, las raves y la cultura underground de la ciudad la llevaron a interesarse por el techno. En ‘ULTRAKUNST’, su álbum debut, Brutalismus 3000 coquetean además con el trance, el electroclash o incluso el hyperpop.
Precisamente la capital alemana está presente a lo largo de todo el álbum a través de sonidos estridentes, distorsiones y oscuros beats que transportan directamente a naves industriales y fiestas clandestinas. “Por favor, espere (Bitte Warten)”, son las primeras palabras que escuchamos en el disco a través de un megáfono en distintas voces antes de que Daldas irrumpa en la mezcla con una desesperada urgencia en ‘ALL DIE LIEBEN MENSCHEN’. ‘GR3Y’, cantada en eslovaco, es una irresistible reinterpretación de ‘Fade to Grey’ de Visage en versión hardcore techno. Le sigue ‘CRY B3B3’ que es pura euforia con sus electrizantes sintetizadores industriales y su melodía pegadiza.
Brutalismus 3000 juegan constantemente con las expectativas del oyente, y su música a menudo toma caminos sorprendentes e inesperados. En ‘PONTIAC PARISIENNE (SKIT)’, uno de los cortes más experimentales del proyecto, samplean el llanto de un bebé mientras una voz aniñada -probablemente la de la propia Daldas- narra una inquietante historia de una familia en los suburbios justo antes de desembocar en un extraño número eurodance que termina sentenciando que “el hyperpop es dios”.
‘JE N’EXISTE PAS’ destaca por sus complejas texturas electrónicas con un beat profundo y oscuro que se mete dentro del cuerpo. Mientras que la sugerente producción de ‘DIE LIEBE KOMMT NICHT AUS BERLIN’ (el amor no viene de Berlín) la convierten en el single más evidente, una canción que se mueve con soltura entre el hyperpop y el gabber y cuenta con una energética interpretación vocal punk en eslovaco y alemán. El trilingüismo de Daldas también da lugar a temas completamente en inglés como el hard house de ‘IS U CHEMICAL?’, cuya melodía se construye a partir de frases entrecortadas; o el potente hardcore del penúltimo corte, la angustiosa ‘SUKA SUKA’ con sus “Gimme stress / Gimme ket”. En cambio, la pareja decide culminar su debut en un tono más festivo con ‘GEWALT GEWALT’, un divertido trance que contrasta con la agresividad del resto de la propuesta.
Es posible que ‘ULTRAKUNST’ sea menos conciso que sus EPs, pero es un trabajo cohesionado, coherente y, lo más importante, lleno de ideas ingeniosas y melodías excelentes. Brutalismus 3000 declararon una vez que la escena techno les parecía que no tenía estilo, pero su irrupción en ella sugiere lo contrario: aquí no falta nada de personalidad ni de estilo, representando -y con suerte, abriendo camino- a una nueva generación con imaginación de sobra para hacer del salón de tu casa el mismísimo Berghain.
Mallorca Live ha celebrado su última jornada sumando un total de 65.000 asistentes entre sus tres días. El público, a simple vista, mayoritariamente mallorquín, ha confirmado una vez más que Mallorca Live es el evento musical del año en las islas, un punto de encuentro para seguidores de la música y curiosos por igual que buscan pasar un buen rato de conciertos.
Entre esos buenos ratos hay que contar el de La Plazuela. Su concierto está lleno a eso de las 19.30 de la tarde, algo poco habitual, pero que concuerda con el “hype” que gira alrededor de este grupo. Es cierto que el sábado acude más gente a Mallorca Live que en días previos, pero también lo es que a esa hora de la tarde no es fácil llenar un concierto y que en la programación no deja de haber otras propuestas. Está claro que son muchos los asistentes que optan por acudir pronto al festival para no perderse el directo de este dúo de Granada que mezcla flamenco y electrónica de baile con bastante gracia, y que sabe convertir su show en un DJ set de acid house cuando menos lo esperas y, a la vez, cuando más toca.
En uno de varios reencuentros que dejará el sábado en Mallorca Live, Putilatex tocan en Mallorca por primera vez en toda su carrera y presentan las canciones míticas de su repertorio, recuperando ese electroclash rematadamente macarra y endiablado que tantas risas provoca por sus geniales letras y, de paso, reventando tímpanos con un sonido pasado de decibelios. Antes, a la Terremoto de Alcorcón le da tiempo de cantar ‘Muévelo perra’ para despedir a Mueveloreina, que han tocado antes.
Para recuperarnos del sonido -entiendo que- deliberadamente fulminante del show anterior, nos pasamos por otro de los conciertos más masificados de la jornada, el de Viva Suecia. En un contexto musical polarizante, en el que los grupos «indie-mainstream» generan amor y odio a partes iguales, Viva Suecia se entregan al poder arrollador de su música, con un Rafa Val inundado de sudor, elevando a la gente al suelo con himnos como ‘El bien’ o ‘Todo lo que importa’.
Cuando ya ha anochecido es el momento idóneo de acercarse al concierto de Blanco Palamera. Su escenario está sorprendentemente poco concurrido, aunque aún se dejan ver unos cuantos curiosos y personas en las primeras filas. Manuel Blanco actúa al micrófono, Xoán toca la batería y la banda se completa con un bajo y un teclado. Juntos llevan al directo la atmósfera calurosa y sensual de las canciones de ‘INTIMIDADE’ y de proyectos previos, llenos de ritmos de funky y R&B sofisticados, con Manuel actuando algo distante del público, a la manera de su colega Sen Senra, de cuya banda forma parte.
Chemical Brothers vuelven a arrasar. Foto de Javier Bragado
Uno de los platos fuertes de la noche, Bomba Estéreo confirman que muy mal lo tiene que hacer para decepcionar a alguien. Su espectáculo es llamativo desde todos los puntos de vista: la escenografía floral es preciosa, un pequeño paraíso; las pantallas proyectan imágenes psicodélicas que no pueden ir mejor con el sonido de la música, Li Saumet es un espectáculo en sí misma vistiendo sus típicos atuendos tradicionales ultracoloridos, y las canciones se mueven entre la elevación espiritual y el pepinazo total. De ‘To My Love’ a ‘Fuego’, básicamente, con ‘Ojitos lindos’ proporcionando el momento más emotivo. Pero aún les cabe la reciente ‘Champeta colombiana’, con la que aceleran el ritmo del show en un 200% mientras una luz azul con forma piramidal preside el escenario, de repente instalado en el futuro… claro que de eso va Bomba Estéreo, de traer la tradición al mañana.
Posiblemente la gran sorpresa de la noche la da Locomía. La nueva formación, claro, compuesta por Ricky, Edén, Ferry y Félix y supervisada por Xavier Font, creador de Locomía y uno de los integrantes originales. El cuarteto, cargado con sus míticos abanicos, hace pleno en el show, hasta el punto de que el escenario parece quedársele pequeño, y confirma que quizá el producto puede seguir teniendo vigencia en 2023 representado por nuevas caras. No cabe duda de que son muchos los curiosos que se acercan al escenario preguntándose qué diantres hacen Locomía confirmados en un festival, pero lo mejor es que la gente se queda, asombrada por una propuesta que sigue siendo única en su mezcla de pop y moda, de eurodance, hombreras y golpes de abanico fabulosos. Da igual que todas las canciones parezcan la misma, el show te deja embobado y ellos actúan sonrientes y encantados de la vida. ¡Locomía a Benidorm Fest!
Xavi Torrent
Otra de esas propuestas que se crecen absolutamente en directo, que de hecho existen para el directo y encuentran en este contexto su razón de ser, su verdadero hogar, es la de !!!. También conocida como “Chk Chk Chk”, la banda de Nueva York saca su artillería pesada pareciendo la versión de LCD Soundsystem a la que se le ha caído un pote de pintura encima. El dance-punk colorido y desinhibido de !!! queda mejor representado imposible en el carisma del frontman Nic Offer, que se pavonea de un lado al otro del escenario, completamente fuera de sí mismo, bailando como si no hubiera un mañana vestido con sus habituales pantalones cortos que más que cortos son cortísimos. ‘Shake the Shudder’ es un disco que descubrir en vivo y en directo, pura éxtasis con la que “vengarse bailando”.
Y por supuesto llegan los reyes de la noche. Los Chemical Brothers ya han presentado su apabullante show por varios festivales españoles, hace uno, dos, tres, cuatro y cinco años fácilmente. El espectáculo es exactamente el mismo, sin cambios aparentes, pero es que pocos espectáculos de electrónica se apoyan de manera tan lograda en los visuales, protagonizados por extraños humanoides que adoptan mil formas y que nos cuentan mil historias, entre la ternura, el terror y todo lo que hay en medio. La música es electrizante, tanto como para tener poseída a una asistente desde el segundo cero, que baila como loca hasta en los momentos de descanso, extasiada. Tom Rowlands y Ed Simons, tocando botones, pasan a ser invisibles, mientras los altavoces disparan auténticos cañonazos de electrónica bailable con la que la gente entra en otra dimensión.
Entre las propuestas que descubrir en las siguientes horas de la noche se encuentra la de Morreo, a los que no acompaña el mejor sonido… pero sí toda la energía que dos personas pueden despedir en el escenario, en su caso, presentando las canciones de su divertido segundo disco, ‘Alegría‘.
En España el tema ha sumado 1.072.368 de streamings solo en Spotify, desplazando al top 2 ‘Acróstico’ de Shakira. La balada que esta entona junto a sus hijos aspiraba a ascender al número 1 en su segunda semana oficial, pero ahora lo tendrá muy difícil debido a la llegada de lo nuevo de Benito. Lo que pase en días venideros -si lo de Bad Bunny se hunde o se mantiene- será fundamental.
Los países que mejor han acogido ‘WHERE SHE GOES’ aparte de España son Chile, Venezuela, varios latinos pequeños como Costa Rica o República Dominicana, pero también Estados Unidos. Lo nuevo de Bad Bunny también es número 1 directo en el Spotify de Estados Unidos.
En México ha tenido que conformarse con el puesto 3 y los más reticentes han sido como siempre los países europeos anglosajones: número 81 en Spotify Alemania, número 116 en Spotify Francia, número 160 en Spotify Holanda… y fuera del top 200 en Reino Unido.
En cuanto al resto de plataformas, ’WHERE SHE GOES’ también es número 1 en Apple Music España, mientras en Estados Unidos, en este caso lo encontramos en el puesto 3 por detrás de Lil Durk con J Cole y de Morgan Wallen. No obstante, de cara al Billboard Hot 100, el mayor lastre para Bad Bunny serán, como siempre, los puntos de radio.
Javier Giner publicaba hace un par de años uno de los libros sobre adicciones más importantes, como mínimo, para la comunidad LGTB+, ‘Yo adicto’. Estos días ha informado a través de sus redes sociales de que el proyecto va a ser serie, también.
En concreto serán 6 episodios que podrán verse a través de Disney+, una plataforma que continúa arriesgando mucho más allá de lo que hubiéramos imaginado en Disney.
‘Yo adicto’ ha sido adaptada a serie por el propio Javier Giner junto a Aitor Gabilondo (‘Patria’). Laura Rubirola es co-productora ejecutiva, mientras los directores de los episodios serán Giner y Elena Trapé. El protagonista es Oriol Pla (‘Merlí‘), y también ha trascendido una prometedora escena de rodaje con Omar Ayuso.
Giner ha declarado: “Nunca imaginé que mi historia más íntima llegaría a convertirse en una serie de alcance internacional gracias a Disney+ y de la mano de profesionales y personas tan admiradas por mí como Aitor Gabilondo y Laura Rubirola. Espero y deseo que nuestro trabajo abra debates, desestigmatice al enfermo y arroje luz sobre las cosas que nos ocurren como seres humanos, pero de las cuales solo hablamos en susurros porque nos producen dolor y vergüenza. Y que, por encima de todo, ilumine todos esos rincones oscuros con un mensaje claro: del infierno de la adicción, con ayuda, con trabajo y esfuerzo, se puede salir».
Nora Navas, Ramón Barea, Marina Salas, Itziar Lazkano, Bernabé Fernández, Catalina Sopelana y Vicky Luengo completan el reparto. De momento, no hay fecha de estreno aproximada para el proyecto. Solo se sabe que el rodaje ha echado a andar este mismo mes de mayo de 2023.
Por primera vez, Blur y Gorillaz publicarán disco en un mismo año. Así de inspirado parece sentirse Damon Albarn. Cuando todavía estábamos debatiendo sobre si ‘Cracker Island‘ era uno de los mejores álbumes de Gorillaz o todo lo contrario, o sobre si la canción con Bad Bunny era lo mejor o lo peor que han hecho; hemos topado con la noticia de un nuevo disco de Blur, el primero en 8 años, cuya existencia se desconocía por completo.
La estrategia del secretismo ha sido de lo más inteligente. Blur, al fin y al cabo, siempre han sido chicos listos. Quizá si nos hubieran hypeado durante meses con este disco que presentarán en Primavera Sound, nos habríamos quedado indiferentes ante el sencillo que presenta ‘The Ballad of Darren‘. Quizá por la emoción de lo inesperado, ‘The Narcissist’ suena como un buen «comeback» que escogemos como «Canción del Día» para este domingo.
Armada con un riff de Graham Coxon y su voz a los coros subrayando algunas de las ideas clave de la letra, como esa contraposición entre «el Pierrot» y «el cuarto oscuro» («tú fuiste el Pierrot, y yo el cuarto oscuro»), ‘The Narcissist’ es una canción abierta a las interpretaciones. Sin duda habla de adicciones, a través de esa mención «al ácido», y de un contraste entre luz y sombra, que se desarrolla de manera clara en el estribillo.
Es el mismo un canto a la resistencia: «Seré la luz que brille en tus ojos / y probablemente tú me devolverás ese brillo / Pero no me caeré esta vez. Con Dios, haré caso de las señales». El cambio de acordes en medio del mismo y el post-estribillo instrumental de 4 notas que da paso a las estrofas son lo mejor del tema. Le dan un punto evocador.
Luego, el título «El Narcisista» da un doble sentido al tema. Es un giro casi cómico. El «ego» aparece en la letra, poniendo ese toque irónico tan inherente a los autores de ‘Charmless Man’. Es como si ‘The Narcissist’ fuera un tema retrospectivo en el que se miran a sí mismos a un espejo, algo que sucede literalmente, pero solo para quitarse hierro e importancia. «Fueron tiempos duros y bonitos los de Blur, pero como los de cualquier persona», parecen estar diciéndonos. Y con lo que se quedan hoy está claro: «Conéctanos con el amor, y mantennos en paz durante un rato». Al menos, hasta que acabe esta gira…
“No hay riqueza inocente”, decía Rafael Chirbes en ‘En la orilla’. “Toda fortuna procede de una injusticia originaria, cuando no de un crimen, que es lo más probable”. Esa injusticia tiene muchas caras: esclavismo, colonialismo, explotación laboral, especulación financiera, corrupción política, patriarcado… Y para legitimizar social y moralmente esa riqueza, así como las estructuras que las mantienen, hay que construir relatos, narraciones épicas de señores “hechos a sí mismos”, discursos narcisistas de superhéroes del capitalismo.
Sobre el poder de estas narrativas, sobre cómo “torcer la realidad para alinearla según mis intereses” –como dice el protagonista de la novela-, escribe Hernán Díaz en su monumental ‘Fortuna’ (Anagrama). Argentino criado en Suecia y residente en Nueva York, Díaz ha confirmado las expectativas que había creado con su debut, el (neo)western ‘A lo lejos’ (Impedimenta, 2020). Su nueva novela, galardonada con el Premio Pulitzer, es un impresionante rascacielos metaliterario levantado por medio de un exuberante dispositivo narrativo que combina varias voces y estilos.
El libro se compone de cuatro partes. La primera es una novela dentro de la novela. La historia de un magnate de las finanzas de los años 20, su mujer y su fortuna, escrita por un novelista ficticio a la manera de Edith Wharton o Henry James. La segunda es la autobiografía anotada e inconclusa del magnate al que alude la novela anterior escrita por su secretaria y escritora fantasma. Una hagiografía que pretende refutar ese texto anterior. La tercera y la cuarta… mejor no desvelarlas. Solo decir que están articuladas por medio de una serie de deslumbrantes piruetas narrativas que añaden más y más capas de significado al relato original.
El resultado de esta superposición de relatos es un fascinante puzle literario armado a través de una prosa cautivadora, desbordante de ideas, riqueza formal y sorprendentes giros dramáticos. ‘Fortuna’ es una exploración de las entrañas del capitalismo, del funcionamiento del mundo de las finanzas del que dependemos todos. Pero también un viaje estilístico de la novela de finales del siglo XIX hacia la modernista, de la mencionada Wharton a Virginia Woolf. Y, por último, un combate de voces narrativas: de la más estentórea, la que tiene todos los altavoces a su disposición, a la más imperceptible, la que ha sido amordazada pero termina encontrando su modesta vía de escape. Novelón.
La serie sobre La Veneno, ‘Veneno’, fue un éxito internacional en plataformas, llegando a conseguir su público underground incluso en un país tan competitivo para la ficción como es Estados Unidos. Quizá por eso ahora nos llega, en inglés, la información sobre la reedición del sencillo ‘Veneno pa tu piel’, de cara al próximo Orgullo.
El correspondiente Bandcamp nos explica cómo «la estrella transgénero más querida de la televisión española» era una trabajadora del sexo en el Parque del Oeste de Madrid cuando fue descubierta por Esta Noche Cruzamos el Mississippi. Su tema ‘Veneno pa tu piel’ fue una sensación en las listas españolas, llegando a vender 50.000 unidades en los tiempos dorados para la industria según algunas fuentes. En listas oficiales, llegó a figurar en el número 8 de la lista de maxi singles de 1996.
Ahora el single se edita en un vinilo especial, que ya se puede encargar en el correspondiente Bandcamp. Saldrá el 30 de junio con motivo del Orgullo, incluyendo 4 pistas: 2 temas y 2 remezclas. En la web de Dark Entries también podéis ver la contraportada.
1. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Xtended Version)
2. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Single Version)
3. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (House Mix)
4. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (Digo Dub Mix)
Más afónico que Natos acudo a la segunda jornada de Mallorca Live para no perderme un minuto del bolo de Jimena Amarillo. La valenciana dedica todas y cada una de sus canciones a “sus lesbianas” porque por fin “la música para lesbianas tiene cabida en los festivales”.
Sobre todo, Jimena se muestra divertida y deslenguada: cuando toca una versión de ‘Tu sangre de la mía’ se pone a bailar “como Diego de Carolina Durante”, cuando toca un tema house apunta que “Aitana ha hecho muy bien” este género y, en el mejor más inenarrable del show, saca un violín y se pone a tocar Pachelbel mientras su corista canta el estribillo de ‘Get Lucky’ con deje aflamencado. Y todavía no ha interpretado su versión “fea, porque chica” de ‘I Follow Rivers’. Cuando canta ‘Jugando a Los Sims’ afirma que “por fin tocamos una canción indie, manda huevos”, y aún le queda por hacer un popurrí inexplicable de ‘Cómo quieres que te quiera’, ‘Nueva York (Toto)’ e ‘Hija de la luna’.
El concierto de Amarillo aún admite un pequeño momento emotivo cuando la artista agradece poder tocar en Mallorca Live y en un escenario “tan grande” que escuchar sus propias canciones a un volumen tan alto le abruma. Dice estar “a punto de llorar porque este año me han pasado muchas cosas”.
En el escenario pequeño -que acomoda DJ sets- ocurre un momento mágico cuando empieza a llover mientras La Calor pincha sus agradables cumbias electrónicas. Da gusto verle mezclar en vivo y en directo, tras los platos, poniendo la mejor banda sonora a un día gris.
Javier Bragado
Si atraviesas el espejo de Natos y Waor aparecen al otro lado Ayax y Prok. De alguna manera son dos caras de la misma moneda: ambos son dúos de raperos salidos de aquello que se llama “la calle” y ninguno de ellos renuncia a meter bases bailables de house en sus conciertos festivaleros. Sin embargo, Natos y Waor son comedidos y Ayax y Prok… no. En absoluto. Los gemelos granadinos aparecen sobre el escenario agitados y sobreestimulados, saltando de un lado a otro, berreándole al micrófono y dotando a su show de cierto componente cómico gracias a su gracejo natural (“qué mareo, la virgen”, dice uno de ellos en un momento de descanso), no se sabe si intencionado o no. En lo musical, cuando no se ponen a recitar sus versos sobre bases de hip-hop, directamente traen un show de EDM, y especialmente Ayax exhibe una pasión desbordante sobre las tablas o debajo de ellas: en un momento del show baja a la pista e incluso agarra de la mano a un fan de la primera fila. Por poco le cruje los dedos.
La «fiestuqui» de Black Eyed Peas
Lo peor de la sociedad mallorquina puede reunirse en la zona VIP viendo a Black Eyed Peas, fácilmente. Ya lo dice Juan Sanguino: Black Eyed Peas gusta a la gente que dice “fiestuqui”. Lo compruebo en Mallorca Live. Aquí hay influencers de medio pelo, pijos con pinta de tener yates y clínicas de cirugía estética, jovencitas con los morros de Carmen de Mairena, muchachos repeinados que gritan “let’s go, motherfuckeeers!” cuando Will.I.Am. dice algo.
Ver a Black Eyed Peas en acción es surcar el tiempo a través de la historia del pop de los últimos 20 años. Con el hip-pop de ‘Let’s Get Started’ viajas a 2003, con el electro de ‘Boom Boom Pow’ a 2009, con la EDM de ‘Don’t You Worry’ a 2010 aunque sea de 2022. Su repertorio contiene tantos macrohits que algunos los habías olvidado necesariamente por falta de espacio en el cerebro.
Black Eyed Peas es el ejemplo de grupo pop capitalista por antonomasia, una franquicia musical que básicamente hace su trabajo, esto es, fagocitar modas y escupirlas masticadas, reciclar hits clásicos como hace Hollywood con todos sus “blockbusters”, colaborar con distintas marcas (véase Shakira o Daddy Yankee) o abrir filiales como la carrera de Will.I.Am. en solitario a la que se asocian otros marcas (véase Justin Bieber o Britney Spears). Black Eyed Peas es un universo pop comprimido en tres raperos y una cantante -J. Rey Soul- cuyo parecido a Fergie no es disimulado. Todo parecido con la (antigua) realidad es buscado e intencionado.
El público recibe desbordado, eufórico, fuera de cuerpo, el remix reggaetonero de ‘Let’s Get Started’, el tobogán surfero de ‘Pump It’, los breakdance random de apl.de.ap, las referencias de Will.I.Am. a las “mamacitas” y a “mis chicas latinas”, el “Britney bitch”. La pista se viene abajo con el house sísmico de ‘This Time (Dirty Bit)’ y directamente implosiona en ‘I Gotta Feeling’. Mientras, en el escenario, la energía es caótica, los cuatro integrantes actúan sin orden ni concierto (al final son MCs, no una boyband) y la energía navega entre la pachorra extrema de Will.I.Am. que coge el micrófono como quien agarra el mando de la tele mientras se está quedando dormido, la pose pseudo-heroica de Taboo, la vibra adolescente de apl.de.ap. y la presencia de J. Rey Soul, simplemente agradecida de estar ahí, existiendo. Le ha tocado el gordo cantando para un grupo que se mantiene imparable, pese a quien pese.
Para recuperarnos del chute ultrapop de los BEP nos pasamos brevemente por el show de Black Rebel Motorcycle Club, una exhibición de virtuosismo rock que resulta fascinante en su búsqueda de diferentes ángulos y texturas. Me habría quedado de no ser porque tocaba descubrir otro de los platos fuertes de la jornada.
Xavi Torrent
Me muero de curiosidad por ver a Quevedo en directo. Su show, supuestamente donde quiere estar, no se sostiene demasiado: las canciones son disfrutonas, su disco no está mal entero, pero es evidente el apoyo del directo en los efectos escénicos, en los chorros de humo constantes, más pesados que la alarma del “soundsystem” jamaicano en un concierto de Bad Gyal (con la que ha colaborado), mientras el canario actúa con más o menos energía, evidentemente encantado de estar allí, pero sin ofrecer mucho más que su mera presencia. El show de Quevedo es una “listening party” de su disco llevada al contexto de macroconcierto festivalero.
Pero al César lo que es del César: como dice Lola Indigo, Quevedo es un “hitmaker” y de hits su show va sobrado, aunque ‘Playa del Inglés’ o ‘Vista al mar’ son meros peajes para llegar a LA CANCIÓN. Después de un intento de bis que dura lo mismo que un audio de TikTok, es momento de que la pista colapse con la sesión de Bizarrap. Presenciarla en directo es presenciar el fenómeno -porque no tiene otro nombre- en su envergadura real. Es impresionante la comunión que crea el estribillo de “Quéeedateee” y a Quevedo se le dibuja media sonrisa en la cara, como atónito por semejante éxito. La verdad es que no me parece la mejor sesión de Bizarrap, pero a Quevedo hay que hacerle la ola por todo lo que está consiguiendo: ahora mismo sus cifras superan las de Rosalía.
Poco después de la madrugada Moderat ofrecen su concierto en Mallorca Live. Su propuesta es tan atípica que ni viendo el show cinco veces te deja de sorprender el éxito que ha alcanzado: no todos los grupos que hacen electrónica «fina» son tan masivos, pero claro, ellos han sabido respetar la seriedad de su música sin renunciar a los subidones populistas que requiere una presentación festivalera. Apparat sigue desempeñando con gran habilidad ese papel de «frontman» a lo Dave Gahan del siglo XXI que le ha caído del cielo casi sin quererlo, y la magia que crean él y Modeselektor sobre el escenario sigue siendo incuestionable: pura brujería electrónica que no renuncia a las grandes emociones.
Hablando de Valencia, Diego Escriche de La Plata ha grabado el segundo disco de La Culpa, como ya hiciera con su debut. Su primer disco ‘La Culpa’ llegaba hace un año, durante la primavera de 2022, dejando pequeños éxitos en el underground como ‘Mágico trágico’, aptos para seguidores de Los Punsetes o Parálisis Permanente. Y ahora tenemos entre manos su segundo largo, ‘Cuando amanece’, que viene con algunas novedades.
La primera es una serie de cambios de formación: sale Tania y entra Cohete a las voces. La segunda es que desde su sello Humo aseguran «que los riffs son más At The Drive In que antes, las melodías igual de emotivas, las letras incluso más crípticas en su aparente simplicidad, la intensidad está redoblada».
Lo que permanece inalterable es el espíritu, manifestado en una portada que vuelve a recurrir a dos niñas como recién salidas de ‘El pueblo de los malditos’, y también por los dardos post-punk. ‘Mirar desde lejos’, ‘Tu cara idiota’, ‘Quemado’ (con esas guitarras tan Siouxsie) y ‘Nos vemos de noche’ (una versión de los también valencianos Yorch) están entre las pistas fundamentales de un álbum que ya están presentando por todo el país.
Hoy sábado 20 de mayo estarán en La Residencia de Valencia, el 26 en Meteoro (Barcelona), el 27 en el Afloraries Fest de Vic, y el 8 de julio en 16 Toneladas.
Está el foco mediático centrado en Valencia en la política, porque la nueva Generalitat se decidirá por un escaño, y también debería estarlo en lo musical. Propuestas como la de La Plata o el colectivo Toxic Pop han representado en el último lustro a una generación de artistas DIY que no quieren saber nada de los campamentos de composición, ni de la industria, ni de las superproducciones como churros.
Ahora La Plata nos han dado una grata sorpresa. En principio, su debut ‘Desorden‘ y su continuación ‘Acción directa‘ eran proyectos de post-punk, publicados cuando no tantísima gente quería hablar de Joy Division, Parálisis Permanente y Décima Víctima. Cuando todo estaba empapado de trap. Este EP de 4 canciones llamado ‘Sueños’ ya no tiene casi nada que ver con aquello.
Influidos por la entrega de un tema llamado ‘Real’ para la serie de ‘La Ruta’, La Plata exploran ahora otro tipo de sonidos. Ojo, en sus discos los teclados de Patricia Ferragud siempre habían sido muy importantes. Es solo que ahora tienen otro color. Tanto en ‘Lejos’ como en ‘Volar’ su referente parece el trance de Robert Miles, siendo la primera abiertamente un tema de drum&bass y la segunda una canción de shadow pop que podría haber entonado Rojuu.
Y es que las canciones de ‘Sueños’ pululan entre la esperanza y la desesperanza -como siempre-, en la primera pista más optimista («quiero ser una estrella, sin miedo a la gravedad»); en la segunda, más triste. «Me siento sin aire, desaparezco como si no fuera real / Como si esta vida no fuera la mía, y yo llevase puesto un disfraz». En la canción titular, los ‘Sueños’ son directamente «Pesadillas» con una María Egea con la voz procesada al modo de los momentos más esquizofrénicos de Crystal Castles.
La Plata cierran esta obra con un número igualmente inesperado. Porque no es que ellos se hayan sumado a modas como el drum&bass, y ya. Sí han procesado baterías orgánicas, han tomado líneas de bajo del dub, guitarras del nu metal, e ideas del anime, los videojuegos y el digicore. Pero en ‘Ángel gris’ lo que ofrecen es un número post-grunge, de guitarras eléctricas sucias al modo en que lo habrían hecho Smashing Pumpkins en 1993. «Porque este mundo no lo entiendo, lo quiero parar», entona Diego Escriche, que también ha sido el responsable de la grabación del EP. Una grabación en la que cualquier cosa puede ayudarle a expresar sus conocidos sentimientos de alienación.
Pasadas las novedades de este viernes, alguien ha movido ficha esta madrugada. A Beyoncé le gusta estrenar cositas en sábado, de vez en cuando, y hoy es el turno del remix de ‘AMERICA HAS A PROBLEM’, una de las pistas más escuchadas de ‘RENAISSANCE‘, que además ahora viene con sorpresa.
Nada menos que Kendrick Lamar, a punto de llegar a Primavera Sound, entona ahora el primer verso de la canción. En su rap habla de la industria (Universal), de mentir en un rap, de pertenecer al fandom de Beyoncé y de inteligencia artificial. “Hey, espera un momento, incluso la IA tiene que practicar para clonar a Kendrick», dice en uno de los momentos destacados.
Beyoncé y Kendrick Lamar ya habían colaborado antes en otras pistas, mucho antes de este remix para un tema extraído de ‘RENAISSANCE’. En concreto en ‘Freedom’, una de las canciones fundamentales de ‘Lemonade’, y también en ‘NILE’ de la banda sonora alternativa de ‘El Rey León’.
Por otro lado, continúa la gira mundial de este álbum de Beyoncé, de momento sin vistas a que llegue el «Acto 2» de ‘RENAISSANCE’ en ningún momento cercano.
Jessie Ware mantiene una semana más el número 1 de nuestro top con ‘Begin Again’. Está imbatible tanto en la web como en el Desempate de Twitter. Lana del Rey y Vicco tienen que conformarse con la plata y el bronce, mientras Janelle Monáe llega al puesto 8 con su tema más sexual, ‘Lipstick Lover’.
Hacia la mitad de la tabla llegan Fred again.. y Sílvia Pérez Cruz, mientras en las últimas posiciones se clasifican Victoria Monét, Surfin Bichos y el reciente top 1 en España, Saiko.
Mallorca Live vuelve a celebrarse este año en su fecha habitual, mayo, en lugar de en junio como el año pasado. El calor aprieta menos, de hecho, las previsiones daban lluvia. De momento -interesantísimo esto- hace nublado y toca abrigarse, aunque no es necesario ir al extremo de rusowsky, que parece Nanuk el esquimal vistiendo abrigo y capucha. De alguna manera nos está queriendo decir que prefiere no ser visto o reconocido, algo que encaja con la calidad intimista de su música.
Evidentemente, el directo de rusowsy es diferente: los ritmos bailables siempre han estado ahí, como en ‘So So’, pero los festivales no parecen el contexto idóneo para sus producciones. Así, a Ruslán el público le puede salir un poco duro de roer, como es el caso de Mallorca Live, en el que tiene que animar reiteradamente al público para que mueva una extremidad. rusowsky parece algo exasperado, pero tampoco es que lo ponga fácil cuando sobre el escenario le vemos simplemente caminando de un lado a otro con desgana, más tapado que un siberiano, evitando en todo momento el contacto visual.
Unas horas antes, también Judeline debe pedir a la gente que se acerque a su escenario. Los artistas actúan con más seguridad cuando perciben el calor de su público, y últimamente hasta Beyoncé ha protestado por percibir a su audiencia algo adormilada, lo cual tiene delito porque es público objetivo. Por contra, Lara Ferández canta para pocos fans y sobre todo para curiosos que se aproximan a su música por primera vez (pero no al escenario). Ella exhibe una voz maravillosa (a nadie extraña que Rosalía se encuentre entre sus fans) aunque a su repertorio le siguen faltando canciones más definidas. ‘Zahara’ es por supuesto su pieza más celebrada, pero, ojo, porque Judeline cierra el show con una inédita, basada en un beat de funk carioca, que es sin duda su producción más contundente hasta la fecha.
De cara a la presentación de Rojuu, que sigue moviendo masas con su emopunk autotuneado curtido en internet, con guitarras eléctricas que afilan como cuchillos, empieza a perfilarse el público de Mallorca Live, una mezcla tan variada y multigeneracional como el mismo cartel, que atrae todos los gustos que pueden existir dentro de un festival.
Xavi Torrent
Tampoco tienen problema alguno con su público Vetusta Morla, excepto por la pareja de influencers que tengo delante haciéndose fotos, más interesados por supuesto en ellos mismos. El grupo también llamado “los de Pucho” por cualquier crónica que se precie pueden decir que no mueven masas por razones de nostalgia, sino porque han sabido reinventarse disco a disco. El de ‘Cable a tierra’ puede ser su espectáculo más impresionante a nivel visual, hasta el punto de que da miedo imaginar de qué es capaz en el futuro. Ya da la sensación de que son algo así como los U2 españoles, solo que ellos ahora están interesados en investigar el folclore latinoamericano y, como inspirados por El Madrileño, dotan su directo de un componente tecnológico y visual importante, con una presencia de pantallas imponente. Detrás suyo, claro, la cortina de tiras multicolor que aparece en la portada de su disco. Y las canciones siguen funcionando a modo de himnos masivos: en ‘Copenhague’ el océano de pantallas de móvil inunda la pista.
La sorpresa de la noche la da Natos y Waor, sorpresa para quien no les siguiera de antes, claro. También ellos ofrecen un show bastante espectacular a nivel visual, pues incorpora hasta pirotecnia, y lo interesante es que renuncian a rapear exclusivamente sobre bases de hip-hop: también los beats bailables forman parte de su repertorio, como los de ‘Sudores fríos’. En un momento dado hasta se sientan en sendas sillas a cantar en acústico, en contraste con los momentos más enérgicos, en los que Natos exhibe una voz forzadísima que espero no termine en afonía. Se da un curioso contraste entre la pose de malotes de Natos y Waor y sus sentimentales letras, pero por lo menos aparecen entregadísimos y clavando la mirada a su público, que es bastante masivo también.
Javier Bragado
The Kooks dan el concierto estrella de la jornada. Es curioso el inicio con una de sus canciones más populares tocada en acústico, ‘Seaside’, y el repertorio se extiende por todo su catálogo con muy pocas concesiones a su último disco. El sonido es excelente, da gusto ver a Luke Pritchard manteniendo su personal timbre en muy buen estado. Sencillamente, un concierto muy agradecido de aquel género musical que un día llamamos “indie” (y que probablemente seguimos llamando “indie”), en el que el público tuvo su papel protagonista coreando la melodía de ‘She Moves in Her Own Way’.
Como siempre vale la pena acercarse a los escenarios pequeños del festival y disfrutar de conciertos que no por no ser masivos son menos interesantes. De hecho, Alien Tango ofreció uno de los shows más divertidos de la jornada presentando su loca música llena de samples histéricos, sonidos psicodélicos y melodías pop en toda regla. Como una mezcla entre Sparks y Ariel Pink, Alien Tango se preocupa de que verle en acción sea tan divertido como escucharle en disco, y lo consigue.
Quien pensara que la canción ganadora de Eurovisión 2023 no iba a sonar se equivocaba. Aunque mañana hubiera un cataclismo y ‘Tattoo’ desapareciera por arte de magia de todo el mundo y de todas las playlists también, puede conformarse con lo que ha conseguido ya. Van 76 millones de streamings en Spotify.
‘Tattoo’ ya había hecho alguna incursión en listas internacionales, sobre todo nórdicas, antes de Eurovisión. Y su victoria ha sido su consolidación. Ha estado incluso en el top 5 del Global de Spotify, por ejemplo llegando al número 1 en una tierra tan competitiva para una artista sueca como es Reino Unido. Y en este país finalmente entra directamente al top 2 de la lista oficial semanal, tan sólo por detrás de ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding. Solo 4.000 unidades la han separado de la cima (38.000 vs 42.000).
Este dato mejora el top 3 de ‘Euphoria’ -ganadora de 2012, también de Loreen- en su momento. Pero es que además la canción nueva tiene la estética trance necesaria para ser apoyada por playlists de hits actuales e incluso en Today’s Top Hits la han abrazado.
‘Tattoo’ ha sido número 1 en Suecia, Holanda, Islandia y Letonia, y también ha alcanzado el top 10 en Alemania, Finlandia o Irlanda. Respecto a España, podemos esperar una posición similar a la italiana: un top 25.
Respecto a otras entradas en listas británicas, el número 6 para ‘Cha Cha Cha’ de Kaarija no está nada mal. ‘I Wrote a Song’, de Mae Muller, la representación británica, logra llegar al número 9 pese a su mala posición en Eurovisión. Y ‘Queen of Kings’ de Alessandra, la representante noruega, se cuela en el número 10.
La canción israelí llega al 45, la austríaca al puesto 48, la polaca al puesto 56, la belga al 63 y la francesa al puesto 94, entre otras entradas. Una fantasía que recopilamos a continuación:
02 Tattoo (Suecia)
06 Cha Cha Cha (Finlandia)
09 I Wrote a Song (UK)
10 Queen of the Kings (Noruega
35 Mountain (Sam Ryder, UK 2022)
45 Unicorn (Israel)
48 Who the hell is Edgar? (Austria)
56 Solo (Polonia)
63 Because of you (Bélgica)
79 Promise (Australia)
92 Break a Broken heart (Chipre)
94 Evidemment (Francia)
95 Heart of Steel (Ucrania)
Paulina Rubio ha venido a España, primero para actuar en el Orgullo de Maspalomas, y después para hacer una ronda de entrevistas en promoción de su single ‘No es mi culpa’, publicado hace un par de meses.
Cada entrevista concedida ha sido una aventura diferente, en cada caso. Su paso por el programa ‘Y ahora Sonsoles’ con Sonsoles Ónega no pudo ser más accidentado: Paulina llegó tarde, el programa era en directo, la presentadora no sabía dónde se había metido, y tras verla aparecer, justificándose por un atasco, tuvo problemas con el micrófono. Por no hablar de ese momento de la conversación en que le preguntaba por Rocío Jurado y Paulina respondía que se la acababa de encontrar en el AVE: «Es mi hermanita. Justo estaba hablando con ella que venía llegando de un AVE. Yo la quiero mucho», respondía confundiendo a Jurado con Carrasco.
Mejor aún era su intervención en Showriano. Ahí se enredó con la presentadora tratando de dilucidar lo que era tener «un trocito de España en casa». Paulina considera que su hijo es un «trozo de España», pero la presentadora esperaba más bien que se hubiera llevado «una piedra del Teide». La salida de Paulina Rubio ante la broma fue «Limpiáme el culo si puedes, coño. ¡Que me limpies el culo!», al tiempo que se levantaba y daba la espalda a Eva Soriano, como para que en efecto le limpiara el culo.
También ha sido noticia otra entrevista en la que Paulina Rubio reivindica su derecho a llevar gafas de sol durante las entrevistas si le apetece. «Yo ya estoy en el quinto piso…» ha justificado, al tiempo que dedicaba un buen rato a explicar por qué es importante irte a tiempo de una fiesta.
¿Pero es que Paulina Rubio no hay concedido una entrevista normal? La de Shangay podría parecerse a algo de eso, hablando de su próximo disco (aunque ella considera que el de 2018 es reciente), de por qué su single dura 2 minutos (porque es la moda), de su admiración mutua con Demi Lovato y de algunos personajes de la Movida Madrileña, a destacar Alaska, con quien acaba de presentar un single conjunto para una película.
Dice de ella: «La amo, porque la conozco desde los 80. Yo me vestía de amarillo en Timbiriche y ella ya estaba en una banda. Igual que en esa época fui conociendo a Enrique y Ana, Parchís, José María Cano, Nacho Cano, Ana Torroja, Miguel [Bosé]… En toda esa movida yo era la más chica, pero siempre quería estar con todos, era la más fan. Que ahora Alaska se acordara de mí para esta canción ha sido muy bonito. Somos leyendas, pero con muchas ganas de seguir y ofrecer cosas diferentes».
La persona que más ha servido esta semana ha sido Paulina Rubio. Gracias a su camello por dios 🙌 pic.twitter.com/ayWVSeMpmh
Miley Cyrus ha concedido una larga entrevista de portada al Vogue británico. Al contrario de lo que sucede en algunas ocasiones con las revistas de moda, esta vez sí merece la pena prestarle atención, pues Giles Hattersley ha logrado hacerse con la confianza de Miley. Y eso que durante los primeros 20 minutos apenas hay contacto visual entre artista y periodista, como cuenta Giles.
La autora de ‘Flowers‘ pide que el artículo no sea una queja sobre ser mujer en la industria musical. «No necesito que sea una historia de empoderamiento de mujeres. Llevo puesto mi empoderamiento a todas horas. No necesito profesarlo», indica, pese a ser muy crítica en la charla con el modo en que fue tratada por la prensa en la era ‘Bangerz’.
Cyrus recuerda: “Estaba buscando atención para mí misma porque me estaba separando a mí misma del personaje que había estado interpretando. Cuando tienes 20 o 21 años tienes mucho que demostrar. «No soy mis padres». «Soy quien soy» (…) Llevé mucha culpa a mis espaldas durante años por la mucha controversia y disgustos que causé. Ahora que soy adulta, me doy cuenta de lo severamente que me juzgaron. Fui juzgada injustamente como niña por adultos, y ahora como adulta, me doy cuenta de que nunca juzgaría severamente a ninguna niña”.
En cuanto al éxito que está teniendo ahora mismo ‘Flowers’, y a raíz de un comentario que le hizo Lil Nas X sobre si eso le agobiaba, Cyrus se muestra muy escéptica. “Puedo ser número 1 ahora, pero luego vendrá el número 2. Todo es estacional. Muchos titulares dicen “Este es el momento de Miley”. Y eso pienso. Que es un momento. Y que se acabará. Y no es pesimista. Es la verdad y me parece bien. De hecho lo prefiero. No me gusta seguir siendo grande”. Lo cual lleva a otro punto interesante de la entrevista: por qué no realiza giras.
Miley asegura llevar una vida muy tranquila en Los Ángeles, en la que antepone su salud física y mental ante todo. No bebe hace 2 años, practica ejercicio, las únicas personas a las que ve son sus amigos gays. Con ellos hace sesiones de Nicki Minaj, Britney Spears y el ‘Vogue’ de Madonna. Desprecia los conciertos llenaestadios y la experiencia de dar un concierto en general. Asegura que no le gusta tocar para 100.000 personas porque «no hay conexión, ni seguridad. No es natural. Es desolador porque estás frente a 100.000 personas y estás sola».
Continúa: «Después del último concierto que di en 2014, me lo planteé como una pregunta. Y no puedo. No solo no puedo porque no poder depende de tu capacidad. Es mi deseo. ¿Quiero vivir mi vida por el placer de los demás o completar el mío propio?».
De hecho, cuenta que hace poco se le acercó un/a autor/a con una canción para ella que versaba sobre estar «jodida en el club». Miley la rechazó porque al llevar 2 años sin beber no la representaba. Por el contrario, eso le ha llevado a escribir otra canción que espera que salga pronto. Por lo que parece, la última línea del artículo podría ser una parte de la letra o representar su espíritu: «I know I used to be crazy. I know I used to be fun. You say I used to be wild. I say I used to be young.”
Este jueves se ha cerrado la primera temporada del malogrado concurso ‘Cover Night’, que no ha conseguido enganchar a la audiencia por razones evidentes. Menos de medio millón de espectadores vio la final (8% de share) y no ha sido su peor dato.
Aun así, el programa se guardaba una baza para su final: la primera actuación de Miguel Bosé en 8 años. Exclamó: «a partir de ahora, a remontar». Mucho se había especulado sobre el estado de su voz, que él mismo decía haber perdido. El cantante escogió el tema ‘Te amaré’, una canción escrita por Juan Carlos Calderón incluida en su disco ‘Miguel’ de 1980, el mismo que contenía ‘Don Diablo’.
En RTVE fue acompañado tan solo de una guitarra acústica y una percusión muy en segundo plano. También le arroparon coros y quizá algo de post-producción, en caso de que hubiera tenido lugar muy bien disimulada gracias a sus improvisaciones entre frases. El vídeo completo puede verse en RTVE, con una Mónica Naranjo, una Chanel, una Ruth Lorenzo y un Juan Magan realmente emocionados, apoyando a su compañero.
El final de ‘Cover Night’ ha coincidido casualmente con la sentencia sobre la custodia de los hijos que Miguel Bosé tuvo con su ex pareja Nacho Palau.
El Tribunal Supremo ha ratificado lo que ya dijo la Audiencia Provincial. Entre los 2 tuvieron 4 hijos mediante vientre de alquiler, en una relación que duró 26 años. Nacho quería que el tribunal los reconociera como hermanos a los 4, pero ha sido Miguel quien ha ganado el caso: los 2 hijos biológicos de Miguel seguirán viviendo con él en México y los 2 de Nacho en Valencia. El juez ha concluido que “los menores carecen de lazos biológicos” y que “el vínculo socio afectivo de los niños entre sí y con quien fue pareja de su respectivo padre no es por sí título para el establecimiento de un vínculo legal de filiación”.
Andy Rourke, bajista de los Smiths, ha muerto a los 59 años. Tenía un cáncer y se llevaba semanas rumoreando que su estado de salud era muy delicado.
Ha sido Johnny Marr, icónico guitarrista y co-autor junto a Morrissey de los Smiths, quien ha comunicado su fallecimiento en las redes sociales. «Andy será recordado como un alma hermosa y encantadora, por todos aquellos que lo conocieron, y como un músico increíblemente talentoso, por los fans de la música».
El productor Stephen Street, ingeniero de sonido de la mítica banda, ha estado entre los primeros que han tenido también unas palabras de afecto para Andy. Por su parte, el batería Mike Joyce también ha comentado que Andy «no solo era el bajista más talentoso con el que ha tenido el privilegio de tocar, sino el tipo más dulce y divertido que jamás ha conocido». Continúa: Andy nos ha dejado pero el legado musical es para siempre. Ya te echo de menos. Siempre en mi corazón, compañero”.
Dudábamos sobre si Morrissey tendría unas palabras para Andy Rourke, pues su relación no era buena después de haberse visto en los tribunales por derechos de autor de los Smiths. Sin embargo, sí ha decidido enviar un comunicado. Estas han sido sus palabras: “A veces, una de las cosas más radicales que puedes hacer es hablar claramente. Cuando alguien muere, aparecen los halagos habituales… como si su muerte hubiera ocurrido para ser utilizada. No estoy preparado para hacer esto con Andy. Solo espero… dondequiera que Andy haya ido… que esté bien. Nunca morirá mientras se escuche su música. Nunca conoció su propio poder, y nada de lo que tocó había sido tocado por otra persona. Su distintivo fue totalmente espectacular y poco convencional y demostró que ciertas cosas se podían hacer. También era muy, muy divertido y muy alegre, y después de los Smiths mantuvo una identidad estable. Nunca manufacturó ningún movimiento. Supongo que, al final de todo, todos esperamos sentir que fuimos valorados. Andy no necesita preocuparse por eso».
Rourke tocó en todos los discos de estudio de los Smiths, desde su debut en 1984 hasta su despedida en 1987, ‘Strangeways, Here We Come’, lo que incluye su obra maestra ‘The Queen Is Dead’. Después estuvo vinculado al supergrupo Freebass con Peter Hook y Mani; o a D.A.R.K. junto a Dolores O’Riordan, hasta la muerte de esta misma.
It is with deep sadness that we announce the passing of Andy Rourke after a lengthy illness with pancreatic cancer. Andy will be remembered as a kind and beautiful soul by those who knew him and as a supremely gifted musician by music fans. We request privacy at this sad time pic.twitter.com/KNehQxXoFz
Tras su estupendo debut, ‘Forats negres’, Aida Giménez aka GUINEU sigue adelante con su concepto de “cuqui-trash”. Pero su música ni es cuqui ni es trash. Como categoría o adjetivo suena genial y mola mucho, no lo vamos a negar. Pero puede dar una sensación errónea. Sí, la música de GUINEU entra fácil, es inmediata y muy resultona, pero tiene la suficiente garra, la suficiente mala leche y el suficiente curro encima como para situarse muy por encima de esa ingeniosa etiqueta.
‘Forats negres’ ya era un buen compendio de drama post-adolescente pasado por el filtro de hit tardonoventero, de pop-punk alternativo pulcro (y por favor, leed lo de pulcro como un piropo). En ‘Una sacsejada’ Aida mejora esta fórmula de melodías pegadizas, guitarras espitosas, sintetizadores ochenteros, melancolía y duración ajustadísima. Nada sobra, nada falta.
‘No ha parat de ploure’, con su inicio a base de teclado lluvioso, su equilibrio entre calma/ruido, euforia/melancolía y sus ¡dos estribillos!, debería ser ya un hit. Pero no es el único. El disco está lleno de pepinazos: ‘Vull sortir i no puc’ empieza como una balada synth pop, para despegar a continuación con un subidón. Se pega cosa mala, especialmente cuando Aida canta “em moro, no puc estar així tota la vida” (“me muero, no puedo estar así toda la vida”).
GUINEU se desparrama en la melancolía acelerada de ‘Un riu, una platja’. Y luego llegan los dos puntos álgidos de este disco: ‘No ho supero’, que destila toda la nostalgia de echar de menos un pasado que, aunque reciente, no deja de ser pasado. Todo en apenas 2 minutos y 15 segundos: “Te’n recordes? Èrem felices i no ho sabíem” (“¿Te acuerdas? Éramos felices y no lo sabíamos”). El segundo cénit es el single de presentación ‘Què em passa (No sé què faig)’, una rendida y espídica declaración de amor que arrasa neuronas
Pero no todo es nostalgia y amor. También hay costumbrismo de varios tipos: el adolescente, el de los amigos que no saben qué (te) quieren en ‘Què vols de mi?’. El de especulación vital en ‘No sé’. Y el amargo en ‘De bones’. Su inicio levemente The Cure puede confundir, porque es otro dechado de punk-pop urgente: un lamento sobre la expareja que triunfa en la vida después de haberte dejado tirada. GUINEU logra hacer cuqui una canción que destila bastante bilis: “Una bona melodía per odiar amb bon gust els dimonis que m’inspires” (“Una buena melodía para odiar con buen gusto los demonios que me inspiran”). Esos versos son casi, casi la definición del disco.
En ‘Una sacsejada’ GUINEU logra el equilibrio entre ser comercial y muy personal. La deberían adorar tanto los que solo escuchan música en RAC 105, las y los skate kids, los adolescentes alternativos de hoy, como las señoras y señores que vivimos nuestra adolescencia en los 90.
Hoy 19 de mayo se publican los nuevos discos de Kesha, Lisasinson, Lewis Capaldi, Isolée, Tanlines, Tinariwen, Mandy Indiana, bar italia, Daniel Avery, Sufjan Stevens… Los recopilamos como siempre en nuestra playlist de novedades READY FOR THE WEEKEND.
Además, como os hemos venido contando, hay suculentos adelantos de los nuevos álbumes de Blur, Kylie Minogue, Róisín Murphy, Anohni and the Johnsons, o Genesis Owusu, algunos de los cuales no esperábamos en absoluto.
Rigoberta Bandini y Chanel vuelven a coincidir en día de lanzamiento como en los tiempos de ‘Ay Mamá’ y ‘Slomo’, cada una con un tema veraniego totalmente sui generis. También lanzan single Bad Bunny, Post Malone, Maroon 5, Foo Fighters, Kelly Clarkson, Ana Tijoux (parte de su primer disco en 9 años), Zara Larsson, H.E.R., etcétera.
Entre las curiosidades del día, a Jason Derulo le ha dado por samplear a Dido y Anne-Marie saca tema con Shania Twain.
Es día de lanzamiento igualmente en el underground patrio y ahí tenemos que atender a novedades de gente tan interesante como BRONQUIO, Cariño, Anne Lukin, Blanco Palamera, airu, Tórtel, yavy, Melenas, RRUCCULLA…
Este viernes aparece entre las novedades del día un tema nuevo de Lana del Rey. Tan solo un par de meses después de su último disco, ‘Did you know…’, del que todavía no nos hemos recuperado.
El lanzamiento de ‘Say Yes to Heaven’ responde a las demandas de TikTok. Pensada inicialmente para ‘Ultraviolence’, pero descartada de aquel disco, y después de ‘Honeymoon’ y ‘Lust for Life’, la canción no ha dejado de circular por la red de diferentes formas. La Wikipedia de fans de Lana da los detalles sobre de qué manera ha pululado por la red desde 2016, especialmente.
En los últimos tiempos ’Say Yes to Heaven’ ha protagonizado decenas de vídeos en TikTok, algunos muy virales. Y en parte ha circulado en una versión “sped up”, lo que ha producido que Lana del Rey dé su brazo a torcer, y no solo comparta una versión definitiva de la canción, sino una versión “sped up” que sin duda será incluida en las correspondientes playlists sobre temas acelerados de TikTok.
En cuanto al tema en sí, escrito junto a Rick Nowels, no es que estemos ante la canción más compleja de Lana del Rey. De hecho, su texto es uno de los más sencillos que le hemos visto recientemente. “Si bailas, yo bailaré / Si no, me iré bailando (…) Di que sí al cielo, dime que sí a mí”. ¿Quizá de ahí su éxito? Como curiosidad, incluye una referencia a John Lennon, en concreto a “Give peace a chance”.
Respecto a las canciones de su último disco ‘Did you know…’, ya solo ‘A&W’ resiste entre las más escuchadas de Lana del Rey en Spotify. Ni rastro de su nuevo single ‘Candy Necklace’ pese a su vídeo de buena producción. Veremos si una de las dos versiones de ‘Say Yes to Heaven’ no es precisamente la responsable de echar todo rastro de su nuevo disco de su top…
Bad Bunny tiene varias canciones entre las más escuchadas ahora mismo a nivel global. Quizá le haya pillado por sorpresa la aceptación de su colabo con Grupo Frontera, que ha sido número 1 mundial en Spotify. Pero es que también se continúa escuchando ‘Coco Chanel’ para Eladio Carrión.
Varias canciones de ‘Un verano sin ti’ siguen en el top 200 a nivel global, como ‘Me porto bonito’, ‘Ojitos lindos’ o ‘Tití me preguntó’, pero él quiere más. Por eso entre las novedades de este viernes llega un nuevo tema llamado ‘Where She Goes’. Un tema que a pesar de su título no está en inglés. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
Por un lado, ‘Where She Goes’ es una canción de desamor, celos y despecho («Baby, dime la verdad, si te olvidaste de mí, yo sé que fue una noche no más, que no se vuelve a repetir»). Se dirige a una persona con la que solo estuvo en una ocasión. Y por otro, es una balada amarga que luego se acelera, dejando entrever un ritmo house próximo a la cultura ball, entre otras referencias noventeras. La atmósfera es oscura, en sintonía con el vídeo de corte onírico.
El vídeo es una travesía de Bad Bunny por el desierto de California, en el que mientras se pregunta «dónde está ese totito», se le aparece una fiesta orgiástica ilegal, en la que abundan los invitados y las invitadas, y en la que las gallinas hacen playback. Entre los invitados especiales figuran Ronaldinho, Frank Ocean, Lil Uzi Vert, Dominic Fike… y otros que podéis encontrar al final en los créditos de la canción.
Por otro lado, en el vídeo aparece un tablón anunciando algo llamado ‘NADIE SABE’, que hay quien cree que puede ser un nuevo álbum del cantante. Es demasiado pronto, pero solo hay que recordar la cantidad de lanzamientos que aglutinó alrededor de 2020. De momento, ‘WHERE SHE GOES’ ha sido abrazada por la playlist de Spotify más influyente, Today’s Top Hits, por lo que una anécdota en su carrera no va a ser.
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