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Alexanderplatz / Muera usted mañana

Por
Sebas E. Alonso
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Con la separación profesional y personal de Klaus&Kinski, era una pena que se perdiera el talento de Alejandro Martínez Moya, hombre orquesta en el proyecto, autor de las canciones y gran letrista y guitarrista. Habría apostado a que se animaría a formar otro grupo con otro/a vocalista o que se animaría a escribir para otros como han hecho La Bien Querida, Napoleón Solo o Lorena Álvarez, todos los cuales han escrito, por ejemplo, con o para Soleá Morente. Pero lo que ha hecho, en cambio, ha sido asumir las riendas como vocalista en Alexanderplatz y publicar un disco de nuevo muy personal y visceral que, como su EP ‘Contrarreforma’ del año pasado, se divide entre canciones e instrumentales tipo interludio, aquí en una proporción de 12 a 6.

Alejandro siempre ha sido de disco largo. «10 canciones lo veo un poco rácano, ¿para qué nos vamos a guardar algunas? ¿Para el mercado japonés?”, bromeó una vez, y aquí se extiende hasta los 65 minutos, quizá sin demasiada justificación, si bien sin recurrir a ninguna de las pistas que desveló el año pasado. El tipo de melodías, los acordes, los arreglos y las letras siguen siendo 200% Klaus&Kinski, quizá ahora con un mayor predominio del kraut, los teclados y la sensación de banda sonora, bastante cerca en inspiración de la ya célebre música de ‘Stranger Things‘ (como muestra el principio del disco), que a su vez referenciaba el synth-pop de los 80 y un poquito la electrónica de los 70, de Kraftwerk a Neu!

Pero no por ello Alexanderplatz ha renunciado a lo clásico y folclórico, como se vislumbra en ‘El puño en el corazón’ o en ‘La piedra y el cráneo’, la primera apelando a alguien que canta «versiones antiguas de temas modernos» y la segunda a la «virgen que van a sacar en la procesión de la decepción». Hay momentos muy pop como ‘Sí, pero no’, con su principio a lo Strokes, ese inicio tan Planetas de ‘La verdad está sobrevalorada’ y esa ‘Sultana’ que parece tanto inspirada en el synth-pop de OMD o The Cure como una respuesta a ‘Guerrera’ de Dellafuente. Al final la idea de que la siguiente canción puede ser de cualquier estilo permanece.

También hay variedad en los temas, y ahí está el añoro de una «izquierda verdadera» de ‘El puño en el corazón’, pero lo más llamativo es la adopción de un personaje abiertamente patético y llorica por parte de Alejandro, que hace pensar que el título del disco, ‘Muera usted mañana’, a diferencia de lo que sucedía con ‘Tierra, trágalos‘, se dirige a sí mismo. «Cojo sitio para mi lapidación» y “si se viene a sufrir no querría yo arruinar la diversión” son frases de ‘La piedra y el cráneo’. “Lo que me ronda la cabeza no se puede contar porque me da mucha vergüenza y no lo sé explicar” es otra de ‘Sí, pero no’. ‘Homenaje’ es una canción de devoción absoluta («Por ti se disparan salvas en los cuarteles de la Legión / porque te mereces eso y mucho más»). ‘El crimen’ es una tremebunda canción que parece hablar de una ejecución. Uno de los instrumentales se llama ‘Noche toledana’. El single ‘Odio el siglo XXI (bueno, y el siglo XX también)’ lo dice todo con su título pero además concluye «qué pereza, qué pereza»; y la que es la canción central en la secuencia, ‘Dios ahoga aunque no apriete’, es una reivindicación del patetismo. Una canción que pasa de la «dignidad», que grita «viva el fracaso», que opina que «un poco de orgullo» no va a solucionar nada y que construye un estribillo a partir de la frase «si me vas a juzgar yo ya sé que doy lástima / es lo que hay, ay, ay, ay…»

Es una propuesta arriesgada, al margen de la comercialidad y el sentir de los tiempos que corren, como también lo está su voz, pero sigue siendo una propuesta única tanto por lo ecléctico de lo musical como por ese interesante reciclaje de nuestro idioma que le lleva a escribir sobre «brujas que se untan con sangre de niño» y cosas como «de tanto ir a la fuente sabes que se acaba por romper / agua que no has de beber, ya sabes qué hay después».

Calificación: 7,4/10

Lo mejor: ‘Odio el siglo XXI (bueno, y el XX también)’, ‘Dios ahoga aunque no apriete’, ‘Sí pero no’, ‘Homenaje’

Te gustará si recuerdas: ‘Crucifixión la solución’, ‘Muerte en Plasencia’, ‘Contrato’
Escúchalo: Spotify

‘Cold War’: un musical de los de antes con los pies en el presente

Por
Fernando García
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Hace ya cinco años desde que Pawel Pawlikowski deslumbrase a la cinefilia mundial con ‘Ida’–su primera película en polaco (y en blanco y negro)-, una auténtica proeza fílmica que le llevó
a conseguir merecidamente el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Con ‘Cold War’ repite estética y vuelve al pasado de su país natal, esta vez una década antes que su anterior obra, ya que transcurre en su mayor parte en los años 50. En ella, plasma el apasionado e imposible romance entre un director de casting de un programa de bailes y cantos regionales y una joven aspirante a unirse, durante la Guerra Fría. La película además es una crónica sobre la situación política europea de la época, a la par que muestra la escena musical de una Polonia anclada en la tradición, y los ambientes jazzísticos de París, pasando también por países como Alemania o Yugoslavia.

Pawlikowski filma en 1.37:1 (un formato ligeramente más ancho que un cuadrado), y recupera
la estética del cine clásico. Pero el verdadero mérito de ‘Cold War’ es que nunca se siente
como una película antigua o pasada de moda, sino que mantiene el encanto de las
producciones de antaño siempre con un pie en el presente. No encontramos aquí encuadres
tan radicales -con tanto aire por encima de los personajes- como en ‘Ida’, pero sí algunas
composiciones que, por brillantes, dejan sin habla. La majestuosidad con la que está rodada le
hizo alzarse con el premio al mejor director en el Festival de Cannes para sorpresa de nadie,
pues cada fotograma es digno de exponerse en un museo y de ser observado minuciosamente.
Visualmente tiene una capacidad de conmover que pocas obras consiguen, pero esa no es su
única virtud. En lo narrativo también destaca, especialmente en una primera mitad muy
inspirada, haciendo un excelente uso de las elipsis y con diálogos escasos pero siempre
certeros.

La cinta retrata uno de esos romances “más grandes que la propia vida” tanto en los
momentos más pasionales como en los destructivos. Tomasz Kot recuerda al típico galán
protagonista de una película del Hollywood clásico, mientras que una monumental Joanna
Kulig –inolvidables sus miradas- lo hace a Monica Vitti en ‘El Eclipse’, de Antonioni, película
que el propio Pawlikowski homenajea llamando así a un bar parisino que frecuentan sus
personajes. Así como tampoco se puede obviar la influencia de la mítica ‘Casablanca’ y una de sus más célebres citas “Siempre nos quedará París”. Todo evoca pasión cinematográfica, y es
que ‘Cold War’ además de ser una intensa celebración del amor en su vertiente más compleja,
es un sentido tributo a todas esas películas que han marcado la cultura del siglo XX y sin las
cuales no entenderíamos gran parte del cine actual; también a la música y al baile por su poder para expresarnos cuando no nos salen las palabras… Al arte en definitiva.

Si bien es cierto que la primera parte de metraje, cuando se centra más en los números
musicales y en el inicio del romance, es ligeramente superior a la segunda, el final supone un
excelente cierre con una brillante última línea de diálogo. No queda otra que rendirse ante la
maestría de Pawel Pawlikowski, que vuelve a enamorar y a demostrar que es uno de los
grandes cineastas en activo. Quizá ‘Cold War’ no llegue al nivel de ‘Ida’, pero se trata de otra
preciosidad a reivindicar. Y del mejor musical que se estrena esta semana en España, aunque
vaya a ser el menos visto. 8.

Así es la banda sonora de Lady Gaga para ‘Ha nacido una estrella’

Por
Raúl Guillén
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Hoy se estrena oficialmente al público ‘Ha nacido una estrella’, el primer film en la dirección de Bradley Cooper que, además, co-protagoniza este re-re-ooh-la-la-remake con Lady Gaga, en un papel que la ha situado en la carrera de los Oscar 2019. Tratándose de una película musical, como todos sabemos, los fans de Germanotta aguardaban su estreno casi como si de un nuevo álbum se tratara. Y, de hecho, de su banda sonora oficial se pueden extraer sin problema sus buenas 10 canciones interpretadas por Gaga que, sin duda, saciarán esas ansias. Pero, ¿qué podemos encontrar en ella?

Dado que la película se ambienta en los entresijos vitales de una estrella del country-pop-rock, este género predomina en la BSO, con Lukas Nelson como gran autor principal. Por supuesto, ese apellido tiene pedigrí y sí, Lukas es hijo del gran Willie Nelson, que sostiene su propia carrera em el alt-country desde hace años al frente de Promise of the Real, el grupo que en los últimos años ha acompañado en grabaciones y directos nada menos que a Neil Young. Nelson produce la mitad del disco y también compone las canciones interpretadas por Cooper, como ‘Black Eyes’ o ‘Out of Time’, pero también ha trabajado codo con codo con Lady Gaga en la composición y/o producción de ‘Alibi’ –en la que ella no canta, curiosamente–, ‘Music To My Eyes’ o ‘I Don’t Know What Love Is’.

El de Nelson no es el único nombre conocido del ámbito roots-rock que aparece en la BSO de ‘Ha nacido una estrella’: ’Maybe It’s Time’ está escrita por Jason Isbell (conocido por su carrera en solitario y, antes, como miembro de Drive-By Truckers), ’Diggin´ My Grave’ está escrita por una eminencia del country como Paul Kennerley y la cantautora Lori McKenna participa en la composición de ‘Always Remember Us This Way’. Hillary Lindsey, que ya colaborara profusamente en ‘Joanne’, y Natalie Hemby, una prometedora artista country que el año pasado debutó con ‘Puxico’, co-escriben el tema culminante de la BSO, ‘I’ll Never Love Again’.

Pero ‘Ha nacido una estrella’ tiene una parte –la segunda mitad– más abiertamente contemporánea, en la que recurre a su equipo habitual: el recurrente DJ White Shadow, Nick Monson (co-autor de buena parte de ‘ARTPOP’, y también de temas recientes de Britney Spears, Anne-Marie o Selena Gomez) y Mark Nilan Jr. (‘Joanne’, ‘The Cure’). En los créditos de esa faceta pop también nos encontramos con autores de enormes éxitos recientes como el tándem Julia Michaels & Justin Tranter (en ‘Heal Me’), Diane Warren (‘What Did You Do That?’).

Además, como ya sabíamos, el archiconocido Mark Ronson (que ya trabajó con Gaga en ‘Perfect Illusion’) y Andrew Wyatt (que además de su propia carrera solo y como vocalista de Miike Snow ha destacado recientemente por sus canciones para Lorde, Dua Lipa, Charli XCX y Lykke Li) son co-autores del ya conocido single ‘Shallow’ que, por si os lo preguntabais, aparece en el disco libre de aplausos con apariencia de enlatados. ‘A Star Is Born OST’ es, en todo caso, una pieza que sin duda los little monsters degustarán con fruición.

‘Ha nacido una estrella’: así se hace, se destruye o sobrevive una estrella

Por
Sebas E. Alonso
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Este viernes se estrena la nueva adaptación de ‘Ha nacido una estrella’ que supone el debut como director de Bradley Cooper, co-escrito y protagonizado por él mismo en compañía de Lady Gaga, y que tan buena acogida ha tenido en los festivales en que se ha presentado, situándose en la carrera de los Oscar, y no solo en cuanto a méritos musicales. Lo tiene todo para la Academia: es larguísima, es bonita, es un drama hecho 100% en serio, y además tiene su fondo. En este caso, presentar ante el mundo los entresijos de la industria musical, lo que incluye por supuesto su lado más oscuro.

Bradley Cooper interpreta a una estrella de rock tan llenaestadios como encaminada hacia la autodestrucción cuando conoce a Ally, el personaje de Lady Gaga, una autora que no ha tenido una oportunidad por culpa de «una nariz demasiado fea». Él será quien la introduzca en el mundo de la música, dejando por el camino una serie de números musicales de americana, que sirven tanto a los seguidores de ‘Once’ o ‘Begin Again’ como a los de la vena más clásica de la cantante, en concreto la de su último disco ‘Joanne’, que precisamente presentó en pequeños bares como en los que la vemos al principio de la película.

Una de las cuestiones sobre la mesa en cuanto a la interpretación de Lady Gaga tras su paso por ‘American Horror Story’ es si en ‘Ha nacido una estrella’ el espectador lograría olvidarse de que está viendo a Lady Gaga, la cantante, para disfrutar de Gaga, la actriz. Esto último sucede sobre todo en la primera mitad de la película, la mejor, pero después los límites entre Ally y Gaga se van difuminando. Pero eso no es necesariamente malo. Esos inicios en bares LGTB+, la dicotomía entre pop y folk, los cambios de look y los tintes de pelo van poniendo sobre la mesa debates sobre la industria musical, como la versatilidad que es necesaria para ser una artista en el siglo XXI (ahí está el caso de Taylor Swift) o, en particular, la versatilidad que hemos conocido en la propia Gaga. Puede que no te acuerdes del vestido de carne viendo ‘Ha nacido una estrella’, pero sí te vas a acordar desde luego de ‘Sound of Music’, de su tema ‘The Cure’ y de sus performances televisivas más folk y pop. Puede que como actriz haya pensado demasiado en sí misma o en su propio personaje, pero por otro lado, ¿qué artista sino una cantante profesional que se las ha visto en todas estas facetas, de la más superficial a la más «profunda», habría podido hacer este papel?

Si la segunda mitad de la película es más ardua no es porque Ally y Gaga vayan confluyendo, sino porque el retrato del guión de la industria musical va haciéndose más maniqueísta, superficial y anacrónico. Se plantea el conflicto entre autenticidad y artificialidad, pero solo se esboza y desde luego no es por la falta de minutaje. No se tratan temas como los «ghostwriters», los 20 productores por disco y las redes sociales parecen no pintar mucho en una industria absolutamente esclavizada por ellas, hasta hacerte preguntarte varias veces en qué año se desarrolla la acción. Al final, esta nueva adaptación de esta historia que ya se rodó en los años 30, 50 y 70 queda un tanto indefinida en el tiempo. De ver la cama de Ally coronada por la portada de ‘Tapestry’ de Carole King, un clásico de los años 70, pasamos a ver a un grupo de bailarinas haciendo poco menos que twerking. Sabemos que estamos en la actualidad porque vemos smartphones, a Halsey haciendo de Halsey y el éxito se mide en visitas de Youtube, pero hay ciertas dificultades para creerse que en 2018 un personaje como el de Cooper llene arenas, pues en su cuelgue perpetuo, parece una mezcla entre el Garth Brooks multiplatino de los años 90 y 2000 y el Johnny Cash constantemente al borde del abismo que vimos en ‘Walk the Line’ (se llama «Jackson», además), cuando lo contemporáneo habría sido retratarle como una especie de Father John Misty venido a más.

Cuando ves a Jackson Maine atónito contemplando un Saturday Night Live que solo puede ser actual, es como si fuera una estrella de 55 años (un Jon Bon Jovi, por ejemplo) en lugar de una de 40, pues esto último no tendría sentido: Bradley Cooper es más joven que Pharrell y de la misma edad que la cantante de Arcade Fire, por decir un par. El desconcierto es tal que te terminas preguntando qué año corría exactamente cuando el público atendía y vitoreaba el estreno de una canción de una artista que nadie conoce, en lugar de dedicarse a mirar su red social favorita o a charlar a grito pelado con el de al lado. Es como si los productores de la película se hubieran despreocupado de hacer algo mínimamente realista… de la misma manera que han parecido desconocer cómo presentar un concierto en una sala de cine con un sonido creíble y acorde a lo que escuchamos de los personajes antes y después. No, poner unas canciones a todo volumen, plagadas de aplausos falsos, no debería ser el Oscar a mejor sonido.

Por el contrario, ‘Ha nacido una estrella’ sí es una película interesante y emocionante sobre lo que implica ser una estrella para bien y para mal hoy o ayer, desde el subidón total de tu primer éxito hasta la llorera después de tu mayor «epic fail». Aunque es tan esclava de los cánones hollywoodienses que paradójicamente resulta algo formulaica y por tanto fría, hay varios momentos en que resulta tan escalofriante y descarnada como pretende ser. Gaga está especialmente estupenda en algunos de ellos, en la escena en la que reúne la fuerza suficiente para lanzarse al escenario para no bajar jamás; es la mujer vulnerable que hemos visto demasiadas veces cuando le dicen que «parece una estrella» y responde, incrédula: «¿de verdad?»; y es también la estrella curtida por la experiencia que de repente no necesita a nadie más para triunfar, pasa de los reiterados «mansplaining» y sabe construirse a sí misma. Por algo «Fucking men!» es aquí una de sus primeras frases. 7.

Sesión de Control: The Parrots, CAPTAINS, Tronco, El Hijo, Pavvla, Tversky, Jupiter Lion, RRUCCULLA…

Por
Raúl Guillén
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Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de The Parrots, CAPTAINS, Tronco, El Hijo, Pavvla, Tversky, Jupiter Lion, RRUCCULLA, Ramon Aragall y Eguala. Fotografía exterior: CAPTAINS; Imagen interior: portada de ‘Tralará’, de Tronco, por Conxita Herrero.

The Parrots

Tras la marcha de Larry Balboa y mantenerse en formato de dúo con Álex (ahora más conocido por su papel en ‘Paquita Salas’) y Diego, The Parrots continúan con su aventura internacional en Heavenly Records. Aventura que, de momento, consiste en lanzar singles que de momento no está confirmado vayan a formar parte de la continuación de ‘Los niños sin miedo’. Tras su versión de Bad Bunny y ‘Girl’, acaban de presentar una nueva canción producida por Tom Furse (integrante de The Horrors) titulada ‘My Love Is Real’ que, de nuevo, ha contado con un supervídeo dirigido pro Héctor Herce

CAPTAINS

El grupo instigado por la unión de Fee Reega y el productor David Baldo acaba de publicar su segundo largo, ‘Pure Pleasure’, apenas poco más de un año después de su debut homónimo –aunque esta vez han cambiado el sello Jabalina por Set Theory Records–. Su rock sinuoso, intenso y sexy persiste en estas nuevas canciones, con singles tan claros como ‘Mysterious Pretty Cowboy Sunrise’. Precisamente hoy, 4 de octubre, estarán presentando el nuevo álbum en la sala Moby Dick de Madrid.

Eguala

Allá por 2012 el grupo The Casters (antes Fuzzy White Casters) prometía mucho con su debut y llegaba a ser calificada como “los Artic Monkeys españoles” (de hecho acompañaron a la banda británica en un gran evento de MTV). Pero, tras tocar en varios festivales y abrir algunos conciertos para Crystal Castles, su estrella se diluyó. Su ex-miembro Santi Igual Alapont comenzó en 2016 su carrera en solitario como Eguala, proyecto en el que las guitarras se conjugan con pop bailable, como en su nuevo y magnético single ‘Mucho mejor’, auspiciado por Subterfuge.

Pavvla

Paula Jornet, Pavvla, se confirmó como una de las mayores revelaciones del pop nacional reciente con su debut largo ‘Creatures’, repleto de folk pop atmosférico a lo Daughter. Ahora la amiga de Alfred García regresa con ‘None of the Above’, un nuevo single con cierta querencia trip hop y soul que otroga una nueva dimensión a su universo, sin duda interesantísimo. Es parte de su segundo largo, que publica Luup Records el 23 de noviembre.

Ramon Aragall

Conocido como batería de Dorian, Els Amics de les Arts o Pantaleó, Ramon Aragall también sostiene su propia carrera como autor e intérprete de canciones. Tras publicar en 2015 su primer largo, ‘Perfil’, Aragall ya tiene lista su continuación: se titula ‘Kamikaze’, lo publica Discmedi el 19 de octubre, y, a poco que contenga un par de canciones tan potentes como su primer adelanto, ‘El primer intento’, ya merecerá la pena la aproximación.

Tversky

Tras presentarnos meses atrás la estupenda ‘1985’, el dúo Tversky publicaba días atrás su segundo EP, ‘Faking Funk’. Un disco de nuevo repleto de sonidos disco, funk y electro de inspiración añeja, con especial querencia por los 80. Además de contener la citada ‘1985’, canciones como ‘Maybe After Tonight’ muestran que, se lo propongan o no, también pueden acercarse a la elegancia de proyectos como Jens Lekman o The Whitest Boy Alive, con un exquisito punto de jazz.

Tronco

El dúo formado por Fermì y Conxita Herrero se ganó un lugar en nuestros corazones con apenas un mini-LP, ‘Abducida por formar una pareja’. Su pop folkie y lo-fi a lo Moldy Peaches en canciones como ‘Pez en bicicleta’ o ‘Ni una gota de luz’ fueron sin duda de lo mejor que le ocurrió al pop nacional en 2017, así que la próxima publicación por Elefant Records de su álbum debut ‘Tralará’ es una fantástica noticia. ‘Animales’ es su primer adelanto, un encantador y ácido himno de resistencia a la madurez, presentado con un bonito vídeo coreografiado, fiel al espíritu del dúo.

RRUCCULLA

Por fin conocemos el nombre y la cara de una de las grandes esperanzas del future pop nacional, RRUCCULLA. Se trata de Izaskun González, jovencísima músico de Barakaldo que nos sorprendía el pasado año por su increíble capacidad para aunar su gusto por la electrónica experimental contemporánea y su pericia a la batería, sin perder de vista el pop. Ahora, tras lanzar media docena de EPs, anuncia la publicación el próximo 30 de octubre de su primer larga duración, ‘SHo͝oSH’, una obra que, a tenor de su magnético avance ‘Icy Blue Coral’, aspira sin complejos al universo que pueblan marcianos como Aphex Twin, Flying Lotus o AG Cook.

El Hijo

Llevábamos tiempo sin saber del proyecto de Abel Hernández, ex-Migala, ex-Emak Bakia y productor de álbumes de McEnroe, Nacho Umbert o Tórtel. Desde que publicara en 2015 ‘Segismundo’, lo último que sabíamos de él es que había estado trabajando en el espectáculo multidisciplinar ‘Hipóstasis’, representado meses atrás con las colaboraciones de David T. Ginzo, One Path y Lucrecia Dalt, entre otros. Ahora sabemos que también estaba trabajando en ‘Dentro’, un nuevo EP de El Hijo en el que sigue dando cuenta de su evolución como compositor, arreglista y productor. Canciones como ‘Dentro’ o ‘Sigue’ se sitúan en el margen de lo experimental, mientras que ’Sueña’ y, sobre todo, ‘Playa’ –protagonizado por una voz femenina– no abandonan el pop.

Jupiter Lion

Pese a que el post-rock no pase en estos momentos por su época de mayor popularidad, vuelve uno de los mejores representantes del género en nuestro país. Me refiero al trío Jupiter Lion, que esta misma semana publica ‘We Will Lose Gracefully’ a través del sello BCore. Es su primer disco desde que en 2014 viera la luz ‘Brighter’ y los dos avances presentados –la poderosa ‘Un sol extraño’ y el misterioso tema que da nombre al disco– son la prueba de que su propuesta sigue teniendo la máxima vigencia y poder cautivador.

Amaia Romero anuncia que graba con Refree, productor de Sílvia Pérez Cruz y Rosalía

Por
JNSP
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Con motivo de su concierto de hoy en Pamplona (Teatro Gayarre) de nuevo junto a la banda The Free Fall Band, Amaia Romero ha concedido una pequeña rueda de prensa recogida por Diario de Navarra, en la que ha dado pequeñas pistas sobre su próximo disco. La noticia es que ha revelado que el productor será Refree, una buena noticia para los que veíamos un paralelismo entre su voz y la de la primera Rosalía o Sílvia Pérez Cruz, pues ha trabajado con ambas.

Amaia lo anuncia en el minuto 16 del vídeo bajo estas líneas, si bien primero dice que no lo va a revelar. Dice que le encanta lo que había escuchado de él porque es «perfeccionista al sacar el sonido a las voces» y le parece muy «versátil» en su trabajo con «Rosalía o el suyo mismo». También dice que le parece «muy delicado» todo lo que hace.

Unos minutos antes dice que el disco «va bastante bien»: «Estoy haciendo algo como muy personal. A mí me gusta mucho. Las expectativas son un poco altas y sé que no le va a gustar a todo el mundo, pero lo único que sé es que a mí me va a gustar», bromea. Sobre las fechas de single y disco, aunque las tiene «bastante claras» aproximadamente, ha dicho: «No sé si lo puedo decir, así que no voy a decir nada ante la duda». Cuando le preguntan si está componiendo ella, pues por ejemplo ‘Al cantar’ era un tema de Rozalén, responde: «Estoy componiendo todas las canciones yo. Nunca me había puesto a componer en serio 8 canciones seguidas. Nunca me había puesto de verdad. Me está costando un poco pero quería hacerlo. Muchas cosas que me han salido eran una mierda, pero otras están bien. Estoy contenta».

Diálogo con letras de Abba en la Comisión Europea tras el baile viral de Theresa May

Por
JNSP
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Abba no son solo noticia por la posibilidad de grabar algo nuevo, sino porque la primera ministra británica Theresa May ha decidido salir a dar un discurso durante el congreso anual del Partido Conservador, bailándose el ‘Dancing Queen’ de Abba, como podéis ver en un vídeo bajo estas líneas. Y lo ha hecho en un momento crítico para su popularidad y las consecuencias del Brexit.

En respuesta, un periodista de The Daily Telegraph ha formulado una pregunta en la Comisión Europea tras citar a «la fan de Abba Theresa May», utilizando títulos del grupo, y el portavoz comunitario Margaritis Schinas ha respondido también con títulos de Abba. El vídeo es tan genial que cuesta creer que la pregunta no haya pasado algún tipo de filtro previo. La pregunta es algo así como:
-¿Voulez-vous (quieren ustedes) un acuerdo? ¿Me darán una oportunidad (‘Take a Chance On Me‘)? ¿O tendremos que enfrentarnos a (una batalla de) ‘Waterloo‘)? ¿Se lo llevará todo el ganador? (‘The Winner Takes It All‘).

Y la respuesta es: «Cariño, ¿cómo podré resistirme?», en referencia a ‘Mamma Mia‘, para después continuar con: «lleva a dos bailar un tango. Querríamos que la canción fuera más ‘Dancing Queen’ que ‘The Winner Takes It All’, pero «romper nunca es fácil», lo cual a su vez es parte de la letra de ‘Knowing Me Knowing You‘.


Halsey acredita a Justin Timberlake y Timbaland en su nuevo single, ‘Without Me’

Por
JNSP
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Halsey es noticia este fin de semana porque el público que asista a ver ‘Ha nacido una estrella‘ presenciará un pequeño cameo suyo. Pero también porque al fin se edita un single suelto que la cantante ha estado promocionando durante las últimas semanas mediante teasers. Se trata de su primer tema nuevo sola desde la edición de ‘hopeless fountain kingdom‘, del que no hace tanto se extrajo el sencillo ‘Strangers’.

Se trata de ‘Without Me’, una sentida balada de ritmos urbanos, que Halsey ha querido dedicar a apreciar nuestro propio valor: «Cuestionar tu propio propósito y tu esfuerzo en una relación puede ser confuso y agotador. Pero es importante reflexionar sobre ti mismo y saber apreciar tu propio valor. Este tema trata de entender tu valor. Es un tema muy honesto. Y me ayudó a demostrarme que todavía puedo manifestar mis sentimientos en el arte después de todo este tiempo. Mi música siempre será el vehículo que lleva mi corazón», ha indicado, como recoge NME.

La cantante continúa, pues, con su discurso de autoayuda, el cual ha sido fundamental para su desarrollo como artista, como se ha podido ver en cualquiera de sus conciertos, donde abundan los discursos al respecto. Por otro lado, en los créditos del tema encontramos a Justin Timberlake y Timbaland oficialmente, posiblemente por una referencia a su clásico ‘Cry Me a River’.

Mumford & Sons anuncian única fecha en España para presentar ‘Delta’

Por
JNSP
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Seis años después de su última visita a Barcelona, Mumford & Sons volverán a la ciudad. Será el sábado 27 de abril para presentar ‘Delta’, a la venta el 16 de noviembre tras haberse estrenado hace unas semanas el sencillo ‘Guiding Light’. El grupo tocará sus nuevas canciones y oficialmente también «repasará los éxitos de su discografía» en lo que será un concierto especial «con formato 360 grados». Las entradas para la que será su única fecha en nuestro país serán nominales y saldrán a la venta el jueves 11 de octubre a las 9h en www.livenation.es y www.ticketmaster.es. Más información acerca de las entradas nominales y el Ticket Bundle aquí.

La nota de prensa facilita información sobre su nuevo disco, la continuación de ‘Wilder Mind‘ tras el exitoso ‘Babel’ después de varios años de espera. Grabado en Church Studios en Londres y producido por Paul Epworth (Adele, Coldplay, Florence + The Machine…) se anuncia como «un disco de diferentes matices, colores y texturas. Se trata de una colección conmovedora de canciones, quizás más íntimas y expansivas que nunca, tanto en las letras como en la música». Además, se recuerda que en 2019 se cumplirán 10 años desde el debut del grupo, ‘Sigh No More’.

Os dejamos con los precios:
PL1 Grada 65€ + gastos
PL1 Pista 65€ + gastos
PL2 Grada 55€ + gastos
PL3 Grada 50€ + gastos
PL4 Grada 40€ + gastos
Ticket Bundle:
Gentlemen Of The Road Premium – Standing: 142,5 + gastos
Gentlemen Of The Road Premium – Seated: 142,5 + gastos

Y con la gira completa de Mumford & Sons:
2018
16 noviembre – Dublín, 3 Arena
18 noviembre – Belfast, SSE Arena
20 noviembre – Glasgow, SSE Hydro
21 noviembre – Manchester, Manchester Arena
23 noviembre – Birmingham, Genting Arena
24 noviembre – Sheffield, Fly DSA Arena
25 noviembre – Newcastle, Metro Radio Arena
27 noviembre – Nottingham, Motorpoint Arena
28 noviembre – Cardiff, Motorpoint Arena
29 noviembre – Londres, O2 Arena
1 diciembre – Leeds, First Direct Arena
2 diciembre – Liverpool, Echo Arena
7 diciembre – Philadelphia, Wells Fargo Center
9 diciembre – Boston, TD Garden
10 diciembre – Nueva York, Madison Square Garden
14 diciembre – Washington DC, Capital One Arena
17 diciembre – Toronto, Scotiabank Arena

2019
12 enero – Auckland, Western Springs
15 enero – Brisbane, Entertainment Centre
18 enero – Sydney, Qudos
22 enero – Melbourne, Sidney Myer Music Bowl
24 enero – Adelaide, Entertainment Centre
27 enero – Perth, Perth Arena
27 febrero – Providence, Dunkin Donuts Center
28 febrero – Hartford, XL Center
2 marzo – Albany NY, Times Union Center
4 marzo – Montreal, Bell Centre
5 marzo – Ottawa, Canadian Tire Center
8 marzo – Buffalo, KeyBank Center
9 marzo – Cleveland, Quicken Loans Arena
11 marzo – Columbus, Nationwide Arena
12 marzo – Lexington, Rupp Arena
14 marzo – Pittsburgh, PPG Paints Arena
16 marzo – Charlottesville, John Paul Jones Arena
17 marzo – Raleigh, PNC Arena
18 marzo – Charleston, North Charleston Coliseum
20 marzo – Atlanta, State Farm Arena
22 marzo – Nashville, Bridgestone Arena
23 marzo – Birmingham, BJCC
25 marzo – Indianapolis, Bankers Life Field House
27 marzo – Detroit, Little Caesars Arena
29 marzo – Chicago, United Center
30 marzo – Madison, Kohl Center
31 marzo – Milwaukee, Fiserv Forum
25 abril – Lisboa, Altice Arena
27 abril – Barcelona, Palau Sant Jordi
29 abril – Milán, Medialanum Forum
1 mayo – Munich, Olympiahalle
3 mayo – Viena, Stadthalle
5 mayo – Basilea, St. Jakobshalle
7 mayo – París, Zenith
8 mayo – Luxemburgo, Rockhal
9 mayo – Amsterdam, Ziggo Dome
11 mayo – Berlín, Mercedes Benz Arena
13 mayo – Frankfurt, Festhalle
15 mayo – Colonia, Lanxess Arena
17 mayo – Copenague, Royal Arena
18 mayo – Gothenburg, Scandinavium
19 mayo – Oslo, Spektrum
21 mayo – Estocolmo, Ericsson Globe

Skepta anuncia concierto en Madrid

Por
JNSP
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Skepta, ganador del Mercury Prize con el excelente ‘Konnichiwa‘, ha sorprendido anunciando un concierto en Madrid que tendrá lugar el mes que viene, el 29 de noviembre (Joy Eslava). El artista no ha vuelto a sacar otro largo desde 2016, si bien sí ha publicado varios singles sueltos, como ha sido el caso de ‘Ding-A-Ling’ con Stefflon Don, ‘Pure Water’, ‘Energy (Stay Far Away’) con Wizkid y ‘Stay With It’ con Suspect y SHAILAN.

Además en los últimos tiempos ha trabajado con A$AP Rocky en un ‘Praise The Lord’ que ha llegado al top 20 británico, y con Dizzee Rascal en ‘Money Right’, así como en otra medio docena de colaboraciones todas ellas editadas este año… que darían hasta para conformar otro álbum nuevo. Todo un signo del cambio de los tiempos.

Primavera Sound, que ha contado con Skepta en un par de ocasiones recientemente, es la promotora de este tour para el que ya están las entradas a la venta a 22 euros a través de Redtkt y Ticketmaster.

Uniforms luchan por que se «oiga su voz» en su himno ‘EDMP’

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JNSP
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Uniforms, formadas en 2016 en Jaén, estrenan hoy en JENESAISPOP su primer videoclip, correspondiente al tema ‘EDMP’ («Experimento del Mundo Pequeño»), una reivindicación del sonido 90’s de gente como Sonic Youth o Yo La Tengo, pasado por una prisma más pop similar al de bandas más recientes como Warpaint. Foto: Juan Partal.

La letra captura «la soledad y la insignificancia del ser humano dentro de una sociedad frenética e individualista, donde el desarrollo personal y la introspección queda relegada a un segundo plano», pero lo hace inmersa en distorsiones y acoples. La voz de Annie y los coros de Natalia (el grupo se completa con la batería, Pan) están en un completo segundo plano, en deliberada contradicción con el estribillo, que claramente reivindica “aquí no se escucha mi voz / quiero que se oiga mi voz”, lo que deja las estrofas atrapadas en una interesante metáfora.

Bajo esta misma premisa, asistimos a su videoclip dirigido por Emilio León, en el que la actitud desafiante e iluminada de algunos planos topa con otros completamente a oscuras o sombríos. Una lucha de contrastes tanto en lo visual como en lo sonoro, que también coquetea con el dream pop de unos Beach House o en España Desert. Uniforms actúan en BIME a finales de este mes, en un cartel que cuenta con nombres tan importantes como Slowdive (seguro que les gustan), Aphex Twin, Jon Hopkins, MGMT o M.I.A.; el 23 de noviembre en Moby Dick (Madrid) y el 1 de diciembre en Merendola Fest (Granada).

Rosalía, Viva Suecia, Love of Lesbian, Brisa Fenoy y Belako, candidatos en los MTV EMAs 2018

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Raúl Guillén
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Hoy se han anunciado los candidatos a los premios MTV European Music Awards 2018, MTV EMAs para los amigos. Dado que la ceremonia de entrega se celebra el próximo 4 de noviembre en el BEC! de Barakaldo, Vizcaya, este año el premio al mejor artista local le corresponde a un artista o grupo español. En este caso, se ha anunciado que optarán a él Rosalía –que tendrá ‘El mal querer‘ recién salido del horno–, Viva Suecia, Love of Lesbian, Brisa Fenoy y Belako. Este premio, como el resto de los que entrega MTV, son otorgados por votos del público, por lo que podéis hacerlo ya en esta página.

Por lo demás, hoy se han dado a conocer los nominados a las principales categorías por medio de un irritante vídeo ASMR (como casi todo lo del ASMR menos Holly Herndon, en realidad). Optarán al mejor vídeo The Carters por ‘Ape T’, Childish Gambino por ‘This Is America’, Camila Cabello por ‘Havana’, Lil Dicky por ‘Freaky Friday’ y Ariana Grande por ‘No Tears Left To Cry’. En cuanto al galardón al mejor artistas del año, optan Dua Lipa, Camila Cabello, Ariana Grande, Post Malone y Drake. La mejor canción se debatirá entre ‘Havana’ de Camila Cabello, ‘No Tears Left To Cry’ de Ariana Grande, ‘Meant To Be’ de Bebe Rexha, ‘Rockstar’ de Post Malone y ‘God’s Plan’ de Drake.

Aunque aún no se han confirmado quiénes actuarán en la gala, durante toda la semana previa habrá numerosos conciertos en Bilbao y alrededores dentro de lo que se conoce como MTV Music Week 2018. En este caso, incluyen shows de Los Planetas, Wolf Alice, Mala Rodríguez, La Casa Azul, Lori Meyers o La Pegatina, Brisa Fenoy, Belako… entre otros muchos.

Los concursantes de Operación Triunfo 2018 homenajean a su profesor Miqui Puig cantando ‘Bonito es’

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Raúl Guillén
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Si en la edición 2017 fue Guille Milkyway el que vio cómo sus alumnos de cultura musical en la academia de Operación Triunfo le rendían homenaje interpretando ‘La revolución sexual’ de La Casa Azul para abrir una gala, en su recién estrenada nueva edición los concursante han hecho lo propio (por supuesto, a instancias de Noemí Galera y Manu Guix, directores de la academia) con el artista que ha sustituido a aquel, Miqui Puig.

En este caso, los 16 concursantes de OT2018 –hasta la marcha de Alfonso, cantando por John Legend, en esta gala 2– interpretaron de manera coral ‘Bonito es’, su megahit con la banda Los Sencillos. Una canción que petó en España en 1991 y 1992, trasladando como pocos la resaca de acid house y Madchester con toques de psicodelia y pop a nuestra idiosincrasia. El número, como suele ocurrir en estas actuaciones que abren cada programa, tuvo un poco de batiburrillo y de coro de iglesia, en este caso con bien de colorinchis y globos.

Por lo demás, la gala 2 fue un notable bluff, con poquísimas actuaciones reseñables –quizá la de Miki Núñez y Alba Reche cantando el bolero ‘Alma mía, recientemente recuperada por Natalia Lafourcade, y la de Natalia Lacunza (favorita de la gala) y Marta Sango interpretando una versión rockera de ‘Tainted Love’–, dejando a África y Dave como nominados de la semana. Aunque si algo brilló en esta tercera gala fue Mimi Doblas en plan Beyoncé, dando un buen espectáculo de pop con una versión extendida (¿o quizá es que a mí se me hizo un poco larga?) de su hit como Lola Indigo ‘Yo ya no quiero ná’. La de Granada demostró que su capacidad escénica para hacer complejas coreografías (algo menos para cantar, pero lo sobrellevó bastante bien) la convierte en una de las concursantes de OT2017 con más futuro. Y eso que, como Alfonso, se fue la primera de todos.

Joe Crepúsculo propone a David Broncano entrevistar a sus invitados mientras defecan

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Raúl Guillén
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Joel Iriarte, Joe Crepúsculo, estrenaba el pasado viernes ’10’, un grandes éxitos de los de toda la vida con un estupendo inédito, ‘Quizá’. Por eso era casi una necesidad que acudiera a La Resistencia, el programa de entrevistas que conduce el cómico David Broncano por el que en los últimos meses hemos visto pasar a Los Punsetes, Yung Beef, Nacho Vegas o Najwa Nimri. Como es habitual, la charla entre ambos de 20 minutejos ofrece momentos hilarantes aunque en realidad no pase gran cosa ni se hable de nada trascendente.

Para empezar, los nervios iniciales hacían que Crepus hablara con unas “pausa dramáticas” que a Broncano le resultaban “inquietantes”. Aunque no tanto como las cicatrices de sus brazos, que se resistió a contar cómo se hizo aunque sí explicó que se le salió un hueso fuera del brazo. Sí dio detalles de su mano robótica: tiene una placa en la mano derecha que le impide girar su muñeca arriba y abajo, aunque sí rotar. Algo que llevó a Broncano a imaginar que sus pajas pueden ser algo “soviéticas”. También le pinchó con la cuestión de que Podemos haya usado ‘Mi fábrica de baile’ en sus mítines –aunque luego rechazaran una sintonía suya–, y si les demandaría por usarla sin su permiso. Pero dijo que “todavía no”.

También le cayó la preguntita sobre la cifra en su cuenta bancaria, que Joel trató se sortear tirándose el pisto y diciendo 10 o 15 millones. Obviamente no coló, y Crepus confesó que la pregunta le incomodaba. Pero, en una pequeña venganza, más tarde llevó a sugerir a Broncano que podría hacer esas entrevistas con su invitado sentado en un WC y “cagando”. Incluso propuso poner una cámara para que se viera “el cagarro que baja”, porque piensa que ahí hay una información “esencial”. “Es demasiado vanguardia”, respondió el presentador. Puedes ver la entrevista completa en el vídeo aquí abajo.

La Canción del Día: Jessie Ware saca un tema «para ligar a última hora», ‘Overtime’

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JNSP
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Tras recorrer varios festivales este verano, Jessie Ware ha publicado un single bastante sorprendente si recordamos los singles con los que presentó su último álbum, ‘Glasshouse’, esto es, ‘Midnight’, la latina ‘Selfish Love’ o ‘Alone’.

Lejos también de ‘Say You Love Me’, el baladón co-escrito con Ed Sheeran y su gran hit, en ‘Overtime’ Jessie Ware se entrega a las pistas de baile noventeras recordando a otras joyas británicas del último lustro como el dúo de Disclosure y AlunaGeorge en ‘White Noise’ o Sleepy Tom con Diplo en ‘Be Right There’. No en vano los productores son James Ford de Simian Mobile Disco y los chicos del dúo electrónico Bicep, unos supervivientes en la escena electrónica “vintage” británica.

La letra de la canción, en sintonía, es una fiesta que propone que “la noche sea el día”, “quedemos en el bar y no llegues tarde”, “podría beberte como limonada de verano”, “no tendremos tiempo para hablar moviéndonos en la oscuridad” o “no vamos a querer parar nunca”. Dice Ware, que ha definido ‘Overtime’ como “un regreso a sus inicios” y como “una canción de última hora de la noche para ligar”, que esto es “un aperitivo de lo que está por venir”, y lo cierto es que no podemos esperar por los demás platos.

Tomavistas Ciudad toma las salas de Madrid con Maria Arnal i Marcel Bagés, Toundra, Preoccupations…

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Raúl Guillén
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Consolidado ya como una de las citas festivaleras más importantes de Madrid, Tomavistas ha vuelto a extender sus actividades más allá del certamen primaveral en el Parque Enrique Tierno Galván y toma algunas salas de la capital para que en la temporada de otoño/invierno no falte la buena música.

La primera de estas citas tendrá lugar el día 18 de octubre en la Sala Changó y reunirá en su cartel a Baywaves, uno de los mayores exponentes del nuevo pop independiente español que, además, ha logrado captar una cantidad considerable de fans en Reino Unido. Con ellos, que presentan las canciones de su reciente segundo EP ‘It’s Been Like’, estarán Tigres Leones, nuevos adalides del pop rock con inequívoca querencia costumbrista y castiza, con un punto surrealista con discos fantásticos como ‘El año de la victoria‘.

La siguiente de sus citas ha agotado sus entradas a más de un mes de su celebración: se trata de una de las últimas presentaciones que ofrecerán Maria Arnal i Marcel Bagés de su soberbio álbum ‘45 cerebros y 1 corazón‘, por lo que el aforo del Teatro Nuevo Apolo ha colgado el cartel de «sold out» para el 12 de noviembre en poco tiempo. Ese mismo mes, el día 15, Tomavistas ofrece la ocasión de ver a Toundra presentando el reciente ‘Vortex’ en La Riviera, con It It Anita como teloneros.

Saltando ya al mes de febrero de 2019, Tomavistas Ciudad ofrece dos descargas de punk rock muy distintas: el día 2 los canadienses Preoccupations (antes Viet Cong) actuarán por primera vez en Madrid, con los bilbaínos Vulk abriendo fuego. Después, el 22 de febrero en Ochoymedio, Mujeres, Futuro Terror y Melenas se reúnen en una auténtica fiesta del underground nacional. Para más información de todos estos conciertos y venta de entradas, puedes consultar la web de Tomavistas.

Joe Crepúsculo / 10

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Sebas E. Alonso
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En la era de las playlists de streaming y en la que tanta gente se limita a escuchar lo más oído de cada artista sin bucear en su discografía, editar un recopilatorio solo puede tener un sentido completo 1) como reivindicación de ti mismo 2) si vas a cuidar la edición física y 3) incluyes algún inédito bueno como aliciente. ’10’ de Joe Crepúsculo, que llega al mercado cuando se han celebrado 10 años de sus dos primeros álbumes -y además es su 10º disco, aunque esto tenga un poco de trampa, pues uno era de regrabaciones y otro de nanas-, funciona en los tres sentidos.

En primer lugar, Joe Crepúsculo se ha convertido en estos 10 años en uno de los personajes más singulares del pop español. Nunca se ha ido a ningún sitio, ni mucho menos nos ha torturado anunciando discos que no terminaban de llegar; y lo que es más importante, ha trabajado y logrado un sonido propio que en principio vinculábamos muy claramente con el synth-pop de Austrohúngaro, algo de lo que ahora a duras penas nos acordamos después de un currículum que ha incluido momentos flamencos, rumberos, bakalas, traps o reggaetoneros. Algunos han descalificado su música y sus sets como «verbeneros» sin que algunos encontrásemos absolutamente nada peyorativo en el término. Al contrario.

En segundo lugar, la edición física del álbum, además de incluir una galería de fotos con personajes afines o colaboradores como Hidrogenesse, Fernando Alfaro, La Bien Querida, Svper, Espanto, Soleá Morente… incluye las letras en la edición vinilo (en la de CD, no; una pena, pues los textos dedicados a cada disco que aparecen en ambas ediciones son de calidad irregular). Y esas letras impresas evidencian las grandes y variadas cuestiones que ha tratado Joe Crepúsculo en estos años, quien ni mucho menos se ha limitado al amor y su opuesto. Nunca son tan inocentes o inofensivas como suenan. «Yo quiero saber dónde va a parar toda esta energía», «nada envejece más que pensar que nos hacemos viejos, un viejo es un viejo cuando hace cosas de viejo» o «qué necesitas más / si lo bello de la vida es gratis» encierran más sabiduría que las rocambolescas e incomprensibles letras que suelen mover miles de copias en nuestro país; por no hablar de que hay que tener mucho valor para empezar un himno de bakalao con la frase «no hay nacimiento ni muerte / hay transformación en el devenir».

Por último, está claro que no estamos ante un artista al que no le queden cosas por decir. Su último disco ‘Disco duro‘ es uno de los mejores de su carrera y el tema inédito que se incluye ahora, ‘Quizá’, no es una versión de Osvaldo Farrés, sino un tema de melodía raphaelesca o berlanguiana que cuestiona los valores del mundo actual, muy en su estilo: «vivo los problemas con desinterés / me falta un grado de emoción (…) quizá todo sea mejor con internet, y con tanta información / pero cuando busco algo en qué creer / todo es humo y alcohol». El que esté libre de pecado, que tire la primera piedra.

Teniendo claro que Joe Crepúsculo es una de las mejores cosas que ha podido pasarnos en este milenio, solo queda cuestionar la selección de canciones o su secuencia. Ha sido un acierto prescindir del orden cronológico, para comenzar bien a lo grande con ‘A fuego’ y su mayor hit, ‘Mi fábrica de baile’; así como situar ‘La verdad’ después de ‘Tus cosas buenas’; o ‘Leyenda’ con Russian Red y ‘Pisciburguer’ seguidas. Por el contrario, no se explica la ausencia de temas de ‘El caldero’, especialmente de ‘Enséñame a amar’; o de su exitosa versión de ‘Maricas’… si es para reivindicar ‘Baraja de cuchillos’ (2008), que además aparece demasiado pronto dando la idea de que van a faltar hits; o ‘El cráneo’ (2009). Lo que ha terminado de hacer grande a Joe Crepúsculo es que, tras venirse arriba en ‘Mi fábrica de baile’ (2012), no se estancó y siguió reinventándose y aportando cosas igual de buenas. Lo anterior, con un par de excepciones, desluce un poco al lado a día de hoy. Con todo, una ocasión para que todo el mundo se dé cuenta de que las grandes canciones del artista rondan la veintena, si es que alguien pensaba otra cosa a estas alturas.

Calificación: 8/10

Lo mejor: ‘Mi fábrica de baile’, ‘Suena brillante’, ‘La canción de tu vida’, ‘Música para adultos’, ‘Leyenda’, ‘La verdad’, ‘Todo lo bello es gratis’, ‘Pisciburguer’

Te gustará si te gustan: Hidrogenesse, Soleá Morente, Espanto.
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De ‘Without You’ a ‘With You’: la Mariah Carey más clásica

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JNSP
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Hace un par de semanas Mariah Carey publicaba una canción nueva junto a Nineteen85 llamada ‘GTFO’. A pesar de que la producción tenía su gracia, no ha pasado gran cosa con ella, pues ni ha llegado al top 100 británico ni al “bubbling under” estadounidense. Enseguida se comunicó que el verdadero primer single de lo nuevo de Mariah Carey, previsto para finales de 2018, se llamaba ‘With You’, lo cual tiene su gracia porque uno de los mayores hits de la cantante, quizá el más importante en nuestro país, era exactamente lo contrario, ‘Without You’.

En lo que sí coincide ‘With You’, que se acaba de estrenar, con ‘Without You’ es en la recuperación de un sonido clásico y retro, aunque se haya afrontado de una forma muy distinta. ‘With You’ es un tema más R&B que una balada universal, pero su piano es de pura inspiración setentera (algo que ahora mismo podrían haber co-escrito Tobias Jesso Jr y Adele o en su momento Carole King), y apenas ese sample de voz masculina distorsionada es lo que nos sitúa en 2018.

Desconocemos si esta declaración de amor sonará en el próximo concierto que Mariah Carey dará en nuestro país, en concreto en Madrid, el próximo mes de diciembre, pero lo seguro es que podremos escuchar en directo ‘All I Want For Christmas Is You’. Será el día 17 de diciembre y aún hay entradas disponibles en Ticketmaster para el WiZink Center.

Taylor Swift divide con su elección para abrir los AMAs

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Sebas E. Alonso
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El próximo 9 de octubre se celebra una nueva edición de los American Music Awards, y se acaba de anunciar que Taylor Swift abrirá la ceremonia interpretando su tema ‘I Did Something Bad’, uno de los que incluía su último disco, el polémico ‘Reputation’. Su elección ha provocado ríos de tinta entre sus fans, pues vuelve a desenterrar a la Taylor deliberadamente “mala” que vimos en el sencillo principal del disco, ‘Look What You Made Me Do’. ¿Cuál es el problema? El tema fue obviamente un hit para Swift pero la descolgó del club “vendo 10 millones de copias por álbum” en el que solo estaban ella, Ed Sheeran y Adele, haciéndole perder público muy especialmente en Europa. En países como el nuestro no se ha vuelto a escuchar un single de la cantante en radio y en Estados Unidos solo ‘Delicate’, una de las canciones más “soft” del álbum, ha sostenido el éxito de ‘Reputation’.

En Popjustice se cuentan varias páginas con el debate, con varios usuarios comentando que ‘I Did Something Bad’ es de sus “canciones favoritas”, de “las pocas que les gustan del álbum” o “una de las favoritas de mis amigos”, pero otros comentando cosas como “no puedo esperar a que este desastre de era se acabe”, “¿tiene ‘Delicate’ y todavía prefiere tocar otro himno de rabieta sonrojante?”, “es una de las peores canciones del álbum, pero tampoco veo el drama” o el mejor: “’Delicate’ no murió en la cruz por ESTO”. Algunos creen que ‘I Did Something Bad’ no puede ser single, y simplemente será el típico vídeo en directo que Swift suele hacer en cada era para sus hardcore fans. Otros suspiran pensando en ‘Getaway Car‘.

Haya muerto la nueva Taylor o no, lo cierto es que lo que tiene preparado para ella será lo suficientemente bueno o llamativo para abrir una ceremonia por la que también pasarán el próximo martes Imagine Dragons, Post Malone, Mariah Carey, Cardi B con Bad Bunny y J Balvin, Dua Lipa o Camila Cabello. Podéis ver las nominaciones a los premios, encabezadas por Cardi B y Drake, en Wikipedia.

Róisín, entre la multitud orgiástica y el collage en ‘Jacuzzi Rollercoaster’

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JNSP
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Róisín Murphy sacaba hace un par de semanas un par de singles bastante pop -para lo que han sido sus últimos tiempos-, ‘Jacuzzi Rollercoaster’ y el machacón ‘Can’t Hang On’, ambos producidos por Maurice Fulton. El primero presenta hoy su videoclip, y si su letra es un festín de «loops verticales», «cielos en éxtasis» y sensaciones «en gravedad cero», parece que su vídeo se ha querido recrear en ese mismo hedonismo.

La propia Róisín Murphy es la directora de este videoclip para ‘Jacuzzi Rollercoaster’ que parte de una multitud casi orgiástica a lo Kylie Minogue para después dividirse en desdobles caleidoscópicos y otras virguerías habituales en la estética de Canada. Cuenta con la colaboración de Ali Love, acreditado como «featuring» en la misma canción, y conocido por su carrera en solitario, en Hot Natured, Infinity Ink o como co-autor y vocalista tanto de Chemical Brothers (‘Do It Again’) como de Justice (‘Civilization’).

Róisín Murphy continúa de esta manera con la serie de singles sueltos que anunció en primavera y que ha dejado temas como ‘Plaything’ y ‘All My Dreams’. Casi todos ellos se sumergen en una mezcla entre disco-funky y house noventero, acercándose tímidamente a la comercialidad de ‘Overpowered‘ pero sin llegar a caer o rendirse.

‘La hora musa’ revela cuál es la auténtica “operación triunfo” de la música pop

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Raúl Guillén
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Anoche, tras el regreso de ‘Cachitos de hierro y cromo’ –con un especial dedicado al tecnopop en el que se permitieron el lujo de despreciar como poco menos que basura ‘Take On Me’ de A-Ha, por ejemplo– se estrenaba en La 2 ‘La hora musa’. Se trata de un magazine dirigido por Jero Rodríguez –también responsable de ‘Cachitos’–, conducido por la artista Maika Makovski que pretende que la música en directo vuelva “al prime time” televisivo. ¿Compramos que el “prime time” signifique comenzar la emisión a las 23:00h? Teniendo en cuenta que esa franja suele leerse en España como las 22:30h y, por ser ellos y tratarse del programa que se trata, va, sea.

Sea, porque estamos ante un formato, el magazine exclusivamente musical con actuaciones en directo, que la televisión pública había relegado hace ya más de una década, cuando Miguel Bosé presentaba aquel ‘El séptimo de caballería’ en el que este ‘La hora musa’ pretende inspirarse –quizá porque Rockopop, Tocata o A Tope han quedado ya un poco desfasados en el tiempo–. Y no tenemos claro si será la falta de costumbre o qué, pero el resultado se acerca bastante a lo que esperábamos. Con una Maika que, tras encomendarse a “San Hendrix, Santa Ella, San Bowie y San Young (aunque estés vivo)”, se mostró muy solvente como conductora y entrevistadora –qué gusto una presentadora que hable inglés correctamente, no podía ser tan difícil–, ayudada por el hecho de que el programa se nutre de diversas secciones y grabaciones.

Con una realización ágil –brillante en el plató de tv y también en la terraza –otro set que recoge actuaciones al aire libre al estilo de Balcony TV–, ‘La hora musa’ arrancaba con los escoceses Franz Ferdinand, que ofrecieron buenas (aunque algo más comedidas que en sus auténticos directos, lógicamente) lecturas de ‘Always Ascending’, ‘Lazy Boy’ y la incombustible ‘Take Me Out’. Entre estas, se intercaló la actuación de Mala Rodríguez en la citada terraza, haciendo gala de magnetismo y maestría con ‘Gitanas’ primero y ‘Quién manda’ después, y un reportaje (algo sobadillo y aleatorio) sobre rincones de Londres inmortalizados en portadas de álbumes históricos del periodista Víctor F. Clares –al que, en un gag al inicio del programa, Maika “afeaba”, guión mediante, el morrazo de lucir la camiseta de su grupo, Ladilla Rusa–.

Quizá, a espera de ver qué nos reservan en futuras ediciones, esos reportajes de Clares sean lo que más rechina de un programa que destaca por tratar la música con auténtico mimo y respeto. El mejor ejemplo fue el fragmento dedicado a Juan Perro, el álter ego de Santiago Auserón, que sí, recordó técnica y artísticamente al tratamiento de ‘El séptimo de caballería’: después de dos fantásticas revisiones en directo de la genial ‘Los inadaptados’ de su último disco ‘El viaje’ y su éxito ‘Charla del pescado’, acompañado por su extensa e intensa banda, Auserón se sentó a charlar con Makovski, demostrando entre chascarrillos que la experiencia es un grado y que su verdadero éxito –también el de Franz Ferdinand y Mala Rodríguez– está, precisamente, en haber trascendido a lo largo de los años sin renunciar a la búsqueda y la personalidad, a pesar de los mandatos de la industria. Esa es la auténtica “operación triunfo” que debería transmitirse a aquellos que quieren ser artistas, y ayudaría mucho que, además de en prime-time, se ofreciera en el canal principal de TVE –sí, ya sabemos que esto es mucho pedir–.

El colofón final, con Auserón y su banda acompañados por la presentadora a la guitarra y voz para rehacer una sorprendente relectura de la mítica ‘Annabel Lee’ de sus Radio Futura, dejó un sabor inmejorable. Sabiendo que el programa de la semana que viene estará protagonizado por Bunbury y Miguel Poveda –también por Jorja Smith, afortunadamente–, apenas podríamos acusar la necesidad de un mayor equilibrio con más artistas jóvenes y realmente refrescantes. Pero, como punto de partida, el primer ‘La hora musa’ merece los pulgares hacia arriba. 7,5

Marissa Nadler / For My Crimes

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Raúl Guillén
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Imaginamos que, en cierta medida, puede ser frustrante para Marissa Nadler que, tras 15 añoa de carrera, haya llegado a ser conocida por un público más amplio gracias a las comparaciones con Lana del Rey a raíz de su penúltimo disco. Pero, bajo mi punto de vista, a nadie le amarga un dulce (aunque sea envenenado, en el caso de su cancionero melancólico y oscuro) y si ‘Strangers’ obtuvo un mayor reconocimiento comercial porque se corriera la voz de esa semejanza, ha de ser bienvenido. No hay que olvidar que, al fin y al cabo, aquel notable álbum también estaba marcado por una mayor inclinación hacia lo popular en sus arreglos y su sonido rockero.

Así las cosas, si los fans de Lana vuelven a aproximarse ahora a ‘For My Crimes’, el séptimo álbum de la cantautora de Boston, no se decepcionarán… siempre y cuando adoren su lado más oscuro y sórdido –el de ‘Ultraviolence’– que el luminoso –el de ‘Lust for Life’ o ‘Born to Die’–. Porque en esta ocasión, slalvo en contados números, Marissa vuelve a su tono más ascético y minimalista en lo instrumental, su faceta más early Cohen: apenas guitarras y voces –nada menos que las de Angel Olsen, Sharon Van Etten y Kristin Kontrol se unen aquí a la de Marissa para, convenientemente dobladas o superpuestas, alcanzar ese ambiente fantasmal tan característico en su discografía–, con algún ocasional arreglo de cuerda, son los mimbres con los que se construye buena parte de ‘For My Crimes’. La excepción es el single ‘Blue Vapor’, única canción que cuenta con una batería que, en su caso, restalla en el momento preciso, cuando un hiriente chelo ha hecho el ambiente casi irrespirable y abriendo paso a una cohorte de saxos altos que sirven una deliciosa copa de ponzoña como perfecto contrapunto a la voz etérea de Nadler.

Lo cual lo hace, quizá, menos atractivo en primera instancia, pero, gracias a un fantástico nivel compositivo, ‘For My Crimes’ no desmerece el altísimo nivel general de su carrera. De hecho, diría que varias de estas canciones están entre lo más memorable y maduro que haya escrito nunca Nadler, en buena medida gracias a la coartada más personal y mundana que nunca haya tocado la cantautora: el hecho de comprobar en sus propias carnes cómo la distancia y la diferencia de intereses aniquilaban su matrimonio con el músico y periodista Ryan Walsh a pesar del amor que se profesaban mutuamente inspiró buena parte de estas canciones. Una añoranza devastadora que se torna hermosa al convertirse en canciones como ‘I Can’t Listen to Gene Clark Anymore’ (“Ya no puedo escuchar a Gene Clark sin ti / (…) Recuerdo las canciones que me cantabas cuando eras tú por quien yo caía enamorada”), ‘Are You Really Going to Move to the South?’ (dado que fue ella la que se trasladó a Laurel Canyon para grabar este disco con Lawrence Rothman y Justin Raisen –Angel Olsen, Charli XCX, Sky Ferreira– leemos frases como “por un tiempo dormía con mis brazos apuntando al oeste, directos a tu pecho” en boca de su ex-pareja) o ‘Said Goodbye To That Car’ (en la que terminamos enganchados a las cifras del extenso rodaje en millas que soportó su coche tras infinitos viajes).

Es cierto que el tono melancólico y crepuscular favorece que las melodías más brillantes (como las de las ya citadas, además de la embelesada ‘Lover Release Me’, el estremecedor corte que da nombre y abre el álbum –con líneas inquietantes como «cuando me llevan por el pasillo, sujetan mis muñecas con ataduras / Trazaré la línea exterior de tu cuerpo junto al mío»– y la muy Lana ‘Dream Dream Big In The Sky’) destaquen frente a las más taciturnas o recurrentes. Pero incluso estas desprenden un fulgor alejado de la vulgaridad –a menudo gracias a discretos pero exquisitos arreglos de guitarra, como los de ’All Out Of Catastrophes’ e ‘Interlocking’– que elevan a Marissa Nadler como una de las autoras e intérpretes más brillantes y personales no ya del círculo folk-rock sino, habida cuenta de la palpable conexión con el exitoso universo de Lizzy Grant, de uno más amplio.

Calificación: 7,5/10

Lo mejor: ‘I Can’t Listen to Gene Clark Anymore’, ‘Blue Vapor’, ‘For My Crimes’, ‘Said Goodbye To That Car’

Te gustará si te gusta: la Lana del Rey de ‘Ultraviolence’, Mazzy Star, Leonard Cohen.
Escúchalo: Spotify

Viva Suecia vuelven a aumentar su aforo en Madrid y anuncian concierto en La Riviera

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JNSP
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Como muestra del éxito progresivo de Viva Suecia, el próximo show de la banda murciana en Madrid será en La Riviera, con capacidad para casi 2.000 personas. Sus fans recordarán verlos en su momento en el diminuto Costello, y progresivamente en El Sol o en la Sala But, y así hasta llegar a casi duplicar este último aforo. El concierto en La Riviera será la próxima primavera, en concreto el 28 de marzo. Las entradas ya están disponibles a través de Ticketea a 18 euros, que serán 22 en taquilla.

La nota de prensa de su sello Subterfuge recuerda que el grupo lleva tocando en salas todo el año y en festivales hasta 4 veces a la semana, y ahora afronta tanto esta fecha como su primera visita a Colombia. Bajo estas líneas podéis ver dónde serán las próximas fechas de presentación de su segundo trabajo, ‘Otros principios fundamentales‘, que salía el año pasado y después han reeditado. Tanto ‘A dónde ir’ como ‘Hemos ganado tiempo’ suman más de 1 millón de reproducciones en Spotify.

4 de octubre: Valencia
5 de octubre: Córdoba
6 de octubre: Castelldefels (entradas en Ticketea)
19 de octubre: Pamplona
20 de octubre: Onda, Castellón
21 de octubre: Barcelona
26 de octubre: Santiago
27 de octubre: Festival Hermoso Ruido, Bogotá
8 de noviembre: León
17 de noviembre: Cáceres (entradas en Ticketea)
28 de marzo: Madrid

Crece el éxito post-mortem de XXXTentacion en España: el clip de ‘Moonlight’ ya es top 1 en Youtube

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Raúl Guillén
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Es ingrato comprobar cómo la popularidad de algunos artistas les llega sólo después de su muerte. En España en concreto, comprobamos cómo el rapero XXXTentacion vive una repercusión post-mortem bastante más acusada que la que logró en vida. Horas después de que conociéramos que su tema inédito con el igualmente fallecido (en este caso por sobredosis) Lil Peep, ‘Falling Down’, ha entrado directamente al puesto 55 de la lista de singles española, vemos cómo el clip oficial para ‘Moonlight’ es top 1 en la lista de Youtube Tendencias, acumulando un total de 21 millones de reproducciones.

Y eso que en el clip no pasa gran cosa, más allá de que vemos al artista deambular, sin hablar con nadie y aislado de todo con sus auriculares, entre la gente que, vestida de negro, puebla una fiesta en el bosque. La canción, eso sí, es fantástica, y es una de las más destacadas de ‘?’, el disco que XXXTentacion acababa de publicar semanas antes de su muerte, tiroteado en su coche.

De hecho, Jahseh Onfroy puebla hoy de nuevo las portadas de diarios generalistas de todo el mundo porque han salido a la luz pública imágenes del asesinato del rapero. Concretamente, en un vídeo mostrado por la fiscalía durante el juicio a Michael Boatwright y Trayvon Newsome, los acusados de darle muerte el pasado 18 de junio. En el vídeo se ve cómo dos sujetos encañonan a Onfroy mientras está en su coche, y forcejean para arrebatarle las joyas y un bolso que lleva consigo. Pese a su perfil controvertido, su asesinato impactó a todo el mundo de la música por la pérdida con tan sólo 20 años del gran talento que a todas luces poseía XXXTentacion.

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