El Hormiguero, que no Pablo Motos, recibe el Premio Nacional de Cultura en la categoría de televisión

-

17 septiembre, 2017

3

Odesza son humildes y reconocen que no han intentado “inventar la rueda” con su electrónica bailable y preciosista en el estilo de Bonobo, Flume, Four Tet, etc., sin embargo algo tiene que tener un grupo que llena estadios y suma cientos y cientos de millones de reproducciones en las plataformas de streaming. Y el dúo estadounidense tiene buenas canciones y sobre todo un estilo muy bien desarrollado, que en su nuevo disco, ‘A Moment Apart’, encuentra nuevos puntos cumbre, si bien dispersos a lo largo de una secuencia demasiado larga de una hora de duración.

Como suele ocurrir con los discos largos, en el sucesor del exitoso ‘In Return’ no todas sus pistas no son precisamente esenciales, pero lo bueno de ‘A Moment Apart’ es que presenta un temazo cuando menos te lo esperas y es en la pista 7 donde encontramos la mejor canción del disco, ‘Across the Room’, una colaboración con Leon Bridges que parece una actualización del Moby de ‘Porcelain’ desde un punto de vista más doo wop, y en la que el autor de ‘Coming Home’ se desenvuelve como la estrella que es. Es una gran canción que merece ser un hit, pero antes de ella en la secuencia han sonado otras destacables como ‘Higher Ground’ (que sin embargo se queda a las puertas de ser un verdadero hit de radiofórmula, que es lo a lo que aspira); ‘Late Night’, una fantasía disco-funk balear en el estilo de Empire of the Sun, o ‘Line of Sight’, que básicamente mejora ‘Closer’ de The Chainsmokers.

Más allá de ‘Across the Room’, las corpulentas percusiones y cánticos distorsionados de ‘Meridian’ representan una buena incursión de Odesza hacia lo tribal y ‘Corners of the Earth’, que cierra el disco, por su estilo de banda sonora épica curiosamente conecta con la primera, ‘A Moment Apart’, cerrando un círculo. El resto de material se compone de temas no tan interesantes entre el future bass (‘Boy’), el pop dramático (‘Falls’) o una Regina Spektor completamente desaprovechada en ‘Just a Memory’, pero Odesza logra en cualquier caso entretener y sobre todo se aventura a probar diferentes estilos con gracia. Algunas canciones puede que demuestren lo difusa que puede llegar a estar la línea entre la obra de arte y la música de fondo o de cerveceo para festivales de este tipo de propuestas, pero ‘A Moment Apart’ está compuesto también de buenas canciones, en algunos casos muy buenas.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Across the Room’, ‘Late Night’, ‘Higher Ground’, ‘Line of Sight’, ‘A Moment Apart’
Te gustará si te gusta: Bonobo, Tycho, Four Tet, Flume
Escúchalo: Spotify

M. Ward: “Los críticos son muy importantes, pero la música sería mejor sin ellos”

Por

Mireia Pería

-

17 septiembre, 2017

1

El año pasado ya entrevistamos a M. Ward acerca de su último disco, ‘More Rain’. Pero su presencia en el Santander Music nos permite poder volver a hablar con él unos minutos antes de que su concierto dé el pistoletazo de salida al festival.

Matt es un hombre a una guitarra pegada. Cuando entro al camerino, la está tocando. Y no la suelta ni un momento durante toda la charla. Se muestra amable y comunicativo, pero lacónico. Se demora en las respuestas, habla pausado y arrastrado.

Ha pasado ya más de año y medio desde ‘More Rain’. ¿Tendremos disco nuevo pronto?
He estado grabando a ratos durante los últimos dos años. Así que… quizás el año que viene… I don’t know. No lo sé (apostilla en castellano).

Entonces, este tour europeo, ¿es por el disco o tiene otra razón de ser?
Este [tour] ha empezado en España. Haré diferentes festivales por Europa y acabará en Suecia. Diferentes clubs, diferentes salas, festivales… Everything. ¡Todos! (en castellano, ríe).

¿Solo o con banda?
Solo, simplemente (castellano).

«Me siento más relajado acerca de la vida»

¿O es más bien un resumen de tu carrera? Han pasado ya dieciséis años de tu primer disco, ‘End of Amnesia’. ¿Qué ha cambiado desde entonces?
Un montón de cosas (se lo piensa). Ehh… Ahora me hago mi propio calendario, lo que es bueno para mi cerebro y mi salud mental. Antes solía actuar demasiado. Era muy joven, estaba en mis veinte… Ahora soy mayor. Me siento más relajado acerca de la vida, supongo.

¿Por qué se canceló el concierto de Madrid?
¡Oh! ¿Que qué sucedió? El promotor cometió un error, anunció algo que nadie firmó, así que cometió un error inocente. No sé si se disculpó o no, pero nunca hubo un concierto, no estuvo nunca en el calendario. Raro, raro. Mi manager me contó lo que había pasado. Me sentí triste por los fans de Madrid, pero volveré el año que viene. Me gusta mucho Madrid. Volveré. Me quieran o no, volveré.

¿Y sobre el resto de tus proyectos? She and Him, Monsters of Folk… ¿Hay alguna novedad en el horizonte?
¡No! Todo el mundo está muy ocupado haciendo montones de cosas diferentes, lo cual es una buena señal. Cada vez que nos vemos, hablamos sobre ello. Nos decimos “haremos algo algún día”. Y habrá un “algún día”. Pero, de momento, están en otros proyectos.

«El juicio de los periodistas no debería ser más poderoso que el del resto»

Te leí un tuit hace meses en que declarabas: “Hay todavía buena música hecha por gente viva y palpitante. No leáis las críticas o lo que digan webs y sellos. Confía en tus amigos” (Matt va asintiendo con varios “sí” en castellano). ¿Crees que las webs especializadas son tan poderosas?
Hmmm. ¡Sí! Siiii. Creo que los periodistas [son] gente inteligente a veces, como cualquier otra persona en el mundo. Pero su juicio no debería ser más poderoso que el del resto, en mi opinión. El hombre o mujer que trabaje para…

(Se lo piensa. Yo estoy a punto de meter un “¿Pitchfork?” para cizañear un poco, pero Matt se me adelanta. ¡Maldita sea mi falta de reflejos!)

… El País o la BBC, deberían ser tan importantes como tu comunidad. Como cualquier otro. Sí, creo que los críticos son muy importantes, pero la música sería mejor sin ellos (risas).

«Dejar a tus amigos que sean los críticos es mejor que dejar que los críticos sean tus amigos»

¡Yo también soy crítica!
Bueno… Yo también lo soy. Críticos del mundo. Pero me pasa igual con las películas. La mejor manera sería descubrirlo tú mismo, escuchar a tus amigos… Los periodistas son importantes, pero hay otras cosas más importantes a quién escuchar. Dejar a tus amigos que sean los críticos es mejor que dejar que los críticos sean tus amigos (risas).

Pero quizás por la inmensa cantidad de información, música, lanzamientos, etc. de los que disponemos hoy en día, necesitamos alguien que hago de filtro.
Hummm… sí. Pero (castellano) esto no sería un problema si la gente saliera más a ver música en directo. Eso es lo que no me gusta. Cuando alguien llega a tu ciudad, si la crítica dice “sí o no” (en castellano), la gente se queda en casa o va. Hacen que sólo haya un camino. En mi opinión, si no hubieran revistas, periódicos, los medios hablando sobre música, la gente saldría más a ver conciertos, porque lo necesitarían, porque tendrían la experiencia. Porque ir a ver un concierto, aunque sea horrible, es también educativo. Así es cómo me siento.

¿Crees que quizás nos fijamos demasiado en modas, estilos determinados y olvidamos lo demás por el afán por la novedad?
Hay quien quiere un disco nuevo cada semana, hay quién cada mes o cada año… La gente debería escuchar a su propia velocidad. Muchas veces los medios te hacen sentir como que tienes que comprar más de lo que estás preparado para comprar. En un mundo muy ideal, no habría críticos, ni revistas, ni webs. Solamente tus amigos (en castellano). Y música en los teatros (en castellano). ¿Cómo se dice “live music”?

«En un mundo muy ideal, no habría críticos, ni revistas, ni webs. Solamente tus amigos (en castellano). Y música en los teatros»

Música en directo.
En directo. Es imposible de hacer para todo el mundo, pero fácil para ti mismo. Es mejor para ti. Así fue mejor para mí.

Cambiando de tercio, Chuck Berry falleció el pasado 18 de marzo. Tú siempre acabas tus shows con ‘Roll Over Beethoven’ (Matthew empieza a tocar levemente las notas). ¿Le vas a rendir más homenajes?
Creo que cada actuación que hago es un tributo a Chuck Berry, porque él, su música, me dice tanto… Aparte de la que significó su guitarra para mí. Así que versionaré cualquiera de sus canciones para siempre. Siempre. (Sigue tocando).

No sueles hablar de política…
Poco (español) (risas).

Sin embargo, al respecto de la declaración de Paul Ryan (presidente de la Cámara de Representantes de EEUU) contra el tratado de París, el pasado 1 de junio escribiste un tuit con una sola frase: ‘Idiot Wind’. El cambio climático es una amenaza real…
En Estados Unidos es muy triste (castellano). Los republicanos… (se lo piensa). ¿Cómo decís “volverse ciego a propósito”? Ciegos a la verdad. Me hace sentir triste por las futuras generaciones. Porque vamos a tener problemas muy graves. Sí, es uno de los asuntos más importantes. Quizás, el más importante. Así que espero que las cosas cambien (y remata con un rasgueo de guitarra).

En España hay una expresión que dice “pan para hoy, hambre para mañana”.
Sí, es una buena metáfora.

Mi compañero Jordi te entrevistó el año pasado, te preguntó acerca de la polémica sobre que te hicieran fotos en los conciertos. Le contestaste que ya no era un problema para ti.
Ah, sí. No, ya no tengo problemas con las fotos. Tenía, pero ya no. Ya lo he superado.

Para mí el problema no es que hagan fotos en sí, sino que estén todo el rato con la mano alzada, tapando.
Sí, interrumpe el disfrute del show. Estoy de acuerdo.

La verdad es que he estado cotilleando tu tuiter (Matt se ríe). En junio preguntabas sobre ideas para “unas vacaciones en el Norte de España”. ¿Conseguiste muchas sugerencias?
¡Sí! ¡San Sebastián fue increíble! Volveré mañana (castellano). Galicia. Santiago de Compostela. Muy, muy bella (castellano). Quiero ver los alrededores de San Sebastián este fin de semana. Mis vacaciones españolas aún no han acabado.

Cuando comenté a mis conocidos de Cantabria que iba al Santander Music, nadie me preguntó por la música. Todos me dijeron dónde ir a comer e insistieron en que probara las rabas.
¡Sí! Y en Galicia, pulpo a la gallega. En San Sebastián pinchos, pescados (castellano). En Santander… ¿cómo has dicho?

Rabas. Es calamar rebozado en harina y frito. Están obsesionados con ellas.
Mmm… quizás busque rabas esta noche…

Shakira y Nicky Jam: de Man Ray a una pista de carreras en el vídeo de ‘Perro fiel’ grabado en Barcelona

Por

-

16 septiembre, 2017

30

Shakira actúa en Barcelona por partida doble el próximo mes de noviembre, y precisamente en la capital catalana la autora de ‘El dorado’ ha grabado el videoclip de su nuevo single, ‘Perro fiel’, su colaboración con el cantante estadounidense-puertorriqueño Nicky Jam (a quien conocerás por canciones como ‘El amante’ o ‘Si tú la ves’).

El vídeo de ‘Perro fiel’ empieza con un extraño plano industrial de un grupo de violinistas tocando unos “violines” en forma (literal) de mujer, lo que parece una referencia a ‘Violín de ingrés’, la famosa fotografía de Man Ray, y decimos extraña porque el plano no tiene continuidad alguna a lo largo de un vídeo que transcurre sobre todo en una pista de carreras, donde Shakira presume un “look” hip-hopero junto a Jam. En el vídeo, la colombiana hace también danza del vientre con su cuerpo embadurnado de oro o luce embutida en un sensual vestido de color vino.

¿Y a quién encontramos tras la cámara de ‘Pierro fiel’? No te sorprenderá descubrir que ha dirigido el vídeo el barcelonés Jaume de Laiguana, que ya se ha encargado de varios vídeos de Shakira en el pasado, sin ir más lejos del de ‘Loca’, que también se rodó en Barcelona, aunque esta vez en el exterior. También ha dirigido los vídeos de ‘Rabiosa’ y, más recientemente, ‘La bicicleta’ con Carlos Vives.

Lorde y Carly Rae Jepsen, coristas de Bleachers en su actuación para MTV Unplugged

Por

-

16 septiembre, 2017

12

Este 8 septiembre ha vuelto a MTV el mítico programa de actuaciones musicales en directo MTV Unplugged, que en el pasado ofreciera conciertos tan recordadas como los de George Michael, Björk, Alanis Morissette, Nirvana o por supuesto Eric Clapton. La nueva temporada de MTV Unplugged se ha estrenado con una actuación de Shawn Mendes y la segunda, que se acaba de emitir en MTV, ha corrido a cargo de Bleachers, el grupo de Jack Antonoff, uno de los productores más solicitados del momento, que acaba de publicar nuevo disco, ‘Gone Now’.

Naturalmente, Bleachers presentaron las canciones de ‘Gone Now’ en un MTV Unplugged que destacó por una actuación especial de su tema ‘Hate that You Know Me’ con la participación de dos coristas de lujo, Lorde y Carly Rae Jepsen. Por supuesto ambas han colaborado con Antonoff en el pasado: él es junto a Ella productor de ‘Melodrama’ y se encuentra actualmente trabajando en el próximo álbum de Jepsen, quien cantó en el álbum anterior de Bleachers y canta precisamente esta canción en el nuevo (además, Antonoff es autor de una cara b de Jepsen, ‘Sweetie’).

Dada la naturaleza de esta colaboración entre Lorde y Carly Rae Jepsen, su actuación es sobre todo secundaria, aunque no deja de llamar la atención en la actuación el contraste entre la euforia de Lorde y la compostura de Jepsen (hablamos, claro, de dos personas que se llevan 11 años de diferencia). En cualquier caso, una reunión que maravillará a los fans de ambas artistas, aunque sea solo por verlas cantando en el fondo una al lado de la otra.

Adiós a Harry Dean Stanton, protagonista de ‘Paris, Texas’ y gran actor de reparto que enamoró a David Lynch

Por

-

16 septiembre, 2017

3

El actor Harry Dean Stanton ha fallecido este fin de semana en Los Ángeles por causas naturales. Tenía 91 años y 60 de carrera profesional a sus espaldas. Stanton será siempre recordado por protagonizar al desdichado Travis en ‘Paris, Texas’ de Wim Wenders, personaje cuyo nombre inspiró el de la banda británica Travis.

Aunque Stanton protagonizó esta gran película de culto que es ‘Paris, Texas’, curiosamente durante su carrera interpretó sobre todo papeles secundarios, no obstante tan memorables como los que asumió en ‘La leyenda del indomable’ de Stuart Rosenberg, ‘Pat Garrett y Billy the Kid’ de Sam Peckinpah, ‘Alien’ de Ridley Scott, ‘La última tentación de Cristo’ de Martin Scorsese o la segunda parte de ‘El padrino’ de Francis Ford Coppola, con quien además compartía una amistad.

Stanton, oriundo de Kentucky, colaboró en numerosas ocasiones con David Lynch, por primera vez en ‘Corazón salvaje’ y más tarde en ‘Fuego camina conmigo’, la película que sirvió de precuela a ‘Twin Peaks’. Interpretó al taciturno Carl Rodd, dueño del párking de caravanas La Trucha Gorda, papel que retomó en la recién concluida tercera temporada de la serie. Stanton también actuó en ‘Una historia verdadera’ e ‘Inland Empire’.

Foo Fighters / Concrete & Gold

Por

Raúl Guillén

-

16 septiembre, 2017

6

Foo Fighters son uno de los grupos de rock más grandes de las dos últimas décadas. Es incontestable. Por supuesto, hablamos de ventas, de capacidad de convocatoria (abarcando un público que va del indie-alternativo al heavy pasando por el generalista) y también de buenas canciones, aunque no tantas como podrían caber en 8 álbumes de estudio. Los 00s fueron desiguales en resultados artísticos, y aunque esta nueva década no empezó mal (‘Wasting Light‘), ha seguido siendo desigual (‘Sonic Highways‘). Dave Grohl y sus compañeros debían ser conscientes de que el crédito de sus primeros discos comenzaba a gastarse y para este ‘Concrete & Gold’ han hecho una apuesta por un cambio notable. Tras tres discos producidos por nombres habitualmente asociados al rock como Butch Vig y Gil Norton, han confiado en alguien tan alejado de su órbita habitual como Greg Kurstin.

El productor de Adele, Sia, Shakira o Taylor Swift (también de Beck, Foster The People, Lily Allen o Lana del Rey) es una elección sorprendente, aunque los fans de Foo Fighters pueden estar tranquilos: no ha cambiado su sonido tanto como parece. Al contrario, en buena parte de ‘Concrete & Gold’ suenan más fieros y rockosos que nunca, crepitando y sonando incluso sexys y embrutecidos, bastante próximos a Queens of the Stone Age. Su mano, no invasiva pero sí perceptible, no se traduce en una –solo teórica– orientación al pop sino en pequeños detalles que enriquecen la grabación: coros soul (con Justin Timberlake, Alison Mosshart y Shawn Stockman –¡de Boyz II Men!– implicados, aunque no tengan un papel protagonista), guiños funky en los ritmos, arreglos de sintetizadores, cuerdas y vientos sutiles pero palpables…

Aunque si queremos saber por qué Grohl pensó que él era la persona correcta al escuchar las canciones de su proyecto The Bird and The Bee, la razón se llama ‘Happy Ever After (Zero Hour)’, un cuco guiño a los Beatles más acústicos. Un ~~saqueo~~ préstamo que, sorprendentemente, prosigue en ‘Sunday Rain’, aunque acabe sonando más a Oasis que al cuarteto de Liverpool. Sin ser un horror, son los momentos más desconcertantes de un disco que destaca cuando suena más desbocado y contundente, incluso cuando no pasa de resultón émulo del trabajo de su amigo Josh Homme (‘La Dee Da’, ‘Make It Right’, ‘Arrows’). Solo que la ironía de un personaje, un disfraz, ayuda a digerir mucho mejor los excesos de testosterona.

Al final y al margen de esos detalles sonoros que parece que aporta Kurstin pero que son solo accesorios, ‘Concrete & Gold’ no deja de ser el disco-tipo que Foo Fighters: cuatro o cinco grandes canciones rodeadas de un relleno más o menos apañado o resultón. Las primeras, en este caso, coinciden con las presentadas como adelantos (‘Run’, ‘The Sky Is A Neighborhood’, ‘The Line’) más la mezcla de delicadeza, intensidad y de ‘Dirty Water’ y ‘Concrete & Gold’, las dos en las que el trabajo de Kurstin parece lucir más. Habida cuenta de que estamos ante un grupo que va camino de sus 25 años de existencia, tampoco es un mal rédito, ¿no?

Foo Fighters presentan’Concrete & Gold’ hoy en Barcelona, con un concierto exclusivo en una ubicación aún secreta.

Calificación: 6,8/10
 Lo mejor: ‘The Sky Is A Neighborhood’, ‘Run’, ‘Dirty Water’, ‘The Line’
Te gustará si te gustan: Queens of the Stone Age, The Raconteurs, Eagles of Death Metal
Escúchalo: Spotify

¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea, de que ‘Verano 1993’ vaya a los Oscar?

Por

Joric

-

16 septiembre, 2017

Este año no ha habido debate. Sin Almodóvar, Amenábar, Garci o Trueba(s), la eterna pregunta -¿es mejor llevar la mejor película o la más “oscarizable”?- no ha tenido sentido. A falta de nombres, se ha optado por la calidad. ‘Verano 1993’ es, de lejos, mucho mejor película que sus dos rivales: ‘Abracadabra’ y ‘1898. Los últimos de Filipinas’. La elección, por tanto, admite pocas dudas. Sin embargo… ¿tiene alguna posibilidad de ser elegida entre las cinco nominadas a los Oscar?

Si echamos un vistazo a la lista provisional de competidores, en la que todavía faltan pesos pesados como Francia, Canadá, Irán y la mayor parte de los países latinoamericanos, la debutante Carla Simón lo tiene difícil: el austriaco Michael Haneke (‘Happy End’), quien ya lo ganó con ‘Amor’; el belga Michaël R. Roskäm (‘Racer and the Jailbird’), nominado en 2012 por ‘Bullhead’ y que ya ha rodado en Hollywood (la fabulosa ‘La entrega’); el sueco Ruben Östlund (‘The Square’), reciente Palma de Oro en Cannes y que ya estuvo nominado en los Globos de Oro por la anterior ‘Fuerza mayor’; el pujante noruego Joachim Trier (‘Thelma’), que rodó la anterior ‘El amor es más fuerte que las bombas’ en inglés y con actores y producción estadounidense; o Ildikó Enyedi, la directora húngara cuya ‘En cuerpo y alma’ suena fuerte como una de las favoritas tras arrasar en la Berlinale.

En comparación, ‘Verano 1993’ no tiene ni grandes nombres ni grandes premios detrás. Pero sí una gran historia, un terrible drama autobiográfico narrado por Simón con extrema sensibilidad y enorme sutilidad. Eso es a lo que hay que agarrarse. A que, como está ocurriendo en todos los países donde se está estrenando (desde Francia hasta Argentina, sin olvidar su reconocimiento en el festival de Berlín), la emoción que transmiten sus delicadas imágenes, sus planos secuencia de un naturalismo casi milagroso, lleguen con la misma fuerza a los votantes de los Oscar.

La belleza, potencia expresiva y capacidad emotiva de la película catalana deberían ser suficientes motivos para nominarla. Pero, en el caso de que no lo sean, hay otros dos que pueden ayudar: el SIDA y la niña protagonista. ‘Verano 1993’ es un drama íntimo y localista. Sin embargo, aunque no sea un objetivo principal para la directora, admite una lectura social y global. Secuencias como la de la herida en la rodilla, la charla en la carnicería o la conversación final sobre la causa de la muerte de los padres, ponen el acento en el miedo, el desconocimiento y los estigmas asociados al VIH. Quizá estas sutiles pero contundentes referencias a la realidad social, unido al siempre llamativo trasfondo autobiográfico, sirvan para aumentar en algún votante la consideración de la película.

Y luego está la niña. Frida (Laura Artigas) es heredera de la Ana Torrent de ‘Cría Cuervos’, una de las principales referencias que ha manejado Simón para su película. La afortunada decisión de la directora de adoptar el punto de vista de la pequeña huérfana consigue que el espectador, como en la obra maestra de Carlos Saura (o como en la más reciente ‘Ponette’), haga suyo el recorrido que hace la niña desde la incomprensión de la muerte y sus problemas de adaptación a un nuevo entorno –familiar, geográfico, cultural-, hasta su catártica asunción. Obviamente, ‘Verano 1993’ no es la típica “película con niño” que tan bien funciona en los Oscar, pero podría pasar por una –una muy buena- para algún votante despistado.

Sea elegida o no, de momento su elección ha servido para reestrenarla en toda España. Y eso, aunque haya que pagar el peaje del doblaje, ya es triunfo. 8,5.

¿Hasta cuándo subestimaremos a Amaral?

Por

Pablo Tocino

-

15 septiembre, 2017

12

“No estás hecha para el agua si no te quieres mojar”: con ‘Unas veces se gana y otras se pierde’ abrían anoche Amaral su concierto en Sevilla. Hacía 5 años desde la última vez que los zaragozanos estuvieron en la capital andaluza, y lo cierto es que por esa fecha acababan de mojarse a lo grande para poder navegar en aguas desconocidas y dirigirse, como el disco que presentaban por entonces, hacia lo salvaje. Nos referimos, claro, al nacimiento de su propio sello: Antártida. Tras tan larga ausencia, Eva y Juan, en una rueda de prensa ofrecida en julio en un hotel sevillano, anunciaban varias sorpresas para ese concierto de regreso, y ese mismo día ofrecieron también a algunos de sus seguidores y a la prensa un pequeño acústico con la Catedral de fondo, donde llegaron a pasearse entre el público o a sentarse a su lado para cantar con ellos. Ese esperado reencuentro con muchos de sus fans andaluces se ha producido finalmente dentro de un ciclo de conciertos en el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo), donde estos días de septiembre se verá también a gente como Rosalía, Kase.O, Robe Iniesta o Fuel Fandango. Foto: Rafa Marchena.

¿Ha valido la pena la espera? Las declaraciones de Eva y Juan en julio hacían presagiar que no iba a ser un concierto más… y no lo fue, por diversas razones. Una de esas razones fue un entregadísimo público que animaba al grupo y coreaba no solo “las de siempre”, sino incluso los no-singles de su último trabajo: esto también se debe a la forma en que Eva se ganó a los asistentes, interactuando con ellos, explicando las historias detrás de muchas canciones y haciendo que éstas les llegasen más. Otra de las razones es la que ya ellos adelantaron: sorpresas y novedades en la presentación de algunas canciones. ‘Kamikaze’ (cuyo estribillo intentaron cantar todos los presentes bajo el Monasterio de la Cartuja sin marcarse el gallo del siglo, siendo Eva la única en conseguirlo) y ‘Revolución’ dieron paso a otros grandes éxitos del grupo como ‘Salir corriendo’, ‘Días de verano’, ‘El universo sobre mí’, ‘Sin ti no soy nada’, ‘Cómo hablar’, ‘Hacia lo salvaje’, ‘Cuando suba la marea’ y la sorpresa-rescate de su debut ‘No sé qué hacer con mi vida’… pero gran parte de ellas con nuevos arreglos, con más guitarreo eléctrico y percusión, que les contagiaron del espíritu enérgico de su último álbum y que rápidamente hicieron olvidar a los asistentes del retraso en cuanto a la hora de comienzo.

‘Nocturnal’ se confirma como la fan-favourite del disco, siendo uno de los momentos álgidos del concierto junto a ‘Lo que nos mantiene unidos’, ‘Hoy es el principio del final’, la interpretación casi a cappella de ‘En el tiempo equivocado’ (gana enteros en vivo) y, sobre todo, los arreglos nuevos para ‘Chatarra’. Este tema ha pasado por su versión normal, su versión acústica (que elogiábamos como lo mejor de ‘Solar Sessions‘) y ahora se nos presenta con unos toques electro que recuerdan a Dorian o incluso por momentos al ‘Witching Hour’ de Ladytron y que, la verdad, sientan a la canción como un guante – lo cual nos hace reafirmarnos en que efectivamente ‘Chatarra’ era una joya escondida que suena bien de distintas formas.

La energía que desprenden los dos en el escenario es, por tanto, otra de esas razones, pero también su sincero compromiso sociopolítico en ‘Revolución’ (esas imágenes), ‘Llévame muy lejos’ o ‘La ciudad maldita’: es sorprendente que, al salir ‘Ratonera’, muchos dijesen que los de Zaragoza se habían “subido al carro” de esa temática. Cabe preguntarse si habrían escuchado ‘No soy como tú’, ‘Rosa de la Paz’, ‘Las Puertas del Infierno’, ‘Van como locos’, ‘Como el martillo en la pared’, la propia ‘Revolución’, etc; es curioso que quienes siempre les han visto como un grupo de radiofórmula sin interés conozcan de ellos poco más que los temas que han sonado en la radio. Eso nos lleva a la última de las razones, y una de las más interesantes: entre el público podías oír gritar a ultrafans entregadísimos, pero también podías oír cómo gente que acudió “obligada” para acompañar salía diciendo “ha sido flipante, les tenía subestimados”. Amaral tienen un directo brutal, y ayer dieron una prueba más de eso, ayudados en el aspecto técnico, por un cuidado sonido, y metiéndose en el bolsillo a un heterogéneo público en el que los fans de sus inicios que ahora tienen 35-40 o hasta 50 años cantaban a pleno pulmón junto a sus fans millenials de veintitantos (incluso adolescentes). Dos generaciones que parecen estar siempre enfrentadas, unidas por las letras, melodías y, sobre todo, la energía de los zaragozanos. Entre las preferencias personales que echar en falta en el setlist (en mi caso, especialmente ‘Siento que te extraño’ y ‘Alerta’), hubiese sido desde luego un puntazo ver a este choque generacional cantando al unísono ‘El blues de la generación perdida’… Eva y Juan tienen, pues, una sugerencia ahí para el concierto de final de gira en el 28 de octubre en Madrid, que, como dijimos, se grabará para un futuro álbum en vivo.

Versus: a favor y en contra del Mercury a ‘Process’ de Sampha

Por

-

15 septiembre, 2017

‘Process’ de Sampha se ha hecho con el Mercury Prize derrotando a los álbumes de Stormzy, The xx, Kate Tempest y por supuesto Ed Sheeran. Una redactora defiende esta decisión y otro redactor la cuestiona.

A favor

«Sampha se ha llevado el Mercury Prize en un año en que parecía que la cosa estaba entre Kate Tempest y The xx. Discazos ambos, no lo niego. Pero la elección de Sampha me alegra porque no era nada obvia. Sospecho que sus detractores acusarán a ‘Process’ de pecados como entrar bien, ser reconocible y reconfortante. Y si ‘Process’ es todo eso es porque también resulta un disco hermoso, reflexivo y melancólico, cercano en alma a Frank Ocean, pero con una forma más propia de James Blake o incluso Sufjan Stevens. Sampha apenas levanta la voz, no parece mostrar interés en apabullar, sólo en desarrollar unas canciones líquidas y bellas cantadas de manera poderosa pero vulnerable. Un disco que oscila entre el soul de cámara y el R’nb’ atmosférico, como en ‘Reverse Faults’ o ‘Under’, pero que también sabe jugar con la intensidad, como en el arrebato tierno de ‘Blood on Me’ o la telúrica ‘Timmy’s Prayer’, dónde prácticamente les roba la cartera a Bon Iver y The xx (sí, ambos a la vez). Todas sus virtudes se cristalizan en el monumento que es ‘(No One Knows Me) Like the Piano’, balada definitiva y definitoria. Así, a sus 28 años, Sampha ha construido un disco que suena absolutamente personal y, a la vez, a clásico desde el primer momento. Y eso es algo fácil de escuchar, pero tremendamente difícil de lograr». Mireia Pería.

En contra

«Que Sampha es un talento válido y que seguir en el futuro no es cuestionable tras su trabajo con grandes como Kanye West, Drake, Frank Ocean y Solange o este mismo notable disco. Que ‘Process’ sea el mejor disco británico del año, sí. ‘Process’ es un buen álbum sobre todo gracias a su excelente producción. Cada cosa está donde tiene que estar, cada movimiento es elegante, no hay paso en falso en cuanto a sintes y sonidos empleados, el concepto suena bien cerrado, limpio y maravilloso… todas esas cosas que le encantan a la generación Pitchfork. Pero hablemos de las canciones. El single ‘Blood on Me’ tenía una deuda demasiado evidente con Massive Attack y «Like the Piano» otra demasiado evidente con la balada de los 70 a lo Carpenters. Su voz, que indudablemente suena como hilo conductor, se parece también demasiado a la de James Blake, cuyo sonido embadurna una segunda mitad que se hace bastante bola mientras suenan canciones como ‘Take Me Inside’, ‘Reverse Faults’ y ‘Under’, ideales para sonar de fondo mientras te fumas un porro, pero poco más. Paradójicamente, en algún lugar falta algo del alma que sí escuché en ‘(No One Knows Me) Like the Piano’. ¿De verdad ‘What Shouldn’t I Be?’ será recordada dentro de unos años o es como una de esas rarezas que nunca debió publicar Björk? El Mercury Prize a menudo sobrevalora a los artistas noveles, y hace bien tal y como está la industria, pero en ese caso, intuyo más canciones icónicas y mejor flow en el debut de Stormzy, aun siendo mucho más largo. Y, por otro lado, cada vez estoy más convencido de que tiene más valor renovarte y saber hacer un buen tercer disco que un fresco debut». Sebas E. Alonso.

The National logran el primer número 1 importante de su vida con ‘Sleep Well Beast’

Por

-

15 septiembre, 2017

The National son el nuevo número 1 en álbumes en Reino Unido con su nuevo disco, ‘Sleep Well Beast’. La suya ha sido una verdadera carrera de fondo, pues cada uno de sus álbumes ha llegado a las listas británicas más alto que el anterior, hasta culminar con este merecido top 1. Sus dos primeros álbumes no llegaron al top 200, ‘Alligator’ (2005) fue número 165, ‘Boxer’ (2007) número 57, ‘High Violet’ (2010) número 5 y ‘Trouble Will Find Me’ (2013) número 3. La OCC recuerda que su álbum más vendido es ‘High Violet’, con 126.623 unidades despachadas, mientras que ‘Trouble Will Find Me’ acaba de superar las 100.000 (disco de oro). Su nueva obra ha sobrepasado las 20.000 copias en su primera semana.

Este es el primer número 1 en una lista de ventas en un mercado importante para The National, que han tenido que conformarse con un top 3 en Estados Unidos para sus dos últimos discos. El nuevo tampoco será número 1 en su propio país, pues será contenido por los trabajos de Thomas Rhett y Dustin Lynch. Os dejamos con una de las actuaciones televisivas del grupo en esta era, la correspondiente a ‘Day I Die’, uno de los singles más efectistas de los muchos que han sacado al mercado de este disco.

Sam Smith es número 1 en Reino Unido… y en el global de Spotify

Por

-

15 septiembre, 2017

La balada brevísima con la que Sam Smith ha vuelto ha calado. ‘Too Good At Goodbyes’ es número 1 directo en Reino Unido tras la consecución de lo equivalente a 62.000 unidades vendidas. Aproximadamente la mitad de esos puntos proceden de las descargas y la otra mitad del elevado streaming que ha conseguido esta canción. Es nada menos que el sexto número 1 para Sam Smith en Reino Unido. Los anteriores fueron ‘Money on My Mind’, ‘Lay Me Down’ con John Legend, ‘La La La’ con Naughty Boy, ‘Stay With me’ y ‘Writing’s On the Wall’, la canción para James Bond. Su debut vendió 2,3 millones solo en Reino Unido, siendo certificado como 7 veces platino.

Más importante aún, la acogida mundial de la canción está siendo muy buena. Smith ya demostró con creces que no era un artista local y parece que la gente no se ha olvidado de él, consagrándose como el Adele masculino. ‘Too Good At Goodbyes’ no fue número 1 directo en el global de Spotify como el single de Taylor Swift, pero mejor aún: ha escalado a esa posición en días posteriores, manteniéndose hoy en ella por cuarto día consecutivo. Queda por averiguar hasta qué puesto puede llegar en el Billboard Hot 100 cuando salga el vídeo y el tema siga avanzando en radios, pues de momento el número 1 en Estados Unidos es inalcanzable entre Swift y el tema de moda y en auge de Logic.

Hey Charlie, nada Haim y bastante Nirvana

Por

-

15 septiembre, 2017

6

No se parecen ni a Haim ni a Hinds, pese a lo que puedan decirte sus fotos promocionales, que parecen ideadas por la productora Canada. Entre las posibles referencias de Hey Charlie es más fácil citar a gente como Weezer, la versión más pop de Hole y Nirvana o la versión más pop de los Pixies. Gente como L7 también podría venir a la mente escuchando a este nuevo grupo británico.

Hey Charlie se formaron en 2015 cuando Lizz (guitarrista y vocalista) y Sophie (bajista y vocalista) se conocieron mientras estudiaban en Londres. Su pasión por la música las unió y pronto ficharon a la baterista Lauren para comenzar a funcionar como banda. Como tema de presentación, la autoafirmativa ‘Hey’, que ha llevado a Hey Charlie a tocar en festivales multitudinarios y a telonear a Green Day en Hyde Park.

Tras sumar más de 100.000 escuchas en Spotify con este único tema que hasta ahora conocíamos, Hey Charlie estrenan hoy una canción nueva llamada ‘Young & Lonesome’ que confirma su escasa querencia por las modas actuales, aunque estas sean revivir a Fleetwood Mac, decantándose claramente por lo que fue el indie-rock y el post-grunge de los años 90, como muestran ese puente instrumental o ese pegajoso tarareo. ¿Serán amigas de INHEAVEN? Hey Charlie actúan este sábado 16 de septiembre en Barcelona, como parte de la programación de RazzClubs (les toca en la Sala 1 de Razzmatazz). No pierdas esta ocasión de contar en el futuro que fuiste de los primeros en verlas en nuestro país.

Beyoncé y Obama, protagonistas de la gala benéfica de Rihanna

Por

-

15 septiembre, 2017

41

Rihanna organizaba anoche por tercer año la Gala Diamond Ball, que tiene como fin recaudar fondos para The Clara Lionel Foundation, una organización benéfica llamada así en honor a sus abuelos. Acudía gente como Jay-Z, Dave Chappelle y Kendrick Lamar, que realizaba incluso una actuación.

Entre las noticias principales, el mensaje enviado por el ex presidente de Estados Unidos, Barack Obama, que agradecía el «poder» de Rihanna para dar a la gente «esperanza» y «dignidad». No es una sorpresa del todo si recordamos que en el programa de Jimmy Fallon entonó un fragmento de ‘Work’, su hit del año pasado junto a Drake.

Y por otro, la foto que ha corrido como la pólvora por las redes sociales, mostrando a Beyoncé y Rihanna en la misma mesa. Tampoco sorprende muchísimo: no es la primera vez que se las ve juntas, pero también es cierto que no han colaborado nunca, si bien ambas lo han hecho con gente en común, Shakira, por ejemplo. Además, hay que recordar que Beyoncé y Rihanna competían este año por el Grammy a mejor álbum urban, premio que se quedaba la primera por ‘Lemonade’.

En el evento se recaudaron 840.000 dólares.

Beyoncé and Rihanna finally reunited and it's what we deserve. 😍❤️ #DiamondBall pic.twitter.com/PDAwh1WAra

— Pop Crave (@PopCrave) September 15, 2017

President Obama has a message for Rihanna #barackobama #obama #DiamondBall #rihanna #rihannanavy #rih

Una publicación compartida de The Cool (@couturecool) el 15 de Sep de 2017 a la(s) 4:24 PDT

Marilyn Manson combate a la América conservadora con pistolas y monjas dominatrix

Por

-

15 septiembre, 2017

5

‘Heaven Upside Down’, el nuevo disco de Marilyn Manson, se ha avanzado esta semana con un buen single, ‘WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE’, salvando las (lejanas) distancias muy cercano en estilo al rock corrosivo, grimoso y enrabietado de ‘Antichrist Superstar’, aunque sin la espectacular producción de Trent Reznor de por medio.

Manson publica ahora el videoclip para esta canción, en la que él y un ejército de monjas dominatrix secuestran a una familia nuclear típicamente americana, representada también recientemente en un videoclip de Katy Perry. Claro que donde Perry hacía una referencia al primer anuncio de Macintosh, Manson y su séquito de monjas sexys abusan de la familia a su antojo.

No hay, en principio, referencia política alguna en este nuevo vídeo, como lo había en el primer avance del álbum, en el que podía verse a un Donald Trump decapitado, aunque sí hay un plano final que parece significativo, el de Manson entregando su arma frente a una furgoneta en llamas. ‘Heaven Upside Down’ sale el 6 de octubre. ¿Lo comprará su “amigo” Justin Bieber?

Jóhann Jóhannsson ya no será autor de la banda sonora de ‘Blade Runner 2049’

Por

-

15 septiembre, 2017

8

En agosto de 2016 se confirmó que el compositor islandés Jóhann Jóhannsson se encargaría de la banda sonora de ‘Blade Runner 2049’, la esperada secuela de ‘Blade Runner’ dirigida por Denis Villeneuve con la producción ejecutiva de Ridley Scott. A Jóhannsson se sumaron recientemente, para la composición de esta pieza, otros dos compositores, Hans Zimmer (que acaba de componer la BSO de ‘Dunkerque’) y Benjamin Wallfisch.

Las noticias sobre la participación de Jóhannsson en ‘Blade Runner’ son ahora muy distintas. El autor de la banda sonora de ‘La teoría del todo’, por la que fue nominado a un Globo de Oro y a un Grammy, se ha desligado completamente del proyecto, según informa el diario islandés Fréttablaðið, que ha recibido el siguiente comunicado del equipo de Jóhannsson: “Jóhann Jóhannsson ya no está involucrado en ‘Blade Runner 2049’… el agente de Jóhann ha confirmado a Fréttablaðið que el compositor islandés ya no está involucrado en la película a ningún nivel, aunque tiene prohibido decir nada al respecto debido a su contrato”.

En principio esto no parece si no el resultado de discrepancias artísticas entre el que iba a ser el compositor original de la banda sonora de ‘Blade Runner 2049’ y sus nuevos compañeros de trabajo. O puede que la responsabilidad de poner música a una película tan importante haya terminado por superar al compositor islandés. En cualquier caso, a espera de que el autor de ‘Fordlândia’ confirme las razones de su abandono por cuenta propia, solo queda especular.

Jóhannsson actúa en el Festival de Música Visual de Lanzarote el 21 de octubre.

Tove Lo, St Vincent, The War on Drugs, Beck, La Bien Querida y Rhye, entradas en el top 40 de JNSP

Por

-

15 septiembre, 2017

0

Dua Lipa continúa una semana más en el número 1 de nuestra lista semanal, con una ‘New Rules’ que ha conquistado el mundo de manera totalmente inesperada. Entre las entradas destaca, directo al puesto 6, el ‘Disco Tits’ de Tove Lo, que avanza su nuevo disco. También encontramos, más abajo, los nuevos singles de St Vincent, The War on Drugs, Beck, La Bien Querida con Jota y Muchachito, y el remix de Rhye. Nos despedimos de Wolf Alice de momento después de que ‘Don’t Delete the Kisses’ haya resistido como una campeona 10 semanas en la parte baja de la tabla, con poquitos votos pero muy fieles. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	1	1	10	New Rules	Dua Lipa	Vota
2	2	1	15	Perfect Places	Lorde	Vota
3	5	1	21	Lust for Life	Lana del Rey ft The Weeknd	Vota
4	3	1	15	Everything Now	Arcade Fire	Vota
5	6	1	29	Green Light	Lorde	Vota
6	–	6	1	Disco Tits	Tove Lo	Vota
7	8	1	7	Boys	Charli XCX	Vota
8	13	1	29	Love	Lana del Rey	Vota
9	7	7	10	Praying	Kesha	Vota
10	11	7	11	Feels	Calvin Harris ft. Pharrell Williams, Katy Perry, Big Sean	Vota
11	4	3	3	Look What You Made Me Do	Taylor Swift	Vota
12	9	1	10	Swish Swish	Katy Perry ft Nicki Minaj	Vota
13	10	1	44	On Hold	The xx	Vota
14	14	3	11	I Dare You	The xx	Vota
15	15	1	18	Malibu	Miley Cyrus	Vota
16	12	12	4	Younger Now	Miley Cyrus	Vota
17	20	13	11	New York	St Vincent	Vota
18	19	4	17	Bad Liar	Selena Gomez	Vota
19	25	20	6	Guilty Party	The National	Vota
20	18	10	13	The Man	The Killers	Vota
21	30	21	2	Selfish Love	Jessie Ware	Vota
22	38	22	2	Crybaby	Paloma Faith	Vota
23	17	17	2	Escapades	Azealia Banks	Vota
24	–	24	1	Los Ageless	St Vincent	Vota
25	23	21	6	Loyalty	Kendrick Lamar ft Rihanna	Vota
26	–	26	1	Pain	The War on Drugs	Vota
27	34	24	6	Secrets	The Weeknd	Vota
28	–	28	1	Up All Night	Beck	Vota
29	16	15	3	Dear Life	Beck	Vota
30	24	24	2	Ready to Go	Hurts	Vota
31	35	19	7	Midnight	Jessie Ware	Vota
32	22	22	4	tonite	LCD Soundsystem	Vota
33	–	33	1	Recompensarte	La Bien Querida ft J & Muchachito	Vota
34	33	20	6	Systemagic	Goldfrapp	Vota
35	31	19	5	Something to Remember Me By	The Horrors	Vota
36	36	34	10	Don’t Delete the Kisses	Wolf Alice	Vota
37	26	20	7	Doing It for the Money	Foster the People	Vota
38	26	19	4	Without Love	Alice Glass	Vota
39	40	22	4	Friends	Justin Bieber (ft BloodPop)	Vota
40	–	40	1	Summer Days (Roosevelt Remix)	Rhye	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Something for your M.I.N.D.	Superorganism	Vota
–	Tinseltown Swimming in Blood	Destroyer	Vota
–	If All I Was Was Black	Mavis Staples	Vota
–	Me voy	Ibeyi, Mala Rodríguez	Vota
–	Dum Surfer	King Krule	Vota
–	Paradiso	Muéveloreina	Vota
–	Rodent	Burial	Vota
–	Lover’s Lane	Micah P Hinson	Vota
–	MapQuest	Mas Ysa	Vota
–	Skasta	El Pardo	Vota
–	Bizness	Afrojuice 195 x Blondie	Vota
–	Freak Show	Ghostpoet	Vota
–	Hey	Hey Charlie	Vota
–	Rest	Charlotte Gainsbourg	Vota
–	Dive	Saint Etienne	Vota

Las canciones “machistas” de Radio Futura, C. Tangana o Maluma no sonarán en Torrijos

Por

-

15 septiembre, 2017

32

El Ayuntamiento de Torrijos, en Toledo, no quiere machismo en su ciudad. Por eso, de cara a la celebración de sus fiestas de la Sementera, que tendrán lugar del 27 de septiembre al 1 de octubre en la localidad toledana, la concejalía de Igualdad de Torrijos ha decidido vetar el uso de ciertas canciones durante su conocido “baile de las cañas” por considerarlas machistas, tal y como revela el Español y recoge ABC.

La “lista negra” de canciones compartida por el Ayuntamiento (según ABC a través de Facebook, aunque este post ha desaparecido) se compone de canciones actuales supuestamente machistas -en el sentido de que denigran a la mujer o ejercen un poder contra ella- como ‘Cuatro babys’ de Maluma, ‘Eres mía’ de Prince Royce, ‘Mala mujer’ de C. Tangana o ‘Yo no soy una de esas’ de Jesse & Joy y Alejandro Sanz, pero también de clásicos del pop como ‘Fueron los celos’ de La Unión, ‘Corazón de tiza’ de Radio Futura o ‘La mataré’ de Loquillo.

El Ayuntamiento de Torrijos ha defendido su decisión asegurando que «no se trata de multar porque no se prohíbe nada, pero hemos conseguido el objetivo, que es que se hable de este tema; son canciones sexistas que a lo mejor antes valían, pero ahora no». Por suerte, El Español ha tenido a bien recordar que ‘La mataré’ de Loquillo es una canción compuesta desde el punto de vista de un maltratador, por lo que debe ser interpretada en condiciones.

‘El amante doble’: François Ozon le hace un pegging al thriller erótico

Por

Joric

-

15 septiembre, 2017

2

En 2007 se publicó una foto que hizo tambalear los cimientos morales de la civilización occidental: Madonna saliendo de un restaurante junto a su ex marido Guy Ritchie portando una bolsa donde se podía ver un dildo con arnés. Su nombre: Purple Penetrator. Aunque tanto el uso del juguete como su destinatario podían ser muy diversos y ni siquiera implicar a la pareja, todos atamos los mismos cabos. Esta posibilidad, la de un cambio de roles sexuales personificada en una pareja famosa, partió Internet en dos. A un lado se quedaron los que, entre comentarios jocosos que afirmaran su “masculinidad”, vieron en ese amenazante consolador la confirmación de lo que ya sospechaban: que la “ambición rubia” era quien “llevaba los pantalones” en esa casa. Al otro, se posicionaron los que vieron en el juguete un instrumento de igualdad de género y una ampliación de su propio campo de batalla sexual.

La inclusión en ‘El amante doble’ de una explícita escena de pegging entre dos estrellas del cine francés deja muy claras las intenciones de François Ozon: estirar los límites de la representación del sexo en la pantalla (el pegging heterosexual es una práctica reducida en el cine comercial a chascarillo cómico) y lanzar al espectador una provocadora metáfora sobre la liberación sexual femenina. Como Buñuel en ‘El perro andaluz’, el inquieto director francés (viendo sus últimas películas nadie podrá acusar a Ozon de repetirse) comienza su película con una imagen muy reconocible de la iconografía surrealista: un primer plano de una vagina que se convierte en un ojo. Esta asociación visual funciona como aviso, como simbólico prólogo que anuncia una estrategia dramática: a partir de ese momento todo lo que veamos surgirá del interior de la protagonista (Marine Vacth, la perturbadora adolescente de ‘Joven y bonita’).

Este punto de vista subjetivo permite al director una gran libertad expresiva y narrativa. Pero, al igual que el tema que trata, ‘El amante doble’ tiene una doble cara. La más atractiva tiene que ver con su puesta en escena. Ozon narra la película de forma muy elegante, utilizando con gran habilidad recursos estilísticos e imágenes simbólicas asociadas al concepto de dualidad -pantallas partidas, juegos de espejos, superposiciones- y al inconsciente –las obras de las exposiciones del museo, las apariciones oníricas, los sueños húmedos… La manera en que están filmadas las sesiones de terapia, jugando constantemente con los encuadres y la división de la pantalla para amplificar su significado, evidencian una vez más (si alguien no ha visto ‘Frantz’ que lo haga lo antes posible) el dominio del lenguaje cinematográfico que tiene este director.

Sin embargo, la película tiene otra cara. Como thriller erótico y aproximación al tema del doppelgänger, ‘El amante doble’ no funciona demasiado bien. No solo es que parezca un pastiche de otras películas –de Hitchcock a Cronenberg pasando por Polanski- sino que estos referentes, más que integrados, parecen estar desperdigados. No existe, como en el cine de un “copión” confeso como Brian de Palma, una relectura lo suficientemente poderosa como para iluminar desde otro ángulo las obras referenciadas.

Desde un punto de vista argumental, Ozon plantea varias preguntas a priori muy sugerentes: ¿Está Chloé soñando? ¿Se está volviendo loca? ¿Le están haciendo “luz de gas”? Pero la forma que tiene de contestarlas, por medio de golpes de efecto y de giros de guión cada vez más disparatados (con un desconcertante guiño a ‘Alien’ incluido), ponen de manifiesto dos cosas: que el director se lo ha pasado bomba rodándola y que no ha sabido trasmitir –por lo menos a quien esto escribe- ese placer por la celebración de la desmesura. Ni a mí, ni al jurado del último festival de Cannes. Y eso que muchos vieron en su presidente, Pedro Almodóvar, a un posible “aliado” para Ozon. 6’9.

Niall Horan es el nuevo baladista blandito de Reino Unido en ‘Too Much to Ask’

Por

-

15 septiembre, 2017

23

Niall Horan de One Direction afronta el lanzamiento de su primer disco con dos éxitos bajo el brazo, ‘Slow Hands’ y ‘This Town’, que han conseguido buenos puestos en las listas británicas y estadounidenses y superan entre las dos las 400 millones de reproducciones en Spotify. En comparación, Harry Styles solo tiene una canción en solitario con más de 200 millones de streamings, ‘Sign of the Times’.

‘Flicker’, el debut de Horan, se presenta ahora con un nuevo sencillo, ‘Too Much to Ask’, que no es ni tan folki como ‘This Town’ ni tan rockera como ‘Slow Hands’, sino más bien romántica, tan romántica de hecho que recuerda por estilo a “crooners” británicos como James Blunt o Ronan Keating, en definitiva a los baladistas blanditos que suelen triunfar en Reino Unido. La canción nos habla de una ruptura de la que Horan espera que su ex se arrepienta igual que él. “Porque sinceramente”, canta Horan, “todavía no me he cansado de ti”.

El debut de Horan sale el 20 de octubre y hay quien dice que debería haberse llamado “fucker” en lugar de “flicker”. Claro que en la portada, la corta separación entre la L y la I no deja mucho lugar a la imaginación. Este será por cierto el tercer álbum de un integrante de One Direction después de los publicados por Zayn y Harry Styles. Vuestro turno, Liam Payne y Louis Tomlinson.

it's been a long time coming but I'm delighted to announce that my new album 'Flicker' is out on the 20th of October . I hope you enjoy it pic.twitter.com/7nT7wGue6V

— Niall Horan (@NiallOfficial) September 14, 2017

Amateur / Debut!

Por

-

15 septiembre, 2017

1

El ‘Debut!’ de Amateur, formado por fundadores y/o artistas íntimamente relacionados con La Buena Vida, llega 11 años después del que fuera su último disco. El grupo donostiarra fue uno de los más queridos del mundo independiente nacional gracias a discazos como ‘Soidemersol’ y ‘Hallelujah‘, llegando a ser número 1 en la lista de singles nacional con ‘Los Planetas’ y a aparecer en la lista de álbumes más vendidos con ‘Álbum’ y ‘Vidania’. Desafortunadamente, el abandono de Irantzu Valencia y la trágica muerte en accidente de coche del co-autor y bajista Pedro San Martín, dejó evidentemente fuera de juego al resto.

Para muchos, tanto ‘Vidania’ como el EP que editaron sin Irantzu Valencia, ‘Viaje por países pequeños’, mostraban ya cierto agotamiento en su fórmula. A la postre, ‘La mitad de nuestras vidas’, ‘Fin del mundo’ y ‘No te he visto nunca’, entre otras, sí podemos situarlas entre las mejores canciones de La Buena Vida. Sin embargo, es cierto que ‘Ayer te vi’ y sobre todo ‘Honrado ciudadano de occidente’ sonaban algo forzadas y poco naturales, siendo atribuibles además a Mikel Aguirre, líder de la nueva banda gestada lenta y tranquilamente durante estos años, Amateur.

Mikel ha corregido tics en estas canciones que suenan como una continuación del último disco de su viejo grupo. Podemos percibir algún pequeño guiño a ‘Soidemersol’ en los momentos más jazzy, pero son los pianos y arreglos de ‘Autobuses’ o ‘Pensando en volver’ los que inundan canciones como ‘Un cabreo pasajero’, cuya melodía final, a la flauta, no puede ser más La Buena Vida. Ni tampoco el tema final, ‘El rastro de una estrella’, que está indirectamente relacionado con Los Planetas y además oculta, como era habitual, pista sorpresa.

Entre las novedades, los ligerísimos arreglos electrónicos de ‘El golpe‘ o la inspiración beatliana de ‘El rastro de una estrella’ y ‘Será verdad‘, también un poco Dylan. La influencia de los Beatles siempre ha estado ahí, como se apreciaba en ‘Desde hoy en adelante’, pero pocas veces había estado tan clara, y para muestra, un botón: Ringo es el único superviviente de los artistas mencionados en ‘Sólo era un sueño’, entre los que también está John Lennon.

Respecto a esta pista, que abre el disco con una rima ultra Vainica Doble («si alguna vez perdiese la cabeza / que no te dé pereza y ven»), hay que agradecer el punto de misterio que aporta la letra. Si Mikel Aguirre en su última etapa nos había acostumbrado a entonar temas cotidianos, felices y optimistas, aquí amplía la paleta, dedicando ‘Dulce final’ al sexo post-ruptura -y qué poco se escribe sobre este gran tema-; logrando además que su tema dedicado a Pedro San Martín sea muy sutil, pese a su nombre, ‘San Martín Blues’. La canción evita afrontar su pérdida de manera directa, abriéndose a otra interpretación: que la canción trate sobre el amor por la música, por Donosti y por viajar, en general.

Curiosamente, lo que se parece a ‘»Blues» por Charlie’ es más bien el arranque de la siguiente pista, ‘Da Vinci!’, quizá la pista menos llamativa del álbum junto a ‘Pendiendo de un hilo’, ambas excelentemente arregladas, como lo está la bonita canción que recupera la voz de Irantzu Valencia, ‘Lo que nunca tuvo que pasar‘, y con la que te resultará difícil creer que estés en 2017. Un viaje en el tiempo emocionado y muy necesario, por la sencilla razón de que prácticamente nadie se molestó en orquestar, arreglar y mimar canciones con el buen gusto con el que lo hacían La Buena Vida. En este ‘Debut!’ que también ha contado con Diego Vasallo, Jaime Stinus o Joserra Senperena, las cuerdas que aparecen regularmente pero solo en los momentos justos, la delicadeza del piano en el tema con Irantzu o la energía de los «dabadabas» del corte último son la mejor arma contra esas «heridas aún por curar» de las que habla ~~‘Un cabreo pasajero’~~ ‘Será verdad’.

Calificación: 7,7/10
 Lo mejor: ‘El golpe’, ‘Será verdad’, ‘Lo que nunca tuvo que pasar’, ‘Sólo era un sueño’
Te gustará si te gusta: los últimos de La Buena Vida, los Beatles circa 1967-1968, Vainica Doble
Escúchalo: Spotify

Ready for the Weekend: Björk, Lorde, The xx, Foo Fighters, Ariel Pink, Sia, Madonna, The Killers…

Por

Raúl Guillén

-

15 septiembre, 2017

14

La cuesta de septiembre cuesta menos (o más, si eres uno de los pocos freaks que quedamos que compramos música) gracias a las toneladas de nueva música que se nos echan encima. Hay mucho para elegir y de calidad, así que es difícil decepcionarse. Esta semana, sobre todo, destaca por la llegada del primer adelanto para el nuevo álbum de la islandesa Björk, ‘The Gate’. Junto a esta, los últimos 7 días hemos descubierto nuevas canciones de Shamir, Sofi Tukker (incluido en la promo del nuevo y carísimo teléfono de Apple), Marilyn Manson, Four Tet, Ibeyi con Mala Rodríguez, Gucci Mane con The Weeknd,Superorganism, King Krule, Mavis Staples, Nick Jonas, Jessie Jo Weezer.

Black Rebel Motorcycle Club, Grace Mitchell, los madrileños Sierra, NAO, Labrinth, Manu Chao, la niña prodigio Grace Vanderwaal, El Trinidad (proyecto de future-trap del que hablaremos pronto), Post Malone, Mordem (nuevo proyecto de Elba Hernández –Jane Joyd–), Deptford Goth, MUNA, araabMUZIK, The Lemon Twigs (avance de un próximo EP), The Bloody Beetroots con Perry Farrell de Jane’s Adiction, Kaydy Cain (que vuelve a grabar con Steve Lean), Craig David, los populares DJs Elyella, LÉON, Evanescence y Dolly Parton son otros artistas y grupos que muestran hoy novedades. Y se suman a otros nuevos avances de discos inminentes que este viernes encontramos en streaming, como los de The Killers, Jessie Ware, Rae Morris, Tove Styrke, Destroyer, Cut Copy, Dornik, Weezer o Niall Horan, ex-1D.

Por supuesto, hay muchos nuevos álbumes que llegan hoy a las tiendas. El más destacado, comercialmente hablando, el nuevo de Foo Fighters (que mañana presentan al mundo desde Barcelona); pero junto a este llegan –agarraos bien–, Ariel Pink, Lee Ranaldo (ex-Sonic Youth, producido por Raül Fernández Refree), el ex-Vampire Weekend Rostam Batanglij, Angus & Julia Stone, Hundred Waters, Gary Numan, Yusuf (o Cat Stevens, si lo preferís), los valencianos Maronda, los veteranos del rock estatal Brighton 64, Galantis, Antibalas, Neuman, el debut de Samuel O’Kane (ojo, fans del R&B contemporáneo), Jay Jay Johanson, los interesantes Superfood, Emily Haines & The Soft Skeletons (primer disco en solitario de la líder de Metric y miembro de Broken Social Scene en una década), Wyclef Jean, Ringo Starr, Prophets of Rage (supergrupo con miembros de RATM, Cypress Hill y Public Enemy), Annie Hart (integrante de las favoritas de David Lynch Au Revoir Simone), Micah P. Hinson y los indietrónicos Lali Puna.

Aparte, también tenemos EPs de Mas Ysa, Hope Sandoval & The Warm Inventions, Frightened Rabbit y Bright Light Bright Light (incluye un dueto con Ana Matronic de Scissor Sisters), además del álbum en directo del ‘Rebel Heart Tour’ de Madonna, del que extraemos su versión de ‘La Vie En Rose’. Otras curiosidades que destacamos son la nueva versión de ‘Homemade Dynamite’, con Lorde rodeándose de algunos de sus artistas jóvenes favoritos –como son Khalid, SZA y Post Malone–, una remezcla ultrabailable de ‘On Hold’ de The xx a cargo del propio Jamie xx, un mix a cargo de Kygo para el nuevo single de U2 y la enésima canción que Sia presta a una banda sonora. Esta vez se trata de una película de animación, la versión actual de los ‘Mi pequeño Pony’ de toda la vida.

U2 se apuntan a la moda tropical y llaman a Kygo para una remezcla de su nuevo single

Por

-

15 septiembre, 2017

3

U2 se han quedado muy lejos de impresionar con su nuevo single, ‘You’re the Best Thing About Me’, que se estrenaba la semana pasada y es el primer avance oficial de su nuevo disco, ‘Songs of Experience’, que sale el 1 de diciembre a modo de complemento de su álbum anterior, ‘Songs of Innocence’.

En tanto llega este disco a las tiendas, U2 ha tenido la idea de llamar a uno de los productores de moda para que haga una remezcla de ‘You’re the Best Thing About Me’. Kygo, uno de los principales responsables de que en la radio solo suene tropical house últimamente, no necesitaba ni de lejos aceptar este trabajo (sus vertiginosas cifras en Spotify hablan por sí mismas) pero lo ha hecho y el resultado ya está disponible en streaming.

¿Cómo suena ‘You’re the Best Thing About Me’ a través del prisma de Kygo? No estamos ante una remezcla de la canción totalmente “para clubs”: la impronta discotequera del productor noruego está presente, pero también lo siguen estando las guitarras y melodías de U2. Esto es básicamente el single de U2 si lo hubiera producido Kygo de primeras. Suena más contemporánea y “radio-friendly”, pero como dice el dicho, aunque la mona se vista de seda…

Arcade Fire, The xx, C. Tangana por partida doble… entre los nominados a Los40 Music Awards

Por