boygenius han entrado en el número 1 de álbumes de Reino Unido con ‘the record‘, su nuevo disco. Las cifras estimadas se sitúan en torno a las 18.869 unidades equivalentes, de las cuales 9.839 corresponden a ventas de vinilo, 5.329 a las del CD, 487 a descargas y 3.214 a puntos de streaming.
La batalla de la semana de la lista de álbumes se la han disputado boygenius y Melanie Martínez. Las cifras totales de ‘PORTALS‘ se sitúan finalmente en torno a las 15.626.
El trío formado por Phoebe Bridgers, Julien Baker y Jucy Dacus empezó vendiendo cerca de 13.600 unidades equivalentes durante el fin de semana, y Melanie unas 8.000. Llegado el miércoles, las cifras de ‘PORTALS’ se situaban en torno a las 13.000 unidades. En las cifras finales, boygenius ha cogido delantera a Melanie por 3.000 unidades equivalentes.
En Estados Unidos, ni boygenius ni probablemente tampoco Martinez correrán la misma suerte, pues el huracán Morgan Wallen continúa acaparando el número 1 de álbumes. Las predicciones de HITS Daily Double sitúan ‘PORTALS’ en el número 2 de Billboard con 121.277 copias, y el disco de boygenius en el número 5 por detrás de Tyler, the Creator y SZA, con 63.000 copias.
Volviendo a la lista británica, hay nuevo número 1 de singles, ‘Miracle’ de Ellie Goulding y Calvin Harris. Es el 4º número 1 en UK para Ellie, y el 11º para Calvin. Curiosamente, ni ‘Outside’ ni ‘I Need Your Love’ llegaron nunca a la primera posición.
Holly Lapsley Fletcher (Låpsley) parecía una promesa que iba a estallar en breve: ‘Station‘ fue un exitazo (y, a la postre, el tema en el que se inspiró Billie Eilish para ‘ocean eyes’), canciones como ‘Hurt Me’ y ‘Operator’ no funcionaron nada mal tampoco, y a principios de 2020 se vino con un álbum conceptual, ‘Through Water‘, después de cuatro años. No sabemos cuánto influiría la pandemia en las cifras, pero el asunto es que las cifras de ese segundo disco fueron bastante menores… y las de este tercero, editado ya en independencia, no auguran nada bueno tampoco.
No se puede decir que ‘Cautionary Tales of Youth’ sea un mal disco… tampoco uno que recordaremos especialmente. La concepción viene de Sudáfrica, donde Låpsley pasó el confinamiento, regresando varias veces después para visitar a las amistades que hizo allí, y a los artistas que conoció, “los mayores nerds de Sudáfrica” en sus palabras, con los que ha querido contar para este proyecto. Así, la cantante aborda géneros como el afrobeat, el amapiano y el gqom, que asegura que siempre le han gustado. Puede parecer un poco aleatorio, pero, teniendo en cuenta que le añadió ese carácter a su nombre artístico porque a través de su herencia escocesa “percibía lazos escandinavos”, quizás sí que es algo genuino para ella, y desde luego se nota el cariño por lo que está haciendo, y el empeño en aprender de otros.
De hecho, es el primer disco de Låpsley en el que, además de a su fiel escudero Joe Brown, encontramos nombres nuevos en producción y composición como Greg Abrahams, Mikhaela Kruger, Mirza, Omri Dahan, o incluso Jessy Lanza (en la composición de ‘Pandora’s Box’), y la colaboración de la cantante sudafricana Msaki en ‘Close to Heaven’. Con todos ellos, Låpsley arma un disco cuya producción, paradójicamente, no es lo que más destaca. Cortes como ‘Pandora’s Box’, ‘Levitate’ o los giros que parecen pequeños cortes de ‘War and Peace’ funcionan mejor, pero, por lo general, la producción se pierde mucho en la línea entre elegante y anodino, mientras que en las letras es donde Låpsley muestra más olfato.
‘Cautionary Tales of Youth’ tiene como centro lo que parece ser el camino entre dos relaciones, y el crecimiento personal de la autora en ese transcurso. A veces de forma más lúdica, como cuando referencia una posible llegada a Sudáfrica (“step off the plane, red dust on white Nike / I don’t take calls from ex anymore / I don’t write scripts, Spike Lee, no film roll” dice en ‘Dial Two Seven’, llamada así por el prefijo de ese país), a veces con el amargor de la ruptura (“you’ve got the sweetest way of lifting me up / but you’ve got the coldest way of bringing me down” canta en ‘War and Peace’, y enseguida responde en ‘Levitate’ “I just want a love that makes me levitate / you say it’s natural to love and hate”). A veces con la melancolía del recuerdo (“if you’d have put all hands in at the time I needed / maybe I would understand you baby, more than I did / maybe we were good together” canta en ‘Pandora’s Box’), a veces hablando de una persona con la que no sabemos si ha vuelto a enamorarse o es la misma de antes (“I free fall down these 32 floors and I land in your arms, that’s trust” dice en ’32 Floors’; “I know you see me through smoke and fire” en ‘Smoke and Fire’).
En cualquier caso, sobresalen en este aspecto también la sensual ‘Nightingale’, que habla de manos curativas y de “escribir con los dedos en tu espalda”, el cierre con ‘Say I’m What You Need’, cuya carta de amor va subiendo los beats, y una ‘Lifeline’ que parece dirigida a ella pero también a los propios oyentes, a quienes pregunta cómo están y les anima a tirar hacia adelante ya que les ve capaces de “poder, de alguna manera, con las nubes que lleváis en la frente en un lunes cualquiera”.
Pero, aunque la manera de mezclar lo cotidiano con metáforas y darle un toque informal sea un acierto de Låpsley, las canciones no terminan de llegar como podrían, quizás porque por la propia intención minimalista a veces se confunden entre sí. Hay temas mejores que otros, y ninguno es realmente malo, pero tampoco esperes encontrar un ‘Hurt Me’.
Novedades para todos los gustos en el top 40 de JENESAISPOP. Esta semana llegan al top 10 tanto Yves Tumor como “Beso” de Rosalía y Rauw Alejandro. Una canción que es número 1 en España y un artista que nunca lo será.
En otros puntos de la lista entran Tyler the Creator, Lorena Álvarez, Aitana, Ginebras y JUNGLE. En cuanto al número 1, lo recupera Lana del Rey con ‘AW’ escogida por nuestro público en Twitter.
La canción elegida es ‘Smoke’. Después de unas horas de exclusiva en Instagram, el vídeo se ha subido a Youtube bajo la dirección de Matt Copson. La propia Caroline ha ejercido de directora creativa y se sumerge aquí entre «humo» propiamente dicho. Los colores de neón mandan en un vídeo que lleva el disco exactamente al lugar que te imaginabas. La estética es la misma que la de los conciertos de presentación del álbum.
‘Smoke’, nuestra «Canción del Día» para este sábado, hablaba de volcanes y la cantante lo explicaba así en Apple Music: «Es sobre la catarsis. La primera frase («solo es humo flotando sobre un volcán») es sobre fingir que algo no es catastrófico cuando por supuesto que sí lo es. Es sobre negarte a ti misma las cosas. Es sobre fingir que la situación o tus sentimientos no son tectónicos, pero por supuesto sí lo son».
También ha dicho en Vulture que es una especie de broma sobre «tener la situación bajo control cuando no la tienes en absoluto». En el disco en general, «los volcanes son una metáfora del subconsciente y de todo lo que nos hemos reprimido durante la pandemia».
Os recordamos que Caroline Polachek es una de las grandes bazas que veremos actuando en el Primavera Sound, y os dejamos también con el podcast que recientemente grabamos sobre la cantante.
Podcast: ¿ha hecho el disco del año Caroline Polachek?
Paul Cattermole, vocalista de la exitosa banda de teen-pop británica S Club 7, ha fallecido a los 46 años, ha confirmado su familia: «Con gran tristeza anunciamos el fallecimiento inesperado de nuestro querido hijo y hermano Paul Cattermole. Paul fue encontrado ayer, 6 de abril de 2023, en su casa en Dorset y declarado muerto por la tarde».
El texto agrega: «Aunque actualmente se desconoce la causa de la muerte, la Policía de Dorset ha confirmado que no hubo circunstancias sospechosas. La familia de Paul, los amigos y los miembros del S Club solicitan privacidad en este momento».
Por otro lado, S Club 7 ha expresado su pésame en un comunicado: «Estamos verdaderamente devastados por el fallecimiento de nuestro hermano Paul. No hay palabras para describir la profunda tristeza y pérdida que todos sentimos. Tuvimos mucha suerte de haberlo tenido en nuestras vidas y estamos agradecidos por los maravillosos recuerdos que tenemos».
El fallecimiento de Cattermole se produce solo unas semanas después de que S Club 7 anunciara una gira de regreso por su 25 aniversario. Cattermole había confirmado su participación en el proyecto.
S Club 7 se formó en 1998 e, integrado por Tina Barrett, Jon Lee, Bradley McIntosh, Jo O’Meara, Hannah Spearritt, Rachel Stevens y Paul Cattermole, alcanzó la fama a través de la serie ‘Miami 7’. Entre aquel año y 2002, el septeto colocó cuatro singles en el número 1 de las listas británicas, entre ellos ‘Bring It All Back’, ‘Don’t Stop Movin’ y un ‘Never Had a Dream Come True’ que triunfó a su vez en Estados Unidos. El grupo logró también gran éxito en Europa.
Pese al éxito de S Club 7, sus integrantes lo notaron poco en términos económicos. En 2019, en una entrevista con The Guardian, Cattermole confirmó haber vendido su premio BRIT para saldar una deuda, supuestamente por 60.000 libras.
Cattermole abandonó S Club 7 en 2002, y el grupo se separó en 2003. En 2014 se volvió a reunir por solo un año. La anunciada gira arrancaba en octubre en Liverpool y marcaba la tercera reunión de S Club 7. Se desconoce si seguirá adelante.
La época de festivales ha sido inaugurada oficialmente con la primera jornada de SanSan Festival. Así lo recordaron varios artistas, emocionados por lanzarse a la carretera un año más, en un día inicial marcado por el sol, el fresquillo de la noche y los renovados espectáculos de Sen Senra y Zahara, que también regalaron los momentos más emocionantes de la velada gracias a dos nuevas canciones.
A falta de media hora para el final de Miss Caffeina, que inauguraban el escenario principal, corrientes de gente seguían entrando por las puertas del festival. Lo cual significa que muchos se perdieron el momento en el que Alberto, el vocalista, dedicó el reggaetón de ‘El rescate’ a los haters de su último single (‘Para toda la vida’), que alegan que “después del segundo disco se vendieron”. Por cierto, lanzan el EP ‘Shanghai Baby’ el próximo 14 de abril.
Durante la siempre efectiva y contagiosa energía de Cala Vento, los últimos rezagados ya estaban llegando a tiempo a SanSan para el primer gran concierto multitudinario de la noche, el de Sen Senra. Si bien sus canciones siempre han sido mágicas, su directo no lo era tanto. Hasta ahora.
En el pasado, el gallego podía pasarse de minimalista y de anti carismático llegando a resultar incluso aburrido, pero ayer encontró el equilibrio perfecto. Gracias a un setlist que mira hacia el futuro más que al pasado, incluyendo temas como ‘Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer’ o ‘1000CANCIONES’, y a una producción más sólida y cautivadora, Senra demostró que quiere ser “algo mejor” que un cantante.
Senra tampoco dejó de lado temas clásicos de su discografía como ‘No Me Sueltes Más’ o ‘Ya No Te Hago Falta’, con el que terminó el show guitarra en mano y tumbado a la pachorra en un sofá. Además, añadiendo un elemento novedoso a través de unos samples vocales que han conseguido refrescar su conocido catálogo. Por si fuera poco, este también estrenó un tema inédito, el primero de los dos que habría durante el resto de la noche.
Se trataba de otro inclasificable tema con influencias de dance, tecno y jersey club, como ya encontrábamos en ‘Boy’s a Liar Pt. 2’ de PinkPantheress o ‘Just Wanna Rock’ de Lil Uzi Vert. El estribillo va así: “Yo no soy uno de esos gatos, yo nunca lo regalé, pero tan fuerte que conectamos, que será la primera y no la última vez”. Es cierto que temas como ‘Nos Dará Alas’ o ‘La Cura’ no sonaron, pero lo que recibimos fue mejor.
Ya sabemos que Lori Meyers es una apuesta más que sólida en cualquier festival y ayer no fue diferente. Un show cañero, sin parones, lleno de himnos como la siempre revitalizadora ‘Emborracharme’ y adornado con su set de luces característico, emulando una ciudad futurista. Una de las grandes sorpresas de la noche fue el debut en vivo de ‘Un Último Baile’, que incluso fue presentado por Noni como un tema “nuevo”, sacado del LP ‘Espacios Infinitos’ (2021). Una fusión de funk y rock que podría recibir una segunda vida en los directos de los granadinos. Al menos, es lo que se merece.
Javier Bragado
Junto a los granadinos, Love of Lesbian disfrutaron de la mayor concentración de público de la noche, con un mar de gente que abarcaba todo el espacio de los dos escenarios principales. Se trataba del primer concierto de Santi Balmes tras ser operado de una hernia y avisó diciendo que no se iban “a mover mucho”. 50 minutos más tarde, Balmes ya se había quitado la camiseta, pese al frío de la noche, llegando a hacerse un Marilyn Monroe con el aire que salía del humo del escenario durante ‘I.M.T.’.
Esta última se la dedicó a “todas aquellas personas que no han follado desde la pandemia”, y no fue la última dedicación del set. Balmes mencionó a El Columpio Asesino y a Izal, entre otros, antes de tocar ’60 Memorias Perdidas’, en honor “a todos los grupos que nos han abandonado”. Como quien dice “hágase la luz”, Balmes pidió a su público “que salga la magia” en los momentos claves del show: ‘Noches Reversibles’, ‘Belice’, ‘Incendios de Nieve’, ‘Fantástico’… Y los asistentes no defraudaron, coreando todo lo que hiciese falta.
Ainhoa Laucirica
“Si hay alguien que se ofende con el uso de nuestra libertad, por favor, diríjase inmediatamente a la salida más cercana”, se podía leer en la pantalla antes del momento más memorable de la noche con Zahara y su absorbente rave. Compartiendo escenario con Manuel Cabezalí y Martí Perarnau IV, el 50% de _juno, Zahara ofreció el gran espectáculo de la noche, con una puesta en escena, coreografía e iluminación digno de ser llevado a salas.
Sonaron todas las canciones amadas por los fans de la andaluza como ‘berlin U5’, que dio fin a la rave por todo lo alto, o ‘MERICHANE’, pero convertidas en ofrendas a “la diosa del tecno”. Este show ofrece los bajos más potentes que he escuchado en un concierto, la contagiosa energía de Zahara y sus acompañantes sobre el escenario y, sobre todo, una gran experiencia que acaba siendo superior a las propias canciones. Da igual que no hayas escuchado nunca a Zahara, esto merece igual la pena.
Esta rave también es el único lugar donde puedes escuchar ‘ESTO NO ES UNA CANCIÓN POLÍTICA’, estrenada por primera vez el pasado 1 de abril en el Zeid Fest de Bilbao. Esta comienza con una breve historia en la que Zahara se encuentra en un tren y ve a alguien darle like a una foto suya. Lo que sigue es una de las letras más punzantes que ha escrito Zahara nunca. Una pequeña muestra: “Esto no es una canción política, no voy a hablar de drogas ni de religión, ni de libertad de expresión, porque la libertad de ir a los bares es mucho más importante”. Como si de una película se tratara, los créditos aparecieron al final del espectáculo.
Javier Bragado
Y todavía le tocaba el turno a Carolina Durante, cuyo concierto se resentiría tras comenzar a las 2:35 de la mañana, y todavía más después del petardazo de Zahara, que realmente se sintió como el clímax. Aunque una parte importante de la gente hubiese abandonado ya el recinto a estas alturas, la actuación de Carolina Durante se puede considerar un éxito.
La espontaneidad de Diego Ibáñez como vocalista y showman al mismo tiempo es remarcable, bailando totalmente desinhibido, con unos movimientos dignos de Ian Curtis en Joy Division. Por no hablar de sus simpáticos comentarios, como cuando prometió acabar “rápido” por lo avanzada que estaba la noche o cuando afirmó que “a veces me creo que hacemos death metal y hacemos pop”.
‘Joder, No Sé’, ‘Espacío Vacío’, ‘Perdona (Ahora Sí Que Sí)’ y, por supuesto, ‘Cayetano’ fueron los temas mejor recibidos por el público. Sin embargo, dio un poco de pena la gran cantidad de gente que se fue en cuanto cantaron esta última. Aun así, los fans de verdad resistieron hasta casi las 4 de la mañana, cuando finalizaron con ‘Casa Kira’ y ‘Las Canciones de Juanita’. Dos pequeñas joyas para despedir el sólido comienzo de SanSan 2023.
Reencontrarse en directo con los Hidden Cameras y Owen Pallett en 2023 ha sido una experiencia parecida a viajar en el tiempo. Una sensación similar produce escuchar a sus contemporáneos, los New Pornographers. Lo cual no es malo en absoluto.
El supergrupo canadiense liderado por A.C. Newman se dio a conocer a principios de siglo gracias a discos como ‘Mass Romantics’ (2000) o ‘Twin Cinema’ (2005) y ha seguido publicando álbumes sin descanso. Neko Case ha continuado en la formación, no así Dan Bejar aka Destroyer, que se bajó del barco en 2014. Curiosamente, ‘Continue as Guest’ incluye un crédito de Bejar en el corte inicial, ‘Really Really Light’, pero solo porque el tema incluye trozos de otro tema viejo, inédito, que Newman ha decidido recuperar por las circunstancias que ya te imaginas.
‘Continue as a Guest’ es un disco compuesto durante la pandemia, lo que significa que sus integrantes han colaborado de manera virtual. El reto ha sido evidente para los New Pornographers, pues el grupo siempre se ha beneficiado de introducir diferentes perspectivas en sus canciones, aportadas por cada uno de sus integrantes por separado. A.C. Newman es, salvo un par de excepciones, compositor y productor único de ‘Continue as a Guest’, pero se esfuerza para que el disco no suene a proyecto unipersonal o a mero capricho, pues estilísticamente también es variado.
Los New Pornographers siguen fieles a su explosivo sonido power-pop en ‘Continue as a Guest’, que, escuchado hoy, sigue transportando a otra época del indie. Las canciones pueden sonar tan pletóricas como ‘Really Really Light’, un portazo de power-pop que da ganas de correr campo a través; o ‘Wish Automatic Suite’, que cierra el álbum con más melodías alegres. En el medio, ‘Bottle Episodes’ es otra pieza estupenda ajustada al canónico sonido del grupo.
Pero Newman agrega diferentes matices a su universo. El músico ha buscado trabajar con sonidos «abrasivos», menos amables, y el single ‘Pontius Pilate’s Home Movies’ explora el sonido anguloso de una Cate Le Bon. El saxofonista Zach Djanikian colabora en este tema y también en el siguiente, ‘Cat and Mouse with the Light’, una lección magistral de tensión suspendida aplicada al pop. Sorprendente es ‘Last and Beautiful’, una excursión a la oscuridad («quiero viajar a los oscuros fines de la tierra, pero no quiero ir solo, por favor, ven conmigo») que evoca las mareas shoegaze de My Bloody Valentine, conscientemente o no. Hay hasta ecos dance-punk en otro de los singles, ‘Angelcover’.
El interés por absorber influencias es típico de nuestro tiempo, y ‘Continue as a Guest’ es un disco que reflexiona a su manera sobre la vida moderna. El título es una evidente referencia a la vida virtual, ‘Pontius Pilate’s Home Movies’ habla de «ventanas» digitales y «menciones» y la letra de ‘Firework in the Falling Snow’ la ha escrito Newman por Twitter con la colaboración de Sadie Dupuis, vocalista de Speedy Ortiz. La pandemia ha llevado a Newman a colaborar con artistas ajenos al colectivo por primera vez, mientras Neko Case vive su momento de gloria en ‘Marie and the Undersea’. Sus coros siguen siendo esenciales en todo el tejido el álbum, pero en este tema la protagonista es ella.
Labrinth, conocido por éxitos como ‘Mount Everest’ o por ser el autor de la banda sonora de ‘Euphoria’, también exitosísima, publica nuevo disco este año. ‘End & Begins’ sale a finales de agosto, según Apple Music, e incluirá los sencillos que Timothy Lee McKenzie ha venido presentando últimamente, ‘Iridium’, ‘Kill for Your Love’ y ‘Lift Off’.
A estos tres temas se acaba de sumar un cuarto, ‘Never Felt So Alone’, que llega con sorpresa, pues es una colaboración con Billie Eilish. El tema no aparece con «featuring» en Spotify, pero tanto Billie como FINNEAS figuran en los créditos y, vocalmente, Billie tiene suficiente protagonismo como para que ‘Never Felt So Alone’ se pueda considerar un dueto. Además, Labrinth y Billie posan juntos en las fotos promocionales.
El sonido de ‘Never Felt So Alone’ encaja perfectamente en el repertorio de Billie. La autora de ‘Happier than Ever‘ ha sido sorprendentemente una gran recuperadora de la música de los años 40 y 50, especialmente del jazz vocal, y ‘Never Felt So Alone’ trae evidentes ecos doo-wop en melodías y arreglos. La producción electrónica, repleta de efectos especiales, lleva esta influencia a nuestro tiempo, e incluso la proyecta ligeramente hacia el futuro.
La química entre Labrinth y Billie se hace notar en ‘Never Felt So Alone’ aunque la letra diga lo contrario. El título de la canción ya anticipa que esta pareja no nos está hablando de un amor ideal. «Creí que eras mi mejor amigo, ojalá lo hubiera sabido antes», canta Billie, devastada porque todo su mundo «se ha desmoronado».
Labrinth está especialmente orgulloso de ‘Never Felt So Alone’ y asegura que «es una de mis producciones favoritas de todas las que he hecho». En redes da las gracias también a Billie por «ser una de las creativas más innovadoras y talentosas que hay ahora mismo».
El inicio de Semana Santa llega cargado de novedades, entre ellas el esperado nuevo disco de Ellie Goulding, el «menos» personal de su carrera en sus propias palabras. Además, yaeji lanza al fin su debut largo, Thomas Bangalter, ex Daft Punk, publica su disco de música clásica, y Daughter vuelven con su primer trabajo largo en unos cuantos años. También es posible escuchar desde ya nuevos discos de la banda de rock revelación Wednesday, Daniel Caesar o Mudhoney.
Entre los temas sueltos que se ponen hoy en circulación hay que comentar varias un par de sorpresas. En primer lugar, el nuevo single Labrinth incluye colaboración con Billie Eilish. En segundo, Drake lanza tema sorpresa aunque parece precipitado, pues suena en fase de maqueta.
En los últimos días ha llegado un nuevo single de Kylie Minogue, en colaboración con Oliver Heldens, e irresistible es también el tema new wave de Little Dragon. Además, hay nueva música de Jonas Brothers (en su etapa más Christopher Cross), NewJeans, Peter Gabriel, Poppy, Nacho Vegas, Mura Masa, KAYTRAMINÉ (Kaytranada + Aminé, producidos por Pharrell), Poppy, Indigo de Souza, Beach Fossils, Nil Moliner…
En mayo de 2022, durante la presentación en el festival de Cannes de ‘Crímenes del futuro’, Kristen Stewart habló sobre el que será su debut como directora de cine: ‘La cronología del agua’, adaptación de las memorias de la autora de culto misfit Lidia Yuknavitch (Cicely Editorial, 2019). «Si no hago esta película antes de fin de año, moriré», comentó la actriz. Diez meses después, la película sigue en preproducción.
Pero Kristen no ha muerto. Sus amigas de boygenius han llegado para salvarla. ‘The Film’ es el tercer vídeo musical que dirige Stewart tras ‘Take Me to the South’ (Sage + The Saints) y ‘Down Side of Me’ (Chvrches). Aunque en realidad es como si fueran tres, ya que está compuesto por tres piezas, una para cada single extraído de ‘The Record’, nuestro Disco de la Semana: ‘$20’, ‘Emily I’m Sorry’ y ‘True Blue’.
‘The Film’ comienza con un detalle retro, con una cuenta atrás como las de los rollos de película antiguos. A partir de ahí, Kristen articula las tres piezas utilizando el número tres como elemento narrativo, formal y simbólico: tres canciones, tres artistas y tres historias enlazadas a través de la pantalla dividida en tres. Tres relatos, cada uno protagonizado por una cantante diferente, con un nexo en común: al final de cada uno aparecen las otras dos cantantes para ayudar, para apoyar, para acompañar a las otras, como si estuvieran cumpliendo el juramento de sangre que aparece en el primer vídeo.
Otro elemento formal que une los tres videoclips es el juego de texturas entre el vídeo en alta y baja definición. Una combinación que en el primer segmento tiene una función más narrativa, como forma de representar unos recuerdos (soñados) de la infancia, y en el resto parece más puramente estético.
‘The Film’ se cierra uniendo nuevamente a las tres cantantes. La directora utiliza una elegante solución expresiva. Divide otra vez la pantalla en tres pero esta vez presenta una única escena, las tres amigas abrazadas. La eliminación final de la división funciona como metáfora de la unión fraternal entre las tres cantantes.
Diddy, Puff Daddy, había asegurado que paga a Sting 5.000 dólares cada día por el uso de un sample no autorizado de ‘Every Breath You Take’ en su éxito de 1997 ‘I’ll Be Missing You’. Su declaración había corrido como la pólvora por los medios y el artista se ha obligado a confirmar que se trataba de una «broma». «Sting nunca me ha cobrado ni 3.000 ni 5.000 dólares por ‘I’ll Be Missing You’. Él probablemente gana más de 5.000 dólares cada día por haber escrito una de las canciones más exitosas de la historia».
I want y’all to understand I was joking! It’s called being Facetious! Me and @OfficialSting have been friends for a long time! He never charged me $3K or $5K a day for Missing You. He probably makes more than $5K a day from one of the biggest songs in history.
La historia de Diddy y Sting surgió cuando la cuenta de Twitter Black Millionaires compartió el vídeo de una entrevista de Sting en la que el cantante británico cuenta que Diddy le paga «2.000 dólares» al día por el uso del sample. El que fuera vocalista de The Police cuenta que Diddy solo le pidió permiso para usar ‘Every Breath You Take’ en ‘I’ll Be Missing You’ una vez su canción ya se había estrenado, y que el rapero le está ingresando esa suma de dinero de manera vitalicia. Combs ha compartido el vídeo de la entrevista para aclarar que en realidad no paga a Sting 2.000 dólares sino 5.000. No obstante, en la entrevista, Sting añade que él y Diddy son colegas. Ahora, Diddy manda a Sting su «cariño» por redes.
‘I’ll Be Missing You’ fue enormemente exitosa en el momento de su lanzamiento, en 1997. Dedicada a Notorious B.I.G., la canción fue número 1 en 15 países y es una de las más exitosas de la historia. Faith Evans, viuda de Notorious B.I.G., canta el estribillo de ‘I’ll Be Missing You’, que está directamente saqueado del de ‘Every Breath You Take’.
Depeche Mode continúan con la promoción de ‘Memento Mori‘, su nuevo disco, que se ha quedado a las puertas de entrar en el número 1 de álbumes en España, y estos días se han pasado por el estudio de la BBC para cantar unas canciones acompañados por una orquesta.
En los estudios de Radio 2 radicados en Londres, Dave Gahan y Martin Gore han cantado el estupendo single ‘Ghosts Again’, han recuperado el clásico ‘Walking in My Shoes’ y han versionado una canción ajena. ‘Sundown’ de Gordon Lightfoot ha sido la elegida.
Gordon Lightfoot es un conocido cantautor de folk y country canadiense y, aunque en España no nos suene tanto, ‘Sundown’ es su canción más popular. Publicada en 1974, ‘Sundown’ de hecho llegó al número 1 del Billboard y ha sido versionada por Scott Walker, adaptada al francés por Nana Mouskouri y, ahora, recuperada por Depeche Mode, que le infieren ese aire decadente propio de ellos.
Especial mención merece la interpretación vocal de Gahan, tan elegante, aunque su faceta «crooner» ya la conocemos. No hace mucho, en enero del año pasado, publicó un nuevo disco grabado en solitario, ‘Imposter‘, precisamente compuesto por versiones.
En cuanto a los conciertos con orquesta de BBC Radio 2, por ellos hemos visto pasar últimamente a Jessie Ware versionando ‘Believe’ de Cher, a Bono y The Edge versionando ‘SOS’ de Abba, o a Suede versionando ‘Because the Night’ de Patti Smith.
Agustín Gómez Cascales es conocido por ser redactor jefe de Shangay, una de las revistas LGTBIQ+ más leídas del país. Cascales DJ es el alias que el periodista alicantino toma a los platos con el fin de reivindicar la mejor música negra de ayer y hoy. En la fiesta Bling! suena R&B, funk, hip-hop o disco y una oportunidad de comprobarlo llega este sábado 8 de abril en La 1 de Razzmatazz (aquí, entradas). La sesión de Cascales supone el momento perfecto para preguntarle por su música favorita.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
La primera que me viene a la cabeza, ‘When Doves Cry’, de Prince.
¿Y disco favorito?
El primero que me viene a la cabeza, ‘The Velvet Rope’, de Janet Jackson.
¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Fly Girl’, de FLO con Missy Elliott.
¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
‘Red Moon in Venus‘, de Kali Uchis.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
El impacto de ‘Billie Jean’ de Michael Jackson me metió el groove en el cuerpo para siempre. Desde entonces, una buena línea de bajo me gana en cualquier momento. Y con el tiempo me di cuenta de que también me vino a decir que tu alma de negra siempre puede salir a la luz aunque tu piel sea blanca.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Me cuesta odiar una canción, porque cualquiera puede tener su momento (y más con dos cervezas en el cuerpo). Pero últimamente sí hay una que me saca de mis casillas cuando la escucho (involuntariamente siempre): ‘Pepas’, de Farruko.
¿Cuál de las divas a las que has entrevistado, como Mariah Carey o Lana Del Rey, es tu favorita?
La pregunta del millón, y muy complicada. Como experiencia 360, mis entrevistas con Mariah Carey (2 hasta el momento) siguen siendo insuperables. Porque es una señora que logra envolver de surrealismo y mucho humor el mero hecho de entrevistarla –y su ironía es impagable–. El nervio de enfrentarte a Beyoncé puede que no lo haya vuelto a sentir, porque aquella vez la sensación era similar a la de ir a entrevistar a un jefe de estado. Podría seguir con muchas más…
¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
El que más, el de Kate Bush en Londres en 2014. Otro inolvidable, uno conjunto de Mary J. Blige y Maxwell, también en Londres, en 2016.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Sigo comprando, sí, soy de esos a los que los discos le siguen ganando espacio en casa. El último, que está por llegar, en vinilo: ‘Nymph_o’, de Shygirl.
¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
Es el término más inncesario del mundo, jamás consideraré una canción un guilty pleasure. Es un término que enseguida erradiqué de mi mente, como el de la culpa católica, con el que está tan relacionado.
¿Qué opinas del revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
El revival del vinilo es una fantasía. El disfrute de escuchar un disco en vinilo en casa es incomparable, por mucha que sea la comodidad de escuchar música en plataformas durante todo el día de aquí para allá. El revival del cassette es otra cosa, mucho más prescindible. Hasta yo retiré la pletina de casa años ha. Y aunque tengo un walkman que aún funciona, cuando caí en la tentación de comprarme ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa en cassette, e incluso ponerlo, me di cuenta de que el gasto había sido innecesario. Porque suenan igual de mal que cuando eran relevantes, y estéticamente no aportan.
¿Qué disco marcó tu adolescencia?
Seguía siendo adolescente en espíritu –como ahora– cuando ‘Erotica’ de Madonna me hizo ver que podía vivir mi sexualidad con la misma intensidad que una artista femenina blanca cis, y que me podían poner cachondo –también musicalmente– las mismas cosas que a ella. Ahí comencé a sentir la innecesariedad del binarismo en el género, como antes me había hecho intuir ‘Lovesexy’ de Prince.
¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Ahora mismo la que más disfruto, por la calidad de sonido, es Tidal, aunque Spotify y Apple son las que más utilizo en el tiempo libre. Mientras curro, escucho mucha más música en YouTube. Y sí, me pongo discos enteros y, cuando puedo, disfruto con los visualizers, que hacen la experiencia más entretenida.
Tu fiesta Bling! apuesta por la música negra. ¿Qué clásico del R&B, disco, funk o hip-hop es tu favorito?
Si me pongo a pensarlo para dar la respuesta exacta, me atasco, así que no lo haré, y pongo el primer clásico que me ha venido a la cabeza: ‘Get Ur Freak On’, de Missy Elliott. Lo tiene todo: una producción a prueba de modas, una artista de las que se come el mundo cuando canta, un toque exótico, una base ante la que resulta imposible permanecer quieto, un arranque de los que hace chillar al público de inmediato cuando la pinchas… Respect.
¿Y qué artista/canción de hip-hop, R&B, disco, funk… actual recomiendas?
Canción, ‘Boy’s a Liar, pt. 2’, de PinkPantheress y Ice Spice. Artistas, Q y L’haine.
¿Momento exacto de una canción que te dé la vida?
El puente inmediatamente antes del subidón de un segundo -o tercer- estribillo. Esa excitación ante lo que se viene es top. Y si encima el puente es bueno, no hace falta más.
¿Tienes videoclip favorito o uno que te guste mucho?
Cualquiera de La Zowi me da la vida.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Para mí, dispararte por igual a la cabeza, a la cadera y a los genitales.
Un remix que te haya vuelto loco.
Gracias a la Super Bowl recuperé el Klean Remix de ‘Rude Boy’ de Rihanna, y, sí, me sigue teniendo obsesionado.
Jisoo, la única integrante de BLACKPINK que quedaba por sacar música en solitario, se ha lanzado a la piscina y ha publicado dos temas nuevos. ‘FLOWER’ y ‘All Eyes on Me’ se presentan agrupados en un EP llamado ‘ME’ y el primero está siendo un éxito en el Top 50 global de Spotify, donde se mantiene en el 15º puesto de lo más escuchado en el mundo.
A falta de comprobar si Jisoo logra con ‘FLOWER’ acercarse a los brutales números conseguidos por sus compañeras con sus singles en solitario (‘MONEY’ de Lisa, ‘SOLO’ de Jennie y ‘On the Ground’ de Rosée acumulan entre los tres cientos y cientos y cientos de millones de streamings), el tema hace correcto uso de un sonido que ya no es tan habitual en las listas de éxitos. Hay algo en el «clipping beat» de ‘FLOWER’, en su melodía silbada, en su aura R&B, que recuerda a la obra de Julia Michaels y por tanto de Selena Gomez, pero la pegadiza melodía vocal consigue que el tema resista comparaciones.
En el mismo año en que Miley se ha dado «flores» a sí misma porque no necesita que un novio le suba el autoestima, Jisoo nos cuenta que ella es una «flor», una flor tan delicada que a su interés romántico se le ha escapado de las manos por no regarla lo suficiente.
Algo parecido cuenta ‘All Eyes on Me’. En este caso en forma de reclamo, de orden: «fija los ojos en mí, hazme sentir viva, no me digas palabras sin sentido, enfócate en mí para que pueda descubrir tus misteriosos sentimientos».
‘All Eyes on Me’ convence menos que ‘FLOWER’ musicalmente. El tiempo es una construcción social, las modas vienen y van, pero la recuperación que hace ‘All Eyes on Me’ también del dance-pop circa 2017 -el estribillo-drop con voces cortapegadas remite a esa época- no es la más inspirada que se haya escuchado.
A Chlöe x Halle les tocó la mano de Dios, en concreto, la de Beyoncé, cuando hace unos años esta les amadrinó y les fichó en su discográfica. Desde entonces las cosas les han ido muy bien: su segundo disco ‘Ungodly Hour‘ recibió críticas espectaculares y varias nominaciones a los premios Grammy, y Halle va a salir este año en dos películas muy esperadas, ‘La Sirenita’ y ‘El color púrpura’. Chlöe continúa con su carrera musical, aunque con resultados desiguales.
Ni ‘Treat Me‘ ni ‘Have Mercy’, esto es, los dos mayores éxitos de Chlöe en solitario, aparecen en su álbum debut, ‘In Pieces’. Por un lado, se agradece que Bailey haya cuidado el conjunto y no haya querido entregar un «totum revolutum» como lo suelen ser tantos discos de pop y/o R&B. Por otro, es alarmante la ausencia de canciones destacables en ‘In Pieces’, y lamentamos comunicar que los números que está produciendo en Spotify no son nada buenos ni prometedores.
Compuesto principalmente durante la pandemia, mientras su hermana Halle rodaba películas, ‘In Pieces’ es un producto de R&B comercial bien atado y producido, pero también genérico. Es digno el single ‘Pray it Away’, un slow jam con influencias del góspel en el que Chlöe reza a Dios para no vengarse de su ex. También es correcto el single con Chris Brown, el artista no-cancelado por excelencia. ‘How Does It Feel’, de hecho, es el mayor éxito del disco, por encima del uptempo ‘Body Do’, que sobresale en el conjunto por sus influencias del freestyle de los ochenta.
Es curioso que ‘In Pieces’ se abre con una breve introducción en la que suenan trompetas cabareteras. Parece emerger en el escenario la próxima estrella del vodevil. No parece casualidad que Chlöe vista un corsé en la bonita portada del disco, muy parecida a la de Weyes Blood del año pasado. Sin embargo, las canciones de ‘In Pieces’ suenan encorsetadas en el mal sentido. Como prefabricadas. Tanto cuando prueban el afrobeat en ‘I Don’t Mind’ como cuando se entregan al R&B clásico de ‘Worried’, no logran su máximo potencial. ‘Cheatback’, la canción acústica, contiene una bonita melodía, pero irónicamente suena muy poco genuina y sincera, y Future ha aportado versos mejores.
Chlöe es una gran vocalista, pero parece que Beyoncé poco ha interferido en un repertorio que parece engordado con bonus tracks. Solo así se entiende que una canción tan endeble como ‘Looze You’ haya pasado el filtro. En ‘Told Ya’, Chlöe y Missy Elliott insisten en que son lo más de lo más, pero la canción no transmite esa misma fortaleza. Peor aún es que las composiciones que parecen interesantes, como ‘Heart On My Sleeves’, son interludios. Así, ‘In Pieces’ termina sabiendo a demasiado poco.
Un cargamento de cocaína se precipita desde el helicóptero de un narcotraficante en un bosque de Georgia, Estados Unidos en los años 80. Un enorme oso negro ingiere accidentalmente la droga causando un auténtico caos en las vidas de diferentes personajes, incluidos guardabosques, delincuentes y niños.
La sinopsis de la nueva película de Elizabeth Banks es un absoluto disparate, pero lo más chocante de todo es que está basada en un hecho real. Como no podría ser de otra manera para contar algo así, el tono elegido es el de la comedia gamberra, y la autoconsciencia es, sin duda, su mejor baza. ‘Oso vicioso’ no se esfuerza particularmente por ser una buena película, pero sí lo hace por no ser una horrible. Y lo consigue la mayor parte del tiempo: el registro que emplea Banks con el guion de Jimmy Warden es tan ridículo como frecuentemente divertido. La cinta no presenta un protagonista claro, sino que va alternando personajes y situaciones a cada cual más delirante, donde destacan la eterna secundaria y brillante Margo Martindale como la incompetente guardabosques y el niño Christian Convery, que recita sus líneas con gran desparpajo. Ray Liotta, a quien está dedicada la película, ofrece uno de sus últimos papeles.
El principal problema de ‘Oso vicioso’ y lo que impide que sea algo más que una inofensiva tontería, es que no va más allá de su alucinante premisa. De esta forma, y pese a que mantiene el tipo dignamente con su humor bobalicón y un uso del gore excesivo durante un buen rato, la película se va desinflando por momentos, especialmente con un tercer acto demasiado flojo. En sus últimos minutos, opta por lo fácil, convirtiéndose en una reivindicación de los valores familiares que contrasta de manera frustrante con la osadía y poca vergüenza -en el buen sentido- que había mostrado anteriormente.
Pese a todo, es justo reconocer que el ‘Oso vicioso’ de Elizabeth Banks ofrece todo lo que promete: entretenimiento, risas y muertes disparatadas, aunque a veces se sienta que es una broma algo estirada. Las incongruencias del guion y su redundancia se pasan por alto porque es lo suficientemente consecuente de nunca tomarse en serio a sí misma. Es una celebración del cine comercial y de género que no logra llegar a nada particularmente interesante, pero que ciertamente resulta simpática. Tomando al animal titular como analogía, la película va dando tumbos como un oso hasta arriba de cocaína, siempre al borde de la sobredosis, pero manteniendo la dignidad dadas las circunstancias.
Little Dragon, grupo al que conocimos por éxitos como ‘Twice’ o ‘Ritual Union’, por sus colaboraciones con SBTRKT (‘Wildfire’), Gorillaz (‘Empire Ants’) o últimamente Kali Uchis (‘Are You Feeling Sad?’), o por discos como ‘Machine Dreams’, ‘Season High‘ o el nominado a los Grammy ‘Nabuma Rubberband’, está presentando nueva música estos días.
El cuarteto sueco se ha aliado recientemente con el rapero JID, autor de uno de los mejores discos de 2022, en ‘Stay’, y le ha seguido dando al R&B en ‘Frisco’. Su nueva canción, ‘Slugs of Love’, ha salido esta noche, y es la más bailable de todas. Es la Canción Del Día para hoy jueves.
‘Slugs of Love’ es todo lo absurda que esperas sea una canción llamada «las babosas del amor». Con ella, Little Dragon nos llevan a las discotecas alternativas de los 70 y 80, en concreto, a la época de la new wave, en un grabación que trae a la mente el trabajo de DEVO, la banda japonesa Plastics o sobre todo los B-52’s del primer y el segundo disco.
¿Qué tiene de absurda ‘Slugs of Love’, entonces? Quizás hay algo de eso en los gritos de Yukimi Nagano, así como en ese arreglo de saxofón desafinado, medio free jazz, que emerge de vez en cuando en la grabación, sumándose al delirio de teclados, ritmos y bajos. En su sonido retro traído a nuestro tiempo, ‘Slugs of Love’ es una divertida y desenfadada canción que tampoco habría desentonado en un anuncio de Apple de 2007.
Por otro lado, resulta que eso de las «babosas del amor» tiene más sentido de lo que parece. Little Dragon cuenta que la letra se inspira en un baile «sensual y acrobático» que hacen las babosas que «comparten el mismo sistema reproductivo», lo cual les lleva a hablar de la sensualidad entre humanos: «quizás todos nosotros anhelamos sentir amor y éxtasis, e intentando transmitir este impulso, nos hacemos más babosos y viscosos».
Renovamos Sesión de Control, la playlist dedicada al pop en castellano o realizado en nuestro país. Aprovechando el letargo de Semana Santa y el descenso de novedades, dedicamos la primera parte de la playlist a presentar a los 12 artistas noveles que van a actuar la semana que viene en el festival para artistas emergentes RELEVO.
Ahí encontraréis a artistas más enfocados al punk como Sarikaya Komzin, a otros de folk como Amaia Miranda, a propuestas indie pop como Dalsi y otras más siglo XXI como Euskoprincess. Beatriz Weapons pone el punto electrónico y Pinpilinpussies, el rockero. Destacamos el bedroom pop mezclado con rumbita tropical del dúo hispano-venezolano tomásss, por ejemplo en ‘me pongo un poco sad’.
Otras novedades al margen de este festival implican el nuevo adelanto del disco de CARLANGAS, ex Novedades Carminha, y también otro single más para lo nuevo de Cala Vento. Hay un tema de Pimp Flaco que podría haber firmado con Cupido pero no; están la electrónica experimental de GAZZI, el nuevo pildorazo de Apartamentos Acapulco, o la desestructurada canción que no esperabas de Anaju.
Completamos esta edición especial de Sesión deControl con el EP de Marc Seguí, la colabo de Cariño con Girl Ultra; un tema de Diamante Negro y los 6 minutazos crepusculares de Gazella. ‘Por qué el ser’ es uno de los 2 temas que de momento ha compartido el grupo.
Thomas Bangalter, ex integrante de Daft Punk, saca su disco de música clásica este mismo viernes y, evidentemente, los medios en los que está promocionando este nuevo proyecto le están interrogando sobre Daft Punk. La BBC ha preguntado a Bangalter el motivo por el que el dúo decidió separarse -la noticia se anunció en 2021- y él ha contestado lo que ya se podía intuir: Daft Punk se cansaron de sí mismos.
El sonido analógico de ‘Random Access Memories‘ ya avisaba de que Daft Punk no estaban interesados en continuar por la dirección electrónica de sus trabajos pasados. A BBC, Bangalter cuenta que se hartó de ser un robot y sobre todo de trabajar vinculado a la tecnología o, mejor dicho, a las «máquinas». «Lo último que quiero ser en 2023, en el mundo en el que vivimos, es un robot» son sus interesantes declaraciones.
Con el fin de Daft Punk, Bangalter da a entender que ha buscado reconectar con su propia humanidad: «Me encanta la tecnología como herramienta pero me da miedo la relación que los humanos podemos llegar a tener con ella. Ahora que la historia (de Daft Punk) ha terminado me interesa revelar una parte del proceso creativo que se basa en la humanidad y no en el algoritmo (…) En Daft Punk intentamos usar las máquinas para expresar algo extremadamente emotivo que una máquina no puede sentir, pero sí un humano. Siempre hemos estado del lado de la humanidad y no del lado de la tecnología».
El «miedo» a la tecnología del que habla Bangalter tiene que ver con el auge de la inteligencia artificial y de su rol en la creación artística, un tema que ha irrumpido en el debate popular hace muy poco tiempo. El músico francés cuenta que «mis preocupaciones con el auge de la inteligencia artificial van más allá de su uso en la creación de música» y explica que el papel de Daft Punk siempre ha sido cuestionar el uso de la tecnología, no celebrarla sin más, como hizo Stanley Kubrick en ‘2001: Odisea en el espacio’. «En aquella película, Kubrick está haciendo exactamente la pregunta que nos tenemos que hacer a nosotros mismos sobre la tecnología y sobre la obsolecencia del hombre».
‘Mythologies’, el nuevo disco de Bangalter, sale este 7 de abril, como decimos. El otro robot (que es humano al fin y al cabo), Guy-Manuel de Homem-Christo, prepara su proyecto ‘REVISION’, que se compondrá de un álbum conceptual y de un directo. Según MixMag, en ‘REVISION’ participarán colaboradores previos de Daft Punk y nuevas estrellas del R&B y el funk americano. Daft Punk lanzan una reedición de ‘Random Access Memories’ por su décimo aniversario el 12 de mayo y uno de los cortes antes inéditos, ‘The Writing of Fragments of Time’, se puede escuchar desde hace días.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Florence en la bañera
Florence Welch, quien, todo el mundo sabe, es una sirena, se ha dejado ver dándose un baño en su casa. De fondo suena un épico coro procedente, al parecer, de una canción nueva de la artista de la que todavía no tenemos información.
Javier Calvo y Amaia cantan con Papa Topo
El rodaje de ‘Las Mesías’ ha (casi) terminado y Javier Calvo lo ha celebrado cantando con Papa Topo, a los que entendemos involucrados en el proyecto. A Calvo le ha poseído el espíritu de Iggy Pop (quien sigue vivo) cantando ‘La chica vampira’. Amaia también ha cantado con Papa Topo, en su caso ‘La llamada’.
Patti Smith no pide pelo
Entre los vídeos más extraños de la semana hay que comentar el de Patti Smith. Parece que unas personas se están haciendo pasar por ella y están pidiendo pelo a la gente para hacerse una peluca, y la autora de ‘Horses’ ha tenido que aclarar que no es ella la persona que está mandando esos mensajes. Además, dice que odia las pelucas.
Tame Impala se rompe la cadera
La foto hospitalaria del mes la ha compartido Kevin Parker de Tame Impala, que se ha roto la cadera mientras corría una maratón. Parker cuenta que la lesión se debe a que ya tenía una fractura previa sin diagnosticar. Esperemos que Parker se recupere lo antes posible, pues la gira de Tame Impala por México y América del Sur sigue en pie.
Rihanna mamá
Rihanna no ha compartido públicamente el nombre de su bebé todavía. Sí lo está mostrando en revistas y, sobre todo, en su Instagram personal. En esta red social, Rihanna ha publicado un vídeo de ella entrenando en casa mientras su bebé reclama toda su atención. El programa infantil que suena de fondo no parece captar su interés.
La pulla de Adele a Piqué
A Adele le ha «salpicado» el drama de Shakira y Piqué: en su residencia de Las Vegas ha preguntado a una fan quién es su artista favorita (aparte de ella) y la fan ha contestado Shakira. Adele, que ha visto la actuación de Shaki en Jimmy Fallon, no se corta: «su marido está en problemas».
Dua Lipa y Cher se conocen por fin:
Antes de que se revelase que Dua Lipa será la «Barbie sirena», la británica se dejó caer por el Paris Fashion Week, donde conoció a Cher. La noticia tiene gracia porque Cher de joven parecía Dua Lipa, por lo que en este momento parece que se estén conociendo dos versiones de la misma persona.
Avril Lavigne y la activista invasora
Otro de los vídeos curiosos que han circulado por la red en las últimas semanas es el de la invasión del escenario de los premios JUNO mientras Avril Lavigne anunciaba la siguiente actuación musical. Avril directamente mandaba «a la mierda» a esta activista ecologista por interrumpir su presentación.
A topless woman interrupted Avril Lavigne onstage at The JUNO Awards:
Tres reinas
La foto nostálgica de la semana la ha compartido la cuenta de Joni Mitchell en Instagram, que ha recordado la vez que Mitchell, Cher y Madonna posaron juntas para una foto durante la ceremonia de los Oscar de 1998. Entonces empezábamos a descubrir ‘Ray of Light’ pero quedaban meses para que ‘Believe’ transformara la música para siempre, y para que Mitchell publicara su disco ‘Taming the Tiger’.
Lizzo versiona a Rammstein
Terminamos con un gracioso vídeo de Lizzo, quien se cuenta entre las personas que no pueden evitar cantar ‘Du Hast’ de Rammstein cada vez que visitan Alemania. Ha pasado durante su gira.
Risto Mejide continúa con su programa de entrevistas ‘Viajando con Chester’ y este martes se ha sentado en el sillón con Esther Aranda, la concursante de Operación Triunfo 2008 a la que vapuleó con sus críticas destructivas, con frases como «eres el producto más defectuoso» que hoy no tendrían cabida en televisión, pues la importancia sobre cuidar la salud mental está más asumida que antes. Curiosamente, la enemistad de Risto y Esther inspiraba un hilo en los foros de JENESAISPOP originalmente dedicado a los haters, llamado «Estoy hasta el coño de Esther Aranda», que sigue en activo.
Risto ha pedido disculpas a Esther Aranda por las duras y abusivas críticas que le dirigió en el programa: “No me siento orgulloso de mis valoraciones, creo que patiné» y «lo siento mucho, de verdad, y siento que tuvieras que pasar por eso» han sido sus palabras. Sin embargo, Mejide reconoce que no se arrepiente de haber actuado de esa manera porque «es lo que me ha hecho que a día de hoy esté aquí», y pone el foco en la sed de morbo de programa y audiencia: «habría que hacer un examen de por qué una figura como la mía lo petó tanto”.
Esther recuerda muy negativamente la experiencia: «Me iba hecha una mierda. Si me pasa ahora sería diferente, yo no veía el espectáculo. Me subía al escenario y me dolía la barriga de los nervios. Cuando me bajaba del escenario la gente me abucheaba. A día de hoy nadie lo permitiría, ni el público. Se te hubiera tachado de mi cosas. Aquello era un circo, que se permitieran esas valoraciones a una cría de 20 años. Yo no podía con la presión y no podía irme por la penalización, pero me hubiera ido”.
15 años después, Risto reconoce que «yo odiaba ese formato con todas mis fuerzas» y afirma que entró en el programa «para destruirlo». «Se lo dije así a los productores. Voy a decir lo que pienso de todo y no es bueno. Cuando ya subió audiencia y nos reportó ingresos, hubo un negocio. Pero mi motivación era ir a por el programa. Mis enemigos no erais vosotros. La prueba es que me enfrenté a los dos productores jefes, no me hablo con ellos, también con el presentador».
En la conversación entra también el tema de Virginia, favorita de Risto, pero que sufrió el acoso de sus compañeros. «Tomé la causa de Virginia para ir contra la productora también, le dije que no se fiara de nadie. El mobbing que le hacíais entre todos era increíble… lo que se hacía con esa chica, la Academia, el momento de las galas”. Risto recuerda que «había otra chica que era la favorita del productor, me dijo que era la que tenía que ganar y fue el inicio del fin de mi relación con él. Yo tenía que aplicar mi criterio, no lo que me decía él. Me venía a condicionar y yo no iba a votar a la que me dijera. Fue cuando empecé a defender a Virginia del acoso de la Academia y del resto de producción. Y esa fue la que ganó, por encima de Pablo López, pero la hizo ganar el público, no yo”.
Aranda, que a día de hoy es empresaria, no guarda rencor a Risto: “Fuimos un daño colateral y no te guardo rencor, te tengo mucho cariño y no vivo en el odio, ni contigo ni con nadie”.
El debut largo de Valeria Castro, canaria de 23 años, se llama ‘con cariño y con cuidado’. No encontrarás una sola mayúscula en sus títulos ni en las letras de su libreto. Uno de los temas se llama ‘poquito’ y su interpretación es un susurro en el que Castro nos explica que ella no necesita maximalismos. Y sin embargo, ni este disco es moco de pavo, ni ella es precisamente una artista de bedroom pop, ni tiene tampoco una voz insignificante. Al contrario, suena más experimentada de lo que es.
En estas 11 canciones Valeria Castro nos indica que canta sobre «lo que siente», con arreglos esmerados, nunca abrumadores. «¿Cómo voy a saberlo si no canto lo que siento?», se preguntaba en el mejor de sus adelantos. «Lo que canto no tiene más que lo que llevo dentro», insiste en el corte que sirve de introducción, ‘dentro’. Y sin embargo, apenas hay canciones de amor en este conjunto. Lo que importa a la artista es poner en valor sus raíces, a su familia, su tierra, la isla de La Palma. Que así quizá dejemos de pensar en volcanes cuando oigamos su nombre, sin por ello desprenderse de cierta preocupación social.
‘la raíz’, palabra indisociable de Natalia Lafourcade -a la que la cantante dice admirar-, nos invita a cuidar de nuestros orígenes. Es una letra abierta y ambigua, como muchas otras de ‘con cariño y con cuidado’. ‘costura’ parece una canción de desamor entre lloreras y noches en vela, pero al final emerge la necesidad de aprender de la experiencia: «suena todo lo que yo he aprendido de mi madre».
La letra más evidente sería ‘un hogar’, tocada con un cuatro llanero, con su referencia a la «isla bonita» y la voz de su abuela insertada al principio y al final. «Se me quedaron todos los recuerdos de mi infancia, de mi abuelo, de mis padres, todos los enseres que no tienen precio y no puedo hacer nada», narra la pobre mujer antes de que atendamos al registro más emocionado de la voz de Valeria. «La vida sigue, con mucha tristeza, pero sigue», concluye su yaya.
El componente social está presente, pues, en el disco de manera más o menos sutil. Las melodías remiten a cosas como Víctor Jara, Silvio Rodríguez, Pedro Guerra y Violeta Parra desde el inicio con ‘dentro’. Y una parte de los textos también: «quien no cuida la tierra, y no está a su vera, no ve el dolor y no ve lo duro de la primavera», dice ‘costumbre’, un tema que parece llamar a la rebelión a su manera: «No porque sea costumbre no mereces que te alumbren». Igualmente, ‘techo y paredes’ invita a no conformarse con eso nada más.
Aunque lo que más va a levantar los ánimos son los pequeños destellos percutivos dados a la producción en las mejores canciones de este disco. Valeria Castro no ha querido cantar demasiadas canciones de amor porque considera que hay cosas más importantes en el mundo que su vida personal. Eso deja algunas de sus composiciones más desgarradas fuera de este lanzamiento, en su EP ‘chiquita’ de 2021. Si no conoces a Valeria Castro, quizá es mejor comenzar por escuchar ‘culpa’, ‘cuídate’ y ‘cómo te voy a olvidar’.
Lo mejor de este nuevo largo, con permiso de las bellísimas cuerdas y tomas vocales de pistas como ‘poquito’, es el ritmazo de ‘lo que siento’ o la vida insuflada a ‘la raíz’. Entre su humildad, su sentimiento y su riqueza temática, no sorprende que Valeria Castro haya logrado colarse entre los 100 más vendidos del país con este disco. Revelación absoluta y desde ya una de las voces más relevantes de la música canaria.
Nenas puede sonarte tras haber aparecido en nuestras playlists Sesión de Control y RFTW. El proyecto de Celia Spellman ha formado parte antes de Martirio Martirio junto a Chantal Cruel y también colaboró en el primer disco de Yana Zafiro. Su proyecto en solitario puede recordar a PUTOCHINOMARICÓN y Nitoniko, aunque es más electropop que el primero y más hyperpop que el segundo. Hasta ahora, ‘xfa’ era su tema más llamativo.
Su tercera canción en Elefant se llama ‘Nuevos heteros’ y es nuestra Canción del Día hoy. Está dedicada, con cierta impotencia disfrazada de desdén, a alguien que no parece hetero pero sí lo es. Entre frases atribuibles a tal sujeto, como “OMG vas amazing” o “Te veo luego en el gym, bitch”, Nenas concluye: “mi cabeza solo quiere estallar por tu falsa ambigüedad”. Además, advierte: «si eres una básica más, para ya».
“Los nuevos heteros ya no van de duros, solo quieren ser modernos” es el estribillo de este pegadizo tema en el que aparece el nombre de nuestra web en la segunda estrofa: “cuando te llaman gay / te cambia la cara y sólo hablas de Drake / La Rock FM ya no escuchas, JENESAISPOP ahora es tu musa”.
Los «nuevos heteros» van a matar a disgustos a Nenas en una divertida canción, costumbrista, que en su retrato de la modernidad, solo puede recordar a L kan. El tema estará incluido en el EP ‘Diario Secreto’, que forma parte de la colección «New Adventures in Pop» de Elefant Records, dedicada a artistas noveles.
Taylor Swift continúa adelante con ‘The Eras Tour’, la que promete ser una de las giras de grandes estadios más exitosas de la historia. A la locura total el día de la venta de entradas hay que sumar diversos récords que está batiendo en cuanto a recaudación. Wikipedia recopila varios tipo «primera artista en agotar entradas en tal estadio durante 3 días seguidos».
El tour también está siendo noticia por cuestiones más anecdóticas. Vulture ha publicado un artículo en el que critica la mala calidad del merchandising. En concreto, las camisetas están perdiendo sus colores originales después de tan sólo un lavado. Una fan llamada Emilia ha asegurado que la impresión se ha desgastado hasta el punto de dejar “la cara de Taylor irreconocible”. Afirma haber hecho 5 horas de cola para comprar la camiseta en el show de Las Vegas y haber pagado 65 dólares por la misma.
Otra fan llamada Florencia dice que el objetivo de comprar una camiseta es «ponérsela», pero que no puede hacerlo. “Si lo sé me compro la botella de agua o el poster, que eran más baratos que la ropa”.
Desde el equipo de Taylor Swift han respondido que el efecto “degradado” de la camiseta lavada era buscado, pues es del tipo “vintage”. Además de utilizar la palabra “vintage” en el comunicado, recuerda a los seguidores que sigan las instrucciones de lavado de las camisetas. Emilia dice que lavó la camiseta con agua fría porque ya había oído hablar de estos problemas.
Como no hay “epic fail” que Taylor Swift no vaya a responder con un “epic win”, acaba de filtrarse casualmente un vídeo en TikTok en el que se ve a la cantante llegar al escenario de la gira, escondida dentro de un carrito de la limpieza. Se confirma, así, uno de los rumores de este tour. Para ver a Taylor Swift emerger hecha un pincel, entre escobas, fregonas y toallas, suponemos que a estrenar, tenéis que aguardar al final del vídeo.
Cargando ...
