Bebe Rexha ha explotado con G-Eazy, su antiguo colaborador en ‘Me, Myself & I’, llamándolo «creído» y «perdedor desagradecido». El hit de 2015, que salió como parte del segundo disco del rapero estadounidense, alcanzó la séptima posición del Hot 100 tras debutar en el número 89.
Todo el lío empezó cuando alguien del equipo de Rexha le preguntó si tenía «algún interés» en grabar algo de contenido con G-Eazy en relación a ‘Me, Myself & I’. La cantante de origen albanés hizo captura de la conversación y le leyó la cartilla al rapero a través de una story de Instagram (ahora eliminada): «G-Eazy, tienes mi número. ¿Por qué no me escribes y me preguntas tú mismo, creído y desagradecido perdedor?», comienza Bebe Rexha.
«Tienes suerte de que le gustes a la gente otra vez, porque podría detallar todas las putadas que me has hecho y como me has tratado después de darte tu único hit real», sentencia la cantante de ‘I’m Good (Blue)’. Además, resuelve la duda sobre la posible colaboración: «Por cierto, la respuesta es no. Espero que estés bien».
Más tarde, Bebe Rexha aclaró en X por qué eliminó la story de redes sociales: «Mi equipo me hizo eliminar la story de Instagram. Decidí hacerlo porque se sintió muy negativa y tóxica. A veces, el trauma puede llevarnos a reaccionar así, y ese periodo de mi vida fue traumatizante». Todo, sin dejar de ser icónica: «Estoy escribiendo esto porque me arrepiento de eliminarla y quiero decir que todavía pienso lo que dije».
‘Me, Myself & I’ fue el primer Top 10 de G-Eazy en el Hot 100 y el segundo de Bebe Rexha, después de ‘Hey Mama’ con David Guetta. Fue el single más exitoso de ambos, hasta que Rexha llegó al número 2 con ‘Meant To Be’ y G-Eazy al número 4 con ‘No Limit’.
Bebe Rexha calls out G-Eazy in latest Instagram story when asked to shoot media content with him:
“You're lucky people are liking you again. Cause I could go in on all the shitty things you've done and how you treated me after giving you your only real hit. Btw the answer is… pic.twitter.com/Tbb03fw1B1
Someone from my team had me take down my Instagram story. I decided to remove it because it felt very negative and toxic. Sometimes trauma can lead us to react that way, and that period of my life was traumatizing. I am writing this because I regret taking it down and I want to…
Hoy 14 de junio se publica el primer disco de Normani. Parece mentira pero ‘Dopamine’ ya está disponible e incluye una colaboración de James Blake. También se editan nuevos trabajos de DELLAFUENTE, Nusar3000, John Grant, The Decemberists, Florrie o NxWorries, y un nuevo EP de Tove Lo y SG Lewis que ya destacamos en portada.
Abrimos playlist con la nueva fumada de Amaia facturada junto a Ralphie Choo, ‘Nanai’. Mientras, su compañera en OT, Lola Indigo, se postula como ‘La Reina‘ de la pista de baile.
Esta semana ha venido cargada de novedades con nuevos lanzamientos de Hinds, Nilüfer Yanya, Kokoshca o la expansión del disco de Charli XCX. Inesperado ha sido el lanzamiento de un nuevo single de ANOHNI and the Johnsons. Entre quienes han anunciado disco, Toro y Moi.
La jornada suma además lanzamientos de MARLENA, Pale Waves fusilando sin ningún rubor a los Cocteau Twins, Las Dianas o Hard Life (antes Easy Life). En el pop nacional, Santa Salut apela a ‘Mariah Carey’ en su nuevo single y Sidonie, Mujeres y Ladilla Rusa se alían en ‘La matanza de Texas’.
Podéis escuchar ya en la playlist, además, temas recién salidos del horno de Marta Movidas, Cults, Isabella Lovestory, Leigh-Anne, Remi Wolf, Yarea, Pom Poko o Avey Tare con Panda Bear. Y si te gusta Nilüfer Yanya, no te pierdas a Zsela.
La primera jornada de Sónar suele ser de reencuentro, de precalentamiento, de constatar que todo sigue en su sitio, y de prepararse para la intensidad que se avecina en los días siguientes. El jueves solo hay Sónar de Día y el metro se llena de madrugadores antes de la medianoche. Aunque la sensación de esta primera jornada es diferente a la del año pasado y la razón es meteorológica. En 2023 el sol abrasaba el SónarVillage. Este año, refresca enseguida: los días previos de lluvia en Barcelona han logrado que el calor afloje.
Que el Sónar es nido de grandes promesas del pop lo sabemos especialmente desde que Rosalía presentó por primera vez ‘El mal querer’ en el festival. A pablopablo -que casualmente ha trabajado con C. Tangana- le debería correr una suerte parecida. Él es un cantautor del siglo XXI, clásico y vanguardista al mismo tiempo. Toca el piano sobre el escenario y le acompaña un saxofón, pero los teclados y el efecto de vocoder de su voz llenan el SónarHall de punta a punta. Algo tímido, pablopablo presenta canciones nuevas y sorprende tocando una ranchera. En su estilo, además, tiene una de esas voces que encandilan.
Leaf Hopper
Hablando de promesas, Judeline está cada vez más arriba y su disco es uno de los más esperados en el pop nacional de este año. Lara Blanco, que viene de telonear a J Balvin por Europa, presenta un show con decorado, compuesto por una escalera y una puerta que da al cielo. De hecho, el SónarPark está a rebosar. Tanto que a Judeline se la aprecia cohibida en el escenario y no termina de defender las canciones como merecen. Suena suculenta ‘la pestaña que soplé’, en un estilo de R&B, aunque al final ‘Zahara’ es la canción coreada. El deep-house con canto de sirena de ‘Mangata’, último single, cobra vida en directo sumándose a ella su grupo de bailarinas. Y le cabe su versión de ‘La tortura’ de Shakira en clave onírica.
Judeline cuenta que de joven soñaba con tocar en el Sónar mirando “aburrida en su casa” vídeos del festival. Ahora es a ella a quien graban subida al escenario y seguro que, con el tiempo, a cada nuevo vídeo se la verá más cómoda. En su despedida, Judeline pide “Palestina libre” y el público se deshace en aplausos.
Mientras en el Village Toya Delazy monta la fiesta carioca de tus sueños, en SónarPark Sevdaliza se merienda el escenario y no deja una miga. Ella está encantada de volver a tocar en Barcelona pero, sobre todo, tiene una interesante historia que contar. “Llevo catorce años en la música y los últimos cuatro años han sido los más difíciles, porque lo he perdido todo y, además, he sido madre”, explica a la audiencia. De esta circunstancia, dice, nació ‘Ride or Die’, que, en los últimos meses, se ha convertido en el mayor éxito de su carrera, colándose en el chart global de Spotify. Aunque ni Tokischa ni Villano Antillano están en el escenario para cantarla con ella, no las necesita para que la gente la coree.
Aunque en el contexto del Sónar, donde presenta un show tirando a oscurantista, no da pie -en principio- a que surjan memes como aquel que se viralizó de Sevdaliza bailando una curiosa coreografía en el Primavera, solo ver a la artista menear la melena sobre el escenario es suficiente para quedarse atrapado con su fuerza escénica. Sus intensas melodías y producciones, como la de ‘Oh My God’ o esa ‘Alibi’ que no se podrá escuchar oficialmente hasta dentro de unos días, llenan también el concierto, que poco a poco va poniendo peso en el lado del house y la rave. En ese sentido, habría sido agradecido encontrarse con Sevdaliza un poco más tarde: la música dice 1 o 2 de la mañana, pero el reloj todavía no ha dado las ocho.
Nerea Coll
Esto lo digo porque no sé lo que me espera en el show que ha preparado Aïsha Devi en el Complex, es decir, el auditorio -cerrado- del Sónar. Frente a un decorado compuesto por una tela gigante hecha de trapos cosidos y presidido por dos banderas negras, Aïsha Devi descarga una auténtica tormenta digital con la que es prácticamente imposible dejar de moverse en el asiento. Ella dice que siente nuestra energía aunque estemos sentados, pero realmente la butaca se convierte en una cárcel ante tremendo bombardeo sónico. A veces los ritmos son resbaladizos y abstractos, pero los ocasionales hostiazos electrónicos te despiertan del letargo. Son vigas de acero sónicas que caen sobre tu cabeza dejándote completamente noqueado. Esto cuando la música no asemeja una batalla campal librándose en el espacio exterior. El show se llama ‘Les immortelles’ y queda claro que los inmortales son ellos.
No puede entrar mejor después de tanta tralla el breakbeat acuático de Yunè Pinku. Cuando ya atardece en SónarVillage, sus ensoñadoras producciones son un bálsamo. Una pena que Yunè Pinku empiece su set con diez minutos de retraso, lo cual inevitablemente termina acortando su duración. Aunque el público está tan animado ya que seguramente no le importe lo más mínimo. Cuando Folamour -el plato gordo del jueves- aparece en el escenario y convierte la carpa en una fiesta disco con todas las de la ley, queda claro que nada ni nadie va a impedir que la fiesta continúe y sobre todo que siga bien arriba. Por cierto, qué gusto ver a un DJ sonreír de felicidad mientras pincha porque sabe que está dando al público lo que quiere. Cómo se nota que el Sónar ha empezado.
Lola Indigo ha estrenado ‘La Reina’, primer adelanto de un EP llamado ‘Nave Dragón’ que se publicará próximamente. Será una extensión del último disco de Lola Indigo, ‘El Dragón‘ (2023), y el primer trabajo de Mimi Doblas desde el lanzamiento del EP conceptual ‘GRX‘ y del single ‘1000COSAS‘ junto a Manuel Turizo.
Por supuesto, la evolución del personaje continúa con Mimi Doblas pasando de ‘La Niña‘ a ‘La Reina’. Aunque de ‘El Dragón’ se mantiene su fijación en la pista de baile… y en los ritmos mutantes, pues ‘La Reina’ pasa del merengue al house sin despeinarse. Es ella quien «despeina» a su chico en la letra, al que somete a su autoridad: «Tú no puedes ser rey si no tiene’ a la reina», canta.
Tampoco renuncia ‘La Reina’ al drop EDM de rigor, confirmando que Lola Indigo entrega con ella una producción plenamente diseñada para sonar en discotecas. No es sutil en absoluto. Andrés Torres y Mauricio Rengifo (productores de ‘Despacito’ y aliados de Aitana) firman la producción a dos manos.
Aunque ‘La Reina’ no es la revelación total que fue ‘Yo tengo un novio‘, su inenarrable colaboración con La Zowi, sus cambios de tempo y estilo -en 2 minutos y medio- vuelven a ser irresistibles. Seguro que ni ‘La Reina’ ni ‘1000COSAS’ faltan en el setlist de su futuro concierto en el Bernabéu.
Hablando de ‘1000COSAS’ no se puede pasar por alto tremendo éxito, certificado ya con un doble Disco de Platino en España. Publicado el pasado de marzo, continúa en el top 5 de la lista de singles oficial. Al mismo tiempo, Lola Indigo aparece en el puesto 3 junto a Omar Montes y Las Chuches.
Un día antes de que arrancara Mallorca Live Festival -cuando hay que ultimar los detalles de escenarios y recinto- cayó tal cantidad de agua en algunas partes de la isla que el aeropuerto se inundó. Circularon vídeos de algo que parecía de todo menos un «duty free». Para el jueves, alguien había dicho «aquí paz, y después gloria» y allí ya se vendían colonias como si no hubiera mañana. A lo sumo, se retrasaron y reubicaron algunos vuelos, pero para cuando llegó la hora de abrir el recinto, nadie habría adivinado cuál había sido el estado del aeropuerto menos de 24 horas antes.
La organización celebró una primera jornada excelente, en el punto medio perfecto entre festival de gran formato y comodidad (Low y Warm Up podrían ser sus primos hermanos), y lo que es mejor, dieron con varios conciertos en cuanto a programación que van a ser muy difíciles de olvidar. El primer show que muchos podíamos ver de Blondie, el bonito regreso a casa de Rels B y el primer concierto que Sprints realizan en nuestro país.
Uno está tan acostumbrado a ir a festivales -es mi trabajo- que a veces me he encontrado viendo a Vetusta Morla, Viva Suecia o Love of Lesbian tres semanas consecutivas. Hace nada vi dos conciertos muy parecidos de Phoenix con 5 días de diferencia. Pues bien. Pocas veces he visto cosas tan divertidas como un show de Blondie, no tan habituales entre nuestros festivales quizá por una cuestión de caché, seguido de un show de La Élite.
Deborah Harry y los suyos aparecieron sobre el escenario unos 10 minutos tarde, debido al pequeño retraso que habían ido acumulando a lo largo de la tarde los uruguayos No Te Va Gustar y Dani Fernández. Pero en cuanto sonó la última nota de este, Blondie estaban «ready» y lanzaron la primera a la yugular: ‘One Way or Another’, una de sus canciones más escuchadas.
El set fue una sucesión de hit tras hit de quitarse el sombrero. A menudo los cabezas de cartel de festivales se hacen de rogar para tocar sus canciones más populares. Se cansan de alguno de sus grandes éxitos, rechazan uno concreto o incluso lo destrozan con una versión imposible que nadie pidió. Blondie, en cambio, no se andan con remilgos y ofrecieron las versiones que todos conocemos de pepinacos como ‘Hanging On the Telephone’, ‘Sunday Girl’, ‘Rapture’, ‘The Tide Is High’, ‘Atomic’ o finalmente ‘Dreaming’. No faltó ni una y además sumaron curiosidades como ‘Long Time’, un tema más reciente que hicieron con Dev Hynes, “Blood Orange”, como Deborah subrayó ayer.
Harry tuvo problemas para alcanzar los agudos que conocimos en temas como ‘Call Me’ o el falsete de ‘Heart of Glass’. ‘Maria’ parece interpretada en algún momento incluso en otro tono. Esto ya se vio en la regrabación de algunos hits que realizaron hace unos años, y en cualquier caso es suplido con un derroche de elegancia (esas deportivas), actitud (esa camiseta PUNK) y fuerza (esa batería de Clem Burke). Ver la imagen de Debbie es muy evidente que significa estar viendo una parte de la historia, y de eso dan buena cuenta incluso los muchos adolescentes que ven el show. Es cierto que muchos aguardan a Rels B casi con ansiolíticos en la mano, pero juro que vi cantar al menos a tres, canciones que no eran ni ‘Maria’ ni ‘Heart of Glass’.
Las proyecciones muestran pedazos de Nueva York desde el primer momento, también imágenes adulteradas de iconos como Marilyn Monroe, siendo especialmente significativa la exhibición de Arte Pop en ‘X Offender’, la canción que lo empezó todo. Deborah Harry volvió a contar la historia de sus inicios, y también el error de aquella emisora que pinchó por equivocación ‘In the Flesh’. Fue su salto a la fama. Siempre se mostró sonriente, cercana y encantadora. En resumen, ofrezco desde este espacio un riñón a la persona que recogió anoche sus gafas de sol lanzadas al público, ya a primera hora de la noche.
Sin ni un segundo de tregua para respirar, pedir un vino (hay blanco) o subir un Stories, fue terminar Blondie y en el Escenario Endesa, contiguo, empezar La Élite. El grupo no había tenido tiempo de hacer una prueba de sonido demasiado exhaustiva, pero no se notó nada. Los pogos no faltaron en las primeras filas ni tampoco sus bromas habituales. Una se dedicó al nuevo partido ultraderechista Se Acabó la Fiesta, al que retaron que ahora «empezaba la fiesta» de verdad. En otro momento pidieron que la gente sacara los mecheros para lo que seguro que no iba a ser una balada en absoluto. El público reaccionó lanzando al escenario dos. Y sobre todo divirtieron hits habituales como ‘Contento de ser feo’, ‘Bailando’, ‘Nuit Folle’ o esa versión de ‘Autosuficiencia’ de Parálisis Permanente que David Burgués interpretó tirado en el suelo.
Xavi Torrent
Al mismo tiempo tocaban en el Escenario Innside Love of Lesbian, que también reflexionaron sobre el resultado de las Elecciones Europeas. Santi Balmes bromeó sobre presentarse dentro de 5 años, «para que el circo sea aún más espléndido». Durante algunos años no ha sido tan habitual que Love of Lesbian toquen aquella chorrada tan divertida que se llamó ‘Si dices Ben, yo digo Affleck’, y su recuperación en el setlist de este año es la prueba de que el grupo tiene ganas de entretener. Por supuesto sin descuidar las texturas de esas canciones de 5 minutazos y más que caracterizan su repertorio. Cerraron con esa especie de jingle que es «Fantástico», sí, pero después con una detallista ‘Club de fans de John Boy’. Para esta, el Mallorca Live se vino arriba, bailó y grabó con los móviles, porque para eso «todos los raros fuimos al concierto».
Rels B estaba dando casi a la vez un gran concierto en el escenario principal, Estrella Damm, pero incluso cosas más grandes asegura que están por venir. El artista prometió un «show gigante» en el futuro. «Este es solo el calentamiento», justificaba sin que nadie entendiera por qué. Era el set del mallorquín cuco en sus dos alturas, con Buco a los platos y las coristas a la derecha, y una serie de músicos a la izquierda. Un homenaje a los grandes conciertos americanos de R&B, con nombres como Prince, Justin Timberlake o Bruno Mars en mente. Quizá Rels B sentía que le faltaba algo de parafernalia, pero no era así. El artista tiene voz, historias que contar, mucho hit y lo que quiera que crea él que le falte lo suplirá siempre con lo guapo que es (sorry, todo cuenta en la industria del pop).
Industria contra la que se quejó, por cierto. Porque el público se lo cantó todo, desde temas de hace un lustro como ‘A mí’ a otros que acaban de salir, como el reciente ‘La vida sin ti’. Pero si el show fue noticia por algo fue por los mensajes que Rels B lanzó entre canción y canción. El artista jugaba en casa, se mostró emocionado de volver a Mallorca y «representar la isla allá donde va», quejándose de que ese mismo día se había encontrado una playa llena de basura, a causa de la invasión turística. «¡Putos alemanes, nos tienen conquistaos! ¡Qué peste a crema!», bromeó. Curiosamente, un chaval de unos 20 años y con bastante pinta de alemán embadurnado de crema, se pasó el show grabándole Stories.
En cualquier caso, Rels B estaba exultante, y se notó cuando dedicó el dembow de ‘La prisión’ a lo malo que hay detrás de las cámaras. «El mundo de la música está lleno de oscuridad. Por eso lo queremos dejar todos los días. Pero por días como hoy, merece la pena (…) Vivimos de la música. No salimos en la radio, no salimos en la tele. No somos payasos. Somos músicos viviendo de la música». La proyección final de ‘a new star (2 0 2 4)’ certificó que había sido un concierto muy emocional. Un regreso a casa precioso.
Andrés Iglesias
De nuevo, sin descanso, a su término, en el escenario contiguo aparecieron Sprints. Está siendo un gran año en lo musical, y los discazos de Beyoncé, Billie Eilish, Charli XCX, Alizzz, Viva Belgrado o Vampire Weekend me habían hecho olvidar lo buenísimo que es el debut de los irlandeses. Sonaron atronadoras canciones como ‘Heavy’, ‘Adore Adore Adore’ o ‘Up and Comer’ -también su versión de Le Tigre- en la que fue una de las mejores presentaciones de un debut que he visto en mucho tiempo (sorry, Alcalá Norte). Karla Chubb parecía un poco desesperada tratando de animar el público -quizá esperaba más gente-, pero las 100 o 200 personas que pasaron por ahí seguro que repetirán. Pensaba que Primavera Sound era quien se quedaba estos debuts-hypes-revelación sistemáticamente, pero Mallorca Live puede presumir de haberse quedado exactamente el mejor. Sprints anunciaron que volverán el año que viene. Atentos todos los fans de Hole, Fontaines DC, Wolf Alice.
A primera hora de la tarde también habían ofrecido un buen concierto Júlia Colom, encantadora contando que ‘Olivera’ era su canción favorita; o No Te Va Gustar, un grupo uruguayo de rock que celebra sus 30 años en la música. Tienen la particularidad de incorporar vientos y reggae en buena parte de su repertorio. También, ya en el pequeño escenario de Radio 3, Vangoura, que retienen el espíritu del viejo indie solo que adaptado a los nuevos tiempos. Suenan como una mezcla de lo-fi, R&B y urbano siendo un cuarteto pop-rock y sus letras sobre desamor tienen todo el encanto. Además, nos ganaron contando que ya habían venido al festival como público.
Mención especial merece la apuesta por los músicos en el festival. No solo los esperables y Rels B. Funzo & Baby Loud, que tuvieron a bien realizar adaptaciones breves de ‘Follow the Leader’ y ‘La Gasolina’, hablaron de «la vuelta de los músicos»; y hasta tres guitarras contando la propia presentó Dani Fernández en su concierto de punk-pop-muy-pop. Entre arengas constantes tipo «no se oye nadaaaaa» a un público bastante numeroso, para tratarse de otro de los escenarios pequeños, Fernández presentó una versión de la que denominó su banda favorita, Supersubmarina.
Mallorca Live continúa hoy con las actuaciones de Underworld, Michael Kiwanuka o Milli Vanilli, y lo hará mañana con -atención, que vienen curvas-, Pet Shop Boys, Aitana, Belle and Sebastian, _juno, Rodrigo Cuevas y Arde Bogotá, siempre entre muchos otros.
Tove Lo acaba de dar un paso firme en la pista de baile publicando ‘HEAT’, un nuevo EP de cuatro canciones diseñadas en el estilo del house-pop de los 90. Junto a su aliado, SG Lewis, Tove Lo entrega un trabajo plenamente hedonista que no habría existido sin la presión de sus fans. «Gracias por hacernos bullying para que hiciéramos este EP», ha declarado Tove en redes.
‘Heat’, el single oficial, demuestra que no basta con fusilar la base típica del piano house para facturar un clásico. Tove Lo, una maestra de la melodía, se somete al arrebato sin perder personalidad. Sigue siendo la estrella. «No dejas de mirarme, porque mirar es gratis», canta. Está a otro nivel: «Quieres mi cuerpo, pero mi cuerpo es mucho para ti».
Con ecos al ‘Out of My Head‘ de Marradonna (1994), con el que comparte hasta la base «baggy», más noventa que los noventa, ‘Heat’ como producción no encierra ningún misterio, pero ahí reside su gracia. Tove y Lewis apuestan por un sonido clásico, nostálgico, y se apuntan otro hitazo que sonará mucho este Orgullo.
En el videoclip de ‘Heat’, un homenaje a los «club queers del mundo», Ebba y Samuel tampoco se han cortado elevando la dosis erótica al 200%: el vídeo llega con restricción de edad.
Tove Lo y SG Lewis acaban de ser número 1 en el top 40 de JENESAISPOP con ‘Love Bites‘, su single junto a Nelly Furtado. En ‘Heat’ siguen instalados en la discoteca.
En su disco más cinemático hasta ahora, KAYTRANADA pone la mira en crear un trabajo atemporal, como su propio título indica (no confundir con el último disco de Meghan Trainor). Si lo ha conseguido realmente o no, solo el tiempo lo dirá, pero se puede hacer una estimación: ‘TIMELESS’ se ha quedado muy cerca de su objetivo.
Tras el veraniego ‘KAYTRAMINÉ’, el rapero, productor y DJ haitianocanadiense ha construido su trabajo con más proyección internacional valiéndose de la friolera de 15 cantantes diferentes, de los cuales dos repiten (Rochelle Jordan y Channel Tres). Sin embargo, y aunque hay algunos pesos pesados, KAYTRANADA ha preferido llamar a aquellos artistas que, o han colaborado con él previamente, o han tenido un papel importante en su ascenso al éxito como parte de la escena musical de Toronto. Sin ir más lejos, ‘Call U Up’, el tercer corte, está protagonizado por el hermano del productor, con el que también tiene el grupo The Celestics.
Como punto positivo, la importancia mediática del artista no tiene nada que ver con la calidad del tema. De hecho, ‘Do 2 Me’ con Anderson .Paak y SiR (si hubiese dejado ‘Twin Flame’ no estaría diciendo esto) y ‘More Than A Little Bit’ con Tinashe no resultan muy interesantes, lo cual también tiene que ver por su posición tardía en el tracklist, que corto no es. ‘Witchy’, con Childish Gambino, es la excepción de la regla. Es la canción más memorable y, pese a no haber salido como single, ya es el tema más escuchado. Funciona en todos los aspectos.
El propio KAYTRANADA también se reserva algunos momentos con micro para él mismo. Además de su simpático verso en la maravilla funky que es ‘Weird’, junto a Durand Bernarr, este también hace de solista en la sorprendente ‘Stepped On’, en la que nadie diría que se trata de KAYTRANADA entonando. Que se anime más, que suena muy bien. En un disco en el que las letras importan más bien nada, este corte es uno de los más personales, con el productor cantando sobre todas las veces que le han «pisado»: «Confunde mi amabilidad con debilidad / Digo «Sí, tío», no tengo remedio».
De esta manera, KAYTRANADA muestra su inmensa versatilidad. Sobre todo, en el plano de la producción. Desde la épica ‘Pressure’, da la sensación de que la música puede ir en cualquier dirección: disco, R&B, house, hip hop, funk, neo soul, electrónica… Y así lo hace. ‘TIMELESS’ fluye como un DJ set eterno del mejor gusto, con los temas uniéndose entre sí y sorprendiéndote de la mejor manera. El artista de 31 años consigue que cada canción sea una bella contradicción. Tú eliges, porque estos temas sirven tanto para bailar como para relajarte. Tienen corazón.
El peor favor que se ha podido hacer KAYTRANADA a sí mismo es la elección de los singles. ‘Lover/Friend’ sí es una de las mejores canciones, pero ‘Stuntin’ y ‘Drip Sweat’, ambas con Channel Tres, no. ¿Por qué no la infecciosa y popera ‘Spit It Out’? ¿Y el luminoso soul de ‘Still’? ¿Qué ha pasado con el perfecto puzle de estilos con PinkPantheress que es ‘Snap My Finger’? Madre mía, KAYTRANADA. Mira que tenías material para elegir.
Mark James, autor del último número 1 de Elvis Presley, ha fallecido a los 83 años en su casa de Nashville. Además de ‘Suspicious Minds’, James ha compuesto otras dos canciones inolvidables a través de las generaciones, como son ‘Always On My Mind’ y ‘Hooked on a Feeling’. Estas dos últimas alcanzaron el Top 5 del Hot 100 para varios artistas.
‘Always On My Mind’, coescrita junto a Johnny Christopher y Wayne Carson, le sirvió a James para ganar dos Premios Grammy: Canción del Año y Mejor Canción de country. Este clásico tema significó un puesto en el Top 5 del Hot 100 tanto para Willie Nelson, en 1982, como para Pet Shop Boys, en 1988, demostrando que las grandes canciones siguen siéndolo de cualquier forma.
Por otro lado, ‘Suspicious Minds’ le valió a Elvis su último número 1 en el Hot 100, en 1969, y ‘Hooked On A Feeling’ fue otro Top 5 en la lista de éxitos norteamericana, tanto para B.J. Thomas como para Blue Swede.
El compositor fue aceptado en el Songwriters Hall of Fame en 2014 y en el Nashville Songwriters Hall of Fame al año siguiente. Otros hits de James incluyen ‘The Eyes of a New York Woman’, que fue un Top 30 para B.J. Thomas en 1968; ‘Moody Blue’, Top 40 para Elvis en 1977; y ‘Sunday Sunrise’, Top 10 de Brenda Lee en la lista de éxitos country de 1973.
Antorchas Festival 2024 ha desvelado los horarios de su tercera edición. Tras el éxito de las anteriores, el festival de Albacete regresará del 20 al 22 de junio con un cartel protagonizado por artistas de la talla de Amaral, Vetusta Morla, Immaculate Fools, Dorian o La Casa Azul. Los abonos generales se han agotado, por lo que solo quedan entradas de día.
Además de la música, Antorchas también ofrecerá los sabores de algunos de los mejores chefs del país y de fuera de nuestras fronteras en el Templete Food Market del Recinto Ferial y en la Plaza de Toros de Albacete, que este año se suma como espacio gastronómico.
JUEVES 20 DE JUNIO
Aguas de Albacete
21:00 DJ JELLY JUICE
Heineken
23:15 CIUDAD JARA
VIERNES 21 DE JUNIO
Aguas de Albacete
12:30 FYI
13:30 MACIÁ
20:00 BITA
23:00 DON FLUOR
Hinds, el ahora dúo formado por Carlota Cosials y Ana Perrote, publica nuevo disco el próximo 6 de septiembre. Se titula ‘Viva Hinds‘ y ha venido presentado por los singles ‘Coffee’ y ‘Boom Boom Back’, este último en colaboración con Beck.
El tercer adelanto de ‘Viva Hinds’ viene con sorpresa, pues ‘En forma’ es la primera canción de Hinds cantada íntegramente en español.
Un «manifiesto de lo que es ser mujer hoy en día» según la nota de prensa, ‘En forma’ habla de cuánto se puede hacer bola la edad adulta y, en concreto, sobre «lo abrumador que puede llegar a ser lidiar con las noticias, la política, nuestros cuerpos, relaciones y con la lavadora, todo al mismo tiempo», cuenta Perrote.
Peor es el asunto cuando te acaban de dejar. En esta situación se encontraba Cosials cuando escribió la canción. «Me dejó mi novio y cumplí 30 años en la misma semana, comenzó una etapa verdaderamente triste de mi vida. Esta fue la primera canción que escribí después de meses inmóvil y sintiéndome patética. Quería ser una persona normal que hace cosas, una persona feliz, pero es que no podía. Por eso la canción está empapada de tanta frustración y furia y desasosiego».
No extraña que ‘En forma’ sea un torbellino de canción: va a más revoluciones que una lavadora en marcha. Hinds consigue este efecto sirviéndose de un ritmo trotón y de un riff de piano típicos del rock ‘n roll. «Mírame, no puedo más» es su grito de guerra. La guerra es interna, claro. En ‘En forma’ sale afuera.
Se trata de dos leyes inspiradas en la legislación rusa que alían a Georgia con el Kremlin y alejan al país de su entrada en la Unión Europea.
El gobierno de Georgia ha respondido a las manifestaciones con violencia, y Massive Attack se ha pronunciado: «Ahora mismo, actuar en el Black Sea Arena se podría ver como un apoyo de su violenta respuesta contra las manifestaciones pacíficas y la sociedad civil», ha declarado el grupo en un mensaje publicado en sus stories. «Las palizas, detenciones, amenazas y la violencia contra las personas que se manifiestan pacíficamente, así como contra activistas y opositores; y las leyes que merman los derechos de la sociedad civil y que niegan los derechos LGBTQ+, todo esto está en contra de los valores que defendemos».
En el mismo mensaje, Massive Attack se ha posicionado «en solidaridad con los manifestantes pacíficos de Georgia que desafían la violencia del Estado y que creen que sus voces deben ser escuchadas y que su lucha merece ocupar el foco internacional».
Karin Ann -no confundir con la neerlandesa Keren Ann– es una cantante y compositora de Eslovaquia que lleva unos años dándose a conocer. En concreto desde 2020, año en que aprovechó el encierro para intentar hacerse un nombre en la industria. Poco a poco lo ha ido consiguiendo hasta el punto de ser considerada la «Billie Eilish» eslovaca. Es una manera de verlo.
Tal descripción puede tener que ver con que a Karin Ann se le intuye el potencial de generar un impacto generacional en el público. Sus canciones hablan de salud mental, desigualdad de género y amores tóxicos, pero también de otros temas que nos apelan hoy: ‘i’m a loser’ es el resultado de un periodo de depresión pandémico. Y ‘looking at porn’ se explica sola.
La música, sin embargo, está mucho más cerca de la citada Keren Ann, o de otra artista de apellido parecido, Aimee Mann, que del pop-ASMR de Eilish. Si hay que ubicarla dentro de la propuesta de una artista de su generación, podríamos hablar de la Taylor Swift folki, o de Andrew Bird. Aunque Karin Ann ha experimentado con el pop electrónico, en ‘i yearn for agony’, queda claro escuchando su discografía que su sensibilidad está en el pop-rock norteamericano.
De eso hay mucho en el debut oficial de Karin Ann, ‘through the telescope’. Publicado el pasado mes de mayo, ningún fan de ‘folklore‘ y ‘evermore’ se lo debería perder. Hablando de coincidencias, su canción más escuchada se llama ‘False God’ y es la Canción Del Día de hoy.
‘False God’ es una canción típicamente country-pop que ratifica que -a veces- menos es más. Ese «falso Dios» al que se dirige Karin Ann en la letra, parece una antigua pareja a la que admiró ciegamente, ignorando las señales que alertaban de un potencial desengaño: «Podía escuchar las sirenas sonando a lo lejos, como si alguien me gritara que no me acercara a ti, pero no escuché, pensé que escuchaba las campanas de la iglesia, y ahora solo veo que eras un falso Dios».
‘False God’ no necesita ni sirenas ni campanas para ser una canción impoluta en el sentido instrumental y melódico. Escuchándola, no extraña del todo que Karin Ann haya terminado ejerciendo de telonera de Imagine Dragons. Lo que sorprende es que exista un remix de la canción por parte de -ojo- Imogen Heap (!!). Es una interesante revisión de una canción que ya era excelente en su forma original.
Sobre el escenario del Civitas Metropolitano ondea una bandera estadounidense. Es minúscula en comparación a la del Atlético de Madrid que hay fuera, quizá como metáfora del tamaño del ánimo obrero estos días, da igual dónde estés leyendo esto. En uno de los momentos más emocionantes de su show, tanto que su speech se subtitulará en castellano, Bruce Springsteen recordará sus primeros pasos en una banda, antes de convertirse en un ídolo para la clase trabajadora.
Con 15 años fue miembro de The Castiles, permaneciendo junto a ellos 3 años, «una eternidad para un adolescente». Les dedicará la reciente ‘Last Man Standing’ y aseverará que «menuda época para ser adolescente en Estados Unidos fue 1965, 1966, 1967». Es imposible no pensar durante su discurso en las diferencias entre las protestas por Vietnam y las pocas que hay por Palestina. Mientras dicha bandera ondea, muy tímidamente, después de una tarde de lluvia, uno no sabe si mirar con esperanza las elecciones presidenciales que aguardan en otoño al otro lado del charco, o más bien ir preparándose para lo peor.
Lo cual no quiere decir que no tengamos que apreciar el momento que nos ha tocado vivir. El Boss reanuda su gira en Madrid tras un par de semanas de baja por afonía. Está siendo este tour junto a su icónica E Street Band, un tanto accidentado. Sus intenciones de girar hace ya casi un lustro se tuvieron que posponer por la pandemia, después surgieron unos problemas estomacales. Pese a lo mediático de las adversidades en comparación con todo aquello que sale niquelado, finalmente casi 120 conciertos tendrán lugar entre 2023 y 2025, y en Madrid y Barcelona recaen hasta 5 de ellos durante los próximos 10 días.
En contraposición a la moda de shows sin músicos y con todo tipo de parafernalia técnica, lo de la E Street Band es casi un troleo. En torno a una veintena de personas aparecen por la escalinata trasera del escenario una a una, saludando. Hay trompetistas, saxofonistas, coristas, violinistas, pianistas y todo lo habitual en los conciertos de rock. A Bruce se le reconoce gracias a un sutil cambio de plano en las pantallas, y a su camisa blanca bajo el chaleco negro. El estadio se viene abajo frente al artista que, a sus 74 años (que no quede ni una sola reseña sin recalcar su edad), continúa dispuesto a actuar casi 3 horas exactas sobre un escenario, para desesperación de Billie Eilish.
El público se olvida de los 20 minutos de retraso con ‘Lonesome Day’ y ‘No Surrender’, las dos primeras canciones. Proliferan los carteles de amor al rock’n’roll, que será el gran protagonista de la noche. Para la tercera canción, ‘Ghosts’, el Boss ya se mostrará dispuesto a bajar las escaleras, lo que una y otra vez le conectará con las primeras filas del público, y por extensión, con el resto del estadio. Es aún de día en Madrid, y enseguida las luces añadirán algo de magia a un show minimalista y austero, muy diferente al que en el mismo recinto ofrecía hace unos meses, por decir alguien, The Weeknd.
Cada concierto de Bruce Springsteen con la E Street Band es un homenaje a su banda, por ejemplo muy perceptible en el piano de Roy Bittan en la versión de ‘Rockin’ All Over the World’ o ese momento de ‘Darlington County’ en el que brilla el violín de Soozie Tyrell mientras el Boss vuelve a echar el resto en el foso. Hablando del foso, ‘Hungry Heart’ -mi favorita- es un caos allí abajo, dejando que sean las masas quienes la hagan suya. Springsteen se toma mucho más en serio ‘The Promised Land’: resuena ese «Sometimes I feel so weak, I just wanna explode» que parece una analogía de lo que sucederá con su voz a lo largo de la noche, de menos a más. E hipnotiza ese momento en que durante la misma lanza la guitarra al vuelo, un roadie la coge y él se lanza a por la armónica y luego al público otra vez. Aunque con movimientos obviamente más cautelosos, lo cierto es que no para.
Puede pecar el show de algo de monotonía, una característica en principio no tan asociable al autor de ‘Nebraska’ o de ‘The Ghost of Tom Joad’. Quizá un macroestadio no es el lugar para recordar según qué canciones. Tampoco le encaja la caja de ritmos de aquella obra maestra llamada ‘Streets of Philadelphia’ que heló el corazón del mundo con una preciosa letra sobre la decadencia física que derivaba del sida. Esta vez ni siquiera adaptada. El artista prefiere recuperar canciones de este siglo de ‘Wrecking Ball‘ o ‘Letter to You‘ que tocar la mismísima ‘Born in the USA’, lo que repercute en ocasiones en el ritmo del set.
En cambio, le encanta hacer versiones. ‘Because the Night’ de Patti Smith Group (de música escrita por él mismo), con todo el estadio engorilado, es uno de los highlights del show junto a piezas 100% propias como ‘Badlands’; ‘Nightshift’ de Commodores pondrá un poso soul con la ayuda inestimable de Steven Van Zandt; y aún le quedan ganas de recuperar aquella ‘Twist and Shout’ que hacía en sus tiempos mozos, última del primer grupo de bises. En torno ya a la medianoche, en el último grupo de canciones, las luces completamente encendidas del estadio hacen lo propio con los ánimos y ‘Born to Run’ y ‘Dancing in the Dark’ son toda una fiesta. Es esa parte del set en la que las pantallas enfocan cada vez más a gente bailando y cantando, subida a hombros de amigos y parejas. La energía por las canciones y lo entrañable que resulta Bruce Springsteen, se contagia.
El artista, que se había esforzado en decir unas palabras en castellano tras haber ofrecido decenas de recitales en nuestro país, eligió realizar un último bis acústico con ‘I’ll See You in My Dreams’. Mientras algunos corrían ya a la caza del metro de manera desesperada, a sabiendas de estar en el culo del mundo un miércoles de madrugada, otros se llevarán a la tumba esa imagen intimista del artista prometiéndonos que «la muerte no es el final». Y es que 8 años después de su último concierto en Madrid, ¿quién sabe cuándo volveremos a verle?
Es verdad eso que dicen de que, hoy en día, las “eras” musicales acaban con el lanzamiento del disco, en lugar de empezar. ‘ELLE’, el nuevo disco de Dagny, empieza con tres canciones conocidas desde hace meses -en algún caso, hace casi un año- e incluye otro single lanzado hace semanas. Da la impresión de que el disco no es lo importante; aquí lo que cuenta es que conozcas los singles porque ya los has escuchado durante meses.
Por supuesto, a Dagny le interesa el formato álbum y ‘ELLE’ es la primera parte de una trilogía que lanzará a lo largo del año. Esta estrategia le permitirá alargar la campaña del disco en el tiempo y mimar el lanzamiento de cada single todo lo que ella quiera. Darles la importancia que merecen.
Así que en ‘ELLE’ no reina el factor sorpresa. Sin embargo, el nivel de las composiciones sigue siendo incuestionable. Especialmente el de los dos mejores singles. Por un lado, ‘Heartbreak in the Making’ es ese himno de carretera de Dagny que, en otra línea temporal, es un éxito global. Por otro, no puede caber más felicidad en el estribillo de ‘Strawberry Dream’; un poco más y explota.
A Dagny le siguen encantando las melodías más grandes que la vida y los sintetizadores electropop; pero también hay mucho del pop-rock de los Cardigans en el ADN de estas nuevas composiciones. En este sentido es estupenda ‘Somebody’s Baby’, inminente single, y también se sirve de guitarras eléctricas ‘Ray-Bans’, que resume el contenido de ‘ELLE’ en la frase más pop que escucharás en 2024: “mis lágrimas se me derraman debajo de mis Ray-Bans”. Dagny llora desconsolada, pero no pierde el estilo.
Como el moño de Amy Winehouse, que era más grande cuanto más triste se sentía, las canciones de Dagny parecen más grandes cuanto más tragedia encierran sus letras. El desamor de ‘Same Again (For Love)’ viene acompañado de una producción más ochentera que los ochenta, y ‘Strawberry Dream’ no habla de otra cosa de aferrarse a un «sueño» que amenaza con acabar de manera inminente. Aunque, para amenaza, esa de la que huye ‘Heartbreak in the Making’ desde su mismo título… y en ese estribillo que vuela disparado hacia el cielo.
Y, aunque a Dagny no se le resiste la balada, y ‘Close’ es bonita, su preocupación en ‘ELLE’ es que el ritmo no pare, no pare, aunque, en algún caso, rebaje los bpm: ‘Hate Being Alone’ es su apuesta synthwave mientras la letra es rosa como ese corazón adolescente que Dagny alberga en su interior, y que late en cada una de estas ocho fabulosas canciones. Esperando ya el segundo minidisco, y el tercero.
La noticia no por esperada ha sido menos desgraciada: Françoise Hardy, icono del pop francés, se apagó ayer definitivamente. Sin embargo su luz no se acaba: la Divina tiene todas las papeletas para pasar a la posteridad y con el tiempo convertirse en la artista femenina francesa de los 60 más legendaria y venerada. Cuando el recuerdo de otras contemporáneas suyas como Sylvie Vartan o France Gall se disipe quizá pasadas las décadas y los siglos, Hardy no caerá en el olvido.
Porque aunque se la asocie siempre con el ye-yé, ella era mucho más: su primer éxito ‘Tous les garçons et les filles’ era una composición suya, y siempre fue fundamentalmente una cantautora. Sin embargo su olfato para el pop a la hora de escoger repertorio y de componer haría que algunos de las canciones más extraordinarias del pop francés de los 60 fueran suyas. En esa época dorada del 62 al 67, cada EP de cuatro canciones que lanzó con el sello Vogue era oro puro… que además contenía siempre material escrito por ella: gran parte de lo mejor de esa era son precisamente esas composiciones propias, tesoros como ‘C’est a l’amour auquel je pense’, ‘J’suis d’accord’, ‘Ce petit coeur’, ‘J’ai bien du chagrin’… este es el dato clave para entender su valor añadido como artista, su estatus de creadora.
El fulgurante éxito de sus discos en Vogue la convirtió en estrella por toda Europa, y su impacto llegó incluso hasta el esquivo mercado anglosajón, donde Dylan o Jagger querían conocerla a toda costa. Su figura longilínea y su fotogenia letal (especialmente bajo la lente de Jean-Marie Périer) sin duda ayudaron en la creación de su mito, pero mucho más la melancolía pegadiza de su manera de cantar y el misterio carismático de su gesto callado.
Su otro acierto fue saber hacer la transición a la década de los 70 sin quedarse estancada. En la década en la que los álbumes empezaron a cobrar mucha más importancia que los discos sencillos, Hardy supo gracias a su visión artística y su capacidad compositiva crear verdaderas obras maestras. Sin desmerecer sus grandes LPs todavía con Vogue (‘Ma Jeunesse Fout Le Camp…’ en 1967 o ‘Françoise Hardy’ en 1968), fueron sus creaciones en su sello propio Sonopresse las quedarían como su legado más brillante: ‘Soleil’ de 1970, y en especial el exquisito ‘La Question’ (1971), creado junto a la música brasileña Tuca. En él se sublima su reconversión final a sofisticada cantautora folk, con letras de madurez y turbulencias sentimentales. El nivel se mantendría en una serie de buenos álbumes durante el resto de la década, hasta llegar un parón en los 80, con prácticamente un único disco en 1988, ‘Décalages’, que la sumió en otro hiato de casi otra década.
Durante los 90 el recuerdo de Hardy parece desvanecerse, pero no es así: en el pop underground es venerada como pocas artistas. Si bien el redescubrimiento de Gainsbourg durante la década fue más perceptible, aparecen pequeños núcleos de interés, en España liderados por Juan de Pablos y su ‘Flor de Pasión’. En el nuevo pop nacional bandas como Los Fresones Rebeldes, Los Caramelos o Los Brujos la reivindican y versionan, culminando en una legendaria fiesta homenaje a Françoise en la sala Siroco en 1999, cuyo eco llega a la mismísima artista en una entrevista en Radio France International.
A nivel internacional hay dos momentos clave en esos años 90 para la restauración de Hardy como patrimonio cultural de una nueva generación de músicos: la participación en 1995 en ‘The End’ del grupo Blur, y su colaboración con Air en 1998 en la sublime ‘Jeanne’, en la que volvía heroicamente a su esencia folk junto a las panorámicas electrónicas del dúo.
A partir de ahí y de la publicación de su disco de retorno ‘Le Danger’ (1996) el nuevo milenio trae una nueva era de álbumes de Françosie, en ocasiones colaborando con nuevos talentos como Benjamin Biolay, y crecientemente bajo la batuta de su hijo Thomas Dutronc. También las nuevas décadas le granjean bonitos impactos en la cultura audiovisual, como la icónica escena de ‘Moonrise Kingdom’ de Wes Anderson en 2012. Con el aprecio creciente en los últimos años de los discos de folk de los 70, su prestigio de obras como ‘La question’ no han hecho sino crecer entre audiófilos y coleccionistas.
Su último disco, ‘Personne d’autre’, se publicó en 2018, pero Françoise no se acaba, porque, ¿cómo olvidar lo inolvidable? ¿Cómo decirle adiós? Françoise vive. Vive Françoise!
‘La habitación de al lado’, la primera película de Pedro Almodóvar rodada íntegramente en inglés, llegará a los cines españoles el próximo 18 de octubre.
La cinta está protagonizada por Tilda Swinton y Julianne Moore junto a John Turturro. Tras los cortometrajes “La voz humana”, protagonizado también por Tilda Swinton, y “Extraña forma de vida”, protagonizado por Ethan Hawke y Pedro Pascal, Almodóvar ha filmado su primera película completamente en inglés.
La historia de “La habitación de al lado” es la de una madre muy imperfecta y una hija rencorosa separadas por un gran malentendido. Entre ambas, otra mujer, Ingrid (Julianne Moore), amiga de la madre, es depositaria del dolor y la amargura de ambas. Martha, la madre (interpretada por Tilda Swinton), es reportera de guerra e Ingrid novelista de autoficción.
La película habla de la crueldad sin límites de las guerras, de los modos tan distintos en que las dos escritoras se acercan y escriben sobre la realidad, de la muerte, de la amistad y del placer sexual como los mejores aliados para luchar contra el horror. Y también habla del dulce despertar con los trinos de los pájaros, en una casa construida en plena reserva natural en New England, donde las dos amigas viven una situación extrema y extrañamente dulce.
Rodada entre Madrid y Nueva York, la película cuenta también con la participación de Alessandro Nivola, Juan Diego Botto, Raúl Arévalo, Melina Mathews y Victoria Luengo, entre otros, y llegará a los cines de la mano de Warner Bros. Pictures en España, Italia, Reino Unido, Alemania, Centro Europa y Europa del este (excepto Polonia), Países Nórdicos y Latinoamérica, entre otros.
Como cada año paralelamente al Sónar, tendrán lugar en Barcelona una serie de eventos agrupados bajo el nombre de OffSónar que reforzarán la apuesta de la ciudad por la música electrónica durante los próximos días. Es especialmente suculenta la programación de Razzmatazz dentro de su fiesta Human, dedicada a la electrónica.
El jueves 13 tendremos en Razz por ejemplo a Blawan, uno de los hijos del movimiento post-dubstep de los 2010s que siguen en activo evolucionando su estilo. También estará NDRX trayendo la electrónica de Georgia a la capital barcelonesa.
El sábado 15 la main room de Razzmatazz se pondrá las botas con las sesiones de uno de los reyes del tecno mundial, Ben Sims, y de una de las reinas del Panorama Bar, Steffi. No os perdáis tampoco el set del trío berlinés FJAAK, una de las mayores promesas de la electrónica actual.
El mismo sábado, pero en la sala 2, el programa es igualmente interesante: atentos a la mezcla de estilos de Hyperaktivist (en la foto), al rave hardcore de Yazzus o a los ritmos mutantes de Jensen Interceptor.
El OffSónar de Razzmatazz pondrá el broche el domingo 16 con una sesión de cinco horas de Oscar Mulero. Podéis consultar el programa completo en la web de Razzmatazz.
Parece que la espera nunca terminará. Además de bromear sobre la interminable creación de ‘R9’ en la fiesta de lanzamiento de Fenty Hair, Rihanna también ha ofrecido una respuesta seria sobre su proceso con el disco, admitiendo que está «empezando de nuevo».
«Esta línea de producto es lo que más tiempo he tardado en crear», soltó la cantante de Barbados durante la presentación de su nueva línea para el cuidado del cabello. «No, he mentido, eso es ‘R9′», bromeó justo después. Sin embargo, durante una entrevista en la alfombra roja con Entertainment Tonight dio una respuesta en condiciones sobre la gran paciencia que tienen sus fans.
«La música, para mí, es un nuevo descubrimiento. He estado tanto tiempo trabajando en el disco que puse todo a un lado, y ahora estoy preparada para volver al estudio», confesó la cantante de 36 años. «Sí, he empezado de nuevo, pero no quiero abandonar las canciones que tengo. Quiero escuchar con otros oídos, con mi nueva perspectiva y ver lo que todavía vale y de lo que todavía estoy enamorada», concluyó.
El pasado 28 de enero se cumplieron 8 años desde la salida del último disco de Rihanna, ‘ANTI’. Desde entonces, la que es oficialmente la artista femenina con más discos de diamante ha lanzado algunas colaboraciones (no muy sorprendentes) y ha formado parte del soundtrack de ‘Black Panther: Wakanda Forever’ con la balada ‘Lift Me Up’ y con la canción ‘Born Again’.
Rihanna tells ET that she is “starting over” her album:
“I have been working on the album for so long that I kinda just put all that stuff aside. And now, I’m prepared to go back into the studio. Now I’m prepared. So I’m gonna start.” pic.twitter.com/PT5WXe2FBg
Año 2001. ‘El viaje de Copperpot’ de La Oreja de Van Gogh logra ser el disco más vendido de todo el año en España… tras haber sido el 9º más vendido del año 2000, cuando se había editado en verdad. El álbum ocupa el número 1 semanal hasta en 14 ocasiones. Una de ellas a la salida del álbum en otoño, y las otras 13 durante 2001 ya. ‘El viaje de Copperpot’ logra ser un hit en las listas gracias al arrastre del primer disco y a la buena aceptación de los primeros singles ‘Cuídate’ y ‘París’.
Pero es después de Navidad que el álbum pega un salto, gracias a que siguen saliendo singles como sobre todo ‘La playa’, pero también ‘Mariposa’, ‘Soledad’ y ‘Pop’. Son los años dorados de la industria y se vende más de 1 millón de unidades, sobre todo en CD.
Año 2002. ‘Estrella de mar’ de Amaral logra ser el 3er disco más vendido de todo el año en España. Solo le superan ‘Qué pides tú’ de Álex Ubago y ‘Corazón latino’ de David Bisbal, pero el trabajo de Eva Amaral y Juan Aguirre consigue sobrevivir a la embestida de discos y más discos de galas de OT primero, y a los propios discos de los triunfitos, después.
‘Estrella de mar’ jamás pasará por ello del top 5 de las listas de ventas, pero sí sobrevivirá hasta 47 semanas de aquel 2002 (salió en febrero), dando vueltas y más vueltas por los primeros puestos, gracias a la recepción de singles como ‘Sin ti no soy nada’, ‘Te necesito’, ‘Toda la noche en la calle’ (publicado muy apropiadamente en verano) y ‘Moriría por vos’ (publicado muy apropiadamente en otoño). Se venden hasta 800.000 unidades a nivel local.
Ambos grupos continuarían su trayectoria de manera diversa. En el caso de LOVG, entregando dos álbumes más de éxito que dejaron su sello en la década de los 2000, incluso tras el cambio de cantante. Leire Martínez recogería el guante exactamente donde lo dejó Amaia Montero, aprovechando que eran varias las manos que daban aquella personalidad tan marcada y definida al grupo. No solo las de la vocalista.
Amaral emprenderían un rumbo también peculiar, primero editando otros discos de éxito como ‘Pájaros en la cabeza’, y después optando por un perfil ligeramente más alternativo a través de álbumes dobles, autoeditados y ligeramente más crudos. ‘Hacia lo salvaje‘ sería el más interesante.
Las carreras de cada cual han seguido su curso, pero siempre sin olvidar lo que significaron para ambos ‘El viaje de Copperpot’ y ‘Estrella de mar’. En la gira en que ambas formaciones se han embarcado este año, sendos álbumes ocupan lugares privilegiados en el setlist. La Oreja de Van Gogh suelen tocar hasta 5 temas de «Copperpot». Amaral, 4 de ‘Estrella de mar’, reservando también un lugar privilegiado para ‘Pájaros en la cabeza’.
Así lo constatamos en SanSan, donde Amaral y La Oreja tocaron en la misma jornada. Y así lo celebraremos el próximo 5 de julio, cuando ambas formaciones coincidirán en la misma jornada de Río Babel en Madrid, con JENESAISPOP como medio oficial. Gabriel Cárcoba, que cubría en Semana Santa el evento de Benicàssim, apuntaba entonces: «Tanto La Oreja como Amaral llevan alrededor de 25 años subiéndose a los escenarios y regalándonos una colección de canciones que nos acompañarán para siempre. No solo a los que les han seguido desde el principio, sino también a todas las generaciones que vinieron después. Son dos de los grupos que más han vendido en la historia de este país». Definía ambos shows como los de «dos bandas que han dejado una marca imborrable tanto en la historia del pop español como en la vida de millones de personas. Estas melodías hace ya mucho que no les pertenecen».
En un momento del setlist de La Oreja de Van Gogh, Cárcoba se preguntaba qué demonios estarían guardándose para el final, tras tamaña colección de hits, en especial después de que la interpretación de ‘Rosas’ levantara los móviles de todos los asistentes.
Pero quizá era el carisma de Eva Amaral el que dejaba las declaraciones más significativas. En primer lugar, explicaba la relación que tienen con la banda de San Sebastián: “Nos hace mucha ilusión tocar con ellos esta noche porque llevamos muchos años coincidiendo y son compañeros excelentes. Hemos sobrevivido a mucho ruido”. ¿A qué ruido podía referirse la artista? Lo explicaba poco después: “De llamarme niñata, enseguida pasaron a llamarme señora mayor, como si fuera un insulto, pero yo estoy orgullosa de ser una señora mayor”.
Amaia Montero -luego Leire Martínez- y Eva Amaral tuvieron que sufrir los prejuicios de la prensa generalista y especializada de la época, muy orientada al underground. De alguna manera, las tres fueron consideradas «niñatas». Los años 2000 eran los tiempos en que Los Planetas y Nacho Vegas copaban las portadas de las revistas indies, mientras que los Premios Amigo solían ir a las manos de Alejandro Sanz, Manolo García, Álex Ubago y Carlos Vives (aunque LOVG sí lograron acaparar alguno).
Apoyados por la radiofórmula y grandes sellos, ambos dejaron su marca en la década de los 2000, sin que quizá en su momento, ni con las cifras delante, supiéramos ser capaces de ver cuánto. Acaso incluso estaba asumido que pudieran ser productos de «major» en lugar de autores de sus propias canciones. Hablábamos de la Edad de Oro del Pop Español siempre en pasado, sin darnos cuenta de que lo mismo estábamos viviendo otra Edad de Oro del Pop Español. Pensábamos que la Movida era mejor, sin recordar que en la Movida también eran habituales los músicos de estudio y los productores metomentodo.
Solo es hoy en día cuando se habla de un revival de aquellos años. Cuando los festivales que jamás los habrían llamado para tocar, los llaman para tocar. Cuando nos damos cuenta de que una generación de veinteañeros creció escuchando aquellas canciones en el coche de sus padres: exactamente el mismo fenómeno que se había vivido con Mecano. Cuando nos damos cuenta de que su repertorio forma parte de la historia de nuestro país.
La buena noticia es que estamos a tiempo de reparar errores: podemos verlos tocar, incluso juntos en un festival. Y de paso podemos dejar de despreciar continuamente el presente del pop español, en favor de un pasado supuestamente mejor que igual nunca existió. Observen las listas y adivinen a qué artista veremos en 20 años encabezar festivales. ¿Quevedo? Probablemente. ¿Lola Indigo? Seguro. ¿Arde Bogotá? Mal que me pese. ¿Ana Mena? Tiene pinta.
Sabrina Carpenter sube al número 1 de Spotify Global con ‘Please Please Please‘, el segundo single de su próximo disco. De manera asombrosa, Carpenter se desplaza a sí misma de la cima, pues el anterior número 1 era ‘Espresso‘, que baja al 2. Es decir, Carpenter tiene ahora mismo las dos canciones más escuchadas en el mundo, la número 1 y la número 2.
‘Please Please Please’ y ‘Espresso’ compiten entre ellas por ser la canción más escuchada de Carpenter en el global de Spotify siendo las dos únicas canciones en toda la lista que superan los 11 millones de reproducciones diarios. ‘Please Please Please’ está marcando 11 millones y medio y ‘Espresso’ poco más de 11 millones, aunque el mérito de ‘Espresso’ es mayor, pues se editó hace dos meses.
El escenario es idóneo para que Carpenter se apunte uno de los discos más exitosos de todo 2024. ‘Short n’ Sweet‘ sale el 23 de agosto y, de momento, incluye dos macrohits que sonarán mucho este verano, uno después del otro. Parece mentira que ‘Short n’ Sweet’ vaya a ser el SEXTO disco de Sabrina Carpenter. El anterior, por cierto, no estaba nada mal.
Kalorama ha revelado la programación por días de su primera edición en España, que tendrá lugar del 29 al 31 de agosto en el IFEMA de Madrid.
Dos grandes cabezas de cartel de Kalorama Madrid como son LCD Soundsystem, el combo The Postal Service + Death Cab for Cutie están programados el jueves 29, junto a Nation of Language o The Kills. Joe Goddard, además, se incorpora a la programación este día.
El viernes 30 descubre la presencia de RAYE, Fever Ray o Gossip, entre otros, mientras el sábado 31 es el turno de Sam Smith, Massive Attack, Jungle y Peggy Gou, además de la segunda incorporación al cartel que Kalorama anuncia hoy, la de Monobloc.
Las entradas de día para Kalorama Madrid están a la venta.
Jueves 29
LCD Soundsystem
The Postal Service + Death Cab for Cutie
Nation of Language
The Kills
English Teacher
Joe Goddard…
Viernes 30
RAYE
Fever Ray
Gossip
Overmono
Soulwax
Yard Act
Yves Tumor
Colectivo Da Silva
TRISTÁN!…
Sábado 31
Sam Smith
Massive Attack
Jungle
Peggy Gou
Ezra Collective
Olivia Dean
Huda
Monobloc…
Nilüfer Yanya parece dispuesta a superarse con cada nueva canción. En 2022 nos dejó noqueados con la arrolladora ‘Midnight Sun’ y, este año, ha lanzado otra que compite por ser la mejor de su carrera, la visceral ‘Like I say (I runaway)’. Dice que su nuevo disco es el «más intenso» que ha hecho y se nota: sus guitarras suenan más fieras que nunca.
Vuelve a ser el caso con el nuevo single de Yanya, ‘My Method Actor’. Es el segundo adelanto de su tercer LP, titulado ‘My Method Actor’, que estará disponible el próximo 13 de septiembre. ‘Method Actor’ será uno de los temas centrales del disco, casi compartiendo nombre con él.
‘Method Actor’ es otra composición de Nilüfer Yanya imposible de confundir con la de ningún artista. Basada en un patrón rítmico de tempo inusual, propio del jazz-rock, ‘Method Actor’ combina la sensibilidad melódica de Nilüfer con un potente riff de rock que irrumpe en el estribillo como una bestia. Junto al productor Will Archer, en ‘Method Actor’, Yanya crea una tormenta de guitarras que amaina en el exquisito outro que extiende la canción un último minuto.
A su «actor de método», Nilüfer Yanya recrimina que «Te di todo lo que necesitaste». Pero la influencia del «método» en la canción va más allá: «Por lo que leí, se basa en encontrar un recuerdo en tu vida, un recuerdo que te cambia la vida», cuenta. «La razón por la que algunas personas encuentran traumático el método de actuación y tal vez no seguro mentalmente, es porque siempre estás volviendo a ese momento. Puede ser bueno o malo, pero siempre te alimentas de la energía, de algo que te ha definido, y eso es lo que te ayuda a convertirte en el personaje», concluye la cantante.
Tracklist:
1. Keep on Dancing
2. Like I Say (I Runaway)
3. Method Actor
4. Binding
5. Mutations
6. Ready for Sun (Touch)
7. Call It Love
8. Faith’s Late
9. Made Out of Memory
10. Just a Western
Alcalá Norte ha anunciado ‘La Gira Cañón’, la gira de presentación de su primer disco, ‘Alcalá Norte‘, a todas luces uno de los Mejores Discos de 2024, y uno de los que más están dando de qué hablar, desde hace ya varios meses.
Tras presentar el álbum en Tomavistas y Primavera Sound, Alcalá Norte dará inicio oficialmente a ‘La Gira Cañón’ el 15 de junio en el Festival Tonal de Valladolid y pasará por diversas salas y festivales de España -entre ellos Bilbak BBK Live- a lo largo de 2024 hasta cambiar de año: las últimas fechas de ‘La gira cañón’ tendrán lugar en enero de 2025.
Granada, Salamanca, A Coruña, Murcia, Tenerife, Madrid, Córdoba, Barcelona y más ciudades recibirán la visita de Alcalá Norte a lo largo de este año. Así quedan todas las fechas:
15/06: Valladolid – Festival Tonal
23/06: León – Festival Come y Calle
29/06: Terrassa – Festival Espai Vapor
13/07: Bilbo – Bilbao BBK Live
19/07: Vilagarcia de Arousa – Atlantic Fest
20/07: Cónchar – Centolo Weekender
27/07: Cetina – Festival CETin
03/08: Alhaurín – Festival Alhautor
17/08: Lugo – TBA
24/08: Pontevedra – Río Verbena Fest
21/09: Pedreguer – SAM Festival
26/09: A Coruña – Noites do Porto
28/09: Granada – Plaza de toros (+ Los Planetas + Depresión Sonora)
04/10: Salamanca – Potemkin
05/10: Zamora – La Cueva del Jazz en Vivo
11/10: Bilbo – Stage Live
12/10: Santander – TBA
13/10: Oviedo – La Salvaje
18/10: Murcia – Sala REM
19/10: Alicante – TBA
26/10: Madrid – Teatro Eslava
02/11: Tenerife – Aguere Cultural
08/11: Córdoba – Sala Hangar
09/11: Algeciras – Espacio Farándula
10/11: Málaga – La Trinchera
20/11: Barcelona – Razzmatazz
22/11: Sevilla – TBA
23/11: Granada – Lemon Rock Son Estrella Galicia
30/11: Donostia – Dabadaba
19/12: Valencia – TBA
20/12: Zaragoza – Festival Zaragoza Feliz
17/01: Vitoria-Gasteiz – Jimmy Jazz
18/01: Logroño – La Fundición
24/01: Segovia – Festival WIC Segovia
25/01: Valladolid – Porta Caeli Son Estrella Galicia
Françoise Hardy ha muerto este martes a los 80 años después de dos décadas afectada por un cáncer que, en el último par de años, le había llevado a pedir públicamente la eutanasia. Hardy -que ayudó a su madre a morir en 1991- ha sido una de las voces más visibles de la defensa de la muerte digna, en Francia y en todo el mundo. Su hijo, Thomas Dutronc, ha confirmado la noticia de su fallecimiento, anunciando que «mamá se ha marchado». Se desconoce causa de la muerte.
Hardy fue uno de los grandes iconos del pop de Francia del siglo XX y, con su figura, representó la modernidad de los años sesenta. Una modernidad que se definía por su influencia de la cultura anglosajona: de la posguerra Francia pasaba a la apertura global, de la chanson Francia descubría a los Beatles. Y el movimiento ye-yé encontró a Hardy una de sus mayores exponentes, llevando su icónico single ‘Tous les garçons et le filles’ al número 1 del país galo.
Conocida por su dulce y melancólica voz y, también, por interpretar baladas sentimentales orquestadas de manera espectacular, como otra de sus canciones más populares, ‘Comment te dire adieu‘, o ‘Mon amie la rose’, Hardy grabó hasta treinta álbumes de estudio y trabajó con grandes autores como Serge Gainsbourg, si bien también escribió sus propias canciones.
El vínculo de Françoise Hardy con la modernidad cultural continuó mucho tiempo después de su época de gloria en los años sesenta: por ejemplo, colaboró con Blur en su canción de 1995 ‘To the End’ y, últimamente, había elogiado públicamente a Cigarettes After Sex afirmando que es el grupo «que ha esperado escuchar toda la vida». El último álbum de estudio de Hardy, ‘Personne d’autre‘, se editó hace un lustro.
Pero Hardy no solo dedicó su carrera profesional a la música, sino que también desarrolló carreras en los mundos de la interpretación y el modelaje y estudió astrología, otra de sus grandes pasiones. Probablemente, el estudio de los astros permitió a Hardy escapar de su propia fama, de la que no se sentía completamente merecedora.
