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El nuevo disco de My Bloody Valentine es una realidad y saldría la próxima primavera

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My+Bloody+ValentineQué casualidad: Kevin Shields de My Bloody Valentine ha sido noticia esta última semana tras la publicación de un nuevo single ambient con Brian Eno. Y ahora es el batería del grupo autor de ‘Loveless’, Colm Ó Cíosóig, quien habla de My Bloody Valentine, esta vez para confirmar que su nuevo disco no tardará 22 añazos en salir como el anterior.

En una entrevista con una emisora de Boston, Colm Ó Cíosóig afirma que ha trabajado “mucho” en el nuevo álbum de My Bloody Valentine antes de iniciar su actual gira con Hope Sandoval & the Warm Inventions y que retomará el trabajo en cuanto esta termine (lo cual ya ha sucedido, la gira terminaba el día 22 de octubre). Dice que “está de camino”. La radio americana (no el músico) asegura por su parte que este disco saldría la próxima primavera, lo cual tiene sentido teniendo en cuenta que el disco probablemente no se haya terminado de grabar todavía. El músico ya habló de un posible nuevo disco de My Bloody Valentine en la entrevista que le realizamos junto a Sandoval el año pasado.

m b v‘, el último álbum de My Bloody Valentine, salió en febrero de 2013 y fue durante 22 años uno de los grandes mitos de la historia del pop. Kevin Shields y los suyos se rieron del mito a su publicación, colgando el álbum por sorpresa y un poco sin avisar en su página web, mucho antes, por cierto, de que Beyoncé “inventara” los discos sorpresa con su álbum homónimo, y solo un mes antes de que saliera el disco sorpresa de David Bowie. En cualquier caso, conociendo a Kevin Shields, habrá que verlo para creerlo.

4 películas y 1 serie para celebrar Halloween

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Como todos los años, recomendamos varios títulos de terror para ver o apuntar (algunos están pendientes de estreno) en esta noche de difuntos. Magia negra, paranoia, supervivencia, creepypastas y brujas pirujas.

A Dark Song (Liam Gavin)

a_dark_song_Junto a ‘La bruja’, ‘A Dark Song’ es una de las películas de terror más originales de los últimos años. Al igual que la premiada cinta de Robert Eggers, el debut del irlandés Liam Gavin destaca por dos aspectos: su perturbadora atmósfera, construida por medio de un expresivo uso de la luz, una narrativa muy sobria y una inquietante música; y el detallismo con el que está tratado el principal tema de la película, la magia negra. ‘A Dark Song’ no se centra en los resultados de los rituales ocultistas, en sus consecuencias “terroríficas” (esto no es la güija), sino en el proceso, en el largo, extenuante y escalofriante ritual basado, para los conocedores del tema, en el libro de Abramelin. Los seis meses que dura la invocación, durante la cual los dos protagonistas -el mago y una madre que ha perdido a su hijo- deberán permanecer encerrados en una casa de campo, le sirven al director para abrir su película hacia territorios más próximos al drama psicológico. ‘A Dark Song’ avanza al ritmo del ritual, lenta y sistemáticamente, hasta llegar a un final epifánico, tan sorprendente como controvertido.
Disponible: Movistar+

Krisha (Trey Edward Shults)

krisha-still_Arrasó en el South by Southwest de 2015 y fue elegida como la mejor película del año por John Waters. En España no se ha estrenado, pero se pudo ver en el festival de Gijón y en el Americana de Barcelona. La carta de presentación del joven Trey Edward Shults, que le permitió rodar este año la también recomendable pero no tan lograda ‘Llega de noche’ (esta sí estrenada en España), es un naturalista drama familiar a lo John Cassavetes que, poco a poco, por medio de un extraordinario montaje no lineal y una banda sonora llena de sonidos perturbadores, se va transformando en una pesadilla que podría haber firmado el propio David Lynch. A través de unos largos y muy elaborados planos-secuencia, rodados la mayoría con steadicam (no por casualidad Shults se ha formado junto a Terrence Malick), el director consigue introducir al espectador en el centro de una caótica reunión familiar llena de gritos, silencios incómodos y ladridos de perro. Shults pega la cámara a su tía Krisha Fairchild, la oveja negra de la familia, para que suframos junto a ella un auténtico infierno.
Disponible: a la espera de que Filmin la incorpore a su catálogo como ha hecho con ‘Llega de noche’

Killing Ground (Damien Power)

hero_killing_ground_Una de las joyas ocultas entre la avalancha de películas exhibidas en el reciente Festival de Sitges. No es fácil decir algo nuevo en un subgénero tan codificado como el terror de supervivencia campestre. Sin embargo, el debutante Damien Power lo ha hecho. El esquema argumental de ‘Killing Ground’ es el mismo de siempre: una pareja se va de acampada romántica a un bucólico paraje a orillas de un lago y se encuentran con unos lugareños poco hospitalarios. La diferencia estriba en cómo está contado ese accidentado encuentro. Por medio de un inteligente uso del montaje, el director australiano divide su película en dos líneas narrativas que avanzan de forma paralela pero no cronológica. Este simple cambio sintáctico permite que el misterio y tensión de la película crezcan como las caries en las bocas de los niños durante la noche de Halloween. Una tensión que se volverá insoportable cuando las líneas narrativas se tuerzan y amenacen con tocarse.
Disponible: sin fecha de estreno.

Channel Zero (Nick Antosca)

channel-zero_Lo primero que sorprende de una serie como ‘Channel Zero’, sobre todo al llegar a España a través de HBO, es su falta de medios. Estamos tan acostumbrados a las ficciones televisivas con presupuestos de superproducción de Hollywood, que una serie sin entradilla cuqui, con actores desconocidos y poco carismáticos, una narrativa condicionada por las pausas publicitarias y una estética cercana al telefilme nos parece como de otra época. Sin embargo, esta humildad de producción le va muy bien a esta serie. Su modestia es una virtud: alimenta su atmósfera melancólica y espanta toda tentación de afectación narrativa y estilística. ‘Channel Zero’ es tan sencilla como eficaz. Unos inquietantes relatos de terror (cada temporada es diferente y autoconclusiva), basado en los creepypastas, ideal para degustar una noche de lluvia y tapado hasta las orejas. Nick Antosca (‘Hannibal’, ‘El bosque de los suicidios’) apuesta por un estilo visual sobrio y una narración clásica para contarnos, en voz baja y casi al oído, un escalofriante cuento de terror.
Disponible: HBO

Suspiria (Dario Argento)

suspiriaAcabamos con un clasicazo. Su reciente restauración en 4k y el remake que está rodando Luca Guadagnino (‘Yo soy el amor’, ‘Cegados por el sol’), con Chloë Grace Moretz, Dakota Johnson, Tilda Swinton y Mia Goth como protagonistas, nos brinda la oportunidad de invocar, como en un aquelarre, la obra maestra de Dario Argento. Tras cuatro giallos que definieron el género (‘El pájaro de las plumas de cristal’, ‘Cuatro moscas sobre terciopelo gris’, ‘El gato de las nueve colas’ y ‘Rojo oscuro’), el director italiano abrazó el terror sobrenatural como una bruja a su escoba. Tres asesinatos antológicos (el primero es insuperable, tan bueno como el de la ducha de ‘Psicosis’), una música demencial (a cargo de los habituales Goblin), una puesta en escena espectacular (combinando de forma irresistible travelling y grúas) y un manierista e inolvidable diseño visual (sí, Argento ya lo hizo antes que Nicolas Winding Refn), dan forma a un malsano cuento de hadas (el director quería que estuviera protagonizado por niñas) envuelto en una de las atmósferas terroríficas mejor conseguidas de la historia del género.
Disponible: Filmin

Dua Goes to Hollywood: ‘New Rules’ funciona como éxito hi-NRG de los 80

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‘New Rules’ de Dua Lipa es uno de los éxitos clave de 2017. ¿Lo habría sido hace 30 años? Una persona en Youtube que se hace llamar “Initial Talk” ha querido comprobarlo y ha convertido el single de Lipa en un éxito hi-NRG de los 80. Rematado con un “dancing video” de mujeres bailando y haciendo fitness en televisión (más 80s imposible), ‘New Rules’ la clava como posible éxito alternativo de Frankie Goes to Hollywood o The Flirts.

Initial Talk tiene otros interesantes vídeos en su canal: ha remezclado ‘The Cure’ de Lady Gaga, ‘Lose My Breath’ de Destiny’s Child, ‘Bitch Better Have My Money’ de Rihanna o ‘Greedy’ de Ariana Grande. En todos los casos nos ha convencido de que estas canciones podrían haber salido hace años. Para que luego se diga que hoy en día no se hace buena música…

Lipa es una de las celebridades que se han disfrazado en los días previos a Halloween. La cantante se ha vestido de un icono de finales de los 80, Lady Deetz, la protagonista de ‘Beetlejuice’, interpretada por Winona Ryder.

‘New Rules’ continúa su (lento) ascenso en Estados Unidos, donde ahora mismo ocupa el puesto bajo del top 40 (38). En Reino Unido es top 16. Lipa se encuentra actualmente de gira presentando su debut.

Selena Gomez y The Weeknd han roto

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selena-gomez-2017El de Selena Gomez y Abel Tesfaye, más conocido como The Weeknd, fue el primer gran romance de 2017, pero no va a durar hasta el año que viene. Según informa TMZ, la pareja ha roto. Se desconoce si lo ha hecho de mutuo acuerdo o hay algún otro motivo detrás, pero Gomez ha sido vista con su ex Justin Bieber en la última semana.

Tesfaye se encuentra de gira presentando ‘Starboy’, que incluye éxitos como ‘I Feel it Coming’ o el tema titular, y habría dejado de seguir a amigos y familia de Gomez en Instagram tras la reunión de ella con Bieber. Al contrario que Gomez, Tesfaye sí se ha referido explícitamente a su relación con Gomez en alguna canción reciente, por ejemplo en ‘Party Monster’ (“su culo es como el de Selena”) o en ‘Curve’ con Gucci Mane.

Gomez ha publicado single esta semana, ‘Wolves’, que la devuelve a las pistas de baile tras los experimentos medio alternativos de ‘Bad Liar’ y ‘Fetish’. La cantante anunciaba recientemente haberse sometido con éxito a un transplante de riñón. La donante es su mejor amiga, Francia Raisa. Nada se sabe, por otro lado, del sucesor de ‘Revival’, del que se desprende la influyente ‘Good for You’.

Lady Gaga, Adele, Dua Lipa, Adam Levine, Kim Kardashian… entre los disfraces destacados de Halloween 2017

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gagascissorhandsSe acerca Halloween y los famosos empiezan a celebrarlo acudiendo a las fiestas previas y a sus alfombras rojas. Si el año pasado Katy Perry asombró disfrazándose de Hillary Clinton (y su entonces novio Orlando Bloom de Bill) vía prótesis facial, este año toca descubrir quién será el rey o la reina de Halloween, y de momento tenemos algunos candidatos.

No es uno de ellos Adam Levine, que se ha disfrazado de mujer con ropa de… su mujer y una peluca rosa. Mucho más currado está el disfraz de Eduardo Manostijeras de Lady Gaga, de Hiedra Venenosa de Rita Ora o de Lydia Deetz (‘Beetlejuice’) de Dua Lipa. Aunque parece que Kim Kardashian se lleva la palma por el momento con sus dos disfraces: la socialité se ha vestido de Cher en una fiesta acompañada de Jonathan Cheban, que hacía de Sonny; y de Aaliyah en otra, y ambas veces las ha clavado.

También han dejado ver sus disfraces Beyoncé y Jay-Z, que se han disfrazado de Lil Kim y Notorious B.I.G., respectivamente; Avril Lavigne, que ha ido de poli sexy; Demi Lovato, que ha ido de Selena Quintanilla, el locutor Ryan Seacrest, quien junto a Kelly Ripa se ha vestido de ‘El cuento de la criada’, y Adele, que no sabemos muy bien de qué ha ido, pero ha vestido un bonito atuendo en la fiesta de cumpleaños de Frank Ocean, que ha cumplido 30 años.

Happy Early Halloween & Happy Birthday Gorgeous ❤️

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Raided my wife’s closet. Wearing girl stuff is NOT easy. Respect to the females.

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Under Gelman’s eye. #LIVEHalloween

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Trick or Treat ? 🎃@jrotem

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Hard act to follow Sonny n @cher but I thinks we nailed it @kimkardashian what do you guys think?? @casamigos

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BEETLEJUICE

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🎃

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Nuevos máximos para ‘Perro fiel’, ‘Havana’ y ‘Rockstar’ en España

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camilaPromusicae ha publicado, por segunda semana consecutiva con retraso, la última lista de singles oficial española, además corrigiendo algunas de las posiciones de la semana anterior, en la que se enfrentaron a un problema técnico. Así, según este nuevo PDF, ‘Mi gente’ no fue número 1 la semana pasada sino, de nuevo, ‘Báilame’ de Nacho. Pasamos a repasar esta última lista a continuación.

1(1) Nacho / Báilame
3(8) Natti Natasha, Ozuna / Criminal

10(20) Shakira, Nicky Jam / Perro fiel

Quizá la noticia más interesante del top 10, no obstante, no es que ‘Báilame’ vuelva a ser el número 1 en nuestro país, sino la subida hasta el top 3 de ‘Criminal’ de Natti Natasha con Ozuna, y la irrupción en el top 10 de ‘Perro fiel’. El single de Shakira con Nicky Jam es la subida más fuerte de la semana.

28(51) Camila Cabello, Young Thug / Havana
33(49) Post Malone, 21 Savage / Rockstar

No son la subida más fuerte de la semana, pero hay que recalcar que los mayores hits internacionales ahora mismo, ‘Havana’ y ‘Rockstar’ de Camila Cabello y Post Malone, alcanzan nuevos máximos en España.

49(E) Rozalén, Estopa / Vivir

La entrada más fuerte es la colaboración de Rozalén con Estopa. El tema no aparece en el disco de Rozalén que ha sido recientemente número 1 en España, sino que es un corte suelto de carácter benéfico, en concreto por la lucha contra el cáncer de mama.

59(E) Pablo Alborán / Prometo (piano y cuerda)

Mientras continúa en el número 13 con ’No vaya a ser’ y en el puesto 30 con ‘Saturno’, Pablo Alborán sitúa otra nueva canción en el puesto 59. Su próximo álbum está previsto para mediados de noviembre.

95(E) Beret / Esencial

Llega a la lista un tema estrenado en verdad a principios de verano. El sevillano Beret, representante del urban más popero, se ha hecho popular sobre todo a través de su canal de Youtube.

96(E) Sebastián Yatra, Dalmata / Sutra

Nuevo éxito de Sebastián Yatra, aunque de momento tímido, en nuestro país. El cantante de Medellín aparece en el top 10 ahora mismo junto a Joey Montana en ‘Suena el dembow’ y en el top 20 con Carlos Vives en ‘Robarte un beso’.

Suspendido el rodaje de la 6ª y última temporada de ‘House of Cards’

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houseofcardsNetflix anuncia la suspensión hasta nuevo aviso de la grabación de la serie ‘House of Cards’. Media Rights Capital y Netflix explican que el paréntesis es indefinido y tiene como objetivo «valorar la situación actual y resolver las preocupaciones de reparto y técnicos». La noticia llega poco después de que se anunciase que la sexta temporada de ‘House of Cards’, que se prepara actualmente, será la última.

‘House of Cards’, una de las series más prestigiosas de nuestros tiempos, está sacudida después de que en los titulares de la prensa apareciera Kevin Spacey saliendo del armario tras una acusación de abuso sexual cuando el actor tenía 26 años y el denunciante, Anthony Rapp, 14. Kevin Spacey respondía que no recordaba los hechos al referirse a hace más de 30 años, pero pedía perdón al denunciante por lo que pudiera haber hecho bajo los efectos del alcohol. El momento escogido para salir del armario y la excusa del alcohol han sido duramente criticados, con algunas voces pidiendo la cancelación de ‘House of Cards’. No obstante, un representante de Netflix ha asegurado, como recoge TVLine, que la decisión de dar por terminada la serie se tomó «hace meses» y no tiene nada que ver con las acusaciones.

El creador de la serie, Beau Willimon, que no ha dirigido ningún capítulo de la quinta temporada subida este año, ha encontrado la acusación «preocupante». «El testimonio de Anthony Rapp es profundamente preocupante. Durante el tiempo que trabajé con Kevin Spacey en House of Cards, no fui testigo ni supe de ningún comportamiento inapropiado en el set de filmación ni fuera de él. Dicho esto, tomo los informes de este comportamiento seriamente y sin objeciones. Lo siento por Rapp y apoyo su coraje».

Según informaba The Hollywood Reporter, los últimos 13 episodios de la que ha sido una de las series más interesantes de los últimos años, reflexionando sobre la manipulación política y las ambiciones de aquellos sin escrúpulos, se podrían ver en 2018. Ahora habrá que esperar a ver cómo el parón afecta al rodaje. La serie ha llegado a acumular 46 nominaciones a los Emmy, habiendo conseguido 7 estatuillas, siendo la principal para David Fincher por la dirección del piloto en 2013. También tanto Kevin Spacey como Robin Wright tienen un Globo de Oro cada uno por sus interpretaciones en esta serie.

A Nosoträsh les resulta «familiar» el nuevo jingle de El Corte Inglés

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nosotrashNosoträsh no sacan disco desde 2005, pero eso no significa que algunas de sus miembros no sigan al frente de otros proyectos musicales como La Villana o Møna, o que hayan abandonado sus redes sociales. Un mensaje escrito esta tarde en Twitter habla de lo «familiar» que les resulta el último jingle de El Corte Inglés. Probablemente se refieran a lo similar que suena ese ‘Era para mí’ con ‘Voy a aterrizar’, el primer éxito de su carrera, contenido en su debut homónimo, editado por Sony en un momento de furor en torno al indie español, y ya descatalogado.

Un mensaje en el Youtube oficial de El Corte Inglés indica que ‘Era para mí’ es autoría de OEO Música, que se encarga de crear canciones para anuncios publicitarios. Es habitual que en el mundo publicitario, las agencias se «inspiren» en éxitos populares pero cambiando alguna nota o algún pequeño detalle con el objetivo de ahorrar unos cuantos euros en derechos. En verdad, en este caso, casi que sorprende más el contraste entre lo que vemos y lo que oímos. ¿Una canción como sí, de Nosoträsh, producida más bien en plan Ketchup, era la mejor idea justo para un anuncio de El Corte Inglés?

‘Voy a aterrizar’ fue probablemente la canción más popular de la carrera de Nosoträsh, si bien hay que destacar que a día de hoy ‘Arte’ la cuadriplica en reproducciones en Spotify. Su tercer largo ‘Popemas’ se considera al fin y al cabo su obra maestra, si bien tampoco hay que pasar por encima de sus segundo y cuarto álbumes, más que notables.

Lluís Llach considera a Carles Puigdemont «exiliado» tras su desplazamiento a Bélgica

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lluisllachEl cantautor Lluís Llach, diputado de Junts pel Sí, ha sido una de las voces más entusiastas del mundo de la cultura a favor de la independencia catalana. Hoy es noticia en medios como El País o El Diario por haberse referido a Puigdemont, que se ha desplazado a Bélgica junto a otros miembros del Govern para evitar a la justicia española, como «exiliado». El movimiento de Puigdemont pretende obligar a la justicia belga a posicionarse sobre la posible emisión de una euroorden de detención por parte de España. Él y su equipo se plantea la posibilidad de solicitar asilo político en ese país.

Lluís Llach ha acudido a Twitter para expresar su opinión: «El muy honorable presidente de la República exiliado es una denuncia contra «Ñ» [España] ante los estamentos europeos, internacionales y nos mantiene la dignidad del 1 de octubre». También ha retuiteado, entre otros, un mensaje que decía: «En 1977 la Generalitat regresó del exilio. 38 años después vuelve al exilio. Y Madrid envía una virreina a usurpar. Historia de España eterna».

El autor de ‘L’Estaca’ también había sido noticia en días recientes al ser entrevistado por Ana Pastor en laSexta. Llach explicaba el viernes cómo se sentía ante la llegada de la aplicación del 155 tras la proclamación de la independencia. Habla de «alegría» por la proclamación de la independencia, «tristeza porque lo hubiésemos querido hacer de otra manera» e «inquietud por lo que representa ese 155», que cree va a ser «una represión fuerte». También dice: «nunca hemos querido ir contra España ni contra los españoles. Teníamos el anhelo de organizarnos como sociedad. Lo hemos buscado siempre, pero sobre todo desde 2010».

Cuando Pastor le pregunta qué va a pasar ahora y le asegura que Cataluña no va a estar mejor que antes del viernes, responde: «La gente sabe que una independencia no se declara y se adquiere, sino que se implementa. Y nosotros vamos a intentar, poco a poco, si podemos y si nos dejan, que lo veo muy difícil, implementar como podamos esa independencia o, al menos, hacer un camino que a nuestros sucesores les haga más fácil implementarla (…) Nosotros vamos a trabajar para intentar implementarla. Sabemos que una independencia no se obtiene con una declaración».

The Zephyr Bones: «Intentamos darle un sonido de huesos a las canciones, lo que definimos como beach wave»

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the-zephyr-bones-secret-placeResulta extraño que tengamos que recordarlo, porque su nombre se ha hecho viral en el último año y medio. Pero The Zephyr Bones es un cuarteto establecido en Barcelona y formado por músicos chileno-catalanes que, tras publicar en 2015 su primer EP ‘Wishes/Fishes’, dio un pequeño pelotazo en el verano de 2016 con su canción ‘Black Lips’, logrando atraer sobre todo a prensa y público internacional. Ahora, en apenas 10 días, publican su álbum de debut en el sello La Castanya. Se titula ‘Secret Place‘ y redunda en un sonido particular –pop de guitarras enérgico y luminoso– que ellos han bautizado como beach wave. Charlamos con ellos sobre lo que han vivido en los últimos tiempos, ese disco de debut y su paso por la 1ª edición de Bala Perduda que, aunque no ganaran, sí supuso un importante espaldarazo para ellos.

Este certamen organizado por la Sala Apolo de Barcelona, que también ha visto pasar por él a artistas y bandas como Opatov, The Saurs (ahora Medalla), Odina o Salvador Sobral –ganador de Eurovisión 2017– con su proyecto Böira, cierra mañana 31 de octubre su periodo de inscripción para la edición 2018. Su primer premio no es baladí: incluye una actuación en la próxima edición de Primavera Sound y la grabación de un álbum completo en los estudios ACLAM de Barcelona.

¿Qué os contáis? ¿Qué es lo más relevante que os ha pasado recientemente?
Nos ha pasado de todo, pero saber que podremos presentar nuestro primer álbum en la Rough Trade de Londres o ir al SXSW, en Austin, es algo muy importante para nosotros.

Habéis estado en Monkey Week, ¿alguna anécdota de vuestro show o algún descubrimiento que os haya encantado?
Tocar en la batalla de bandas de Radio 3 fue tan fugaz que nos moló bastante, desde el medio y todo el mundo tocando cada 5 minutos. No ganó nadie, todos molaban.

¿Qué podéis avanzarnos sobre vuestro nuevo álbum? A nivel temático y a nivel producción, ¿qué línea seguirá?
Se titulará ‘Secret Place’ y es un álbum que plasma nuestros recuerdos, momentos o lugares a través de canciones de sonido pop brillante y algunos momentos más oscuros. Aunque se nota una evolución, sigue en el buen beach wave melancólico que tanto nos divierte.

«Vetusta Morla son buenos»

¿Sigue siendo su fecha de edición el 10 de noviembre? ¿Con qué otro disco os apetece más compartir estantería en las tiendas ese día, Taylor Swift o Vetusta Morla?
El disco sale el 10 de noviembre, y Vetusta Morla son buenos.

¿Incluirá el disco ‘Black Lips’, vuestro tema que se hizo viral en 2016, o interpretáis que esa canción ya forma parte de vuestro pasado discográfico y no os pega con lo nuevo?
Siempre ha sido la idea que fuese parte del álbum, tiene un sonido muy entrelazado con otras canciones, al final todo es contar una historia.

Os hemos oído canciones más diáfanas, de riffs cristalinos y calmados, como ‘Juglar Child on the Carousel’ y canciones algo más psicodélicas, como ‘Surrounded by Sunflowers’, ¿qué creéis que define y diferencia a The Zephyr Bones?
Hace un tiempo no lo teníamos muy claro, pero últimamente nos hemos propuesto hacer canciones sin pensar en el ritmo que tenga, igual se puede jugar con el funk o el soul, el surf o el kraut. Siempre intentamos darle un sonido de huesos a las canciones, a lo que definimos como beach wave.

«Decidimos rehacer las [canciones] que más nos gustaban y cerrar esta primera etapa del grupo a través de nuestros propios recuerdos más especiales»

¿Qué experiencias o descubrimientos han inspirado principalmente vuestro álbum?
Gran mayoría de las canciones de ‘Secret Place’ son con las que comenzamos el proyecto. Decidimos rehacer las que más nos gustaban y cerrar esta primera etapa del grupo a través de nuestros propios momentos, recuerdos y lugares más especiales.

Nosotros y mucha otra gente os habrá incluido en su lista de canciones del verano, entre un montón de trap y restos de punk. ¿Es posible que guste todo a la vez? ¿Hay diferencias de opiniones al respecto entre vosotros?
Mola la diversidad musical que hay hoy en día, puedes descubrir muchas cosas nuevas a través de las listas y nos parece bastante cool.

¿Qué gustos unen y cuáles no a los miembros del grupo?
En el grupo hay gustos/colores por doquier, de todo tipo de música en general. Pero al final siempre nos une y nos lleva en la misma dirección… la magia del rock and roll.

«Nos hemos dado cuenta viviendo en Barcelona que hay bandas [nacionales] de nivel muy bueno a través de las últimas décadas»

¿Cuál es vuestro artista nacional favorito de décadas pasadas?
Al crecer en Chile no estábamos muy enterados de toda la escena española, aunque si conocíamos a Los Planetas y nos gustan. Nos hemos dado cuenta viviendo en Barcelona que hay bandas de nivel muy bueno a través de las últimas décadas.

Habéis aparecido y estrenado cosas en medios internacionales, ¿en cuál os ha hecho u os haría más ilusión salir?
Nos hizo bastante ilusión que Clash Magazine haya estrenado el primer single del álbum. Pero creemos que cualquier medio de prensa que se da el tiempo de compartir la música que haces, nos parece fantástico, sea cual sea.

«Gracias al Bala Perduda tuvimos la oportunidad de tocar en Primavera als Parcs»

Este mes se celebra Bala Perduda, ¿qué recordáis de vuestro paso por allí?
Estábamos empezando y aprendimos muchas cosas, gracias al Bala Perduda tuvimos la oportunidad de tocar en Primavera als Parcs en medio de la Ciudadela de Barcelona, rodeados de gente bella.

¿Qué le recomendaríais a la gente que se presenta?
Que se presenten sin ningún prejuicio hacia los concursos, puedes presentar tu proyecto en una buena sala como es el Apolo. Y si eso, ¡el premio no esta nada mal!

La obsesión por la cultura japonesa protagoniza el clip de ‘Japanese Food’ de Solo Astra

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solo-astra-japanese-foodEl grupo Solo Astra pugna por hacerse un hueco en el disputado y efervescente panorama pop rock independiente nacional. Alineados con otros jóvenes proyectos que equilibran guitarras y electrónica para sintonizar con sensibilidades contemporáneas –Baywaves, The Zephyr Bones, MOW –con la que ejercen de banda de apoyo–, el cuarteto afincado en Madrid (aunque algunos de sus miembros son de Gran Canaria) ha sorprendido este año con su primer single editado en el sello Subterfuge, ‘Japanese Food’, cuyo tema principal estrenamos meses atrás.

Ahora volvemos a presentar un estreno exclusivo de Solo Astra en JENESAISPOP y se trata del vídeo oficial de esa canción que, como nos cuentan, retrata una obsesión por la cultura japonesa –por su comida, especialmente–. El clip, de enorme potencia visual y protagonizado por una chica que es un personaje de manga en carne y hueso–, está producido y dirigido por ellos mismos bajo el alias CALIFONIA VIDEOS. Un nombre que, como nos cuentan, es un homenaje-parodia a la productora CANADA y que ya ha recibido varios encargos de otros artistas. Habida cuenta de los resultados, no nos sorprende. Os dejamos con las palabras de los propios Solo Astra sobre vídeo y canción.

““Japanese Food” habla de una chica adicta a la comida japonesa y a la que no hay manera de persuadir para que para pida otro tipo de comida. Por supuesto, esta historia se trata de una metáfora sobre las tomas de decisiones y conflictos que existen en una relación. Me pareció curioso escenificarlo a través de una disputa tan clásica como es: ¿a quién le toca pedir hoy la comida a domicilio?

El video está producido y dirigido por nosotros. Es más, montamos una productora “ficticia” para los videos que fuéramos a ir sacando llamada CALIFONIA VIDEOS, queriendo parodiar un poco a [la productora] CANADA de Barcelona, ya que somos muy fans de sus videos y su estilística. Casi sin quererlo nuestro proyecto se ha vuelto real y ya tenemos encargados cuatro videoclips más”.

La Canción del Día: ‘Don’t Worry’ es el humilde ‘Everybody Hurts’ de The Sound of Arrows

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soundofarrowsLos suecos The Sound of Arrows han publicado esta semana su segundo disco, el sucesor del excelente ‘Voyage’. El gran grower del disco, la mejor canción del mismo, es definitivamente ‘Don’t Worry’, aparentemente otro de sus medios tiempos inofensivos, pero a la postre su composición más emotiva.

‘Don’t Worry’ ya funcionaba antes del vídeo y del disco gracias a su atractiva combinación de arreglos sintéticos y orgánicos (teclados y cuerdas) al modo del mejor William Orbit de finales de los 90. Pero además se crece dentro de un disco, ‘Stay Free’, cuya temática principal es el carpe diem, en la secuencia del álbum llegando hasta los extremos de la new age.

La letra, desde su humildad, es una relación de problemas de primer mundo a los que se busca quitar hierro. “Te preocupas de tus ex, de la aprobación de los demás, del futuro y de las cosas que hiciste y de las que nunca harás (…) te preocupas de que los tiempos cambien, por el dinero y por parecer viejo, por aquel en que te estás convirtiendo, y te preguntas si él seguirá pensando en ti”, plantea, antes de repetir en el estribillo: “no te preocupes, estaremos bien”.

Estamos, por tanto, ante una canción que cumple la misma función de prevención al suicidio de ‘Everybody Hurts’ de R.E.M., que en su momento fue escogida en un estudio como la canción más adecuada para salir de un mal bache emocional; y emocionante incluso más que en sus cuerdas, en la bonita interpretación vocal de Stefan Storm, especialmente cada vez que quiebra la voz en “one more day”.

‘Stranger Things 2’: la serie mantiene su encanto, pero los hermanos Duffer no saben crecerse

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strangerthingsLa primera temporada de ‘Stranger Things‘ puso algo más que un granito de arena para un mundo mejor el verano pasado. Su público difícilmente olvidará cómo devoró sus 8 episodios en un solo fin de semana, de vacaciones o entre festival y festival. Entre sus muchos aciertos, la enorme química del elenco de los jóvenes protagonistas, ya convertidos en superestrellas, la recuperación de la Winona Ryder más desequilibrada -casi, casi riéndose de sí misma- y por supuesto los múltiples guiños a los 80, los cuales iban mucho más allá de la estética de esta serie situada en 1983.

La segunda temporada que se ha estrenado esta semana, por supuesto repleta de referencias a Halloween, es otra bolsa de chucherías en la que adivinar a qué delicia de la cultura popular están rindiendo homenaje los creadores, los hermanos Duffer -los gemelos Matt y Ross- en cada parte del metraje. ‘Los Cazafantasmas’, ‘Alien’, ‘Los Goonies’ (Sean Astin, el actor que ahora hace de Bob aparecía en esta película), ‘It’, ‘Rebeldes’ o incluso ‘El Exorcista’ son algunas de las películas a las que se rinde o se sigue rindiendo tributo de manera explícita o implícita. Y la música no se queda atrás. Si bien la banda sonora original continúa siendo de los celebrados Kyle Dixon y Michael Stein, aparecen un par de decenas de canciones que van a sonar a los espectadores: Scorpions, Devo, Duran Duran, The Clash, The Police, Bon Jovi y una Cyndi Lauper que sale especialmente reforzada de la aparición de ‘Time After Time’ son algunos de los artistas reivindicados.

Todo este «name dropping» de películas y artistas contribuye a que ‘Stranger Things 2’ sea un producto entrañable, ¿pero qué hay de la serie en sí? Los hermanos Duffer encuentran ciertas dificultades para justificar que esta segunda temporada fuera realmente necesaria. Sí vimos un par de cabos sueltos hacia el final de la primera para medio anunciar esta continuación, pero el modo en que han planteado esta segunda temporada es algo decepcionante, comenzando con la rapidez con que se resuelve la deriva de Eleven y terminando con que llevamos un año atendiendo a teasers, nombres de episodios, descripciones de tramas, tours promocionales… cuando no había idea brillante en el equipaje.

Los primeros episodios de la segunda temporada son casi duros de roer. La incorporación del personaje de Maxine (con un patinete de Madrid, por cierto) da vida a la pandilla protagonista, de la misma manera que la de Bob, que en principio iba a ser un personaje mucho más desagradable y odioso, pero se cambió debido a la encantadora personalidad de Sean Astin (su «easy peasy» ya es carismático), es un plus. Pero los hermanos Duffer necesitaban algo más que el humor que aporta D’artagnan, la mascota de un Dustin más divertido (y mimado por el guión) que nunca; y un mapa-enredadera donde antes había luces de Navidad para ponerse a la altura del hype. ‘Stranger Things 2’, que había prometido cosas «mucho más raras» y más «grandes», abusa en todos los sentidos de los mismos trucos clavados de ‘Stranger Things’; introduce con bastante torpeza, como un pegote, la nueva trama paralela con la que comienza la segunda temporada, logrando que no interese a nadie; desaprovecha en el más allá y en el más acá a Eleven, y la catarsis de los dos últimos episodios es demasiado facilona y predecible desde la mitad de la temporada, por cierto bien trufada de cliffhangers para que nadie abandone. ¿Hay tensión? Incluso terror. ¿Hay emoción? Quien no llore será porque no quiera. Pero esta no es la temporada hecha para, ahora sí, ganar premios internacionales y convencer a los reacios y desconfiados que algunos esperábamos.

¿Qué sucede? Que el tamaño de los monstruos nos da igual porque esos «trucos» originales eran muy buenos. El espectador sigue desarrollando paso a paso la relación afectiva que se formó hace un año con la Winona Ryder más afectada, con la sonrisa contagiosa de Dustin, con la pinta de losers y futuros reyes de Sundance de Will y Mike o con las torpes artes para ligar de Lucas. Cuando llega el capítulo final, ‘Stranger Things’ vuelve a ser una serie maravillosa, una de esas cosas que te congratulan con el mundo, un producto pensado para tocarte la patata de la nostalgia, sí, pero también para hacerte recordar los pequeños placeres de la vida. Una chica que te saca a bailar, un póster de Blondie, una tarde en los recreativos, una mascota que escondes a tus padres… o ahora una serie que tome el camino que escoja a partir de ahora, porque parece que se estirará el chicle y habrá tercera temporada, ya desde el año pasado hizo historia. 7,5.

Dos generaciones unidas por Chester Bennington: Alanis y No Doubt tocan con Linkin Park en su homenaje

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alanisEste fin de semana, Linkin Park han ofrecido su concierto tributo a Chester Bennington, el que fue el líder y vocalista principal del grupo, fallecido este verano a los 41 años. El concierto se ha celebrado en Los Ángeles y ha contado con la presencia de numerosos artistas amigos como System of a Down, Blink-182 o Avenged Sevenfold.

Entre los artistas invitados encontramos dos iconos de los noventa como son Alanis Morrisette y No Doubt, aunque solo sus miembros masculinos. Ambos compartieron escenario para interpretar ‘Castle of Glass’, una de las canciones de ‘Living Things’, el disco de Linkin Park de 2012. Además, Alanis estrenó un tema nuevo, una bonita balada titulada ‘Rest’, que habla sobre las “presiones de llevar una vida pública”, según Rolling Stone.

El evento, que duró cerca de tres horas, se retransmitió en directo y entre sus momentos destacados hay que comentar otro estreno, el de una canción nueva de Mike Shinoda de Linkin Park dedicada a Bennington, la emotiva balada ‘Looking for an Answer’.

Roger Waters y otros instan a Nick Cave a no actuar en Israel “hasta que cese el apartheid”

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nick caveRoger Waters no consiguió este verano que Radiohead se pensara dos veces lo de actuar en Israel. En su lugar, el grupo de Thom Yorke defendió a capa y espada su visita al país (aseguró que actuar en un país no significa que se esté de acuerdo con su política) y terminó ofreciendo en Tel Aviv uno de los conciertos más largos de su carrera.

Ahora, el ex integrante de Pink Floyd y otros artistas como Ken Loach (que también se las tuvo con Yorke por este tema) o Tunde Adebimpe de TV On the Radio buscan convencer a Nick Cave & the Bad Seeds de que cancelen sus próximos conciertos en Tel Aviv los días 19 y 20 de noviembre. La carta explica que Israel mantiene sometido a Palestina a un régimen de “apartheid” y que actuar en el país, como ha hecho Radiohead, supone una validación de sus crímenes. “No importa que los artistas apoyen la política de Israel, lo grave es que se muestren interesados en actuar en el país y promuevan el status quo”, lee la carta.

Cave no ha hecho declaraciones sobre la petición por el momento. En Tel Aviv presentará, como está haciendo ahora mismo por Europa, su último disco, ‘Skeleton Tree‘. La gira no pasa por España. El grupo publicaba el pasado mes de mayo su mayor recopilatorio hasta al fecha.

El dúo de hermanos North State sabe que el future bass es el nuevo pop

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northstateNo son de ningún “estado del norte” sino del Ampurdán: los hermanos Pau y Laia Vehí, de 28 y 19 años respectivamente, conforman North State, un dúo cuyo estilo definitivamente se ha criado en la explosión de future bass de los últimos años capitaneada por gente como Flume, Mura Masa o Marshmello, aunque desde una sensibilidad más R&B, tipo NAO o Khalid.

Club Ruido, que acaba de publicar el último EP de LOWLIGHT, presenta el single de debut de North State, ‘I Know You’, un tema que se sirve de ritmos futuristas, marcadamente sintéticos, para dar rienda suelta al dramatismo de una canción que, en palabras del dúo, habla sobre la emoción de “cruzarte con una persona a la que nunca has visto antes, entre el ruido y el movimiento incesantes, y sentir que la conoces por las fuertes sensaciones que experimentas”.

‘I Know You’ avanza un EP que saldrá en breve, y si entre sus ritmos percibes ciertos ecos a FKA twigs (especialmente la melodía de Laia), habrá que esperar si en su EP debut encontramos algunas de las otras influencias a las que se refiere el grupo, desde Little Dragon a King Krule pasando por James Blake. De momento la explosión de color y emoción de ‘I Know You’ nos mantendrá firmemente atentos.

Billie Eilish / dont smile at me

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billie-eilish-dont-smile-at-me«Alright dude, go trip over a knife». Esta frase de ‘my boy’ es una de las favoritas de los fans de Billie Eilish, y ha acabado viralizándose, pero no es el único momento inquietante que podemos encontrar en sus letras: en ‘watch’ habla de quemar el coche del tío que ha jugado con sus sentimientos, en ‘hostage’ de una posesión extrema en una relación hasta el punto de querer secuestrarle, y lo más heavy viene en ‘bellyache’, donde habla de cómo ha matado a sus amigos y también a su novio. Todo esto sorprende especialmente si hablamos de una cantante que tiene 15 años y de la que, se supone, esperaríamos un contenido dulce… y esto no es ‘Come Clean‘ precisamente (temazo, dicho sea de paso). La edad es un tema por el que siempre le preguntan a Eilish, que dice estar cansada de tener que responder siempre a “¿qué se siente teniendo 15 años y este éxito?”. Comprensible, pero también lo es el hecho de que llame tanto la atención su edad: con solo 13 años, compuso ‘Ocean Eyes’ junto a su hermano, el también músico y actor de ‘Glee’ Finneas O’Connell (curiosamente tienen, como Rosalía, una grabación casera versionando ‘Thinkin Bout You’ de Frank Ocean). La compusieron como un favor para una coreografía de su profesor de danza contemporánea (a lo que quería dedicarse hasta sufrir una lesión del cartílago de crecimiento), pero la canción fue ganando popularidad hasta el punto de que acumula, entre la original y sus remixes, más de 60 millones de reproducciones en Spotify, sacó un EP recientemente y anda ahora en una gira mundial que le lleva por EEUU, Australia o Suecia. Datos espectaculares sobre todo si tenemos en cuenta que no estamos ante el típico producto adolescente a lo Disney ni mucho menos… sorry Billie, entiende que es normal que les tengas tan desconcertados.

A su precocidad ayuda desde luego haber estado rodeada de arte durante su infancia: sus padres son también músicos, desde los 8 está en el Los Angeles Children’s Chorus, a los 11 empezó a componer sus propias canciones y, un par de años después, empezó a interesarse por producirlas, y a verse influenciada por gente como Tyler the Creator, Lana del Rey, Spooky Black o Aurora. Tras fichar por Interscope, tenemos la primera muestra de todo esto: ‘dont smile at me’, en el que se mezclan cosas como el trip-hop, el trap, las murder ballads, bien de sintetizadores y autocoros, algún toque grunge y, por supuesto, mucho pop. Las dos primeras están presentes en la encargada de abrir el disco, la agresiva ‘COPYCAT’, que no es de lo mejor líricamente (el rollo ‘Two Steps Behind Me‘ no resulta muy creíble en alguien que acaba de empezar), pero es una buena forma de introducir el ambiente del disco. Más interesante es la letra de ‘idontwannabeyouanymore’, que no está dedicada a un amante como podría parecer, sino a ella misma y sus inseguridades. La ya mencionada ‘my boy’ sigue una progresión interesante, con clara separación de sonido entre estrofas y estribillo, y por supuesto con esa frase en el puente, todo un acierto como lo fue el “like, ever” de ‘We Are Never Ever Getting Back Together’.

El single con el que se presenta este trabajo es ‘bellyache’, videoclip incluido, donde se lamenta de lo que hace cuando actúa sin pensar (en un caso tan extremo como el asesinato), todo esto cantando sobre un guitarreo con base reggaetonera que culmina en esa mezcla de trap y electro-casi-dubstep del estribillo: la propia Eilish dice componer canciones “como quien ve películas, sin importar el género”. ‘party favor’, que es como una melodía de Regina Spektor a la que le hubiese puesto letra Lily Allen (“and I hate to do this on your birthday / happy birthday, by the way”), la intimista ‘hostage’ y ‘watch‘ son otros de los temas que no conocíamos, destacando este último. Y no podía faltar ‘ocean eyes‘, la canción de amor que ha sido su mayor éxito hasta el momento: eso de “no fair, you really know how to make me cry / when you give me those ocean eyes” suena bien tanto en su versión original como en sus remixes. Pero se echan en falta otras canciones que, por alguna razón, no han sido incluidas en el EP, como ‘Fingers Crossed‘ (la de la referencia a ‘The Walking Dead’), ‘Bored‘ (de la BSO de ’13 Reasons Why’) y, sobre todo, la nostálgica ‘Six Feet Under‘ (¿con referencia intencionada al ‘Breathe Me’ de Sia que cierra la serie homónima?).

En definitiva, ‘dont smile at me’ tiene puntos altos y bajos, pero es una buena carta de presentación de una artista a la que definitivamente hay que seguir la pista. Hay quien compara su momento actual con el de Lorde (curiosamente ‘my boy’ aparece en la playlist de la que os hablamos) justo antes de pegar el pelotazo con ‘Royals’ y, aunque no sabemos si llegará a ese nivel, sí es cierto que Eilish muestra, como la autora de ‘Melodrama‘ cuando sacó su EP ‘The Love Club’, algo distinto a lo que esperaríamos de alguien de 15 años, aunque su imagen es distinta a la de la neozelandesa. No en vano, el título del EP se debe a la incomodidad que le produce que la gente le sonría por la calle como fórmula de cortesía, ella prefiere su “resting bitch face” (palabras textuales de la estadounidense). Esto no se refleja, en cambio, en la relación con sus fans: dice que, por su edad (ahora sí la menciona ella), tiene muy cerca el haber sido fan de otros artistas, y que por ello quiere mimar a los suyos y –a ellos sí– sonreírles. La edad es, por tanto, y por muy manido que resulte, un tema inevitable a la hora de hablar del debut de Billie Eilish… y funciona como un arma de doble filo: se llevará alabanzas por el hecho de que “alguien de su edad” haya hecho equis cosa, pero también habrá quién se pregunte si su trabajo es bueno por sí mismo, o es bueno “para su edad”. La respuesta definitiva no la tendremos hasta que pasen unos años /hasta que tengamos más material suyo, pero a juzgar por este EP, parece más bien lo primero.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘my boy’, ‘ocean eyes’, ‘watch’, ‘bellyache’
Te gustará si te gustan: Halsey, Lily Allen, la primera Ellie Goulding, SZA, Troye Sivan, Melanie Martínez, Lorde, Marina & The Diamonds, Lana del Rey
Escúchalo: Spotify

Justin Bieber y Selena Gomez desayunan juntos

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jbieberEl salseo de la mañana del lunes lo traen Justin Bieber y Selena Gomez, que han sido “pillados” desayunando juntos, cara a cara, durante la mañana del domingo en Westlake Village, Los Ángeles. TMZ tiene la exclusiva y una diáfana foto de los dos charlando. Por poco no ha metido a un paparazzi en el local para ponerles una cámara en los morros.

Podríamos especular durante todo el día con el motivo que habrá llevado a la ex pareja a reencontrarse, no solo esta vez, sino varias otras veces durante la semana pasada, teniendo en cuenta que su relación no acabó en buenos términos. Puede que hayan hecho las paces o que preparen algún tipo de proyecto juntos. En cualquier caso, cabe mencionar que ambos tienen pareja: Bieber sale con la modelo Paola Paulin y Gomez sale con el cantante The Weeknd.

Con motivo de esta extraña reunión, la familia de Gomez ha dejado claro a TMZ que no aprueba el reencuentro y que “jamás aceptará a Justin Bieber” porque es un “ser vil”. La familia de Gomez culpa a Bieber de la depresión que sufrió la intérprete de ‘Bad Liar’ tras su ruptura con el cantante y por la que la artista hubo de ingresar en una clínica de rehabilitación. “Que Gomez hable con Bieber no es solo irrespetuoso para su entorno, es irrespetuoso para sí misma”, ha dicho.

Kevin Spacey sale del armario tras ser acusado de abuso sexual

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kevinspaceyEl actor Kevin Spacey ha salido del armario tras las acusaciones de acoso sexual contra él realizadas por el actor Anthony Rapp, quien afirma Spacey abusó de él cuando tenía 14 años y Spacey 26, en 1986. Spacey asegura no recordar el encuentro, que “debió ser hace 30 años”, durante una “borrachera” y que siente “con toda sinceridad” el trauma que este encuentro haya ocasionado a Rapp. El actor de ‘Star Trek’ afirma que Spacey le invitó a una fiesta en su apartamento (ambos participaban en Broadway por aquel entonces) y que, durante un punto de la noche, Rapp se retiró a la habitación de Spacey para jugar a un videojuego. El actor asegura que entonces Spacey apareció, le colocó en la cama y se le tumbó encima para tener relaciones sexuales, a lo que Rapp respondió, confuso, que tenía que irse a casa, tras lo cual se marchó.

Spacey, conocido por sus papeles en series como ‘House of Cards’ o películas como ‘American Beauty’ o, más recientemente, ‘Baby Driver’, aprovecha la coyuntura para reconocer que “he tenido relaciones tanto como hombres como con mujeres» y que ahora vive “como un hombre gay”, no sin antes afirmar que “he amado y he tenido encuentros románticos con hombres a lo largo de mi vida”.

Los rumores sobre la orientación sexual de Spacey han perseguido durante gran parte de su carrera al actor, quien siempre ha optado por esquivarlos. Ahora Spacey se enfrenta a acusaciones de pedofilia, que parece negar indirectamente en su comunicado, escribiendo que “hay historias sobre mí por ahí motivadas por lo mucho que he protegido mi privacidad”.

La declaración de Spacey está siendo duramente criticada en las redes sociales, pues el actor culpa al alcohol de sus actos, los cuales asegura no recordar, y sobre todo parece usar su homosexualidad como tapadera para ocultar y desviar la atención de su supuesta pedofilia, como indican los periodistas Ben Shapiro y Richard Lawson en sus respectivos tuits.

El mundo es un poco mejor desde que First Aid Kit han anunciado que publican ‘Ruins’

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first-aid-kit-ruinsA la chita callando, quizá empequeñecidas en sus inicios por los sonados referentes de su música –Bob Dylan, Emmylou Harris, Gram Parsons–, con el paso de los años First Aid Kit se ha convertido en un proyecto con una gran entidad y una carrera en incansable ascensión. Especialmente con su segundo (‘The Lion’s Roar’) y tercer (‘Stay Gold’) discos, las hermanas Johanna y Klara Söderberg han conseguido un considerable éxito a todos los niveles con un estilo ajeno a la moda como el country-folk. Casi improbable, además, para dos jovenes artistas de un país, Suecia, que suele destacar como factoría pop.

Semanas atrás nos sorprendieron con ‘It’s a Shame’, un nuevo single marca de la casa en el que construyen una perfecta canción pop basándose en sonoridades folk, que además se complementó después con un vídeo fantástico, sacando partido con bastante coña a las diferencias físicas y de carácter entre Johanna y Klara.

Esta semana han vuelto a mostrar una nueva canción, ‘Postcard’, aún más clásica y tranquila –su encantador lyric-video no podía ser otra cosa que una postal–. Con ella han anunciado, por fin, que tienen un nuevo disco listo. Se titula ‘Ruins’ y se publicará el día 19 de enero de 2018, presentando también su tracklist y portada. Si nos ajustamos a sus dos adelantos, parece fuera de duda que será un nuevo deleite que hará que el mundo sea un poco mejor.

Tracklist de ‘Ruins’:
01 Rebel Heart
02 It’s a Shame
03 Fireworks
04 Postcard
05 To Live a Life
06 My Wild Sweet Love
07 Distant Star
08 Ruins
09 Hem of Her Dress
10 Nothing Has to Be True

Vitalic y Exquirla brillan en BIME Live!; Franz Ferdinand y The Prodigy, decepcionantes

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bime-live-2017_las-bistecs_tom-hagenSi la organización decía que habían pasado 8.700 personas durante el viernes, nos creemos que ayer, sábado, hubiese 15.000 espectadores dentro del BEC. El viernes se notaba la comodidad que supone que haya poca gente dentro del espacio: ponerte en primera fila sin problemas, cargar la tarjeta para comprar bebidas y comida, los baños… Sin embargo ayer se notó el cambio, que provocó una mayor lentitud –sobre todo considerando que el dinero cargado sobrante no se devolvía vía web, y las colas para no perder el dinero fueron considerables–.

Nuestra segunda jornada del festival comenzó con el dúo más representativo del electro-disgusting, Las Bistecs. Las divas tocaron en el segundo escenario principal en el que utilizaron el decorado del cuatro de Mae West de Dalí –‘Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista’– que vienen utilizando en esta gira. El suyo fue un buen concierto, en el que lo dieron todo y más sobre el escenario. Con varios cambios de look y unos visuales divertidos y originales que acompañaban muy bien cada canción, interactuaban con el público de forma muy directa: mientras marcaban el tempo del concierto –“ahora viene la canción folk, os podéis aburrir”; “bailad como si estuviésemos en un puto after”–, no tuvieron ningún problema en felicitar a una pareja que se casaba y animaron a encender las luces de los móviles, “los mecheros del s.XXI”. Ni tampoco faltó la reivindicación política –“La república de los Países Ibéricos, a la mierda el Rey, a la mierda Esperanza Aguirre” espetaron en un momento–. Lástima que un concierto tan divertido, que consiguió animar tanto a la gente, acabara de repente: se apagaron las luces y la música, parecía que iba a seguir, pero no.

La siguiente parada fue en el teatro para ver a Delorean y su presentación por primera vez en directo de su nuevo disco ‘Mikel Laboa’, íntegramente cantado en euskera y que ve la luz el 15 de noviembre. Ante un recinto lleno tanto en la pista como en las gradas, sorprendió y agradó a todos por su puesta en escena pese a su aparente sencillez: cuatro grandes paneles blancos cubrían todo el fondo, ante los que se situaban Ekhi, Igor, Unai y Guille, sobre una plataforma a distintos niveles. En este nuevo álbum dedicado a la figura del vanguardista cantautor vasco, la electrónica de los de Delorean se combina con la voz sampleada del artista, mostrándose mucho más maduros y experimentales que nunca, pero excelentes. Los juegos de luces, que iban variando entre la plataforma, los colores, las luces y las sombras, acompañaron a un gran directo.

Llegó el momento de, en teoría, la súper banda BNQT (leído Banquet) en el escenario Heineken. Aunque Alex Kapranos, que no es oficialmente el líder de la banda, habló bastante y se mostró simpático y cercano con el público, su concierto en general decepcionó. El grupo formado por Kapranos (Franz Ferdinand), Ben Bridwell (Band Of Horses), Fran Healy (Travis), Jason Lytle (Grandaddy) y el creador del proyecto Eric Pulido (Midlake) presentaba unas expectativas tan altas que, quizá por eso, el concierto pareció bastante flojo y líneal. ‘Volume 1’ es la carta de presentación de la banda y, para este concierto, combinaron temas como ‘Restart’, ‘Hey Banana’, ‘Real Love’ con otros como ‘AM 180’ de Grandaddy, ‘Roscoe’ de Midlake o ‘Why Does It Always Rain On Me?’ de Travis. Es decir, fue un concierto correcto, pero esperas tanto de gente tan mítica que, cuando tocan algo normal y no se salen del esquema, aburre soberanamente. El público estaba pendiente y el sonido era aceptable, pero tanta monotonía no encajaba mucho un sábado por la noche en un festival.

Y de una superbanda internacional pasamos a una superbanda nacional. El de Exquirla, formada por Niño de Elche y Toundra, fue uno de los mejores conciertos de la noche. Por primera vez el teatro estaba tan lleno que mucho público hubo de sentarse más allá de lo que ocupa el escenario, hacia los laterales. Niño de Elche, impecable, rezumaba intensidad cada vez que cantaba. Obviamente se centraron en su hasta ahora único disco ‘Para quienes aún viven’, destacando ‘Canción de E’, ‘Destruidnos Juntos’, ‘Europa Muda’, ‘Hijos de la Rabia’ o ‘El Grito Padre’. Terminaron con ‘San Sebastián’ –un tema que el cantaor incluía en su repertorio tiempo atrás, basado en un poema de T.S. Elliot, que fue el primer tema que grabaron juntos aunque no forma parte de este LP. Su concierto en esta ocasión se vio beneficiado por el recinto: la solemnidad y sobriedad del telón granate hizo que la voz de Niño de Elche cobrara más sentimiento y mucho más sentido en un concierto impecable a todos los niveles. Al terminar, el público rompió a aplaudir con ganas.

bime-live-2017_franz-ferdinand_tom-hagenY, por fin, llegaba el momento de los cabezas de cartel en el escenario Thunder Bitch, el principal. Aunque la gente estaba súper entregada y Kapranos, de nuevo, fue muy cercano con el público, el concierto de Franz Ferdinand fue bastante aburrido. Técnicamente, el sonido fue correcto y, a nivel visual, únicamente les acompañaba un juego de luces, no mucho más. Además del cambio de formación –ahora, en ausencia de Nick McCarthy, son cinco en vez de cuatro: Alex Kapranos, Bob Hardy, Paul Thomson, Julian Corrie y Dino Bardot–, esta etapa está marcada por una imagen distinta, en la que visten de forma mucho más ecléctica. Pero muy al contrario, su directo resultó precedible y en él no destacó nada particular. Combinaron, eso sí, temas nuevos como ‘Lazy Boy’, ‘Paper Cages’ o ‘Always Ascending’ y los combinaron con ya clásicos como ‘Ulysses’, ‘Take Me Out’, ‘Love Illumination’ o ‘This Fire’.

The Prodigy, que venían de tocar en el minifestival Negua –en el Wizink Center de Madrid–, también decepcionaron bastante. Salvo que fueras borracho y tuvieras ganas de pegar botes, claro. Nada más comenzar Keith Flint se quedó sin voz y su voz fue casi imperceptible, tras los instrumentos. Repitieron el mismo setlist que en Madrid, así que no faltaron sus ya más que conocidos hits como ‘The Day Is My Enemy’, ‘Voodoo People’ (la frase “Spanish Voodoo People” fue un mantra durante todo el concierto) o ‘Breathe’. Curiosamente, Franz Ferdinand al completo estuvo viendo todo el concierto al fondo del recinto y los fans no se les dejaban de acercar, aunque no concedieron hacerse fotoso con nadie.

BIME 2017 VitalicEl último directo que vimos fue el de Vitalic. En el escenario principal, el productor francés ofreció, sin duda, el mejor directo de la noche. Tal y como ya había mostrado en Sónar, se acompañó de una excelente puesta en escena, con visuales y las estructuras de luces que iban transformándose a medida que avanzaban los temas. Una excelente combinación de sonido e imagen que demostró por qué Pascal Arbez-Nicolas es uno de los grandes. ‘Chicken Lady’ –de su disco ‘Flashmob’–, el mítico tema ‘My Friend Dario’, ‘Stamina’, indudable hit, y temas de su último disco ‘Voyager’, tuvieron a todo el mundo absorto durante la hora larga que duró su directo.

Fotos de Tom Hagen (Exquirla, Las Bistecs y Franz Ferdinand) y Óscar L. Tejada (Vitalic); todas cedidas por BIME Live!

Érase una vez un cuento de hadas en el que SZA se venga de su malvado ex-novio

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sza-supermodel-videoCtrl’, álbum de debut de SZA, es uno de los mejores discos de R&B del año. Un disco que, además, sorprendía por el contenido explícito de sus letras, que “no pueden estar más llenas de culpa, baja autoestima y vergüenza propia”, como explicaba mi compañero Jordi Bardají en su crítica del disco. Uno de los ejemplos más claros es ‘Supermodel’, que es la canción que abre el disco y, según ha confesado la propia Solána Rowe en Twitter, es su favorita.

En ella, Rowe se dirige a su ex-novio, un tipo que parecer ser disfrutaba burlándose de sus debilidades e inseguridades. Ella se vengó de él follándose a su mejor amigo, y ha empleado los versos de esta canción para contárselo de manera muy explícita. Ahora además presenta un bonito videoclip en el que retrata esa historia, aunque de manera alegórica: dirigido por el reputado Nabil (Kendrick Lamar, James Blake, Foals, The Weeknd), SZA protagoniza un cuento (ahí está el guiño a ‘La Bella y la Bestia’) en el que unas niñas personificadas como hadas le hacen ver a la cantante lo maravillosa que es y le dan poder para castigar al villano.

La buena recepción crítica y comercial de ‘Ctrl’ ha logrado hacer de SZA una de las artistas de R&B más importantes del momento, acercándose al pop de éxito, primero de la mano de Rihanna y, más recientemente, junto a Maroon 5. Parece increíble cuando, poco más de 1 año atrás, Solána amenazó incluso con renunciar a su carrera musical tras ver cómo su sello, Top Dawg –el mismo que Kendrick Lamar–, retrasaba este álbum sine díe.

Destroyer / ken

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destroyer-kenA nadie va a sorprender que el canadiense Destroyer, que ya tuvo la rareza de hacer un EP de versiones de Sr Chinarro, dedique gran parte de los esfuerzos de su nuevo disco ‘ken’ a retratar la decadencia de la era Margaret Thatcher en Reino Unido, tal y como esta aparecía en su imaginación. El indie británico de finales de los 80 y principios de los 90 nunca fue nada popular en Estados Unidos, pero como todo el mundo sabe, el hombre detrás de este proyecto, Dan Béjar, si por algo fue conocido en sus inicios, fue por su devoción y homenajes a otro británico, David Bowie.

La querencia por la idiosincrasia del pop indie de este país es muy evidente en ‘ken’. ‘In the Morning’ tiene unas guitarras muy Bernard Butler (recordemos que este disco se llama ‘ken’ porque ese era el nombre provisional de ‘The Wild Ones’ de Suede), un bajo muy New Order que vuelve reiteradas veces a sonar en este disco y unos teclados muy The Cure que también. Pero además, Morrissey, otra de las obsesiones de Bejar, aparece múltiplemente referenciado en ‘Cover from the Sun’ («Nancy takes a bow / Sheila takes Manhattan») o ‘A Light Travels Down the Catwalk’ («A thorn in my side»), mientras Johnny Marr (el de ‘Please Let Me Get What I Want’) podría tocar en ‘Saw You At The Hospital’, un título muy Smiths para una canción delicada, fotográfica y bonita, inspirada en la neumonía que Béjar contrajo en la gira de ‘Poison Season‘, y planteando los problemas mentales que esta conllevó.

Es una canción inusualmente autobiográfica para los patrones de Destroyer, porque a lo que acostumbra es a ofrecer pequeñas fotografías, frases impresionistas que dan una pequeña idea sobre la verdadera temática de la canción, que a menudo se escapa a nuestro entendimiento. Es el caso de ‘Sky’s Grey’, la estupenda composición inicial, uno de los mejores exponentes aquí de cómo el artista ha ido armonizando las cajas de ritmo y lo sintético con lo clásico y orgánico, muy a lo Prefab Sprout. Con poco más que esa referencia al cielo gris ha construido una canción, mientras el “I’ve been working on the new Oliver Twist” revela tímidamente que está escribiendo un libro. Algo parecido pasa en ese «En Berlín hace sol, en Barcelona nieva» que muestra un mundo al revés en ‘A Light Travels Down the Catwalk’. También es el caso del modo de reflejar el aislamiento en ‘Ivory Coast’ («At night I sit and watch the world go by / I’m never never gonna try for the world / Like a rolling stone, always alone»), la sensación de que algo malo está a punto de pasar de ‘La regle du jeu’ o la escasa perdurabilidad de los artistas en la música de ‘In the Morning’.

Del mismo modo que las pistas sobre la vida y los pensamientos de Destroyer estar están, pero son concisas, las canciones aparecen esta vez solo como pinceladas, esbozadas, más que solidificadas como era el caso de las del formidable ‘Kaputt’. Aquí encontramos muchas composiciones cortas, como él dice inusuales en la carrera de Destroyer, pero esto parece más un truco, una pequeña trampa para aligerar el viaje, que evidencia de que este sea un disco adictivo en su brevedad. Algunas pistas tienen buenos desarrollos en busca de buenos lemas y paisajes preciosos (el «you do as Romans do» de ‘Rome’, el «I can’t pay for this. All I’ve got is money» de ‘Sometimes in the World’, el «I was a dreamer / Watch me leave» de «Tinseltown»), pero por ejemplo ‘Cover from the Sun’ no por corta y graciosa es su mayor hit potencial, ni ‘In the Morning’ saca tanto partido de la influencia de New Order como La Bien Querida de ‘A veces ni eso’.

Hay una cosa que Destroyer ha aprendido de finales de los 80 y principios de los 90, y es que los discos han de estar bien arreglados y masterizados. En ese sentido, la escucha atenta de este álbum es una gozada: sin irnos a cuerdas y arreglos pomposos, la percusión y el punteo de ‘Sky’s Grey’, los metales en «Tinseltown», esa pandereta en estéreo en ‘Cover from the Sun’ o los teclados de ‘La regle du jeu’ son una gozada oírlos nítidamente, sin mezclar con otros instrumentos à la 2014. Es solo que como es el caso del último disco hasta ahora de Morrissey, la calidad del sonido de la grabación está por encima de la composición primigenia. No terminan de dar un puñetazo en la mesa estas canciones, para recordarnos que la discografía de Destroyer ha estado a la altura de los grupos que tanto admira y muchas veces incluso por encima.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Sky’s Grey’, ‘A Light Travels Down the Catwalk’, ‘Rome’, ‘Tinseltown Swimming in Blood’, ‘La Regle du Jeu’
Te gustará si te gustan: Monaco, Electronic, The Tears
Escúchalo: Spotify

Jarina De Marco funda la «Iglesia del Me Importa Una Mierda» en ‘STFU’

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jarina-de-marco-stfuLa verdad es que cuando hablábamos, 4 años atrás, de Jarina De Marco imaginábamos que tendría una ascendencia más sólida en el pop de la que hasta el momento ha tenido. Después de presentarse con ‘Main Dish’ y pese a lo divertido y acertado de su recuperación de ‘El venao’, De Marco se involucró en otro tipo de proyectos alejados de la música y sus novedades musicales se redujeron: en 2016 estrenó ‘Paranavigar’ (que fue incluida en la BSO de la comedia ‘Vacation’) y vio cómo otro tema suyo, ‘Tigre’ –tan inspirada en Lola Flores como en ‘El tigeraso’ de Maluca–, fuera incluido en el disco oficial de la exitosa sitcom ‘Broad City’.

Todos esos temas presentan una producción muy próxima al universo Mad Decent. Por eso no sorprende que el dúo de productores GTA, también ligado a Diplo, escogieran la voz de esta neoyorquina de ascendencia dominicana para cantar ‘True Romance’ en su disco de debut. Este año, además de una colaboración en el disco de los mexicanos Kinky, GTA le han devuelto el favor y producen para ella su nuevo single, ‘STFU’ –editado en Mad Decent, claro–, cuyo estrambótico vídeo se ha presentado esta semana y no podemos dejar pasar.

‘STFU’ es el acrónimo de “shut the fuck up” –“calla de una puta vez”–, frase que Jarina repite insistentemente en la canción y que dedica a sus haters. Por eso el clip juega con la idea de una Iglesia del Me Importa Una Mierda, en la que el color malva es enseña y De Marco ejerce de sacerdotisa que expía los complejos de sus discípulos hasta que los superan y pueden entonar ese “calla de una puta vez”. Una ida de olla considerable a nivel visual (con noventeros guiños a los Tamagotchis y los anillos-chupachups) y coreográfico que no hemos querido dejar pasar.