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Björk, Noel Gallagher, Sho-Hai y Berri Txarrak, en las listas españolas de ventas y streaming

Por
Sebas E. Alonso
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Como era de esperar, ‘Prometo’ de Pablo Alborán se mantiene una segunda semana en el número 1 de lo más vendido y de «streaming álbumes» en España, si bien la pregunta es cuántas semanas o meses resistirá en esa posición. ¿Acaso toda la Navidad? ¿Es una amenaza el lanzamiento de Pablo López el 15 de diciembre? ¿Y U2 esta semana? A espera de ver qué sucede, la subida más fuerte es la de Vanesa Martín con ‘Munay’, que un año después y reeditado, pasa del puesto 26 al 3. En su momento, ya fue número 1.

Luis Miguel triunfa en ventas, pero no en streaming

La entrada más fuerte en ventas es la de Luis Miguel en el puesto 6. El disco que edita se llama ‘¡México por siempre!’, así, entre exclamaciones. Como curiosidad, el álbum ni se asoma por el top 100 de streaming, mostrando que su público se compone de fans muy fieles, y de «cierta edad».

Equilibrado éxito de Sho-hai y Berri Txarrak en ventas y streaming

El rapero aragonés Sho-hai vuelve tras 6 años (‘Doble vida’ llegó a ser número 3) con un segundo disco que ha podido colarse en el top 12 en España en cuanto a ventas, y en el top 15 en cuanto a streaming. En el disco aparecen un par de temas junto al exitosísimo Kase.O.

También puede considerarse un éxito la entrada al puesto 20 de Berri Txarrak con su trabajo ‘Infrasoinuak’, sobre todo porque en streaming son número 14. En verdad ya colocaron ‘Payola’ tan alto como en el puesto 7 de ventas en 2009, pero al menos la relación entre ventas y streaming es muestra de la fidelidad y renovación de cierto público.

Björk es top 24 con ‘Utopia’

Lejos quedan los días en que ‘Vespertine’ fue número 2 en España: Björk queda con ‘Utopia‘ fuera del top 20 que sí lograban ‘Biophilia’ o ‘Vulnicura’ en nuestro país, pero los malos datos para este disco de Björk son mundiales (perjudicados también por la feroz competencia en Black Friday). El disco ha sido top 25 en Reino Unido y top 75 en Estados Unidos: los peores datos de su carrera a menos que contemos su disco de 1977. Si tenemos que buscar un lugar en el que ‘Utopia’ haya sido top 20, los únicos registrados son Suiza y la parte flamenca de Bélgica.

Noel Gallagher, nº34

‘Who Built the Moon?’, el tercer disco de Noel Gallagher’s High Flying Birds, queda fuera del top 30 de ventas en España, lo cual quiere decir que empeora el top 15 de su primer álbum en solitario en nuestro país. Eso sí, lo logrado en España es más de lo conseguido en Francia (top 44) o Estados Unidos (top 48). Por supuesto el disco es número 1 en Reino Unido.

Como curiosidad, Björk y Noel han casi empatado en la lista de streaming álbumes española: ‘Utopia’ es puesto 57 y Noel puesto 58.

Sergio El Duende debuta en el top 50

Sergio El Duende, conocido por el programa de Canal Sur Yo Soy Del Sur, debuta con un disco de sevillanas, bulerías, rumbas y fandangos, que se ha colado en el número 49.

Sacacuartos de la semana: Ana Belén, Rosario, Eros…

La lista de sacacuartos de la semana, esto es, reediciones, recopilatorios, directos, etcétera, incluye ‘Dual’ de Ana Belén (con colaboraciones con Carlos Berlanga, Cecilia (!), Serrat, etcétera) en el puesto 13, ‘Una vida de canciones’ de Raphael en el número 18, ‘Noche de gloria en el Teatro Real de Rosario en el número 37, ’Born to Touch Your Feelings’ de Scorpions en el número 43, ‘Hotel California’ de Eagles en el 76 y ‘Eros Duets’ de Eros Ramazzotti (con Tina Turner, Nicole Scherzinger, Patsy Kensit) en el 98.

‘Échame la culpa’ de Luis Fonsi y Demi Lovato ya es número 1 en España

Por
Sebas E. Alonso
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Como era de prever, ‘Échame la culpa’, lo nuevo de Luis Fonsi junto a Demi Lovato, es el nuevo número 1 oficial en España tras ser la subida más fuerte en número de puntos. La canción desbanca a ‘Sensualidad’ de Bad Bunny y amigos, que pasa al puesto 2. Ni que decir tiene que este será el mayor éxito de Demi Lovato en nuestro país, donde solo fue número 66 con ‘Cool for the Summer’ o número 70 con ‘Sorry Not Sorry’.

En cuanto a listas internacionales, ‘Échame la culpa’ se mantiene fuerte en el puesto 12 del global de Spotify, pero tras el impacto de la primera semana, baja bastante en Estados Unidos (del 47 al 76) y Reino Unido (del 46 al 60). El vídeo suma, eso sí, 200 millones de visualizaciones en apenas 3 semanas.

Buena aceptación para el cambio de Pablo López

Pablo López se ha sumergido en el sonido de Coldplay y un poquito Elbow en ‘El patio’ y parece que de momento el experimento ha calado: es la entrada más fuerte en el puesto 43. Teniendo en cuenta el género de la canción y que él es más artista de álbumes, no está nada mal.

Anitta y J Balvin, top 50

Sorprende ver a Anitta y J Balvin entrar por debajo de Pablo López, en el puesto 47, pero parece que esta no será la cumbre del sexual ‘Downtown’, que ha rondado el top 20 en Spotify en los últimos días. ¿Podría ser una de las canciones del verano que viene o demasiado tiempo?

Nuevas entradas para Maluma

Además de seguir en el top 20 con ‘Felices los 4’ (quíntuple platino) y de subir al número 23 con ‘Corazón’ en su cuarta semana, Maluma cuela otras dos canciones en el top 100: se trata de ‘Solo a solas’ con Cosculluela en el mismo número 100 y de ‘GPS’ (a leer en inglés) en el puesto 91. Un tema este último con French Montana.

Mount Eerie / A Crow Looked at Me

Por
Jordi Bardají
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Cuatro meses después de que la dibujante, ilustradora y cantautora canadiense Geneviève Castrée diera luz a su primera hija, a la mujer de Mount Eerie se le diagnosticaba un cáncer de páncreas inoperable. Castrée moría al año siguiente y a ella ha dedicado Phil Elverum su último disco, ‘A Crow Looked at Me’, publicado el pasado mes de marzo. Elverum ha explicado que efectivamente un cuervo les observó y persiguió a él y a su mujer durante un paseo por el bosque (Elverum vive en la pequeña localidad de Anacortes, Washington) pero el músico no dramatiza esta anécdota en ‘A Crow Looked at Me’, sino que la emplea para revestir con un poco de magia y misterio la cruda y sencilla realidad de la muerte, sobre la cual reflexiona en el disco tal cual, de manera natural, directa y sin artificios.

‘A Crow Looked at Me’ es un disco que nace de la más pura improvisación, de la corriente de pensamiento, y cuenta Elverum que le salió entero durante el otoño de 2016. Se lo quitó de encima. Lo grabó en la misma habitación de hospital donde falleció Geneviève, usando además sobre todo instrumentos que le pertenecían a ella, además de papel que también era de ella y “mirando a través de la misma ventana”. No tiene por tanto mucho sentido pensar en ‘A Crow Looked at Me’ en los mismos términos en que pensaríamos ‘Sauna’ o ‘No Flashlight’: el método natural de Mount Eerie sigue siendo el mismo, pero la voluntad de que este resulte agradable o interesante no, y el mismo Elverum reconoce que el disco “apenas es música”, sino que es más bien él “recitando el nombre de Geneviève en voz alta”. En realidad, ‘A Crow Looked at Me’ sí es música (evidentemente), pero es sobre todo un disco de letras y eso queda claro en la segunda canción del disco, ‘Seaweed’, cuando Elverum canta, como si leyera su diario, con fechas anotadas inclusive: “nuestra hija tiene año y medio, y tú llevas once días muerta; he cogido el barco y venido a este sitio donde íbamos a construir nuestra casa y vivir los tres juntos, si tú hubiera vivido, así que he venido solo con nuestro bebé y las cenizas de tus huesos”.

Puede entenderse ‘A Crow Looked at Me’ como un largo poema de verso libre recitado con guitarra y piano y otros (pocos) instrumentos. Suena con recurrencia en el disco el efecto electrónico de lo que parece un caballo trotando y no puedo evitar imaginar a Elverum cantando las canciones de este disco cual trovador triste de ‘Surf’s Up’ de los Beach Boys pero con guitarra en lugar de lanza. Igual de cabizbajo y real se muestra el músico en las situaciones cotidianas donde ha de afrontar la muerte de su mujer, por ejemplo en el supermercado, como describe en ‘Chasm’, donde plantea el triste panorama que ahora tiene “el poder de transformar un súper en un abismo de lástima y confusión”, por cómo es posible que le miren sus vecinos. Es en situaciones como esta o la descrita en ‘Toothbrush / Trash’, donde Elverum se retrata tirando a la basura los objetos inservibles de su mujer, cuando la muerte se revela en ‘A Crow Looked at Me’ como la cosa más absurda del mundo. Sin ir más lejos, la canción que abre el disco lo hace con una frase demoledora por simple: “la muerte es real, alguien está y después ya no”. En la canción, Elverum describe recibir por correo una mochila que su mujer había comprado en secreto a su hija para cuando fuera al colegio, adelantándose un par de años, “como sabiendo, en el fondo, que en el futuro ya no estarías aquí”.

En muchos sentidos, ‘A Crow Looked at Me’ es un homenaje a la figura de Geneviève y como documento es ahora mismo el recuerdo de un recuerdo. Es el recuerdo de cómo Elverum rememoraba a Geneviève en este preciso momento de su vida y un recuerdo de cómo las memorias de su vida con ella empiezan a desvanecerse en su cabeza. Entre los momentos más desoladores del álbum precisamente está ‘Seaweed’, donde el artista trata de reconciliarse con la absurda idea de estar olvidando ciertos detalles de Geneviève . “¿Te gustaban los gansos canadienses? No me acuerdo; ¿y qué me dices de la dedalera? ¿Te gustaba esa flor?”, se pregunta Elverum. No hay más absurdo que notar cómo se desintegran en tu mente los recuerdos de una persona con la que has compartido 13 largos e intensos años de experiencias, pero Elverum ha compuesto ‘A Crow Looked at Me’ precisamente para que el recuerdo de Geneviève no se termine de desvanecer nunca, sino que quede grabado, cuan vago sea, en una inquebrantable obra de arte. Y eso es precioso.

Pero ‘A Crow Looked at Me’ no se refleja siempre en Geneviève, sino que sobre todo es el documento de un duelo personal. Desde la máxima introspección, Elverum explora en ‘A Crow Looked at Me’ diversos niveles de soledad, especialmente en la oscura ‘Ravens’ (“lo que fuiste ahora son cenizas, y ya no puedo estar en casa, solo puedo correr y dejar que el dolor me golpee”) o en la gráficamente titulada ‘When I Take Out the Garbage at Night’ (solo mirando el cielo de noche Elverum puede sentirse en contacto con el universo y por tanto con Geneviève, puesto que en casa le pesa su ausencia) y llegando a lo más hondo en ‘Swims’, donde guitarra y piano mediante, Phil Elverum recuerda fuertemente de nuevo la muerte de su mujer, como si fuera tan reciente como en la pista 1, y explica a su hija que ahora Geneviève “nada” y se “evapora” en las olas del mar. Durante un punto de la canción reflexiona sobre “cuán cerca estamos siempre de no existir”. Es una verdad inconmensurable, pero Mount Eerie ha conseguido plasmarla firmemente en este hermoso disco.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘Real Death’, ‘Seaweed’, ‘Ravens’, ‘Swims’, ‘Chasm’
Te gustará si te gusta: Daniel Johnston, Julia Holter, Elliot Smith
Escúchalo: Bandcamp, Spotify

6 de los 10 vídeos más vistos de Youtube en 2017 están en español; en ninguno lidera una chica

Por
Sebas E. Alonso
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Como hacía hace unos días Spotify, Youtube publica sus listas de lo más visto de 2017, que suponemos que van de noviembre a noviembre o bien están tan vistas para sentencia que ya no podrán cambiar ni un ápice durante las próximas 3 semanas. Desde luego el primer puesto no va a cambiar, pues ‘Despacito’ es hace semanas el vídeo más visto de la historia de Youtube, por lo que indudablemente es también el vídeo más visto de 2017.

En segundo lugar queda el ‘Shape of You’ de Ed Sheeran, si bien hay que destacar que en el top 10 a nivel global aparecen hasta 6 canciones en castellano. Tal es el poder de lo latino en la actualidad, con temas como ‘Mi gente’ o ‘Súbeme la radio’ conquistando por supuesto las listas de los países latinos, pero también a la población hispanohablante de Estados Unidos y cada vez más a la que no lo es, y asimismo la Europa continental.

También hay que destacar que los 10 vídeos tienen como protagonista principal a un hombre, aunque es cierto que Nicki Minaj sale bastante en el vídeo de Jason Derulo. Por ejemplo, ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift se ha quedado a 100 millones de reproducciones del tema de Enrique Iglesias que ocupa el top 10.

Así queda el top 10 de lo más visto de Youtube en 2017, con Bruno Mars o Jason Derulo funcionando casi como una anécdota entre la invasión latina.

1.-Luis Fonsi, Daddy Yankee / Despacito
2.-Ed Sheeran / Shape of You
3.-J Balvin / Mi gente
4.-Maluma / Felices los 4
5.-Bruno Mars / That’s What I Like
6.-Chris Jeday / Ahora Dice ft. J. Balvin, Ozuna, Arcángel
7.-Nicky Jam /  El Amante (Álbum Fénix)
8.-Jason Derulo / Swalla (feat. Nicki Minaj & Ty Dolla $ign)
9.-DJ Khaled / I’m the One ft. Justin Bieber, Quavo, Chance the Rapper, Lil Wayne
10.-Enrique Iglesias / SUBEME LA RADIO ft. Descemer Bueno, Zion & Lennox

La Canción del Día: Tulsa canta al dolor de ‘Amiga’ y anuncia concierto con CD o vinilo de regalo

Por
Sebas E. Alonso
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Tulsa anuncia hoy que el 1 de febrero actúa en OchoyMedio (Madrid) con Tórtel + Alberto Montero como teloneros. Además, con las entradas ya a la venta en Ticketea por 12 euros se regala -solo a los primeros- un CD y un vinilo de su nuevo disco. La autora del formidable ‘Espera la pálida’ presenta ese nuevo álbum, ‘Centauros’, que salía a la venta hace unas semanas, quizá sin un single decidido pero sí con un cúmulo de canciones notables, interesantes y ricas en interpretaciones, como la propia ‘Centauros’, ‘Canción’ o ‘Venda vendita venda’.

Entre ellas hoy destacamos la intimista ‘Amiga’, no porque sea la mejor sino porque es la más singular. Acostumbrados como estamos a que el pop intimista se refiera al amor conyugal o como mucho hacia un hijo o hija, es una gozada escuchar una canción tan sentida sobre una amiga a la que hemos perdido. Solo un teclado y la voz de Miren nos sumergen en este reencuentro con el pasado lleno de cotianeidad, recordando por ejemplo al «camarero aquel, tan guapo» que se interpuso entre ellas. Fue quien les sirvió «el primer mal trago de sus vidas» dándoles un primer «amago de adultez». «Cada vez que le veo me acuerdo de aquel verano / él tiene dos hijos / y nosotras apenas hablamos», concluye, triste.

La propia Miren nos habla de esta canción en una entrevista que publicaremos este mes: «Esta canción la hice en Hondarribia, en unos días muy lluviosos. En una especie de alto salieron ‘Amiga’ y ‘Atalaya’ (el single). Nació como de una improvisación: me grababa a la vez que tocaba diciendo lo que se me iba ocurriendo. Acababa una pista y hacía otra con la voz, igual coincidiendo las palabras, pero a lo mejor no. La idea inicial era hacer una especie de canon-río y dejarlo todo como deshilachado. Pero al final la letra se fue fijando sola aunque dejé la idea de grabar con una base abierta, en una estructura irregular. (La letra) era como un mensaje, una carta. Y hay muchas amigas metidas ahí, hay muchas historias. Unas son reales y otras no, hay mucho contenido diferente».

Camila Cabello estrena 2 temas de su debut, ‘CAMILA’, que sale en enero

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Jordi Bardají
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Camila Cabello ha anunciado esta semana que su esperado primer disco en solitario, ‘CAMILA’, saldrá el 12 de enero. Su portada es la que ilustra este post. ‘CAMILA’ contendrá, por lo menos, el exitazo ‘Havana’, que ocupa actualmente los primeros puestos de las listas de éxitos americana, británica y también española.

La ex Fifth Harmony estrena ahora dos nuevos adelantos de este álbum. El primero es ‘Real Friends’, un tema “acústico”, con poco más que la presencia de una guitarra y la voz de Camila, que no hace sino remitir a un hitazo reciente parecido como es ‘Love Yourself’ de Justin Bieber. Curiosamente Ed Sheeran estará en el disco de Camila, pero no es autor de esta canción precisamente sino de otra titulada ‘The Boy’, como se reveló el pasado mes de mayo.

El segundo avance es ‘Never Be the Same’, que tiene un sonido más bombástico, mientras su letra emplea las típicas metáforas de las drogas para hablar de la adicción de Camila a su amante (“tú eres heroína, morfina”). Es una balada dramática que, como el tema anterior, no sigue nada el estilo latino de ‘Havana’ y nos recuerda que antes de este single ya había un disco casi terminado titulado ‘the hurting. the healing. the loving.’

Según el pre-order del álbum, ni ‘I Have Questions’ ni ‘Crying in the Club’ ni ‘OMG’, tres temas que hemos conocido de Camila recientemente, estarán en ‘CAMILA’.

Sia reflexiona sobre su responsabilidad en cuanto a la temprana fama de Maddie Ziegler

Por
Jordi Bardají
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The Guardian ha publicado este miércoles un artículo escrito por la periodista Bonnie Malkin sobre Sia y su famosa colaboradora, la joven bailarina Maddie Ziegler, quien trabaja con la australiana desde los 11 años (ahora tiene 15). El artículo cuestiona que Sia, una mujer adulta, rechace su fama al conocer las consecuencias que esta puede conllevar en la salud mental y decida por otro lado traspasársela a una adolescente -antes niña- como Maddie, invitándola a salir en sus vídeos o a bailar en los conciertos de su gira actual mientras ella canta a oscuras y con el rostro cubierto por una peluca.

Sia ha compartido una reflexión sobre el artículo en Twitter, escribiendo: “Consulto con Maddie cada semana si esto es lo que quiere hacer, y le aseguro que si alguna vez quiere dejarlo, lo dejaremos. Esta es una conversación que todos deberíamos estar teniendo, no solo yo sino también todos los directores, padres de niños actores y agentes con sus hijos, clientes o niños al cargo. Maddie ya era famosa cuando yo la descubrí, pero realmente yo he aumentado su exposición pública y me siento responsable por ello. Soy muy protectora con ella y mi objetivo es animarla en cualquier decisión que tome. Algunos dirían que una adolescente no puede o no debería tomar decisiones importantes por sí misma y yo intento siempre escoger lo mejor para ella. Lo que he aprendido de Maddie es que la fama le afecta de manera diferente a como me ha afectado a mí. Solo puedo confiar en que me esté diciendo la verdad. Si eso cambia, entonces pararemos”.

Sia ha publicado recientemente disco navideño, ‘Everyday is Christmas’, del que se desprende el single ‘Candy Cane Lane’. Para este gracioso tema ha compartido la australiana un videoclip animado, que os adjuntamos. Pronto habrá vídeos para ‘Ho Ho Ho’ y ‘Underneath the Mistletoe’.

Noel Gallagher afirma en El País que “Internet es lo peor que le ha pasado al mundo”

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Jordi Bardají
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Noel Gallagher ha concedido una entrevista a El País que está siendo bastante comentada en Twitter, hasta el punto que el nombre del músico es trending topic a tiempo de redacción de esta noticia, gracias sobre todo a sus declaraciones sobre los 90 e Internet (dice que el mundo era mejor en los 90 porque no había internet). “Internet es lo peor que le ha pasado nunca al mundo”, ha explicado. “Difunde el terrorismo, el odio, la violencia, la guerra, la pedofilia. Todo antes de Internet era mágico, todo después ha sido un desastre”. El músico asegura además que no votó ni en contra ni a favor del Brexit y habla de la “encrucijada” en la que está Europa debido al racismo y al terrorismo, recordando que el joven que detonó una bomba en Manchester procedía de Libia e insinuando que socialmente uno no se puede oponer a la entrada de inmigrantes de Oriente Medio a Europa sin que le llamen racista.

En la entrevista, Gallagher habla además de su infancia, que fue dura en comparación con la de sus hijos, a los que “se la suda todo”, pues han crecido “con una estrella del rock”. En su lugar, Gallagher asegura: “Mi padre era violento; mi puto hermano, un idiota; mi otro hermano, otro idiota. Mis padres trabajaban duro y no teníamos dinero. Esa era mi realidad. Lo normal”.

Por supuesto, Gallagher habla también de su hermano Liam, quien según él “necesita un psiquiatra” y a quien afirma no echar de menos “ni un jodido nanosegundo”. El músico va más allá entonces mandando un recado al redactor de El País para los fans españoles de Oasis: que acudan a la cuenta de Twitter de Liam y descubran por sí mismos por qué Oasis no se van a reunir jamás. “Esa mierda ha sido así 20 años”, apunta. “¿Lo haríais vosotros? Vale, lo haríais por el dinero. ¿Pero si ya tuvierais el dinero? Que le den”.

Gallagher ha publicado esta semana ‘Who Built the Moon?’ junto a su banda, los High Flying Birds. Un disco que por supuesto ha sido número uno en Reino Unido, aunque con ventas inferiores a las del disco de Liam pese a haberse publicado en Black Friday.

Recientemente era Liam quien ofrecía una curiosa entrevista a El País también llena de perlas. En otra entrevista a un medio inglés, Liam aseguraba sí echar de menos a Noel, aunque parece por las palabras de Noel que la reconciliación está igual de lejos que siempre.

The Killers, primeros confirmados para FIB 2018

Por
Sebas E. Alonso
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El FIB, que se celebra el próximo mes de julio, como siempre en Benicàssim, anuncia el primer cabeza de cartel de su edición 2018. Se trata de The Killers, quienes presentan en vivo su nuevo disco, el que sin contener ninguno de los mayores hits de la banda, bien podría ser el mejor equilibrado de su carrera. Así lo apuntábamos en nuestra crítica de ‘Wonderful Wonderful’ y así lo recoge el site que compila críticas musicales Metacritic, donde este nuevo álbum es el mejor considerado de toda su carrera junto a su imprescindible recopilatorio ‘Direct Hits’.

The Killers han extraído dos sencillos de este álbum, ‘The Man’ y ‘Run for Cover’, y el siguiente parece que podría ser ‘Rut’ y, según los rumores, enviarse a radios durante este mismo mes de diciembre. Cuando el verano pasado podíamos hablar durante unos minutos con Ronnie, batería de la banda, apuntaba a esta como una de sus nuevas canciones favoritas y como una de las que más ganas tenía de tocar en directo.

En cuanto al FIB, los abonos están a la venta en su página web desde 110 euros hasta el 14 de diciembre. Son abonos de 4 días con ocho días de acampada gratuita del 16 al 23 de julio en Campfest. A partir del 15 de diciembre su precio será 125 €. Además, hay pases VIP y entradas para Villacamp (zona de acampada VIP).

Susanne Sundfør / Music For People In Trouble

Por
Raúl Guillén
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Nadie debería sentirse decepcionado por el hecho de que la noruega Susanne Sundfør haya retrocedido –leído sin connotación negativa alguna– a las formas acústicas, clásicas, de su debut homónimo publicado una década atrás. Es cierto que con ‘Ten Love Songs’, un disco complejo pero con pegada melódica que conjugaba sonidos sintéticos, ritmos bailables, canciones pop y composición clásica, Susanne logró captar más atención que nunca antes en toda su carrera. Sin embargo aquel proyecto, que desarrolló totalmente en solitario, la dejó tan exhausta que acabó afectando a su salud física, mental… y sentimental.

Por fortuna para nosotros, ese quiebre anímico la llevó a abandonar toda actividad… salvo la música, y así nació ’Music For People In Trouble’. Un disco que no es exactamente un álbum confesional ni explícito con sus problemas personales. Más bien al contrario, es un disco que parte de sus experiencias y de un viaje que emprendió por lugares absolutamente distintos de todo el mundo –Corea del Norte, Brasil, Nepal, Islandia…– para curarse. En esos parajes recónditos encontró una espiritualidad que la ayudó a sobreponerse –‘Music For People In Trouble’, la canción, es un discurso de un amigo suyo que posibilita experiencias extremas en la Naturaleza a modo de terapia; Susanne vivió su propia catarsis pasando 24 horas sola en los Pirineos– y que se plasma en estas diez nuevas canciones en las que ella dice que hay más luz que oscuridad.

A pesar de ‘Mantra’, un falso ejercicio de autoafirmación que se ensombrece en el último instante (“estoy tan vacía como la Tierra, un nacimiento insignificante, polvo de estrella en un universo, eso es todo lo que valgo”, termina); a pesar del corazón roto que se trasluce en ‘Reincarnation’, aunque valiera la pena (“soy una chica mala porque convertí un mundo feo en una perla de cristal y nos quedamos sin amor, fue pura felicidad”); a pesar de cómo expone los presagios del fracaso de su relación en ‘Bedtime Story’ (“Porque decía la verdad cuando dije que saldría mal, porque siempre pensé que mi vida sería una canción triste”); a pesar de que su visión sobre el amor ha quedado dañada para siempre (“No confíes en los que te aman, porque si les devuelves ese amor te decepcionarán, es un hecho”, comienza ‘Undercover’); a pesar de todo eso, ‘Music For People In Trouble’ es una promesa de que nada es tan importante, de que todo pasará y la luz volverá a nosotros (como fantasea en una ‘No One Believes In Love Anymore’ que en cierto modo remite a los Radiohead más conmovedores).

Ese fondo espiritual se traduce en unas canciones demoledoramente bellas, capaces de clavarte al asiento –si estás sentado, lo cual es recomendable porque la alternativa es caerse de culo– la primera vez que las escuchas con atención. ‘Music For People In Trouble’ es un torrente musical en el que folk leonardcohenesco, jazz, clásica –Sundfør culminó estudios superiores de piano–, pop y hasta new age (no hay mejor manera para definir la coda final de ‘The Sound of War’) van de la mano como una sola entidad. Una entidad repleta de pequeños detalles y giros en la producción (el “corte” súbito que padece ‘Good Luck Bad Luck’ antes de introducirnos en la coda jazzy; los ruidos domésticos y fantasmales que pueblan ‘Bedtime Story’) –esta vez la noruega ha delegado parte del trabajo en Jorgen Traeen, colaborador de Sondre Lerche, entre otros–. Una entidad que se pone a disposición de una voz casi sobrenatural: Sundfør se sitúa con estas expresivas y cálidas interpretaciones a un nivel sublime, no solo al de contemporáneas como Feist o Basia Bulat, sino al de leyendas como Linda Perhacs o Margo Guryan.

Como buena gran obra de calado espiritual y emocional, los 44 minutos de ‘Music For People In Trouble’ no son una balsa de aceite. Tienen sus valles, ejemplificados sobre todo en el corte que da nombre al disco y ejerce de experimental intermezzo –precedido de la citada coda ambient-noise de ‘The Sound of War’– o también en las disonancias un poco ‘Twin Peaks’ de ‘The Golden Age’ o la solemne intro de ‘Mountaineers’, con la resonante voz de John Grant. Pero se asimilan como peajes, momentos para detenerse, respirar y continuar en el viaje interior que ofrece el disco. Un viaje en el que sobre todo brillan melodías de una belleza que abruma y corta el aliento, tanto si es grandilocuente, como toda ‘Undercover’ o el crescendo final de ‘Mountaineers’, o íntima, como la de la desarmante ‘No One Believes In Love Anymore’, la acústica ‘Reincarnation’, la juguetona y pianística ‘Good Luck Bad Luck’ o la expresividad jazzy de ‘Bedtime Story’. Cuando muchos pensaban que Susanne Sundfør había alcanzado su cumbre en el hedonista y celebratorio ‘Ten Love Songs’, la noruega ha mostrado un nuevo perfil creativo que puede perpetuarla como una artista de enorme recorrido creativo e influencia, la Kate Bush de las nuevas generaciones.

Calificación: 8,6/10
Lo mejor: ‘Undercover’, ‘No One Believes In Love Anymore’, ‘Reincarnation’, ‘Bedtime Story’, ‘Mountaineers’, ‘Good Luck Bad Luck’
Te gustará si te gustan: First Aid Kit, Feist, Leonard Cohen, Kate Bush, Joanna Newsom
Escúchalo: Spotify

La cabeza de Merrill Garbus de Tune-Yards canta en un microondas en el vídeo de ‘ABC 123’

Por
Jordi Bardají
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Tune-Yards publican nuevo disco el 19 de enero, un ‘I can feel you creep into my private life’ del que ya hemos conocido el sencillo principal, ‘Look at Your Hands’, que a través de un ritmo disco expresa y una producción ochentera expresa en su letra una crítica al poder corrupto, con referencias a la industria del agua o a la figura de un padre que es un “hombre malicioso”.

En la línea de ‘Look at Your Hands’, el dúo formado por Merrill Garbus y Nate Brenner presenta un segundo single de este trabajo titulado ‘ABC 123’, que vuelve a servirse de una melodía algo tontorrona -casi como su título- para contarnos una historia más turbia que nos habla del deseo de gustar a la gente, de centralidad blanca, de “libertad natural” convertida en “humo” y de un feto “antes de ser contaminado” que “nos lleva a lo obsceno”.

El tema se presenta con un curioso vídeo dirigido por Dear Mr Quistgaard en el que vemos a Garbus y a Brenner y a varias perosnas más en un taller, donde la cabeza de Garbus interpreta el tema desde varios sitios imposibles, como en el centro de un tren de juguete o en el interior de un microondas.

Sufjan Stevens muestra su fascinación por ‘Tonya Harding’ en dos versiones de la misma canción

Por
Sebas E. Alonso
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Sufjan Stevens ha publicado otro tema más que se añade a ‘The Greatest Gift‘, su mixtape revisitando ‘Carrie & Lowell’ con remixes, demos y tomas alternativas o a las canciones que hace poco le hemos oído en una banda sonora.

La nueva idea es una canción para la patinadora Tonya Harding, a la que vio en la tele en 1991 y que siempre le ha fascinado. Se ha acompañado en este tema de Helado Negro y Doveman en la producción y le ha quedado un bonito villancico que recuerda que ya es hora de sacar de las estanterías sus dos recopilaciones al respecto.

En un texto promocional sobre este nuevo tema, Stevens confiesa: “Tonya brilla en el panteón de la historia americana simplemente porque nunca dejó de dar lo mejor de sí misma. Luchó contra el clasismo, el sexismo, el abuso físico y la reprimenda del público para convertirse en una leyenda americana”. Sufjan se refiere a que Tonya acusó a su madre de abusos.

En la descripción de Youtube podéis encontrar la letra empoderadora de ‘Tonya Harding’ («eres mi princesa americana», “solo Dios sabe lo que eres”), no exenta de ironía (“solo basura de Portland”) y sin esquivar su polémico enfrentamiento con otra patinadora llamada Nancy Kerrigan, a la que su novio hirió. En Bandcamp podéis escuchar otra versión de la canción en otro tono, además de leer un texto suyo sobre la patinadora, en el que habla, por ejemplo, de su sextape.

Nile Rodgers supera un segundo cáncer y avanza “grandes planes” para 2018

Por
Jordi Bardají
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Nile Rodgers ha publicado un comunicado en forma de vídeo en su página web confirmando que ha superado un segundo cáncer. El músico explica que a principios de 2017, durante su gira mundial con Earth, Wind & Fire, se le detectaron dos tipos de cáncer en un único tumor y que al término de la gira fue ingresado en un hospital de Nueva York para que les fueran extirpados. El músico afirma que ahora está “100% recuperado”.

Rodgers, quien ya padeció un primer cáncer de próstata en 2011, afirma que la noticia de un segundo cáncer ha sido un duro varapalo para él tras un par de años duros por las muertes de un familiar y de sus amigos David Bowie, Prince, George Michael y Chris Cornell, y también al padecer su madre alzéimer, pero que tras su experiencia anterior con el cáncer ha afrontado el segundo con más tranquilidad y de nuevo rodeado de profesionales.

Más adelante en el texto, el músico curiosamente pide disculpas a sus fans por haber “desaparecido” en los últimos días y avanza planes para 2018 “que van más allá de mis sueños más salvajes”. Ojo, Rodgers recuerda que fue durante la recuperación de su primer cáncer que recibió en su casa la visita de Daft Punk para trabajar en el que sería su próximo disco, el exitoso ‘Random Access Memories’.

El Cigala, de nuevo errante e ido en ‘El Hormiguero’

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Sebas E. Alonso
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El Cigala volvió a El Hormiguero después de haber asistido en 2014 y haberse mostrado errático, con la audiencia especulando sobre lo que se había o no se había tomado antes de rodar el programa. Y anoche, festivo en España, con más motivo sucedió exactamente lo mismo. El artista acudía al programa de Pablo Motos para presentar su documental ‘Indestructible, el alma de la salsa’, pero del documental se habló lo justito.

Lo que vimos fue una conversación sin norte ni sentido -menos incluso del habitual en el programa- en la que apenas se pudo entender algo sobre el día en que El Cigala dio su primer concierto tras la muerte de su esposa Amparo, a la que adoraba. «Llegué sin ganas de nada. Llegué muy cansado, derrotado, sin mente para cantar y cuando salí al escenario, estaba todo. Yo creo que fue el alma la que cantó esa noche», confesó en uno de los pocos momentos de claridad.

En el resto, El Cigala hizo del «cortarrollos» el nuevo «¡Atrásss, atrásss!», respondió lo que quiso, se rió a destiempo y produjo un par de silencios incómodos cuando se supone que tocaba oír al público reírse. Pero sobre todo miró a la más absoluta nada durante su intervención. Que fue coronada además con un concurso de chistes surrealista en el que le vistieron de romano y ducharon a unos empleados del programa y, sobre todo, con una espectadora perdiendo un coche y ganando en su lugar una mierda pinchada en un palo. Nivel Hormiguero.

A la espera de que se confirme si El Cigala es así y ya está, o su visita en este estado va a convertirse en una tradicición de El Hormiguero, el programa fue seguido por un 12% de la audiencia y 2.059.000 espectadores, además de anotar el minuto de oro del día, con un 18% y 3.051.000 espectadores, a las 22.47 h.

Caroline Polachek se desmarca del cartel de Moogfest al no haber sido avisada que sería “enteramente femenino y no binario”

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Jordi Bardají
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Caroline Polachek, antigua integrante de Chairlift, y que actualmente se ocupa de su proyecto de ambient CEP-, ha decidido desmarcarse del cartel de Moogfest, un festival que se celebra del 17 al 20 de mayo en Durham, Carolina del Norte, al ser “enteramente femenino y no binario”. La artista asegura no haber sido avisada de la dirección del cartel cuando aceptó participar en el festival.

En un tuit, Polachek se ha mostrado “furiosa” ante la dirección del programa de Moogfest, al considerar que ha usado su género femenino y el del resto de artistas confirmadas por motivos de publicidad y para colgarse una medalla de feminismo a costa de su trabajo. “No necesito la simpatía de nadie y menos la de un curador que es hombre”, ha dicho. “Borrad mi nombre de esta lista y metedme con los tíos”. A continuación, en otro tuit, Polachek informaba que ya no va actuar en el festival.

Moogfest se ha disculpado con Polachek en un comunicado por presentarla en el cartel de manera que su arte haya parecido secundario. “Creemos que usar esta plataforma para poner el foco en las mujeres y en las personas transgénero y no binarias es una herramienta importante para combatir la invisibilidad que puede afectar a estas identidades cuando se las mantiene en la periferia”, ha escrito, insistiendo en que no ha habido “otra razón” para programar a estas artistas en su cartel más que su trabajo.

‘Black Mirror’ confirma fecha de estreno de su 4ª temporada y comparte avances de sus 6 episodios

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Jordi Bardají
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Netflix ha confirmado la fecha de estreno de la cuarta temporada de ‘Black Mirror’, una de sus series estrella. Será el próximo 29 de diciembre. Será naturalmente uno de los mayores eventos culturales de lo que queda de 2017, en parte después del éxito de la temporada anterior, que incluía el episodio ‘San Junipero’, ganador de dos Emmy.

En los últimos días, la plataforma de series en streaming ha avanzado la nueva temporada de ‘Black Mirror’ con tráilers de sus seis episodios, los que llevarán por título ‘Arkangel’, ‘Hang the DJ’, ‘U.S.S. Callister’, ‘Cabeza de metal’, ‘Black Museum’ y ‘Cocodrilo’. En este nuevo futuro imaginado por ‘Black Mirror’ habrá sistemas de control parental avanzados, una sofisticada app de citas, viajes por el espacio exterior, un acosador misterioso y un sistema de registro de recuerdos.

Charlie Brooker, creador de ‘Black Mirror’, vuelve a firmar el guion para cada uno de estos episodios a excepción del titulado ‘U.S.S. Callister’, que ha escrito junto a William Bridges, informa El País. El episodio titulado ‘Arkangel’ lo ha dirigido la actriz Jodie Foster, quien según la productora de la serie Annabel Jones tenía claro cómo quería que fuera el episodio: un “drama indie ambientado en Estados Unidos”.

Ed Sheeran hace «match» en Tinder con otros cantantes a su paso por Los40

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Jordi Bardají
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Ed Sheeran, el rey del pop en 2017, se ha pasado esta semana por el estudio de Anda Ya de Los40 para promocionar… ¿realmente necesita ‘Divide’ alguna promoción? El cantante británico está en España, presumiblemente visitará El Hormiguero en algún momento de los próximos días y ha tenido un momento para pasarse por Los40.

En su visita a Anda Ya, Sheeran ha tenido tiempo de recoger su premio Los40 Music de mano de Paula Echevarría, patear (mal) una pelota de futbol, hacer “match” en “Tinder” con Alejandro Sanz, Camila Cabello, Shawn Mendes y su colega Anne-Marie o “tatuarse” el logo de Los40. A todo esto, Cristina Boscá, rebosante de emoción ante la presencia de Sheeran, no puede evitar comunicarle que su música es “la banda sonora de mi vida y de la de todos, que te adoramos”.

Por cierto, Sheeran se ha confirmado recientemente en el disco de Eminem, ‘Revival’, que sale el 15 de diciembre. Sheeran aparecerá en un tema titulado ‘River’ y no será el único “featuring” del álbum, ya que su single principal es ‘Walk on Water’ con Beyoncé y además habrá otros temas con P!nk, Alicia Keys, Kehlani, Phresher, Skylar Grey y X Ambassador.

La música urbana es el nuevo pop… ¿pero es todo el pop?

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Sebas E. Alonso
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Mientras las visitas a vídeos de artistas de música urbana se cuentan por millones en Youtube, su fórmula estética y sonora salpica también al mainstream. Son muchos los que proclaman que la música urbana, bien sea por la vía del tan traído y llevado «trap», con o sin componente latino, es el nuevo pop. ¡Si hasta Shakira tiene una canción que se llama ‘Trap’!

Tras haber preguntado a artistas de urban, electrónica o dream pop hace unos días si el rock’n’roll había muerto, hoy el ejercicio es el contrario. Preguntamos a artistas veteranos, nuevos rockeros, cantautores… cuán ajena les es esta música urbana, si ellos también tienen público joven en sus conciertos o cuáles son sus canciones o artistas favoritos de estos nuevos géneros. Responden dos de los grupos españoles de guitarra más populares de los últimos años, Viva Suecia y Hinds; Ibon Errazkin, que desde los 80 ha militado en Aventuras de Kirlian, Le Mans y Single y ahora lanza disco en solitario; Tulsa, que acaba de lanzar ‘Centauros‘; la revelación La Plata, autores de la enorme ‘Un atasco’; Manu de Rusos Blancos, que se acaban de hacer un hueco en el mercado pese a no ser precisamente unos adolescentes y sin recurrir a estos géneros; y también Franz Ferdinand, que hace poco han estado en Madrid promocionando un nuevo álbum que sale el año que viene y del que ya conocemos la excelente ‘Always Ascending’.

Viva Suecia

¿Creéis que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, creéis que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es vuestra opinión al respecto?
No creemos que sean el nuevo pop, sino que ahora forman parte muy activa de él. Como bien dices, entendemos la música pop como un concepto ecléctico y muy extenso, es mucho más que esos estilos que están de actualidad en cada momento.

¿Algún artista o canción concreta que os haya gustado de estos nuevos géneros?
Kinder Malo. Es alucinante, las letras son la hostia. Le seguimos la pista desde el principio.

«Nuestros padres se horrorizaban con bandas que escuchábamos de adolescentes y que hoy por hoy están totalmente aceptadas e incluso sonando en emisoras de radiofórmula, estamos convencidos de que eso mismo va a pasar con el trap, el urban, latino…»

Mucha gente cree que la gente joven solo escucha trap, urban, latino… pero en vuestros conciertos hay mucha gente joven, verdad? ¿Cómo lo percibís vosotros?
Bueno, aventurarse a decir que solo escucha determinada música es demasiado atrevido. A nuestros conciertos viene muchísima gente joven, es cierto, y muchos de ellos con un abanico muy amplio de gustos musicales. Lo bueno de esta época de sobreinformación que estamos viviendo es justo eso, el acceso es mucho más fácil y hemos aprendido a disfrutar de estilos que a priori no parecían compatibles. Eso ya parece algo del pasado, hay fans de Viva Suecia que al día siguiente pueden ir perfectamente a un concierto de Bad Bunny. Cada vez tenemos menos prejuicios y la mente más abierta a nuevas sensaciones. Nuestros padres se horrorizaban con bandas que escuchábamos de adolescentes y que hoy por hoy están totalmente aceptadas e incluso sonando en emisoras de radiofórmula, estamos convencidos de que eso mismo va a pasar con el trap, el urban, latino… Ya pasó con el rock, el punk, con la música disco, el hip hop y muchos otros. Forma parte de la historia de la música normalizar aquello que antes se ha satanizado.

Franz Ferdinand

¿Escucháis algo de música urbana, trap, grime, nuevo hip-hop…?
Alex Kapranos: «Sí, claro, mi favorito es Anderson.Paak, me encanta ese disco, mola mucho. También el de Thundercat».
Bob Hardy: «Yo no soy un experto».
A.K.: «Kanye también. Tiene una personalidad diferente, pero su música es alucinante, me gusta mucho, de verdad».

¿Creéis que la música urbana es el nuevo pop y que el rock’n’roll no es tan popular como solía? ¿Han salido nuevas bandas de rock que sean tan famosas como The Strokes o vosotros mismos, Franz Ferdinand?
A.K.: «Saldrán, va todo por fases. Estoy seguro de que saldrán, aunque de otra manera diferente. Estoy deseando escucharlas».

«Hay algo bueno en todos los géneros excepto en el nu-metal»

¿Vuestro público es también joven?
B.H.: «Sí, definitivamente sí. Nos sigue gente de 15 años, adolescentes».
A.K.: «Estábamos mirando antes las menciones de Twitter y había una chica de Vancouver muy enfadada porque vamos a hacer un concierto que es solo para mayores de 18 años. Eso significa que como mucho tendrá 17 años».
B.H.: «Y nos pasó exactamente lo mismo cuando tocamos en Vancouver la última vez».
A.K.: «¡Igual es que es la misma chica! (risas) De todas formas, si tiene 17 años, significa que tenía 2 años cuando empezamos a tocar. Es increíble».

En nuestra web hay gente que claramente odia el trap y la música urbana, ¿igual estamos forzando que sea el nuevo pop, cuando hay otras cosas que también gustan a la gente joven?
A.K.: «Yo siempre digo que hay algo bueno en todos los géneros excepto en el nu-metal» (risas).

Tulsa

¿Escuchas algo de música urbana, del tipo trap, hip-hop?
Me he acercado al trap. Estuve en una época oyendo mucho lo que estaba pasando. Tiene algo brutalmente magnético, muy fresco, pero me ponen muy de los nervios las letras, me da muchísima pena y les quiero matar a todos.

¿Algún ejemplo de magnético?
No recuerdo una canción en concreto. Kinder Malo me produce fascinación como personaje, pero es que todo lo que sale por esa boca me repugna.

¿A nivel machismo, lenguaje…?
Que digan «puta» todo el rato, que se refieran a las mujeres como putas, las fotos que salen… Me dio mucho miedo, no sé muy bien cómo encuadrarlo, no sé qué va a pasar, no sé qué dicen las mujeres de esa generación, qué sensación tienen, me gustaría saberlo, a mí me pilla un poco lejos.

«Quiero que salgan mujeres del trap fuertes. El género me pone, así en términos generales, pero las letras me parecen un puto espanto».

Bueno, hay algunas chicas.
Sí, Zowi, sí que hay, pero como que asumen un poco ese papel, ¿no?

Ms Nina dice que ella hace lo que le da la gana.
Yo quiero que salgan mujeres del trap fuertes, me encantaría eso, es un género súper potente, muy ilusionador. Me pone, así en términos generales, me pone, me gusta que exista, pero las letras me parecen un puto espanto.

Hinds (Carlotta)

¿Crees que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, crees que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es tu opinión al respecto?
Para contestar bien a esta pregunta antes habría que ponernos de acuerdo en cómo definimos la música pop. Si con pop nos estamos refiriendo a la música más popular y que triunfa en los charts, ningún género se transforma por ser popular. Más bien yo opinaría al contrario, creo que esta música urbana se ha ido haciendo/componiendo cada vez más melódica, pegadiza, con estribillos claros, fácil de escuchar, fácil de bailar… ¡estamos describiendo un hit! Y quizás está ocurriendo también a la inversa, artistas que hacían música pop como género en sí han ido subiéndose al carro de beats a ritmo de reggeaton, voces con un autotune forzado y demás. De todas formas y tratando de cerrar la respuesta, en el arte no hay nada definitivo. Las cosas seguirán cambiando, y de veras no se me hace tan inaudito ver el top 50 de España lleno de traperos y reggeaton, ya que probablemente sea todo culpa de C. Tangana, jajaja.

«Creo que esta música urbana se ha ido haciendo/componiendo cada vez más melódica, pegadiza, con estribillos claros, fácil de escuchar, fácil de bailar… ¡estamos describiendo un hit!»

LOWLIGHT, que han trabajado con One Path y Bad Gyal os citan entre el rock que escuchan, ¿en tu caso hay algún artista o canción concreta que te haya gustado de la última electrónica, la música urbana, el trap, etc?
Sí hay cosas que molan, pero no estoy muy segura de si me gustan a la fuerza de haberlo oído tanto. He perdido la perspectiva totalmente.

Mucha gente cree que la gente joven ya solo oye música urbana, pero por ejemplo vuestro público es jovencísimo, ¿verdad?
¡Hay muchísimos jóvenes, sí! Estas cosas siempre han ocurrido, nunca es un 100% de los jóvenes siguiendo ninguna moda. Siempre queda un porcentaje, aunque sea pequeño, que va más a su bola y no sigue a la masa. O a lo mejor les gustan las dos cosas. Sea como sea, me gusta mucho ver a chavalines en conciertos, por supuesto prefiero que sean de Hinds, jaja, pero que elijan música en directo como su plan de viernes siempre me parecerá positivo.

Ibon Errazkin

¿Crees que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, crees que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es tu opinión al respecto?
Pop pueden ser muchas cosas, pero sí, el pop moderno de hoy en día es esa música.

¿Algún artista o canción concreta que te haya gustado de estos nuevos géneros?
Muchas, ‘Hangover’ de Tomasa del Real, ‘Chulo sin H’ de Jowell & Randy, todo lo de Bad Gyal, ‘Hay flores flotando en el agua’ de Dellafuente…

¿Crees que estos son los únicos artistas que escucha la gente joven de 16-18 años o también ves gente joven en conciertos de otros estilos?
Tanto como los únicos… también está Pablo Alborán.



Rusos Blancos (Manu)

¿Crees que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, crees que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es tu opinión al respecto?
No creo que sea el nuevo pop, sino una corriente más dentro de la música popular que en los últimos años ha resultado ser la dominante, tal y como en otras épocas pudieron serlo otras. Si creo esto no es solo por una cuestión de que la música urbana, el hip hop, el trap… compartan estructuras, instrumentación y armonías con el resto de la música pop, sino sobre todo porque esas diferencias más marcadas que podían existir en un primer momento, fueron limándose hasta provocar que unas corrientes de origen marginal terminaran totalmente integradas en la industria. Y en ese camino ha sido la música urbana quien ha hecho más por asimilarse al pop que no a la inversa. En definitiva, no ha sido tanto la ruptura que podría suponer algo realmente nuevo como una regeneración continua de lo ya establecido por décadas de música popular.

«Este fenómeno nos ha coincidido con la crisis de los cuarenta y necesitamos sentirnos jóvenes»

¿Algún artista o canción concreta que te haya gustado de estos nuevos géneros? Creo que dijisteis que salvabais un 5% del género, ¿cuál sería?
Ese igual fue Javi (Betacam), que habrá escuchado más trap que yo. A mí hay muchísimas cosas de música urbana que me interesan muchísimo, pero el trap como subgénero no me interesa demasiado. Durante mi adolescencia casi solo escuché rap, y cuando hago la comparación no puedo evitar que me parezca mucho más pobre. Pero tampoco creo que deba ser nuestra generación la que legitime o no lo que hacen, sino la suya, los chavales de veinte años.

¿Crees que estos son los únicos artistas que escucha la gente joven de 16-18 años o también ves gente joven en conciertos de otros estilos, como en los vuestros propios?
Mi sensación es que estamos creando una burbuja enorme con esto del trap tal y como en su momento la creamos con el indie y como la creamos con cualquier cosa que les pueda llegar a gustar a los treintañeros con estudios universitarios y profesiones modernas. Yo trabajo en un centro comercial rodeado de chavales de veinte años y cuando les digo que el trap a día de hoy es lo más y que es el fenómeno musical definitivo no tienen ni idea de lo que estoy hablando. Y sin embargo, es a mis amigos de mi edad o más mayores a los que les veo ir a conciertos de trap, compartir vídeos en instagram, los que me hablan de ello… No quiero decir que la base fundamental del fenómeno no sean los críos, porque lo son. Pero también lo fueron en otros fenómenos anteriores y no se puso el foco en ellos. Lo que pasa es que este nos ha coincidido con la crisis de los cuarenta y necesitamos sentirnos jóvenes.

La Plata

¿Creéis que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, créeis que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es vuestra opinión al respecto?
El trap ha llegado a este país igual que todas las demás revoluciones culturales: con retraso. Y del mismo modo que las demás, ha llegado centrándose más en aspectos estéticos que en un modo de vida. Si tenemos en cuenta que el trap del sur de Estados Unidos en los noventa nace ligado a la calle, las drogas y la violencia, en España no tenemos trap como tal, sino una mezcla de géneros que lo hace mucho más consumible. Llamamos así en general a las nuevas generaciones de raperos que tienen características pop en cuanto a que han alcanzado las listas de éxitos. El «trap» no es el nuevo pop porque todo el mundo no se identifica masivamente con los temas que trata y la manera en que los trata. Pero si de lo que hablamos es de que ahora este estilo es tendencia en los festivales, estamos saturados de trap en Youtube o que la moda se ha rendido a su estética, es decir que el «trap» se ha popularizado: sí.

«Podría hacerse una analogía con nuestra generación y el indie, que crecimos con ello hasta que empezamos a analizarlo, criticarlo y al final como con todo pasamos a otra cosa»

Estáis entre los grupos favoritos de MueveloReina, ¿en vuestro caso hay algún artista o canción concreta que os haya gustado de estos nuevos géneros?
Estamos a favor del papel que juega la piratería de software y la facilidad de acceder al medio digital para que cualquier persona con pocos recursos sea capaz de crear y compartir su música en la red. Nos gustan los grupos de mujeres que en sus letras recuperan la actitud violenta y la desobediencia del rap en contra de lo normativo. De MueveloReina, además, es interesante su punto de vista irónico con el propio género. La suavidad de los últimos temas de Pimp Flaco también está bien. Y que en los bolos se llenen las primeras filas de grupos de amigas que mueven el culo sin que ningún chaval les moleste por detrás, siempre.

¿Creéis que estos son los únicos artistas que escucha la gente joven de 16-18 años o también veis gente joven en conciertos de otros estilos?
Prácticamente ya sólo consumimos música a través de internet, del que han nacido la mayoría de artistas trap actuales, más hedonistas e individualistas que en el hip-hop, lo que lo convierte en un género más atractivo por su estética. Éste es el mundo que los adolescentes están viviendo y podría hacerse una analogía con nuestra generación y el indie, que crecimos con ello hasta que empezamos a analizarlo, criticarlo y al final como con todo pasamos a otra cosa. Igualmente las próximas generaciones se opondrán a lo existente porque así es como se construye el futuro, a base de contraposiciones y de la nostalgia romántica del pasado. Un artículo de Young Vibez, en el que se defendía el lujo tan ligado al trap como exigencia política, auguraba un neo-hippismo o el retorno a un mundo pre-Internet que los adolescentes de hoy nunca han conocido, y un estilo de vida que rechace el exceso y el lujo. De cualquier manera, no existe un «gente joven» absoluto y obviamente hay gente joven en muchos sitios.

Paloma Faith / The Architect

Por
Jordi Bardají
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Inspirada en Bob Dylan, Nina Simone y el Boss, Paloma Faith ha publicado su disco político, ‘The Architect’. La cantante británica defiende que los artistas pop de hoy tienen demasiado miedo a posicionarse políticamente y por tanto ha creado un disco en el que refleja su malestar por los problemas sociales y políticos en la actualidad, por suerte sin aburrirnos con referencias superfluas al Brexit y a Donald Trump, aunque de vez en cuando sí sucumbiendo a declaraciones hiperbólicas tipo “estamos en la tercera guerra mundial”.

‘The Architect’ no habla sobre ningún conflicto concreto, sino que más bien se dirige a ellos indirectamente a través de temas como la violencia, el patriarcado o los derechos humanos. El single principal del álbum, ‘Crybaby’, es un tema disco con mensaje claro, los hombres SÍ lloran, y que pese a ser muy bailable y pegadizo contiene un fondo de angustia que refleja perfectamente su mensaje. El mismo mensaje que se repite en ‘I’ll Be Gentle’ con John Legend, posiblemente la obra maestra del disco, una balada estilo Motown épica, con arreglos y coros góspel espectaculares, un poco navideña, en la que Faith sentencia: “un hombre de verdad deja que se le vea llorar”.

Faith invita a varias personalidades de la cultura en ‘The Architect’ para que la ayuden a expresar su mensaje de unión, paz y activismo, entre ellos al periodista Owen Jones y al actor Samuel L. Jackson, quien abre The Architect’ planteando directamente la tesis del álbum y clamando: “haz algo, di algo, cree en algo, pero sobre todo, sé consciente de que puedes cambiar las cosas”. Esta ambigüedad por tanto es ideal para que Faith integre en el álbum otros temas de autosuperación más personales como son ‘Guilty’, otra pieza Motown enorme; el exuberante y dramático tema titular y la otra maravilla disco de ‘The Architect’, ‘Til I’m Done’.

A menudo ‘The Architect’ redunda en fórmulas viejas sin impresionar, como es el caso de varios temas hacia el final del disco, como ‘Lost and Lonely’. Hay un bonus reivindincable, ‘Power to the Peaceful’, cuya producción remite a The Neptunes, y sobre todo la primera mitad del álbum está llena de buenas canciones, a destacar también ‘Kings and Queens’ y la dramática ‘Surrender’, otra gran canción con coros góspel. Un poco de tijera y a Faith le habría quedado un disco cercano a la perfección. En cualquier caso merece el número 1 en Reino Unido, y de los discos que se venderán como churros estas Navidades, sin duda es uno de los mejores.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘The Architect’, ‘Crybaby’, ‘Guilty’, ‘I’ll Be Gentle’, ‘Surrender’, ‘Til I’m Done’
Te gustará si te gusta: Sam Smith, John Legend, Adele, Rebeca Ferguson, Duffy
Escúchalo: Spotify

’50 sombras de Grey’ y ‘Brokeback Mountain’, votadas entre las películas más aburridas de todos los tiempos

Por
Sebas E. Alonso
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Coincidiendo con el estreno de una película que ha producido Samsung sobre una lavadora funcionando durante 66 minutos y a la que ha puesto música Michael Nyman, conocido sobre todo por la banda sonora de ‘El Piano’, la marca de telefonía ha realizado un estudio un tanto casero sobre las películas más aburridas de todos los tiempos.

En ella te sonreirás al encontrar algún blockbuster como ‘50 sombras de Grey‘, alguna película tan traída y tan llevada como ‘Showgirls’ o incluso una adaptación de nuestro país como ‘Vanilla Sky’ (¿de verdad alguien la recordaba?). Menos gracia te hará, probablemente, encontrar verdaderas obras maestras como ‘2001 Odisea en el espacio’ o películas que cambiaron el curso de la historia desde el punto de vista social como ‘Brokeback Mountain’. No falta, eso sí, y como era de prever, ‘El árbol de la vida‘. Casi sorprende la ausencia de ciertas cintas que suelen aparecer en este tipo de listados o han sido tan cuestionadas por el público, como ‘Gerry’, ‘Tropical Malady’ y ‘Holy Motors’.

¿Cómo se ha realizado este listado? Se ha consultado a un comité de críticos cinematográficos y luego se ha contrastado con 2.000 personas en Reino Unido. Suponemos que al voto de «aburrido» de estos corresponde el porcentaje recogido en el NME. No es el método más riguroso que se nos ocurre para publicar un listado de este alcance, pero ahí queda como curiosidad.

50 Shades of Grey (2015) – 34%
Blair Witch Project (1999) – 29%
Star Wars Episode I: The Phantom Menace (1999) – 26%
Brokeback Mountain (2005) – 26%
Transformers (2007) – 24%
The Postman (1997) – 24%
The Artist (2011) – 21%
Australia (2008) – 20%
Vanilla Sky (2001) – 20%
Seven Years in Tibet (1997) – 19%
Batman and Robin (1997) – 19%
2001 A Space Odyssey (1968) – 18%
The Matrix Revolutions (2003) – 17%
Showgirls (1995) – 17%
Far and Away (1992) – 17%
The Tree of Life (2011) – 16%
Noah (2014) – 16%
Meet Joe Black (1998) – 16%
Lincoln (2012) – 16%
Cleopatra (1963) – 16%

Katy Perry gana más en su batalla legal por un convento que con su disco ‘Witness’

Por
Sebas E. Alonso
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Katy Perry podrá hacerse finalmente con el convento del que se enamoró hace unos años en las inmediaciones de Los Ángeles tras una larga batalla legal en la que se discutía la capacidad de las monjas para venderlo (en realidad el terreno pertenecía a la archidiócesis de Los Ángeles) y también enfrentaba a Perry con la restauradora y promotora inmobiliaria Dana Hollister.

Un juzgado condena esta semana a Dana Hollister, que quería comprar este mismo convento para hacer un hotel boutique de 60 habitaciones, a pagar 5 millones de dólares a Katy Perry, 1,6 de ellos correspondiendo a costas legales. ¿La razón? Había utilizado prácticas «maliciosas» para convencer a las monjas de que Katy Perry no merecía la compra, alegando que violaba sus creencias religiosas. Les puso videoclips de corte sexy, y el juzgado ha estimado que ha difamado, ha interferido en las relaciones contractuales de manera indebida y con ventaja económica para sí misma.

Esta victoria para Katy Perry le reportará más beneficio que las propias ventas de ‘Witness’, a nivel mundial estancadas en las 800.000 unidades, y que por tanto difícilmente le habrán reportado tal cantidad de millones de dólares si tenemos en cuenta que lo que se ingresa a través de un disco se reparte entre sello, tienda distribuidora, impuestos, etcétera. Otra cosa es lo que recaude su gira, que consta de 105 fechas a nivel mundial y le está reportando más de 1 millón de dólares por noche en recaudación total, pese a no estar colgando el cartel de «sold out». Rascando de aquí y de allá, no extraña que la cantante ofreciera 13 millones de dólares al contado para hacerse con este convento, que la archidiócesis de Los Ángeles le va a vender gustosamente, como informa el diario El País.

La Canción del Día: el saxo de Mikal Cronin hipnotiza en ‘The Main Pretender’ de Ty Segall

Por
Sebas E. Alonso
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Ty Segall al fin ha concretado un poquito a qué venía tanta canción subida a Bandcamp este año (que no a Spotify). El 26 de enero tendrá un nuevo álbum en el mercado, con 19 pistas, y ahí estarán todos los adelantos que hemos conocido en los últimos tiempos: ‘Every 1’s a Winner’, ‘My Lady’s On Fire’, esa ‘Alta’ que de balada va evolucionando a un glam bastante guitarrero, la experimental ‘Meaning’ y ‘The Main Pretender’.

El disco se llama ‘Freedom’s Goblin’ y se define como “rock de impacto en todas sus formas y tamaños, con algunas de las canciones de pop más libre, violento y apasionado de 2018”. Quizá sea pronto para hablar de 2018, pero bien es verdad que ‘The Main Pretender’ es, gracias a su hipnotizante sección de vientos, muy David Bowie (ya ‘Manipulator‘ era un homenaje a su productor Tony Visconti), una de las canciones más accesibles de Ty Segall.

Y no lo es solo por su estribillo «You’re no one’s baby / You’re no one’s lover / You’re no one’s brother / You’re the main pretender» o la repetición obsesiva al final de la canción, sino por ese saxo tratado, saturado y a veces desbocado que ha tenido a bien tocar Mikal Cronin. Nada que ver con su actuación en ‘My Lady’s On Fire’, ¿verdad?

Este será el tracklist del álbum:

1. Fanny Dog
2. Rain
3. Every 1’s a Winner
4. Despoiler Of Cadaver
5. When Mommy Kills You
6. My Lady’s on Fire
7. Alta
8. Meaning
9. Cry Cry Cry
10. Shoot You Up
11. You Say All the Nice Things
12. The Last Waltz
13. She
14. Prison
15. Talkin 3
16. The Main Pretender
17. I’m Free
18. 5 Ft. Tall
19. And Goodnight

Do you believe in life after Cher?

Por
Sergio Moreno Miranda
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¿Qué morena de origen armenio estaba en la cúspide de la fama 40 años antes de que el fenómeno Kardashian pusiera al país caucásico en el mapa de la cultura celebrity mundial? ¿Quién se adelantó a todos los traperos, estrellas e ídolos del pop en utilizar el autotune como seña de identidad? ¿Y quién es la única que tiene en su casa un Emmy, un Oscar y un Grammy? Cherilyn Sarkasian. Monosilábicamente, Cher.

La gran diva del espectáculo -esa que, como ella misma reconoce, no es considerada cantante por las cantantes, actriz por las actrices, ni cómica por las cómicas- se despedía el pasado 25 de noviembre de su residencia del casino Monte Carlo de Las Vegas hasta 2018. Y lo hacía con todas las entradas vendidas y un rosario de asistentes que incluía desde a los patrios Alaska y Mario en modo aniversario hasta a parejas heterosexuales cisgénero de más de 60, pero también gays de corte clásico en modo viaje de amigos o mariliendres de pelo rubio y camisa de brillantina.

Ahora, imaginen que se apagan las luces de un teatro con capacidad para 5000 personas, que se encienden unas pantallas –marco rococó dorado mediante- que muestran imágenes de los últimos 50 años de carrera de la artista, que suena un medley housero que une el ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’ de U2 con el ‘Woman’s World’ de la propia Cher y que, en pleno subidón, se levanta el telón. Fan o no fan, los tiempos están manejados a la perfección para causar el éxtasis en un espectador que se ve absolutamente sobrecargado de inputs visuales y sonoros. Un decorado arabesco. Cinco bailarines vestidos de gladiador. Cuatro músicos. Y se corre un velo gigante y aparece ella, Cher, flotando sobre el escenario en un minarete dorado que ríete tú de los del palacio de Jasmin en Aladdin. Claro, canta del tirón -envuelta en una peluca afro, un mono azul semitransparente y unas hombreras con plumas de medio metro- ‘Woman’s World’ y ‘Strong Enough’ y el auditorio se viene abajo.

Desde luego, si alguien necesitaba una explicación sobre por qué sigue siendo necesaria Cher en 2017, ahí la tenía: una mujer de 71 años, desafiando al ageism preminente en la industria –ojo, siempre cuando se hable de artistas mujeres, nadie vaya a tocar un pelo a los Rolling, Bruce Springsteen o similares-, cantando al matriarcado y al female power. Y es que el show de la californiana, pese a estar anunciado como “no politizado” –this is America, after all-, deja entrever a una artista coherente con sus principios –sigue siendo poco, pero ¿acaso llevan Madonna o Britney Spears en su gira más reciente una bajista mujer? ¿Respetan la mayoría de shows de superestrellas la diversidad racial en su cuerpo de baile?-.

Pero sobre todo, a pesar de los 11 cambios de vestuario y 17 hits en 90 minutos, deja ver a una Cher muy humana, capaz de demostrar que el amor “after love” puede seguir existiendo en su emocionante homenaje a su ex marido Sonny Bono, con el que interpretó –digitalmente, claro- la mítica ‘I Got You Babe’ y que dejó a medio auditorio con el Kleenex en la mano. Y también muy empoderada y consciente de su rol en la industria y de lo que la audiencia opina de ella. Y es que, en el monólogo inicial –que por un momento nos transportó a aquellos míticos espectáculos que Debbie Reynolds ofrecía en teatros por toda la geografía norteamericana- ya le espeta a la audiencia que muchos de ellos estarán allí porque a “a ver cuánto tiempo más estará viva”. Pero también recuerda la emoción al verse reconocida con un Óscar (en 1988, como mejor actriz en ‘Hechizo de Luna’) tras sentirse una outsider de la industria durante toda su carrera o aquella vez que, al borde de los 40, un director de casting la llamó para decirle que se quedaba sin un papel por no ser ya joven ni guapa. ¿Chascarrillos de abuela? Sí. ¿Vigencia del mensaje? También. Empiecen a pensar en mujeres a las que la industria del entretenimiento menosprecia por haberse vinculado a géneros “menores” o porque cumplen cierta edad. Y, sin embargo, cierran bocas con cada aparición en la pantalla. El ejemplo perfecto, el de Reese Witherspoon en los últimos dos años.

Pero, volviendo al espectáculo, esto es Las Vegas. Y es América. Y lo visto sobre las tablas no se puede más que describir con un adjetivo prestado del inglés: massive. Masivo, gigantesco, elefantiásico y excesivo en todos los sentidos. Ya antes de empezar, la organización lo tiene todo preparado: merchan en cada piso del teatro, varios photocalls en los que posar con pelucas y boas al más puro estilo Cher y un hilo musical en el que no faltaron ni los Village People ni Gloria Gaynor. ¿Tópico? Llámese saber hacer feliz a tu audiencia –el asistente medio era de 50 y de orientación sexual y/o género no normativo-.

Y de eso sabe un rato Cher. Porque eligió empezar por todo lo alto, con los ya mencionados ‘Woman’s World’ y ‘Strong Enough’, pero no se dejó ni un hit –si acaso, ‘Bang, Bang’, pero existen versiones mejores que la suya, así que casi mejor así-. Cada tema o dos, cambio de vestuario, de ambientación y hasta de sonido. Y así salió vestida con la peluca con flequillo de sus tiempos de Sonny and Cher para interpretar ‘I Got You Babe’ o ‘All I Really Want To Do’ mientras la banda de cuatro músicos interpretaba todo el tema en directo. O vestida de jefe indio con plumas, brillantina y transparencias –vamos, marcándose un sexy Pocahontas- en ‘Half Breed’, con amplio protagonismo de sus bailarines durante los cuatro minutos que tardó en aparecer sobre el escenario.

Porque, sí, los tiempos de espera entre canciones se hicieron largos. Entre el cuerpo de baile, la voz pregrabada de Cher -¿alguien se cree que estuviera cantando real mientras le ponían el modelazo en backstage?- y los cambios en el escenario los mitigaron, pero no dejaron de restar ritmo al show. Eso sí, luego aparecía Cher a lomos de un elefante de cartón piedra o sobre una canoa sumeria envuelta en un outfit inenarrable y lo compensaba todo. No complaints.

Tras repasar en modo ‘Grease’ neonizado y colorido ‘Walking in Memphis’ y ‘The Shoop Shoop Song’, llegaba una celebradísima ‘If I Could Turn Back Time’ –que terminaba con un solo hardrockero que dejó a más de uno con el culo torcido-, con la que Cher realizaba la pantomima de bajar la cortina. Pero, evidentemente, el show no podía terminar sin su mayor hit. El que le permitió entrar en el Guinness de los récords al convertirse en la mujer de mayor edad en alcanzar el número uno en Estados Unidos. ‘Believe’, claro está. Y para ello se alzaba de nuevo el telón con una buena y una mala señal: la buena, que la iluminación y el colorido del escenario remitían muy claramente a los de la gira ‘The Age of Adz’ de Sufjan Stevens (bien por Cher). La mala, que el remix dubstep de tres minutos de la canción –hasta que ella apareció sobre el escenario- bien se podía haber quedado en 2013, y que además dejaba al asistente con el coitus interruptus en el cuerpo cada vez que parecía que iba a empezar la versión clásica del tema.

Pero llegó, finalmente, y Cher salió, interpretó ‘Believe’ –la mitad, todo sea dicho, porque buena parte de las voces del show estaban pregrabadas- y triunfó. Tanto que dejó el repeat del estribillo puesto y estuvo varios minutos saludando a la gente en las primeras filas. Un público enfervorizado que recordaba al que se agolpa en las bendiciones papales del Vaticano y que incluso acercó un bebé de apenas un año a la diva para que lo bendijera con su incorrupta mano con una caricia en la frente. Un ritual pagano con mucha brillantina. En definitiva, lo dicho: do you believe in life after Cher?

La Bien Querida contraataca tu cena de empresa con artillería pesada: Arturo de Juventud Juché

Por
Sebas E. Alonso
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La Bien Querida tiene un nuevo disco en el mercado, el notable ‘Fuego‘, que incluye algunas de las mejores canciones que has oído este año, como ‘7 días juntos’ y ‘Dinamita’, además de una colaboración con Jota de Los Planetas que por supuesto está funcionando particularmente bien, ‘Recompensarte’. Lo presenta los días 15 de diciembre y 16 de diciembre en Madrid (OchoyMedio) y Barcelona (La [2] de Apolo), respectivamente y las entradas están a la venta en Ticketea.

Sobre todo el viernes 15 de diciembre La Bien Querida ha de competir con un récord Guiness de cenas de empresa en la capital y quien no se lo crea que intente reservar mesa para 10 en su restaurante favorito, incluso con dos semanas de antelación. Como en plan contraataque, La Bien Querida ha ideado un vídeo promocional en el que Arturo Hernández, el batería de Juventud Juché, Sierra (que acaban de publicar ‘A ninguna parte‘), etcétera, se cuela en su casa cual fan… disfrazado de ella misma.

El vídeo es más chanante y espontáneo que meditado y guionizado, en la línea de otras promociones que el polifacético músico ha realizado en los últimos meses: ingeniosas promos para festivales, además de por supuesto los conciertos de su propio grupo. ¿Debajo de qué mesa aparecerá próximamente el batería de Juventud Juché?

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