Pasada la fiebre de la Super Bowl, que terminó con Bad Bunny liderando el Billboard Hot 100 con el tema ‘Debí tirar más fotos’, es el turno de Taylor Swift. El nuevo single de la cantante, ‘Opalite‘, escala desde el número 8 hasta el número 1.
Eso significa que es, por tanto, el 14º número 1 para la cantante en la lista oficial de singles estadounidense. Es el 2º de ‘The Life of a Showgirl‘. Así, la cantante consigue empatar en números 1 con Rihanna y ya solo tiene por delante a los Beatles y a Mariah Carey. Es curioso recordar que Taylor no logró ningún top 1 en singles hasta su paso al pop con ‘Red’:
Los 14 números 1 de Taylor Swift en EE UU:
We Are Never Ever Getting Back Together
Shake It Off
Blank Space
Bad Blood
Look What You Made Me Do
Cardigan
Willow
All Too Well (Taylor’s Version)
Anti-Hero
Is It Over Now? (Taylor’s Version) [From the Vault]
Cruel Summer
Fortnight, ft Post Malone
The Fate of Ophelia
Opalite
El número 1 se ha producido, al igual que el de Reino Unido, por las ventas físicas de los singles de ‘Opalite’. Se han vendido 168.000 copias de ‘Opalite’ en una semana, lo que ha sido suficiente para paliar la pérdida de streaming (del puesto 11 cae al puesto 17 entre lo más escuchado en plataformas).
Billboard detalla que de esas 168.000 copias que han sido determinantes, 144.000 han sido físicas (6 tipos de CD singles, y 1 vinilo) y 24.000 digitales, sobre todo por los nuevos remixes. Bajo estas líneas podéis consultar qué artistas han logrado un mayor número de números 1 en la historia de Estados Unidos.
Mayor número de números 1 en EE UU:
20, The Beatles
19, Mariah Carey
14, Rihanna
14, Taylor Swift
13, Drake
13, Michael Jackson
12, Madonna
12, The Supremes
11, Whitney Houston
10, Janet Jackson
10, Bruno Mars
10, Stevie Wonder
Ahora el cantante pasa a la ofensiva y ha presentado una demanda de conciliación contra Yolanda Díaz, vicepresidenta del Gobierno, por los comentarios que la política hizo en las redes sociales y en una entrevista de televisión.
Como informa El País, los abogados de Iglesias creen que ha habido manifestaciones “injuriosas” por parte de la líder de Sumar, con las que atribuyó a su cliente de manera directa la condición de “abusador sexual”, un régimen de “esclavitud” y una “estructura de poder basada en la agresión permanente”.
El cantante pide a Yolanda Díaz que se retracte, que reconozca “el daño causado” y que lo “indemnice con el importe en el que se fijen prudencialmente los daños causados en función de la difusión alcanzada por el comportamiento injurioso y calumnioso”. Este es el paso previo necesario para poder poner después una querella por calumnias o injurias.
Uno de los mensajes que denuncian fue dejado en Bluesky por Yolanda Díaz el 13 de enero: «Escalofriantes testimonios de las extrabajadoras de Julio Iglesias. Abusos sexuales y una situación de esclavitud con una estructura de poder basada en la agresión permanente. Gracias a las mujeres valientes y a las periodistas de eldiario.es por denunciarlo».
Nuestro Disco de la Semana va a ser ‘AMA’ de Maria Arnal, el que ella considera un nuevo renacer, un debut. Hemos conocido singles como ‘QUE ME QUITEN’, ‘PELLIZCO’, el propio ‘AMA’ y el último adelanto ha sido este ‘TICTAC’ que escogemos como Canción del Día hoy.
Si ‘AMA’ implica un renacer, esta canción es una de las que mejor lo saben ejemplificar, con una letra muy explícita al respecto: «quisiera volver atrás, volver a nacer quizás / otro cuerpo, otro lugar, otra voz, otro mirar». Con cierto punto filosófico, ‘TICTAC’ intenta cambiar algunas cosas que hemos conocido en nuestra vida pero no nos han agradado. Habla de «no pensar nunca en después», «sentir que no me falta nada» o «no temerle ya a nada».
También habla de un posible reencuentro que puede referirse a su prima AMA (esas eran sus iniciales), fallecida a los 15 años con VIH, y a la que quería como una hermana. Nos lo cuenta en el podcast que podéis ver bajo estas líneas.
‘TICTAC’ también es una increíble producción en la que encontramos a Alizzz y a Pau Riutort, además de a la propia Maria Arnal, que no puede resultar más vibrante cuando en su segunda mitad cabalga a lomos de una pequeña rave. Después, las aguas vuelven a su cauce: la estructura de un tema que coquetea con la reencarnación solo podía ser circular.
Próximas fechas:
27 DE FEBRERO | MADRID | SALA BUT – SOLD OUT
7 DE MARZO | BARCELONA I P62
8 DE MARZO | BARCELONA | P62 – SOLD OUT
2 DE ABRIL | VALENCIA | AUDITORI ROIG ARENA
11 DE ABRIL | GIRONA | FESTIVAL STRENES
18 DE ABRIL | COPENHAGUE | ALICE
1 DE MAYO | LONDRES | JAZZ CAFE
Mientras Bad Bunny y Rosalía mantienen esta semana sus respectivos puestos 1 y 2 en la lista de álbumes española, el top 5 recibe una interesante novedad. Se trata de ‘Wuthering Heights‘, el disco de Charli XCX inspirado en la nueva adaptación de ‘Cumbres borrascosas‘. Desde JENESAISPOP ya os hemos aconsejado que escuchéis el disco, pero evitéis ver la película.
‘Wuthering Heights’ es el segundo disco top 5 de Charli XCX en España, aunque no iguala el top 2 de ‘Brat’. En Reino Unido, el disco ha entrado en el número 1, mientras que en Estados Unidos ha quedado en el 8. Otras posiciones logradas por ‘Wuthering Heights’ son un top 2 en Austria, un top 4 en Australia y otro top 5 en Alemania. Entre los países que deberían espabilar está Italia, donde el álbum solo ha llegado al puesto 25.
Otra entrada digna de comentar es la de OBK, que marca un top 10 con ‘Vértigo’, su nuevo EP. El proyecto de Jordi Sánchez llega ahí gracias exclusivamente a la venta de vinilos, como demuestra el hecho de que ‘Vértigo’ entre justamente en el puesto 10 de esa tabla específica.
Yung Beef, que estos días disfruta de un inesperado hit global con el remix de ‘Cuando no era cantante‘, coloca su nuevo mixtape ‘EL PLUGG 3 OVA 2’ en el puesto 36. La primera entrega de esta serie de discos, ‘EL PLUGGG 3 OVA 1’, alcanzó el número 34.
El resto de entradas son variadas. Kylie Minogue coloca el vinilo de la gira de ‘Tension’ en el puesto 44. A continuación, hay que hablar de Rayden, que ha relanzado su carrera uniéndose a Mediyama y Skiz Siete: los tres forman el grupo Chiquita Movida y su debut ‘Alta Vaina’, en clave pop-rock, entra en el 53.
El pop anglosajón deja una sorprendente entrada en los últimos puestos de la tabla, la de ‘ICON’, del cantante de R&B Brent Faiyaz, en la línea de The Weeknd. Antes que él figuran el trapero barcelonés Cyril Kamer con ‘En silencio’, que debuta en el 62, y otra banda sonora, la de la serie de Caracol Televisión ‘La Reina del Flow 3’, que entra en el 71.
La lista de singles española presenta esta semana interesantes novedades. En primer lugar, hay que hablar de Quevedo, que coloca ‘Ni borracho‘ directamente en el número 1 de la tabla. El público no compra la idea de que la canción salga a rebufo de Bad Bunny ni que su homenaje a Canarias sea impostado.
‘Ni borracho’ es el 8º single número 1 en España para Quevedo, aunque solo el tercero en solitario tras ‘Columbia‘ y ‘TUCHAT‘. El tercero consecutivo, eso sí. Así queda la lista de números 1 de Quevedo en España:
-Quevedo: BZRP Music Sessions, Vol. 52
-Playa del Inglés ft. Myke Towers
-El Tonto ft. Lola Indigo
-Gran Vía ft. Aitana
-Still Luvin’ ft. Delaossa
-Columbia
-TUCHAT
-Ni borracho
Quevedo, precisamente, desbanca a Bad Bunny del número 1 con ‘NUEVAYOL’, aunque el puertorriqueño protagoniza la subida más fuerte de la semana con ‘TITÍ ME PREGUNTÓ’, que sube del 36 al 24.
Además, la edición de Benidorm Fest 2026 asoma por fin en la tabla. ‘T Amaré‘, de Tony Grux y LUCYCALIS, la canción ganadora, debuta en el puesto 60 tras celebrarse el certamen. Algo es algo, pero la canción necesitará promoción para crecer y estabilizarse si RTVE intenta, con ella, dar con algo parecido a una canción del verano. En Spotify ya baja al puesto 190, y su peak ahí ha sido un número 58, es decir, ni siquiera ha irrumpido dentro de los 50 temas más escuchados.
La tabla deja solo un par de entradas más. ‘CHOQUE’, el dueto de Bad Gyal y Chencho Corleone que presenta el segundo disco de la catalana, entra en el número 11. Y, ascendiendo hasta el puesto 61, encontramos la última entrada de la semana: ‘La Sacapuntas’, de KASABAKI, Zeno el Faraón, L0rna y Kristina.
Jessie Ware sigue en la vena bailable de sus dos discos anteriores en su nueva era, enmarcada en un disco llamado ‘Superbloom’ que saldrá en abril. El primer single, ‘I Could Get Used to This‘, ha ofrecido una buena dosis de pop-disco afrodisíaco en la onda de Minnie Ripperton. El segundo, ‘Ride’, tira del caballo que metió Bianca Jagger en Studio 54, aunque también de otras cosas.
‘Ride’ se basa en un sample de la banda sonora de ‘El bueno, el feo y el malo’, de Ennio Morricone. El sample conforma el estribillo en sí, mientras Ware susurra «¡arre, arre, arre!» por detrás. La idea recuerda a la presentada por Troye Sivan en ‘Got Me Started’, que sampleaba de forma bastante creativa ‘Shooting Stars’, de Bag Raiders.
Lo de ‘Ride’ no es tan creativo, pero lo peor es que ha dejado de ser elegante, que era por lo que acudíamos a la música de Jessie Ware en primer lugar. ‘Ride’ guarda cierto semblante de elegancia y sofisticación por sus versos recitados, pero el homenaje a los noventa de la base se pasa de rosca y, sin el sample, la canción no parece gran cosa.
Su crescendo y estallido final de euforia están logrados, pero esta producción, trabajada junto a Jack Peñate, entre otros, queda demasiado cerca estética y espiritualmente de cosas como ‘On the Floor’, de Jennifer Lopez y Pitbull. Jessie Ware sabe hilar más fino.
Aún queda un consuelo: descubrir que ‘Ride’ «gana dentro del disco», como se suele decir. Ahí ocupa la pista 9, por lo que quizá cobre mayor sentido después de las 8 anteriores.
‘Superbloom’:
The Garden Prelude
I Could Get Used to This
Superbloom
Automatic
Chariots of Love Interlude
Sauna
Mr. Valentine
Love You For
Ride
Don’t You Know Who I Am?
16 Summers
No Conseques
Mon Amour
La honestidad en el pop empieza a parecer un poquito calculada en medio del continuado reinado de Taylor Swift y tras el sorprendente éxito de ‘brat‘ (2024) de Charli XCX, y Hilary Duff busca un hueco en ese espacio con su primer disco en 10 años. ‘luck… or something’ es su obra más confesional, aunque todo está contado con una pátina tan amable que termina bordeando lo inocuo.
Duff, que se dio a conocer como estrella adolescente en la icónica serie Lizzie McGuire, es hoy una mujer de 38 años, madre y esposa, y en ‘luck… or something’ abunda ese espíritu adulto resignado pero aferrado al humor. ‘Mature‘, el sencillo principal, retrata a un potencial abusador sexual, pero lo hace con cierta gracia e ironía. No abundan en el pop mensajes de este tipo, mucho menos transmitidos de esta manera.
El equilibrio entre sinceridad y humor desenfadado produce otros pasajes memorables, como ese de ‘The Optimist’, donde Duff confiesa que «ojalá no me dieran miedo los aviones y que mi padre me quisiera de verdad», e infiere a las canciones ese toque ligeramente puntiagudo que contrasta con el componente acolchado y nebuloso de la producción.
La música de ‘luck… or something’ dialoga con un presente donde las barreras musicales ya no existen, y por eso Duff y sus productores -entre ellos Matthew Koma, su marido- trabajan un sonido alternativillo pero ajustado al perfil pop de Hilary, situado a medio camino entre el pop vintage y el indie-pop, y vehiculando siempre unas melodías coquetas adaptadas a su ligera y bonita voz, no en vano consciente de sus propias limitaciones expresivas.
Las composiciones pueden ser tan monas como ‘Future Trippin’, que incluye una simpática mención a Bon Iver, o tan retro como ‘You, from the Honeymoon’, que incluye una simpática mención a The Japanese House, pero en ocasiones las referencias se salen un poco de madre, como en ‘Roommates’, que parece un plagio descarado de Taylor Swift desde la entrada de su primera estrofa. ‘The Optimist’ es demasiado deudora de Kacey Musgraves, aunque es bonita.
Hilary se anota el tanto de samplear ‘Dummies’ de Blink-182 en ‘Growing Up’, que aunque la canción pasa sin pena ni gloria, la idea es original. Y sobre todo ‘luck… or something’ logra ser un disco intransferible gracias a sus personales letras, simpáticas en su retrato de la cotidianeidad de pareja (‘Weather for Tennis’) o de las incertidumbres de la vida adulta (‘Future Trippin’), conectando directamente con el sentir de los millennials que la veían en la tele de pequeños.
La sinceridad sin rodeos también sienta bien a Duff, y de ahí que ‘We Don’t Talk’ destaque. En este vals folk, Duff confiesa no hablarse con su hermana, Hailey Duff, desde hace tiempo. La composición refleja el momento vital de Duff, que lejos de victimizarse, ofrece un momento de madurez y calma, pero también de cierta duda por esta circunstancia, apuntando que pueda deberse a los «celos». No extraña que en la canción y en todo el disco, acuda a un lugar reconfortante y seguro.
La Academia de Cine ha revelado la lista oficial de artistas musicales que actuarán en la próxima gala de los premios Goya, que se celebra este sábado 28 de febrero.
Rigoberta Bandini, presentadora de la gala, volverá a actuar por segundo año consecutivo, pero no será la única. Artistas como Bad Gyal o Belén Aguilera debutarán en ese escenario, mientras que también están confirmados La Casa Azul, Dani Fernández y Ana Mena.
La cosa no acaba ahí, ya que actuarán en los Goya asimismo una de las voces más prestigiosas del flamenco actual, Alba Molina, y una de sus perfiles más pujantes, Ángeles Toledano.
Ninguno de los cantantes nominados al Goya a Mejor canción, como Sílvia Pérez Cruz, Leiva o Blanca Paloma, actuarían en la ceremonia.
Parten como favoritas en las nominaciones de los Goya ‘Los domingos’ de Alauda Ruiz de Azúa con 13 nominaciones; ‘Sirat’ de Oliver Laxe con 11 candidaturas y ‘Maspalomas’ de José Mari Goenaga y Aitor Arregi, con 9 menciones.
Los concursantes de la última edición de Operación Triunfo han seguido lanzando sus singles de forma escalonada. Ya reseñamos los de Iván Rojo, Salma de Diego, Carlos Fustel, Judit Garuz y Max Navarro. A falta de las esperadísimas canciones de Claudia Arenas y Cristina Lora, ganadora de la edición, comentamos los lanzamientos de los concursantes restantes en orden cronológico. Aunque algunos han sorprendido, otros dejan bastante que desear.
‘Para Nadie Más’, de Laura Muñoz
Durante su paso por el concurso, Laura Muñoz siempre quiso lucir su vozarrón lo más posible, incluso cuando la ocasión no lo pedía. Con su single, se ha quedado a gusto. ‘Para Nadie Más’ no será de las canciones más memorables de la última tanda de concursantes de OT, especialmente por su genérica letra («Las nubes rosas se volvían gris»), pero su electropop maximalista es un acierto.
‘Maldita Relación’, de María Cruz
Escrita junto a Carlos Almazán, compositor de Sony, y producida por KICKBOMBO, los productores detrás de ‘Nochentera’, la canción debut de María Cruz funciona perfectamente. Es simple: suena actual, es pegadiza y no parece un producto de las prisas. La vibe del tema se va directamente al universo de artistas como Emilia, Nicki Nicole o María Becerra. ¿Qué habría pasado si María Cruz hubiese cantado ‘Latin Girl’?
‘Para Mí’, de Lucia Casani
Casani fue una de las concursantes más interesantes de la edición, simplemente por el hecho de ser la única en aprender a cantar por su cuenta, de forma autodidacta. ‘Para Mí’ no es tan especial, sino otra canción más sobre querer volver a un lugar especial, a ese sitio «donde creí». Es cute, muy Disney, y poco más. Lo mejor del tema es la gran personalidad de la voz de Lucia.
‘algo mío’, de TÉYOU
TÉYOU fue lo contrario a Lucia Casani, siendo una artista con muchas más tablas que sus compañeros de academia. Por eso, no sorprende que su single debut sea también de los mejores de la edición. Una guitarra acústica y chops vocales con autotune pintan una canción sumamente personal, pero que no se queda vacía: «Siempre me ha salido ser muy exigente de todo lo que digo / ¿Qué dirá la gente?».
‘ROTO’, de javicrespo
Crespo ha demostrado en varias ocasiones, y lo sigue haciendo en este single, que tiene una voz perfecta para ser un Sebastian Yatra o Manuel Turizo de la vida. Por desgracia, ‘ROTO’ no es ni la mitad de memorable que cualquier de los hits de los dos artistas mencionados. Y parte de este se debe a la producción, bastante insípida.
‘Cuando se apaguen los focos’, de Tinho Vaamonde
El single de Tinho, uno de los más queridos de la edición, empieza muy bien, con un solitario piano y un genial saxofón. Cuando se avecina el estribillo, la cosa se empieza a torcer. Su voz transmite una sensación de tensión, como si no estuviera demasiado cómodo. Se agradece que la composición sea solo de Tinho, pero el excesivo sabor a musical, y un poco a Queen en la segunda mitad, no funciona muy bien. Al menos, es una propuesta diferente.
‘Sábado Noche’, de Olivia Bay
Todos sabemos a qué artista nos recuerda el single de Olivia. Más allá de la evidente referencia, ‘Sábado Noche’ funciona perfectamente como canción de pop facilona. La producción, a cargo de Kora, es correcta y brilla donde tiene que brillar. Lo sorprendente es que hayan hecho falta varias personas, entre ellas Guillo Risty Crespo, para escribir la letra («Al sábado noche, una vuelta en tu coche / Las luces bajadas, yo no puedo olvidar»).
‘no sé si quiero volver’, de Guille Toledano
Guille no fue solo uno de los favoritos de la edición, sino también de los mejores vocalistas. ‘no sé si quiero volver’ es un tema de pop clásico, tan clásico que pegaría mejor como single debut de un concursante del OT de 2001. Esto no es necesariamente algo negativo, pero claramente el ‘feel’ del tema, de la letra a la producción, es muy dosmilero. Dicho esto, es un tema decente.
Al escuchar los singles de ‘Historias de aquella niña‘, el debut en solitario de Leire Martínez, y al atender sus intervenciones en entrevistas o como jurado de Operación Triunfo, se entiende muy poco que Martínez no ocupara un papel mucho más protagonista dentro de La Oreja de Van Gogh. Ahora que no le ha quedado más remedio que empezar una carrera en solitario, descubrimos a una artista con cosas que decir.
El debut de Leire la transforma en «mujer del pop», y esa ha sido la atención, como ella misma está explicando en entrevistas. Ahí entran singles como ‘Mi nombre‘, toda una declaración de intenciones, o ‘El ruido’, que sube la apuesta y presenta el disco ya publicado.
‘El ruido’ alía a Martínez con Miranda!, el popular dúo argentino capitaneado por Alejandro Sergi y Juliana Gattas, que acaba de competir en Benidorm Fest. No han ganado, pero sí han firmado, junto a bailamamá, por el momento, la canción más escuchada de la edición.
‘El ruido’ hace también alusión al “renacimiento” de Martínez, literalmente, en la frase «vuelvo a nacer» contenida en el estribillo. Es una canción sobre caer y aprender de los errores, aunque «duela», y sobre aprender a creer en una misma, como describe el verso interpretado por Miranda!: «Una coraza pa’ disimular / Que no me creía bastante / Cuando lo tenía delante / Siempre estuvo ahí, tan dentro de mí».
La contundente producción, firmada por Pablo Rouss y Pedro Elipe Navarro, entre otros, sitúa a Leire en un contexto electrónico próximo al synth-pop más “robynesco” o en general escandinavo. La composición tiene dos caras: a unas estrofas electrónicamente estilizadas y casi robóticas, interpretadas por Miranda!, les sigue un estribillo de puro pop-rock ya bastante corriente, en el que Leire toma las riendas, mientras el dúo argentino pasa a un segundo plano.
Tras más de un año de gira, Judeline se enfrentaba anoche a uno de sus mayores retos hasta el momento: su primer Movistar Arena. ‘Bodhiria’, su álbum debut lanzado a finales de 2024, le ha dado muchas alegrías, pero quizá la mayor de todas ha sido precisamente la posibilidad de estar allí, llenando un estadio de esas dimensiones ante un público, mayoritariamente muy joven, que se sabía todas las canciones.
El rápido ascenso de la cantante gaditana de 23 años no es, desde luego, ningún golpe de suerte, sino fruto de muchísimo trabajo, esfuerzo y talento. Poco tiene que ver la artista que vimos ayer con la que hace tres años se subía al escenario tímidamente sujetando su bolsito mientras cantaba o incluso la que hace tan solo unos meses actuaba bajo el sol barcelonés en el Primavera Sound. Su presencia escénica no ha dejado de mejorar, y anoche subió de nuevo el listón con su show más ambicioso hasta la fecha.
Una especie de cueva se proyectaba en la pantalla invitándonos a entrar en ese universo embrujado y misterioso que es Bodhiria. Judeline aparecía en el escenario sujetada por sus bailarines -todos con una estética muy Mad Max, y uno de ellos, completamente cubierto de pintura plateada- e inauguraba el espectáculo con ‘angelA’, canción que da nombre al personaje principal de su álbum conceptual. Poco después sonaron ‘mangata’ y ‘brujería’, dos temas que fueron presentados con imágenes nocturnas y una iluminación que emulaba a la luna. También, la magnífica ‘Inri’ seducía y movía al personal con su sugerente R&B de ritmos arabescos.
Nos salimos brevemente de ‘Bodhiria’ con ‘En el cielo’, en la que Judeline aparecía con una llave gigante. A mitad de la canción, se dirigió directamente a la cámara, como si quisiera romper definitivamente la barrera entre ella y el público. El primer invitado de la noche vino justo después. Mientras la cantante interpretaba la romántica ‘Heavenly’, Rusowsky se unía a ella para cantar su parte, formando un bonito dúo mientras en la pantalla se proyectaban siluetas de pájaros con una estética muy digital.
Siete canciones hicieron falta para que Judeline se dirigiera al público, pero cuando lo hizo, su calidez llenó el estadio. Muy emocionada con la gran acogida que estaba teniendo su gran noche, bromeaba diciendo “no quiero llorar, que estoy con la regla” y presentaba el espectáculo indicando que estaba 100% metida en su personaje, que en ese momento no era ni Lara ni Judeline, sino su álter ego, Ángela.
La puesta en escena, con dos grandes escaleras a los lados, se engrandecía con los juegos de luces, como los láseres rojos durante ‘luna roja’, donde su bailarín principal -interpretando a una suerte de figura demoníaca- le apuntaba, cual Cupido, con un arco. Pero pese a todo el espectáculo visual y la fuerte presencia de los elementos electrónicos, también conseguían brillar los instrumentos orgánicos, como los elegantes chelos en ‘Joropo’, una de las canciones más queridas del set. En ‘Es dios bueno o solo es poderoso’, la cantante arrastraba al monstruo plateado hasta echarlo del escenario, cerrando casi en su totalidad la etapa ‘Bodhiria’ para dar paso a una nueva fase del show.
Ahora en la pantalla se proyectaba un faro al atardecer, y sola en el escenario, comenzó a cantar ‘TRAFALGAR’. Sus bailarines volvieron a aparecer para ‘ZAHARA’, uno de sus primeros éxitos. Aunque esta parte del concierto estuvo protagonizada principalmente por las versiones. La primera de ellas fue la de ‘La tortura’, de Shakira y Alejandro Sanz, que sonó divertida, pero lo más especial aún estaría por llegar. “Hoy celebramos Andalucía” decía la artista antes de invitar al escenario a Chambao y rendir tributo juntas a su hit dosmilero ‘Ahí estás tú’. Por si fuera poco, inmediatamente después, salieron al escenario Papá Levante a cantar ‘Canción del agua’.
Mejor todavía fue la aparición de Yerai Cortés para interpretar con ella ‘Un puente por la Bahía, la cruz del Campo’. La voz de la cantante sonaba por primera vez sin autotune (¡ojalá lo usara un poquito menos a lo largo del concierto!) acompañada de un coro de tres cantaoras sobre los preciosos punteos del guitarrista. Con este momento flamenco la artista demostró, por si todavía había algún escéptico, que es capaz de casi todo. Que el eclecticismo de su música es su mayor virtud, y que tiene un enorme talento para hacer lo que se proponga.
Ainhoa Laucirica
En la última parte del espectáculo, Judeline invitó al público a “conectar con su lado más espiritual, más sexual y goloso”. Era el momento de canciones “bailongas” como ‘TÚ ET MOI’, ‘2+1’ o ‘CANIJO’, aunque el foco se lo llevó sin duda ‘PIKI’, su colaboración con Sega Bodega, que desemboca en un segmento house muy bailable y eufórico. Tanto, que la artista la terminó echándose agua por la cabeza tras el desenfreno final. Y así, empapada, dio paso a la última canción del concierto, la gran ‘zarcillos de plata’, con la que la gente alzaba los móviles mientras coreaba la letra al unísono.
Tras casi dos horas, culminaba una velada que no hacía más que confirmar que Judeline ha venido para quedarse. Acabó llorando de emoción, agradeciendo de todo corazón a sus músicos, a sus bailarines y a todo el mundo que hizo posible que se cumpliera su sueño de estar sobre ese escenario. “Este es el comienzo de algo muy grande”, decía. Y nos quedamos con eso, pues a cualquiera que haya seguido su trayectoria, no le queda ninguna duda de que la próxima vez que la veamos será aún mejor.
Capros son brutalmente honestos en los primeros segundos de su último single: «Nadie sabe quién coño somos». Esto puede cambiar en cualquier momento si siguen lanzando canciones tan divertidas como ‘Peldanyos’, escrita para el conocido foodie a raíz del innegable parecido del cantante de la banda. Es la Canción del Día.
Carolina Durante (mencionados en ‘FOMO’), blink-182 o Sexy Zebras son algunas de las bandas que se nos vienen a la cabeza al escuchar a Capros. La banda de Barcelona acaban de sacar su primer disco, ‘A esta invitamos nosotros’, hasta arriba de mini himnos de pop rock y punk como ‘Peldanyos’. Esta también fue la filosofía para su versión de ‘DtMF’, que destaca en el panorama de las versiones rockeras de reggaetón como una de las pocas que merecen la pena.
Miguel, Lucas, Iván y Álex no tienen más remedio que ponerse en la piel de ‘Peldanyos’: «Siempre me confunden con otro que es más famoso». A todos nos han dicho alguna vez que nos parecemos a alguien más famoso. A algunas personas les da rabia, y a otras les da igual. Capros han decidido convertirlo en un estribillo totalmente pegadizo: «Hola, soy Peldanyos / Sácate una foto de este bigotazo / Hola, soy Peldanyos / Ahora yo me piro, que tocan los Capros».
Álvaro Rivas de Alcalá Norte, que lanzan single el 5 de marzo, ‘El hombre planeta’, primer adelanto de un segundo disco que sale en septiembre, ha concedido una interesante entrevista a El País donde conversa con franqueza sobre su familia, en especial sobre sus dos padres periodistas. La madre de Rivas, Sara García Calle, era redactora de El País y murió a los 27 años después de nacer su hijo, a causa de una embolia pulmonar. Álvaro cuenta que la circunstancia dejó a su padre lejos de vivir ‘La vida cañón’, ya que quedó «viudo, parado y conmigo recién nacido».
Esto le lleva a poner, amablemente, el foco hacia el propio medio. Cuando El País le comenta a Álvaro que la redacción quedó devastada por la muerte de su madre, el artista señala que aquel fallecimiento también tuvo un impacto económico para su padre: «Como mi madre estaba como lo que hoy sería falsa autónoma, le podían haber reconocido cierta relación laboral, pero no lo hicieron», relata. «A mi viejo, que justo se quedó en el paro, con un niño recién nacido y viudo, pues le hubiera venido bien una ayudita por mi orfandad. Pero bueno, aquí estamos tú y yo, charlando».
Rivas, previamente, indica: «Sobre periodistas y mi madre, tengo que decir que los que mejor se portaron fueron los Luca de Tena, que me daban regalitos y cosas así como huérfano de prensa que era».
Luz Sánchez-Mellado, la periodista de El País que entrevista a Rivas, ha contado en X que Sara y ella eran compañeras de redacción y ha compartido el precioso obituario de Sara que El País publicó en 1995, en el que el cronista Alfonso Armada mencionaba a Álvaro hijo, aún bebé, y al que recordaba haber visto «mover las manos mínimas, sin saber que Sara se había ido al otro barrio».
Su padre se hipotecó un piso que hoy alquila a Álvaro, casado desde los 25 años con una mujer brasileña, y el cantante se considera «privilegiado» por disponer de esta red de seguridad, aunque reconoce que su caso es inusual porque, además, puede vivir de la música: «Yo, a los 30 vivo, y muy bien, de escribir canciones. Le digo a la gente que fumo porros, y a todo el mundo le da igual», cuenta. «Entonces, naturalmente que vivo mejor que él. Pero lo mío es una anormalidad. Cuando miro a mis colegas y a sus viejos, tanto los burgueses como los de barrio, su vida no es como la mía.
Álvaro diagnostica un problema mayor, que es el de la vivienda: «Seguramente mi padre veía como un gigantesco marrón tener una hipoteca a 20 años con un interés altísimo que le tocaba pagar solo», cuenta a Sánchez-Mellado. «Ahora, eso parece un privilegio. La inaccesibilidad a la vivienda lo ha cambiado todo».
Cuando Shakira compuso aquella frase de «auuuuuuu» en ‘Loba‘, no sabía que estaba escribiendo un himno therian, pero Shakira siempre ha sido visionaria. Y quién mejor que la reciente intérprete de ‘Zoo‘ para poner música al nuevo fenómeno cultural de moda que esta semana ha robado totalmente el protagonismo a Gabriel Rufián.
Los therian son personas que se identifican espiritualmente con animales y expresan su identidad animal portando máscaras o colas y comportándose como su animal afín, incluso en plena calle. En este sentido, El Periódico se ha anotado el mejor titular de la semana informando de que un “therian” cocodrilo ha sido agredido mientras reptaba por un paso de cebra». Ha ocurrido en México, y es en otros países de América Latina, como Argentina, donde parece haber mayor concentración de personas therian.
Los therian -cuyo nombre proviene de la palabra griega para «animal»- existen como comunidad organizada en internet desde al menos finales de los años noventa, aunque la identificación humano-animal no es nueva en absoluto y encuentra paralelismos en la carrera de Kesha culturas espirituales como el totemismo. Estos días, la comunidad therian ha saltado al mainstream y todo el mundo habla de ellos, gracias a su creciente visibilidad en plataformas como TikTok, donde la reacción de la gente devanea entre la burla, la curiosidad y el escepticismo: tan rápido van las redes que los therian parecen haberse convertido en meme antes que en subcultura.
También hay una pequeña comunidad de therian en España, sí, pero de momento el fenómeno no se consolida. Según informa RTVE, las manifestaciones convocadas hoy en varias ciudades españolas como Madrid o Barcelona han sido un fracaso de convocatoria y, en algunos casos, han acabado con altercados y cancelaciones por temor a que se produzcan más ataques. RTVE ha entrevistado a un chico adolescente que se identifica como lobo gris y este ha quitado hierro al asunto: «La gente se cree que pensamos que somos animales y que vamos todo el día a cuatro patas, pero en realidad es una conexión espiritual, nada más», ha afirmado.
Su explicación conecta con la aclaración de que los therian no son como los furry, ya que estos últimos lo viven como una afición o entretenimiento, mientras que los therian apuntan a una conexión espiritual con el animal elegido, reflejándose en algunos de sus rasgos.
La fiebre de los therian ya está siendo captada por los artistas. Sin ir más lejos, la drag queen mexicana Alexis Mvgler ha lanzado este viernes una canción llamada ‘Therian’ en la que declara: «Mamá, lo siento, creo que soy therian: porque soy una zorra», antes de ponerse a maullar como un gato, ladrar como un perro, mugir como una vaca o gruñir como un cerdo. Ni Doja Cat se atrevió a tanto. La canción es puro descaro LGBTQ dirigido a las «zorras, perras, lobas, gatas, puercas, víboras y lagartonas» que la escuchen. Musicalmente, es una especie de bounce pasado por el filtro del neo-perreo más petardo.
Autumn J, cantante therian
No se sabe si la comunidad therian se identificará con esta canción, pero en cualquier caso cuentan con su propio gusto musical de canciones «relatable», no siempre de contenido sexual, o más bien nunca. Una playlist de Spotify seguida por 53.000 personas revela en realidad un especial interés por el folk-pop y el indie cuqui: está ‘Loba’, de Shakira, claro, pero también ‘Running with the Wolves’ de AURORA, ‘Dirty Paws’ de Of Monsters and Men o varios temas del artista de freak folk filipino-irlandés Yaelokre, cuya obra visual tiene una fuerte carga animalística. Otra playlist incluye temas de MARINA, Mother Mother o Clairo.
Una de las protagonistas de ambas playlist es Autumn J, artista «alterhumana» que se identifica como therian y es una joven de 18 años que vive en Seattle. Parece que su nombre real es Autumn Raine Johnston y que, por lo tanto, no es IA. Su repertorio, entre el pop-punk, el indie y el folk, incluye himnos therian como ‘Animal in Me’, ‘Therian Love’, ‘Fox Paws’ o ‘I’m a Therian Cat’ que suman varios millones de reproducciones. Su biografía de Spotify afirma sin rodeos que es la «primera artista popular therian que existe» y que, por lo tanto, «será siempre una inspiración para los nuevos artistas y fans therian».
Más allá de la anécdota viral y el titular graciosete, el auge therian parece tener que ver con la necesidad de pertenecer a algo, aunque esa necesidad implique, de repente, caminar por la calle a cuatro patas. No es casualidad que la mayoría de therian -si no todos- sean adolescentes. Ya sea una subcultura en proceso de consolidación o una moda pasajera amplificada por el algoritmo, sus dinámicas no distan demasiado de las de cualquier otra tribu urbana, sexual o no.
Jill Scott es una de las principales artistas musicales a las que acudir para conocer en profundidad la experiencia vital y emocional de una mujer afroamericana. Curtida en el spoken word desde antes de ser descubierta por Questlove y publicar su álbum debut en 2000, Scott escribe letras poéticas que exploran el amor en todas sus caras, además del sexo, la maternidad, el matrimonio y la espiritualidad, siempre desde una perspectiva radicalmente negra.
‘To Whom This May Concern’, el primer álbum de Scott en una década, pone el sentido de comunidad en el centro, algo reflejado en el diseño de la portada, de ecos anticolonialistas, y en la presencia de artistas invitados, cuya participación siempre tiene un sentido: Tierra Whack lanza una pullita a Ms. Lauryn Hill en ‘Nurf Side’, y está ahí porque, como Scott, es originaria del norte de Filadelfia.
Ese espíritu comunal es palpable también en cortes como ‘The Math’, que invita a ser mejores personas y se pregunta por qué, como seres humanos, podemos llegar a ser infelices: «¿Será porque no tenemos autoestima ni valores?», cuestiona la artista. Un sentir antitecnológico -bordeando lo esotérico- sobrevuela el álbum («te he llamado, pero no con mi teléfono», rapea en ‘Sincerely Do’), pero solo por su capacidad para dividir en lugar de unir: el exquisito neo soul de ‘Beautiful People’ reivindica la humanidad compartida y defiende que el «amor es el arte de la guerra / que conquista todos los algoritmos».
‘To Whom This May Concern’ no es un disco de sermones ni mira por encima del hombro, sino que comparte su sabiduría generosamente, también en lo musical, ya que el álbum recorre décadas de historia de la música negra con fluidez y naturalidad, buscando no el single fácil, sino la narración de una historia. En el sedoso neo soul de ‘Offdaback’, el homenaje a sus «ancestros» es tan explícito como sus menciones a artistas como Billie Holiday, Tina Turner o Ella Fitzgerald; después, el disco pasa del blues a lo Bessie Smith en ‘Pay U On Tuesday’ al diva house de ‘Right Here Right Now’ con total comodidad.
El disco dialoga constantemente con la historia musical afroamericana hasta el punto de que Scott puede explorar un género regional como el go-go en ‘Liftin’ Me Up’ y, después, lanzar un ritmo de trap en ‘To B Honest’ con JID, llegando un pelín tarde a él, eso sí. A pesar de la evidente musicalidad y artesanía del disco, se echan en falta algo más de tensión y riesgo en las composiciones, aunque la base neo-soul le confiere unidad y sus incursiones en otros estilos resultan justificadas a través de las letras.
La propia ‘Offdaback’ reivindica el derecho de Scott a «hacer música diversa para un público diverso», mientras ‘Pressha’ celebra su individualidad contando la historia de un hombre que quiso «esconderla» porque su imagen no era la «estética» de moda: «Cuánta presión por parecer como todas ellas; bonita y cosmética». Pero el espíritu de ‘To Whom This May Concern’ nunca es amargo, y no extraña que la edificante ‘Be Great’ abra el álbum tras la intro, con sus vientos y percusiones carnavalescas, ya que, si algo exhibe ‘To Whom This May Concern’, es paz interior.
Esa paz puede tener nombre yoruba (‘Àṣẹ’) o aparecer en forma de amor surgido de la nada (‘A Universe’). Incluso cuando Scott reprende en ‘Pay U On Tuesday’ a quienes llevan una vida irresponsable («¿has vuelto otra vez a la cárcel?», «¿te has comprado un vestido mientras tu casa está hecha un desastre?») o dirige críticas a la corrupción o a la industria farmacéutica (‘BPOTY’), su voz se mantiene calma y elegante, acompañada por la docena de músicos que confieren al álbum una musicalidad rica y diversa, desarrollada pacientemente a lo largo de casi una veintena de pistas.
Su voz proyecta una sabiduría cultivada durante décadas, pero, como sugiere el título, ‘To Whom This May Concern’ no levanta la voz, sino que espera que el oyente ponga de su parte y se acerque a él con interés. Jill Scott es, en este sexto disco, una autoridad amable, una matriarca con muchas cosas que decir, pero sin energías que dedicar a quienes perturben su avenencia, consigo misma y con el mundo.
Hemlocke Springs, una de las revelaciones del pop del último lustro, ha publicado estos días su álbum debut, ‘The Red Apple Under the Sea‘, tres años después de darse a conocer con el viral ‘Girlfriend’. El álbum está inspirado en su educación religiosa y contiene numerosas referencias a la Biblia, pero solo para afirmar a Isimeme Udu fuera de todo dogma, en busca de su propia independencia.
‘The Red Apple Under the Sea’ destaca por su colorida producción y por su original acercamiento a géneros como el synth-pop (‘Sever the Blight’), el electropop (‘Be the Girl’) o el R&B (‘Let Me Free’). Previamente al lanzamiento del álbum se promocionó ‘w-w-w-w-w’, una de las producciones más distintivas del proyecto y la Canción del Día para hoy domingo.
‘w-w-w-w-w’ es una de las piezas más contundentes del disco, gracias a una sección rítmica de corte industrial que remite a la época ‘Dangerous’ (1991) de Michael Jackson. También podríamos hablar del art-pop de Björk en la era ‘Post‘ (1995) para entender el estilo de la canción: ahí están las percusiones del inicio o todo el soundscape sintético.
La melodía de ‘w-w-w-w-w’ es pura intensidad a lo Hemlocke Springs, mientras que la letra resulta totalmente inusual en su exploración del matrimonio infantil.
Hemlocke se inspiró en el documental de 2013 ‘Father Figures‘, donde se revela que una mujer filipina de 16 años se ha casado con un hombre de 73 por dinero. Springs, de padres nigerianos, utiliza esta historia para lanzar una crítica al matrimonio infantil y a la esclavitud sexual que siguen vigentes en Nigeria y en otras partes del mundo.
La exploración de la esclavitud sexual se especifica en la primera estrofa, donde Springs relata la venta de una niña por parte de su familia a un hombre adinerado que busca contraer matrimonio con ella. Springs describe que la niña es vendida como un objeto (porque solo “da problemas”).
En el estribillo, Springs da ya su punto de vista personal, cantando: «No me puedo imaginar levantarme un domingo por la mañana, cocinarle el desayuno y hacerle el café. ¿Por qué ella haría eso cuando él tiene ya un pie en la tumba?». Springs concluye, sin rodeos: «Me suicidaría antes que tener que mirarle a los ojos y decirle que quiero su amor».
Los hermanos gemelos Jesús y Daniel Oviedo Morilla, conocidos por su grupo Gemeliers, han sufrido una agresión durante la madrugada de este sábado 21 de febrero, cuando abandonaban la discoteca Vandido, situada en la calle Goya de Madrid, donde estaban celebrando su cumpleaños con sus parejas y amigos. Tanto los gemelos como sus parejas han sido atendidos en el Hospital General Universitario Gregorio Marañón de Madrid.
Según Diario AS, alrededor de las dos de la madrugada los hermanos Oviedo fueron increpados por un grupo de desconocidos desde un coche, que les profirieron insultos homófobos y después bajaron del vehículo para agredirlos físicamente y rociarlos con espray pimienta.
Los hermanos, nacidos el 21 de febrero en Mairena del Aljarafe, han denunciado la agresión y, según avanzan varios medios, los presuntos agresores ya estarían identificados.
La salsa pierde a uno de sus pilares. Willie Colón ha fallecido a los 75 años en Nueva York debido a problemas cardíacos y respiratorios.
Artista asociado al emblemático sello Fania Records y al colectivo Fania All-Stars, que llevó la salsa por todo el mundo, Colón publicó su primer disco a los 16 años. Posteriormente, lanzamientos como ‘Cosa Nuestra’ (1968) y ‘La Gran Fuga’ (1970) lo convirtieron en un símbolo de la salsa urbana. ‘Siembra’, su mítico disco con Rubén Blades de 1978, es el disco de salsa más vendido de la historia e incluye la emblemática ‘Pedro Navaja’, canción insignia de la salsa «gánster» que Colón produjo.
Gracias a estas colaboraciones junto con Héctor Lavoe hoy podemos hablar del desarrollo artístico de artistas como Bad Bunny o Nathy Peluso, quienes han devuelto la salsa al mainstream, aunque ideológicamente Colón no podía ser más ajeno a ellos: en su cuenta oficial de Instagram cargaba frecuentemente contra Bad Bunny y mostraba posturas extremadamente conservadoras, incluso defendiendo al ICE en una de sus últimas publicaciones. Colón era firme seguidor de Donald Trump y le votó en sus dos candidaturas.
Con Benito mostró especial inquina, acusándole de inflar las reproducciones de sus canciones en Spotify usando bots. También cuestionó la calidad de su actuación en el intermedio de la Super Bowl.
Recientemente, Rauw Alejandro sampleó ‘Qué Lío’ (1968) de Colón y Lavoe en la pista titular de su último álbum, ‘Cosa Nuestra’ (2025). La influencia del trombonista y director de orquesta neoyorquino de origen portorriqueño también se extiende al ámbito visual: el productor Nusar3000 reivindicaba recientemente la estética de las portadas de salsa de los años 70 y 80, incluyendo varias de Colón.
Conocido como el “Malo del Bronx”, Colón revolucionó la salsa al infundirle la agresividad del trombón y un lenguaje urbano y callejero, con un fuerte contenido político y social, faceta que desarrollaría también en su vida pública. Además, impulsó las carreras de leyendas de la música como Celia Cruz y Héctor Lavoe. Sin olvidar sus controvertidos posicionamientos, canciones como ‘Oh, Qué Será’ siguen siendo escalofriantes.
Actualmente recomienda una canción (y un libro) cada fin de semana a través de TikTok. Le pega a todo, desde Cala Vento a Vera Fauna, pasando por cosas tan raras como Restinga, y así hasta perder la cuenta. Algún día no demasiado lejano -o sí, quién sabe- echaremos de menos que el presidente o presidenta de nuestro país apoye todo esto: es una pena darlo por hecho.
El acto organizado este sábado en el Palacio de la Moncloa no era ni estrictamente musical ni pop. Se han cumplido 600 años de la llegada del pueblo gitano a la Península Ibérica (601, en realidad), por lo que se ha organizado un homenaje llamado «Gelem Gelem» en el que se ha condecorado a Pepe Habichuela, Lolita, Teresa Peña «La Lebrijana», Emilio Fernández de los Santos «Caracafé», y Juan de Dios Ramírez Heredia. Entre las actuaciones, Lela Soto en la misma ‘Gelem Gelem’, Israel Fernández en un homenaje a Camarón, y María Terremoto y Anabel Valencia robando el show con un sentido homenaje a ‘Persecución’ de Juan Peña «El Lebrijano», coincidiendo con su 50º aniversario. Fue un disco pionero tan pronto como en 1976.
«Persecución» ha sido una de las palabras más repetidas en una ceremonia que se debatía entre la solemnidad del Palacio y la espontaneidad más españoleta, fuera gitana o paya: podéis ver en redes que Israel Fernández ha terminado presidiendo el Consejo de Ministros.
En Moncloa la puntualidad es estricta, a las 11.00 Pedro Sánchez y Begoña Gómez entran por la puerta del salón asignado, 8 minutos antes todo el mundo tiene que estar sentado, y muy pocos instantes después de las 12.00, el evento ha terminado. Hay un protocolo para cuando los artistas tengan que decir algo y agradecer, y un máximo de tiempo para los discursos que no se anuncia pero se percibe en el ambiente. Que los Goya tomen nota. Ejerce de maestra de ceremonias la escritora y activista Noelia Cortés, que dedica el acto a la muerte de Rafael Amador; la vicepresidenta segunda del Consejo Estatal del Pueblo Gitano, Carmen Santiago Reyes, habla algo menos de 5 minutos, y Sánchez, que interviene al final, no llega a superar los 10.
Ese rigor no impide que se pierda emoción por el camino. El público en su totalidad se pone en pie para el himno gitano ‘Gelem, Gelem’; elevan el espíritu el cantaor Israel Fernández, Diego del Morao al toque, Ané Carrasco al cajón, y a las palmas El Pirulo y Marcos Carpio en el tributo a Camarón; y corta el hipo la interpretación de María Terremoto y Anabel Valencia de las galeras de ‘Mi condena’, en la que nadie se atreve ni a toser.
‘Persecución’ fue un disco que alternaba el cante con la narración de los textos del poeta Félix Grande, en los que se hablaba de la opresión sufrida por el pueblo gitano a lo largo de los siglos («Las gitanas y sus hijos / iban solos por las calles / llevando a su soledad / sujetas de los ramales»). ‘Mi condena’ se desangraba cuando decía aquello de «mi dolor más fuerte era que mis niños crezcan y conozcan esta muerte». 50 años después, las voces de María y Anabel resuenan hasta en el último rincón del Edificio Portavoz. Ellas mismas al terminar muestran su respeto a tremenda canción, algo «tan gordo para el pueblo gitano», pero ya con todo el público en el bolsillo. Tras la intervención de Sánchez, el fin de fiesta une a todos los artistas, por bulerías, sobre el escenario. Pool Moncloa (Borja Puig de la Bellacasa)
Los discursos aunaron el valor del pueblo gitano, como los Flores, con su influencia en artistas como Lorca, Picasso o Sorolla. Carmen Santiago había declarado que «hablar del pueblo gitano es hablar de música, de cante, de baile, de flamenco, de patrimonio cultural y de la humanidad» porque «el flamenco no sería lo que es sin los gitanos». Pero sobre todo era un día de reivindicaciones sociales. «Nuestra historia es una historia de persecución y de resistencia, y también un ejemplo de supervivencia cultural, dignidad y orgullo que se ha mantenido de generación en generación». Santiago agradecía a Moncloa «este acto de justicia y reivindicación», aunque recordando que las políticas públicas aún tienen mucho por hacer porque persisten «desigualdades en vivienda, en salud y en educación». «Ni un niño sin escolarizar», pedía.
Pool Moncloa (Borja Puig de la Bellacasa)
Sánchez, con una facultad para sonreír durante una hora consecutiva casi inquietante, recogía el guante subrayando la importancia de la educación, dedicando gran parte de su discurso al «doble techo» que han de romper las mujeres gitanas, y dejando un posible titular para agencias, tras su «beef» con Elon Musk y otros oligarcas: «Celebraciones como el 8 de abril, Día Internacional del Pueblo Gitano, o la conmemoración del «Samudaripen», es decir, el genocidio del pueblo gitano a manos del nazismo, contribuyen a visibilizar vuestra historia ante nuestra sociedad. Adquieren una relevancia muy especial porque los discursos del odio desgraciadamente arrecian como nunca antes en las redes sociales. Queremos decir que siempre nos tendrán enfrente. Estamos del lado de la convivencia y de la coexistencia».
Tampoco dejó de recordar una anécdota: cuando vio a Pepe Habichuela actuar en un restaurante de un pueblo de Almería junto a su familia. Lela Soto incluso se había dirigido a él con un «Gracias, Pedro, por todo lo que haces». Y Noelia Cortés, que aseguró que el presidente estaba allí «porque le hacía ilusión y no por compromiso», terminó diciéndole: «te vamos a llamar Primo Pedro».
José Antonio Carmona «Pepe Habichuela» fue quien recibió el mayor calor del público, con todo el mundo en pie para desesperación de los reporteros gráficos, pero fue Elena Furiase quien supo arrancar unas risas. Su madre, Lolita, no había podido ir porque tenía un espectáculo en Galicia, pero había mandado un vídeo. Tras su discurso «no quiero hacer apología de los gitanos, somos buenos, somos malos, somos como vosotros», se le ocurrió decir que su hija no era gitana, «solo en un cuarto», a lo que Furiase, entre el público, respondió a gritos «¡Sí que lo soy!», despertando la carcajada generalizada. Una celebración, pues, llena de orgullo, a la que no faltaron varias ministras, entre otras por supuesto la de Igualdad. ¿Quiénes serán les siguientes?
Sunflower Bean es una de las bandas infravaloradas del indie-rock anglosajón de la última década. Quizá por lo ecléctico de su repertorio, que ha podido evocar tan pronto el sonido de los Cardigans (‘Moment in the Sun’) como el de Led Zeppelin (‘Champagne Taste’), el grupo neoyorquino liderado por Julia Cumming nunca ha terminado de lograr el reconocimiento que sí han gozado bandas afines como Wolf Alice o The Last Dinner Party.
En cualquier caso, Sunflower Bean ha escrito temas atemporales como ‘I Was a Fool’ o el exquisito ‘Easier Said’, y ese componente atemporal inspira también ‘My Life’, el primer single de Julia Cumming en solitario. Cumming debuta sola y lo hace evocando el sonido clásico del Brill Building y el de ídolos como Carole King, Brian Wilson o Carly Simon.
Especialmente la firma de King se percibe en la composición de ‘My Life’, una balada con piano, guitarra acústica, batería y cuerdas que apunta al clasicismo de los setenta. La voz de Cumming resulta idónea para interpretar esta melodiosa pieza de pop clásico, mientras la letra se rebela contra la mirada masculina, reivindicando la independencia propia. «No canto esto para impresionarte, no me he puesto esta ropa para desvestirte, no necesito que me definas o apruebes lo que hay en mí», canta Cumming.
Que ‘My Life’ es la declaración de intenciones de una artista que se aventura en solitario queda claro desde el principio de la canción, cuando Julia entona «canto estas palabras para mí, para escuchar el sonido, dejo que vibren y ahoguen tu presencia». El estribillo «canto a todo aquel que amo, canto a las estrellas en el cielo» resulta precioso.
Cumming ha profundizado en el significado de ‘My Life’ y de su disco, explicando que «todos intentamos encajar en los roles que otras personas nos imponen, o que nosotros mismos nos imponemos, con la esperanza de ser aceptados». Cumming asegura que presenta el «álbum anti-cool por excelencia» y que lo ha escrito «para los inadaptados y para chicas como yo que en la secundaria nunca encajaban en una cajita perfectamente definida». Y añade: «Quiero que este disco sea un lugar donde esas chicas puedan encontrar consuelo. No tienes que ser quien los demás quieren que seas para ser suficiente».
‘My Life’, por otro lado, se presenta con un atractivo videoclip dirigido por el cineasta británico Edgar Wright, director de ‘Shaun of the Dead’ (2004) o ‘Scott Pilgrim vs. the World’ (2010).
En un principio, el primer concierto de Ralphie Choo en el Movistar Arena iba a ser la presentación de su segundo álbum. Había dudas entre los asistentes, ya que esta información se reveló con el anuncio del show y nunca más se volvió a mencionar. En un momento de sinceridad, el artista de Daimiel admitió que el disco no está listo todavía: «Hay muchas cosas en la cabeza de uno y quiero hacerlo bueno de verdad. Tiene que ser mejor que ‘SUPERNOVA’ y no lo es, es otra cosa». Poco se sabe de este proyecto, además de los tres sencillos disponibles en plataformas y rumores de un título que sí se confirmó a la mitad de la velada: ‘CHARMAIN’.
A Ralphie se le veía realmente acongojado por no haber podido dar mejores noticias. Lo que sí dio fue un consejo vital: «Os animo a que falléis una y otra vez, una y otra… Mi madre, que está por aquí, sabe que soy el que más falla. Os invito a que no sobrepenséis las cosas y que las hagáis con naturalidad. Fallad mucho». Irónico, porque el recital de Juan Casado Fisaac fue casi perfecto.
Se trataba del segundo concierto de un miembro de Rusia IDK en el recinto, después del gran rusowsky el pasado septiembre, por lo que Ralphie debía, y logró, darlo todo. Dicho y hecho. La pieza instrumental que dio comienzo al show presentó a los 8 músicos que estarían presentes toda la noche, con teclados, guitarras, flautas traveseras, xilófonos… pero también con sintetizadores y circuitos diversos. ¿La composición? Similar a ‘JUAN SALVADOR GAVIOTA’: muy Disney, muy sofisticada, muy de conservatorio.
La magia se posó en la sala con la aparición del artista, que pisó la tarima al mismo tiempo que una bola de disco empezó a iluminar toda la sala al son de ‘PIRRI’. Los movimientos de Ralphie, recordando tanto a Ian Curtis como a Tyler, the Creator, eran tan eclécticos e imprevisibles como su música. Esta pasó del pop futurista a los ritmos caribeños en el segundo tema del set, que parecía ser inédito. El disco no estará listo, pero Ralphie está tan seguro de algunos tracks que los canta sin aviso previo.
Ainhoa Laucirica
Otros que no son nuevos, pero es como si lo fueran, brillan mucho más que en la versión de estudio. Es el caso de ‘ROCCO’ y ‘TENTACIÓN’. Durante esta última ocurrió algo surrealista. De repente, los focos se centraron en una persona que había empezado a soltar sus mejores movimientos en las escaleras del recinto. Bailaba tan bien, abriéndose de piernas en los estrechos escalones, que parecía preparado, pero todavía sigo sin tenerlo claro.
Lo que segurísimo no estaba preparado eran los ya inevitables problemas técnicos. Por suerte, unos que duraron solamente un puñado de canciones al principio del set. Un clásico: la voz del cantante no se escuchaba lo suficiente. Se notó especialmente durante la caótica base de ‘TANGOS DE UNA MOTO TRUCADA’. Eso sí, teniendo en cuenta que Ralphie no paraba de quitarse y ponerse los in-ears, creo que le pesó más a él que al público. Para cuando salió mori al escenario para acompañar en ‘WCID’, ya estaba todo arreglado.
Ralphie Choo no titubeó con ofrecer durante los tres primeros cuartos del concierto una experiencia elegante y delicada dedicada a sus canciones más solemnes y contemplativos, dejando la mayoría de hits y temas de hype para la última parte. No hubo ni un solo pogo hasta la recta final del concierto, en la que no pararon de aparecer. Parte del público, difícil decir la proporción exacta, se esperaba algo más parecido a lo visto en festivales, en los que los sets de Ralphie se centran en la parte más intensa de su discografía. En cambio, lo que obtuvieron fue una bellísima versión de ‘At Your Best (You Are Love)‘ a mitad del concierto.
Los murmullos evidenciaron que a mucha gente no le pudo importar menos, pero fue un momento totalmente memorable. No solo por la preciosidad de canción elegida, sino también por la sorpresa de ver a Ralphie cantar a pleno pulmón, lo cual no es muy común en su obra. No solo eso, sino que consiguió que un tema cantado previamente por los Isley Brothers, Aaliyah y Frank Ocean le sentase maravillosamente bien. Hay que ser valiente.
La última parte del concierto demostró que Ralphie también es una máquina de hits, además de un total virtuoso. Juzgando por la reacción del público, el mayor de estos es ‘VOYCONTODO’, sin desmerecer otros como ‘MÁQUINA CULONA‘, ‘ROOKIES’ o ‘VALENTINO’, guardada para el encore y capaz de hacer retumbar las gradas solamente por la cantidad de pogos formados.
Entre el sudor y los movimientos bruscos, el pelo de Ralphie Choo parecía por momentos el del mismísimo David Bisbal. Tenía que decirlo, aunque no tenga ninguna relación con nada. Quien no podía faltar en la noche más especial del artista de Rusia IDK es rusowsky. Este fue recibido de forma monumental mientras un arreglo orquestal de ‘BBY ROMEO‘ nos preparaba para el ‘sing along’ definitivo. Esta fue seguida de inmediato con ‘GATA’, mientras Ralphie le robaba un beso a ruso. La experimentación y la innovación demostraron ser el nuevo pop. Detrás de ellas, dos genios de su generación.
Laaza es una de las artistas emergentes más especiales del panorama nacional, tanto por su reivindicación de lo rural como por la enorme sensibilidad de sus letras. En ‘Primer Amor’, se junta todo lo bueno que tiene que ofrecer y un poco más en el que podría ser su mejor tema. Por supuesto, es la Canción del Día.
Hasta ahora, las composiciones de Laaza se han caracterizado por una producción minimalista, pastoral, en consonancia con los relatos rurales que suele plasmar en sus letras. En ‘Primer Amor’, la artista opta por una instrumentación completa: guitarras acústicas envolventes, un sútil órgano y un celestial coro acompañan sus geniales palabras.
‘Primer Amor’ trata justamente de lo que indica su título. Ella así lo ha explicado en redes: «Habla de ilusionarse, vivirlo y desilusionarse ante la experiencia acontecida». Laaza comienza cantando sobre sus «fantasías en forma de mujer», mencionando el deseo de «una escopeta, unos zapatos de tacón, una boda católica-cristiana y una casa de campo» y la promesa que siempre esperaba y nunca llegó: «Nunca ibas a decirme adiós».
En contraposición, lo que esperaba su primer amor era «una virgen suicida sin sujetador» que «hiciera de todo». En el último verso de la canción, la compositora habla sobre los 13 años que pasaron «hasta que volvimos a vernos»: «Tú me recordabas y yo pretendía no hacerlo», canta redondeando la letra en sus momentos finales. Es solo otra muestra más del ingenio de Laaza. Su anterior single, ‘Todos vamos a morir’, era igual de potente: «No hay crema antiarrugas que lo pueda evitar».
Hoy hace justo 20 años que nació JENESAISPOP. La historia de 9 amigos aficionados a la cultura pop, la mitad de ellos licenciados en Periodismo por la UCM, que unieron sus blogs en uno, os la hemos contado varias veces, por ejemplo en este podcast. La pasión por el pop sin complejos, derribar la barrera entre indie y mainstream, y la huida de complejos y prejuicios cuando hablamos de música son valores hoy más o menos asumidos, pero en los que fuimos pioneros.
Todo eso ya lo sabéis probablemente, si estáis leyendo estas líneas. En este artículo, tratamos de recuperar otras historias más desconocidas, menos habituales. Muchas veces acertamos, otras nos equivocamos, pero todas conformaron nuestro ADN. Con ellas, JENESAISPOP quiere agradecer 20 años de seguimiento. Más noticias sobre este 20º aniversario, en próximas semanas.
Arctic Monkeys: el primer artículo
Raúl Guillén, que co-dirigió JENESAISPOP desde 2015 hasta la pandemia de 2020, me matará por esto, pero el primer artículo que se publicó en la web fue una crítica de ‘Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not‘ de Arctic Monkeys. Ana «Patata» se posicionaba a favor del disco, hablando de su energía, sobre todo en vivo; y Guillén cuestionaba si no estaríamos ante el último hype nacido del NME. No salieron entonces nuestros textos más depurados, si queréis echar de menos a Raúl leed esta discografía de Bruce Springsteen, pero el tema seleccionado para abrir fue muy visionario, y la sección «versus», que luego rebautizamos como «veredicto», es una idea que mantenemos para propiciar el debate entre nuestros lectores.
Atención a este pantallazo de una portada de la época, de los tiempos en que el diseño era verde, comenzaban los Horrors, Barbara Morgenstern era lo 2º más votado de JENESAISPOP y el único banner era «VOTA POR LO PEOR DEL AÑO EN LOS PREMIOS ENEMIGO».
Los Premios Enemigo
20 años esperando que vuelvan las corbatas
Tardamos 2 años en darnos cuenta de que podíamos ser rentables, que las visitas que alcanzábamos no eran propias de un blog, que podíamos incluir publicidad y unos pocos, al menos, vivir de esto. Antes de eso, solíamos pinchar. La Sala Razzmatazz, a través de Javier Estalella «Buenavista», y el Festival Summercase, a través de su booker Marc Ventosa, fueron los primeros en llamarnos como DJ’s incluso antes de que existiera la web, a través de nuestros blogs previos individuales. Ochoymedio (el Elástico los sábados) fue siempre nuestro hogar en Madrid.
En aquellos primeros años la web tenía un punto gamberro que se perdió entre la profesionalización y el debate por la salud mental. Los 2000 fueron una década políticamente incorrecta: hoy no me atrevería a publicar algo como esta discografía de Ladytron.
El mayor exponente de JENESAISPUNK fue sin duda la creación de los Premios Enemigo, una parodia del amiguismo de los Premios Amigo, en la que nombrábamos lo peor del año. Hubo 2 ediciones. En la segunda sorteábamos una camiseta «Disfraz de tigre» hecha por el propio Claudio, ahora podcaster, pero alguien la robó. Jamás apareció pese a nuestra invitación «vamos a cerrar todos los ojos y que quien sea, la devuelva».
Para elegir los ganadores de lo peor del año votaban unas 1.000 personas, el público estuvo muy acertado al darle un montón de premios a Santa Justa Klan, no tanto al escoger ‘La Gasolina’ como Peor Canción del Año. En aquella ceremonia en El Naranja (calle La Palma, Madrid), donde debían de caber unas 30 personas en el mejor de los casos, leímos algunas de las peores rimas de aquellos tiempos («tus discos de platino me importan un pepino») y terminamos rompiendo CD’s de la música que odiábamos. La dueña se enfadó tanto al ver el suelo de su bar repleto de discos rotos que dijo «hasta aquí hemos llegado, si no queréis estos CD’s regaládmelos, pero en mi bar no los rompáis», y hasta hoy. La fiesta nunca volvió a celebrarse y nadie nunca volvió a preguntar por ella.
Raúl Guillén, ex-codirector del siteDos redactoras inventando el twerking antes de tiempo¿Joaquín Reyes, en una de nuestras fiestas? No lo recordamosFarala haciendo como que pincha en un aniversario en Barcelona
¿Va la gente a los conciertos a lucir palmito?
Poco a poco fuimos tomándonos más en serio esto del periodismo musical y empezamos a publicar una serie de reportajes que incluso merece la pena recordar. Tanto se hablaba de la gente que va a los conciertos a hablar en lugar de a atender a la música, que preguntamos a varios artistas, como Christina Rosenvinge, Francisco Nixon, Nudozurdo, Cola Jet Set, Aviador Dro o Los Punsetes qué opinaban de que la gente se pasase un concierto entero parloteando. Para nuestra sorpresa, hubo a quien le parecía natural que la gente hablara. «Me molesta más como espectadora que como artista», decía Teresa Iturrioz de Single.
De artista a colaborador: Clásicos que nunca lo fueron
En aquel reportaje aparecían varios artistas que era habitual encontrar comentando en la web. La primera vez que Belén Kan dejó un comentario pensamos que era imposible y que tenía que ser alguien haciéndose pasar por ella. Francisco Nixon, Alberto de Miss Caffeina, La Bien Querida en el obituario de Enrique Morente o la mismísima Rosalía en nuestro Instagram han sido algunos de los más ilustres comentaristas.
Jaime Cristóbal, entonces en Souvenir y pionero de los podcasts con Popcasting, terminaba firmando una columna para la web que es imprescindible leer llamada «Clásicos que nunca lo fueron«. En ella recomendaba discos perdidos de Alan Vega, Indochine o Alizée. Uno de mis favoritos fue el recopilatorio de Joe Meek. Fueron 39 entregas -me da un poco de toc que no fueran 40, pero gracias, Jaime, de todas formas-, y pese a que la columna desapareció, a día de hoy podéis seguir leyendo espléndidos textos de Cristóbal a menudo en la web.
El machismo en la asunción de créditos y en Spotify España
Si algo ha caracterizado la línea editorial de JENESAISPOP ha sido el apoyo a las artistas femeninas mucho antes de que se hablara de cuotas o del exceso de testosterona en los festivales. Nuestra primera Canción del Año fue ‘Pull Shapes’ de las Pipettes, nuestro segundo Disco del Año, ‘Back to Black’ cuando otros medios ignoraban a Amy Winehouse o incluso le ponían seises. Presionamos a Mad Cool en redes sociales para apostar por más mujeres en primera línea, hoy estamos muy contentos de ser medio oficial del macrofestival madrileño en un cartel mucho más paritario, y sobre todo hemos publicado varios reportajes que considero determinantes en nuestra pequeña historia: «El machismo en la asunción de créditos» en 2015, dos años antes de la explosión #MeToo; «El 32% de los éxitos en España es machista» en 2017 (por Mireia Pería) y recientemente «El machismo de Spotify España en su playlist más importante«.
Es una alegría ver ciertos nombres en pequeño, como Shura, pero no nos engañemos: lo que vais a pagar a los hombres de ese cartel lleva bastantes más ceros que lo que vais a pagar a las mujeres. No es lo mismo apostar por Metallica, largo etc, que por Rocío Sáiz, largo etc.
JENESAISPOP no sería lo mismo sin su comunidad de comentarios, que además honestamente nos han servido como «fe de erratas», ipso facto. Los ha habido brillantes y los ha habido que han bordeado la ilegalidad. Más de un artista nos ha dicho algo parecido a «mi padre quiere denunciar, pero yo no quiero que haga nada que perjudique vuestro medio». Damos especialmente las gracias a quienes nos mandáis mails para que borremos comentarios que rebasan esa línea de invadir las libertades de los demás, y en general a todos los que permanecéis aquí en tiempos de redes sociales.
Hay que hablar de Diva Fatale, que en torno a 2010 cambió nuestra manera de hablar con frases tipo «¿debaho de qué mesa hay que meterse?», «ai no neta WOW!» o «se viene con todo».
Y de aquel brillante post «Ha llamado Daniel Diges y…«, en el que cada comentario superaba al anterior. Había más de 200.
La creación de los foros
En diciembre de 2010 creamos unos foros en los que la audiencia pudiera expresarse libremente y se pudiera generar una comunidad. Una comunidad que fue totalmente por libre, dejando hilos tan improbables como el de qué comprar en Mercadona, el de los Madrugadores o Монгол Улс. Los foros fueron un éxito porque de allí salieron redactores o colaboradores de la web, alguna pareja y varios grupos de amigos (que se lo pregunten a nuestro colega iFar); y un fracaso cuando más gente había y aquello se volvió ingobernable. Sin la ayuda de foreros moderadores -primero elektrolu y maniacmaison, actualmente Teresa y GinTonics- no estarían hoy en pie.
Fiesta X Aniversario
Klaus & Kinski y Anntona actuaron en la fiesta de III Aniversario en el viejo OchoyMedio de Madrid, pero la de X Aniversario en 2016 fue la cumbre de todas nuestras fiestas. De hecho, no hemos hecho muchas más porque sabemos que jamás podremos superarla.
Actuaron leyendas de la música española como Fernando Alfaro, junto a algunos que por aquel entonces eran artistas noveles como Le Parody o C. Tangana. Fue inaudito que este actuara por un caché que me da vergüenza reproducir, meses antes de publicar ‘Antes de morirme’ y un año antes de ‘Mala mujer’, o también verle animando a Joe Crepúsculo y subiendo público al escenario con sus propias manos.
Completaron el cartel Anni B Sweet y, tras la cancelación de La Casa Azul por enfermedad -todavía conservo el mail de Guille Milkyway disculpándose, lleno de faltas de mecanografía porque le iban a operar de un ojo y no veía nada-, una dupla que dio mucho juego. La Prohibida hizo su propio show y además subió a cantar con Joe Crepúsculo -como también por sorpresa Soleá Morente-, y Los Punsetes. Eso supuso que Ariadna cantara con Joe Crepúsculo la mismísima ‘Maricas’. Y fuera de su personaje en Punsetes, se animó a botar. C. Tangana, antes de ‘Mala mujer’
Soleá Morente y La Prohibida, abrazadasClaudio y Guille Mostaza, en el backstageEl público tomando el escenario, en el fin de fiesta
La figura de C. Tangana nos lleva al que quizá se pudo entender como un punto de inflexión en la línea editorial de la web. La llegada de PXXR GVNG y La Mafia del Amor y figuras como Bad Gyal, Karol G o Bad Bunny en la segunda mitad de la década pasada fue un revulsivo. La gente me paraba por las discotecas de madrugada para pedirme que dejáramos de hablar de ellos. «Eso no es música», se decía y se dice, como antes se dijo de la electrónica o del punk.
Siempre supe que teníamos dos opciones: hablar de Madonna y Los Planetas y sus sucedáneos para siempre, o tratar de entender los nuevos códigos. Raúl Guillén y yo escogimos claramente lo segundo. Nunca sabremos si nos habría ido mejor ciñéndonos a hablar de proyectos electropop tipo Robyn y Carly Rae Jepsen, es decir, siendo la versión española de Popjustice, pero desde el punto de vista periodístico, el camino ha sido mucho más enriquecedor y divertido. La entrevista a Metrika que realizaba recientemente Gabriel Carey es una de mis favoritas de la historia del site. «¿Dinero de facha? ¿A mis bailarinas trannies? Pues claro que sí».
En junio de 2019 llegamos a Madonna, como antes habíamos llegado a Noel Gallagher, a Chic o a Blondie. JENESAISPOP fue el único medio del mundo al que la Reina del Pop reveló que todas las canciones de ‘Madame X’ están interconectadas «pista a pista» a través de un instrumento, una palabra o el uso de un idioma.
Pero hemos hecho muchas otras entrevistas interesantes: me puse más nervioso la primera vez que entrevisté a Amaia porque no sabía si preguntarle por Alfred, que acababa de sacar álbum el mismo día (y contenía un olvidado dúo conjunto). Más lista que el hambre, Amaia me pidió grabar ella misma aquella primera entrevista que daba a un medio musical.
Escogimos una entrevista con Charli XCX para el gran cambio de diseño que hicimos en 2014. El reportaje se llamaba «Charli, pro a los 22». Anitta nos felicitó por hacer entrevistas tan «técnicas». Pablo Tocino terminó abrazado a Rosalía por un lado, y por otro sonsacó a una Billie Eilish de 16 años que era fan de ‘Malamente’ y quería colaborar con la catalana, cosa que luego se produjo. Hope Sandoval aseguró a Jordi Bardají en 2016 que «no sabía quién era Lana del Rey».
He pedido a Jordi que recuerde su entrevista con ANOHNI, una reflexión tras otra sobre activismo, política, cultura, sin desperdicio: «Terminé la charla con dolor de cabeza, pero el recuerdo es bonito. Anohni habla con enorme sabiduría sobre derechos trans, ecología, cambio climático o política, y lo hace con la profundidad de alguien que parece haber vivido muchas vidas, siendo tremendamente generosa en sus reflexiones y respuestas, que da de forma tranquila y sosegada. Que una artista internacional de su calibre te conceda media hora de entrevista y, cuando se agota el tiempo en Zoom, vuelva a llamarte para regalarte otra media hora de conversación no tiene precio. Valió la pena la jaqueca posterior, sin duda».
Cuando las entrevistas salen mal
En otras ocasiones la entrevista no salió tan bien porque el artista no sabe que el periodismo puede y debe involucrar preguntas incómodas, el artista no tiene el día, no lo tiene el periodista, o simplemente no se conjuran los astros. Fueron un desastre por diferentes motivos nuestra charla con Dolores O’Riordan -que realicé por otro medio pero repliqué aquí de manera más extensa-, no eran muy generosas en grandes respuestas las primeras entrevistas con Guitarricadelafuente, y Jordi recuerda particularmente una entrevista desagradable con Beach House:
«Mi ilusión por entrevistar a una de mis bandas favoritas se tornó decepción cuando Alex Scally me dio una entrevista que me provocó ‘Depression cherry’. Mea culpa: llegué tarde, pero todo debido a un error humano. El encuentro por Zoom iba a ser con Victoria Legrand, pero se cambió a Alex y se adelantó media hora. El problema fue que anoté el cambio de interlocutor, pero no el de hora. Cuando por fin entré en la reunión, Scally me reprendió por el retraso, afirmando que a mí «no me gustaría que me lo hicieran». Su actitud durante el resto de la charla fue seca y poco amable. Desde entonces, cada vez que escucho a Beach House recuerdo aquella entrevista con una sensación agridulce».
Cuando las entrevistas salen regular
Como agridulce fue su charla con Christine and the Queens, al que hizo llorar: «Aunque ahora se hace llamar Rahim Redcar, el artista francés aún se presentaba como Christine and the Queens cuando promocionaba su obra maestra ‘Paranoia, Angels, True Love’ (2023). Fue en esa etapa cuando tuve ocasión de hablar con él, y la entrevista que me concedió es una de las más profundas y filosóficas que recuerdo. Pero aquella charla también me dio una lección sobre cómo abordar a los artistas, sobre todo cuando la obra que presentan toca temas sensibles que siguen abiertos y candentes. Lo entendí cuando le pedí que profundizara en el mensaje de ‘He’s been shining forever, your son’, una preciosa canción sobre un padre que busca a su hija, pero no la encuentra porque es su hijo, en realidad. Rahim rompió en un llanto amargo y confesó que le dolía tener que explicar asuntos que ya están, efectivamente, explicados en sus canciones. La entrevista continuó bien y terminó entre risas, pero yo me quedé con el aprendizaje».
Cuando el artista sí sabe recibir críticas
No vamos a desaprovechar la oportunidad de elogiar la profesionalidad de artistas que han concedido entrevistas a JENESAISPOP sabiendo que habían tenido malas críticas con un disco reciente en la web, por ejemplo Amaral después de ‘Gato negro, dragón rojo’, Vetusta Morla después del primero, La M.O.D.A. hasta el penúltimo, Arde Bogotá tras el segundo o Supersubmarina en su momento, por mucho que duela ahora recordarlo. Todos ellos mostraron una deportividad, una profesionalidad y un respeto hacia nuestro medio encomiables. Supongo que no lo recordará, pero juro que un día Eva Amaral me felicitó por hacer las mejores entrevistas musicales de este país. En concreto fue este día:
Que tu ídolo te aborrezca
Lamentablemente no siempre las malas críticas son recibidas con deportividad -a nosotros también nos pasa- y sonados han sido nuestros beefs con Fangoria o Mala Rodríguez. Todo lo que sabemos de los primeros es que a Mario Vaquerizo no le gustó nada este artículo y nos llamó «hijos de puta» en Radio Gladys Palmera, dando lugar a un meme que sobrevivió años en los foros (JNSP-HDP). Lo de la segunda lo tenemos más claro, aunque solo sea por reciente.
A La Mala no le gustó el tratamiento que dimos a esta noticia que nos parecía muy divertida, y arremetió en sus Stories contra «jenesais… su puta madre» al tiempo que nos mandaba a mamarla, en concreto un «micropene» mientras ella sorbía una pajita. Como nos dijo un amigo: «con lo del micropene, os ha ido a dar donde más os duele».
OT, con Juan Sanguino
Hay que dedicar una mención especial a la única persona que ha pasado 13 noches en vela por JENESAISPOP, en concreto reseñando Operación Triunfo para esta web. 20.000 personas se conectaban fielmente cada martes a la web -más las que caían aquí por Google- para leer su crónica social de las actuaciones de los concursantes, hubieran visto el programa o no. Nos cruzábamos -yo levantándome a las 7, él acostándose a las 8- como quien se cruza con un borracho de empalmada al entrar a trabajar, solo que él solo venía borracho de Operación Triunfo, dispuesto a darnos su visión crítica, llena de sociología y muchísimo humor. «Teyou es Prime Video. Y OT es OT».
Desde 2020, y sin haber maquetado una página para papel más que en las prácticas de 5º de carrera, JENESAISPOP tiene ediciones físicas. Solo el ostracismo de la pandemia -4 meses sin salir de casa durante el confinamiento estricto- permitió la creación de un libro muy loco, laberíntico, interrelacionado, sobre los mejores discos del siglo XXI, de 2000 a 2019. El libro no se quedaba en la nostalgia de los primeros 2000 -aunque por supuesto están los Strokes o The Postal Service- para apostar -con mucho tino, la verdad- por el futuro. En las últimas páginas aparecían Billie Eilish, Bad Bunny, Dua Lipa, FKA twigs, Rosalía… las personas que han resultado fundamentales en esta nueva década. Quiero dar las gracias a Ángel Carmona por dedicar no 1 sino 2 programas de ‘Hoy empieza todo’ a este libro, en pocas palabras, haciéndome doblar la producción. Este programa que incrusto debajo me cambió la vida de verdad.
Desde 2022 también publicamos Anuarios con lo mejor de cada año en papel.
Los 2 podcasts
En aquel programa de Radio 3 se sembró la semilla de lo que hoy son nuestros podcasts. No era la primera vez que iba a la radio, pero sí la primera que me dejaban un micro 2 horas para mí sola. Se empezó a fraguar lo de «Sebas cae mejor escuchado que leído». Pocos meses después, Claudio M. de Prado accedió a montar un podcast conjunto que llamamos REVELACIÓN O TIMO, como una vieja sección de la web por la que pasaban artistas noveles, que grabamos con la ayuda súper pro de Gato y Cariñito Films. Este año cumpliremos 200 programas, algunos de ellos grabados con público en directo. A destacar la lectura dramatizada que realizamos en la Sala El Sol de las fans de Take That. Las madres lo bordaron.
En la actualidad acabamos de comenzar de manera paralela la 3ª temporada de ALGO CAMBIÓ… nuestro podcast sobre industria musical para Fundación SGAE. Eso nos ha permitido hablar de la deriva de la industria, de autogestión con Rigoberta Bandini, de folclore con Juanjo Bona, o de IA con Maria Arnal.
La salud mental de Robbie Williams
En el último lustro ha sido obligatorio mudar parte de contenido a redes sociales porque, lamentándolo mucho por el periodismo tradicional, si no estás en las redes sociales, no existes. Si no tienes Instagram o no nos sigues en esta red social, seguramente no te hayas enterado de que varios de nuestros Reels bordean o superan el millón de visitas. Por ejemplo el de Amaia versionando a Manuel Alejandro delante de Manuel Alejandro, el de Carmen Machi actuando junto a Stella Maris en Primavera Sound, o este de Robbie Williams hablando de salud mental. No sé cuántas veces pude llegar a escuchar editando lo de «I have a disease… inside me».
No siempre nos hemos adaptado a las nuevas tecnologías, y menos mal. «JENESAISPOP llega tarde a la noticia moderna» fue un meme durante años. Hay quien nos aseguró que nos teníamos que gastar 10.000 euros en una APP o adaptación específica para iPad porque ese iba a ser el futuro. Nadie podía adivinar que el tráfico tablet se estancaría en el 10% pero el de móvil se dispararía al 70% u 80%.
Sobrevivimos a MySpace, Last.FM, Facebook, sobreviviremos a Twitter, que por el bien de todos, debe de estar a punto de caer, y actualmente estamos gastando bastantes energías en Instagram y TikTok, donde intentamos analizar las novedades musicales adaptándonos a los códigos de esas redes. Es una imitación de lo que hace unos años Farala hizo en Youtube, pero no ha ido mal: el análisis de ‘Berghain’ de Rosalía sumó 300.000 visualizaciones en IG, casi 200.000 en TikTok y 135.000 en Youtube.
JENESAISPOP no sería nada sin su plantilla de colaboradores: los especiales de cine o qué ver en plataformas de Joric, el top 50 de Sufjan Stevens que se curró Mireia Pería o la visión tan exigente en cine y música de nuestro redactor «Cahiers du Cinéma» Fernando García.
Antes de firmar un convenio de prácticas remuneradas con la UCM, que ha sido una excelente cantera para este y otros medios, los colaboradores que seleccionábamos no solían venir del mundo del periodismo, sino de nuestros propios foros, de nuestra sección de comentarios o de nuestro propio entorno laboral. La co-fundadora Angèle Leciel realizó una serie de playlists muy personales llamadas Bonjour les copains! Jordi Bardají salió de los foros, Carlos Úbeda fue colaborador durante años tras recomendarnos a Amy Winehouse en un comentario… y todavía no he superado la friquez de Nahiadance.
A través de nuestro diseñador y hoy mi esposo, iko, dimos con Mari Loly Sánchez, que tristemente nos dejó en verano de 2022. Mari Loly entrevistó para nosotros a Dúo Dinámico, a Cooper, a OMD o a Rafael Berrio, y cubrió uno de esos conciertos de 4 horas de Bruce Springsteen en Madrid. Sus decenas de colaboraciones mantuvieron un perfil muy particular y personal, siguiendo a artistas retro como Wanda Jackson, Eli Paperboy Reed o Sharon Jones. Incluso cuando dejó de colaborar con la web para centrarse en otros sectores, siguió mandándonos recomendaciones, la última de todas excelente, esta maravilla de François. Gracias por ‘Cadaqués’ y por tanto, allá donde estés.
Baby Keem ha lanzado hoy su segundo disco, cinco años después de su celebrado debut, ‘The Melodic Blue’. ‘Ca$ino’ fue anunciado hace menos de un mes y hoy ha llegado a todas las plataformas con dos colaboraciones, una no oficial, de su primo Kendrick Lamar. ‘Good Flirts’ es un throwback al R&B/hip hop de principios de los 2000, con todo el foco puesto en una memorable melodía.
Sobre un minimalista beat a golpe de guitarra y piano, Keem canta sobre una relación terminada recientemente. La melodía es pegadiza al instante: «Solías llamarme los viernes por la noche / Ha terminado dos veces». Momo Boyd aparece en el post estribillo con todavía más melodías en las que la cantante lanza la pregunta clave del tema: «¿No te encanta un buen tonteo con un extraño?».
Cuando Kendrick Lamar no está en modo combate, es un maestro de las frases citables. Algo que en su momento ya perfeccionó Drake, pero que viniendo de Lamar, que normalmente muestra su faceta más seria, tiene más impacto. Por eso mientras rapea sobre la relación con su pareja cuela menciones a las conversaciones filtradas de Young Thug y Mariah The Scientist desde la cárcel («Cotilleo con mi zorra como si fuese Young Thug»), la película ‘Sinners’ o Pinterest.
La última parte de su verso está dedicada a su lado más divertido y coqueto, con el rapero admitiendo que es compatible tener «calle» con ser «goofy». Esto mismo, Kendrick lo demuestra en las siguientes líneas: «Debes tener un disco de platino en el chichi», sentencia. El tema, que no va mucho más allá, al menos es tan pegadizo como divertido.
Poco a poco fuimos tomándonos más en serio esto del periodismo musical y empezamos a publicar una serie de reportajes que incluso merece la pena recordar. Tanto se hablaba de la gente que va a los conciertos a hablar en lugar de a atender a la música, que 
No siempre nos hemos adaptado a las nuevas tecnologías, y menos mal. «JENESAISPOP llega tarde a la noticia moderna» fue un meme durante años. Hay quien nos aseguró que nos teníamos que gastar 10.000 euros en una APP o adaptación específica para iPad porque ese iba a ser el futuro. Nadie podía adivinar que el tráfico tablet se estancaría en el 10% pero el de móvil se dispararía al 70% u 80%. 