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C. Tangana y Dellafuente: «‘Mala mujer’ era una colaboración (de los dos)»

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C. Tangana y Dellafuente, dos de los totems de la música urbana actual, presentaban una canción conjunta este miércoles en un evento organizado por Red Bull en los semi ostentosos salones del Palacio de Fernán Nuñez (1753), usado por la alta burguesía madrileña para su disfrute sobre todo durante el siglo XIX. ‘Guerrera’, de ritmo house, llega hoy a las plataformas de streaming. El miércoles tuvimos ocasión de hablar con ambos sobre este lanzamiento, la mención de ‘Mala mujer’, las diferencias y similitudes entre los dos, la industria musical o el exceso de lata en los directos de la música urban. Dellafuente, más tímido y callado pero a su vez bastante divertido, me agradece que para la grabación ponga el «modo avión», porque «en todas las entrevistas suena el teléfono». «No sabría qué hacer si me suena el teléfono mientras estoy grabando y se corta la grabación», le respondo (una vez borré una entrevista íntegra). «Pues inventártelo, como hacen los otros», asegura.

He visto una entrevista conjunta vuestra en This Is Underground, pero contad brevemente cómo os conocisteis y cómo ha evolucionado vuestra relación hasta llegar a esta colaboración.
C. Tangana: «Yo le conozco por la música, le escuché, me gustaba lo que hacía».
Dellafuente: «Me mencionaste en un tema, y yo se lo agradecí».

Obviamente, en ‘Mala mujer’. ¿Descubriste que estabas mencionado en Spotify o te lo pasó antes?
Dellafuente: «No sé si vi la versión final».
C. Tangana: «La versión final donde te mencionaba yo creo que no».
Dellafuente: «Lo que escuché fue el previo donde iba yo, porque era una colaboración ese tema. ¡Exclusiva para JENESAISPOP!».

¿Y qué pasó para que al final no salieras?
Dellafuente: «No le gustó lo que le pasé. Hizo bien porque se me fue la olla un poco. Bueno, no se me fue la olla, pero me lo llevé demasiado a lo personal. Me podía haber metido en el remix, eso sí (risas)».

(A C. Tangana) Fuiste bastante claro con que no te gustaba…
C. Tangana: «Llevamos mucho tiempo planeando qué es lo que vamos a hacer».
Dellafuente: «Pasándonos temas».
C. Tangana: «Y ‘Mala mujer’ fue una de las cosas que él tenía, pero ha tenido más. Y yo he tenido suyos. No es como «en ‘Mala mujer’ le dije que no». Yo le he mandado versos que no ha terminado, y este nuevo de ‘Me muera’ era suyo entero y yo me he metido».

Dellafuente: «‘Mala mujer’ triunfó porque me mencionó, es una cosa que nadie le quiere decir».

¿Qué es ‘Me muera’?
C. Tangana: «El tema nuevo que se llama al final ‘Guerrera’.
Dellafuente: «Mi primera versión era ‘Me muera’. ‘Mala mujer’ triunfó porque me mencionó, es una cosa que nadie le quiere decir (risas).

¿Qué canción de Dellafuente se referencia en ‘Mala mujer’?
C. Tangana: «Estaba pensando en una cosa que me pasó en el club Marabú. Vi una chica bailando que me gusta mucho».

En presente.
C. Tangana: «En presente, en pasado y en futuro. Físicamente muy espectacular. Y yo quería retratar esta historia, la primera vez, ese «¡guau!»».
Dellafuente: «¿Pero que qué canción era?».
C. Tangana: «‘Los millones que no tengo'».
Dellafuente: «Me vale, no lo sabía».
C. Tangana: «O ‘Bailaora’. Me gusta pinchar uno de sus reggaetones».
Dellafuente: «Bueno, pinchar… (risas)».
C. Tangana: «Pincha otro y yo me pongo (risas)».


Una de las cosas que más me gusta y diferencia a ‘Mala mujer’ es la querencia por lo latino, que es una de las cosas que os ha podido unir ahora, ¿no?
Dellafuente: «A mí me flipaba la versión mía, estaría guay sacarla algún día».

¿De dónde salió ese piano tan de bolero o salsero? Porque Alizzz (co-productor) tampoco hace precisamente esa música…
C. Tangana: «Le estábamos dando mil vueltas al beat, al principio era un dancehall. Eran como unos acordes y el caminar era dancehall. Hubo un momento en que Alizzz se iluminó. También nos estábamos pasando mucha música latina, no solo reggaetón o salsa sino funk carioca. Tiene una cuica, que es una especie de zambomba brasileña que hace un sonido (lo imita) que no da ni notas. Es un arreglo de producción que no está en la música urbana. Hay muchas ideas detrás que al final han ido saliendo. En un momento determinado le dio por el pianito ese salsero.

Pero luego no hay más música latina en el disco.
C. Tangana: «No, el disco es un disco mío. La gente dice que soy comercial y tengo dos temas (así). Que si soy latino… Y tengo un tema y medio, porque ‘De pie’ no es un reggaetón al uso. Le he enseñado ‘Mala mujer’ a gente que hace reggaetón en Colombia, que es la puta capital, y me dicen que está guapísimo, que suena latino, pero… (que no es reggaetón). En Estados Unidos se lo he puesto a A.Chal y de lo que hago es su tema favorito, y él es un rapper. Aquí es muy fácil decir algo, pero la gente no tiene ni puta idea. Mi proyecto es un proyecto de música urbana y meto de todo. Y voy a meter más cosas: reggaetón, ahora estamos metiendo house, voy a meter de todo».

C. Tangana: «Una progresión de salsa de Fania es algo muchísimo más rico que cualquier tema de indie (…) Si Beyoncé se sube a ‘Mi gente’, ¿qué vas a decir tú, Señor Indie?»

(A Dellafuente) Dijiste hace tiempo que la música latina era la música de la calle, ¿lo sigues pensando?
Dellafuente: «Mucho más ahora que nunca».
C. Tangana: «Cada vez más».

Entre nuestro público más talifán del indie la música latina produce bastante rechazo, casi más que la música urbana, ¿crees que puede haber un componente racista? Cada vez que hablamos bien de ‘Mi gente’ o ‘Despacito’, nos ponen de vuelta y media.

Dellafuente: «Más que por la raza es por el tipo de música, da igual que la haga un portorriqueño que un finlandés».
C. Tangana: «Hay mucho prejuicio. Es un complejo europeo, que eso es como música mala».
Dellafuente: «Que es simple, que eso no es música».
C. Tangana: «Una progresión de salsa jodida de Fania… eso es la polla».
Dellafuente: «Eso es increíble».
C. Tangana: «Y ese tipo de gente escucha algo latino y ya le parece música mala. Musicalmente eso es muchísimo más rico que cualquier tema de indie».
Dellafuente: «Pero eso en la salsa no creo que pase. Pasará en el reggaetón. Y Marc Anthony viene y hace concierto de estadio».
C. Tangana: «Y Maluma lo peta también. Es que es de boquilla todo. Luego por la noche lo bailan todo, si es que eso es así».

En España siempre ha habido una tradición latina y claro que esas cosas tienen éxito. Me refiero más a la percepción de un público alternativo, indie…
C. Tangana: «Es una cuestión de tiempo».
Dellafuente: «Y ya mucho menos, está un poco extinto».
C. Tangana: «Si Beyoncé se sube a ‘Mi gente’, ¿qué vas a decir tú, Señor Indie?».

¿Qué opináis de ‘Despacito’?
Dellafuente: «Desde el punto de vista de donde está enfocado está de puta madre. Porque no está hecha para otra cosa».
C. Tangana: «A nivel de producción es muy buen tema. Tiene un arreglo un poquito hortera, que si hubiera sido más elegante hubiera sido un hitazo. Tiene una letra muy sencilla, pero la entrada del beat, el partir el tempo en un tema híper mainstream y de baile es un truquito que flipas. Y a nivel de cómo están construidas las melodías es hook + hook + hook… Es brutal y yo creo que podemos decir que Daddy Yankee es el tío más en forma de la historia de la música. Es increíble, ¿has escuchado el remix de ‘Havana’?
Dellafuente: «No»
C. Tangana: «Vuelve a estar guapísimo. Este señor no se cansará, luego sacará otra que menos, pero…»
Dellafuente: «Y lleva haciendo siempre lo mismo».
C. Tangana: «Claro, sigue siendo Daddy, es su movida, está guapa y se puede meter en una movida nueva».

C. Tangana: «A nivel de cómo están construidas las melodías ‘Despacito’ es hook + hook + hook… Es brutal y yo creo que podemos decir que Daddy Yankee es el tío más en forma de la historia de la música»

Llaman la atención, cara a vuestra colaboración, vuestras diferencias. Una de las cosas que más os diferencia es el poso social de canciones de Dellafuente como ‘En metálico’, ‘A lo mejor’… que en C. Tangana no encontramos.
Dellafuente: «No hay nada más que ver los abrigos que llevamos (risas)».

¿Os sentís afines o las diferencias han sido una motivación para colaborar?
Dellafuente: «Tengo más de 100 canciones, lo de la temática social no deja de ser una parte».
C. Tangana: «A mí me gusta su temática social, me gusta cómo trata el tema, me parece que está guapo lo que dice. Hay mucha gente hablando de las cosas que habla él, pero con otras perspectivas que me parecen peores. Y la suya me gusta, me siento más afín. Sus letras me parece que están guapas».

¿Vais a presentar una mixtape conjunta?

Dellafuente: «Es un tema».

(A C. Tangana) Si seguís colaborando, entonces te ves haciendo un tema social con él…
C. Tangana: «Sí, perfectamente. Yo tengo desde luego un discurso político, otra cosa es que hable específicamente. Juntarme con Dellafuente evidentemente significa algo. Si fuera contradictorio… Ese parecer contradictorio igual no lo es tanto. Mola que se produzca eso. Mola que el Dellafuente se junte con el Tangana».

Me gustó mucho tu entrevista con Mondosonoro, en la que hablabas del ensalzamiento de tu personaje versus otras personas que hacen música. Venías a decir más bien como que te habías creado un personaje para lidiar con la inseguridad, palabra que se repetía una y otra vez en la entrevista.
C. Tangana: «Porque al entrevistador le gustó mucho y andó sobre el tema de la inseguridad. Una canción no es solo lo que el narrador de esa canción quiere decir. Las canciones dicen más cosas. Siempre se dice que un escritor quiere que los otros lean una cosa de él, pero al final, si escribe mucho, todo el mundo acaba viendo lo que hay. No puedes ocultar ciertas cosas. Yo lo veo así. Yo veo esos temas, y cuando estoy escribiéndolos, estoy en ese «mood». Pero luego lo veo de fuera y veo perfectamente la inseguridad o la obsesión. El disco es reunir toda esa movida. Es un disco súper obsesivo, todo el rato hablando de lo mismo, desde bastantes puntos de vista que facilitan que yo pueda darte este discurso sobre el ‘Ídolo’, y decirte más cosas desde fuera. Si ves todos los puntos de vista, todos tienen el mismo matiz de que hay algo malo. Te estoy vendiendo todo el éxito pero aquí hay algo oscurillo. Hay una forma de interpretarlo literal y hay más lecturas, sobre todo si te doy 10 temas. En 10 temas te da tiempo a decir: «vamos a ver…»»

C. Tangana: «Este es el discurso de un ídolo moderno, os guste o no»

Entonces es un disco muy visceral, reflejo de un momento concreto.
Tiene dos partes: una parte visceral que son las letras, y otra parte más pensada que es cuando decido poner todo eso junto y presentarlo como un disco y llamarlo ‘Ídolo’ y decir a la gente: «este es el discurso de un ídolo moderno, os guste o no».

Buscando cosas que os unieran, me he encontrado una frase en ‘Otro hombre’ que me ha recordado a Lorca, y por ahí podía haber una vinculación con Dellafuente. Es la de «la hoja de un cuchillo puede abrir su carne», me recuerda a la referencia al «cuchillito» de ‘Bodas de sangre’. ¿Puede haber más referencias literarias o filosóficas en vuestras letras de las que imaginamos?
Dellafuente: «En mis letras puede haber referencias literarias, pero sobre todo del flamenco, que ha tomado cosas de Lorca».
C. Tangana: «A mí me gusta el imaginario del flamenco también. Es una de las cosas que me gustan de sus letras. Creo que también lo uso. Mis mejores imágenes son sencillas y muy españolas».


(A Dellafuente) Tú estás acostumbrado a moverte en un ambiente más flamenco, donde los directos son otra cosa que en la música urbana: hay menos lata, menos pregrabado, la gente canta en directo todo. ¿Qué te parecen los directos de música urbana?

Dellafuente: «El otro día vi en directo a Lin Cortés, y cada vez que veo un flamenco en directo me dan ganas de dejar la música. Hablaba con él y él me decía al revés: «tengo que hacer lo que tú, llevar un DJ». Porque es un coñazo llevar una banda. Siento mucha admiración por eso y mucha envidia. Nosotros hacemos lo que podemos. Pero está bien los directos que he visto, el de este hombre (C. Tangana) me mola, el de Rels B me mola, el que me flipó muchísimo fue Bejo, hay una energía increíble. No he visto el 100% pero lo que he visto me parece bueno».

Mi impresión es que cada cosa tiene su rollo, pero que se está abusando mucho últimamente de pregrabados en directos internacionales tamaño Beyoncé.

Dellafuente: «Sus razones tendrán, pero mi razón es económica, yo no puedo llevar a 20 tocando».

Dellafuente: «Cada vez que veo un flamenco en directo me dan ganas de dejar la música. Hablaba con Lin Cortés y él me decía al revés: «tengo que hacer lo que tú, llevar un DJ»».


Has sacado muchos temas este año, ¿no vas a sacar un disco? ¿No das con un concepto como el de ‘Ansia viva’, de sacar 13 temas en un día 13, etc?

Dellafuente: «Estuve pensando algo de eso pero al final no voy a sacar disco porque no se consumen discos. Ya me ha pasado dos veces, aunque yo veo lo que he sacado como maquetas. Sacarlo sin querer sacarlo cuando la gente no consume discos…»

(A C. Tangana) De hecho, yo pensé que tú no sacarías disco, pero al final fue como un disco sorpresa. ¿Has cambiado de opinión? Ha llegado a tiempo de la lista nueva de streaming, de ser número 1, pero me han dicho que insististe en no sacarlo en físico.

C. Tangana: «Ni yo ni Sony queríamos, pensamos que tenía que ser todo digital, un modelo de lanzamiento completamente distinto. Yo creo en los discos y les tengo cariño, pero tiene que ser una obra completa. Para juntar singles sueltos no. No sé si voy a sacar otro disco, no sé si voy a tener una idea completa que me dé para hacer varios temas. Depende más de eso, en ‘Idolo’ hay una idea clara que me permite decir: «todo esto va junto»».

Se ha hablado mucho del machismo en la música trap o en música urbana, en el caso de Dellafuente no tanto, porque he leído que te has criado rodeado de mujeres. Pero es un tema que está ahí siempre, como el de la homofobia. ¿Creéis que tanta polémica os ha ayudado a ser mejores personas o solo a ser más políticamente correctos?
C. Tangana: «Yo soy igual de políticamente incorrecto, sigo diciendo las mismas cosas que digo. Tengo una forma de vivir la sexualidad muy apasionada y digo cosas que son así porque yo vivo así mi sexualidad y aparte porque soy un hombre y tendré mis cosas de hombre blanco occidental. Lo pensaba antes y lo pienso durante todo el tiempo. Levanto polémicas y también me junto con El Palomar para hacer un vídeo, toco en el Orgullo, le pongo a mazo de chavales en el Orgullo una estética queer… No sé, generamos un debate sobre qué es ser transexual, qué es ser homosexual, qué es lo queer en internet, en Youtube, para chavales de 14 años. Pero no me ha servido para convertirme. Yo sigo hablando y diciendo las cosas como las siento».
Dellafuente: «Yo nunca he sentido una presión contra mi persona, porque tampoco creo que yo tenga letras machistas. Yo me ciño más a la España tradicional, nunca he sentido presión».

C. Tangana: «Ni Sony ni yo queríamos sacar disco físico. No sé si voy a sacar otro disco, no sé si voy a tener una idea completa que me dé para hacer varios temas».


En nuestra entrevista anterior decías que no querías pertenecer a ninguna discográfica, pensabas que no te compensaba, ¿sigue siendo así?

Dellafuente: «Sí y no. A día de hoy no he encontrado un contrato que diga: «guay». Ofertas hay pero también tienes ese miedo. Es un paso gordo».
C. Tangana: «Hay que tomar la decisión correcta. Es el puto contrato. Yo estoy muy contento. He conseguido lo que yo quería de ese mundo».

Aunque ‘De pie’ no la han pinchado en 40 Principales.

C. Tangana: «‘De pie’ no, no la hemos «pitcheado» para que la pongan (NdE: el sello no la habría presentado). En la Ke Buena la pusieron sin decirles na, porque me quieren un montón. Es una radio que a mí me encanta».

Hablando de #guerrera con #ctangana y #dellafuente en un palacio

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5 canciones que definen a Portugal. The Man, más allá de ‘Feel It Still’

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Sin duda este 2017 será un año inolvidable para Portugal. The Man. El grupo originario de Alaska en el que John Gourdey y Zach Carothes son los únicos miembros que permanecen desde su fundación en el primer lustro de este siglo ha publicado ‘Woodstock’, el que es ya el disco más exitoso a nivel comercial de toda su carrera. Todo un ejemplo de que la persistencia, la confianza en sus propias cualidades y la capacidad para adaptarse a cada momento pueden ser una fórmula de éxito fiable.

Aunque, sin duda, el éxito del octavo largo de su carrera no sería tal de no ser por ‘Feel It Still’. Se trata de una de esas canciones que hacen click sin más, de manera aparentemente mágica, y se ha convertido en el gran éxito rock –aunque es cierto que sobre todo suena a soul y a rhythm and blues pasados por el tamiz contemporáneo de Danger Mouse, productor de parte del disco aunque no de ese tema en concreto– de este 2017.

Sin embargo hoy, cuando se ponen a la venta las entradas (en Live Nation y Ticketmaster, desde las 10:00h) para su próxima visita a nuestro país para presentar con aura estelar ese último álbum, se impone recordar que Portugal. The Man son bastante más que esta canción. Aunque quizá en Europa y otros territorios aún no se les ha entendido tanto como en su país, su carrera posee varios momentos culminantes tanto en sus inicios independientes, con discos de rock alternativo –ora stoner, ora folkie, ora psicodélico– tan interesantes como ‘Church Mouth’ o ‘The Satanic Stanist’, como en el giro hacia sonidos más negros –funk, soul, R&B– que obraron con su salto multinacional, en discos como ‘In the Mountain In The Cloud’ o ‘Evil Friends’ que les han traído hasta donde hoy están. Por eso destacamos 5 canciones cruciales de su discografía que definen bastante su sonido y su historia:

‘Shade’

Esta canción es el perfecto resumen de los inicios del grupo, pero también trasluce ecos de lo que son hoy. Incluida en su segundo disco, ‘Church Mouth’ (2007), con producción a cargo de Casey Bates –con el que han seguido trabajando hasta hace poco, casi como un miembro más del grupo–, ‘Shade’ es un estupendo medio tiempo enmarcado en un psicorock que bien podría encajar en las discografías de The Shins, Modest Mouse o Dr. Dog, si bien en sus coros y algunas partes melódicas ya despuntan ciertos brillos souleros y blues.

‘People Say’

Esta canción incluida en ‘The Satanic Satanist’ (2009) se ha consolidado como uno de los momentos culminantes en los directos del grupo. Aunque el resto del disco, como bien señala su portada, es bastante psicodélico, en este tema de inmediatez irrefutable sobresalen ciertos dejes jamaicanos en la voz de Gourdey, amén de una querencia country-rock en las guitarras. La luminosidad de su melodía esconde, paradójicamente, una dura crítica contra la gestión del gobierno de Estados Unidos de la Guerra de Irak (el “hijo del Presidente” del primer verso no puede ser otro que George W. Bush Jr).

‘So American’

¿’Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1’ o ‘Space Oddity’? Quizá sean ambas las homenajeadas en este tema de su primer disco para la multinacional Atlantic, ‘In the Mountain In The Cloud’ (2011). Aunque diría que más la segunda, con el toque glam funk de su bajo, tan “Ziggy”, y esos arreglos de cuerda, esas palmas. En cualquier caso, es otra canción estupenda que, de nuevo, guarda una crítica contra el sueño americano, un sueño heteronormativo, clasista y blanco, primordialmente. A su manera, es un bonito alegato pacifista y de hermanamiento entre razas y civilizaciones porque, al fin y al cabo, “hay locura en todos nosotros”.

‘Modern Jesus’

‘Evil Friends’ (2013) fue un pequeño anticipo de cuán pop podían sonar Portugal. The Man en manos de Danger Mouse, sin olvidar sus raíces. Y ‘Modern Jesus’, con ese tecladillo tan minimalista que abre la canción y la acompaña hasta el final, es otro medio tiempo difícil de sacarse de la cabeza, máxime cuando además alberga un mensaje abiertamente ateo, poco habitual en un grupo de su estatus y de su país. Gourdey no se anda por las ramas: “No reces por nosotros, no necesitamos un Jesús moderno que nos acompañe, la única regla que necesitamos es no rendirnos nunca / La única fe que tenemos es en nosotros mismos”.

‘Number One’

Mi compañero Sergio del Amo lamentaba el giro pop que Gourdey, Carothes y compañía había tomado en el reciente ‘Woodstock’, a su juicio con el único objetivo de irrumpir en las listas de Billboard (en ese sentido, la jugada no podía haberles salido mejor, sin duda). Pero también destacaba canciones que resultaban más interesantes que los singles ‘Feel It Still’ y ‘So Young’, como es el caso de esta ‘Number One’ que abre el disco. Sampleando el célebre ‘Freedom’ de Richie Havens tal y como lo interpretó en –wait for it…– Woodstock, esta producción firmada por Gourdey con Danger Mouse y Mike D (Beastie Boys) es un fantástico número de arranque electro-soul-rock –un sitar también se deja caer por la mezcla– que, en realidad, da una visión más amplia de cuál es la propuesta de Portugal. The Man en 2017.

Craig David descarta de su disco su «Despacito»: «Si no eres latino tienes que ser el 1º en hacerlo”

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Craig David visitó ayer Madrid para ofrecer una actuación mitad DJ mitad live en un evento organizado por Sound of Ballantine’s. Aprovechamos la ocasión para hablar con el artista sobre la evolución del R&B desde sus inicios a finales de los 90 y principios de los 2000 hasta su espectacular «comeback» en Reino Unido con ‘Following My Intuition’ (2016), que le dio su primer número 1 y disco de oro en una década gracias a singles como el primero ‘When the Bassline Drops’ o el cuarto, llamado precisamente ‘Ain’t Giving Up’.

Ahora Craig David publica un álbum más, un ‘The Time Is Now’ que llegará en enero y del que ya conocemos un par de singles, ‘Heartline’ y ‘I Know You’, este último junto a Bastille. El artista, totalmente relajado, muy cercano y sobre todo ultra agradecido por el buen momento de popularidad que ha vivido en los 2 últimos años, insiste en que no ha precipitado la salida de este álbum para aprovechar el tirón del anterior. Simplemente se siente especialmente creativo, probablemente confiado tras haber renovado público y conquistado a una generación nueva.

«Para mí es importante que el nuevo disco tuviera el sonido del R&B de ahora, pero con la sensibilidad del primer disco»

Estás a punto de sacar un disco, ¿qué significa este nuevo álbum para ti?
Mi último disco, ‘Following My Intuition’, del año pasado, fue número 1 en Reino Unido. Eso asentó el camino para que este nuevo álbum fuera un disco de R&B como el primero, ‘Born to Do It’. Quería trabajar con artistas que la gente no sepa necesariamente quiénes son, pero quizá en 12 o 18 meses sean conocidos, que la gente diga entonces: «¡pero si trabajaste con GoldLink!». También están Kaytranada, AJ Tracey, JP Cooper y Bastille que están por supuesto asentados, pero también quería a una nueva ola, gente como Ella Mai. Para mí es importante que tuviera el sonido del R&B de ahora, pero con la sensibilidad del primer disco.

Escribiste y produjiste el primer álbum con una persona sola, ¿no echas de menos los tiempos en que las cosas se hacían así, en lugar de con docenas de personas por disco?
Sí, al 100%. Pero la belleza de este álbum es que Fraser T Smith, que viene de trabajar con Dave, Kano o incluso Adele, es un guitarrista con el que llevo colaborando años. Ha hecho 5 canciones en este disco e hizo la más nueva, que es ‘I Know You’. El otro productor principal, que es Tre Jean-Marie, también tiene 5 canciones y lo bueno es que su padre fue corista durante mi primera gira. Conocí a Tre cuando él tenía 6 o 7 años, y me decía «encantado de conocerte» (NdE: pone voz de niño). Y después resulta que co-escribe y co-produce canciones conmigo. Es una de las mayores locuras que me han pasado. Luego están Blonde, Kaytranada, Diztortion… pero para mí hay 2 productores principales y luego están los demás en canciones adicionales, pero integradas en el disco como un todo.

«Conocí a uno de mis productores actuales cuando él tenía 6 o 7 años (…) Su padre fue corista durante mi primera gira. Es una de las mayores locuras que me han pasado»

¿Cómo has vivido la evolución del R&B a lo largo de estos 15 años?
Es como una carrera de coches, ¿no? El R&B tuvo su momento, de repente (la moda) se fue más a las guitarras, luego el rock quiso ser como Norah Jones, luego salieron muchos cantautores, luego el underground… y ahora parece que estamos en un plano bastante R&B. Se hacen muchos samples de los viejos tiempos. Cosas que suenan muy nuevas, pero inspirándose en antiguas tipo Robin S y ‘Show Me Love’. A mí ahora me va muy bien que vuelva el R&B. Estoy muy agradecido de que el R&B en 2018 vuelva a ser relevante. No me refiero necesariamente al R&B tipo trap como Bryson Tiller y todos esos chicos, sino más bien al sonido de ‘No Scrubs’ de TLC, ‘You Make Me Wanna…’ de Usher, ‘Pony’ de Ginuwine. Eso suena a 2018, fresco otra vez.

¿Mientras grababas el disco anterior, esperabas que supusiera tu gran regreso?
No, definitivamente no.

Estabas «siguiendo tu intuición»…
Pues bastante. Viví un periodo de transición. Estuve 3 o 4 años en Miami, de donde decidí volver porque me sentía lejos de mi familia y mis amigos. Había hecho las fiestas TS5 en mi casa, que luego he terminado llevando más a lo grande a Ibiza, y a Glastonbury para miles de personas. Llegué a ese disco como una evolución, pero la clave fue que empecé a trabajar con autores y productores muy jóvenes, artistas emergentes. No quiero sonar desagradecido, pero lo tenía claro: había vendido 13 millones de discos, pero para un chico de 15 o 16 años no era nadie. Estos productores jóvenes venían al estudio y me decían «lo que hacías está muy bien, ‘Re-Rewind’ y demás», pero hablaban de mí en pasado, y yo me quedaba en plan «pues vale». Les ponía a esos artistas de 17 años lo que había grabado porque quería saber lo que pensaban y me decían: «¡todavía molas! ¡todavía tienes ese algo!». Y me di cuenta de que algo estaba pasando: con el disco anterior volví a ser relevante otra vez. Chavales de 14 o 15 años se pensaban que era un artista nuevo, se lo decían a sus padres y estos contestaban: «¿que ha vuelto Craig David? ¡Te voy a hablar a ti de Craig David!», y entonces sacaban sus viejos CD’s con ‘7 Days’. Ver unirse a dos generaciones fue muy bonito. Estoy muy agradecido por ese momento.

«No quiero sonar desagradecido, pero lo tenía claro: había vendido 13 millones de discos, pero para un chico de 15 o 16 años no era nadie. Los jóvenes productores hablaban de mí en pasado»

Obviamente eres bastante joven aún, pero por lo que veo, el «ageism» es algo para lo que te estás preparando.
A decir verdad no, pienso que la edad no es nada más que un número, y no siento haber crecido mucho desde probablemente los 20. Por supuesto he madurado y no soy el mismo, pero lo que he aprendido es que es fundamental conservar al niño que tienes dentro. Cuando eres mayor y sigues teniendo la necesidad de escribir canciones es porque estás perdido, intentando ser responsable y hacer lo que la sociedad espera que haga un adulto, una persona de tu edad. No hay diferencia entre la manera de amar unos acordes cuando eres joven o mayor. Hay que hacer que la vida sea simple y no caer en las trampas. Empecé muy joven en esto y a veces siento como un déja-vu. Me siento como un chico de 17 años por dentro, aunque haya madurado y tenga el beneficio de la experiencia.

Te preocupas de hacer canciones modernas, ¿pero cómo te ves a los 50 o los 60 años? ¿Tirando más a lo clásico o aún buscando sonidos nuevos?
Me lo tendrás que preguntar cuando tenga esa edad. Si me hubieran preguntado a los 17 y me hubieran dicho: «triunfarás con tu primer disco, la gente te abandonará y pasará a otras cosas, pero seguirás escribiendo, volverás a tener tu momento, y conquistarás a una nueva generación»… no me habría creído ese sinsentido cuando estaba en casa con mi madre escribiendo ‘Walking Away’. Hay que lidiar con el momento presente, de hecho hay una canción en este álbum nuevo que se llama ‘Live In The Moment’. Además, el disco se llama ‘The Time Is Now’ por este motivo, porque he dejado de hacer proyecciones sobre el futuro. Es muy liberador dejar de pensar en lo que vas a hacer. Estar en Madrid, volver aquí con un disco nuevo, hacer una entrevista y tener un público para mí es toda una aventura.

«No me habría creído el sinsentido de lo que me iba a pasar cuando estaba en casa con mi madre escribiendo ‘Walking Away'»

Te lo preguntaba también porque sacas tus últimos singles en versión bailable, con producciones trabajadas como las de las voces tratadas de ‘I Know You’, pero en ambos casos has sacado también una versión acústica. Es como si quisieras decir «toda esta modernidad de la producción está muy bien, pero lo importante es la melodía clásica».
Es más sencillo que todo eso. La música ha cambiado tanto… O el modo de consumirla. Siempre he hecho muchos acústicos, desde el principio iba a la tele y hacía uno con ‘Fill Me In’, no es muy diferente de lo que hago ahora. Pero es que además ahora, para salir en una playlist de Spotify y llegar a más gente, tienes que hacer un acústico o un remix. Es más una cosa como de compañía discográfica, pero para mí está claro que si tengo una canción, con unas voces increíbles, podemos hacerla en acústico, y además entrar con ella en más playlists para maximizar posibilidades. Mira a Ed Sheeran, ha añadido a Beyoncé en una canción, ahora va a meter a Andrea Bocelli. Es una jugada muy inteligente y va a ser el número 1 en Navidad en todo el mundo. Si no te adaptas a los nuevos tiempos, te quedas perdido en algún lugar.


«Hemos grabado una canción en esa línea (latina), pero después de ‘Despacito’, y un par de hits más de reggaeton, parece que ya ha tenido su momento y la hemos dejado fuera. Tienes que ser el primero en hacerlo»

Has trabajado con los ritmos latinos muchas veces, hasta tuviste un single llamado ‘Spanish’. ¿Podemos esperar algo de eso en tu disco ahora que está tan de moda?
¿Sabes qué? Hemos grabado una canción en esa línea, pero después de ‘Despacito’, y un par de hits más de reggaeton, parece que ya ha tenido su momento y la hemos dejado fuera. Tienes que ser el primero en hacerlo. Hasta Little Mix han hecho una canción así. Obviamente si eres J Balvin, puedes seguir haciéndolo porque es lo que has hecho toda la vida, pero para mí ahora mismo parecería que voy detrás. Es divertido, porque hablé con J Balvin no hace mucho, con el éxito de ‘Mi gente’, que marcó una línea. Para mí ha tenido su momento para los artistas que no somos hispanos o estamos vinculados a lo hispano, de nuevo a menos que seas J Balvin y siempre lo hayas hecho. Para mí, un regreso al R&B es lo que necesita este disco. Como una especie de R&B del futuro, la gente sampleando canciones de los viejos tiempos, que esto parezca los 90 o los 2000 con la recuperación de cosas como ‘This Is How We Do It’… Yo he estado en eso desde el principio y es de lo que va este álbum.

He leído que te gustan los discos de Mura Masa y Calvin Harris. ¿Son los discos del año para ti?
Creo que Calvin Harris ha dado en el clavo, es increíble, también GoldLink, el último de Kaytranada. Pero para Calvin volver con ‘Slide’ fue muy inteligente. Eres el DJ más importante del mundo, puedes seguir haciendo lo mismo y en cambio das ese paso con Frank Ocean. Me encanta. Está a la última.

¿Cómo ves tu relación con Estados Unidos? Después de tu regreso al número 1 en Reino Unido, ¿te planteaste intentar conquistarlo a lo grande?
¿Sabes qué? A decir verdad, estoy agradecido con todo lo que me ha pasado. He cambiado de opinión al respecto. Al principio era más en plan «estoy tan influido por el R&B americano que quiero ir a América como sea». Pero ahora paro y pienso que también tengo España, Francia, Alemania, Europa… Estados Unidos no es la única conexión. A la división americana de Sony le interesa este disco porque están Bastille y le ven una posibilidad. Estoy emocionado, claro, pero no pienso «¡¡Oh, América!!». Recuerdo cosas como cuando llegas a la gente, vas a ese país y te enteras de que alguien se ha casado con una de tus canciones, y para mí de eso va la música. Estoy muy agradecido simplemente por esa persona.

Rihanna, en el cartel de lujo de ‘Ocean’s 8’ con Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway…

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Rihanna no ha sacado disco este año tras el éxito de crítica el año pasado de ‘ANTI‘, ya por encima de las 2 millones de copias vendidas y con los tiempos que corren. Sin embargo, no ha estado quieta. A las colaboraciones con N.E.R.D. -cuyo disco sale mañana- o DJ Khaled, hay que sumar la película que ha rodado para su estreno del año que viene y con un elenco de lujo.

Se trata de nada menos que ‘Ocean’s 8’, lo que se llama la respuesta femenina de ‘Ocean’s Eleven’ con George Clooney y Steven Soderbergh, a su vez un remake de los 60. En este caso encontraremos en el elenco a Sandra Bullock como Debbie Ocean, cerebro del grupo; pero también a Cate Blanchett, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Sarah Paulson, Mindy Kaling y Awkwafina. Rihanna interpreta a Nine Ball.

Una serie de actrices de lujo bajo la dirección de Gary Ross (‘Los juegos del hambre’), cuyo cartel contiene el rostro de tantas caras conocidas que ya de por sí es noticia. El estreno de ‘Ocean’s 8’ está previsto para el 8 de junio de 2018. Como veis se han buscado casi todos los «ochos» que cabían en las fechas del año que viene (el 8 de agosto no es viernes sino miércoles).

U2 no desbancan a Pablo Alborán del número 1 en España

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El decepcionante ‘Songs of Experience‘ no logra dar a U2 un nuevo número 1 en España, uno de sus territorios clave. El grupo queda en el puesto 2 contenido por el huracán Pablo Alborán, que sigue en la cima por tercera semana consecutiva con ‘Prometo’. El disco de U2 ha logrado ser puesto 1 en Estados Unidos ayudado por un “ticket bundle” de su gira, mientras que en Reino Unido ha quedado en un decepcionante puesto 5.

Si sirve de consuelo, al menos el álbum ha sido escuchado con curiosidad por el público español. Al margen de aquellos fans que han ido a comprarse una copia, ‘Songs of Experience’ entra al puesto 5 de la lista de streaming.

Van Morrison y Neil Young, a punto del 40º álbum

Mitad versiones y mitad originales encontramos en el 38º disco de Van Morrison, ‘Versatile’, que logra situarse en el top 10 de nuestro país. El disco es número 38 en Reino Unido y número 119 en Estados Unidos.

Por su parte, Neil Young sitúa en el puesto 52 ‘The Visitor’ junto a su grupo Promise of the Real. El 39º disco de estudio de su carrera es puesto 65 en Reino Unido y puesto 167 en Estados Unidos.

Sigue triunfando la teleserie Go!azen

La teleserie de la ETB ‘Go!azen’ vuelve a meter un disco en la lista de ventas, y esta vez más alto. ‘Berriz uda!’ es puesto 30 bajo el paraguas de ElKarlanean.

Taburete llegan más alto con la reedición de su debut

Taburete han tenido uno de los mayores sleepers del año con ‘Dr Charas’, un disco que ha arrasado en longevidad pese a no llegar nunca al top 30 de ventas (sí ha estado en el top 10 de streaming). En ventas Taburete, que actuarán en Arenal Sound, llegan más alto con la reedición de su debut ‘Tres tequilas y un mezcal’, directo al puesto 28. En esta edición colaboran Hombres G.

Triunfa la banda sonora de ‘Coco’

España sigue fiel a las bandas sonoras y más si tiene que ver con Pixar. ‘Coco’ es puesto 68 en ventas e incluso en streaming álbumes llega más alto (número 32). Su canción principal ha sido nominada a un Globo de Oro y cuenta con una versión a cargo de Natalia Lafourcade.

Sínkope decepcionan con su nuevo disco

El último disco de los rockeros Sínkope es solo puesto 96, cuando sus álbumes suelen llegar algo más alto, incluso al top 50, como fue el caso de ‘Cuando no te pones falda’ e ‘Y si quieres llorar, te hago reír’.

Se acerca la Navidad: recopilatorios, versiones, directos

Entre los discos lanzados con motivo de la Navidad, entran en España ’On Air’ de Rolling Stones con versiones y sesiones grabados entre 1963 y 1965 (puesto 23), ‘Discografía’ de Loquillo (puesto 40), ‘Discografía de Loquillo y Trogloditas’ (puesto 75), ’Symphonic at Las Ventas’ de Ara Malikian (puesto 43), ‘En la vida conocí mujer igual a La Flaca’ de Jarabe de Palo (puesto 50) y ‘Tiempo de Navidad’ de Jose Manuel Soto en el puesto 97.

Y en streaming… Taylor, Planetas, Dellafuente, Bad Gyal

Al margen de las entradas citadas en ventas, esta era la semana en que ‘reputation’ de Taylor Swift llegaba a las plataformas de streaming, y sin embargo no ha logrado ser el disco más escuchado. ‘reputation’ es número 9 en «streaming álbumes» mientras la segunda entrada más fuerte -tras U2- es para Wisin con ‘Victory’ (puesto 6).

Mientras alguien llamado DJ Vertis es entrada al número 71 con ‘Electricidad nocturna’ (no os perdáis este disco de portadón improvisado como creado ad hoc), hay que destacar la reentrada de dos álbumes del año pasado: Dellafuente en el 97 con ‘Ansia viva’ (es su 12ª semana y ha llegado a ser número 80) y Bad Gyal con ‘Slow Wine Mixtape’ al puesto 99 (llegó a ser top 75 y esta es su 15ª semana en lista).

La subida más fuerte es ‘Zona temporalmente autónoma’ de Los Planetas, del 82 al 48 propiciada por sus conciertos en Madrid y Barcelona. El disco llegó a ser top 3 en streaming en su semana de salida.

‘El patio’ de Pablo López puede empachar, pero arrasará en los karaokes

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Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Pablo López.

«El estilo de Pablo López me resulta estomagante, no lo voy a negar, aunque aprecio que, al menos, se aleje unos milímetros del ideal “balada Cadena Dial» que practican Alborán y Malú, aunque sea por la vía del italianismo y el exceso; exceso que, en ‘El patio’, parece que se ha desatado. López exagera aún más su forma de cantar, estiraandoo laas sílabaaaaaaas y “alejandrosanzando” el timbre, para hacerlo así como más rasposo-intensito. Quizás la canción puede recordar a Coldplay en el primer minuto, pero luego la cosa se desboca, con Pablo intentando culminar el ‘Y, ¿si fuera ella?’ del 2017 (versión despechada); pianos golpeados, coros góspel, sobredosis de arreglos, pausas dramáticas, cantar al borde del desgarro… hasta que su interpretación vocal es literalmente arrollada por la acumulación de efectos. Suficiente para un empacho pero… ¡funciona! Auguro futuro clásico del pop melódico español (y de los karaokes)». Mireia Pería.

«Es cierto que ‘El patio’ de Pablo López no hace más que adoptar un par de trucos de Coldplay (pianos, crescendos prestados del post-rock, fuerte puente instrumental, coros), y que por tanto tampoco es una canción súper original. Pero no llevo toda la vida poniendo a caldo el sonido viejuno del pop radioformulero español, esas producciones rancias que han lastrado composiciones preciosas de Ella baila sola o Alejandro Sanz, para echar por tierra este paso adelante que supone este tema. Pablo tiene un tono ronquito algo desagradable -también el cantante de La M.O.D.A. y ahí le tenéis, llenando salas indies y festivales-, si bien aquí López logra un buen equilibrio entre su voz rota y su vertiente más aguda («amiga», «sirenas», «delirio») llevando esta canción de desamor en cada momento donde él quiere. La letra es, como él dice, del nivel de «un niño con los pies descalzos», pero a ver quién se resiste a ese «solo quiero que te vaaaayaaaaas» en una tarde de bajona». Sebas E. Alonso.

“Está bien que en el pop español se exploren otras fórmulas como, en el caso de ‘El patio’ de Pablo López, el pop-rock dramático marca Coldplay, Snow Patrol, The Script… Pero ‘El patio’ no deja de contener cierto poso de telenovela pimpinelesca en esos “fuera, vete de mi casa, tú no eres mi amiga” que lejos de emocionar resultan artificiosos e inflados. “Siempre me castigas”, lamenta López hacia el final, pero el castigo aquí es esta canción que ni siquiera el registro roto del artista logra salvar”. Jordi Bardají

‘Perfect’ y ‘Perfect Duet’ computan por separado en la lista española

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En la lista de singles oficial publicada por Promusicae esta semana, ‘Perfect’ de Ed Sheeran y su nueva versión ‘Perfect Duet’ junto a Beyoncé computan aparte. Una decisión que podría ser un error subsanado por la industria la semana que viene (no será la primera vez que lo vemos), pero que agradará a aquellos que se quejaban de que ambas versiones se sumasen en las listas internacionales. Sobre todo ahora que sabemos que una nueva versión en compañía de Andrea Bocelli se avecina.

A falta de comprobar cómo se completa el maquiavélico plan de Sheeran para dominar la Navidad a nivel global, la versión original de ’Perfect’ de Edward Christopher sube al puesto 13 en España, esto es, lo más alto que ha estado; y ‘Perfect Duet’ es la entrada más fuerte en el número 23. Un vistazo rápido a Spotify nos hace adivinar que ambas versiones sumadas supondrían un puesto 3 ahora mismo en España. ‘Échame la culpa’ de Luis Fonsi y Demi Lovato sigue en el número 1 de Spotify y también de la lista oficial.

Bad Bunny, segunda entrada más fuerte

Centrándonos en la lista oficial de la semana, parece que no habrá semana sin entrada de Bad Bunny en la lista. El acompañante de Becky G en ‘Mayores’ entra ahora al 25 con ‘Chambea’, un tema que no es jevi aunque lo parezca.

Anitta y J Balvin, subida más fuerte con ‘Downtown’

Como aviso de que esta puede ser una de las canciones del verano 2018, ‘Downtown’ de J Balvin y la cada vez más conocida Anitta, es la subida más fuerte de la semana. Pasa del 47 al 28.

Juan Magán y amigos entran con ‘Déjate llevar’

Hasta 5 personas encontramos acreditadas en otra de las entradas, ‘Déjate llevar’, directa al puesto 39. El principal acreditado es Juan Magán, pero aquí también aparecen Belinda, Manuel Turizo, Snova y B-Case. El tema sigue claramente la estela de ‘Despacito’.

La nueva reconquista de Mariah Carey

Desde hace algo más de una década, es tradición que el villancico de Mariah Carey ‘All I Want From Christmas Is You’ vuelva a las listas de éxitos. Es el villancico favorito de la Navidad. En España vuelve al puesto 66 tras haber sido top 4 en otra ocasión, pero es que en Reino Unido ya es número 5 y número 1 en Spotify.

Wisin, Daddy Yankee y Yandel intentan otro hit

Estos 3 habituales de la lista de singles española aparecen juntos en este nuevo tema llamado ‘Todo comienza en la Disco’ en el que se autodenominan “los 3 Reyes Magos”. Son puesto 86.

Tímida entrada de Clean Bandit y Julia Michaels

Tras haber convertido en un hit en nuestro país ‘Rockabye’, Clean Bandit logran llegar al puesto 91 con su último single ‘I Miss You’. El tema ha sido número 6 en Reino Unido pero esta vez no ha conseguido entrar en Estados Unidos. Canta Julia Michaels, la de ‘Issues’.

Amaia de OT ya tiene 2 temas en la lista

Por si quedaba alguna duda de que Amaia es la gran favorita de Operación Triunfo, su versión de ‘Shape of You’ junto a Roi entra al puesto 92. Además, la versión de ‘City of Stars’ con Alfred sube del puesto 70 al 61.

The Chemical Brothers, primera confirmación de Low Festival 2018

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The Chemical Brothers son la primera -y francamente jugosa- confirmación de Low Festival, que se celebra los días 27, 28 y 29 de julio de 2018 en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm. El festival promete una edición “grande” por su décimo aniversario y arranca fuerte su tanda de confirmaciones con los autores de ‘Galvanize’.

Born in the Echoes‘ es el hasta ahora último disco de The Chemical Brothers, editado en 2015 y que fue uno de los mejores del año para la redacción de JENESAISPOP. Tom Rowlands y Ed Simon son desde hace décadas uno de los grupos de electrónica más influyentes gracias a canciones como ‘Hey Boy Hey Girl’ o la mencionada ‘Galvanize’ y a discos que marcaron un antes y un después en el dance de los 90 como ‘Surrender’.

Low promete sorpresas en los próximos días: “Esta es tan solo la primera novedad de #TheBigLow. Esperan todavía grandes sorpresas y confirmaciones en la que será la edición más grande y especial de un festival que nació modesto en el puerto de Alicante y cuya alianza con la ciudad de Benidorm lo convirtió en uno de los más grandes del país”.

Los abonos de tres días para Low Festival están a la venta por 57 euros en http://lowfestival.es. El domingo subirán de precio. También están disponibles los abonos VIP (120 euros) y VIP Pool (160 euros), aunque estos últimos están a punto de agotarse. El festival prevé acoger a más de 25.000 personas al día.

Iggy Pop y Jarvis Cocker también versionan ‘Red Right Hand’ de Nick Cave

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‘Red Right Hand’ de Nick Cave & the Bad Seeds es la canción principal de ‘Peaky Blinders’, el drama histórico de BBC 2 sobre la pandilla criminal del mismo nombre localizada en Birmingham. Fue uno de los sencillos extraídos de ‘Let Love In’, el disco de Nick Cave & the Bad Seeds de 1994, y su sonido tenebroso y cabaretero es el idóneo para ambientar esta serie británica basada en 1919.

Muy diferente es la versión de esta misma canción que han hecho Iggy Pop y Jarvis Cocker, con motivo del estreno de la cuarta temporada de la serie. Ambos han colaborado para una versión más rockera y sucia de la canción original, que PJ Harvey ya transformó para esta misma serie en 2014, de la mano del productor Flood y dejándola prácticamente irreconocible.

Ni Harvey ni el combo de Iggy Pop y Jarvis Cocker son los únicos que se han apropiado de esta composición de Nick Cave: en 2009 fueron Arctic Monkeys quienes la versionaron y publicaron en el single de ‘Crying Lightning’. También FIDLAR han versionado eso de “take a little walk to the edge of town, go across the tracks”. Es indudablemente una de las canciones más conocidas del repertorio de Nick Cave, nada menos que 2ª en Spotify, solo por detrás de ‘Into My Arms’.

Monarchy fusionan moda y sentido del humor en su vídeo-teletienda para ‘Hula Hoop 8000’

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Al final, Monarchy no han publicado nuevo disco en 2017, pero este verano sí han regalado a sus fans una canción memorable como es ‘Hula Hoop 8000’, que gracias a un estribillo pegadizo y a su elegante y vibrante producción “french disco” llena de palmas y sintetizadores electro ha dado al dúo de Londres, además de un premio Los40, su mayor éxito en Spotify, superando con más de 1.300.000 reproducciones las cifras del que hasta ahora era su mayor hit, ‘The Phoenix Alive’.

Monarchy confirman ahora que ‘Hula Hoop 8000’ es el primer avance de un nuevo álbum que verá la luz en 2018, y como tal el grupo autor de ‘Living without You’ ha realizado un videoclip para la canción que estrenamos en JENESAISPOP. Virgili Jubero de CANADA (la productora catalana recientemente nominada a un Grammy por su trabajo para Beck) ha dirigido esta pieza basada en las teletiendas de los noventa, y explica que para esta canción “sexy y sofisticada” ha querido hacer un vídeo “que fusionara moda y sentido del humor”.

Sobre la canción, Ra Black de Monarchy ha contado que representa “un escape de la realidad”. “He creado una fantasía sobre cómo se puede sentir alguien cuando se compromete emocional y físicamente con alguien que ha aparecido en su vida de repente. De algún modo, mi intención siempre es crear música que me haga sentir como un niño otra vez. Estoy muy contento con cómo ha salido ‘Hula Hoop 8000’, porque es auténtica, pero también una fantasía”.

Emergen varias copias de vinilo originales, muy raras, del “disco negro” de Prince

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Prince trajo a su equipo de Warner Bros. por el camino de la amargura en 1987 cuando, en un arrebato, ordenó destruir todas las copias producidas en vinilo, CD y casete del que iba a ser su nuevo disco, ‘The Black Album’. Se llegaron a producir 500.000 copias del disco, que jamás llegaron a ninguna distribuidora, aunque sí a manos de unos pocos directivos del que entonces era el sello de Prince. Curiosamente, el músico sí permitió que se vendieran unas pocas copias del disco en CD y casete en 1994, pero no del vinilo, que desde entonces se ha convertido en una de las mayores rarezas de la historia del pop, buscada por coleccionistas durante 30 años.

Hasta ahora. Uno de esos antiguos directivos de Warner Bros. acaba de descubrir varias copias del vinilo original de ‘The Black Album’ precintadas en su casa, como informa Rolling Stone. Esta persona se ha puesto inmediatamente en contacto con otro antiguo directivo de Warner Bros., Jeff Gold, quien dirige la web Record Mecca -a través de la cual se venden objetos preciados de coleccionista- para que venda estas copias, una de las cuales se ha vendido por 20.000 dólares. Gold ha vendido otra copia por su cuenta, otra se la ha quedado y una tercera posiblemente la subaste el año que viene.

El pasado mes de abril se cumplía un año del fallecimiento de Prince, que moría inesperadamente en su casa a causa de una sobredosis de opiáceos. Le recordamos en un artículo especial.

AMA / El año en imágenes

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A principios de año nos enteramos de que AMA iban a sacar nuevo disco. Pero lo iban a lanzar de una manera un tanto peculiar; publicando una canción nueva el último viernes de cada mes, acompañada de su respectivo videoclip, hasta completar el año. Bien, el año entero-entero no se remató, ya que este ‘El año en imágenes’ ha quedado en diez temas; nos hemos quedado sin noviembre y diciembre.

Pero es que este álbum no versa tanto sobre las estaciones sino sobre el paso del tiempo. Y, por eso, está instalado en una suerte de otoño brumoso, que invita a la introspección y, por supuesto, a la nostalgia, en contraposición a la alegría que emanaba ‘Nada dos veces’, aunque también está salpicado de pequeñas alegrías. Oscilando entre la desesperanza y la ilusión, los anhelos y el desencanto, ‘El año en imágenes’ es una compilación de inmensa coherencia. El ambiente grisáceo le encaja a AMA mucho mejor que el sol y este ‘El año en imágenes’ resulta una obra superior a su antecesora. Uno de esos discos en apariencia sencillos y pequeños pero que hacen una compañía enorme. El grupo demuestra, una vez más, ser de esos equilibristas del pop que (un hurra por todos ellos) no tienen miedo a ser sentimentales y conmueven sin caer en la cursilería.

Estilísticamente, los hermanos Sánchez y Yon Vidaur siguen fieles a su línea. Canciones sencillas de pop exquisito, pero esta vez, especialmente hermosas y perdurables. Las voces confortables de Javier y Borja, lacónicas y melancólicas, es lo que, paradójicamente, más contribuye a otorgarle la vena dramática, que hace destacar unas letras con apariencia naïve, de autoayuda, pero que encierran realidades oscuras. El alegre inicio a lo ‘Gardening at Night’ de ‘Nadie más’ con el que se abre engaña un poco. Un chispazo de luz, una declaración de amor, aunque ya esconda la desazón: “No tengas miedo, me dijiste una vez / Fácil de decir, difícil de hacer”.

El eco de los R.E.M. de la primera época es muy palpable también en ‘Presentación’, con sus guitarras levemente jangle, que adornan una enumeración de principios auto-definitoria con la que el protagonista trata de venderse, torpemente, a su objeto amoroso. ‘En la corriente’ es una nana de indie pop conducida por un piano obsesivo, que recuerda a los Gente Joven, pero con un punto siniestro, misterioso, por la que apetece dejarse arrastrar. El lo-fi ochentas, lluvioso, de la escuela The Field Mice, brilla en ‘Saber y Ganar’, oscilando entre la aceptación de la fatalidad y la confrontación del amor. En ‘La mano dormida’ asoman Los Planetas de ‘David y Claudia’, con una guitarra que hace pupa. Un envoltorio dulce que esconde una letra amarga, cantada con resignación vital: “Que todo sigue su curso / pero yo quiero volver atrás. La condena llega / y yo vivo en ella”. Hasta ‘Tu diario’, otra deudora del sonido de los ochenta británicos, a lo Go-Betweens, y sus silbidos, el álbum es magnífico. Las últimas tres penúltimas tonadas no son tan redondas… hasta que cierran con la voz de Irantzu Valencia en ‘Ver las cosas por primera vez’, una defensa a encontrar las cosas novedosas en aquello que vemos cada día, a adornar lo habitual con la belleza que la rutina nos impide ver.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Nadie más’, ‘En la corriente’, ‘La mano dormida’, ‘Ver las cosas por primera vez’
Te gustará si te gusta: La Buena Vida, Amateur, The Field Mice, los R.E.M. de 1981-1985

Bruno Mars vende 43.157 entradas en 2 horas para su show de Madrid

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Bruno Mars ha sacado hoy a la venta las entradas para el paso de su gira de macroestadios por Madrid. Aunque las entradas no se han agotado y siguen a la venta a través de Ticketmaster, desde su promotora anuncian que han sido 43.157 las entradas vendidas en las primeras 2 horas de venta para el concierto que se celebrará el 22 de junio en el Wanda Metropolitano.

Hace un par de semanas se ponían a la venta las entradas para verle en Barcelona y en las primeras 2 horas se vendían 34.288 tickets para el Estadi Olímpic. Este show se celebrará antes, el 20 de junio. En el caso de Barcelona quedan entradas de grada y pista pero en Madrid solo queda grada y «pista premium» (son más caras y cercanas al escenario).

Bruno Mars, que como veis recibirá el verano que viene en España, ha seguido triunfando este año con los singles extraídos de ‘24k Magic‘, su álbum del año pasado. ‘Versace on the Floor’ y sobre todo ‘That’s What I Like’ están ya entre los grandes éxitos de su carrera, que repasará en esta gira que tendrá lugar en 2018.

Para cuando llegue en junio, ya sabremos si es uno de los ganadores de los próximos Grammy. Mars acude nominado a 6 estatuillas, entre ellas álbum del año, canción del año (‘That’s What I Like’) y grabación del año (’24K Magic’).

Las Bistecs se encargan de que vayamos a echar de menos el “electro-disgusting”: crónica

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“No sabemos cantar, no sabemos bailar, no tocamos un puto instrumento: somos dos mamarrachas”. Como de costumbre, así se presentan Alba Rihe y Carla Moreno Parmenter de Las Bistecs durante su concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona celebrado anoche, uno de los últimos que realizará el dúo dentro de su ‘Malgusto Tour’ ante de tomarse un descanso indefinido. Las fechas finales de esta gira están siendo por tanto la última oportunidad que tendrá el público de experimentar el directo de uno de los fenómenos pop más absurdos y geniales a la par que necesarios que ha producido el pop español en la última década, y el concierto visto esta noche en Barcelona no ha decepcionado.

Tras una llamativa puesta en escena que emula la portada de su disco ‘Oferta’, y de la que destaca la presencia de ese labio pintado de rojo y como mal recauchutado tras el cual se esconden los DJs de Las Bistecs trabajando al teclado (del ordenador), el dúo de Barcelona inicia su concierto con ‘Ano’ (la “canción del verano”) y al término de la siguiente canción (‘Problemas’) una de sus integrantes, Alba Rihe, acepta emocionada por parte de un fan un medicamento para sus hemorroides. Este es el panorama surrealista del concierto de Las Bistecs, que tampoco dejan de repartir cigarrillos o de disparar a los “entrecots” con cava, por eso del “electro-disgusting”.

El momento más surrealista del concierto no se produce cuando Las Bistecs se ventilan ‘HDA’ y ‘Señoras bien’ -que dedican a un tal “M. Rajoy”- durante la primera parte, sino cuando aparece en el escenario Mónica del Raval (una institución de este barrio barcelonés) para entretener a los presentes mientras Las Bistecs se cambian de vestuario. Suena de fondo ‘Pelo’, la canción más bizarra del repertorio “electro-disgusting” (nunca la imagen de un “pelo ajeno en la piscina” había resultado tan perturbadora) y cuesta mucho discernir si lo que está pasando en el escenario es verdad o mentira. Antes de llegar a una conclusión, Mónica del Raval se esfuma y vuelven Las Bistecs para seguir desgranando ‘Oferta’.

A estas alturas del Malgusto Tour, Las Bistecs ya nos han hecho gritar a todo pulmón algunas de sus mejores letras, del “móvil cartera tabaco llaves” al “señoras bien, señoras fetén” pasando por supuesto por el “la maja desnuda, la maja vestida” y lo que queda no mola tanto, porque al margen de ‘Caminante’ y ‘Universio’, cuyo “perrea como Laika” está igual de integrado en nuestros subconscientes que las frases mencionadas, está claro que ‘Galicia’ o la parida de ‘Metro’, como tampoco la final ‘DJ Bicha’, aunque graciosas, no están a la altura de sus mayores himnos. Claro que no hace tanto que la idea que Las Bistecs presentaran algo parecido a un repertorio en una sala como Razzmatazz era bastante improbable, y aquí estamos.

Las Bistecs culminan así en su ciudad natal -que no su gira, que termina el 22 de diciembre en Gijón- el “fenómeno social” que podía palparse hace un año en su concierto en Madrid. En su momento un comentarista llamaba a JENESAISPOP “exagerados” porque donde habían llenado Las Bistecs era en “el Ochoymedio, no La Riviera”, pero precisamente en La Riviera se han visto Alba y Carla tocando justo un año después al término de esta gira y lo que se vio anoche confirma que el “fenómeno” ha sido real y que por suerte ha producido canciones, frases y momentos que ya son historia del pop español. Hasta que las volvamos a ver el “pelo”.

Tame Impala, Franz Ferdinand y Alice in Chains, entre las 31 confirmaciones nuevas de Mad Cool

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Mad Cool suma 31 nombres a su programación de 2018. Entre ellos destaca el de Tame Impala, que no publican disco desde 2015 (aunque sí han estrenado varios descartes de ‘Currents’ este año) y cuya confirmación en el festival madrileño es la primera del grupo en Europa en 2018. Otras incorporaciones notables son las de Franz Ferdinand y Alice in Chains, contemporáneos de Pearl Jam, que también estarán en el festival, como se confirmó hace unas semanas.

A todos estos artistas se añaden también Kase.O, Glass Animals, Portugal. The Man, Kaleo, The Last Internationale, LP, Rival Sons, Frankie Cosmos, Porches, FIDLAR, Hurray For The Riff Raff, Maya Jane Coles, Sofi Tukker, The White Buffalo, Jain, Erol Alkan, Fatima Yamaha, Gang of Youths, The Bloody Beetroots, Maga, Polo & Pan, Modelo de Respuesta Polar, Núria Graham, Haux, Niña Coyote Eta Chico Tornado, Agoraphobia, Bed Rugs y Conttra.

Estos nombres se suman a los ya confirmados por Mad Cool, entre los que encontramos, además de Pearl Jam, a Queens Of The Stone Age, Depeche Mode, Nine Inch Nails, Massive Attack, Justice, Snow Patrol, Fleet Foxes, MGMT, At The Drive-In, Perfume Genius, Rag ‘N’ Bone Man, Kasabian o Sampha. A todos ellos podrán verse los días 12, 13 y 14 de julio en el espacio Mad Cool, situado en el IFEMA de Madrid.

Festival Paraíso, un “viaje hacia los nuevos territorios de la electrónica”, anuncia su 1ª edición en Madrid

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El 8 y 9 de junio se celebra en el campus de la Universidad Complutense de Madrid la primera edición del festival Paraíso, que se anuncia como “un viaje hacia los nuevos territorios de la electrónica y su confluencia con otros géneros y expresiones artísticas en un espacio verde, muy próximo al centro de la ciudad”.

La nota de prensa publicada en la web de Paraíso informa que el festival es creación del “co-fundador y ex-director del FIB”, y como informa Notodo esa persona es José Luis Morán, quien junto a su hermano Miguel fundara y dirigiera el festival de Benicàssim hasta 2009. El aforo de Paraíso será limitado a 15.000 personas por día y el abono saldrá a la venta a un precio de 35 euros, mientras el pase premium tendrá un coste de 95 euros. Las personas que asistan a esta primera edición de Paraíso, informa el festival, tendrán preferencia para acceder a las siguientes.

Escribe el festival: “Paraíso nace por el amor a la música y la pasión por compartirla. Tras él se encuentra […] un equipo de profesionales comprometidos con un nuevo modelo de festival, sostenible, cómodo y sin aglomeraciones. Próximamente daremos a conocer los artistas que formarán parte de nuestra primera edición”. Toda la información, en http://paraisofestival.com/

Portugal. The Man anuncian concierto en Barcelona

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En 2017, Portugal ha sido “noticia” y no solo por el éxito de Salvador Sobral en Eurovisión o por la mudanza de Madonna al país luso. Portugal. The Man, que no son portugueses sino de Alaska, han dado con el hit alternativo del año gracias a una ‘Feel it Still’ que ha alcanzado grandes cotas de popularidad en todo el mundo, sobre todo en Estados Unidos, donde ha hecho “crossover” hacia el difícil Billboard Hot 100, alcanzando el top 4.

‘Feel it Still’ es solo una de las buenas canciones que contiene ‘Woodstock’, que con la tontería es el octavo álbum de Portugal. The Man, por lo que su éxito es más sorprendente todavía. Y ahora este éxito llevará al cuarteto a España, concretamente a Barcelona, tal y como anuncia hoy Live Nation. El grupo presentará ‘Woodstock’ el próximo 15 de julio en la Sala Apolo de Barcelona. Las entradas salen a la venta el viernes 15 de diciembre a las 10 horas, a un precio de 28 euros + gastos.

Entre los varios éxitos al margen de ‘Feel it Still’ que cuenta Portugal. The Man se encuentran ‘Live in the Moment’, ‘Modern Jesus’, ‘So Young’ y ‘Purple Yellow Red and Blue’. El grupo, que vive en Portland, Oregón, publicó su primer disco en 2006 y a lo largo de su carrera ha explorado sonidos asociados al blues-rock y a la psicodelia americanos, pero está claro que ha sido su aproximación más popera a estos estilos en ‘Woodstock’ la que les ha dado con ‘Feel it Still’ el gran hit de su carrera.

La Canción del Día: ‘Lo veo posible’, uno de los rincones oscuros de ‘Fuego’ de La Bien Querida

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Fuego’, el último álbum de La Bien Querida, ha supuesto un regreso a la variedad de los dos primeros discos de su carrera, ‘Romancero’ y ‘Fiesta’, un reencuentro con los fans que disfrutaron desde el principio con las elucubraciones amorosas de Ana Fernández-Villaverde. Como en aquellos y de manera expresa –así nos lo contó ella en nuestra reciente entrevista–, aquí encontramos números tan luminosos como la sensual ‘7 días juntos’, la heredera de Family/New Order ‘Permanentemente’, ‘Recompensarte’ –el dueto con J de Los Planetas– o la casi-eurodisco ‘Si me quieres a mí’.

Pero como un yang para el yin, también tiene un lado oscuro que parecía estar más presente en sus dos últimos discos, ‘Ceremonia’ y ‘Premeditación, nocturnidad y alevosía’. Es el que representan canciones como ‘Peor que las demás’, ‘La pieza que me falta’ –colaboración con el productor de sus discos y a su vez pareja, David Rodríguez de La Estrella de David– o la espeluznante ‘Lo veo posible’.

Esta canción está construida sobre un arpegio de guitarra sobre el que Ana canta una melodía tan clásica como melancólica –propia de la más memorables Cecilia o Jeanette– cuyo dramatismo se acentúa tanto con un tenebroso arreglo de cuerdas como con el sobrecogedor silencio instrumental posterior al estribillo. Un estribillo que enfatiza el pesar de su letra con una caja de ritmos grandilocuente, casi exagerada, que redobla su efecto cuando Ana sube su tono una octava y unos violines le ofrecen el contrapunto.

Un ambiente casi cinematográfico que se adapta perfectamente a ese texto de imágenes poderosas (“llévame al futuro de tu mundo, abrázame sobre el puente de hierro”) en el que una amante desesperada ve cómo la manera de querer de la otra persona (“los árboles tienen sus pájaros fieles, las ramas no atan”) difiere de la suya, más posesiva. Ante esto, prefiere tenerle a la manera de él/ella que a la suya (“si no puedo tenerte para nada, es mejor tenerte así”), pero ese “quiero que veas lo que veo, que creas lo que creo y entienda que lo veo posible”, en cambio, parece albergar una inquietante amenaza, oculta, acechante.

Tal y como se anunció con este chanante vídeo, La Bien Querida comienza esta semana las primeras presentaciones en directo de ‘Fuego’ con un grupo en formato quinteto en la que ella, nos adelantó, será “solo” la cantante. Será mañana, día 15 de diciembre en Madrid (OchoyMedio), y el sábado, 16 de diciembre, en Barcelona (La [2] de Apolo). Las entradas están a la venta en Ticketea.

Salvador Sobral se recupera del transplante de corazón

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El cantante portugués Salvador Sobral, ganador este año de Eurovisión con su balada ‘Amor pelos Dois’, se recupera favorablemente de un transplante de corazón por el que fue intervenido el pasado 9 de diciembre, tal y como informa Vertele citando fuentes del Hospital de Santa Cruz de Lisboa.

Según las fuentes citadas también por La Voz de Galicia, Sobral ya ha abandonado la Unidad de Cuidados Intensivos (UCI) y se encuentra actualmente en la planta de enfermería de la clínica lisboeta, en las “condiciones habituales de aislamiento”. En esta planta el cantante deberá permanecer “entre 10 o 12 días”, en palabras del director del hospital, José Manuel Correia, “hasta que esté completamente estabilizado».

Sobral fue ingresado de urgencia en el Hospital de Santa Cruz de Lisboa el pasado mes de septiembre. Unos días antes, el cantante había cancelado las fechas de una gira programada para septiembre y anunciado su retirada temporal de los escenarios para cuidar de su salud.

‘Amor pelos Dois’, que por cierto interpretaba recientemente Alfred en Operación Triunfo, ha dado este año la primera victoria de Portugal en Eurovisión. Antes de Sobral, fueron 48 las veces que el país vecino había participado en el festival, la primera de las cuales fue en 1964.

Tove Styrke convierte ‘Liability’ de Lorde en una balada cyborg sobre la fama y el amor

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Tove Styrke ha publicado en 2017 dos canciones memorables, ‘Say My Name’ y ‘Mistakes’. Ambas han adelantado un nuevo disco que parece saldrá ya el año que viene (y que se está haciendo esperar, pues ‘Kiddo’ tiene ya tres años), pero la cantante sueca no terminará el año sin publicar una canción más y esta puede escucharse ya en Spotify. Es una versión de ‘Liability’, una de las canciones destacadas de ‘Melodrama‘ de Lorde.

‘Liability’ era una canción al piano clásica, por lo que en manos de Lorde se encontraba ya en su forma más pura. Por eso, las posibilidades de la canción en cuanto a los estilos que puede adoptar en manos de otros artistas eran infinitas y Tove Styrke la ha llevado completamente a su terreno, sustituyendo el piano clásico por uno electrónico, sumando una base rítmica y añadiendo su habitual efecto “Vocoder”, que tanta presencia tenía en el estribillo de ‘Mistakes’.

La canción de Lorde, que nos habla sobre la dificultad de encontrar el amor siendo famoso, es en voz de Styrke una balada cyborg que no podría sonar más contemporánea a la realidad actual definida por la tecnología, y especialmente conmovedora vuelve a ser la parte en que Styrke canta sobre ser un “juguete roto que la gente disfruta, hasta que se cansa de mí”.

El mash-up anual de DJ Earworm fusiona los hits de 2017

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Este año se ha retrasado más de una semana respecto al anterior, pero el mash-up anual de DJ Earworm ya está disponible en streaming. Es su clásico “mega-mix” con los mayores éxitos de 2017 y su demora puede explicarse con que incluye ‘Perfect’, el tardío éxito en el año de Ed Sheeran, quien además suena en el mash-up también con ‘Shape of You’.

Como no podía ser de otra manera, el mash-up de los éxitos de 2017 de DJ Earworm (éxitos en Estados Unidos, aquí no suenan ‘Mala mujer’ o ‘Me enamoré’) se estructura en base a ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee, que claramente ha sido la canción del año. A través de sus ritmos se escuchan porciones de ‘That’s What I Like’ de Bruno Mars, ‘Havana’ de Camila Cabello, ‘Something Just Like This’ de The Chainsmokers con Coldplay, ‘rockstar’ de Post Malone y 21 Savage, ‘Bodak Yellow’ de Cardi B o ‘Feel it Still’ de Portugal .The Man.

¿Qué hits de 2017 no han entrado en este monstruo de Frankenstein de 4 minutos? Parece que ni ‘Mi gente’ de J Balvin ni ‘New Rules’ de Dua Lipa han sido tan decisivos para DJ Earworm en 2017, aunque cabe recordar que la segunda todavía no se ha consolidado completamente en Estados Unidos. Sin embargo, la primera llegó a ser top 3 gracias a Beyoncé. Tampoco aparecen ‘Wolves’ de Marshmallo con Selena Gomez o ‘Too Good at Goodbyes’ de Sam Smith.

C Tangana y Dellafuente estrenan ‘Guerrera’

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«Estaba sonando un tema del Dellafuente» es una de las frases más sonoras de la segunda estrofa de ‘Mala mujer’, una de las canciones clave del pop de 2017, triple platino en España. Parecía cuestión de tiempo que C. Tangana y el autor de ‘Ansia viva‘ trabajaran juntos y esto se materializa en un nuevo tema llamado ‘Guerrera’, ya disponible en las plataformas de streaming. Lee nuestra entrevista conjunta a C. Tangana y Dellafuente aquí.

Aunque ‘Ídolo’ de Tangana lleva tan solo un par de meses en la calle, de todos es sabido que Puchito no para quieto, y lo mismo puede decirse de un Dellafuente que después de triunfar con ‘Ansia viva’ no ha dejado de lanzar temas sueltos este año. Ha sido el caso de ‘Romea y Julieto’, ‘Lo quiero ver’, ‘Demonia’ o ‘En metálico’, entre otras, algunas realmente cercanas a los parámetros clásicos del reggaetón.

Teniendo en cuenta la versatilidad de Puchito con temas más cercanos al urban americano y otros menos, y del colaborador de Maka, granadino y más próximo al flamenco, cualquier cosa podía salir de su colaboración conjunta. Esta, bajo el nombre de ‘Guerrera’, se presentaba este miércoles a partir de las 20.30-20.45 y se podía seguir en streaming a través de esta retransmisión de Red Bull. Foto: Javier Ruiz.

‘Star Wars VIII: Los últimos Jedi’: menos sables láser y más escobas

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Puede que no haya nada más innecesario que escribir una crítica de Star Wars. Los que ya tienen comprada su entrada hace meses, y sobre todo los que tenían pensado hacerlo en los próximos días, no van a dejar de ir al cine por cualquier chorrada que diga el crítico de turno. A los que ya traen de serie el odio hacia la saga, tampoco les convencerá ningún argumento defendiéndola. La alta cultura no entiende de muñequitos que hablan. ¿Para qué molestarse entonces en decir nada? En este caso concreto, para discutir una vez hayas pasado por la sala. Con fenómenos así de grandes las opiniones solo tienen sentido después de ser vistos, nunca antes. Sobre todo porque el miedo al spoiler y a ser crucificado por revelar el más mínimo detalle de la trama te obliga a hablar sin decir nada.

Y claro, a ver quién es el guapo capaz de argumentar una crítica bajo semejantes condiciones de autocensura. Especialmente en esta entrega, donde los grises son tantos que resulta imposible posicionarse en los básicos “es buena” o “es mala”. Quedémonos en que ‘Los últimos Jedi’ es ambas cosas.

Desde luego que son muchísimas las cosas que siguen funcionando en este séptimo capítulo que nos brinda Ryan Johnson tras el brillante (sí, brillante) ejercicio de nostalgia renovada que firmó hace dos años J. J. Abrams. De hecho, de haber seguido el mismo camino que su predecesor en el cargo, a este director le habría tocado la nada envidiable tarea de reinterpretar para las nuevas generaciones ‘El imperio contraataca’, la mejor película de Star Wars jamás rodada hasta la fecha.

Acertó en no caer en el error de intentarlo y atreverse a investigar nuevos rumbos que alejen al espectador de cualquier idea preestablecida en torno a este universo. Eso es lo mejor de ‘Los últimos Jedi’, que nunca tienes la sensación de que eso que estás viendo ya te lo han contado antes, como sí pasaba en ‘El despertar de la Fuerza’. Esto no significa que la historia no maneje los mismos códigos que las anteriores entregas. Star Wars sigue siendo la simple lucha del bien contra el mal y de ahí no los sacas. Esa ruptura que muchos esperaban, lo sentimos, todavía no toca.

De hecho aquí se sigue tirando de momentos de humor que alivian tensiones (nada blancos e infantiles en esta ocasión, todo hay que decirlo), de las perogrulladas pseudoreligiosas (¡¡ese momento Leia en el espacio!!), de las batallas espaciales que te dejan pegado a la butaca (empieza con una magistral y acaba con otra que es un orgasmo visual en toda regla), de criaturitas que te quieres llevar a casa (BB-8 le cede el testigo a los Porg)…

Digamos que simplemente Ryan Johnson ha encontrado el método ideal para que los que acuden a ver una secuela no se sientan 100% traicionados. Que no es poco. Y curiosamente a ello ayudan mucho los personajes que se incorporaron a la mitología en la anterior película, especialmente John Boyega (Finn) y Oscar Isaac (Poe Dameron), que casi hacen que te olvides de que alguna vez existió un personaje llamado Han Solo. Daisy Ridley también destaca, pero no tanto como en ‘El despertar de la Fuerza’. Y sobre Adam Driver, algo nos dice que su momento estelar llegará en la próxima entrega.

Vamos, que porque de momento es necesario que compartan espacio con veteranos como Mark Hamill (este sí es el Luke que queríamos) y Carrie Fisher (“sé lo que vas a decirme: he cambiado de peinado”), pero si llegara el momento de volar solos en futuras entregas, lo podrán hacer sin problemas. En el caso de Fisher, por desgracia, la realidad obliga a que así sea.

¿Cuál es el problema entonces para que no estemos dando saltos de alegría? Pues que los pocos errores que acusa esta película son demasiado gordos para ser pasados por alto, empezando por su innecesaria duración (la más larga de toda la saga) y terminando por sus truquitos de guión y lógica que rompen el pacto de credibilidad del espectador; pasando por el lento avance de algunas tramas (durante bastante tiempo parece que las naves se han quedado paradas), el desaprovechamiento de actrices como Laura Dern que podrían haberse ahorrado su visita al plató y, en general, la sensación de que hemos esperado demasiado para ver un simple capítulo de transición hacia la gran traca final.

Ojo, que no te aburres hasta caer dormido ni sales pidiendo que te devuelvan la entrada. Igual es solo la puñetera nostalgia la que nos traiciona cuando te descubres mirando el reloj a ver cuánto falta para que acabe la película. Pero ese poso que te quedaba después de ver por primera vez la trilogía original y el inicio de esta nueva, esa sensación de haber visto algo que recordarás el resto de tu vida, no queda. Tendremos que esperar otros dos años a ver cómo cierran esto y descubrir si de repente todo toma sentido. Reposar cuando se nos pase la sensación de que esta semana no se habla de otra cosa. El hype y la sobrexposición son los peores enemigos para esta película. E insistimos, la duración innecesaria. Ya lo decían Los Sírex hace más de 50 años: “Si yo tuviera una escoba, cuántas cosas barrería”. Ya entenderás el chiste cuando veas la película. 6,5

Thom Yorke es un borde: lo dice él en su nueva canción

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Thom Yorke de Radiohead y Atoms for Peace ha iniciado esta noche en Los Ángeles la primera de las tres fechas de conciertos que tenía programadas para este mes de diciembre en Estados Unidos, y que le llevarán también a Oakland y Houston.

¿Pero qué está presentando Yorke en estos directos? Junto a Nigel Godrich y el artista visual Tarik Barri, el británico se ha propuesto recordar algunas canciones que ha publicado en solitario, a través de dos discos como son ‘The Eraser‘ (2006) y ‘Tomorrow’s Modern Boxes‘ (2014). Ambos, por cierto, están por fin disponibles en Spotify.

Por suerte para los asistentes de su primer concierto en el teatro Fonda, en Hollywood, Yorke tuvo el detalle de estrenar en directo un par de temas, el primero de los cuales se titula curiosamente ‘I Am a Very Rude Person’. ¡Lo ha dicho él!

La segunda es ‘Two Feet off The Ground’, otro corte de tecno hipnótico, y si buscáis en estas canciones alguna sorpresa que refresque el repertorio en solitario de Yorke, dejad de buscar, porque ambas encajan en los parámetros de electrónica experimental que ha explorado -con muchos aciertos- Yorke en sus dos álbumes en solitario.

Radiohead han sido noticia esta semana después de que se hayan dado a conocer los nombres inducidos en el Salón de la Fama del Rock ‘N Roll. Los autores de ‘OK Computer’ estaban nominados por primera vez, pero se han quedado fuera de ingresar en el famoso museo.