Katy Perry está acabando su residencia en Las Vegas, ‘PLAY’, y en una entrevista para ‘Good Morning America’ ha estado hablando de sus planes de futuro. La artista ha confesado que sí, que volverá a sacar música, pero pide paciencia para poder «hacerlo bien».
Aunque desde que fue madre Katy Perry no ha sacado música, no habla de ello con ninguna pena, al contrario. «No he estrenado nada desde mi querida Daisy. Pero he escrito muchísimo y lo he hecho desde un lugar muy amoroso porque estoy llena de amor. Un amor incondicional que no sabía que existía», explicaba en la entrevista.
Su álbum ‘Smile’ salía dos días después de dar a luz, y por eso sus prioridades se han transformado en cierta manera. «Siempre estoy escribiendo, lo he estado haciendo, pero ahora es importante para mí celebrar el mundo que he conseguido construir, con canciones preciosas y siendo responsable de la vida de una persona de 3 años. Volveré, pero dejadme hacerlo bien».
Sobre la experiencia de la residencia en Las Vegas, la artista ha dicho que ese sentimiento de «familia, comunidad y unión» los recordará siempre. Aunque quedan algunos meses para que acabe, Katy Perry ya afirma que la «energía y la alegría» que había en los conciertos ha sido «preciosa».
Jungle publican este viernes ‘Volcano‘, su nuevo disco. En los próximos días publicaremos una entrevista con uno de sus dos integrantes, Joshua Lloyd-Watson, que nos hablará sobre los entresijos del que será el Disco de la Semana en estas páginas.
‘Volcano’ es el disco más retro y orgánico de la carrera de Jungle, un trabajo de funk y disco radiante que se deja influir por el R&B y el soul clásico de gente como Al Green o Minnie Riperton, especialmente en sus minutos finales. De manera interesante, la mayoría de melodías vocales de ‘Volcano’ son originales, no sampleadas, aunque lo parezcan.
Entre las vocalistas acreditadas en ‘Volcano’ se encuentra Lydia Kitto, colaboradora habitual de Jungle. Kitto canta y co-escribe varios cortes en ‘Volcano’, como ‘Candle Flame’, y también aparece en el reciente single, ‘Back on 74’, la Canción Del Día de hoy.
‘Back on 74’ es otro caramelo funky de Jungle decorado con luminosas armonías vocales luminosas y animadas percusiones que invita a soñar en otra época. 1974 es el año de lanzamiento de álbumes de funk tan importantes como ‘Up for the Down Stroke’ de Parliament o ‘Live it Up’ de los Isley Brothers. Sin embargo, el título de ‘Back on 74’ se refiere en realidad al número de una calle, probablemente la 74 Street de Manhattan, en la que es una historia de regreso al hogar: «no lloraré nunca más», canta la narradora.
Os recordamos que Jungle presentarán ‘Volcano’ en España: el dúo estará el 27 de octubre en la sala Razzmatazz, y el 28 de octubre el Palacio Vistalegre de Madrid.
Un retrato de Harry Styles pintado por David Hockney, autor de obras míticas del arte pop como ‘A Bigger Splash’ (1967) o ‘Portrait of An Artist’ (1972), podrá verse expuesta en la National Gallery de Londres a partir del 2 de noviembre de 2023. La obra forma parte de la exposición ‘David Hockney: Drawing from Life’ que recopila una treintena de nuevas piezas creadas por el pintor durante los últimos dos años, así como otras clásicas, sumando 160 piezas en total.
La exposición, que concluirá el 21 de enero de 2024, estuvo abierta brevemente en marzo de 2020, antes de que la pandemia obligase a cerrar sus puertas. En los años posteriores, Hockney creó nuevas piezas que podrán verse exhibidas en la galería, entre ellas, el retrato de Styles.
El proceso de creación del retrato de Styles empezó en mayo de 2022, cuando el autor de ‘Adore You’ visitó la casa del pintor en Normandía, Francia. En declaraciones a Vogue, Styles se ha mostrado «emocionado y honrado por el privilegio» de ser retratado por Hockney, y ha afirmado que el pintor «ha estado reinventando la forma en que vemos el mundo durante décadas».
La gira de ‘Love On Tour’ de Harry Styles, que precisamente en mayo de 2022 no tenía ninguna fecha programada, concluyó recientemente en Reggio Emilia, Italia. En este concierto, Styles estrenó una composición nueva, instrumental. Antes, la gira pasó por Barcelona.
‘Until I Found You‘, el hit multimillonario de Stephen Sanchez, ha devuelto el sonido del pop de los años 50 a la actualidad musical. Tanto su versión original como el remix con Em Beihold acumulan, indistintamente, en torno a 700 millones de streamings, sumando más de mil millones en total. Es uno de los mayores éxitos de los últimos años, básicamente.
Stephen Sanchez ha seguido publicando canciones después de ‘Until I Found You’, como la maravillosa ‘Evangeline‘, u ‘Only Girl’. Con la última, ‘Be More’, otra balada doo-wop romanticona marca de la casa, Sanchez ha decidido anunciar, por fin, su primer disco.
‘Angel Face’ será el álbum de Stephen Sanchez y verá la luz el 22 de septiembre. La portada sigue fiel a la estética vintage de Sanchez, y el tracklist incluye todos los singles mencionados, además de una colaboración con Laufey (The Voice Ireland). Así queda el tracklist dividido en las dos caras del vinilo: ‘Until I Found You’ cierra la cara A.
Side A
Something About Her
Evangeline
I Need You Most Of All
Only Girl
Be More
Until I Found You
Side B
Shake
High
Doesn’t Do Me Any Good
No One Knows (with Laufey)
Caught In A Blue
Death Of The Troubadour
Send My Heart With A Kiss
El imprevisible temporal cántabro hizo de las suyas en el último día del Santander Music. Ayer, no solo llovió desde primera hora, a eso de las 20, sino que llovió tanto que los conciertos de dani, REYKO y Alice Wonder tuvieron que ser cancelados por la gran cantidad de agua que se había colado en el escenario pequeño. El lado bueno es que el resto de conciertos fueron lo suficientemente sólidos como para despedir el Santander Music por la puerta grande.
En un momento dado, se pretendía reubicar alguna de las actuaciones canceladas al escenario principal, pero no fue posible. La única consolación la tuvieron REYKO, que habían tocado esa misma mañana en el Centro Botín. La solución para suplir este vacío fue las DJs santanderinas Compañeras De Piso, que se encargaron de amenizar la espera entre actuación y actuación.
Queralt Lahoz salió al escenario para una audiencia de unos 30 chubasqueros con una sonrisa imborrable, pese al pésimo día que estaba haciendo. Según avanzaba el show se fueron uniendo cada vez más personas, lloviese lo que lloviese. Normal, porque el espectáculo lo merecía. Es que hasta el volumen, que parecía que lo habían subido al 11, estaba pensado para atraer más y más gente. Me perdí su concierto en Tomavistas por ver a Depresión Sonora y ayer me di cuenta de lo equivocado que estuve.
Lahoz dio un recital de arte, sentimiento y conciencia, intercalando rompepistas tales como ‘Con Miedo a Ti’ o ‘No Me Salves’, dedicada a su tóxico exnovio; temas con un sabor urbano como ‘Ya No’ o ‘De a Cueva a los Olivos’; y otros más tradicionales como la sentida ‘María la Molinera’, dedicada a su abuela.
En este punto, Lahoz se tomó unos minutos para explicar «quién soy y por qué estoy ocupando este espacio». Queralt habló de cómo su familia se vio obligada a irse de Granada por los caciques y por qué piensa que «la memoria histórica tiene que estar presente en todos los lugares», ganándose un gran aplauso de los presentes. Apenas un día antes conocíamos la triste noticia de la derogación de la ley de Memoria Democrática que habían pactado el PP y Vox en Aragón. Una cosa es ser artista y otra tener arte, y Queralt Lahoz lo tiene todo.
Gonzalo Rogina
La lluvia seguía cayendo y los de La M.O.D.A. salieron con sus típicas camisetas de tirantes. Se nota que son de Burgos. Tocaron los primeros acordes de ‘Nubes Negras’ y, como obra del destino, se cortó el sonido de repente: «Ahora volvemos, un minuto». Diez minutos después regresaron, empezando directamente por ‘Catedrales’, y la fiesta ya no tuvo fin.
El concierto de La M.O.D.A. fue un éxito tremendo y hubo solo una razón, pero en dos partes: la predisposición, tanto del público, que no dejó de botar, como del grupo. El vocalista, David Ruiz, no podía expresarlo mejor: «Venimos con toda la motivada para hacer el mejor concierto del año». No sé si lo consiguieron, pero sí que lograron uno de los conciertos más memorables de esta edición de Santander Music. Especialmente emocionante fue el momento en el que Ruiz bajó al foso para cantar ‘Hay un fuego’, mirando a los ojos y dando la mano a los afortunados de la primera fila. Para cuando sonaron los tres maravillosos temas finales (‘1932’, ‘Héroes del Sábado’ y ‘Mañana voy a Burgos’) todo el mundo se había olvidado de que había estado lloviendo a mares hasta hace unos minutos.
Queralt Lahoz y La M.O.D.A. tuvieron que luchar contra la lluvia y el malestar que conlleva, y sus actuaciones fueron un éxito total. El concierto de Viva Suecia, el gran evento del Santander Music, también fue un éxito, pero lo tuvieron más fácil. La lluvia ya había parado hace rato y todo el mundo quería acercarse a ver al grupo del momento, que continúa en su victory lap tras la gran acogida de ‘El Amor De La Clase Que Sea’. La reacción del público a ‘No Hemos Aprendido Nada’, ‘Los años’ y ‘La Voz Del Presidente’ es una prueba clara de que los murcianos están en su mejor momento.
Sónicamente, el concierto de Viva Suecia también es un portento. Especialmente ‘Algunos tenemos fe’ y ‘El Rey Desnudo’, esta última sonando infinitamente mejor que su versión de estudio, con unas guitarras que hicieron temblar a toda La Magdalena. Viva Suecia se gustaron, disfrutaron y prepararon algunas sorpresas para amenizar la hora y media de concierto que tenían. De hecho, tenían tanto tiempo que tocaron ‘Parar La Tierra’, un tema «que no solemos hacer por los horarios de los festivales». Para terminar, La M.O.D.A. volvió a salir al escenario para acompañar a Rafa Val y a los suyos en ‘El Bien’, firmando uno de los mejores momentos de la noche.
Se podría decir que para cuando salieron Iseo & Dodosound estaba todo el pescado vendido, pero el público estaba entregadísimo a continuar con la fiesta y los dos grupos que quedaban estaban dispuestos a entregar a la gente lo que querían.
El dúo de reggae y dub de Iruña dieron comienzo a su segundo concierto en Santander con ‘Infinity’, que fijó el ambiente para el resto del show: una espiral de buen rollo y trompetas en la que cabían tanto temas originales (‘Dame’,’Frozen Desert’) como versiones (‘Chan Chan’ de Buena Vista Social Club). Por otro lado, Ladilla Rusa no perdieron ni un momento y dieron comienzo a su recital de humor y verbena directamente con ‘Macaulay Culkin’ tras salir de una jaula y hacer el escenario suyo: «Han llegado las mariconas de Barcelona».
Gonzalo Rogina
La mayoría de los presentes nunca habían visto al dúo catalán, y aunque estos se quejaron de que «siempre nos ponen para cerrar», ayer fue la mejor decisión posible. El público se rindió ante la particular fiesta de Ladilla Rusa, con temas sobre la rutina de mierda en el trabajo, las princesas de Disney republicanas o los «fachas de mierda». Hubo hasta una misa a las 4 de la mañana por todos aquellos ídolos que se fueron a «criar malvas». A mitad de show, Tania y Víctor preguntaron al público si los que no les habían visto nunca pagarían por verles en una sala y todo el mundo levantó la mano. De esta forma, lo que había empezado como una jornada más que complicada acabó siendo un éxito total para Santander Music.
El que fue teclista de The Kinks, John Gosling, ha fallecido a los 75 años, según ha contado la propia banda en un comunicado. El artista formó parte de The Kinks entre 1970 y 1978 y sus ex compañeros han lamentado su muerte en Instagram: «Estamos increíblemente tristes con la noticia del fallecimiento de John Gosling. Nuestras condolencias a su mujer y familia».
Gosling tocó con la banda en temas como ‘Lola’ y participó en álbumes como ‘Muswell Hillbillies’ y ‘Everybody’s in Show-Biz—Everybody’s a Star’. En el año 2008 el teclista se retiró. Además del mensaje de cariño colectivo, cada miembro le ha dedicado unas palabras.
«Condolencias a su mujer Theresa y a su familia. Descansa en paz querido John», escribía Ray Davies. Su hermano Dave añadía: «Estoy profundamente consternado por la muerte de John Gosling. Ha sido un amigo y un importante colaborador en la música de The Kinks durante el tiempo que estuvo con nosotros. Mi más sentido pésame a su mujer. Siempre le guardaré un profundo afecto y cariño en mi corazón. Gran músico y gran hombre». Mick Avory suscribía las palabras de ambos y además celebraba el «fantástico sentido del humor», que dice «le hizo popular en el grupo».
El Disco de la Semana está siendo ‘UTOPIA‘ de Travis Scott y no solo por los espectaculares números que está produciendo. ‘UTOPIA’ es una superproducción de hip-hop que incluye beats realmente asombrosos como los de ‘Hyaena’, ‘Forever Lost’ o ‘Modern Jam’.
‘Modern Jam’ se desmarca del resto de pistas de ‘UTOPIA’ por su sonido electrónico. Resulta que es Guy-Manuel de Homem-Christo, ex integrante de Daft Punk, quien firma esta base de electro futurista, sobre la que Travis escupe sus versos.
La historia de ‘Modern Jam’ está directamente relacionada con Kanye West, mentor de Travis. La base de ‘Modern Jam’ es la misma que sonaba en la versión inicial de ‘I Am a God’ de Kanye, antes de que esta llegara al acabado que todos conocemos, incluido en el histórico ‘Yeezus‘ (2013).
Puede que la base de ‘Modern Jam’ cuente ya más de diez años, pero no se nota. Los sintetizadores aún te llevan «al espacio exterior», como rapea Travis en uno de los versos cuando se compara con sus colegas raperos. Él está más alto que ellos.
En ‘UTOPIA’, ‘Modern Jam’ ofrece un oasis de pop. En primer lugar porque Travis se marca unas barras bastante pegadizas. Y no, a Travis no le van a dar el Pulitzer por escribir «Hey, Guy-Man, brought him home from France / This shit punk, put it on the Bible / I like a bi girl on a bi-cycle» o «Then I bought a car, now she feel entitled / My dick so hard, pokin’ like the Eiffеl», pero las rimas son memorables. Puede que no digan nada, pero la sonoridad de las palabras hace que se peguen.
Y después está la colaboración de Teezo Touchdown. El rapero de Texas, una promesa del rap, pues aún no tiene un solo disco en el mercado, ofrece uno de los mejores momentos de ‘UTOPIA’ cantando el puente: «I know you’re lyin’ / Outside waitin’ in the line / Gettin’ told one at a time». La épica melodía, y su dramática melodía de cantarla, elevan la canción, sí, a la categoría de «temazo moderno».
Jessy Lanza es una de esas artistas que allá por 2013 supieron decirnos algo nuevo del pop electrónico. La suprema elegancia de sus producciones, su reconocible falseto, su evidente admiración a Janet Jackson, convirtieron su debut ‘Pull My Hair Back’ es un clásico del sello Hyperdub (Burial, Kode9). Después, ‘Oh No’ (2016) nos dio ‘It Means I Love You’, uno de los mayores pepinazos de la pasada década. ‘All the Time’, su tercer disco, siguió una línea más pop, casi por defecto, dándonos otro hit del calibre de ‘Lick in Heaven’.
Lanza, que es canadiense, de Ontario para más señas, entonces se había mudado a California, pasando de Bay Area (San Francisco) a Los Ángeles durante la pandemia. Fue en esa época en que Lanza empezó a componer las canciones que hoy forman parte de su nuevo disco, ‘Love Hallucination’. Algunas las escribió para otros artistas pero, por razones contractuales, no puede revelar nombres.
Curiosamente, la canción más pop del disco, Lanza dice que no se la ofreció a nadie. Y normal, porque ‘Limbo’ es un caramelo de pop ochentero que te hace desear haber vivido la época inicial de Whitney Houston o del ‘Forget Me Nots’ de Patrice Rushen. Sobre todo porque, en general, las canciones de ‘Love Hallucination’ rara vez son tan inmediatas.
‘Don’t Leave Me Now’, que abre contándonos la historia de un casi atropello, abre con un beat nervioso inspirado en el footwork, uno de los estilos favoritos de Lanza. Es otra de sus producciones finas como la seda -Jonny Greenspan vuelve a acompañarle en los créditos- e incluye un elegante motivo de piano que suena reconfortante. Esa misma sensación deja ‘Midnight Ontario’, que parece una versión pop de Burial, pues consigue capturar la magia de pasear por una ciudad hipormoderna a altas horas de la noche, mientras llueve.
Después las canciones van tomando diferentes formas. Y algunas quedan más claras que otras. ‘Casino Niagara’, que narra un romance furtivo, es otra de esas slow jams de R&B nocturno que a Lanza tan bien se le dan: esos teclados suenan a puro lujo. ‘Gossamer’, que aparece más adelante, incorpora beats que remiten al Minneapolis funk de Prince, muy aptos para una historia sobre la ansiedad: “todas mis preocupaciones, me van apareciendo en la cabeza, mientras no hago nada”.
Luego es cierto que a Lanza le siguen quedando canciones demasiado difuminadas: no hay mucho a lo que agarrarse en el funk de ‘Don’t Cry on My Pillow’, ‘Big Pink Rose’ es graciosa pero parece una improvisación inacabada, y lo mismo se puede decir de ‘I Hate Myself’, una canción que recibe su título de una frase de ‘Wild Horses’ de Prefab Sprout, con la que poco hace realmente. Lanza podría sacar un disco de hits si quisiera, pero, de momento, parece que no quiere.
El Santander Music sigue siendo garantía de sorpresa. La edición de 2023 ha abierto con una jornada en la que se podía encontrar de todo un poco: post punk moderno, indie rock, electro pop, flamenco pop, hip hop… Vamos, que aunque la potencia de SFDK superase a todo lo demás, había algo para todo el mundo.
La organización sigue siendo de lo mejorcito, «forzando» a la gente a ir y venir entre los dos escenarios sin dejar un momento en el que no suene la música y evitando que se formen aglomeraciones. El único pero que se le puede poner es ese cambio total de horarios a última hora, que realmente creo que ha sido un acierto en algunos aspectos, como en el adelanto del concierto de SFDK, pero que inevitablemente va a dejar descontentos.
Así lo expresó Markusiano de Depresión Sonora cuando comenzó su actuación a las 20:30 en el «escenario chiquipark»: «Hay medialunas, Coca-Cola y diversión», soltó sin perder la sonrisa de la boca. En principio, su concierto iba a empezar a las 23:00 de la noche. Teniendo en cuenta el tipo de música que hace Depresión Sonora, este no es un cambio menor.
Pese a todo, Markusiano llevó adelante su show apoyándose tanto en sus grandes temas como en los fieles de primera fila que nunca faltan y te bailan hasta lo imbailable. Con ‘Bienvenido al Caos’ y ‘Veo Tan Dentro’, el ambiente todavía estaba tímido, pero empezó a remontar con ‘Fumando en mi Funeral’ y se terminó de prender con ‘Apocalipsis Virtual’, en la que pidió un «mini pogo» a los niños de primera fila, y especialmente con «Hasta Que Llegue la Muerte’. En esta última hasta Markusiano bajó del escenario para darlo todo en el pogo colectivo final. Y vi una cerveza volar: éxito para Depresión Sonora.
Disfruté en cierta medida el concierto de Second, uno de los grupos que se enmarcaba totalmente en el público objetivo del festival y además en su gira de despedida. El público estuvo activado, Sean Frutos demostró una gran presencia en el escenario y la banda dio un sólido show, pero teniendo en cuenta todo lo que vino después los murcianos han quedado como lo menos reseñable de la jornada. El caso de Ana Tijoux, la siguiente en tomar el escenario principal, fue todo lo contrario.
Tijoux es alguien que no es normal ver en el cartel de ningún festival nacional y se trata del único nombre internacional de toda la edición. Fue un concierto muy diferente a todos los demás. A Tijoux no le daba miedo tomarse su tiempo para explicar el concepto o el sentido detrás de una canción y presentó un concierto de rap pausado, con instrumentación en directo y solos de bajo, piano y batería. Comenzó con una versión sofisticada de ‘1977’, que muchos la conocerán por su aparición en Breaking Bad, y fue intercalando temas del pasado y el presente, como ‘Sacar La Voz’ (2010) y ‘Niña’ (2023). Fue uno de los conciertos más especiales de la jornada, pero no pareció llegar a todo el mundo.
Gonzalo Rogina
Toda la energía que le faltaba a Tijoux la tuvieron SFDK. No pensaba que fuese a disfrutar tanto su show, pero fue el único concierto del día que realmente se puede calificar como espectáculo. Supongo que se podría decir lo mismo del concierto de La Casa Azul, pero los sevillanos no tienen todos los medios efectistas que sí tiene Guille Milkyway (confeti, visuals…) y aun así lo superaron. Si antes dije que no se formaron aglomeraciones, SFDK rompieron la norma e hicieron que un buen bulto de gente cogiese sitio antes de su salida.
Zatu y Acción Sánchez tienen una química inigualable en el escenario y lo que menos me esperaba era que fuese a ver coreografías en un concierto de SFDK. A ver, semi coreografías. Dentro de lo estudiado y trabajado que tienen su show, inmersivo y con un ritmo frenético que hace que se te pase en nada (siendo el más largo de la jornada), también hay cabida para momentos espontáneos, como una pequeña improvisación de Zatu o los juegos constantes con el público. No tenían una banda como Tijoux, pero tampoco la necesitaban. Aun sin conocer ninguna canción sería difícil no contagiarse por la energía del ambiente.
En cuanto a su repertorio, poco puedo decir. En 2024 el dúo sevillano cumple 30 años de carrera y eso no es posible sin una colección de temas a la altura: ‘Lucifer’, ‘Bajo el Mismo Sol’, ‘Mambo’, ‘Agua Pasá’, ‘Ringui Dingui’, la emotiva ‘Ovarios y Pelotas’ y ‘Un Pobre Con Dinero’, entre muchas otras, fueron las más celebradas. El público parece que quedó satisfecho porque, al terminar, la mayoría se fue a su casa.
La Casa Azul y Soleá Morente se encargaron del punto fiestero y de verbena que no puede faltar en un festival y hasta hubo crossover en el escenario pequeño para cantar la rumbera ‘Vamos A Olvidar’ juntos por primera vez. En el resto del concierto de Morente, creo que nadie dejó de bailar. Lo mismo con La Casa Azul, que fue el evento multitudinario de la jornada. Milkyway habló de «lo que ha hecho Juan de Pablos por nosotros» y de ese punto medio del amor entre «me quedó aquí para siempre y mándame a la puta mierda porque no puedo más». Y eso que normalmente no se explaya mucho.
Matty Healy se ha burlado de la polémica que The 1975 protagonizó en Malasia. Lo ha hecho durante su concierto en Lollapalooza. Y es que ya es tradición para la banda que cuando van a ‘It’s Not Living If It’s Not With You’, Healy suelta alguna broma controvertida, pero antes de que acabe la música le silencia.
En este último concierto la broma fue en relación con el tema de Malasia: «¿Queréis que os de un consejo de viajes? No vayáis a…», y la música de su banda le cortaba la coña. Aunque el mes pasado, cuando The 1975 actuó en el festival Good Vibes en Kuala Lumpur, parecía que el alegato pro-LGTB+ se iba a quedar en eso, únicamente, la polémica ha ido a más.
No solo el festival les cortó el show por el discurso de Matty Healy y el posterior beso al bajista Ross MacDonald, también canceló el resto del festival. Además, el Gobierno de Malasia prohibía a The 1975 que volviese a tocar en el país.
Y lo último que ha ocurrido en esta larga polémica es que el grupo podría enfrentarse a una denuncia colectiva por parte de un bufete de abogados malasio, según ha informado NME. Lo cuál podría costarles a los 4 miembros de la banda la indemnización de las perdidas sufridas, porque según han indicado los abogados, fue «un acto deliberado e imprudente que se hizo a sabiendas de las consecuencias».
Bethany Cosentino ha dejado atrás a Best Coast y debuta con su primer disco a su nombre. El texto de presentación nos explica que Bethany se había encontrado varada en medio de «una pandemia global; el cambio climático asolando el mundo; un patriarcado enfermo pisoteando a diario la democracia y los derechos humanos básicos; innumerables tragedias nacionales; una interminable y omnipresente sensación de fatalidad. Con este telón de fondo, Cosentino se vio obligada a hacer balance de todo ello y saltar del tiovivo de incontables ciclos de álbumes y giras para decir «¿qué coño estoy haciendo con mi vida?»
Todo pinta muy bien sobre el papel. Sobre la oreja, ya es otro cantar. La premisa parece anunciar un álbum de canciones furiosas y potentes, pero nada más lejos de la realidad. De hecho,en ese mismo texto se destaca el nombre de Sheryl Crow como influencia principal de ‘Natural Disaster’, y se nota: Bethany ha abandonado el pop indie y soleado de Best Coast y ha abrazado el pop rock adulto noventero. Al fin y al cabo, ya tiene 35 años, como canta en ‘Easy’. Para reforzar esta adultez, su característico tono aniñado de voz ha mutado en otro más recio.
¿Hace todo esto de ‘Natural Disaster’ su disco de madurez? Pues más bien de “manidez”, porque todo suena a ya muy oído. Se aprecia el esfuerzo de Cosentino por avanzar y encontrar nuevas vías, pero las nuevas vías que nos ofrece no solo no son nuevas, sino que están trilladísmas. Todo suena demasiado convencional, Bethany pierde parte de su personalidad, queda diluida en temas demasiado tópicos de rock de radiofórmula, al que le falta la chispa comercial que le podían poner Crow o “one hit wonders” como Meredith Brooks. Aun así, es un disco de escucha agradable. Las letras son narrativas y directas, y la entonación clara de Bethany hace que se entiendan de maravilla.
De entrada, ‘Natural Disaster’ (la canción), suena como volver a casa. Su riff ensoñador te arrastra en medio de una letra sobre catástrofes y fin del mundo. Pero Cosentino no suena angustiada, sino más bien apesadumbrada, y al final se impone la necesidad de avanzar y tirar adelante. Pero enseguida llegan los temas de “AOR”, con introducciones y puentes bastante anodinos, que Cosentino logra salvar en el último momento por su buena mano en los estribillos. Es el caso de ‘Outta Time’, donde nos regala uno muy bueno de power-pop. En ‘A Single Day’ nos ofrece otro coro estupendo metido en un tema que resultaría aburrido sin él. Pero muchas veces se impone más la necesidad de dar un mensaje que la canción en sí: la balada ‘Easy’ es una declaración de amor, en la que Bethany confiesa: «tengo miedo de que suene a cliché y facilón’. Y sí que suena. Pero la canción, no la declaración.
La cosa mejora cuando Cosentino se olvida de la contención y vuelve al arrebato, como en ‘Only for a Moment’, un himno al carpe diem, un medio tiempo intenso donde su voz recupera la pasión. O ‘O ‘Hope You’re Happy Now’, otro medio tiempo melódico que salva de lo insulso gracias a otro gran estribillo onírico e intenso. Y lo mejor se lo deja para el final: en ‘It’s a Journey’ recupera la intensidad y, aunque la canción no se aparte de lo convencional, se eleva precisamente por la entrega de Bethany. Y en el baladón final ‘I’ve Got News for You’, recupera en parte su timbre más adolescente, su voz vibra emocionante apenas sobre piano y se llena de autoafirmación y amor. Sí, podemos entender que Cosentino ha madurado, que ya no quiera ser más la Bethany de Best Coast pero… se la echa de menos.
Kali Uchis quería hacer un tema de «bellaqueo» y decidió unirse Al Alfa, que otra cosa no, pero las canciones de perreo las hace como churros. Así ha nacido ‘Muñekita’, que para ser apuesta segura, interpola el ‘Papi Chulo’ de Lorna y que además es nuestra Canción Del Día.
Aunque sea un tema para moverse, Kali Uchis no renuncia a usar su voz melódica en un estribillo que es muy pegajoso y dulce. «Tu angelita es lo que necesitas / Dale, gata, dale, muñequita / Bien sudadita, soy tu mamacita / Dale, gata, dale, muñequita», canta la artista. Mientras el ritmo nos lleva a ‘Papi Chulo’, Uchis se deshace en piropos para esa muñequita a la que le dedica la canción: «Qué buena está mi reina / Uf, cuerpazo, uf, carajo / Uf, camina con una actitud». Este sonido lo escuchamos también en el ‘Tu Sicaria’ de Ms Nina.
A la cantante de ‘Moonlight’ le acompañan la rapera JT y El Alfa. JT continúa con la voz suave y seductora que también emplea Kali Uchis. Sin embargo, El Alfa se mete de lleno para hacer la parte más dura del reggaetón y sus letras son la prueba: «Pero cuando ella me lo mueve ahí es que boto / Te lleno la urna de la vaina blanca». Aunque rompe la atmósfera femenina que las dos artistas crean en la canción, El Alfa complementa ‘Muñekita’.
Buffy Sainte-Marie, de 82 años, ha anunciado que se retira de los escenarios, según informa Pitchfork. Las razones han sido la artritis de sus manos y una lesión en el hombro que no le permite actuar como «le gustaría» a ella.
La artista ha cancelado todas sus actuaciones previstas a corto plazo. En el comunicado Sainte-Marie escribía: «He tenido que tomar la difícil decisión de abandonar todas las actuaciones que tenía programadas en el futuro próximo. Las manos artríticas y una reciente lesión en el hombro me impiden seguir actuando al nivel que me gustaría. Lo siento, sinceramente, por todos mis fans y familiares, a mi banda y a los equipos de apoyo que hacen posible todo esto».
Y, aunque la noticia llega ahora, la artista ya había avisado de un posible retiro en septiembre de 2022 en una entrevista para The Canadian Press. Entonces ya dijo: «No digo que no vaya a actuar nunca más. No es que me vaya a retirar. No soy parte del mundo de los negocios. Me he retirado muchas veces sin llamarlo jubilación. Simplemente voy a hacer un parón». Ese parón del mundo de los shows parece que ha llegado ahora, finalmente.
††† (Crosses) han anunciado su nuevo álbum ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete.’ y este cuenta con colaboraciones como la de Robert Smith, de The Cure’. La banda del cantante de Deftones, Chino Moreno, estrenará este trabajo el 13 de octubre de este mismo año. Y, de momento, se puede escuchar el single ‘Invisible Hand’.
Sobre la creación del nuevo disco, Moreno explicaba: «Cuando empezamos a trabajar en ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete’ había mucha más luz llegando a mi vida, por numerosas razones. Hay mucho más optimismo. Incluso los temas más oscuros están romantizados y no vienen de un lugar de desesperación», según NME. Además de Robert Smith, en ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete’ también estará El-P.
En ‘Invisible Hand’, la canción que el grupo adelanta, podrían hablar de una mano que todo lo mueve, que inicia el juego que ellos mismos dicen «ya ha comenzado». «A veces siento que las regalas han cambiado / A veces me siento como un fantasma encadenado», cantan en el estribillo. Parece que este nuevo comienzo removerá muchas cosas que «estaban escritas».
El tracklist:
01 ‘Pleasure’
02 ‘Invisible Hand’
03 ‘Found’
04 ‘Light As A Feather’
05 ‘Pulseplagg’
05 ‘Runner’
06 ‘Big Youth’ (Feat. El-P)
07 ‘End Youth (Reprise)’
08 ‘Last Rites’
09 ‘Ghost Ride’
10 ‘Grace’
11 ‘Eraser’
12 ‘Natural Selection’
13 ‘Girls Float † Boys Cry’ (Feat. Robert Smith)
14 ‘Goodnight, God Bless, I Love U, Delete.’
Doja Cat ha lanzado hoy su nuevo single ‘Paint the Town Red’. Para celebrar el lanzamiento, las portadas de todos sus discos aparecen «pintadas de rojo» en Spotify.
Después de ‘Attention‘, ‘Paint the Town Red’ continúa en la dirección rapera de Doja Cat, que ya no quiere hacer música pop. Curiosamente, ‘Paint the Town Red’ samplea una de las canciones de pop más famosas de los 60, la aún popular ‘Walk on By’ de Dionne Warwick, y tampoco la canción se aleja demasiado del estilo de ‘Planet Her‘: aún incluye un estribillo más o menos melódico que, sí, se termina pegando.
‘Paint the Town Red’ parece una respuesta de Doja a sus haters, esos que decían que parecía el mismísimo demonio o que debía padecer algún tipo de problema de salud mental por raparse (?) o rasurarse las cejas. A ellos parece decirles que sí, que «ella es el demonio» y es una «rebelde», pero que no le importa, que ella va a seguir a lo suyo. Es irónico cuando los artistas dicen que sus haters les dan igual y luego les dedican una canción, pero está claro que a Doja sus fans no le dan tan igual como parece: les odia tanto que directamente les ha expresado que son «lerdos» y les ha pedido que no se pongan motes.
Tampoco deja de ser ‘Paint the Town Red’ una «declaración» parecida a la de ‘Attention’, pues Doja sigue hablando de sus intenciones de abandonar el pop: «dijeron que el pop hace dinero, a ver si te atreves, podrías cambiar de imagen y de vibe / no necesito una gran colaboración, no necesito otro fan, no necesito llevar una peluca para que te guste».
El videoclip de ‘Paint the Town Red’ es otra superproducción de Doja Cat que ahora trae al contexto del videoclip toda la extravagancia de la que ha hecho gala Amala en los últimos meses. Y lo hace mediante su propio arte, pues en el vídeo cobran vida cuadros que la propia Doja ha pintado, y que ha compartido en su Instagram, firmados con su nombre de pila, Amala Dlamini.
En 2022 la canción del verano estaba muy clara. De hecho, había más de una: ‘Despechá’ de Rosalía y la canción de Quevedo y Bizarrap no pararon de sonar durante meses. Era imposible escapar de ninguna de ellas. En 2023 no está tan claro: podría haberlo sido ‘Flowers‘, pero salió en enero. ¿Dónde está el nuevo ‘Despacito’?
Puede que la canción del verano no haya salido todavía: ‘Planet of the Bass’, la canción eurodance de DJ Crazy Times y Biljana Electronica, se ha viralizado en redes sociales. La gente ya se sabe el estribillo, y la canción no sale hasta el 15 de agosto. De hecho, iba a salir el 22, pero tal es la expectación en torno a ella, que su lanzamiento se ha adelantado una semana.
‘Planet of the Bass’ es una parodia de los hits de eurodance de los años 90 de grupos como Aqua, 2 Unlimited o La Bouche, perpetrada por el cómico estadounidense Kyle Gordon junto a la tiktoker Audrey Trullinger. Es una sátira de esos hits de eurodance que contaban con una chica que cantaba y un chico rapero que gruñía por detrás. Sin ir más lejos, Aqua han comentado en una publicación de ‘Planet of the Bass’ en TikTok porque sospechan que la canción es una parodia de ‘Barbie Girl’… justamente en el año de ‘Barbie‘.
La parodia es tan fiel a la realidad que la letra da completamente la espalda a la gramática y sintaxis correcta del inglés, pareciendo un caso de mensaje «perdido en la traducción» de un idioma a otro. Pero el estribillo aún contiene perlas como «when the rhythm is glad / there is nothing to be sad» o «danger and dance, clapping the hands, when we out in the space, on the planet of the bass» que se clavan en el cerebro.
Aunque la frase de ‘Planet of the Bass’ que más está circulando por redes es «women are my favorite guy». Parecería creada por inteligencia artificial (como la de aquel obituario viral) si no fuera porque la IA está ya bastante avanzada.
Hoy es un día parco en lanzamientos largos, pero sí sale por ejemplo el nuevo disco de Miles Kane, así como nuevos trabajos de SebastiAN, Girl Ray, Cian Ducrot o Art School Girlfriend.
Más suculentas son las novedades en materia de singles: tenemos indistintamente nuevos lanzamientos de Doja Cat y Kali Uchis, una nueva colaboración de Bebe Rexha y David Guetta, y también hay nuevos singles de Jorja Smith, Mae Stephens con Meghan Trainor, Halle (de Chloe x Halle, ‘La Sirenita’), Ciara con Chris Brown, Lauv, Nia Archives…
En cosecha nacional desde hoy es posible escuchar interesantes nuevos lanzamientos de Belako, Tulsa, Safree, Ultralágrima, Beny Jr…
Más novedades hoy son las que ofrecen Wilco, U.S. Girls, Lil Yachty, modernlove, Poolside, Beny Jr, Bathe Alone, Trippie Red, Danna Paola, Vic Mirallas, Luar La L con Ozuna, CHAI o Eliza Rose.
Como curiosidad hoy sale un single de Noah Yorke, hijo de Thom Yorke, cantante de Radiohead: suena más bien jazzy, eso sí.
Giorgia Meloni, la primera ministra italiana, ha presentado una querella contra el cantante de Placebo. Y la razón por la que lo ha hecho es que, en un concierto en Turín, Brian Molko llamaba a la política de ultraderecha, entre otros calificativos, «pedazo de mierda, fascista, racista y nazi».
Los abogados de Meloni han registrado la denuncia por difamación tras hacerse públicos los vídeos en los que Molko llamaba a Meloni «nazi» en un concierto el 10 de julio, según el diario italiano La Stampa. Y es que, durante ese mismo show, el cantante de Placebo intervino con un discurso en el que pedía que se protegiesen mejor los derechos de las personas no binarias y trans. Una conversación que no está presente en el actual Gobierno italiano.
Además, la banda pidió a sus fans que no grabaran nada con sus móviles y que disfrutasen del show sin necesidad de usarlos. «Por favor, vivid en el aquí y ahora. Disfrutad de este momento, porque es un instante que no volverá a ocurrir», decía Brian Molko.
Aunque ha sido ahora cuando los abogados de la primera ministra han presentado a la fiscalía la denuncia, el mismo día del concierto ya se había abierto un exendiente contra Placebo por desacato a las instituciones. Según una de las diputadas de Hermanos de Italia, el partido de Meloni, lo que ha ocurrido es un «ataque inaudito».
El camino hacia la ‘UTOPIA’ de Travis Scott ha sido uno de los más arduos que se recuerdan en el pop reciente. El disco se presumía acabado, prácticamente a punto de salir, a finales de 2021, cuando la tragedia de Astroworld ocurrió. Travis ha sido liberado de cualquier cargo, así que finalmente ‘UTOPIA’ ha visto la luz.
Travis, uno de los raperos más importantes del mundo, un absoluto ídolo de masas, venía de publicar la que muchos consideran su mejor disco, precisamente llamado ‘Astroworld’. En este trabajo, Scott levantaba una fascinante panorámica de hip-hop psicodélico, entregaba un hit tan sumamente influyente como ‘Sicko Mode’ con Drake y confirmaba que es uno de los grandes curadores del hip-hop de su generación. Kanye West, su mentor y maestro, podía estar orgulloso.
La labor de curador de Travis está tremendamente desarrollada en ‘UTOPIA’, un disco atiborrado de colaboradores estelares, tantos que es prácticamente imposible contarlos todos, pero que van desde Beyoncé a Bon Iver pasando por SZA, James Blake o un ex integrante de Daft Punk, y esto sin contar a sus colegas raperos: 21 Savage, Westside Gunn o Playboi Carti asoman también por aquí aportando versos. Después, los samples pueden ser de gente tan improbable como Gentle Giant o Krzysztof Komeda. ‘UTOPIA’ es un enorme paisaje musical, oscuro y mutante, que sorprende a cada rincón.
Tan oscuro es ‘UTOPIA’ que el título parece hasta irónico. Cuenta Travis que la “utopía” es un estado mental al que “todo el mundo puede llegar”, incluso cada día. En su caso, parece un destino al que nunca termina de llegar, pues son varios los momentos en el disco en que Travis se reconoce sumido en esa misma oscuridad. De hecho, la pista inicial, de espectaculares percusiones, ‘Hyaena’, suena distópica más bien. El trap psicodélico de ‘FE!N’ suena a mal viaje (en el buen sentido). Y ‘I Know?’ expone que Travis sufre una adicción a las drogas, que él reconoce y a la vez no: prefiere vivir engañándose a sí mismo, aunque eso signifique no salir del infierno.
En todo momento, ‘UTOPIA’ cumple como disco de rap blocksbuster gracias a unas producciones realmente espectaculares. ‘Thank God’ es un estupendo ejercicio de tensión que nunca se resuelve… pero es que ‘Modern Jam’ una producción de electro-rap de órdago, firmada por Guy-Man de Homem Christo (el ex Daft Punk), en realidad reciclada de la maqueta de ‘I Am a God’ de Kanye West, que se debe contar entre las mejores canciones de la carrera de Travis… gracias también al melódico verso de Teezo Touchdown, que hace pasar la canción del 9 al 10. A James Blake le escuchamos hilando fino en ‘Lost Forever’, todo un espectáculo de percusiones cavernosas y gruñidos; y ‘Delresto (Echoes)’ es otra dignísima adición al repertorio de Beyoncé, que suena en su salsa rapeando.
Luego es cierto que, en el parque de atracciones que es ‘UTOPIA’, a veces es difícil encontrar a Travis Scott. Y eso que él está… en todas partes. Pero sus colaboradores pueden quitarle protagonismo, como hacen Playboi Carti o Westside Gunn en sus respectivos temas. Por no hablar de que la influencia de Kanye es tan palpable que ‘Circus Maximus’ (con un The Weeknd que canta como los ángeles) a duras penas resiste las comparaciones con ‘Black Skinhead’. En ‘UTOPIA’, el paisaje es psicodélico y delirante como lo suelen ser en los discos de Kanye: la influencia siempre está, explícita en un grito de locura, en una distorsión, en un sample de un viejo tema de prog-rock que nadie recuerda.
Como curador, como creador de panorámicas y de paisajes espectaculares, Travis convence. Como letrista y rapero, no tanto. Como intérprete capaz de emocionar, menos aún. Para la obsesión de Travis con la «rabia» (mencionada varias veces), sus composiciones suenan extrañamente frías y cohibidas. No ayuda que sus letras son viñetas que pueden pasar de un tema a otro sin nunca profundizar en ninguno. Travis puede hablar de la fama, de las drogas, de sus fans, de las mujeres, de mil cosas a la vez incluso dentro de un mismo verso, pero siempre lo hace de manera superficial, y eso hace que sea difícil empatizar con lo que te está contando. Es difícil conocer a Travis en sus canciones. ¿Hay alguien detrás del autotune?
Por supuesto, hay excepciones: ‘I Know?’ es un vulnerable retrato de su adicción a las drogas (especialmente a la marihuana) en el que Travis captura ese momento en que cree que está cachondo pero no, “son las drogas”. Pero, sobre todo, hay que hablar de ‘My Eyes’, la balada distorsionada que aparece en la primera mitad del disco. Aquí aportan versos tanto Bon Iver como Sampha (ya convertido en artista de sesión, parece) y, en la segunda parte, más trapera, Travis se desahoga del todo, en un disparo de versos realmente inspirado que incluye una evidente referencia a las víctimas de Astroworld: “No sabéis lo que daría por salvar a un crío”. Pero es una referencia tan fugaz que puede pasar desapercibida.
Ese sentido de evasión prevalece en ‘UTOPIA’. En las letras que pasan de un tema a otro, en los beats mutantes, en los samples insospechados. Puede que la “utopía” de Scott sea un momento feliz tan fugaz que prácticamente se desvanece en los dedos. Hasta parece que los artistas invitados están aquí llamados a hacer turismo por las canciones para distraernos de que Travis es el verdadero protagonista; y a la injustificada presencia de SZA me remito. O a ese ‘KPOP‘ compartido con The Weeknd y Bad Bunny -nada menos- que en el futuro no entenderemos por qué ha ejercido de single principal, pues nos dice menos de ‘UTOPIA’ que el propio Travis de sí mismo en su propio disco.
Aunque no prevé que sea a corto plazo, Kylie Minogue ya ha estado pensando en un posible biopic. Y, según contaba en una entrevista en E! Online, desearía que fuera otra mujer australiana la que la interpretase en la ficción. Para ser más exactos, la protagonista de Barbie: «Margot Robbie, es mi sueño. Tendría el acento australiano perfecto, eso está claro», decía entre risas.
Además, Kylie desveló que le encantaría colaborar con artistas como Beyoncé, Rihanna o The Killers. Aunque confesaba que casi todas las colaboraciones que ha hecho hasta ahora «le han llegado a ella», por lo que nunca ha tenido que «tomar la decisión de elegir». Aun así, cree que cuando se hace un trabajo conjunto con otro artista, es siempre «una forma muy buena de aprender».
También aprovechaba para mandarle ánimos a Madonna, a quien «irá a ver a algún concierto en cuanto se mejore». Minogue hacía una pequeña reflexión sobre que «la vida de gira es más dura para las mujeres», con relación a la enfermedad de Madonna y sus conciertos pendientes. Pero, aunque cree que es dura en cierta manera, ella misma anunciaba hace algunas semanas su residencia en Las Vegas, en Voltaire. Y en esta entrevista también explicaba que el club y la experiencia serán «totalmente nuevos».
Hay un hilo conductor que conecta los dos últimos videoclips de Anton Corbijn para el álbum ‘Memento Mori’ de Depeche Mode. Unos rasgos estéticos compartidos que tienen un origen ético. El realizador holandés es hijo de un pastor protestante. Al igual que lo era Ingmar Bergman, a quien Corbijn homenajea en ‘Ghosts Again’ recreando la célebre secuencia de la partida de ajedrez con la muerte en ‘El séptimo sello’ (1957).
En ‘Wagging Tongue’ también se filtran parte de esos códigos estéticos de raíz reformista, esa austeridad formal que tanto partido estilístico ha sacado el cine o la pintura. El vídeo está rodado en un formato 4:3 y en un blanco y negro tan riguroso como la moral calvinista. El «ritual de confrontación», como lo llaman sus creadores (además de Corbijn, el clip está dirigido por el dúo The Sacred Egg), recuerda a las severas ceremonias de los acólitos de Calvino. Y qué decir del oficiante de la ceremonia, que parece sacado de una película de Dreyer.
Este andamiaje formal e iconográfico es utilizado por Corbijn (de actualidad por la gran retrospectiva de su obra que se ha organizado en la Provenza) para articular una estimulante historia sobre los problemas de comunicación de una pareja. Mezcla de ceremonia bautismal, rito de expiación y terapia de choque conyugal, ‘Wagging Tongue’ recrea una discusión de pareja, un «tenemos que hablar», de forma muy ingeniosa: bajo el agua, con los contendientes lanzándose dardos verbales como si fueran torpedos submarinos. Un fiero combate dialéctico representado con enorme potencia visual.
Esta semana se ha conocido que Lizzo ha recibido una demanda por parte de tres ex bailarinas que acusan a la autora de ‘Special‘ de acoso sexual, de crear un ambiente de trabajo hostil e incluso de regañar a una de ellas por su aumento de peso, entre otras cosas. Pende de un hilo toda la reputación e imagen de Lizzo, quien tanto ha basado su carrera en la aceptación del propio cuerpo y en el respeto a los demás.
Ahora, Lizzo ha respondido a las acusaciones en un mensaje en el que declara que «estas historias exageradas provienen de antiguas empleadas que han admitido públicamente que su comportamiento durante la gira fue inapropiado y no profesional».
Lizzo, que reconoce «los últimos días han sido increíblemente angustiosos y decepcionantes», porque «mi ética profesional, mi código moral y mi respeto se han puesto en entredicho», defiende su derecho a velar por su propio trabajo y por su arte: «Me tomo mi música y mis actuaciones muy en serio. A veces debo tomar decisiones duras pero nunca es mi intención que alguien se sienta incómodo o sienta que no es valorado».
En la carta, Lizzo alude directamente a las acusaciones de acoso sexual y de bullying que se han vertido contra ella: «No estoy aquí para hacerme la víctima pero también sé que no soy la villana que la gente y los medios me han hecho parecer. Soy muy abierta con mi sexualidad pero no puedo permitir que la gente use esa expresividad para pintarme como alguien que no soy. No hay nada que me tome más en serio en este mundo que el respeto a las mujeres. Sé lo que es que se burlen de tu cuerpo cada día y jamás despediría a una empleada por su peso».
La carta concluye: «Estoy dolida pero no voy a permitir que el buen trabajo que he aportado al mundo sea eclipsado por esto».
Entre las novedades del pop nacional y/o en castellano que puedes escuchar en la playlist Sesión de control se encuentra lo nuevo de Sofia Kourtesis. La cantante y productora greco-peruana, a la que pudimos ver en Paraíso Festival el año pasado, tiene nuevo disco entre manos.
‘Madres‘, el álbum debut oficial de Kourtesis, verá la luz el 27 de octubre, incluyendo una de las canciones más conocidas de la artista desde hace rato, su colaboración con Manu Chao ‘Estación esperanza’. El single ‘Madres’ también figura en la secuencia.
Y un tercer adelanto también está disponible. ‘Si te portas bonito’ ha inaugurado oficialmente la campaña de ‘Madres’ y es desde el segundo cero una de las mejores canciones de Sofia Kourtesis, su himno a la esperanza particular en el que promete que «todo pasará si te portas bonito».
Las producciones de Kourtesis suelen exhibir una gran belleza (inolvidables ‘By Your Side’ o ‘La perla’) y vuelve a ser el caso de ‘Si te portas bonito’. Mezclando ritmos de samba y house, Kourtesis construye aquí una pieza de estética acuática realmente cautivadora y edificante, tanto como esos repetidos «pienso en tu mirá» que tanto invitan a soñar.
«Esta vez decidí abrir mi corazón y mis sentimientos de nuevo, después de años difíciles de cuidar a mi familia», ha contado Kourtesis acerca de ‘Si te portas bonito’. «Dejé de tomar antidepresivos, empecé a sentir mariposas y abrí una habitación para la sala de citas».
Renovamos nuestra playlist Sesión de control dedicada al pop nacional y/o en castellano con algunas canciones lanzadas en los últimos días. Ahí están el bonito nuevo single de pablopablo, la colaboración de Niña Polaca y Grasias (de Ginebras), el regreso de Rebe más suis generis que nunca o la nueva alianza entre Francisca Valenzuela y Ximena Sariñana.
Entre los nombres conocidos del site que han publicado música se encuentra Kinder Malo, Daniel Sabater -que vuelve machacón- o incluso Ismael Serrano. Y entre las nuevas promesas hay que mencionar a Andrea Mir: su voz le puede hacer llegar lejos, o el synth-pop de Sonny Beckkett.
Las guitarras vuelven a ser protagonistas en ‘Sesión de control’ con el jangle pop de San Tosielo o el punk-pop de Garbí. Por su parte, Mastrolili optan por un sonido de pop con pianos jazzy y percusiones que remite a los años 90. Como a años 90 suena el precioso single de Cómo vivir en el campo, que te gustará si te gustan La Buena Vida.
La variedad estilística vuelve a estar presente en la playlist con el flamenco fusión de RomeroMartín, que te dicen ‘Maricón? Sí gracias’. Alaina Castillo (desde Texas) se entrega al house, por otro lado, y Crystal Fighters no paran la fiesta.
No dejamos en incluir en Sesión de control novedades muy interesantes de Nueve Desconocidos, muy New Order; la cantautora Maria Jaume o la curiosa versión de ‘Las 12’ de Ana Mena y Belinda por parte de Morreo.
