Triángulo de Amor Bizarro / El gatopardo

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8 abril, 2018

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Hoy se cumplen 10 años del lanzamiento de ‘Just Dance’, el single de debut de Lady Gaga, que os presentábamos en un «Revelación o Timo» de la cantante (atentos a los comentarios) en julio de 2008, entraba en listas estadounidenses en agosto y alcanzaba el número 1 en medio mundo ya a principios de 2009, pero por lo visto se editaba realmente, de manera modesta, un 8 de abril. En cualquier caso todo ello sucedía un año antes de la llegada del videojuego que de hecho incluiría la canción de Gaga en su 5ª edición de 2014.

Lady Gaga emprendía con esta canción un viaje a la fama sin retorno que en este caso iría más allá de lo metafórico. Harta de su vida en bares perdidos de Nueva York, cogería un vuelo a Los Ángeles para grabar música y, tras escribir ‘Just Dance’ en 10 minutos, decidiría dejar a su novio y no volver nunca a su viejo piso de Nueva York. Así lo contaba en The Guardian en 2009: «Todavía no he vuelto». Su siempre devota madre tuvo que desocupar su apartamento en su lugar.

‘Just Dance’ tiene, efectivamente, la inmediatez de las canciones de un artista novel de 21 o 22 años, escritas en 10 minutos. Como ‘I Get Around’ de Dragonette, un año anterior, presentaba sin remordimientos una fiesta etílica de las de perder el móvil, y como aquella, atrapaba desde los primeros segundos por el riff de sintetizador y ese aire a «keytar» que solo podía situar la producción en la década de los 80. Acompañaban sin molestar una serie de featurings e invitados que merece la pena mencionar sólo porque ya se nos habían olvidado: me pasé meses pensando que Gaga cantaba al «vino tinto» en lugar de al a la postre productor de himnos para el Real Madrid y Álvaro Soler RedOne; Akon… OK; ¿pero quién demonios era -corto y pego- Colby O’Donis?

Estaba claro que esta era una canción de Lady Gaga, nadie escuchó jamás aquí a nadie más. A fortalecer esa idea contribuyó una icónica presentación de la canción en Miss Universo, integrada dentro del desfile, que hoy puede resultarnos viejuna (sí, las haría mejores, desde ‘Paparazzi’ a la Super Bowl), pero que en los albores de Youtube era arrebatadora: en ese escenario la única que conquistó el universo fue Lady Gaga. La canción no era la más imaginativa ni moderna, y por tanto, podía haberse quedado en «one hit wonder», pero pronto se pondría sobre la mesa que su sentido de la performance no iba a consentir que la atención del público decayese. No había más que ver el guiño a David Bowie de su maquillaje, bastante insólito en unos tiempos en que el pop se lo repartían Aguilera cantando a grito pelado, Britney con la cabeza como una pelota de tenis y Nelly Furtado disfrazada de moderna. La Gaga que conocemos vivía ya «para el aplauso» y, pese a la deriva agridulce de su carrera vista en su documental reciente, o pese a que su gran disco no haya llegado aún (¿o fue ‘The Fame Monster’?), lo cierto es que supo capturar la atención del público con este primer single, sin llegar a perderla hasta hoy pese a los baches que ha conocido por el camino.

‘Just Dance’ fue elegida por nuestra web como una de las mejores canciones de 2008 con 32 puntos míos, 12 de Lolo/Farala y 5 de Raúl Guillén -qué maravilla conservar estos documentos de lustros pasados, saludos a Cristina Cifuentes-, pero ni siquiera resultaría la mejor canción de Germanotta: ‘Poker Face’ y ‘Bad Romance’ la terminarían superando poco a poco en popularidad, ‘Telephone’ en modernidad, ‘Venus’ en diversión, ‘Perfect Illusion’ en locura ya total. Y aun así, 10 años después, continúa siendo una canción que llena una pista en cuanto entran sus primeras e identificativas notas. Porque siempre será una buena canción a la que volver.

Si bien sus seguidores parecen algo cansados de que aparezca de manera recurrente en el repertorio de sus giras, es referencial del sonido Gaga. Aunque hoy nos cueste creerlo, en su momento se decía que ‘Bad Romance’ era demasiado ‘Poker Face’, que a su vez era demasiado ‘Just Dance’. Hoy en día, perfectamente distinguibles todas ellas, podemos afirmar que con este primer single Lady Gaga asentó las bases de un estilo que siempre será bienvenido de vuelta: por muchos viajes que dé hacia el folk, hacia el jazz o hacia el jevi, siempre habría de ser, como mínimo, una posibilidad.

Ångie se defiende de las acusaciones de apología del suicidio por su álbum debut

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7 abril, 2018

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Entre las novedades de este viernes, 6 de abril, que desgranábamos en nuestro artículo y playlist Ready for the Weekend, estaba el primer miniálbum de la artista sueca Ångie. Pese a su nombre poco carismático y, quizá, no muy fácil de recordar, seguro que muchos la recordaréis bien por aquella fantasía de canción y vídeo llamados ‘Smoke Weed Eat Pussy’ con el que nos conquistó tiempo atrás. En esta etapa, como han mostrado los singles ‘Dope’ y ‘Here For My Habits’, ha dejado atrás los colores pastel de su pelo y vídeos –empleados con ironía, sin duda– para apostar por una imagen más oscura.

Pero no hasta el punto que ha mostrado con la portada del disco y su mismo título, revelados ayer y que le han valido numerosas críticas. El disco se llama ‘Suicidal Since 1995’ –su año de nacimiento– y su cubierta muestra un retrato de la artista vestida de negro y con una soga al cuello. Al parecer, numerosas voces la han acusado de enviar a sus seguidores un mensaje que puede entenderse como una apología del suicidio, dotándolo de romanticismo.

Ångie ha salido al paso de las críticas subiendo un breve comunicado a sus redes sociales: “Asumo que el título del disco y la portada son un poco provocativos, pero no intento parecer guay o “glamourizar” el suicidio. Para mí la imagen es preciosa porque es sobre el hecho de que me he sentido una mierda durante toda mi vida pero aún estoy aquí. ¡Aún no he muerto y voy a seguir haciendo arte!”, decía en Instagram y Facebook. Según Wikipedia, Angelina Dehn –ese es su nombre real– tuvo que lidiar en su adolescencia con un TDAH (Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad) que derivó en depresión y un intento de suicidio. El cannabis, dice la misma página, fue su salvación. Anedcóticamente, ‘Suicidal Since 1995’ se cierra con una versión del célebre ‘Venus In Furs’ de Velvet Underground, en la que Lou Reed hablaba de prácticas BDSM.

SUICIDAL SINCE 1995 OUT NOW!!! Produced by @whoscanto i wanna thank errrone who helped me make this album. my babies out!!! ❤️❤️❤️🔪

Una publicación compartida de Äⁿᵍᵉˡⁱⁿᵃ 🔪 (@fuckingangie) el Abr 5, 2018 at 3:06 PDT

“I understand that the title and the cover is a bit provocative, but I’m not trying to be cool or glamorising suicide. For me the image is beautiful because it is about the fact I've been feeling like shit my entire life but I'm still here. I'm not dead yet and I will keep on making art!”

Una publicación compartida de Äⁿᵍᵉˡⁱⁿᵃ 🔪 (@fuckingangie) el Abr 6, 2018 at 4:10 PDT

Vetusta Morla aluden al “mastergate” de Cifuentes en una versión alternativa de ‘Golpe Maestro’

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7 abril, 2018

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Como explica El Diario, el mismo medio que ha destapado el “mastergate” de Cristina Cifuentes, Vetusta Morla lanzaron una puya musical a la Presidenta de la Comunidad de Madrid, protagonista del escándalo, durante un concierto ofrecido el pasado jueves por la noche. Era un recital en el que, junto a otros grupos y artistas como Amaral, Zahara, Lori Meyers o La M.O.D.A., rindieron homenaje al cámara de televisión José Couso con motivo del 15º aniversario de su muerte mientras cubría la guerra de Irak, víctima del ataque de un tanque estadounidense a su hotel. Su familia y amigos reclama aún justicia para él, tras el archivo de la causa en 2015 por parte de la Audiencia Nacional, basado en la reforma de la ley de justicia universal aplicada por el Gobierno del PP .

Durante su actuación acústica junto a tres de sus compañeros de grupo, Pucho cambió la letra del single de su anterior disco, ‘La deriva’, para atizar a Cifuentes. Ya de por sí muy política, la versión de estudio de ‘Golpe maestro’ dice al final del primer verso “Llevaron los finales / A tierra de neutrales / No nos dejaron líneas ni para empezar”. Como puede verse en un vídeo subido por una tuitera, esa última línea es sustituida por “no nos dejaron másters sin falsificar”, provocando los vítores del público. El caso de la supuesta manipulación del expediente de Cifuentes para la obtención de este máster está causando una tormenta política, pero también está dejando momentos memorables, como el ya famoso consejo de Paquita Salas a la líder del PP madrileño o el hit musical “Yo realicé mi máster”.

Vetusta Morla publicaron el pasado año ‘Mismo sitio, distinto lugar’, uno de los álbumes más vendidos en 2017 en España, consolidando su posición como el gran grupo de rock –como mínimo, a nivel comercial– de su generación. A finales de abril el grupo madrileño comenzará una extensa gira por nuestro país presentando ese disco. Puedes encontrar las entradas para sus conciertos en Ticketea.

Muy grandes Vetusta Morla hoy en el homenaje a Couso… Justicia, para todxs.
(Segundo 27) pic.twitter.com/bZIsAZdH2U

— nara (@silviagreenday) April 6, 2018

Sia y David Guetta (¿o es Antonio de la Torre?) se montan una de kung-fu para ‘Flames’

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7 abril, 2018

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La pasada semana el francés David Guetta y la australiana Sia presentaban un nuevo paso en su alianza artística, esa que tantas alegrías les dio en el pasado con ‘Titanium’. Sin embargo, quizá solo por esta vez, ‘Flames’ no persigue ser una reedición de ese tema y se aleja bastante de un EDM efectista que ya apenas entre un público que está a otras cosas. En este caso, han recurrido a un electropop con trasfondo ochentero en el que, de nuevo, la particular voz de Sia –para bien y para mal– gobierna sobre todo.

El caso es que el tema termina siendo más grower de lo que parecía y su estribillo, especialmente, acaba por incrustarse en la cabeza casi inevitablemente, con esa letra sobre superación personal que anima a luchar para salir adelante. Hoy esas ideas se trasladan de manera casi literal a un videoclip, aunque tiene un trasfondo más cómico del que parece. Lior Molcho, realizador de los últimos vídeos de Sia como ‘Move Your Body’, ‘Never Give Up’ y ‘Cheap Thrills’, se lo ha tomado al pie de la letra e imita el estilo de las películas de kung fu de serie B tan populares en los años 70 y 80.

David Guetta, que con ese pelo corto parece un doppelgänger de nuestro Antonio de la Torre, es un malvado emperador que oprime al pueblo y solo un viejo maestro de artes marciales (interpretado, muy atinadamente, por el actor Danny Trejo) y sus tres discípulas, pueden impedir su tiranía. La escena de la lucha final tiene un final-que-te-sorprenderá, propio de una película de Bud Spencer y Terence Hill.

Adiós a Isao Takahata: una despedida al genio en la sombra de Studio Ghibli

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Fernando García

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7 abril, 2018

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Hace apenas unas horas se anunciaba la triste noticia del fallecimiento a los 82 años de Isao Takahata, uno de los directores de cine más importantes para la animación mundial. Fundó el Studio Ghibli junto a Hayao Miyazaki, aunque siempre parece haber quedado injustamente eclipsado por su compañero.

Takahata nació en 1935 en Ise, y se graduó en la universidad de Tokio en literatura francesa. Sin embargo, su fascinación por el cine de animación le haría trabajar en la famosa Toei Animation, donde conoció a Miyazaki –en 1963- y se hicieron grandes amigos. Cinco años más tarde, la compañía le dio la oportunidad de dirigir su primer largometraje, ‘Las aventuras de Horus, el príncipe del sol’, un ambicioso proyecto que, aunque fue un fracaso comercial, marcó un antes y un después en la animación japonesa, abriendo camino a lo que vendría con Ghibli. La productora no le dio la oportunidad de dirigir más dado los malos resultados económicos, pero tanto él como Miyazaki comenzaron a trabajar en diferentes productoras.

La primera de ellas fue Toho, donde Takahata dirigió ‘Las aventuras de Panda y sus amigos’, una película muy infantil –y menor- con guion de Miyazaki. La otra fue Nippon Animation, donde comienza una nueva etapa en su carrera en la que se dedicó principalmente a las series. Durante este periodo, los años 70, se encargó de la dirección de animes tan míticos como ‘Heidi’, ‘Marco’ o la infravalorada y algo más desconocida ‘Ana de las Tejas Verdes’. En los 80, antes de la fundación del prestigioso Studio Ghibli, fue el responsable de ‘Chie the Brat’, una adaptación de un manga muy exitoso en su época de Etsushi Haruki; y de la más aclamada ‘Goshu, el violoncelista’.

En 1984 nace Ghibli, un proyecto que junto con Miyazaki y el productor Toshio Suzuki consiguen sacar adelante y que se convertirá en el mejor estudio de animación del mundo. Los primeros años, Takahata se dedicó más a labores de producción y de gestión. No fue hasta 1988 cuando tuvo la oportunidad de dirigir una película: ‘La tumba de las luciérnagas’. Ese mismo año Miyazaki estrenó ‘Mi vecino Totoro’. El estudio trabajó en ambas películas a la vez gracias al apoyo de Tokuma, un productor que confió en ellas pese al riesgo que suponían dado el aparentemente poco tirón comercial que tenían.

‘La tumba de las luciérnagas’ es la película más celebrada de Isao Takahata. Está basada en la novela de Akiyuki Nosaka, pero es una historia que a él le resultaba muy cercana, ya que cuando tenía 10 años, su ciudad quedó devastada por la Segunda Guerra Mundial, y murieron muchos de sus familiares y vecinos. Evidentemente, este hecho le marcó de por vida y le inspiró para dirigir la película. En ella, dos niños huérfanos sobreviven como pueden durante el conflicto bélico. Probablemente se trate de una de las películas más tristes y desgarradoras jamás hechas. Es imposible no conmoverse gracias a una narración desbordante de sensibilidad. El resultado es una experiencia durísima, brutal e inolvidable que nos deja un manifiesto antibelicista tan sincero como perturbador. Takahata casi siempre fue más realista que Miyazaki, y en sus películas intentó innovar y encontrar nuevas formas de contar. Su cine es, quizá, menos accesible que el de su colega, pero no por ello merece menos reconocimiento. ‘La tumba de las luciérnagas’ está considerada como una de las mejores películas de animación de la historia.

En 1991 dirigió ‘Recuerdos del ayer’, que nada tenía que ver con lo que Ghibli había hecho hasta el momento. Inspirada por el cine de Ozu y libremente basada en el manga de Hotaru Okamoto, es una película en la que todo sucede desde la calma. Taeko, una mujer de unos treinta años, vive en Tokio y pide vacaciones para ir a su pueblo natal en el campo. A partir de flashbacks de su infancia, la película reflexiona sobre la vida moderna y el futuro incierto de la protagonista. Como siempre, Takahata, aporta algo nuevo, por pequeño que sea, a la animación. En esta ocasión decide marcar los músculos de la cara de los personajes adultos. Algo que según cuenta él, fue una labor difícil ya que bastaba con alargar ligeramente las líneas para que la edad de los personajes se disparara.

Su siguiente proyecto fue ‘Pompoko’ en 1994, vinculada directamente con el folklore japonés. Es su película más alocada, y a simple vista, puede parecer hasta infantil. Pero nada más lejos de la realidad. El filme esconde una visión pesimista de la deforestación, de cómo los humanos vamos poco a poco destruyendo la naturaleza sin tomar conciencia de lo que eso conlleva. En ‘Pompoko’ un grupo de tanukis (una especie de mapaches) son quienes intentan poner fin al destrozo que están haciendo los humanos. Y lo hacen utilizando la técnica milenaria de la metamorfosis. Takahata recurre a multitud de leyendas japonesas, como la procesión de los Yokai (espíritus con forma de monstruo procedentes de bosques y montañas) para realizar esta divertidísima pero reflexiva fábula ecologista.

Siguiendo con la comedia en 1999 estrenó el trabajo que más se aleja de lo que el estudio suele hacer. ‘Mis vecinos los Yamada’ está basada en las tiras cómicas de Hisaichi Ishii y retrata diferentes episodios de una familia de clase media en Tokio. Takahata quiso adaptarla como si fuera el propio cómic, por lo que los planos no están cargados de detalles. Los personajes son “garabatos” y los fondos a menudo están vacíos. Es la única película del estudio realizada por ordenador. Una “rara avis” que tiene el valor de romper con la tradición, y un experimento con nuevas técnicas que le servirán para desarrollar la que fue su última película.

Hasta 2013 no volvió a dirigir para Ghibli (en 2010 readaptó ‘Ana de las tejas verdes’ en formato largometraje’) y resultó ser la última vez que lo hiciera. ‘El cuento de la princesa Kaguya’ es su proyecto más ambicioso y le llevó casi 8 años sacarlo adelante. La producción contó con 49 millones de dólares, pero desgraciadamente el fracaso en taquilla fue estrepitoso, recaudando en Japón solamente 22 de ellos. Sin embargo, gracias a ella, al año siguiente consiguió su primera nominación al Oscar. Para adaptar el famoso cuento japonés utilizó acuarelas y técnicas como la rotoscopia. Una de las secuencias más bellas que nos ha dado el cine reciente aparece en esta película: Kaguya huyendo mientras el trazo del dibujo se va volviendo cada vez más libre. Con esta cinta, logró uno de sus mejores trabajos en lo que se convertiría en su testamento fílmico.

A Takahata nunca le preocuparon demasiado los resultados en taquilla. De hecho, todas sus películas fueron fracasos comerciales, porque nunca puso las cosas fáciles al espectador. Siempre intentó ir más allá de lo que ya había hecho, llegar cada vez más lejos artísticamente y aportar una nueva perspectiva al cine de animación, revolucionándolo con cada película. Ghibli no sería nada sin él, y puede que ni siquiera Miyazaki hubiese llegado a donde está ahora mismo sin su ayuda, ya que siempre le apoyó en la sombra en todos sus proyectos. Con su muerte se nos va un enorme cineasta, que nos ha dejado un legado impagable al que siempre podremos volver y disfrutar. Solo podemos dar las gracias.

‘Wild Wild Country’, la nueva docuserie de Netflix que te engancha como una secta

Por

Joric

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7 abril, 2018

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Netflix estrenó hace unas semanas ‘Wild Wild Country’ casi de tapadillo, semioculta entre pesos pesados de su catálogo como ‘Aniquilación’, la segunda de ‘Jessica Jones’ o ‘American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace’. ¿No confiaban en ella? Al contrario. Sabían que el boca-oreja iba a funcionar más eficazmente que cualquier campaña. La serie documental dirigida por los hermanos Chapman y Maclain Way (sobrinos de Kurt Russell) y producida por los “reyes del mumblecore”, los hermanos Mark y Jay Duplass (‘Cyrus’, ‘Togetherness’), sigue la línea de true crimes de éxito de la plataforma como ‘Making a Murderer’ o ‘The Keepers’. Una historia “increíble pero cierta” capaz de atornillarte al sofá como Cifuentes a su sillón.

‘Wild Wild Country’ es una serie que describe unos sucesos ocurridos en los ochenta en un pueblo perdido del estado de Oregón. Toda la información se puede encontrar fácilmente en Internet. Sin embargo, si como la mayoría, no tienes ni idea de lo que ocurrió cuando –copio la sinopsis de Netflix– “un controvertido líder de una secta construye una ciudad utópica en el desierto de Oregón, y los conflictos con los lugareños traspasarán las fronteras del estado”, mejor no mires nada. Uno de los grandes placeres de esta serie es ir descubriendo, capítulo a capítulo, los hechos cada vez más sorprendentes que irán sucediéndose.

Comparada con la exhaustiva ‘Making a Murderer’, una de las cimas indiscutibles de este subgénero, ‘Wild Wild Country’ se pasa un poco de efectista y vaga. A la serie le sobran subrayados visuales (las recreaciones animadas, esos montajes de imágenes sacadas de contexto que no van a ningún lado), y le falta profundidad y amplitud de discurso. El documental deja fuera demasiadas cuestiones relevantes, sobre todo legales, culturales y biográficas, y algunos cabos sueltos (¿qué pasó con esos documentos “tan importantes” que encontró el vaquero en el vertedero?). Se podría argüir en su defensa que, al no utilizar el recurso del narrador omnisciente, su capacidad narrativa está limitada. Sin embargo, sí que usan las entrevistas. Por lo tanto, quizás esa falta de respuestas sea consecuencia de una escasez de preguntas.

En ese sentido, parece claro que ‘Wild Wild Country’ no nos va a proporcionar la más completa información sobre este tema. Pero sí la más entretenida. Gracias a una muy medida dosificación de la información y a una fabulosa labor de montaje, combinando con mucha habilidad los testimonios de los implicados y las imágenes documentales (que, por cierto, son en si mismas un “documental” sobre los estilismos hippies y hillbillies de los ochenta), los directores consiguen captar la atención del espectador como si fueran un gurú hipnotizador. Zarandean nuestras convicciones, llevándonos de un lado a otro -¿quién tiene razón?-, y nos sorprenden con giros imprevistos cuando parece que ya no puede pasar nada más. Mención aparte para una banda sonora estupenda, que está dando también mucho que hablar y que incluye nombres tan notorios como Damien Jurado, Bill Callahan, Timber Timbre, Bill Fay, Marlon Williams y Kevin Morby, entre otros.

Choques culturales y generacionales, intrigas “palaciegas”, combates legales, conspiraciones estrambóticas… ‘Wild Wild Country’ es la historia de una gran paradoja, de cómo en nombre del amor (a la tierra, a las tradiciones, a la libertad, a la constitución, al líder, a la utopía…) se puede llegar a actuar con el más intenso y encarnizado de los odios. Una guerra civil televisada (la labor de documentación es ingente) en la que sobresale una mujer fascinante: Ma Anand Sheela. Sin duda, uno de los grandes personajes del año. 7’9.

La canción del día: Drake se rodea de mujeres empoderadas en la brutal ‘Nice For What’

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7 abril, 2018

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Días atrás, una filtración desataba numerosos rumores en torno a un nuevo single de Drake en el que, aparentemente, colaboraba de alguna manera la esquiva Lauryn Hill. Los rumores se han hecho realidad durante la pasada madrugada (europea). ‘Nice For What’ es ese single –la filtración aseguraba que se llamaba ‘Showin’ Off’, si es que hablamos de la misma canción– y la colaboración con Hill consiste en un sample de ‘Ex Factor’, una de las grandes canciones de su único disco de estudio en solitario, el ya icónico ‘The Miseducation of Lauryn Hill’.

Alejada de las tendencias recientes del rap, tan marcadas por el trap, ‘Nice For What’ es un tema de construcción tirando a clásica, en el estilo más reconocible del propio Drake de ‘Take Care’ que el de ‘No More Life’, por ejemplo. Producida por, entre otros, sus habituales Noah “40” Shebib y Murda Beatz, toma la base de la citada ‘Ex-Factor’ y acelera sus BPMs, algo que ya hace volar sola la canción, un trasfondo perfecto para que Aubrey Graham construya unos versos muy necesarios sobre cómo muchas mujeres contemporáneas luchan por obtener relevancia en sus carreras profesionales y en sus vidas a pesar de sus dificultades añadidas y del juicio constante del resto de la sociedad. Tras dos minutos de lucimiento ascendente, el minuto final del tema se convierte en un intercambio brutal de versos y giros en la base verdaderamente espectacular.

Además, el tema ha sido presentado esta madrugada con un vídeo que traslada esa lucha de la canción a imágenes. En lugar de rodearse de mujeres objeto anónimas que bailan a su alrededor, esta vez las protagonistas son actrices, escritoras, guionistas, músicos, directoras, ejecutivas que ejemplifican esa lucha que expone la letra: Olivia Wilde, Rashida Jones, Zoe Saldana, Emma Roberts, Syd, Michelle Rodriguez, Issa Rae, Jourdan Dunn o Tracee Ellis Ross, entre otras, figuran en el clip. Para no perder coherencia, está igualmente dirigido por la joven canadiense Karena Evans, autora también del polémico clip para el hit ‘God’s Plan’, y muestra a esas mujeres en actitudes confiadas y poderosas. No cabe duda de que Drake tiene entre manos otro posible exitazo y, en esta ocasión, sería más que merecido.

Espanto / Tres canciones nuevas

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7 abril, 2018

‘Tres canciones nuevas’ es uno de los lanzamientos más interesantes de la colección de singles en 7″ de Austrohúngaro, Golden Greats. Todos lo han sido -ahí está el ‘Nada’ de Doble Pletina vs Hidrogenesse-, pero este contiene tres canciones totalmente nuevas y no reediciones ni regrabaciones ni remezclas ni recuerdos: tiene bastante gracia por tanto el nombre del EP. Claro que también podría haberse llamado «Tres canciones nuevas de Espanto» en alusión al personalísimo mundo del dúo riojano que aquí evita los lugares comunes de la música pop para ofrecer tres particulares historias. ‘El jersey’, que comienza en plan country para después entregarse a un synth-pop cabaretero 100% Austrohúngaro, es la versión monstruosa de ‘Juntos’ de Paloma San Basilio, incluyendo una protesta «todo es plástico» que podemos vincular a la reivindicación ecologista de ‘Plastic Beach’ de Gorillaz. ‘Los esqueletos’, para la que han realizado un videoclip, es una reflexión entre surrealista («esqueletos bebiendo Coca-Cola») e hiperrealista («las cremas anti-edad no los rejuvenecen», «no tienen nada dentro, no tienen vísceras, no tienen corazón», «no fueron buenos, tampoco fueron buenos» o «los esqueletos se creen muy especiales, pero en el pueblo no los reconoce nadie») sobre la muerte y lo poco que queda de nosotros cuando nos vamos. Como fondo, una base rítmica latina, a la que contribuye su sección de metales, y un tremebundo teclado. Finalmente, ‘La corriente’ narra el absurdo de dos personas que acuden al mismo puente para suicidarse. Puede sonar algo a Nick Hornby, y su batería se acerca a Phil Spector sin arrimarse del todo, pero el desarrollo de la canción es completamente personal: solo ellos podían pasar de ese inicio tan Disney a las sonoridades de Moldy Peaches para terminar con una bellísima sección sintética. Espanto siguen hablándonos de monstruos y muerte, pero no como lo haría cualquiera, sino desenterrando el humor de debajo de las piedras, de donde casi nadie más lo habría encontrado.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Los esqueletos’, ‘El jersey’
Te gustará si te gustan: lo mismo Edgar Allan Poe que Las Bistecs, ‘Canciones profanas’ de «Dinarama + Alaska», Hidrogenesse
Escúchalo: Spotify

«La intención de LaFonoteca es ser como una Wikipedia, la base de datos más grande de internet sobre música española»

Por

Mireia Pería

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6 abril, 2018

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LaFonoteca, el archivo web por excelencia de la música española, cumple ya diez años. Lo que empezó siendo un proyecto ideado por un grupo de internautas -principalmente miembros del foropop de la extinta Supernovapop- hartos de la falta de información en internet de sus bandas y artistas preferidos, ha evolucionado hasta convertirse en una “plataforma de apoyo a la música española” con un sinfín de ramificaciones más allá de la base de datos. Conciertos, discos, libros y un sinfín de proyectos que han servido para auspiciar a multitud de grupos o sacar del cementerio del olvido a cantantes que podrían haber desaparecido. Para celebrar la efemérides, este fin de semana se celebra un festival de dos días en la sala Moby Dick de Madrid, con Neleonard, Hidrogenesse, Doble Pletina o Betacam, entre otros. Charlamos con Diana Cortecero y Raúl Alonso, responsables de LaFonoteca, sobre el pasado y presente de la web y su inminente fiesta de décimo aniversario.

Parece que nos hemos acordado todos de repente de vosotros ahora que cumplís los 10 años. ¿LaFonoteca cómo surgió? ¿Cómo y cuándo os disteis cuenta de la carencia de información sobre bandas y artistas españoles?
Raúl: «En el foropop convergimos un montón de apasionados por la música española. Dentro del foro había distintas secciones y una estaba bastante especializada en música española. Entre amigos que estábamos allí dedicando tardes vimos la necesidad de recopilar información de las bandas que más nos gustaban, no solamente actuales, sino de cualquier época, ya que no había mucha información en internet. En aquel momento, un referente al que acudías para conocer la discografía de diferentes grupos, era allmusic.com».
Diana: «Y la idea era hacer algo similar en España».

«De muchos grupos, especialmente de los reseñados por Julián Molero, la única información que hay en internet es, precisamente, la biografía de LaFonoteca»

Ahora mismo hay 1525 grupos y artistas reseñados. Y los que os deben quedar todavía, ¿no?
Diana: «La verdad es que es interminable, porque entre los nuevos lanzamientos, que son muchos cada semana y seguir completando la parte histórica, la tarea es inacabable, la verdad. Pero hacemos lo que podemos.
Navegando, hay gente que sorprende que aún no tenga entrada, como Pau Riba (actualmente en proceso). Pero después, sin embargo, hay una cantidad ingente de artistas reseñados, sobre todo en la época ye-ye (gracias a Julián Molero, principalmente) de la que, de otra manera, se habría borrado prácticamente todo rastro».

¿Sentís que también servís para reivindicar a figuras que, de otra manera, pasarían desapercibidas?
Diana: «Eso es. De muchos grupos, especialmente como dices, de los reseñados por Julián Molero, la única información que hay en internet es, precisamente, la biografía de LaFonoteca. Esa también es la intención; dejar constancia de grupos que nos parecen muy interesantes, dejar constancia de que han existido y de lo que han hecho».

«Hay perfiles de bandas tan respetadas que imponen un poco. Por ejemplo, Aviador Dro a día de hoy no están»

¿Hay algún grupo que os haya reclamado estar dentro de la base?
Diana: «¡Muchos! Para empezar, los grupos más pequeños, o los que empiezan. Recibes muchas maquetas pidiendo que las reseñes en la base de datos. Pero claro, depende de las prioridades del equipo de redactores. Ellos van abordando las biografías en función de sus gustos personales, para empezar. Y también según su tiempo. Si tuviésemos que reseñar todas las maquetas de todos los grupos que salen sería imposible prestar también atención a la parte histórica».
Raúl: «La web a día de hoy sigue teniendo un espíritu colaborador. Por ejemplo, has aludido al perfil de Pau Riba. Su ausencia no responde a ninguna otra cosa más que a que no ha surgido. En el momento en que cualquiera de nuestros colaboradores diga “ostras, toca Pau Riba, que es fundamental y no lo tenemos”, pues lo abordaremos».
Diana: «Hemos tenido algunas ausencias históricas de grupos que nos encantan pero que nadie se atrevía a abordar. Bien por lo extenso de la discografía, bien por falta de tiempo, bien por muchas razones. Pero vamos cubriéndolo. Nos pasó, por ejemplo, el año pasado con Vainica Doble, que es un grupo que nos encanta a todos los que formamos parte de LaFonoteca y, sin embargo, no tenían presencia en la web. Era una cosa que era un poco como… inaceptable».
Raúl: «Suele imponer más. Nos hemos encontrado, a lo largo de estos años, que perfiles de esa envergadura (por ejemplo, Aviador Dro a día de hoy no están) son de bandas tan respetadas que imponen un poco.
También puede ser que no urgen tanto porque son grupos más conocidos y de las que es más fácil encontrar información en internet, ¿no?»
Diana: «Claro, hay más información sobre ellos en otras fuentes. En cambio, de otras bandas somos la única referencia. Entonces también se va priorizando. De todas formas, la intención es dar cabida a cuanta más información mejor. Lo que ocurre es que de momento somos los que somos y los medios son limitados. Hacemos lo que podemos, pero la intención es ser como una wikipedia. La base de datos más grande que exista en internet sobre música española y que se pueda encontrar prácticamente de todo. Somos conscientes de que tenemos algunas carencias, hay géneros que están muy poco peinados, pero estamos trabajando en ello. Por ejemplo, estamos organizando ahora mismo un ciclo de música clásica en el Café Comercial de Madrid y, en cambio, no tenemos apenas información sobre música clásica en la web. Esa es una carencia que hay que arreglar y en eso estamos. Esa es la idea; ir mejorando, ir ampliando información, ir creciendo poco a poco como hasta ahora y apoyándonos en el resto de las áreas del proyecto; en el área discográfica, la de libros, los conciertos y demás».

¿Habíais pensado en ampliar la base de datos a personalidades que no sean artistas, pero que hayan tenido especial relevancia, como ejecutivos, productores, arreglistas, etc… ¿o ya sería excesivo?
Raúl: «Quizás en el blog. Sí que sería interesante. ¡Joer! Ese conocimiento es igual de importante. Pero en principio nos hemos centrado en bandas y solistas. De hecho, ha habido debates internos en su día sobre si debíamos incluir a bandas que no editaron nada, por ejemplo. Ahora la barrera es más difusa, pero en los 80 hubo bandas que no tuvieron nada físico editado y no están en LaFonoteca. Siempre puedes ver hasta dónde quieres llegar… que puede ser interminable».
Diana: «Lo que ocurre es que hay que acotar. En el blog tenemos más libertad para dar cabida a otros temas que no están puramente relacionados con la base de datos, con esta labor de documentación. Hemos hecho reseñas de libros de música, por ejemplo, damos cabida a información de actualidad, cosas que no son puramente biografías y discografías. Pero claro, como dice Raúl, abrir también la puerta al personal técnico sería… Si ya de por sí la tarea es ingente, ¡imagínate!».

“La tarea de LaFonoteca es inacabable, la verdad, pero hacemos lo que podemos”

Sí, es lo que he pensado. Si no sería pedir demasiado (risas).
Diana: «¡Claro! ¿Por qué no incluir salas de conciertos, por ejemplo? Cuándo empezaron, trayectoria, documentación gráfica… Claro, por hacer, se podrían hacer muchísimas cosas, pero por el momento preferimos acotar en discos y grupos españoles, que ya es mucho».

¿Cuántas personas formáis parte ahora de LaFonoteca? Porque tengo el recuerdo de que, en 2008, todo el mundo que conocía en Madrid estaba más o menos metido en el proyecto. No sé si al principio hubo avalancha de colaboradores y ahora sois menos pero más constantes…
Diana: «Sí. Digamos que la estructura, los colaboradores, han ido y han venido, por decirlo así, aunque ahora tenemos un equipo más o menos fijo. La estructura es Raúl Alonso y yo a la cabeza del proyecto y en todas las áreas que no son la web: la discográfica, la editorial, la promotora de conciertos… Miguel Atienza en Barcelona, organizando los conciertos y editando los materiales de allí, consensuados con nosotros, pero tiene bastante autonomía. Luego en la web hay colaboradores puntuales y un equipo más o menos fijo que, en principio, serían Tomás González Lezana, que está especializado en punk; Fernando Fernández Rego, especializado en la escena gallega; Julián Molero, que es experto en los grupos de los 60 y los albores del rock en Madrid, Roberto Macho en Barcelona…»
Raúl: «Curiosamente él es burgalés, pero se ha centrado mucho en la Nova Cançó. Andrés Arévalo, que actualmente está algo desconectado pero que en su momento trabajaba en el rock progresivo andaluz…»
Diana: «También Rafael García-Purriños … ese sería un plantel fijo de colaboradores. Después hay un grupo de gente que va y viene, que aborda biografías concretas de grupos que conocen mucho y están muy documentados, pero que no colaboran habitualmente».

Con los años habéis pasado de ser un “allmusic hispano” (que ya de por sí es un proyecto muy ambicioso y necesario) a una plataforma de apoyo a la música española: promotores de conciertos, discográfica, editorial… ¿Cómo ocurrió esta evolución? ¿O simplemente os pareció que era lo natural?
Diana: «Ha sido lo natural. Hemos ido empezando a hacer cosas nuevas a medida que nos ha apetecido y nos hemos sentido preparados para hacerlo. La diversificación nos ha ayudado a crecer, también. Porque unas áreas soportan económicamente a las otras. Los ingresos que se sacan de un concierto se invierten en un libro; los que se sacan de un libro, se invierten en un disco, los del disco en la web… unas patas del proyecto van alimentando a otras. Y así nos ha sido más fácil crecer de una forma más sólida».

Os autofinanciáis por lo que comentas…
Diana: «Sí».

«Es paradójico que las instituciones no hayan sido las que hayan impulsado una iniciativa de este tipo y hayan tenido que ser unos particulares»

¿Es difícil mantener la web? Tengo entendido que, institucionalmente, tampoco es que hayáis recibido mucho apoyo. Y estáis asumiendo unas funciones que quizás tendrían que asumir las propias instituciones culturales públicas.
Diana: «Por un lado es paradójico que las instituciones no hayan sido las que hayan impulsado una iniciativa de este tipo y hayan tenido que ser unos particulares. Pero, por otro lado, la verdad es que tampoco hemos pedido nunca esa ayuda, así que no podemos culpar tampoco a las instituciones. La única vez que tuvimos una reunión con el Ministerio de Cultura fue precisamente para la remodelación de la web hace tres años y, en ese momento, sí que nos dieron una ayuda puntual. Tampoco nos podemos quejar. Sí que nos vendría muy bien tener mayor capacidad económica, pero tampoco hemos pedido este soporte. Tampoco podemos reclamarle nada a nadie».

¿Ha corrido alguna vez peligro el proyecto, por falta de tiempo o por causas económicas?
Diana: «No. Podemos decir que ha tenidos distintos ritmos».
Raúl: «Tuvimos épocas muy frenéticas. En 2013, creo recordar, decidimos rebajar el ritmo de conciertos, porque nos quitaba mucho tiempo y no nos permitía hacer otras cosas que lo requerían, como sacar libros».
Diana: «Estábamos haciendo una media de tres conciertos y era agotador. Y, efectivamente, nos quitaba tiempo para hacer otras actividades que nos apetecía impulsar desde LaFonoteca. Se puede decir que hemos tenido distintos ritmos en función a las distintas etapas, pero nunca hemos parado. La web siempre ha estado activa, en actualización constante, hemos tenido siempre proyectos entre manos y, la verdad, hasta ahora –tocamos madera- ha ido todo bien».

Siempre habéis tenido mucha complicidad con sellos pequeños, pero que realizan tareas titánicas, como Discos de Kirlian, Discos Walden, Austrohúngaro… ¿consideráis que hay afinidad espiritual con estos sellos?
Diana: «Sí».
Raúl: «Por supuesto (risas)».

¿No os da miedo que se os identifique demasiado con el indie pop? No me refiero al masivo tipo Vetusta Morla, sino a ese más pequeñito en público (que no en resultados artísticos).
Diana: «No. Porque, por un lado tenemos mucha afinidad con estos sellos…»
Raúl: «O con sellos más grandes, como Subterfuge. Nosotros nos llevamos bien con mucha gente que se esfuerza en sacar cosas chulas adelante. Nos guiamos por gustos. Y también hay muchos sellos que admiramos. Por ejemplo, Austrohúngaro, que es un sello que admirábamos antes de que hubiéramos nacido».
Diana: «Luego nuestra actividad es muy diversa. Tampoco nos cerramos a nada. Hacemos conciertos de todo tipo, de todo tamaño, de todo género, porque hemos programado mucho pop, pero también punk o clásica ahora. No nos cerramos a ningún género y tenemos muchas afinidades con gente que está haciendo muchas cosas interesantes, pero tampoco creo que nos marque de ninguna manera. Es más, es un placer que se te relacione con la editorial La Felguera, con Subterfuge, con Discos Walden, etc, que hacen cosas estupendas. Nos encanta que nos asocien con ellos. ¿Por qué no?

¿Y podéis concretar proyectos futuros?
Raúl: «Nos gustaría sacar nuevo material discográfico, rescatar algunas maquetas o darle continuidad a los recopilatorios de grupos emergentes. Estamos ideando. Con el aniversario, gran parte de nuestro esfuerzo se ha ido a la organización de este festival de dos días. Pero a partir de ahí nos reuniremos y veremos qué otras cosas podemos sacar adelante».
Diana: «El mayor proyecto es poder continuar con nuestra actividad. Luego algún próximo lanzamiento de un doce pulgadas, continuar con Puente Aéreo [Ndr. La serie de singles compartidos entre bandas de Madrid y Barcelona que vienen editando desde 2014], hacer una segunda edición del ciclo de música clásica y continuar con lo que hemos venido haciendo hasta ahora: ampliar la base de datos, ampliar el número de colaboradores y seguir creciendo poco a poco».

Sobre la fiesta de aniversario de este fin de semana, ¿por qué habéis escogido a estos grupos? ¿Es porque os parecen los más significativos de los últimos diez años?
Raúl: «No, hemos hecho un recorrido histórico a lo largo de nuestra propia trayectoria. Son grupos que nos han significado hitos importantes y, al mismo tiempo, pensamos que hemos aportado un granito de arena a su trayectoria. Todo tiene su porqué. Espiritusanto, porque les organizamos su primer concierto y abrían nuestro recopilatorio ‘Madrid está helado’, que es un recopilatorio al que tenemos muchísimo cariño porque salió súper bien. Estamos muy orgullosos; de nuestros productos discográficos, del que más. Neleonard, lo mismo. En Barcelona Miguel Atienza organizó algunos de sus primeros conciertos, nosotros a su vez los incluimos en un recopilatorio, en un ‘Puente Aéreo’, versionando a Los Lagos de Hinault. Del segundo día, Doble Pletina, organizamos su primer concierto en Madrid, el segundo en Barcelona y les rendimos un pequeño tributo en nuestro tercer ‘Puente Aéreo’, porque había dos grupos de Madrid que los versionaban, que eran Betacam (que también toca el segundo día) y…»
Diana: (interrumpe) «¡Y al que también organizamos su primer concierto en Madrid y Barcelona!».
Raúl: «Luego Hidrogenesse, que los llevamos a Londres. Por último nos queda Caliza. Pero es que Caliza nos ha gustado desde el comienzo, desde Cosmen Adelaida. Le hemos editado unas canciones en el ‘Puente Aéreo IV’, hemos hecho un par de conciertos con ella en Barcelona y Madrid…»
Diana: «Sí, han sido grupos con los que hemos tenido mucha relación. Ha sido difícil elegir, porque han sido tantos grupos con los que hemos tenido trato estos años, hay tantas bandas que nos gustan, que imagínate. Llevamos creo que catorce discos editados, más de 150 conciertos… Pues claro, es interminable la lista. Pero hemos intentado elegir bandas que fueran importantes para nosotros, a las que creemos que aportamos algo y que fuesen afines musicalmente para poder programar un cartel con sentido y un poco consistente estilísticamente».
Raúl: «También teníamos presente, a la hora de confeccionar el cartel, que queríamos que la ilusión fuera compartida. Y está resultando. Notamos que los grupos están muy emocionados, están preparando sorpresas entre ellos… Queríamos esa complicidad. Sabemos que entre ellos están tramando colaboraciones y demás, así que va a estar chulo».
Diana: «Va a haber sorpresas. Queríamos que no fuese un concierto más, sino que, realmente, fuera una gran fiesta de reunión, con toda la gente con la que hemos trabajado y colaborado estos años, que nos ha seguido. Y creemos que estos grupos reflejan muy bien ese espíritu».

Va a ser un auténtico puente aéreo. Me consta que va a venir mucho público que de Barcelona…
Diana: «De hecho, ¡la mitad de las bandas del aniversario vienen de Barcelona!».

«Notamos que los grupos están muy emocionados, están preparando sorpresas entre ellos»

El público ha respondido muy bien. Las entradas del sábado están agotadas y esta mañana [Ndr: la entrevista se celebra el miércoles 4 de abril por la tarde] he leído que sólo quedaban diez abonos. No sé si a estas horas habrán volado ya…
Raúl: «Igual queda uno o dos. Del primer día también quedan pocas. Sí, va a ir súper bien».
Diana: «¡Huele a sold out! (risas)».

¿Habrá fiestas en otras ciudades?
Raúl: «De momento nos quedamos en Madrid en el décimo aniversario, pero Miguel [Atienza] cumplirá diez años de aquí a poco. Si no me equivoco, LaFonoteca Barcelona hará ocho años, ¿no?».
Diana: «En 2012 empezaron».
Raúl: «En Barcelona en poquito tiempo también habrá un buen festival. Allí hay mucha actividad de conciertos. LaFonoteca también está implicada en el Bis Festival».

Los conciertos tendrán horarios europeos, por lo que he visto anunciado. Imagino que será muy puntual todo.
Raúl: «Sí, porque no queríamos que una banda tocase veinte minutillos y la siguiente fuera apresurada, queríamos que tocaran a gusto. Entonces sí que va a ser bastante puntual. Estamos insistiendo en ello porque, yo no sé si en Barcelona hay más puntualidad, pero en Madrid no. Comienza a las 20.30h el primer concierto. Puntual».

En Barcelona hemos mejorado en los últimos tiempos. Lo de anunciar conciertos a las 21h y que comiencen pasadas las 22.30h parece que, afortunadamente, ha pasado a mejor vida…
Diana: «Aquí sigue siendo asignatura pendiente y estamos insistiendo mucho porque no queremos que la gente se pierda nada. Insistimos en que empezará puntual».
Raúl: «Como anécdota, nos hemos encontrado con que el concierto ya está empezado y la gente está en el bar de al lado tranquilamente… ¡y luego se cabrean! En plan “¡Ya ha comenzado!”. ¡Pero si llegáis media hora tarde sobre lo previsto!».
Diana: «Hemos tenido algún concierto que, más tarde de la hora de apertura de puertas, el grupo que tocaba estaba aún en el bar. Tenemos muchas anécdotas de este tipo en estos años».

¿Y alguna chafardería o anécdota jugosa para cerrar?
Raúl: «Poca cosa. No somos muy polémicos. Somos un poco sosos…»
Diana: «Somos muy sosos en ese sentido. Estamos a tantas cosas, con tanto trabajo, tanto jaleo… que estos “chafardeos” nos pasan un poco por delante y no los pillamos».

‘Fugitiva’: la serie de Paz Vega nos empuja a huir… en dirección contraria

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6 abril, 2018

Anoche se estrenaba una de las mayores apuestas del ente público en este 2º trimestre del año: ‘Fugitiva’, serie protagonizada por Paz Vega e ideada por el guionista y director Joaquín Oristrell –normalmente más orientado a la comedia–, con trasfondo feminista y revestida, en apariencia, de superproducción de acción e intriga, y con sintonía interpretada por Ana Guerra, de OT 2017. La idea de partida es buena: Vega interpreta a una modelo entregada a los hijos que ha tenido con un adinerado empresario mexicano, pero que vive con miedo en el país norteamericano por la permanente amenaza de la delincuencia y la violencia. Hasta que un día, ella y sus hijos sufren un secuestro y su marido, que está en España, es extorsionado por alguien misterioso.

De entrada, como decíamos, no pinta mal. Pero el problema viene cuando ese argumento se traslada a imágenes y palabras con una brocha muy gruesa: las escenas de acción se filman con una bisoñez evidente –no me refiero al pelucón de Paz, pero también–, los efectos especiales son poco menos que amateur –la conversación en plena conducción en caravana es de no dar–, las interpretaciones son muy culebroneras –apenas se salva la gran Mercedes Sampietro, impecable en su pequeño pero relevante papel–, el guión tiene lagunas imperdonables y el ritmo decae penosamente, pese a ser un primer episodio felizmente corto, de poco más de 50 minutos.

¿De verdad era necesario complicarse con el asunto de México? ¿De verdad alguien pensó que Benidorm –¡nada menos!– colaría como el D.F.? ¿De verdad hay que sobreexplicar tanto a estas alturas de la vida, cuando tenemos el culo pelado de ver intrincadas tramas en series de toda nacionalidad? [¡OJO! ¡SPOILER!] ¿De verdad a nadie se le ocurrió un título mejor que un auto-spoiler? Quizá el gran problema viene de que el concepto no ha caído en las manos adecuadas para llevarlo a cabo –produce Grupo Ganga, la compañía con la que Imanol Arias produce ‘Cuéntame cómo pasó’–, que se ha llevado a cabo de manera precipitada y descuidada. El proyecto parece malogrado a todos los niveles, comenzando por una Paz Vega muy discreta como protagonista de un thriller dramático –las escenas post-secuestro son para salir corriendo–. No sé si el segundo episodio podría mejorar con la inclusión de algún nuevo personaje (más auto-spoilers) pero, sinceramente, quizá no quede nadie ahí para verlo. 3,5.

La canción del día: Calvin Harris regresa al clubbing en la 90s ‘One Kiss’, realzada por Dua Lipa

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6 abril, 2018

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Como se había anticipado a inicios de esta semana, Calvin Harris regresa hoy con un nuevo single ajeno a ‘Funk Wav Blounces Vol. 1’, un disco elegante, inclinado a sonidos R&B, funk y soul bastante clásicos. Y es tan ajeno que se aparta de esa línea, que ponía al músico y productor escocés muy lejos de la pista de baile que tanta gloria (y beneficios económicos) le había proporcionado.

Pero ese arrebato ha pasado, de momento, a tenor de este ‘One Kiss’ que se estrena este viernes y que cuenta con una de las artistas jóvenes más exitosas del momento, Dua Lipa. Con una base de house noventero claramente orientado a los clubs, Lipa ejerce de diva –cabe recordar que, al margen de sus logros personales, ya colaboró con un papel similar en ‘Scared to Be Lonely’, uno de los últimos hits de Martin Garrix–.

La británica canta, convincentemente, que le basta con un beso para que alguien caiga rendido a sus pies, entre una pegadiza combinación de sintes 90s, bajos ácidos y trompetas tratadas. No hay que correr mucho para, contando con el actual tirón de Dua Lipa, augurar que puede ser un éxito a poco que cuente con un buen clip. De momento, y confirmando su querencia «retro» (lo 90s también lo es ya, obviamente), su lyric-video muestra imágenes de mozalbetes tocándose y besándose a través de una televisión de tubo dejada a su suerte junto a un arroyo.

La canción ha sido compuesta por Harris (si alguien aún no lo sabe, su nombre real es Adam Wiles), Lipa y, atención, Jessie Reyez, la artista canadiense que recientemente se alzó con el Juno a la mayor revelación del año en su país y por la que nosotros apostábamos, semanas atrás, como una de las que más pueden dar que hablar en 2018. Reyez ya realizó un featuring en ‘Funk Wav Bounces Vol. 1’, en el tema ‘Hard to Love’.

Ariana Grande podría sacar single el 27 de abril… ¿su dueto con Dua Lipa a punto de filtrarse?

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6 abril, 2018

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HITS Daily Double, el portal americano que, de vez en cuando, publica alguna exclusiva importante, como la fecha de edición del último disco de Adele -es un medio con conexiones cercanas en la industria- asegura que Ariana Grande publicará el primer single de su nuevo disco el próximo 27 de abril, según “productores y compositores involucrados en el proyecto”.

La fecha no es descabellada teniendo en cuenta que el disco de Grande ya está terminado. Se avecina, al parecer, su trabajo “más personal” y HITS Daily Double apunta que el “control creativo” de Grande en el proyecto ha sido “muy grande”, de mano de sus productores Max Martin, Savan Kotecha y Pharrell Williams. En el disco, Grande hablará de sus “experiencias” en el último par de años, por lo que parece un hecho que dedicará al menos una canción a la tragedia de Manchester.

Mientras, esta tarde ha llegado a la red, a través de Facebook, un fragmento de ‘Bad to You’, una canción nueva interpretada por Ariana Grande y Dua Lipa, de ritmos urban. Se desconoce el origen de la canción y por supuesto su destino. ¿Podría ser el primer single de Grande del que habla HITS Daily Double? ¿Más bien sería una canción para el disco de Dua Lipa, mientras ella busca un nuevo hit junto a Calvin Harris?

Miriam Rodríguez confirma que escribirá una canción para la próxima temporada de ‘Vis a vis’

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6 abril, 2018

Miriam Rodríguez, tercera finalista, contra todo pronóstico, de Operación Triunfo 2017 -nunca fue favorita, pero se ganó su puesto a pulso y el cariño del público a cada gala-, ha confirmado a 20 Minutos que compondrá una canción para la tercera temporada de ‘Vis a vis’, el drama carcelario de Antena 3 protagonizado por Najwa Nimri.

Rodríguez ha revelado a 20 Minutos: «Estoy muy contenta, es algo que hice desde dentro, basado en una serie de la que era muy seguidora y estoy encantada de que la cadena me haya lanzado esta propuesta». Al parecer, la canción sonará durante los diversos “promos” de la serie. La gallega no ha desvelado el título, pero el tema se adivina avanzado, ya que ‘Vis a vis’ estrena su próxima temporada el próximo 23 de abril.

Rodríguez no es la única concursante de Operación Triunfo asociada a una serie: Ana Guerra interpreta la sintonía de la recién estrenada ‘Fugitiva’, eso sí, mientras triunfa en toda España con ‘Lo malo’ junto a Aitana Ocaña. En su carrera a Eurovisión, Rodríguez interpretó ‘Lejos de tu piel’ y ‘Magia’, sus dos primeras canciones originales. Además, a ella se atribuye la primera parte de lo que terminaría siendo ‘Camina’, el himno oficial de OT2017.

Triángulo, Kacey Musgraves y The Weeknd, en el top 40 de JNSP; suben Lamar con SZA y Bad Gyal

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6 abril, 2018

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‘Me and Michael’ de MGMT vuelve al top 1 después del llamado a sus fans de Hazte Lapón, que esta semana no se han pasado por JNSP. Entran Triángulo de Amor Bizarro, que ya han llegado más alto con ‘Les llevaré mi cruz’ que con ‘O Isa’; Kacey Musgraves y la canción del ~~supercaballo~~ arrogante; y The Weeknd con la canción que más gustaba de entrada de su EP, ‘Wasted Times’. Entre las subidas destacadas, están Kendrick Lamar y SZA (número 2, clarísimo «sleeper»), y ‘Candela’ de Bad Gyal. Esta semana es histórica porque nos abandonan por exceso de semanas y por estar en la mitad baja de la tabla dos de vuestras canciones favoritas durante los últimos meses: ‘Perfect Places’ de Lorde y ‘Love’ de Lana del Rey. También decimos adiós a ‘Blissing Me’ y a lo último de James Blake. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	2	1	4	Me & Michael	MGMT	Vota
2	7	2	12	All the Stars	Kendrick Lamar, SZA	Vota
3	3	1	9	El momento	La Casa Azul	Vota
4	13	4	24	Anywhere	Rita Ora	Vota
5	22	3	5	IDGAF	Dua Lipa	Vota
6	4	1	57	Green Light	Lorde	Vota
7	5	1	9	Lo malo	Ana Guerra, Aitana	Vota
8	10	8	7	Lemon Glow	Beach House	Vota
9	14	1	12	My My My	Troye Sivan	Vota
10	19	1	10	Dancing	Kylie Minogue	Vota
11	23	8	9	Get Out	Chvrches	Vota
12	8	5	6	Make Me Feel	Janelle Monáe	Vota
13	9	7	13	When You Die	MGMT	Vota
14	21	14	2	Intuición	Javiera Mena, Li Saumet	Vota
15	12	12	3	Baila conmigo	Soleá Morente	Vota
16	31	16	2	Candela	Bad Gyal	Vota
17	–	17	1	Les llevaré mi cruz	Triángulo de Amor Bizarro	Vota
18	15	1	73	On Hold	The xx	Vota
19	24	19	4	Never Be the Same	Camila Cabello	Vota
20	16	1	50	Lust for Life	Lana del Rey ft The Weeknd	Vota
21	6	1	44	Perfect Places	Lorde	Vota
22	11	1	57	Love	Lana del Rey	Vota
23	18	7	10	Blissing Me	Björk	Vota
24	17	17	3	Delicate	Taylor Swift	Vota
25	20	20	6	Dinamita	La Bien Querida	Vota
26	38	26	7	O Isa	Triángulo de Amor Bizarro	Vota
27	27	27	10	If the Car Beside You Moves Ahead	James Blake	Vota
28	34	28	2	Tongue	MNEK	Vota
29	39	29	2	Cayetano	Carolina Durante	Vota
30	1	1	2	La vida adulta	Hazte Lapón	Vota
31	28	27	4	Movin On Up	Azealia Banks	Vota
32	29	27	6	Mr Tillman	Father John Misty	Vota
33	–	33	1	High Horse	Kacey Musgraves	Vota
34	33	26	8	Blink	Bad Gyal	Vota
35	30	30	3	Bet Ain’t Worth the Hand	Leon Bridges	Vota
36	–	36	1	Wasted Times	The Weeknd	Vota
37	40	37	2	Sit Next to Me	Foster the People	Vota
38	37	28	7	Miedo	Los Punsetes	Vota
39	32	32	2	El test de la Bravo y la Superpop	Putochinomaricón	Vota
40	36	36	2	Un jardín	Delaporte	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Hot Pink	Let’s Eat Grandma	Vota
–	Love Like Waves	Friendly Fires	Vota
–	Anna Wintour	Azealia Banks	Vota
–	One Kiss	Calvin Harris, Dua Lipa	Vota
–	The Tracers	Johnny Marr	Vota
–	Lightning Rod	Laura Veirs	Vota
–	Maybe	The Getup Kids	Vota
–	Breathe In, Breathe Out	Melody’s Echo Chamber	Vota
–	Crayons	cupcakke	Vota
–	Featherlight	GusGus	Vota
–	There’s A Light	Jonathan Wilson	Vota
–	Pulled Up the Ribbon	Okkervil River	Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

Anna Wintour, de Azealia Banks (4%, 38 Votos)
Lo malo, de Ana Guerra, Aitana (4%, 35 Votos)
Dancing, de Kylie Minogue (4%, 32 Votos)
Me & Michael, de MGMT (4%, 31 Votos)
Lemon Glow, de Beach House (3%, 28 Votos)
Les llevaré mi cruz, de Triángulo de Amor Bizarro (3%, 27 Votos)
Make Me Feel, de Janelle Monáe (3%, 26 Votos)
Anywhere, de Rita Ora (3%, 25 Votos)
El momento, de La Casa Azul (3%, 24 Votos)
All the Stars, de Kendrick Lamar, SZA (3%, 24 Votos)
My My My, de Troye Sivan (3%, 24 Votos)
Intuición, de Javiera Mena ft Li Saumet (3%, 24 Votos)
Candela, de Bad Gyal (3%, 23 Votos)
On Hold, de The xx (3%, 23 Votos)
Baila conmigo, de Soleá Morente (3%, 23 Votos)
IDGAF, de Dua Lipa (3%, 23 Votos)
Blink, de Bad Gyal (3%, 23 Votos)
Blissing Me, de Björk (2%, 21 Votos)
Never Be the Same, de Camila Cabello (2%, 21 Votos)
Get Out, de Chvrches (2%, 21 Votos)
Dinamita, de La Bien Querida (2%, 20 Votos)
When You Die, de MGMT (2%, 20 Votos)
Green Light, de Lorde (2%, 20 Votos)
Lust for Life, de Lana del Rey ft The Weeknd (2%, 20 Votos)
O Isa, de Triángulo de Amor Bizarro (2%, 20 Votos)
One Kiss, de Calvin Harris, Dua Lipa (2%, 20 Votos)
Miedo, de Los Punsetes (2%, 19 Votos)
Crayons, de cupcakke (2%, 19 Votos)
Sit Next to Me, de Foster the People (2%, 15 Votos)
High Horse, de Kacey Musgraves (2%, 15 Votos)
Tongue, de MNEK (2%, 14 Votos)
El test de la Bravo y la Superpop, de Putochinomaricón (2%, 14 Votos)
Bet Ain’t Worth the Hand, de Leon Bridges (2%, 13 Votos)
Featherlight, de GusGus (1%, 11 Votos)
Wasted Times, de The Weeknd (1%, 11 Votos)
Un jardín, de Delaporte (1%, 11 Votos)
Cayetano, de Carolina Durante (1%, 11 Votos)
Delicate, de Taylor Swift (1%, 11 Votos)
La vida adulta, de Hazte Lapón (1%, 11 Votos)
Hot Pink, de Let’s Eat Grandma (1%, 9 Votos)
Mr Tillman, de Father John Misty (1%, 8 Votos)
Love Like Waves, de Friendly Fires (1%, 7 Votos)
Maybe, de The Getup Kids (1%, 6 Votos)
Breathe In, Breathe Out, de Melody’s Echo Chamber (1%, 6 Votos)
Pulled Up the Ribbon, de Okkervil River (1%, 5 Votos)
The Tracers, de Johnny Marr (1%, 5 Votos)
There’s A Light, de Jonathan Wilson (0%, 3 Votos)
Lightning Rod, de Laura Veirs (0%, 2 Votos)

Votos totales: 112

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Pedrina de Pedrina y Río vuela en solitario y comparte la sensual ‘Hoy’ con Martina La Peligrosa

Por

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6 abril, 2018

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Pedrina de Pedrina y Río, el dúo colombiano que se ha dado a conocer en España gracias a ‘Kiki: El amor se hace‘ de Paco León -su tema ‘Enamorada’ suena en la película- vuela ahora en solitario y anuncia nuevo disco para el próximo mes de junio.

El disco de Pedrina, aún sin título, cuenta con la producción de Richard Blair (Carlos Vives, Totó La Momposina, Aterciopelados) y se presenta con la sensual ‘Hoy’, según la nota de prensa una “declaración de conquista casual pero calculadora” que además representa, para Pedrina, un sonido “vanguardista, electrónico y menos naíf”. Es una colaboración con Martina La Peligrosa de sonido marcadamente latino y electrónico, denso, en el que Pedrina expresa rimas tan suyas como “quiero hablarte hoy, pero me tienes que ver primero, voy a mandarme la mano al pelo, voy pretendiendo que no te veo” o “quiero llevarte hoy, adonde pueda tenerte solo, donde yo sepa que, de todos modos, tampoco gustes el protocolo”.

Sobre su colaboración con Martina La Peligrosa, Pedrina ha declarado: “Cuando escuché cantar a Martina en el estudio, supe que la canción estaba completa. Me sorprendió la manera tan fluida con que interpretó la letra desde la primera toma y aunque no fuera su género musical, le imprimió al track una sensualidad serena, segura y muy femenina”.

Lorde pide disculpas por una desafortunada asociación entre «bañera» y «Whitney Houston»

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6 abril, 2018

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Hace unos días, Lorde posteaba en Instagram una imagen un tanto extraña: una imagen de una bañera llena y un texto que decía: «And I Will Always Love You». Parecía una alusión a la canción más insigne de Whitney Houston, por mucho que esta fuera una versión. Los seguidores de Whitney se enfadaban y con razón, por lo desafortunado del comentario, que a todo el mundo recordaba a la trágica muerte de Whitney Houston en una bañera (y a la de su hija poco después).

Pero parece que Lorde no había caído. La autora de ‘Melodrama‘ acudía a la red social para escribir una disculpa, como recoge Stereogum, indicando que no había realizado ninguna asociación. Además de borrar la foto original, indicaba: «qué cita tan extremadamente, extremadamente pobremente escogida. Siento muchísimo haber ofendido a alguien. Ni siquiera había asociado las dos cosas. Solamente estaba muy emocionada de darme un baño. Soy una idiota. Amo a Whitney siempre y será para siempre. Lo siento otra vez».

Por alguna razón, Lorde ha decidido borrar también su disculpa de la red social, quizá para olvidarse cuanto antes del asunto, o aconsejada por su equipo de prensa. No obstante, los usuarios siguen comentando el altercado en las fotos de su gira, algunos hablando de racismo incluso, y otros pidiendo que vuelva «la foto de la bañera» en representación de su humor negro.

Los antidisburbios persiguen y amansan niños en el nuevo vídeo de Triángulo de amor bizarro

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6 abril, 2018

Triángulo de Amor Bizarro estrenan vídeo para la excelente ‘Les llevaré mi cruz’, la canción más asequible de su nuevo EP ‘El gatopardo’, que reseñaremos este domingo y sobre el que hablamos largo y tendido con la banda. Es su lanzamiento más político.

Luis Cerveró (Fangoria, Javiera Mena, Rosenvinge, ellos mismos) se ha encargado de dirigir el vídeo de la canción, que retrata a las niñas que aparecen en la letra (también a niños) jugando alegremente, hasta que aparecen en escena los antidisturbios primero persiguiendo a los niños, y luego amasándolos. Ha de haber algún paralelismo con lo que se ha visto en Cataluña en tiempos recientes (aparecen emblemas de ERC, aunque también del PSOE o CNT), mientras Isa Cea continúa con la ambigüedad de dar vida a Isabel La Católica, ya vista en el tema ‘O Isa’, mientras Rodrigo es Krampus. El final es sorpresa.

Cadena Ser ha estrenado este videoclip, incluyendo unas declaraciones de Isa: «Me gustaría que quien viera este vídeo pasara un buen rato y que, como me pasa a mí cuando veo algo con mucha intensidad, lo cambie de alguna manera. Al haber música, palabras e imágenes, es como ver un cuadro. ¡El concepto es muy amplio!». Añade luego: «¡No es tan irreal! No estamos enseñando nada que no exista ya. Clases, injusticias, desigualdades, ventajismos… Lleva pasando 500 años y seguirá sucediendo. A veces nosotros mismos lo transformamos para hacerlo más amable y poder seguir viviendo, pero lo que se supone que hay convive con lo que hay de verdad y con lo que te tienes que imaginar para contarlo en una canción (…) Parece que, si te lo curras, puedes conseguir todo lo que quieras. Pero el juego que hay es otro. Cuatro familias manejan el cotarro y el resto hacemos lo que podemos con las pocas cartas que nos dan. Si no hablas de política, no hablas de la vida. Es inevitable que se mezcle con todo lo demás».

Triángulo de Amor Bizarro tocan el 20 de abril en OchoyMedio, Madrid (entradas, aquí), y el 9 de junio en Razzmatazz, Barcelona.

«Yo realicé mi máster» ya es un estribillazo gracias a Iván Lagarto de El Intermedio

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6 abril, 2018

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Las penúltimas informaciones sobre la falta de autenticidad del trabajo de fin de máster de Cristina Cifuentes (esta mañana ha habido más) fueron las protagonistas anoche de El Intermedio. Como es habitual en el programa de El Gran Wyoming en laSexta, se ha convertido en canción lo que ahora se antoja como un despropósito de comparecencia de Cristina Cifuentes, en la cual ella insistía en que había «realizado su máster».

Iván Lagarto es el responsable de convertir ese “Yo realicé mi máster” en un estribillazo al modo de los que creaban en Estados Unidos Gregory Brothers sobre la actualidad más peregrina. “Yo realicé mi máster, y concluí mi máster”, entonado al modo que muestra el vídeo bajo estas líneas, compite hoy en modernidad con los últimos singles de Calvin Harris y Azealia Banks, surtiendo además a este minuto de canción (¿por qué tan poco?) de otros grandes momentos.

Mención especial merece la introducción de guitarrazos eléctricos en la parte “no, no fue manipulado”, si bien no podemos dejar de aplaudir el acople de la palabra “trabajillo” en una canción pop. ¿Para cuándo en Youtube? ¿Para cuándo en Spotify? Podéis disfrutar todos los vídeos de Iván Lagarto a través de este enlace de la web de laSexta.

Ready for the Weekend: Eels, Hinds, Françoise Hardy, Sr. Chinarro, Kali Uchis, Unknown Mortal Orchestra…

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6 abril, 2018

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Tras un viernes santo que, por razones vacacionales, parece algo raruno para estrenar nueva música, este primer día de abril con lanzamientos viene muy, muy fuerte. Al margen de los nuevos singles de Calvin Harris & Dua Lipa, Azealia Banks, Johnny Marr, Friendly Fires, Aitana & Ana Guerra de los que hemos hablado esta mañana, y que se suman a los temas de Beach House, A$AP Rocky & Moby, John Maus, Melody’s Echo Chamber, The Get Up Kids, Crimen Pasional y Juan Magán & Mala Rodríguez de los que hemos hablado a lo largo de la semana, el día de hoy destaca sobremanera por una notable cantidad de álbumes interesantes.

Con ‘Golden’ de Kylie Minogue a la cabeza, hoy Eels, Hinds, Françoise Hardy, Sr. Chinarro, Kali Uchis, Unknown Mortal Orchestra, Cardi B, Thirty Seconds To Mars, Rels B, Disco Las Palmeras!, Wye Oak, Sloan, The Aces, Alberto Montero, Goat Girl, Cosmo Sheldrake o Rush Week lanzan sus nuevos discos largos. Además, la revelación Nathy Peluso, la sueca Ångie, Escuelas Pías, SG Lewis o Mikky Ekko presentan EPs.

En cuanto a sencillos, más allá de los mencionados hay un montón de canciones chulas que escuchar: Tove Styrke, Soledad Vélez & El Último Vecino, John Legend & BloodPop©, Sofi Tukker, Justin Bieber para Poo Bear, Manic Street Preachers, Maria Rodés, Chromeo & DRAM, Pedrina (la recordaréis por el tema principal de ‘Kiki, el amor se hace’), Ólafur Arnalds, Mansionair, la MC mexicana Niña Dioz (junto a Lido Pimienta & Ceci Bastida), Grouper, Solo Astra (ft Marem Ladson), Ben Howard, Gallant, Fru Katinka, PBSR y Yellow Days (la revelación británica debuta en Sony) presentan referencias.

Para terminar, hoy destacan también los dos discos, dos, de homenaje a Elton John que se publican simultáneamente. Además de ‘Revamp’, el disco con Lady Gaga, Ed Sheeran, Florence + The Machine y QOTSA, también se publica ‘Restorarion’, en este caso protagonizado por artistas country como Roseanne Cash & Emmylou Harris, Don Henley, Kacey Musgraves y… Miley Cyrus. Además, se lanza ‘Universal Love’, el disco con canciones de temática homosexual con Bob Dylan, Ben Gibbard, Kesha o St Vincent; un álbum con outtakes y remixes de Zola Jesus; y nuevos singles de Band of Horses con un perfil acústico, ya sea de temas propios ya conocidos (‘No One’s Gonna Love You’) como ajenos (‘Into My Arms’ de Nick Cave & The Bad Seeds).

Friendly Fires vuelven 7 años después con uno de sus mejores singles, ‘Love Like Waves’

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6 abril, 2018

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Friendly Fires, uno de los grupos que más dio que hablar a finales de la década pasada y principios de la actual gracias a canciones de pop-rock tropical como ‘Paris’, ‘Jump in the Pool‘, ‘Kiss of Life’ o ‘Hawaiian Air’, además de a los curiosos bailes de su vocalista, Ed Macfarlane, vuelve tras 7 años de silencio musical, tras un periodo de baja creatividad, como ha explicado en Facebook, con un nuevo single llamado ‘Love Like Waves’ que se coloca directamente entre sus temas más acertados.

No hay misterio: Friendly Fires siempre ha sido un grupo apegado al verano, las playas, el sol, y ‘Love Like Waves’, desde su título con referencia al mar, vuelve a ser un hit veraniego apto para bailar en festivales. Pero también vuelve a ser una composición rica en la que los instrumentos, la prominente presencia de los sintetizadores y el irresistible “groove” de la canción operan al servicio de uno de los estribillos más pegadizos creados jamás por Friendly Fires.

Es, por cierto, una canción que la banda británica lleva tocando, en una forma bastante más distinta y electrónica, desde 2012. Es ahora cuando da salida a este tema totalmente disfrutón que es una evolución lógica del sonido de su último trabajo, ‘Pala‘, editado en el lejano 2011, y que por cierto el grupo presentará este verano en Bilbao BBK Live.

Johnny Marr se entrega al post-punk en la épica ‘The Tracers’, que adelanta su nuevo disco

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6 abril, 2018

Johnny Marr se ha tomado su tiempo en componer su tercer disco, y eso que entre los dos primeros, ‘The Messenger‘ y ‘Playland‘, pasó solo un año. El segundo llegó en 2014 y, cuatro años después, el ex guitarrista de The Smiths tiene listo un nuevo trabajo titulado ‘Call the Comet’ que publicará el 15 de junio. El tracklist, bajo estas líneas.

El primer avance de ‘Call the Comet’ es ‘The Tracers’, un tema “lleno de tensión y retumbe”, como explica NME en su revisión canción a canción del disco, y ciertamente engancha gracias a su implacable ritmo post-punk, sintetizadores góticos y “who hoos” varios, además de por su melodía. Un tema, de nuevo, apto para largos viajes en carretera, también con un punto The War on Drugs.

Parece que en ‘Call the Comet’ no habrá colaboraciones destacadas, a pesar que Marr cuenta varias desde 2015, entre ellas con Hans Zimmer, con quien trabajó en la banda sonora de ‘Spider Man 2’. El británico apareció también en ‘Chasing Yesterday‘ de Noel Gallagher’s High Flying Birds y en ‘Pollinator‘ de Blondie.

‘Call the Comet’:

01 Rise
02 The Tracers
03 Hey Angel
04 Hi Hello
05 New Dominations
06 Day In Day Out
07 Walk Into The Sea
08 Bug
09 Actor Attractor
10 Spiral Cities
11 My Eternal
12 A Different Gun

Fallece Isao Takahata, co-fundador de Estudio Ghibli y director de ‘Heidi’ y ‘Marco’

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6 abril, 2018

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El productor, director y guionista japonés Isao Takahata, co-fundadador, junto a Hayao Miyazaki, de Estudio Ghibli -productora de cintas de anime tan reconocidas en todo el mundo como ‘El viaje de Chihiro’ o ‘La princesa Mononoke’-, ha muerto este jueves en un hospital de Tokio debido a un cáncer de pulmón. Tenía 82 años.

Takahata dirigió algunas de las películas más recordadas de Estudio Ghibli, entre ellas ‘La tumba de las luciérnagas’, de 1988, y ‘El cuento de la princesa Kaguya‘, que aspiró a un Oscar a Mejor largo de animación en 2014. De manera destacada, dirigió dos series absolutamente míticas también en España, ‘Heidi, la niña de los Alpes’ y ‘Marco’, que marcaron a toda una generación de niños durante los 70 y años venideros.

Nacido en 1935 en Ise, Takahata estudió filología y literatura francesa en la Universidad de Tokio, aunque por supuesto dedicaría la mayor parte de su vida a la producción de cintas de anime junto a Hayao Miyazaki. Entre sus obras notables se encuentran también ‘Recuerdos del ayer’ (1991), ‘Pompoko’ (1994) y ‘Mis vecinos los Yamada’, (1999), además de la producción de ‘Nausicaä del Valle del viento’ de Miyazaki. Su última producción fue ‘La tortuga roja’ de Michael Dudok de Wit (2016).

En breve publicaremos un artículo especial dedicado a Takahata.

Kylie Minogue / Golden

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