Si estabas impaciente por que Rihanna continuara por la senda de inspiración artística que le llevó en 2016 a publicar el mejor disco de su carrera, ‘Anti‘, vas a tener que esperar un rato porque Rihanna tiene que participar en la película de ‘Los Pitufos’.
En rueda de prensa, Rihanna ha confirmado que doblará a Putifina Pitufina en la nueva película de ‘Los Pitufos’. Además, Rihanna participará en la producción de la película y aportará canciones a la banda sonora.
Rihanna, que está embarazada de su segundo hijo, ha declarado que «hacer animación es un viaje divertido para mí» porque «puedo interpretar un personaje y simplemente imaginar, puedo ser yo misma, llegar (al estudio) en pijama en mi tercer trimestre de embarazo y ser una malota azul». RihRih espera ganar «puntos de mamá guay» cuando sus hijos vean la película.
Rihanna será solo una de varias estrellas femeninas que han doblado a Pitufina. Katy Perry asumió este rol en las primeras dos películas animadas de ‘Los Pitufos’, estrenadas en 2011 y 2013, y después Demi Lovato le cogió el testigo en 2017.
Las novedades musicales de Rihanna siguen vinculadas por tanto al mundo del cine. Sus singles más recientes, ‘Lift Me Up’ y ‘Born Again’, forman parte de la banda sonora de ‘Wakanda Forever’. Con ‘Lift Me Up’ Rihanna consiguió sendas nominaciones a los Oscar y a los Globos de Oro.
La cuarta de ‘Los Pitufos’ ya tiene fecha de estreno, el 14 de febrero de 2025, y está siendo dirigida por Christopher Miller, director de ‘Spider-Man: un nuevo universo‘ (2018) o ‘The Lego Movie’ (2014).
Chanel ha estrenado esta noche su nuevo single, ‘Clavaíto’, un dueto con Abraham Mateo que tiene posibilidades de convertirse en una de las canciones del verano. Aunque sea solo porque el estribillo «tan clavaíto que duele» es insidiosamente pegadizo. Será que su campaña para viralizar ‘Clavaíto’ antes de tiempo con actuaciones en directo y bailes de TikTok ha funcionado.
Tampoco es ‘Clavaíto’ la típica bachata. Es verdad que repite la historia de ‘La Bachata’ de Manuel Turizo, la de una persona que no supera una ruptura aunque haga ver que sí. Chanel trata de ahogar su dolor «tras una botella» y Abraham, ojo, pasea «solo» con un frío que «ni en el polo». Rimas, cari.
Pero lo mejor de ‘Clavaíto’ es que musicalmente presenta alicientes a los que agarrarse. La producción de Dani Ruiz y el propio Abraham Mateo no escatima en efectos electrónicos ni duda en distorsionar la voz de Chanel para hacerla sonar como una cyborg. Los primeros segundos de ‘Clavaíto’ hasta remiten a Daft Punk por su uso de voces vocoderizadas, pero luego la canción incorpora palmas que recuerdan a las bulerías flamencas. Todo en menos de tres minutos.
El vídeo de ‘Clavaíto’ juega evidentemente con la tensión romántico/sexual entre Chanel y Abraham pero lo hace en un entorno clandestino, en una especie de club de lucha regentado por Chanel al que acuden delincuentes interesados en afilar, ejem, sus sables.
Tras la pobre acogida de su tercer disco ‘Glasshouse’, Jessie Ware sufrió una crisis creativa que le llevó a plantearse dejar la música. Pese a ello, decidió darle una última oportunidad con ‘What’s Your Pleasure?’, virando hacia un sonido discotequero. Su éxito crítico superó cualquiera de sus expectativas, motivándola a seguir adelante y a continuar explorando su lado más dance. Tres años más tarde, con la cantante británica ya totalmente convertida en una auténtica diva pop, llega su quinto largo, ‘That! Feels Good!’, un trabajo hedonista y exultante, sexy y elegante, que nombramos Disco de la Semana.
Muy agradable, cercana y elocuente, Ware me recibe a través de una videollamada de Zoom aproximadamente una semana antes del lanzamiento de su nueva criatura. Conversamos sobre la importancia de estar en contacto con sus fans, del apoyo que recibe de la comunidad LGBT, de liberar su gran voz o del revelador recuerdo de una fiesta de Off Sónar.
¿Qué tal estás? ¿Cómo llevas el proceso que va antes de sacar el álbum?
¡No sé! Siento que es como una cosa hipotética hasta que no está realmente fuera, así que de momento… he hecho este disco, estoy hablando de él y después esta música ya será de la gente. Es muy emocionante.
Ha habido un cambio evidente en tu música desde ‘What’s Your Pleasure?,’ que era de estilo disco y muy bailable. Este álbum es un poco diferente pero también disco. ¿Crees que la pandemia ha afectado a tu creatividad y te ha hecho querer seguir sacando música tan alegre?
Sin duda afectó al principio de este disco, cómo lo creamos, ya que no podíamos estar cara a cara. Había un anhelo por el escapismo, la alegría, viajar, ir a otros lugares… Esto influyó al principio del álbum. Desató algo en mí que era muy emocionante, porque estábamos confinados en un espacio y esto hizo que mi imaginación se volviera loca, lo cual fue increíble. Ahora siento que he adquirido una nueva habilidad escribiendo canciones. No querría nunca volver a un confinamiento por una pandemia de covid en absoluto, pero admito que me hizo trabajar de manera diferente, y estoy disfrutando haciendo este tipo de música y creo que la gente está disfrutando escuchándola. Creo que eso es importante, al menos para mí: ofrecer música para que mis fans disfruten. A lo mejor llega un punto en el que dicen “mira, ya no me gusta” y está bien, pero por el momento siento que hay una constante comunicación -y conversación- con mis fans, y eso me encanta.
Te pregunto lo de la pandemia porque hay un sentimiento de colectividad a lo largo de todo este disco, e incluso empieza no solamente con tu voz, sino con otras voces también. Es una bonita forma de comenzar, como si fuese un gran baile colectivo. Porque la temática del álbum es sobre ser uno mismo, sentirse libre, bailar las penas… ¿no?
En este disco… como que no fui demasiado consciente de los temas. O sea, sabía que haría que la gente se sintiera bien y queríamos promover ese “manifiesto de placer” como si estuviéramos guiñando un ojo [al oyente]. Supongo que los periodistas analizan más el trabajo que yo misma, si se me permite decirlo. Yo simplemente estoy haciéndolo y creándolo, y por supuesto, hay un proceso de pensamiento detrás, pero no es tan estratégico… cuando lo juntas todo y la gente lo examina, ve estas cosas que quizás yo no era tan consciente de ellas.
No era demasiado consciente de que estaba hablando tanto sobre libertad hasta que todo el mundo me lo dijo y me quedé como “bueno, sí, claro”… ‘Free Yourself’, ‘Pearls’, ‘That! Feels Good!’… y es como “vale, sí, tenéis razón”. Pero creo que esa especie de inocencia al no analizar cuando estás haciendo el disco y simplemente lo estás haciendo y ya, es apasionante para mí. Y ver que realmente hay una energía temática total es bastante satisfactorio, porque no era algo consciente, ¿sabes?
El concepto del disco es muy “camp” ¿fue esto consciente?… desde el título, que parece una respuesta a ‘What’s Your Pleasure?’… ¿quizás?
Hmmm… [duda] ¡Sí! Y ahora voy a decir eso en mi próxima entrevista, en plan “sí, eso es lo que pretendía ser”. Es brillante, nunca lo había pensado…
¡¿En serio?!
¡¡No!!
«La inocencia de no analizar el disco cuando lo estás haciendo es apasionante para mí»
Y también es muy “camp” en lo visual y algunas letras. Siento que hay algo queer en la música dance, y en tus dos últimos álbumes te has rodeado de gente queer para hacerlos. ¿De qué manera te inspira la comunidad LGBT cuando haces música? Si es que es una inspiración…
Estoy pensando con quién me he rodeado… Creo que la comunidad queer se ha manifestado muy abiertamente apoyándome, por lo que estoy muy agradecida y lo disfruto mucho. Me han incitado a pasármelo mejor con mi música y a encontrar libertad en ella, me han animado y eso me gusta, como que me dicen “¡Venga, vamos!”, y creo que eso me ha permitido rebelarme en carácter y en las actuaciones. Cuando digo carácter, pienso en todas las reinas que me ha encantado ver haciendo lip-sync de mis canciones o actuando con ellas. Así que he disfrutado mucho eso, y es algo que ha crecido mucho en los últimos años y creo que es genial.
Espero ofrecer un lugar para que la gente de la comunidad queer se sienta libre, segura de sí misma, empoderada… y un sitio en el que puedan echarse un buen baile. Mi música, por supuesto, es para todo el mundo, pero valoro mucho el apoyo de la comunidad LGBTQ+, es profundo y precioso.
Quiero preguntarte sobre tus interpretaciones vocales en este disco, son particularmente cautivadoras, probablemente las más ambiciosas por ahora…
¡Sí!
¿Este reto fue deliberado? ‘Pearls’, por ejemplo, es una locura.
¡Ya!… [sonríe]. No fue algo consciente. Creo que es el tiempo y el lugar donde me encuentro. Sentía que podía revelar más de mi voz y creo que estaba bastante acostumbrada a la gente disfrutando de la suavidad sensual de mi voz… Cuando empecé, creo que solo gente como Romy de The xx estaba haciéndolo aparte de mí. Nos gustaba esta voz tierna, susurrante… Yo tengo como una “gran voz” que usaba de vez en cuando, pero pensaba “oh, la gente está disfrutando de este otro lado” y creo que es cuando actúo que la gente se da cuenta de que tengo un mayor alcance vocal.
En este álbum no fue como “voy a enseñarle a todo el mundo que puedo llegar a esa nota altísima y voy a hacer algo espectacular”, no. En realidad, siempre depende de la persona con la que trabajas. Stuart Price [NdE: productor de varias canciones del disco] fue la persona que sacó esa voz fuera de mí. Parece encantado cada vez que canto de esa manera, mientras que yo creo que a veces es un poco demasiado. Pero a él le sorprendió y le emocionó así que fue como “te está gustando, voy a hacerlo un poco más”. Fue genial.
«Es cuando actúo que la gente se da cuenta de que tengo un mayor alcance vocal»
También hay mucho hablado en el disco, como en ‘Shake the Bottle’ o en ‘Beautiful People’, ¿cómo surgió eso?
Creo que ya experimenté con eso en canciones como ‘Eyes Closed’ , de la Deluxe [NdE: de ‘What’s Your Pleasure?’], y lo he hecho en ‘Please’… uso siempre como una voz hablada que está muy baja en la mezcla, y es para sacar a esta especie de personalidad dominante que adopté durante ‘What’s Your Pleasure?’, cantando con un látigo. Es un personaje mío que es muy divertido de interpretar, como una dominatrix autoritaria. Así que, sobre las partes habladas, en ‘Beautiful People’, tenía muy en mente a Prince, completamente. También aquella canción ‘Always Wear Sunscreen’ [NdE: Everybody’s Free (To Wear Sunscreen)’, de Baz Luhrmann] con esa especie de monólogo. Esas fueron las referencias, y claro, también Debbie Harry y The Tom Tom Club… Esas eran las cosas en las que estaba pensando.
También hay bastantes ritmos latinos, sobre todo en ‘Begin Again’, ¿Cómo te acercaste a estos sonidos y cuáles fueron tus influencias?
Siento atracción por los sonidos latinos. Pasé un par de meses en Brasil cuando tenía 19 años y nunca lo superé, me encantó. Estaba fascinada. Me gusta la sensualidad, los movimientos corporales que puedes hacer [con la música latina], la fluidez, la pasión. Con ‘Begin Again’ fue como… Recuerdo estar en Barcelona y oír a Hudson Mohawke cantar ‘Another Star’ de Stevie Wonder en una fiesta de Off Sónar, y fue como “madre mía, esto es muy diferente al set de HudMo [NdE: Hudson Mohawke]”. Y la tocó y fue un sentimiento genial escuchar esta canción en España, en Barcelona, con gente preciosa, todos bailábamos… Siempre ha sido un recuerdo para mí, así que cuando hicimos ‘Begin Again’ me dije “¿Cómo hago que la gente quiera bailar, pero a la vez tener un beat que sea importante y tener esa especie de momento de celebración coral?” … Así que sí, eso fue una gran referencia para mí.
«En las partes habladas del disco tenía en mente a Prince, Debbie Harry y The Tom Tom Club»
Quería preguntarte sobre el “track list”. ‘These Lips’ me parece un gran acierto como cierre. ¿Dedicas mucho tiempo a pensar en la secuencia del disco?
Sí, me vuelvo un poco loca. A veces algunas canciones tienen sentido. Supe en cuanto hicimos ‘That! Feels Good!’ que iba a abrir el disco, y añadí las voces y cosas así porque fue como “vamos a poner más de esto”. Pero sí, es bastante frustrante. Tengo que pensar en ello como un set, y en cómo va a llevar a alguien en un viaje, cómo cobra sentido todo junto, cómo quedará cuando le das la vuelta al vinilo y empiezas de nuevo. Hay una enorme cantidad de cosas que tener en cuenta. ‘These Lips’ se siente como un gran final porque sigue y sigue, casi como si la fiesta se fuese a otra habitación, y me encanta eso, pero también tiene la belleza y el romance que dan esos grandes “vocals”. Empiezas el álbum con una energía funk y esto es más delicado, más sexy, como de after… Pero sí, unas veces es más fácil que otras, es fantástico cuando tiene sentido. He estado en desacuerdo con mis managers, que me decían “¿y qué me dices de esta?” y yo como “¡No!”, y vuelves a intentarlo… Es muy, muy prueba y error.
«Creo que rompí un poco el ordenador de James Ford con la cantidad de voces que puse en ‘Begin Again’»
¿Cuál dirías que fue la canción más complicada de hacer?
Creo que rompí un poco el ordenador de James Ford [NdE: productor de la canción] con la cantidad de voces que puse en ‘Begin Again’. Pobre hombre… me encanta añadir capas y capas de voces. Quería que se sintiera como si fuese una habitación de diez mil personas cantando a la vez. Déjame que piense… La mezcla de ‘Begin Again’ fue difícil porque hay muchas cosas y hay que ver cómo vas sacando partes. Es una canción bastante maximalista, pero no quieres fatigar al oyente, así que fue bastante complicado equilibrarlo, porque tu lanzas todas tus ideas en plan “sí, genial”, pero luego piensas “espérate, ahora ¿cómo añadimos el piano a esta parte? ¿Cómo hacemos esto otro?”… Sí, probablemente ‘Begin Again’, fue la más difícil.
Las catalanas mis amigas fuman todas se presentan en su biografía oficial como «tres lesbianas chulísimas que vienen a partirles el ano a los cisheteros con un dildo de color rosa». También Spotify ha consentido que metan en su descripción oficial esta genialidad: «bla bla bla grupo emergente de punk queer bla bla bla».
Por si no fuera suficientemente gráfica esta presentación, las canciones de Eva (batería y voz), Shei (guitarra) y Mer (bajo y voz), hablan por sí solas. De momento solo tienen 3, la última de las cuales se llama como ellas, ‘mis amigas fuman todas’ y repite su título hasta rabiar.
Las dos primeras eran igual de pegadizas pero más imaginativas. ‘No es la primera vez que pasa’ es el retrato de una experiencia etílica, que no ha acabado muy bien («No sé dónde estoy, vuelvo a estar borracha / no puedo parar, esta semana estoy en racha»). Quizá incluso alguien pueda entrever cierta ambigüedad #MeToo
Por su parte, ‘Pintas de punki’ es de momento su tema más rico y ácido, por lo que contiene de crítica social, sobre los prejuicios. «Por culpa de mis pintas, todo el mundo sabe lo que voy a hacer, antes de que lo haga», «No me siento mal por lo que dice la gente, tenían razón: soy una delincuente» o «Como luzco punki, todo el mundo sabe que soy de Bizkaia, me drogo y me meto rayas» son algunos de sus dardos.
Con el atrevimiento y el desparpajo de Kaka de Luxe, pero un discurso más actual, mis amigas fuman todas prometen ofrecer uno de los directos más destartalados y divertidos de nuestros tiempos. Este viernes 28 de abril estarán en el Espai Jove La Fontana de Barcelona. Decían que iban a hacer una versión de Estopa, pero parece que al final, no. Para más información, visitad su Instagram.
El 29 de julio se celebrará la primera edición de BELLA FESTIVAL, dentro del ciclo Oasisss Marbella Fest. Será obviamente en la ciudad malagueña. Los artistas confirmados son Leiva, Guitarricadelafuente, Dorian y la revelación Arde Bogotá, que en los últimos meses está atrapando a decenas de miles de nuevos fans gracias a su sonido Bunbury. La apertura de puertas del festival será a las 17:00h y las entradas se pueden adquirir a partir de hoy en la web www.bellafestival.es.
BELLA FESTIVAL también contará con las djs Ley, lNNMIR y Laura Put, entre otras actividades, y una gran oferta gastronómica en las diferentes áreas del multitudinario recinto que está llamado a «revolucionar el ocio nocturno de la Costa del Sol» según la nota de prensa.
Según ese mismo texto, «Bella Festival es un evento muy especial por el que pasarán grandes figuras de la música indie en todas sus vertientes para hacer vibrar hasta a las 30.000 personas que puede acoger el nuevo espacio multiusos Oasisss Marbella Fest. Un lugar ubicado en la ciudad de Marbella, concretamente en la localidad de San Pedro de Alcántara, que cuenta con más de 80.000 m2 donde cada fin de semana se celebrará un evento diferente (…) Situado en San Pedro de Alcántara en La Finca La Caridad (Recinto Ferial San Pedro de Alcántara) es una iniciativa que cuenta con el apoyo del Excmo Ayuntamiento de Marbella y tiene como socio principal a Hard Rock
Bella Festival en la gran celebración del indie en la Costa del Sol que no te puedes perder».
PJ Harvey ha anunciado un nuevo disco, presentado por un single entonado en voz tenue. No es ‘Good Fortune’. El álbum recibe el nombre de ‘I Inside the Old I Dying‘ y el sencillo, ‘A Child’s Question, August’. Será la pista 8 del disco, mientras que la pista 10 se llama ‘August’ y la pista 11, ‘A Child’s Question, July’. Lo que nos da una idea del sentido conceptual, nuevamente, de este trabajo.
La autora del bélico ‘Let England Shake‘ se inspira ahora en el libro de poesía que lanzaba el año pasado bajo el nombre de ‘Orlam‘. Estaba escrito en un dialecto de Dorset y traducido en la página opuesta, centrándose en la historia de una niña de 9 años llamada Ira, en los últimos momentos de inocencia.
Ira vive en la granja Hook en el pueblo de Underwhelem, recurriéndose a las supersticiones del oeste de Inglaterra y a la imaginación de la niña como recurso. El libro recrea su último año de inocencia, mes a mes, lo que explica la mención a julio y agosto en la secuencia del disco, y además Ira tiene a un soldado-fantasma llamado Wyman-Elvis como ídolo. Su lema es “Love Me Tender”.
Seguro que con este fondo, es más fácil de comprender lo que PJ Harvey nos quiere decir con esta canción. Aunque los niños que vemos en el videoclip son menores de 9 años, es evidente que la inspiración bucólica de la letra es la misma que la del libro, y ahora ese “Love Me Tender” es un estribillo alternativo al de Elvis Presley, a quien PJ Harvey ha mostrado todos sus respetos, por ejemplo en Rolling Stone. «Es como un Dios en el libro», declaraba.
‘A Child’s Question, August’, nuestra «Canción del Día» para este jueves, nos habla del duelo de los pájaros, de la muerte del verano, de una noche creciente y un día menguante, como aperitivo de una historia sobre la que todavía no sabemos demasiado. La artista parece querer dar al libro de ‘Orlam’ la relevancia que hasta ahora no había obtenido, y lo logrará a través de lo que mejor se le da: las guitarras ásperas.
Una de las leyendas del punk pop de nuestro país es Patricia Escoín, líder de Los Romeos, una de las formaciones más icónicas de los 80, y luego de los reivindicables Lula y Los Amantes.
En los últimos tiempos la hemos visto al frente de un nuevo grupo llamado Exfan y con esta otra formación tiene un nuevo disco llamado ‘Pura luz’. Se trata de un álbum lleno de ganchos, y como es habitual, directo a la yugular (10 canciones, 30 minutos), en el que despuntan temas como ‘Fuego’ y ‘Nada es verdad’.
Entre medios tiempos sentidos como ‘Lucía’, mantienen la llama viva la sección rítmica y las guitarras contundentes de cosas como ‘Ángel’, con un ligero aire a lo años 50. El sexo, habitual en sus letras, como se vio en temas pasados como ‘Perrito‘, está aquí presente en ‘Basilisco’ o ‘Pura luz’, con ese «queríamos follar, follar, follar…»
Por último, la parte final del álbum queda marcada por la aparición de la pegadiza ‘Abrazo mortal’ («¡es un no parar!»), el mencionado single ‘Pura luz’ y la despedida con delay de ‘Esto se va a acabar’. Exfan actúan hoy jueves 27 de abril en Wurlitzer, Madrid, como parte del ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou. Mañana viernes 28 estarán en Santander, el sábado 29 en Gijón y el domingo 30 de abril en Logroño.
Ahora que llegan las Fiestas del 2 de Mayo, comenzamos Sesión de Control, nuestra playlist dedicada al pop nacional y en castellano, con la ‘Samba de Madryd’ con letras en negro que se acaban de sacar de la manga Tigres Leones y Estrella Fugaz. Algunas de sus frases son: “Madrid es un infierno y mejor salir corriendo que aguantar”; “vamos chaval, corre y vete ya”; “esta ciudad te mata y nos están echando hasta de nuestras casas”. Se trata de una adaptación de Chico Buarque. La original junto a Toquinho la hicieron como homenaje a los exiliados de la dictadura brasileña.
Pero en verdad, el inicio de la playlist está marcado por la experimentalidad y el riesgo de propuestas como Ruiseñora, que sacan EP alternando los folclores extremeño y canarios con la electrónica; el productor Khotton Palm; la andina LaTorre, TRISTÁN! con Teo Lucadamo o BRONQUIO de nuevo con 41V1L, empujando los límites de la música latina.
Otros viejos conocidos con nuevos temas son trashi, El Faro, Juicy BAE o Die Katapult. El dúo formado por Anna Fredriksson (Los Ganglios) y Elena Comas (Neleonard) ha estrenado 2 temas a la vez, a medio camino entre Stereo Total y Kraftwerk, estilo que las ha caracterizado siempre. Produce Ian Catt.
En cuanto a artistas no tan habituales por aquí, destacamos al medio nipón medio español iuky, que ha presentado disco con colaboraciones como Ghouljaboy; Ordinary Guy, el proyecto en solitario de David Alonso de Baywaves, que estrena medio tiempo sintético; o LALA Hayden, de quien os hablábamos recientemente. Además, el dúo asturiano Autoescuela tiene nuevo disco y Sonido Muchacho ha fichado a shakeitmila, proyecto de Carla Rodríguez entre el punk pop y el hyperpop.
Tras el éxito de ‘Autodefensa‘ y el estreno también de ‘Selftape‘, Filmin sigue vinculada al mundo de la modernidad. En este caso, nunca mejor dicho, porque acaba de anunciarse que la próxima semana se estrenará ‘Putos Modernos’. En concreto, el 4 de mayo, a la vuelta del puente.
Son 4 capítulos de menos de 3 minutos, lo cual quiere decir que estamos hablando de una producción de poco más de 10 minutos en total. La inspiración es la cuenta del colectivo Putos Modernos en Instagram con casi 400.000 seguidores en parodia de la modernidad. La idea ha sido «hacer humor para Internet pero rodado en cine».
Según la nota de prensa, «a modo de pequeños retales de la vida posmoderna, los episodios retratan escenas de cotidianidad “sin filtros ni autotune”, buscando la incomodidad del espectador en la observación de la propia condición humana y sobredimensionando los pequeños grandes problemas del Primer Mundo».
Afirma Joan Alvares, co-guionista de la serie que «‘Putos Modernos’ es postpostureo y autoparodia: hay algo de todos nosotros en cada uno de los personajes». El realizador madrileño José Gasset ha sido el encargado de dirigir estos 4 primeros capítulos con un elenco formado por nombres como Teresa Riott, Roger Coma, Inés Hernand, Maria Molins, Jordi Vilches, Octavi Pujades, Raquel Córcoles (AKA Moderna de Pueblo), Carlos Carrero, Luís Heras o Ahikar Azcona, con cameo especial de Santi Millán. La nota de prensa afirma que salir aquí será un «revulsivo para sus carreras».
Entre las historias que veremos, «una pareja de esnobs forzados a apreciar experiencias carísimas que no comprenden, un triatleta cuarentón incapaz de bajar a por su comida, una influencer que cada vez que se va de escapada rural pierde la cobertura y la compostura, o una señora de pelo azul que exige un champú 100% natural para su mechón». Los protagonistas «buscan vuelos baratos desde un móvil muy caro, van corriendo a clase de mindfulness y combinan plumón y tobillos al aire”.
Fugees fue uno de los grupos más influyentes del hip hop durante los 90. Hemos seguido hablando de Wyclef Jean, no tanto como nos habría gustado de Lauryn Hill, y el miembro olvidado es Prakazrel Samuel Michel, más conocido como «Pras Michel». Este llegó a sacar un par de álbumes, pero luego se concentró en los negocios y acaba de ser declarado culpable de 10 cargos, por un tribunal de Washington.
Entre otros cargos, se le acusa de conspiración para defraudar a EE.UU., de manipulación de testigos y de actuar como agente no registrado de un gobierno extranjero. En concreto habría intentado influir en decisiones tanto de la administración Obama como de la administración Trump, de manera ilegal.
Se relaciona a Pras Michel con el empresario malasio Jho Low, a su vez en búsqueda y captura de manera internacional. Jho Low es conocido por haber estado involucrado en el llamado escándalo 1MDB. El ex Primer Ministro de Malasia, Najib Razak, fue acusado de canalizar más de 700 millones de dólares desde esta empresa (1Malaysia Development Berhad) de desarrollo estratégico dirigida por el gobierno, a sus cuentas personales, y Jho Low habría estado involucrado.
Pras Michel, que se enfrenta hasta a 20 años de prisión, ha declarado que si Jho Low le pagó 20 millones de dólares, fue para conseguir una foto con Obama. El fiscal asevera que más de 800.000 dólares de ese dinero se habrían destinado a la campaña de Obama a través de donantes de paja, de manera ilegal. El objetivo habría sido influir en las decisiones de Estados Unidos respecto a Jho Low y el escándalo 1MDB. En concreto, para que abandonaran la investigación.
La versión de Pras Michel es que solo intentó ayudar a Low a buscar un abogado en Estados Unidos y que utilizó su dinero como quiso, como informa la CNN. Su declaración exacta ha sido: «Podría haberme comprado 12 elefantes si hubiera querido».
En el juicio también ha testificado Leonardo diCaprio porque Jho Low financió parte de ‘El lobo de Wall Street‘. El actor simplemente ha dicho que interpretó que era un gran magnate en Malasia y Abu Dhabi.
A Jimena Amarillo no le gustó demasiado que la gente escuchara su primer disco, ‘Cómo decirte, mi amor’, para ponerse a llorar, así que ha decidido hacer uno que espabile. ‘La pena no es cómoda’ narra tres rupturas diferentes pero huye deliberadamente del “catastrofismo” de su debut en unas letras que son “más tristes» pero también “más románticas”, es decir, “más lesbianas” en sus propias palabras.
El sonido de ‘La pena no es cómoda’ se instala en el rock de manera muy marcada en el single principal, ‘Porque tú lo sabrías’, que suena inspirado en los Pixies aunque Amarillo reconoce que no ha sido intencionado. En otro de sus retratos cotidianos pero poéticos del desamor (“hacían falta muchas manos para todo eso que juramos, la ropa huele al último día que nos encontramos”), ‘Porque tú lo sabrías’ resuelve la tensión de las estrofas en un estribillo tarareado (y envuelto en autotune) adictivo como la droga. Es una de las mejores canciones del año, Jimena Amarillo en su mejor momento, pero su sonido tiene menos continuidad en el disco de lo esperado.
Las guitarras eléctricas sí emergen en algunas de las nuevas canciones de Amarillo. ‘Quiero que me mires’ introduce el disco con atmósferas guitarreras y también espaciales y la letra regala otra copla marca de la casa: “tus manos que nunca me han tocado la cara, las tengo en la piel clavadas”. La preciosa ‘Billete de amor’ da a entender que Nilüfer Yanya puede haber creado escuela, aunque la melodía rapeada-pero-cantada de Jimena sigue siendo propia de la artista valenciana, en toda su añoranza y melancolía. El manto guitarrero de ‘Tu sangre de la mía’ trae ecos shoegaze.
El disco es más diverso de lo que parece. Por un lado, el indie-pop lo-fi clásico de Amarillo sigue vivo en la adorable ‘Baldosas’. Por el otro, la electrónica puede imaginar la pista de baile en ‘De la cabeza a las pies’ o ir tan lejos que ‘Fino como un alfiler’ evoca vagamente la sofisticación disco-house de Róisín Murphy, con Amarillo en modo desafiante: “si alguien nos estuviera grabando, haría todo el guion mirando”.
En el camino, Amarillo no pierde su capacidad para retratar poéticamente la cotidianeidad del (des)amor ni tampoco renuncia a los beats hip-hoperos de su EP anterior, por ejemplo en ‘Caldo en el brazo’, que casi pide una colaboración con Natalia Lacunza.
La sorpresa de ‘La pena no es cómoda’ la da la versión del fado ‘María la portuguesa’, que Amarillo ha grabado para “hacerse la chula” con Silvia Pérez Cruz tocando el violín, pues es su cantante favorita. A la secuencia es cierto que le falta algo de empaque y unidad, pues se desarrolla un poco sin ton ni son, como en aleatorio. Sin embargo las canciones -aunque funcionan mejor por separado que en conjunto, y no es que los interludios instrumentales aporten mucho- sí muestran que Amarillo da un paso adelante en su carrera.
Everything But the Girl pelean en estos momentos por conseguir el primer número 1 de toda su carrera en Reino Unido. Enter Shikari han sacado las uñas y han rebajado su nuevo álbum y se han puesto a firmar cassettes, y Ben Watt y Tracey Thorn no entrarán en ese juego. Aun así, ‘Fuse‘ puede ser el primer top 2 o el primer top 3 de su carrera. Hasta ahora, su mejor dato fue el número 4 logrado por su gran obra maestra, ‘Walking Wounded’.
Tantas ganas tenía el público de que el icónico dúo volviera. No todos los días asistimos al regreso de una pareja que nunca dejó de serlo después de 24 años. Ben y Tracey me atienden a través de Zoom y por suerte consienten el uso de vídeo. Es bastante frío esto de los Zooms, pero hay una ventaja que resulta paradójica.
De repente, te ves a ti mismo en una pantalla en el mismo plano que los artistas, en este caso de primer orden. Eso significa que es más fácil conservar esa imagen surrealista en la retina que la de una entrevista en persona. Ahora mismo me parece muy lejano haber entrevistado a Thorn en Madrid. Seguro que tal cosa no se volverá a repetir en persona, con este grupo esquivo y escurridizo que no ofrecerá ni un concierto de regreso.
Hablo con Everything But the Girl sobre este lapso, sobre su nueva obra, sobre la identidad del dúo o sobre las letras del disco, hasta que su grabación se congela para no volver. La entrevista termina 10 minutos antes de tiempo, pero merece la pena.
¿Cuándo os disteis cuenta de que teníais un nuevo disco de Everything But the Girl bajo el brazo?
Tracey: «Acabamos en octubre del año pasado».
¿Hay alguna canción que sea realmente antigua?
Ben: «La mayoría del disco se escribió entre primavera y verano del pasado año. Pero hay una canción más vieja, ‘Run a Red Light’, que es una demo que tenía yo y de la que me había olvidado. En un momento dado durante la grabación de este disco, Tracey preguntó si tenía algo más y yo le dije que sí, que tenía alguna basurilla en mi móvil. A Tracey le gustó y decidimos hacerla. Trabajamos un poco más en ella y ahora es la grabación más vieja del álbum».
¿De qué fecha estamos hablando exactamente?
Ben: «Probablemente la escribí como en 2019, antes de ‘Storm Damage’, que ha sido mi último disco en solitario, pero no encajaba con el resto del álbum, así que se quedó en un cajón».
Y por eso es la única que no habéis co-escrito en ‘Fuse’…
Tracey: «Sí, el resto lo escribimos durante la primavera y el verano pasados».
¿Por qué habéis producido el disco vosotros mismos? Para mí suena influido por artistas nuevos, curiosamente, pero lo habéis hecho vosotros solos. No sé si nunca fue una opción recurrir a un productor externo.
Tracey: «Tienes que entender que cuando empezamos el proceso, ni siquiera sabíamos que estábamos haciendo un disco. Simplemente estábamos haciendo música, jugando. No había una presión por un gran regreso como para coger a un superproductor. Ben y yo trabajamos juntos en casa, y él trajo al estudio a un amigo ingeniero, Bruno Ellingham. En ese momento nos dimos cuenta de que sonaba bien, como un disco de Everything But the Girl, y nos pusimos a trabajar más en serio, pero en principio no sentimos requerir de un productor. Y era muy bonito ver adónde íbamos y qué podíamos hacer por nosotros mismos».
Ben: «Mucha gente dice que el disco suena moderno pero a la vez a Everything But the Girl, y creo que es porque lo hicimos por nuestra cuenta. Hay una gran tentación hoy en día de meter colaboraciones, listas de otros artistas… Es una herramienta de márketing más que una idea creativa. Pero para nosotros era cuestión de hacer un disco nosotros solos y ver qué pasaba».
Después del éxito del remix de ‘Missing’, hicisteis 2 discos electrónicos. ¿Nunca fue una opción sacar un disco acústico? ¿Este tenía que ser un disco electrónico?
Tracey: «No había un gran plan, tipo «vamos a hacer un disco acústico» o «uno de electrónica». Intentamos hacer algo libre, ver dónde iba, y entonces eso fue lo que surgió. Ben es el que lo pone todo en conjunto, e intentamos hacer algo diferente. Trabajamos sobre improvisaciones de piano y texturas electrónicas. Experimentamos».
Ben: «Los últimos 3 discos que he hecho en solitario eran vívidos, con banda, los dos primeros eran a la guitarra, otro de piano con electrónica… Por eso en el confinamiento decidí hacer algo diferente. Me influyó que el tour de ‘Storm Damage’ se tuviera que cancelar por la pandemia. En un momento dado había preparado una banda y tenía 40 conciertos listos que no pude hacer. Por eso en el confinamiento quise experimentar de manera diferente».
«Era muy bonito ver adónde íbamos y qué podíamos hacer por nosotros mismos»
¿Creéis que la gente piensa en EBTG como en un grupo electrónico, en ‘Walking Wounded’? Algunos pensarán también en los 80, cuando sonabais mucho menos electrónicos.
Ben: «Significamos muchas cosas diferentes para gente diferente, porque hemos estado por aquí durante muchísimo tiempo. La gente entra y sale. Tienen discos favoritos y canciones favoritas. No podemos controlar lo que la gente piensa de nosotros. Lo que podemos hacer es mirar al futuro y hacer nueva música».
Tracey: «Nunca tuve la idea de que fuéramos solo una cosa, no tenía sentido. Solo somos gente haciendo música. Puede parecer un poco sinsentido decir esto, pero así es como la música se hace. Solo somos humanos haciendo música, no somos etiquetas».
Ben: «No es conveniente reducir la música así. Solo hacemos música. Toda la gente que hace música durante mucho tiempo experimenta. Mira a los Bee Gees, mira a Bowie. ¡Bee Gees fueron de ‘Massachusetts’ a ‘Saturday Night Fever’!».
¿A quién se dirigen las letras del disco? Por ejemplo, a quién estás hablando en ‘When You Mess Up’? Cuando hablas de perdonarte a ti misma, no sé si hablas a tu niña interior, a tu yo más joven, a tus hijos…
Tracey: «En esa canción hablo conmigo misma. Estoy en un momento como de transición, cuando te haces mayor. Quizá la mayor parte de tu carrera ya ha pasado, tus hijos se van de casa y no estás segura de lo que va a pasar. Me recuerda a cuando era joven. Por eso empieza ahí. Soy yo misma, es como me siento a veces. Es sobre la incertidumbre del futuro cuando era más joven».
Escuchando esta canción, me vino a la cabeza ‘Flipside’, aquella canción del 96 que empezaba diciendo «London, summer 92, I think I’ve changed a lot since then, do you? (…) Have I changed? Will I change again?». ¿Qué le diríais a vuestro yo de entonces? ¿Que cambiaríais o que no?
Tracey: «Que sí, que cambiarás de nuevo (risas) Es ley de vida. Hay un momento de tu vida de cierta complaciencia, pero hay cosas que pasan y es obvio que nunca vas a dejar de cambiar. Te das cuenta de que tu viejo yo va a cambiar y serás una persona diferente cada vez».
Cuando escuchaba aquellas canciones de adolescente, me sentía como muy adulto. Pero a la vez de mayor sigues siendo un eterno adolescente para ciertas cosas. Yo no sé si he cambiado tanto…
Tracey: «Siempre puedes reconocerte en partes de ti. Cada año que pasa, experimentas cosas diferentes. Hay todo tipo de capas. Cuando digo que hay cambios, no digo que tu viejo yo desaparezca. Pero se van añadiendo capas».
Ben: «La letra de ‘Flipside’ es mía, y el verano del 92 es cuando estaba en el hospital, a punto de morir. La canción empieza con un hombre joven de 29 años, que ha cambiado dramáticamente física y mentalmente. Escribí la canción sobre ese fondo y hablaba sobre cambios que pueden llegar en cualquier momento. Los amigos pueden morir, puedes perder el trabajo, puedes divorciarte, puedes tener una enfermedad grave… Todo eso te cambia. Tienes que reiniciar».
«Recuerdo pensar: «‘Walking Wounded’ suena tan fresco… no hay nadie que suene a esto, ojalá que seamos los primeros, ¡hay que sacarlo!»»
Recuerdo escuchar ‘Walking Wounded’ muchísimo y era una experiencia muy intensa para mí. Me impresionó muchísimo el sonido y las letras. Es un disco muy especial. ¿Qué significa para vosotros en lo personal? ¿Sería vuestra gran obra maestra o en absoluto?
Tracey: «¡Creo que podría ser! (risas) Está por ahí arriba entre nuestros 2 o 3 mejores discos (risas)».
Ben: «Simplemente es un disco que funciona. A veces hay algo de compromiso en un disco, no estás convencido de lo que quieres hacer, y la gente alrededor te empieza a sugerir cambios y cosas posibles que hacer. Y con ese disco estábamos tan convencidos de cada paso… y teníamos tantas ganas de que saliera… Recuerdo pensar: «estos «grooves» suenan tan frescos, no hay nadie que suene a esto, ojalá que seamos los primeros, hay que sacarlo». Por supuesto, no es que fuera enteramente original, y estaba muy influido por cierta gente que conocía del underground, como Omni Trio, Alex Reese, Peshay, Photek… Pero en términos de disco de pop era muy fresco».
¿Qué creéis que hace a ‘Fuse’ funcionar como proyecto?
Ben: «Una de las cosas buenas es que ha habido un lapso desde el anterior».
«‘Fuse’ ha sido como hacer un primer álbum de nuevo. Todo era posible»
Bueno, esto no lo llamaría «lapso». Habría que inventar una palabra nueva…
Ben: «Ocaso» (risas)
Tracey: «¡Gran cañón!» (risas)
Ben: «Como el lapso ha sido tan grande no teníamos ninguna presión. Era como hacer un primer álbum de nuevo. Todo era posible. No teníamos la necesidad de impresionar a nadie, ni obtener aprobación, no teníamos sello ni mánager, ha sido muy libre. Y por eso funciona».
¿Hay algún concepto detrás del disco?
Tracey: «Cuando escribíamos no teníamos un tema en mente, algo concreto que quisiéramos expresar. Pero cuando empezamos a hacer entrevistas y a pensar en las letras, creo que hay muchas sobre intentar conectar con la gente, sobre acercarte a los demás, sobre desesperadamente querer conectar. También sobre soñar estar en un club, o en un karaoke, o haber perdido a alguien. Y todo eso viene de la pandemia, de la desolación, de la soledad, de estar separado de gente que quieres. Es algo que está ahí».
Hay una canción sobre un ‘Karaoke’ pero es oscura. ‘No One Knows We’re Dancing’ no es una canción para bailar. ‘Lost’ equipara perder a tu madre a perder un cliente. Hay letras muy particulares aquí, no son las letras obvias que esperarías, por lo que dices…
Ben: «Creo que la ambivalencia y los sentimientos encontrados son gran parte del trabajo de nuestras canciones. Muchas de nuestras letras no ofrecen soluciones, sino que presentamos situaciones. Invitamos a la gente a entrar en la canción, a pensar y a sentir. Por eso conectan con la gente, porque pueden jugar con el mundo que construimos. Dejamos preguntas, no respuestas. Así establecemos una relación con el oyente».
Tracey: «Es lo que has dicho de no ser obvio. Es lo que intentamos hacer de manera muy consciente. La canción ‘No One Knows We’re Dancing’ es un recuerdo de estar en un club, no es estar en un club. Poner “he perdido las bolsas” al lado de “he perdido a mi madre” es algo inesperado y por eso funciona. Por eso tiene tanto poder. Porque no lo estás esperando. No te ofrece una obviedad de corazón roto».
Aquellos que no estéis entendiendo nada del fenómeno BB Trickz con ‘Missionsuicida’ vais a pasar un verano muy duro. El fichaje de Virgin, salido de TikTok, que cuenta entre sus seguidores a Rosalía, C. Tangana y Bizarrap -de momento-, sigue generando noticias.
Si el lunes publicaba una brevísima mixtape llamada ‘Trickstar’ en la que incluía un «beef» a Yung -ejem- Beef, este martes a última hora ya teníamos la respuesta de este. Habrá quien diga que todo esto es una maniobra de márketing, pero lo cierto es que está funcionando. El diss-track de Yung Beef ya está entre las Tendencias de Youtube.
Comenzando por el principio, el tema de la mixtape de BB Trickz que contiene una referencia a Yung Beef es ‘Ah!’. Decía «Te follastes a Yung Beef, ahora tienes el sida», en base a un rumor que ha perseguido a Yung Beef, y que él mismo ha comentado alguna vez. Por ejemplo en ‘Mala’ con Soto Asa: «Y después que se la meto, me pregunta que si tengo el sida». Y entonces se oían carcajadas.
La canción que ha publicado Yung Beef en respuesta a BB Trickz se llama ‘BB TRICKZ IS FOR KIDS’ y se ríe de su condición naíf. Además, la sitúa abiertamente como un producto de márketing:
«Es que tú estás firmá’, damn
Comerse un menú de Bizarrap
No eres calle, no eres gitana
Yo soy puro beef, tú menú de Aitana».
Es decir, Yung Beef se sitúa en el camino de la autenticidad desde La Vendición, y a BB Trickz la pone en la industria, junto a los McDonald’s.
Mientras los usuarios de Genius ya localizan al Lucas (mánager) de la letra de Yung Beef, y el mundo se posiciona a favor de uno o de otra, los que pensábamos este tipo de diss-tracks enterrados, ya sabemos que quienes ganan son los dos. Yung Beef le está dando crédito a una principiante. No hace falta pensar mucho para darse cuenta de que la está validando: esto es lo mejor que le podía pasar. Y él nos está recordando que tiene nuevo EP en la calle, ‘Gangster Paradise‘, entre los muchos otros que vienen.
Billboard informa en exclusiva de que Grimes y Columbia han roto su relación. La artista underground y el gran sello histórico habían anunciado su alianza en marzo de 2021. Sacaron temas como ‘Player of Games‘ y ‘Shinigami Eyes‘. Se anunció un proyecto llamado ‘Book 1’, y también que había tal cantidad de canciones -veinte- que quizá se dividirían entre ‘Book 1’ y ‘Book 2’.
Ahora desconocemos qué sucederá con tal proyecto, si saldrá en otra compañía, o llegará a sacarse a través de Columbia. Esto último parece ya improbable. No es muy esclarecedor un tuit de hace tan solo 2 días, del 24 de abril, en el que Grimes respondía una pregunta sobre qué pasaría con su esperado disco.
Su contestación era: «Ha estado en un cajón durante tanto tiempo que me he aburrido de él. Lo sacaré pero antes quiero sacar primero las últimas canciones que he estado haciendo». Nos preguntamos si estos seguirán siendo sus planes, pues hace 2 días Grimes podía saber que ya no estaba en Columbia… o no.
Lo seguro es que Grimes está enganchada a Twitter y ha estado comentando ampliamente su enorme interés en la Inteligencia Artificial. Hasta el punto de que ha ofrecido el 50% de los derechos de cualquier creación musical con IA que utilice su voz. El mismo tipo de acuerdo que cuando colabora con un artista. Eso sí, luego ha pedido que las canciones no sean ofensivas, por ejemplo de corte «nazi».
Por el camino ha dejado una declaración interesante: «Esperamos una gran cantidad de caos. Grimes es un proyecto artístico, no un proyecto musical. La finalidad última es empujar los límites, no crear una canción bonita. La cuestión es cavar agujeros aunque el resultado sea malo para nosotros».
It got held so long I'm bored of it, I'll put it out but I wanna release the new songs I just made first.
Ok hate this part but we may do copyright takedowns ONLY for rly rly toxic lyrics w grimes voice: imo you'd rly have to push it for me to wanna take smthn down but I guess plz don't be *the worst*. as in, try not to exit the current Overton window of lyrical content w regards to…
No llegó a la absoluta locura de lo ocurrido con Kate Bush y ‘Running Up That Hill (A Deal With God)‘, pero el año pasado Metallica experimentaron un viral con ‘Master of Puppets’ después de que ésta sonase en el final de temporada de ‘Stranger Things’, interpretada además por un secundario estrella del que ya se ha confirmado spin-off (de momento en forma de libro).
Pero es que el año anterior la banda ya había hecho ruido con la mastodóntica edición especial del conocido como ‘Black Album’: para su trigésimo aniversario, la banda editó ‘The Metallica Blacklist’, con gente tan distinta a Metallica (y entre sí) como Miley Cyrus, Juanes, Rina Sawayama, J Balvin, St Vincent, Mac DeMarco, Phoebe Bridgers o The Neptunes versionando sus canciones. Por todo esto, parece el momento idóneo para lanzar otro álbum de estudio. ¿Es ’72 Seasons’ una maniobra para conseguir nuevos fans fuera de los de toda la vida? Yo diría que no, por tres razones.
La primera es la propia calidad del disco, que iremos desgranando. Pero la segunda es que Metallica tiene ese poder de los tótems del género para ir sumando adeptos a medida que pasan las generaciones, sin haberse convertido en una “vieja gloria” pese a sus detractores, y la tercera es que este ’72 Seasons’ llevaba ya un tiempo cocinándose. A principios de 2019, Robert Trujillo ya hablaba de que el nuevo material llegaría mucho antes de lo que sus fans estaban acostumbrados a esperar entre disco y disco. Covid happenned, así que al final no ha sido del todo así, y han pasado 7 años del ‘Hardwired… to Self-Destruct‘ (solo un año menos de diferencia respecto a la distancia de ese con ‘Death Magnetic‘, de 2008). Desde luego, se nota que no es un disco hecho para salir del paso, y que Hetfield, Hammett, Trujillo y Ulrich llevan tiempo preparándolo, puesto que supone una mejora (primera razón) respecto a ‘Hardwired… to Self-Destruct’, que a su vez era un cambio de tercio respecto a los entregados en los dosmiles.
Hetfield ha explicado que el título habla de las 72 estaciones que cada persona pasa hasta llegar a la mayoría de edad, puesto que son las estaciones y las experiencias que “forman nuestros verdaderos o falsos yós (…) gran parte de nuestra experiencia adulta es al final una recreación o una reacción a esas experiencias de la niñez y la adolescencia, y podemos ser prisioneros de nuestras infancias o liberarnos de esas ataduras que llevamos con nosotros”. El resultado quizás no está a la altura de tan ambiciosa explicación -que parece más un intento de darle cohesión conceptual al disco- porque, aunque ninguna letra llega a ser risible (quizás la de ‘If Darkness Had a Son’ es la más desganada), tampoco es que haya ninguna que nos deje impresionados.
Pero sí que hay cierta exploración de temas como la ambición y el poder (‘Crown of Barbed Wire’), la depresión (‘Sleepwalk My life Away’, con un punto bastante más groovie), la autoestima y la aprobación de los demás (‘Room of Mirrors’), la injusticia (‘You Must Burn!), la amargura por un amor perdido (‘Inamorata’, con guiño incluido a ‘My Friend of Misery’ tanto en letra como en el solo) o incluso los directos (‘Lux Aeterna’). Capítulo aparte merece la interesante ‘Screaming Suicide’, que recuerda por la elección de punto de vista a la propia ‘Sad But True’ del ‘Black Album’, o incluso a ‘The Downward Spiral’ (canción), y que usa el tabú del suicidio para llegar a un inesperado cierre optimista.
Esa intención se ve también en la más trash ‘Too Far Gone?’ (que pasa de la desesperanza a la auto-afirmación) o en ‘Chasing Light’ (“without darkness there’s no light”), que, además, cuenta con un efectivo estribillo con tremendo potencial de ser coreado en sus conciertos a través de la unión en los “lean on me!”. El principal problema de todas las canciones es una excesiva duración que acerca el disco a la hora y media, que muy pocas veces se siente orgánica, y que parece más un estirar por estirar que una búsqueda por experimentar con algunos solos o porque lleven a otro viaje dentro del mismo corte.
Paradójicamente, una de las que no se nota alargada de más es ‘Inamorata’, que con sus once minutos no solo es la más larga del disco, sino también de toda la discografía de Metallica. Hetfield hace en ‘Inamorata’ todo un viaje tras el fin de una relación que en su día le aportó felicidad y que, ahora mismo, le tiene un poquito en la mierda, y por momentos es prácticamente una balada, volviendo luego al terreno explosivo en el que se mueve este ’72 Seasons’. Tanto el solo posterior al puente como el de la coda final hacen que merezca la pena la duración, y otra en la que el minutaje lleva consigo grandes momentos es ‘You Must Burn!’, con un solo final de lo más disfrutable.
Duración aparte, el asunto de las letras acaba teniendo una importancia bastante relativa. Sobre todo cuando el disco arranca con tres pepinazos como ’72 Seasons’, ‘Shadows Follow’ y ‘Screaming Suicide’, incluye también temas tan inmediatos y que visualizamos coreándose como ‘Lux Aeterna’ y ‘Chasing Light’, y otros tan interesantes como ‘You Must Burn!’ o ‘Inamorata’, bañados todos en el buen hacer de los miembros de la banda (el ya mencionado solo de Hammet en ‘You Must Burn!’ es solo un ejemplo), que de nuevo está en compañía de Greg Fidelman.
En definitiva, en el año que marca el 40º aniversario de su debut, Metallica vuelven en un momento a priori favorecedor (aunque sus resultados en Estados Unidos no estén siendo los mejores, también por el huracán Morgan Wallen), y lo hacen con un disco que se nota meditado, que sigue la senda de mejora que percibíamos en el anterior y que, aunque no llegue del todo a sus ambiciosas pretensiones, sí se acerca, entregando un puñado de buenos temas en el camino.
Seguramente esto cristalice en conciertazos durante la gira con escenario 360º que empieza este jueves en Amsterdam, y que se alargará más de un año llevándoles por todo el mundo. Como comentábamos en la crónica de su concierto en Mad Cool, a Hetfield no le importa si les conoces de siempre o si eres un “Metallica virgin”: te da la bienvenida a la familia, y en este disco lo hace entregando un trabajo lleno de energía por más que las edades de la banda entren ya en la sexta década de la vida. Unas poquitas 72 seasons de más.
‘American Life‘, el disco de Madonna de 2003, acaba de cumplir su 20 aniversario. Para celebrarlo, Madonna ha publicado un vinilo con remezclas en el Record Store Day. Además, hoy ha subido oficialmente a su canal de Youtube el videoclip original de ‘American Life’, el single principal, cuyo estreno canceló en el último minuto a causa de la invasión de Estados Unidos a Iraq.
El vídeo original de ‘American Life’ llegó a emitirse brevemente en Europa, pero nunca llegó a ser proyectado en Estados Unidos. Cuando se filtró el contenido del vídeo se tachó a Madonna de antipatriota -en ese momento la mayoría de estadounidenses apoyaba la invasión- y la cantante decidió retirarlo para evitar herir sensibilidades y que su mensaje fuera malinterpretado.
El vídeo que se estrenó, con Madonna interpretando ‘American Life’ delante de las banderas del mundo, no arriesgaba lo mismo. En el original, que por fin se puede ver en buena calidad, Madonna invade con un coche una pasarela de moda y simula un bombardeo. Cuerpos amputados tratan de huir de la escena, mientras imágenes de guerra de archivo reales aparecen intercaladas. Nada que no viéramos en el vídeo de ‘God Control‘ muchos años después, pero era otra época.
El vídeo subido a Youtube prescinde de la escena final que muchos fans de Madonna recordarán, en la que un doble de Bush recoge la granada del suelo -que antes ha lanzado Madonna- solo para descubrir que la granada es un mechero. Una metáfora sobre la necesidad de paz en medio de la guerra.
‘American Life’ es uno de los discos menos vendidos de la carrera de Madonna, pero su personal lírica y sobre todo la moderna producción de Mirwais lo han convertido en un álbum de culto para muchos de sus seguidores. En nuestro ránking de mejores discos de Madonna de 2015 quedó en 6º lugar.
Primavera Sound Madrid estará presente en las fiestas del 2 de mayo de Madrid con los conciertos de Ana Curra y Joe Crepúsculo. El lunes 1 de mayo en la Plaza Mayor, Primavera Sound programará dos actuaciones gratuitas de sendas figuras esenciales en la escena estatal, una procedente de los 80, de los influyentes Parálisis Permanente; y la otra de nuestro siglo. Joe Crepúsculo continúa presentando los temas de ‘Trovador tecno‘, uno de los mejores de 2022.
Al día siguiente, el martes 2 de mayo, el mismo escenario de la Plaza Mayor acogerá los conciertos de dos artistas de la escudería Primavera Labels, Christina Rosenvinge y Grupo de Expertos Solynieve. Concretamente, ese día 2 de mayo, Amatria y Grupo de Expertos Solynieve actuarán por la mañana en Plaza Mayor, y Rubí y los Casinos y Christina Rosenvinge, lo harán por la tarde. Los horarios los podéis consultar en madrid.org.
Además, habrá otros conciertos como los que en Casa Museo Lope de Vega se podrá ver de Alba Morena o Gara Durán, entre otros muchos artistas y espacios detallados en la web oficial.
Por otro lado, continúa el ciclo Sesiones Vermú, con conciertos repartidos por toda la Comunidad de Madrid de Amor Butano, Confeti de Odio, Marcelo Criminal, Margarita Quebrada, La Trinidad, Antifan, Rocío Saíz, Brava, Jordana B, Irenegarry, y un largo etc. que podéis consultar en esta subpágina.
Este fin de semana se celebra una nueva edición de Warm Up Murcia, y JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial. Ya os hemos recomendado a muchos de nuestros favoritos del cartel, como Moderat, Yo La Tengo o lo de Rocío Márquez con Bronquio; y también os hemos hablado de la fiesta de inauguración del viernes 28 de abril con Miss Caffeina, Kasabian y Ojete Calor. Pero habrá muchas otras actividades que hacer estos días en el entorno del festival o de la ciudad. En este artículo os informamos de otras 6 actividades, escenarios o conciertos no tan conocidos.
La organización lleva un par de días advirtiendo a través de redes sociales que quedan muy pocas entradas a la venta y la previsión de asistentes es récord histórico: más de 82.000 durante toda la semana del festival y más de 68.000 personas en el recinto de La Fica. Entre las 2 jornadas principales, se sumarán 48.000 asistencias.
_juno en el Teatro Circo
Los conciertos comienzan hoy mismo miércoles 26 de abril. _juno, el proyecto más experimental y libre de Zahara y Martí Perarnau IV, presenta su notable segundo disco ‘_BCN747‘ en el Teatro Circo. La entrada es con invitación y aún puede recogerse alguna en el teatro, de 17.30 a 20.30, como aseguran los Stories del propio dúo. Además, por la noche hay conciertos de Parquesvr y Alien Tango en la Sala Mamba, y de Casero en la Sala Distrito 13.
La Élite actúan este jueves
La Elite Big Show actúan a las 3 de la madrugada el próximo domingo, pero si temes perderte el final de Hot Chip o todo el set de Varry Brava en su ciudad, otra opción es verles en la Sala Garaje Beat Club este jueves 27 de abril a partir de las 23.30. Será la oportunidad de darlo todo con la presentación de uno de los discos más divertidos de los últimos meses, ‘Nuevo Punk’. También actúan Tristán! en la Sala Musik y Apartamentos Acapulco en la Sala REM a las 21.30. Además, hay presentaciones de libros de Joan Vich y Pau Roca en estas primeras jornadas pre-festival. Detalles, aquí.
dani, el sábado por la mañana
El sábado 29 de abril, antes de la primera jornada oficial, habrá conciertos de grupos como Limalimón, The Yellow Melodies, Tigre y Diamante, Pipiolas y Camellos en distintos espacios de Murcia, desde mediodía. Recomendamos especialmente el de dani en la Plaza Julián Romea, presentando otro de los discos nacionales del año, ‘Posdata’. Será a las 14.30.
PUTOCHINOMARICÓN, el domingo por la mañana
La misma jugada se repetirá el domingo 30 de abril por la mañana, con varios artistas como Ganges o Los Tiki Phantoms. A las 14.30 en la Plaza Julián Roma recomendamos a PUTOCHINOMARICÓN presentando su nuevo proyecto, un disco cuádruple del que ya ha salido el primer volumen. Aunque solo sea por ver la cara que pone por allí el público casual…
El after de Varry Brava y Chico Blanco
Quien no sea de madrugar, sino de trasnochar, tiene una jugosa alternativa: Varry Brava pincharán en Sala Garaje Beat Club el viernes 28 de abril de 4 a 7 de la madrugada, y Chico Blanco lo hará a partir de las 6 de la mañana en el mismo espacio el sábado 29 de abril. El domingo 30 también habrá fiesta “After Warm Up x Club Gordo” con varios dj’s.
Secret shows
Hoy miércoles además se ha programado un secret show acústico en la Sala de Catas Estrella de Levante a las 20.30 horas y mañana jueves 27 de abril, otro secret show acústico en Espinardo a partir de las 20.00. Eso sí, sobre este no os podemos recomendar ningún vídeo…
El sello francés Roche Musique, dedicado a la electrónica «French Touch» y a todo su derroche de elegancia y poder de seducción, cumple 10 años y lo celebra con una nueva edición que tendrá lugar el próximo sábado 29 de abril en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas siguen disponibles en la web de la sala a un precio de 17 euros + gastos adicionales.
El cartel de Roche por su 10º aniversario está compuesto por tres estrellas del sello, entre ellas su capo Cezaire, conocido por su éxito de R&B noventero ‘Purple Nights’ y por sus remixes de Silk City (‘Leave the Door Open’) o SG Lewis (el oficial de ‘All Night’). Cezaire también ha dedicado un tema a ‘Beyoncé’ pero lo mejor es que acaba de lanzar un pedazo de hit llamado ‘Back in the City’ que suena al mejor funk de los ochenta.
También ofrecerá sesión en Roche es Kartell, un indispensable del sello desde sus inicios. Kartell es conocido por sus producciones de house y nu-disco y es especialmente popular su EP ‘Riviera’, publicado en 2012, en el cual se incluye su hit ‘Pantera’. Ojo también a la elegancia suprema de la slow jam ‘Aura’ o al gancho de su bailable single ‘All In’, también funky.
El nombre destacado en letra grande en el cartel de Roche, sin embargo, es el de Dabeull: puede que te suene si te encuentras entre las personas que han contribuido a que su hit ‘You & I’ sume más de 30 millones reproducciones en Spotify. No es nada difícil imaginar que Bruno Mars se encuentre entre ellos: el sonido de ‘You & I’ puede recordar al de ‘24k Magic‘, pero es que ese hit de Mars ya se inspiraba en el funk enjoyado de los ochenta. El de Dabeull es igual de divertido.
Con su arsenal de hits, su bigote y su pecho al aire a lo Prince, Dabeull es el nuevo gran fichaje de Roche y seguro que en su set no faltarán otros hits que ha publicado recientemente, como ‘Touch’ o ‘Glitter Funk’.
Miss Caffeina acaban de sacar un nuevo EP llamado ‘Shangái Baby’ y parece que ha gustado entre su público. Hasta 3 de sus canciones aparecen ya en su top 5 de Spotify. Entre la inmediatez de ‘Para toda la vida‘, los sintes de la canción titular, y la historia que nos cuenta ‘Y de repente’, parece claro que estamos ante 3 fijas de su repertorio durante los próximos tiempos.
Hablamos con Alberto Jiménez sobre ‘Y de repente’, que seleccionamos hoy como «Canción del Día», justo antes de que Miss Caffeina actúen este viernes 28 de mayo en la fiesta de bienvenida de Warm Up, Murcia, que se celebra este finde con actuaciones como Moderat, Yo La Tengo, Viva Suecia y un largo etcétera. Kasabian y Ojete Calor estarán entre quienes acompañarán a «MissCa» en dicha fiesta de presentación antes de las jornadas oficiales de sábado y domingo.
He visto en Instagram que comentabais que dudabais cuál tenía que ser el single del EP. ¿Cuáles eran los pros y los contras de ‘Para toda la vida’ y de ‘Y de repente’?
Los dos temas tenían potencial, estuvimos indecisos al principio porque había distintas opiniones en la banda, en la compañía y en nuestro equipo. ‘Y de repente’ era una canción de pop más clásica, pero nos parecía que era más fácil que ‘Para toda la vida’ funcionara. Podía llegar a un público más amplio: la gente que nos sigue desde el mundo más pop y la gente que nos sigue desde un lado más alternativo. Para la función de single de hacer que llegase a más gente, ‘Para toda la vida’ era perfecta. Además, presenta mejor lo que te puedes encontrar en el EP y fue la primera que hicimos para el EP. Le teníamos cariño y queríamos que fuera la carta de presentación. También por la temática, teníamos la urgencia de sacarlo, de echarlo pa’ fuera.
‘Las Vegas’ era una canción sobre tu boda, dentro del último disco. ‘Y de repente’ del EP posterior parece una canción sobre un amor prohibido, de “te dije que esto no puede pasar” a “todo cambia en un año o dos”. ¿Tan poco te ha durado el amor o todo esto es una fantasía?
No, no tiene nada que ver con ‘Las Vegas’. ¡Sigo con mi relación muy bien! Por suerte. ‘Y de repente’ la escribí cuando me terminé el libro de Eloy Moreno ‘Cuando era divertido’, que habla de relaciones largas, de los procesos a lo largo de los años, y también de las relaciones esporádicas. Muchas veces no se da a las relaciones esporádicas la importancia suficiente, porque duran unas horas y ya está. Pero una relación esporádica puede ser especial, puede tener un valor significativo para ti y aportar muchas cosas que tenías olvidadas. En una relación larga puedes dejar de sentirte deseado, en una monotonía continua… Por eso esta canción es «hoy ha sido muy especial, va a ser un secreto, pero mañana, si te he visto no me acuerdo».
El tema apela a una canción que todo el mundo baila y canta a tu alrededor. ¿Cuál podría ser esa canción, aunque no os refiráis a ninguna en concreto?
Me lo imaginaba como la típica que acaba de salir pero todo el mundo se sabe ya, como ‘Flowers’ (de Miley Cyrus) o alguna de Doja Cat. Como cuando la gente se aprende una frase y la canta. No me imaginaba tanto un clásico que suena en una discoteca, como algo muy actual. Es lo que me pegaría con la situación de la canción.
Las líneas melódicas de teclados son de lo mejor de este EP, como se ve también en ‘Shangái Baby’. ¿Se os ha pasado por la cabeza cierta correspondencia con el pelotazo de ‘As It Was’ de Harry Styles o sois más de a-ha?
Cuando Sergio me mandó la demo de ‘Shangái Baby’ sí que me recordó un poco a Harry Styles y se lo dije. Es inevitable, este tipo de discos monstruosos que lo copan todo, ganan muchísimos premios y demás, están integrados en el imaginario de todo el mundo. Es normal que de repente te salga algo que se pueda parecer. Pero es verdad que en este EP los sintes tienen más protagonismo. Hay mucha guitarra pero los sintes hacen los motivos fundamentales. Pensando en la sonoridad de este EP, queríamos que fuera muy sencillo, que todo lo importante sonase mucho y todo lo demás estuviera muy atrás o directamente no estuviera. Por eso todos los riffs de teclado tienen bastante importancia en este EP. Incluso en esta canción ‘Y de repente’, que puede parecer más orgánica, los teclados están muy bien metidos. Ya que no he sido yo quien los ha metido (risas) lo puedo decir, sin parecer pretencioso.
Bruce Springsteen está a punto de dar comienzo a su gira europea en España. El 28 de abril el Boss dará el primero de dos conciertos anunciados en el Estadi Olímpic de Barcelona. Conciertos para los que han volado las entradas pese a sus elevados precios, que se han situado entre los 65 y los 400 euros, en otro ejemplo del cambio de paradigma que está sufriendo la industria del directo.
La gira actual de Bruce Springsteen and The E Street Band, que ya había empezado en Estados Unidos, será la primera de Springsteen desde 2017. ‘The River Tour’ empezó el año anterior, en 2016, y pasó por otras ciudades españolas además de Barcelona, en concreto San Sebastián y Madrid.
Desde entonces el repertorio de Springsteen se han engrosado considerablemente después de la publicación de hasta tres nuevos álbumes de estudio. Especialmente bien recibido fue ‘Western Stars‘ (2019), al que le siguieron ‘Letter to You‘ (2020) y ‘Only the Strong Survive‘, este último, menos inspirado en su revisión de clásicos no tan conocidos del viejo soul.
Curiosamente, a pesar de que la gira del Boss ha podido disfrutarse primero en los «states», entre los asistentes al concierto inaugural del 28 en Barcelona se han confirmado a Barack y Michelle Obama y también a Steven Spielberg. Los tres son amigos del Boss.
Cuando quedan pocas semanas para que se celebre el festival de Eurovisión, el próximo 13 de mayo, Blanca Paloma no pierde el tren y ha anunciado que esta misma semana lanzará nuevo single. ‘Plumas de Nácar’ saldrá este viernes 28 de abril.
‘Plumas de Nácar’, que será solo el cuarto single de la carrera de Blanca Paloma, se conoce desde hace meses, al menos, la versión que Paloma ha interpretado en directo, pues la cantó en la presentación de Benidorm Fest y después en su actuación en el Café Berlín de Madrid. Ahora saldrá la versión grabada, que trae más aires flamencos y electrónicos.
Por casualidades de la vida (o no), Blanca Paloma lanzará ‘Plumas de Nácar’ el mismo día que Chanel su nuevo single con Abraham Mateo, ‘Clavaíto‘.
Blanca Paloma ha acudido en la noche de este martes a la gala de los Premis Sant Jordi de RTVE celebrada en Barcelona. Ha cantado ‘EAEA’ en directo y, en la alfombra roja, ha coincidido con Susan Sarandon y con Luz Casal.
En cuanto a las posibilidades de Paloma en Eurovisión, ya comentamos en el podcast de JENESAISPOP que no habría que descartar una posible victoria, pues ‘EAEA’ está funcionando muy bien en las apuestas, donde ha sido top 4. Ahora ha bajado al 6.
Ed Sheeran acaba de ganar el juicio por el supuesto plagio de ‘Shape of You’, pero su pesadilla judicial continúa. Este martes, Sheeran ha testificado en un tribunal de Nueva York para defenderse de otra acusación por plagio, la de los herederos de Ed Townsend, co-autor de ‘Let’s Get it On’ de Marvin Gaye, quienes están convencidos de que Sheeran plagió ‘Let’s Get it On’ en ‘Thinking Out Loud’, su exitoso single de 2014.
Según los demandantes, Sheeran copió fundamentalmente partes de la melodía y la progresión de acordes de ‘Let’s Get it On’ en ‘Thinking Out Loud’. En el juicio han usado como prueba un vídeo de un directo de Sheeran en el que el británico fusiona ambas canciones a modo de mash-up, vídeo que su abogado considera de hecho una «confesión» involuntaria del británico.
Sheeran evidentemente no está de acuerdo. En el juicio ha declarado que ‘Thinking Out Loud’ es una composición original de él y de Amy Wadge y que la letra está inspirada en sus abuelos. Además, ha discutido el argumento del vídeo: «Muchas canciones de pop se pueden tocar por encima de otras canciones de pop. En el vídeo simplemente estoy juntando una canción con otra».
Extrañamente ambivalente se ha mostrado en el juicio Kathryn Griffin Townsend, hija de Ed Townsend. Por un lado, Kahtyrn ha declarado que no estaba segura de denunciar a Sheeran porque admira su trabajo y no se considera una «trol de los derechos de autor». Aún así decidió seguir adelante con la demanda «para proteger el legado de mi padre».
El juicio de Sheeran empieza cuando quedan apenas dos semanas para que salga a la venta su nuevo disco, ‘-‘ o «Subtract», que sale el 5 de mayo.
PJ Harvey ha anunciado que su nuevo disco ‘I Inside the Old Year Dying’ sale el 7 de julio. El primer single, ‘A Child’s Question, August’, ya está fuera El adelanto publicado en redes revelaba un sonido ralentizado y guitarrero cercano al slowcore.
El décimo disco de Harvey, grabado con John Parish y Flood, «construye un universo sónico que se ubica en un espacio ente los opuestos de la vida, y entre la historia reciente y el pasado ancestral». Las letras estarán «salpicadas de referencias bíblicas y a Shakespeare que se disuelven en algo profundamente edificante y redentor».
Así queda el tracklist:
1. Prayer at the Gate
2. Autumn Term
3. Lwonesome Tonight
4. Seem an I
5. The Nether-edge
6. I Inside the Old Year Dying
7. All Souls
8. A Child’s Question, August
9. I Inside the Old I Dying
10. August
11. A Child’s Question, July
12. A Noiseless Noise
PJ Harvey vuelve por fin después de muchos años. ‘The Hope-Six Demolition Project‘, su último disco, salió en 2016, y se sabe que Harvey ha estado trabajando en un nuevo proyecto, pues ha estado en el estudio con John Parish y Flood y ella misma ha declarado que está «muy contenta» con el resultado de este trabajo.
El trabajo de PJ Harvey de los últimos años se ha centrado en el mundo del teatro y la televisión. En 2019 firmó la banda sonora completa de la adaptación al teatro de ‘Eva al desnudo’, publicada en 2019, y en 2022 estrenó otra banda sonora, la de la serie ‘Bad Sisters’.
El vídeo de ‘A Child’s Question, August’ llegará con dirección de Steve Gullick, integrante de la banda Tenebrous Liar y fotógrafo del NME.
PJ Harvey's new song 'A Child’s Question, August' is out this Wednesday April 26th. Pre-save here https://t.co/Tx8mfeO3nT
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