St. Vincent acaba de publicar nuevo disco, ‘All Born Screaming‘, un trabajo de rock moderno como pocos se escuchan. La impronta de Annie Clark vuelve a estar presente en el nervio y músculo de las guitarras eléctricas, mientras el tono se oscurece esta vez, respecto a todos sus trabajos anteriores. El single ‘Broken Man‘ se encuentra entre los mejores del año.
Los singles siguientes de ‘All Born Screaming’ han sido igualmente recomendables: ‘Flea’ y, sobre todo, ‘Big Time Nothing’, la Canción Del Día de hoy.
Si ‘Flea’ elige un sonido de rock clasicote, ‘Big Time Nothing’ apuesta por el pisotón industrial dejándose influir por diferentes estilos. El funk de Prince -y también de Lenny Kravitz- está presente en punteos y en el ritmo funk de la base. Los sintetizadores, sin embargo, se adhieren a lo industrial y la parte vocal, casi al spoken word. Por ahí dicen que ‘Big Time Nothing’ suena como una mezcla entre ‘Army of Me’ de Björk y ‘Numb’ de U2. No andan desencaminados.
La producción de ‘Big Time Nothing’ es especialmente asombrosa. La propia Annie Clark ha producido el disco y en ‘Big Time Nothing’ ofrece una sobrada de creatividad a los mandos transformando la canción en un auténtico espectáculo sonoro. En torno al minuto 1.50, ‘Big Time Nothing’ se convierte en ese ejemplo de canción «psicótica» de la que Clark ha hablado en las entrevistas.
La letra, por su parte, es un listado de negativas: «no caigas en desgracia, compórtate», «no te caigas, desfila», «no te comportes acorde a tu edad», «no te cambies el nombre», «no te rías, pero sonríe». ‘Big Time Nothing’ está escrita desde la perspectiva de la depresión. «Es lo que la depresión te dice», ha explicado Clark. «Es como este bucle ansioso del interior de mi cabeza, que cada día me dice: espabila, estúpida, crees que eres algo y no eres una puta mierda, idiota». Poco más que añadir.
La primera semifinal de Eurovisión 2024 contará con tres artistas que protagonizarán el acto de apertura el día 7 de mayo en el recinto Malmö Arena, estos son, Chanel, Eric Saade y Eleni Foureira.
Eurovisión ha confirmado que Chanel (España 2022), Eric Saade (Suecia 2011) y Eleni Foureira (Chipre 2018) actuarán juntos en la primera semifinal de Eurovisión con un show llamado ‘United By Music’. Cada uno cantará su canción eurovisiva. En el caso de Chanel será por supuesto ‘SloMo’, tercera en la final de 2022. En el de Saade, ‘Popular’, tercera en 2011. Y, en el de Foureira, ‘Fuego’, segunda en 2018. En el escenario les acompañarán 24 bailarines.
Se cierra así la programación musical de las dos semifinales de Eurovisión, que, además del acto de apertura y de los países participantes que aspiran a llegar a la Gran Final del 11 de mayo, contará también con las actuaciones de los países del Big Five por primera vez.
En la primera semifinal del 7 de mayo actuará Olly Alexander por Reino Unido entre Irlanda y Ucrania; Isaak por Alemania entre Islandia y Eslovenia, y Marcus y Martinus por Suecia entre Moldavia y Azerbaiyán. Por otro lado, en la segunda semifinal del 9 de mayo Slimane actuará por Francia entre Chequia y Austria, Nebulossa por España entre Letonia y San Marino y Angelina Mango por Italia entre Estonia e Israel. La Gran Final tendrá lugar el sábado 11 de mayo.
En este orden actuarán los concursante de la primera semifinal (vía El Correo)
Primera Semifinal (7 de mayo)
Ucrania con alyona alyona & Jerry Heil
Chipre con Sília Kapsís
Serbia con Teya Dora
Lituania con Silvester Belt
Irlanda con Bambie Thug
Ucrania con Alyona Alyona & Jerry Heil
Polonia con Luna
Croacia con Baby Lasagna
Islandia con Hera Björk
Eslovenia con Raiven
Finlandia con Windows95man
Moldavia con Natalia Barbu
Azerbaiyán con FAHREE feat. Ilkin Dovlatov
Australia con Electric Fields
Portugal con Iolanda
Luxemburgo con Tali
Y así queda el orden de la segunda semifinal:
Malta con Sarah Bonnici
Albania con Besa Kokëdhima
Grecia con Marina Satti
Suiza con Nemo
Chequia con Aiko
Austria con Luna
Dinamarca con Saba
Armenia con Ladaniva
Letonia con Dons
San Marino con Megara
Georgia con Nutsa Buzaladze
Bélgica con Mustii
Estonia con 5miinust & Puuluup
Israel con Eden Golan
Noruega con Gåte
Países Bajos con Joost Klein
El nuevo disco de Anitta llega con un concepto claro y cristalino: dedicarse plenamente a los ritmos del baile funk brasileño. El título apela a una “generación del funk”, por lo que se presume al disco la aspiración de servir de referente, de tener un impacto generacional. Al fin y al cabo, el funk nunca ha estado tan presente en el pop mainstream y Anitta es una de las artistas que han contribuido a ello.
Por un lado, Anitta acierta dando a ‘Funk Generation’ un sonido global y cohesivo. De principio a fin es una fiesta. A la producción pueden aportar diferentes nombres, de Diplo a Tropkillaz, pero la línea funk prevalece. Es una producción atareada, maximalista, explosiva que, mezclando la calidez de Anitta y los guantazos metálicos de los beats, evoca el ambiente de la favela, donde Anitta se crió.
Por otro lado, las canciones cumplen, aunque no siempre. En el mejor de los casos devuelven a la Anitta más atrevida. Con Diplo, en ‘Funk Rave’ pide “desacato hasta la mañana” en una de las producciones más contundentes de su carrera. El buen equilibrio entre producción bruta y single potencial lo da ‘Joga pra lua’. Y, en la línea más melódica, ‘Fría’ y ‘Meme’ dan la nota través de percusiones y bocinas.
Aunque la cohesión es un acierto de ‘Funk Generation’, no siempre se traduce en decisiones igual de acertadas. No se entiende que Anitta llame a Sam Smith para grabar la simpática ‘Ahí’ y coloque esta canción en penúltimo lugar de la secuencia. Es como invitar a tu amigo a casa y echarlo a los diez minutos. Menos comprensible es que ‘Mil veces’, uno de los singles más inmediatos del disco, sea el que cierre el largo. Antes el camino de ‘Funk Generation’ se ha embarrado con composiciones tan lineales como ‘Savage Funk’ o ‘Puta Cara’, mejores ejercicios de estilo que canciones.
El componente hedonista de ‘Funk Generation’ puede ir a lugares realmente extremos, como en ‘Aceita’, otra (c)producción de Diplo, una de las más ambiciosas y espectaculares del álbum; o en esa ‘Double Team’ donde la palabra “puta” se repite ad nauseam con la colaboración de Bad Gyal y Brray. Sin embargo, en ocasiones ‘Funk Generation’ transmite una energía desmedida en contraste con una evidente falta de ganchos melódicos, lo cual logra el efecto contrario a conseguir ese disco de impacto generacional que Anitta parece buscar.
‘Funk Generation’, que, curiosamente, abre con dos pistas que no se inspiran exactamente en el funk brasileiro, sino más bien en el hip-hop de colores chillones de los ochenta, agrega un puñado de buenos singles al repertorio de Anitta y se no olvida de ofrecer un producto cohesionado, conceptual y bien cerrado, pero echa en falta un mayor ajuste de sus tuercas compositivas. Sin embargo, ‘Funk Generation’ se parece -más que en ningún otro caso- a ese disco que siempre le hemos pedido a Anitta. Aquel ‘Versions of Me‘ (2022) disociado en mil personalidades, era el que se parecía menos.
Dua Lipa sigue siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Illusion’, el tercer single de ‘Radical Optimism‘. Vuelve a dejar en el top 2 por segunda semana consecutiva ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter. Esta vez el porcentaje en X ha sido de 43% versus 27%.
La entrada más fuerte es la de Jamie xx con Honey Dijon, seguidos de Nilüfer Yanya. Sofia Coll y El Último Vecino completan la lista de novedades de la semana.
A lo largo de toda su filmografía, Luca Guadagnino ha indagado, de una forma u otra, en los impulsos del deseo, en cómo este mueve a las personas y cómo prácticamente todo gira alrededor de él. En sus últimas obras, el cineasta italiano proponía historias iniciáticas sobre el despertar al placer, ya fuera mediante un adolescente en una base militar estadounidense en Italia (‘We Are Who We Are’) o a través del romance entre dos caníbales en los áridos paisajes de la América profunda (‘Hasta los Huesos’).
En ‘Rivales’, no se centra tanto en esos primeros descubrimientos -aunque también están presentes-, como en explorar las dinámicas de poder que se establecen en un triángulo amoroso entre tres tenistas a lo largo de los años. Guadagnino plantea la película desde un partido de tenis, concretamente en la final de un torneo challenger (una categoría inferior del circuito ATP), donde el ganador de seis grand slams Art Donaldson (Mike Faist), participa para volver a ganar confianza de cara al US Open, ya que está pasando por una mala racha deportiva, enfrentándose a Patrick Zweig (Josh O’Connor), a quien conoce muy bien. En medio de todo esto está la entrenadora de Art, Tashi Duncan (Zendaya), quien fue una prometedora estrella del tenis junior que tuvo que retirarse por culpa de una lesión.
A través de ese partido, el cineasta y su guionista Justin Kuritzkes, van construyendo los enigmas sobre la relación entre los tres, utilizando flashbacks desordenados en distintos momentos de sus respectivas carreras profesionales. El concepto es realmente brillante, pues esquiva a toda costa el molde de película deportiva y de superación personal que uno podría esperarse para convertirse en algo que solo su autor podría filmar. El mundo del tenis es el escenario perfecto para que Guadagnino dé rienda suelta a todas sus obsesiones temáticas y a explorar las relaciones amorosas y sexuales desde un prisma de máxima competitividad en el que se establecen dinámicas tóxicas y donde se vuelcan todas las frustraciones profesionales.
Como en todo su cine, los personajes no son personas particularmente admirables, sino más bien lo contrario: son antipáticos y se comportan de forma poco ética. Es precisamente en esa descripción con tan pocos filtros donde Guadagnino extrae oro no posicionándose nunca a favor de ninguno de los tres, dejando que sea el espectador quien saque sus propias conclusiones y quien decida cuál de los tres está en el lado bueno de la historia, si es que hay lado bueno de la historia. Si dichos personajes ya sobre el papel son jugosos, la perfecta elección de casting los convierte en puro carisma. Zendaya -que también es productora- nunca ha estado mejor, interpretando a una tenista destrozada por dentro porque nunca tuvo la oportunidad de cumplir su sueño pero que de cara a la galería se muestra implacable. Mike Faist y Josh O’Connor, además de su química explosiva, también muestran su enorme talento interpretativo.
El ritmo endiablado de la narración y la tensión sexual que sobrevuela todo el metraje hacen de ‘Rivales’ una película entretenidísima para el gran público sin dejar nunca de ser una obra completamente de autor. Por si todo lo anterior no hubiera sido ya de por sí un recital de diversión, erotismo e intrigas sentimentales, el director se reserva para el final un clímax absolutamente original y memorable acompañado de la frenética música electrónica de Trent Reznor y Atticus Ross, que deja al espectador clavado a la butaca y sin tiempo de reaccionar. Juego, set y partido, Guadagnino.
Dua Lipa publica hoy su nuevo disco, ‘Radical Optimism‘, que será presentado en Mad Cool. El sucesor de ‘Future Nostalgia‘ (2020) se ha hecho esperar cuatro años y, lógicamente, ofrece un sonido diferente al de aquel, aunque no tan diferente en ciertos puntos. Ni tan radical: en ‘Radical Optimism’ es «optimismo» la palabra clave.
Dua ha disputado las afirmaciones que ubicaban el primer single del álbum, ‘Houdini‘, en el terreno de la música disco. Ella no se ha juntado con Kevin Parker de Tame Impala y Danny L. Harle para que la gente diga que está haciendo lo mismo de antes. Dua tiene razón: ‘Houdini’ es una producción electro, más dura y oscura que cualquiera de las incluidas en ‘Future Nostalgia’. En sonido, ‘Houdini’ plantea una evolución y, como single, el tiempo le ha dado la razón: su paso por listas no ha terminado meses después de su estreno.
Las supuestas influencias de la psicodelia, del britpop y de grupos como Massive Attack, Oasis o Primal Scream no se han hecho notar tanto en los siguientes sencillos. En esas coordenadas es localizable -más o menos- el segundo single, ‘Training Season‘, ya más disco, pero también más sesentero en el plano melódico. Sin embargo, el tercer adelanto, ‘Illusion‘, no disimula su proximidad al sonido ‘Future Nostalgia’. Es hermana de ‘Hallucinate’ hasta en nombre.
Pero el sonido de ‘Houdini’ era eso, una «ilusión». En realidad, ‘Radical Optimism’ no suena tan contundente en ninguno de sus puntos. La propuesta es más amable que «radical». ‘These Walls’, el «focus track» de hoy, es directamente indie-pop y las aproximaciones a la música disco son varias a lo largo del álbum y se suceden entre el día (‘End of an Era’) y la noche (‘Whatcha Doin’). Indecisa, ‘Anything for Love’ no sabe si ser interludio o canción.
En ‘Radical Optimism’ también la nostalgia está presente, aunque pone la mirada no en los setenta y ochenta, sino en los dosmiles. La producción es rica en matices y texturas y, en ciertos puntos, como ‘French Exit’ o la latina ‘Maria’, se pone sobre la mesa la inspiración mediterránea del álbum, expuesta ya en su portada. Pero quizá no era el sonido All Saints de ‘Happy for You’ lo que el público esperaba encontrar en el álbum después de las influencias citadas ene entrevistas.
Dua está riendo última visto el rendimiento comercial de ‘Houdini’ y ‘Training Season’. Dos temas que, sin haber alcanzado el número 1 de las listas globales, están demostrando una longevidad que contradice los señalamientos de supuesto «flop», infundados. Es posible que la magia de ‘Radical Optimism’ también florezca con el tiempo. De momento, la portada no puede ser más simbólica: Dua se moja, sí, aunque permanece alejada del peligro.
Cuando Pet Shop Boys cuestionaron la carrera de hits de Taylor Swift, preguntándose cuál sería “su Billie Jean” y descartando que pudiera serlo ‘Shake It Off’, seguramente ya intuían esta noticia.
El nuevo disco de Pet Shop Boys, ‘Nonetheless’, se ha publicado solo una semana después de ‘The Tortured Poets Department’, así que tenía muy pocas opciones, por no decir ninguna, de ser número 1 en Reino Unido. Y así ha sido: el álbum de Neil Tennant y Chris Lowe queda en el puesto 2, por detrás del de Taylor Swift.
La noticia es especialmente triste, porque en otra semana y con unas cifras por encima de las 22.000 unidades, ‘Nonetheless’ podría haber sido número 1 en Reino Unido. Pet Shop Boys han vendido de su nuevo lanzamiento 11.000 CD’s, 8.000 vinilos, 500 cintas, 1.200 blu-rays, 1.300 descargas y además suman 800 puntos de streaming. Pero no son suficientes para igualar las 50.000 copias que Taylor ha vendido esta semana de su disco doble en su segunda semana de vida.
Lo peor es que habría sido tan solo el segundo top 1 en las listas de álbumes para Pet Shop Boys, el primero desde ‘Very’ (1993), pues tradicionalmente, Pet Shop Boys han tenido muy mala suerte en la lista de álbumes.
‘Actually’ (1987), que fue triple platino, también quedó en el top 2. También fue el caso de ‘Introspective’ (1988) y ‘Behaviour’ (1990). Por tanto este es el 4º número 2 en Álbumes para Pet Shop Boys en la tierra que les vio nacer.
Pero es que además han sido top 3 en Reino Unido otras 4 veces: con ‘Please’ (1986), ‘Electric’ (2013), ‘Super’ (2016) y ‘Hotspot’ (2020). También fue top 2 el recopilatorio ‘Alternative’ (1995) y top 3 el recopilatorio ‘Discography’ (1991).
Aunque solo sea por una semana, ‘Nonetheless’ mejora el dato de los últimos discos de Pet Shop Boys en UK. Además, puede presumir de ser top 3 en Australia, Alemania y de haber llegado al top 20 en Holanda, Finlanda e Irlanda. El dato español se conocerá la semana que viene.
El festival Viña Rock se celebra estos días en Villarobledo, Albacete con una programación que incluye figuras del rock nacional como Magö de Oz o Mojinos Escozíos. Entre las actividades paralelas un anunciado taller sobre salud sexual había llamado la atención de los medios de comunicación por su nombre, ‘Si nos organizamos follamos todes’, y por el uso de la palabra «orgía» en el cartel.
El taller pretendía concienciar sobre salud sexual, «abrir el melón de las relaciones sexuales en entornos ludicofestivos, los riesgos y las prácticas», especialmente en relación al consentimiento, y su agenda se componía de un primer encuentro, del taller en sí, dedicado a la «iniciación a primeros contactos en una orgía»; y de una comida conjunta.
Aunque el motivo del taller ha sido reunir en la plazoleta de Villarobledo «grupos reducidos» para «hacer debates en torno al sexo y a las relaciones afectivas», la viralización de su cartel en Telegram ha llevado a algunos medios a informar que en Viña Rock se anunciaba la celebración de una «orgía» a la que había «7.000 personas convocadas», información que tanto Sexiliades, el colectivo organizador de la quedada, como el Ayuntamiento de Villarobledo, han tenido que desmentir, tildándola de «bulo».
Especialmente el encuentro entre la persona altavoz de Sexiliades, Barëh, con Ana Rosa Quintana, a la que llama directamente «manipuladora», ha circulado en redes durante toda la mañana.
En la entrevista, Ana Rosa Quintana se confronta a Barëh, reproduce la información de la supuesta orgía de 7.000 personas, a pesar de proceder de una serie de titulares fabricados en medios y de haber sido desmentida, y culpa a los organizadores del taller de «crear una falsa expectativa» al supuestamente sugerir de manera implícita en el cartel que se anunciaba una «orgía multitudinaria». Barëh disputa las afirmaciones de Ana Rosa explicando que la idea del taller desde su concepción ha sido concienciar a los asistentes en torno a la sexualidad y el consentimiento, y acusa a la periodista de contribuir a la desinformación en torno a la intención de la quedada, movida por su sed de «morbo» mediático.
Bueno, pues ya sabemos quién ha sido la primera persona a la que se han follao con el tema de la orgía del viñarock. Ha sido a la Ana Rosa y ha sido en directo en su propio programa XDD pic.twitter.com/QSqK517BZd
Era cuestión de tiempo que Purple Disco Machine, adalides de la música disco actual, y Nile Rodgers, icono de la disco music desde los tiempos de Chic hasta la actualidad, pasando por su histórica intervención en ‘Get Lucky’ de Daft Punk, colaboraran en una canción.
En ‘Honey Boy’, Purple Disco Machine y Nile Rodgers se juntan en el «oh ma ma» más pegadizo desde el de ‘Poker Face’ de Lady Gaga… el cual ya se inspiraba en el «oh ma ma» más pegadizo de la historia, el de ‘Ma Baker’ de Boney M.
En la Canción Del Día de hoy, Purple Disco Machine despliega su típica base de nu-disco cubierta de papel brillante, mientras Nile Rodgers aporta sus clásicos punteos, y ambos son asistidos a las voces, por un lado, por la cantante jamaicana Shenseea, conocida por su éxito ‘Shen Yeng Anthem’ y, por el otro, por el también productor sueco Benjamin Ingrosso.
Todos juntos entregan este infalible «party track» que ya compite con ‘Espresso‘ de Sabrina Carpenter por agenciarse el título de canción del verano, y que se posiciona de inmediato entre los mejores momentos de la carrera de Purple Disco Machine.
Y, para rematar, el videoclip de ‘Honey Boy’ lleva el título de la canción a la literalidad al estar protagonizado por un hombre cubierto de miel. Él también siente la «magia» del «baile».
En este mundo loco de publicaciones y colaboraciones, no sé si somos conscientes de la excepcionalidad de lo de Alizzz. Un productor que consigue instalar su propia voz en el imaginario colectivo, y haciendo una música muy diferente a aquella por la que era conocido. El co-autor y productor de ese clásico del siglo XXI llamado ‘Antes de morirme‘ y de discos de urban tan definitivos como ‘Ídolo‘, en solitario se dedica más bien a bucear en los estilos que mamó de adolescente.
Nacido en 1984, es decir, algo mayor que Rosalía y C. Tangana, Cristian Quirante se empapó de Brit Pop e indie nacional a finales de los años 90. ‘Beetlebum’ de Blur, ‘Una semana en el motor de un autobús’ y Extremoduro eran algunas de sus debilidades antes de adentrarse en la electrónica. Por eso su primer disco ‘Tiene que haber algo más‘ conectó igualmente con el público que le conocía gracias a temas como ‘Llorando en la limo’ y con otro más talludito.
Su sucesor tras el EP ‘Boicot’ es continuista, aunque con matices. Alizzz sigue la máxima «si no está roto, no lo arregles», solo que ahora dotando de mayor protagonismo a las guitarras eléctricas de Ferran Gisbert. Son un tipo de guitarras que no empujan el disco hacia el noise, hacia el metal o hacia el grunge, como en los últimos tiempos han hecho Grimes, Poppy u Olivia Rodrigo. Distorsionadas, adulteradas y tratadas hasta la extenuación, se confunden con sintetizadores, más en la línea del sello DFA.
Así, tiene guasa que el single ‘Despertar’ cuente con una de las voces más hermosas de la escena, la de Maria Arnal, y sea el riff lo que realmente te termine martilleando el cerebro. Es una canción que en un momento dado recuerda a ‘Kiss’ de Prince, pero que en verdad se llena de interferencias, como ese amor que tanto duele: «He vuelto a despertar en mitad de la noche, pensando que aún estás, gritando tu nombre».
Pocas veces un single representó tan bien lo que después encontramos en el álbum. El mismo truco de guitarras tratadas volverá a aparecer constantemente en otros puntos, como en el nuevo single ‘Dónde estás’, cuyo vídeo se ha estrenado en exclusiva en Filmin; o en ‘Destellos’. Incluso cuando las canciones viran hacia otros estilos, contienen guiños que recuerdan dicho leit motiv, como se ve en los dos temas finales. ‘Solos tú y yo’ era una balada doo wop junto a Cuco hasta que se rasga. «Baby, estoy loco, y medio roto», termina diciendo la letra, mientras la producción expresa exactamente lo mismo. Y después ‘Vuelve a disparar’, típica balada de cierre épica y ambiental, incorpora igualmente un desvarío de elementos sintéticos emparentados con Kraftwerk y OMD.
La cohesión la hallamos también en unas letras totalmente pasionales y coloquiales. «Me cago en todo» y «me fumo uno y después me enciendo otro» son algunos de los ganchos de la muy Strokes ‘Mirando al techo’. «Hoy vivimos y mañana nos vamos» y «no me importa el futuro ni el banco», los de ‘Destellos’. En ‘No ho sé’ con Renaldo i Clara, esta interpreta la parte más sucia de la canción, en contraste con su voz naíf.
Si todo el disco se ha orquestado en torno a la idea de la «Conducción temeraria» porque el artista dice vivir «de un modo un poco temerario en lo personal y lo personal», gran parte de la imaginería del disco gira en torno a esa misma idea. Un intermitente construye el ritmo de ‘Carretera perdida’, una referencia a David Lynch solo que aquí con cierto aire de rumbita y bossa. En ‘Destellos’ estampa el coche que vemos en la portada contra una pared. En ‘Vuelve a disparar’ le oímos suplicar «Vuelve a disparar y remátame», como si fuera un cervatillo atropellado. Alizzz sí que sabe cómo 1) conectar con la gente y 2) redondear un buen disco.
Hoy 3 de mayo sale dos esperados discos internacionales, los de Sia y Dua Lipa, también un esperado disco nacional, el de Alizzz y, además, la jornada de lanzamientos de hoy recibe nuevos trabajos de Jessica Pratt, Camera Obscura, The Lemon Twigs o Mdou Moctar.
Otros álbumes interesantes que salen en este primer viernes de mayo son los de Kamashi Washington, Hana Vu, Ibibio Sound Machine, Charlotte Day Wilson o Las Nenas.
En materia de singles, Kendrick Lamar firma una nueva respuesta a Drake, Caroline Polachek estrena el tema de la película ‘I Saw the TV Glow’. El tercer single del disco de Alizzz se había podido escuchar dos días antes en Filmin.
Además, Mueveloreina samplea ‘Born Slippy’ de Underworld, DORA se pone jazzy en ‘Cuando no estás’, Albert Pla y Alfred García ponen ‘Bombas en Madrid’, Purple Disco Machine se alían con Nile Rodgers, Isabella Lovestory se pincha ‘Botoxxx’ y Axolotes Mexicanos publica un nuevo adelanto de su próximo álbum.
Nuevos singles llegan a la playlist hoy también de Cage the Elephant, Lola Young, Daga Valadora, LA Priest, Nenazas, Danny Ocean, Fusa Nocta, Sofi Tukker, Leigh Anne, Rachel Chinouriri, La Zowi, Xenia, Bien et toi, Revyn Lenae, L’Impératrice, Charly Bliss, Grasias, Angus & Julia Stone, GAZZI o Illuminati Hotties.
Nebulossa ha realizado este jueves el primer ensayo de ‘Zorra‘ en el Malmö Arena, recinto que acogerá la próxima edición de Eurovisión los días 7, 9 y 11 de mayo de 2024.
Las primeras fotos y vídeos del ensayo de Nebulossa publicados por RTVE revela que la puesta en escena es fiel a la del Benidorm Fest, si bien ha tenido que ser ajustada a las dimensiones del recinto. Aún así, Mery Bas y Mark Dasousa dicen sentirse «muy seguros» sobre el escenario y «contentos» con el resultado del primer ensayo. El segundo tendrá lugar este sábado a las 14.50 horas.
Entre las novedades destacadas en la puesta en escena de Nebulossa hay que mencionar el uso del «big cube» central para proyectar la palabra «ZORRA», también vista en pantallas.
Habrá un «tercer» pase de ‘Zorra’ antes de la Gran Final dado que España actuará por primera vez en la segunda semi de Eurovisión, el día 9 de mayo, a pesar de ser uno de los países del Big Five que pasan directos a la final.
Nathy Peluso ha anunciado que su nuevo disco, ‘Grasa’, sale este mes, el 24 de mayo. Cuatro años después, por fin ‘Calambre‘, álbum debut de Nathy Peluso, conocerá una continuación.
Publicado en octubre de 2020, en plena pandemia, ‘Calambre’ elevó a Peluso a primera línea comercial gracias al éxito de ‘Delito’ y ‘Puro Veneno’. Contenedor de otros hits como ‘Buenos Aires’ o ‘Sana Sana’, ‘Calambre’ fue uno de los mejores discos de ese año.
Lo que ha venido después ha sido una montaña de singles propios o colaborativos prácticamente inabarcable. Desde la colaboración con Bizarrap hasta la reciente ‘Ella tiene’ con Tiago PZK los lanzamientos sueltos de Nathy Peluso se han sucedido sin prisa pero sin pausa. Se desconoce si algunos formarán parte de ‘Grasa’ o no. Por antigüedad, ‘Mafiosa’ o ‘Emergencia’ quedarían descartados. Se podrían quedar en el tintero, también, ‘Estás buenísimo’, ‘Tonta’ o ‘Salvaje‘.
Nathy Peluso acaba de visitar Argentina para cantar en directo otra de sus colaboraciones, ‘Gato Malo’ con Karol G, durante el paso del ‘Mañana Será Bonito Tour’ por Buenos Aires.
El undécimo álbum de estudio de Taylor Swift es un éxito comercial rotundo. La artista anunció ‘The Tortured Poets Department’ tras recibir el Grammy por su anterior disco y, desde entonces, poco más se sabía acerca de su nuevo proyecto. Pero la cantante guardaba una sorpresa mayúscula para el día de su lanzamiento: ‘The Tortured Poets Department’ es un álbum doble y las 16 canciones anunciadas en un principio forman parte de las 31 que lo componen en su totalidad. La obra completa recibe el nombre de ‘The Tortured Poets Department: The Anthology’.
Tras hacerse con la mayor semana de ventas de vinilos de la era moderna, haber logrado la semana más grande de streaming para cualquier disco en la historia, y con más de 2,6 millones de copias vendidas en su primera semana solo en Estados Unidos, ‘The Tortured Poets Department’ promete ser uno de los trabajos esenciales de la carrera de Taylor Swift. Sin embargo, ¿cuál será el gran clásico del álbum? ¿Qué canción redifinirá con el paso del tiempo lo que fue ‘The Tortured Poets Department’? Teniendo en cuenta las mixtas reacciones tras su lanzamiento, que denotan la complejidad de una obra de más de dos horas publicada en plena ola de TikTok y la inmediatez, la elección de algunos de sus mejores temas puede ayudar a encontrar un álbum más asequible y digerible que el que está en el mercado. Recorremos los más destacados al margen de ‘Fortnight’.
The Tortured Poets Department
No hay canción que sea tan Taylor Swift como la pista que da nombre al disco. ‘The Tortured Poets Department’ reúne todo lo que es la artista, desde sus emociones más honestas hasta sus letras más cursis. Solo ella podría haber basado la estética de toda la era en las máquinas de escribir para iniciar la canción preguntándose: «¿Quién usa acaso máquinas de escribir?». Swift es igual de consciente que los demás de lo pretencioso que es autodenominarse «poeta torturado», así que le da la vuelta a la narrativa y se reconoce como «idiota moderna». «Tú no eres Dylan Thomas, yo no soy Patti Smith», canta como si pusiera los ojos en blanco. Controvertidos versos como «Fumaste y luego te comiste siete barras de chocolate / Declaramos que Charlie Puth debería ser un artista más exitoso» logran dar la sensación de intimidad y de flujo de conciencia compartida, funcionando así como parte de una conversación que el resto no podríamos entender. El tema es la representación perfecta de lo que encontramos en el resto del disco, en el que Taylor Swift escribe sobre cómo ha perdido la cabeza y cómo el mundo celebra su locura.
So Long, London
Cualquiera que esté familiarizado con la discografía de la cantante conocerá la importancia de la quinta canción. «A medida que hacía álbumes, instintivamente ponía una canción honesta, emocional, vulnerable y personal como la quinta pista», confesó Swift en 2019 a raíz de que sus fans comenzaran dicha tradición sin que ella lo hubiera hecho de forma intencional. Ahora ni siquiera Swift es ajena a la relevancia de esa posición en su tracklist. A la altura de joyas anteriores como ‘my tears ricochet’ o ‘You’re on Your Own, Kid’, la artista hace de ‘So Long, London’ uno de sus temas más devastadores, inquietantes y asombrosos. La introducción simula las campanadas de una iglesia para, a continuación, dar paso a una batería que se repite durante toda la canción como si de un latido acelerado se tratase. «Y dices que abandoné el barco, pero me hundía con él», canta haciendo referencia a su fallida relación de más de seis años. «Juraste que me amabas, pero ¿dónde estaban las pistas? / Morí en el altar esperando las pruebas».
But Daddy I Love Him
Los casi seis minutos de duración de ‘But Daddy I Love Him’ hacen que la canción se encuentre entre las cinco más largas de la carrera de Taylor Swift, uniéndose a los himnos ‘All Too Well’, ‘Dear John’, ‘Last Kiss’ y ‘Enchanted’. Todos estos temas coinciden en algo: están llenos de storytelling, regalan algunas de las mejores letras de la cantante y se permiten el tiempo suficiente para llegar a su culmen en un puente colosal. Empleando un sonido que recuerda a su etapa country, Swift se enfrenta a quienes la criticaron por tener una aventura con alguien que estaba «cancelado» en algunos lares de Internet. Lo hace dejándose inspirar por ‘La Sirenita’, de donde toma el título, pues es lo que Ariel le grita a su padre, el rey Tritón, mientras le suplica que acepte su romance con el príncipe Eric: «¡Pero, papá, lo amo!». La autora juega con las reacciones del oyente durante el estribillo y rompe la cuarta pared reclamando libertad para enamorarse de quien quiera («Estoy embarazada de él / Bueno, no lo estoy, pero tendríais que haber visto vuestra cara»), independientemente de si la gente considera o no adecuada la relación.
Guilty as Sin?
Algo recurrente en los discos de Taylor Swift es que alguna canción explore el sonido de los próximos trabajos de la artista. En ‘The Tortured Poets Department’, esa canción podría ser ‘Guilty as Sin?’. Repleta de batería y panderetas, el tema destaca las habilidades de la cantante dentro del rock alternativo, dejando constancia de lo atractiva que sería una desviación hacia este género en futuros álbumes. En ‘Guilty as Sin?’, Swift llega a la conclusión de que su relación está estancada y se entretiene con la idea de tener algo con otra persona. «¿Tengo permitido llorar?», se pregunta por anhelar a alguien que no es su pareja pese a estar ya comprometida a otro chico. El tema muestra algunas de sus letras más picantes: «Estas fantasías fatales, que dan paso a una respiración entrecortada, se apoderan de mí / Ya lo hemos hecho en mi cabeza». Además, también hace referencia a ‘The Downtown Lights’ de The Blue Nile, cuya vibra de la canción claramente inspira la melodía de esta.
I Can Do It With A Broken Heart
El pop más pegajoso de discos como ‘1989’ o ‘Lover’ aparece en la divertida (y también triste) ‘I Can Do It With A Broken Heart’, en la que Taylor Swift hace varios puntos con respecto a ‘The Tortured Poets Department’. El primero de ellos, que tiene un talento innato para crear bangers; el segundo, que ahora no los hace porque no quiere. La cantante está mucho más interesada en construir una atmófera que deje todo el protagonismo a su composición, jugando así en una liga diferente a la del resto de compañeros mainstream. Sin embargo, es imposible tratar de alejarse de los bangers en mitad de la gira más taquillera de todos los tiempos. «Puedo leerte la mente / ‘Ella está teniendo el mejor momento de su vida’», comienza en ‘I Can Do It With A Broken Heart’. Consciente de sí misma, abraza la producción más alocada de todo el disco y crea con los ojos cerrados el tema más pegadizo. «Estoy tan deprimida que actúo como si fuera mi cumpleaños todos los días», canta la artista sabiendo que el verso acabará en muchas biografías de Twitter. «Sabes que eres buena cuando puedes hacerlo con el corazón roto», dice en alusión al The Eras Tour. Pero la frase más graciosa se trate quizás de «Lloro mucho pero soy muy productiva», fanfarronenando del disco de 31 canciones que acaba de publicar.
Who’s Afraid of Little Old Me?
¿Cuántas veces ha sabido levantarse Taylor Swift? «Lo hago todo el tiempo», contesta ella misma en su clásico ‘Look What You Made Me Do’. Y razón no le falta. Ha sido demonizada por la prensa, la industria y el público durante toda su vida y, sin embargo, viene de ser considerada la persona del año. ¿Cómo alguien puede ser tan querido y tan odiado al mismo tiempo? «Así que escapo de la horca y vuelo sobre tu calle», canta Swift en ‘Who’s Afraid of Little Old Me?’, un sublime retrato de la imagen que los medios de comunicación han pintado de ella. «Era dócil y amable hasta que el circo de la fama me hizo cruel / ‘No os preocupéis, amigos, ya la hemos dejado sin dientes’ / ¿Quién le tiene miedo a la pobre de mí?», dice viéndose a sí misma como una creación dirigida por el éxito. Swift añade sarcasmo a la mofa que recibe de no ser «interesante como artista» y bromea con la idea de que a la gente solo le guste su música porque le pone drogas y no porque sea realmente buena. Para el final de la canción, ella nos advierte haber creado un monstruo: «Me enjaulaste y luego me llamaste loca / Soy lo que soy porque tú me entrenaste / Así que, ¿quién me tiene miedo?».
Clara Bow
Taylor Swift siempre ha reflexionado sobre el papel que tienen la artistas femeninas en la industria musical. Lo hizo en el pasado en la canción ‘The Lucky One’, en la que se sincera sobre lo aterradora que llega a ser la fama, y posteriormente en ‘Nothing New’, donde denuncia que la industria convierta en un juguete roto a las mujeres más populares para reemplazarlas por alguien más joven. En esta ocasión, Swift va más allá y pone en evidencia que la sociedad compare entre sí a las mujeres sin ser nunca capaz de verlas con identidad propia, exponiendo cómo ella y otras artistas influyentes han sido tratadas a lo largo de sus carreras. «Te pareces a Clara Bow», canta al inicio del tema aludiendo a la reconocida actriz de cine mudo considerada como la primera ‘It Girl’. Es probable que dicha afirmación la escuchara Stevie Nicks durante sus comienzos, a quien Swift menciona en la segunda estrofa («Te pareces a Stevie Nicks») en la que ahora es una comparativa consigo misma. Cuando al final canta «Te pareces a Taylor Swift», se lamenta de lo inevitable que es que la comparen con las nuevas artistas femeninas que están por llegar.
I Hate It Here
Es probable que este sea uno de los momentos de mayor desahogo dentro del álbum. La compositora olvida todo el escrutinio público que la rodea y se canta a sí misma el que es uno de sus temas más tristes y devastadoramente honestos. «Rápido, rápido, dime algo horrible», dice bajo el sonido de una guitarra que rasga a toda velocidad. «Como si fueras un poeta atrapado en el cuerpo de un chico que trabaja en finanzas». Taylor Swift ahonda en la idea de ser alguien más que la persona que le estás mostrando al mundo mientras abraza sus propios pensamientos. «Odio este lugar, así que me iré a jardines secretos en mi mente», canta en su desgarrador estribillo. Swift escribe en ‘I Hate It Here’ sobre cómo la mayoría de la gente tiene que ocultar sus pensamientos internos porque a la sociedad no le gusta la verdad, provocando que las personas tengan que mentir sobre sí mismas para encajar. La artista admite que de niña habría querido vivir en la década de 1830 (fecha esencial en el romanticismo inglés), pero recuerda el racismo y la carencia de derechos de las mujeres y acaricia el concepto de ser constantemente nostálgico por un tiempo pasado. ¿Alguna época fue realmente buena, o es solo tu cabeza ignorando la cruda realidad del ayer en el que quieres esconderte?
thanK you aIMee
Si las canciones de Taylor Swift han logrado conectar con tantísimas personas a lo largo de los años es porque la cantante ha construido todo un universo en torno a su música. Hay héroes, villanos, personajes habituales y tramas en desarrollo. Temas como ‘thanK you aIMee’, pese a que rescaten disputas pasadas, ayudan a completar todo este universo narrativo. El nombre de la destinataria de la canción se encuentra escondido en las mayúsculas del título, tratándose de una de las veces en las que Swift ha sido más evidente con respecto la persona a la que se dirige. Como si todavía quedaran dudas de que Aimee no se llama realmente Aimee, la artista se lo pasa de maravilla siendo más explícita e irónica que nunca: «No creo que hayas cambiado mucho, así que he cambiado tu nombre y cualquier pista demasiado obvia». Swift agradece a Aimee todo el drama que precedió a ‘reputation’, recordándole que aquello la ha ayudado a ser la superestrella más poderosa del planeta. «Y algún día, tu hija volverá a casa cantando una canción que solo nosotras dos sabremos que es sobre ti», se ríe. La cuenta atrás para ‘reputation (Taylor’s Version)’ ya ha comenzado.
Peter
«Intenté cambiar el final / Peter perdiendo a Wendy», canta Taylor Swift en ‘cardigan’, uno de sus grandes clásicos. Pero la artista ha quedado tan cautivada con la historia de Peter Pan que ha decidido dedicarle toda una canción en ‘The Tortured Poets Department’, usando el mítico cuento para plasmar su propia experiencia. El resultado es exquisito, creando una balada extraordinaria en la que demuestra que sus letras son letales cuando se combinan con el piano. A diferencia de aquel tema de ‘folklore’, Swift aquí desvela que Peter no solo perdió a Wendy, sino que Wendy también perdió a Peter. «Dijiste que ibas a crecer, y que luego vendrías a buscarme», narra Wendy hasta perder la esperanza y rendirse. Ella lo pierde. «La mujer que se sienta junto a la ventana ha apagado la luz», confiesa después de que Peter nunca cumpliera su promesa, dejándolo sin opciones de alcanzarla. Él la pierde. Sin embargo, pese a la tragedia y la tortura, un verso de la canción resuena sobre todo el álbum: «Ambos lo hicimos lo mejor que pudimos bajo la misma luna en diferentes galaxias».
Desde el pasado mes de febrero la música de Universal Music Group no está disponible en TikTok. En su propósito de obtener una «compensación justa para los artistas y compositores, la protección ante los efectos dañinos de la Inteligencia Artificial, y la seguridad online para los usuarios de TikTok», Universal había decidido no renovar su contrato con TikTok.
De esta manera, la música de los artistas más populares del mundo, como Taylor Swift, Bad Bunny o Ariana Grande, ya no podía usarse en vídeos de la plataforma china, de manera dramática, pues TikTok ha sido crucial en la popularización de numerosos artistas mainstream e independientes desde hace años. Algunos usuarios encontraban atajos subiendo versiones aceleradas o ralentizadas, pero las canciones oficiales no estarían disponibles hasta nuevo aviso.
Ese aviso ha llegado finalmente hoy. Universal Music Group y TikTok han alcanzado un nuevo acuerdo editorial que devuelve la música de Universal Music Group a la plataforma. De acuerdo con la nota de prensa oficial publicada por Universal, este acuerdo «multidimensional» asegura una mejor compensación para la «familia global de Universal Music Group», en específico para artistas, compositores y sellos discográficos.
Lucian Grainge, CEO de Universal Music Group, ha declarado que «esta nueva etapa con TikTok se enfoca en el valor de la música, la importancia del arte humano y el bienestar de la comunidad creativa». Por su parte, TikTok se beneficia de recuperar a la plataforma la música más codiciada del planeta.
Una primera pista del nuevo acuerdo entre Universal Music Group y TikTok la había dado Taylor Swift, cuyo catálogo musical se volvió a subir a la red social poco antes del lanzamiento de su nuevo disco, ‘The Tortured Poets Department‘. Un acuerdo entre artista y plataforma que la propia Taylor Swift habría aprobado por su cuenta, dado que ella es dueña de sus másters.
Barei, conocida por su paso por Eurovisión 2016 con la fantástica ‘Say Yay’, se encuentra preparando el lanzamiento de su próximo disco, que saldrá a finales de 2024, en diciembre, según la artista. Por el camino irán saliendo singles, «cada mes o mes y medio», y dos de ellos ya están disponibles. Ambos comparten espíritu sintético, aunque en el fondo son canciones diferentes.
‘¡Cómo dolisteis!’, el primero de estos dos adelantos publicados, es un medio tiempo de pop, R&B y electrónica escrito en el estilo de la primera FKA twigs. La influencia puede haber sido intencionada o casual, pero el ánimo experimental está ahí, y la composición -dedicada al dolor de un amor- funciona especialmente en su conjugación de ritmos vagamente caribeños y dramáticas cuerdas filtradas.
Menos robotizado, pero más bailable, es el segundo adelanto de este próximo álbum de Barei. De llamativo título, ‘Me la lías’, el tema se entrega a la pista de baile desde la contención. ‘Me la lías’ emprende desde su inicio un «in crescendo» que a lo largo de su minutaje no hace otra cosa que crecer, sin llegar nunca a explotar. Barei renuncia al «drop» y optar por tensar la canción al límite… y es cuando la entrada de un arreglo de cuerdas alivia la presión.
En este viaje al club -de la mano de la distribuidora OneRPM– que propone ‘Me la lías’, Barei agrega el curioso sonido del «tick tack» del reloj, y sobre todo, se entrega en el aspecto vocal ofreciendo una de sus mejores interpretaciones.
El «in crescendo» de ‘Me la lías’ se traslada, efectivamente, a la actuación vocal: Barei empieza cantando de manera controlada y termina completamente desatada. Por el camino ha pasado de un vibrato exquisito, a un registro áspero y rockero que hace «crecer» la canción más si cabe. Cuando canta «puede que volemos alto, puede que caigamos más», te la crees.
Antorchas Festival, que se celebra del 20 al 22 de junio en el Recinto Ferial de Albacete, ha revelado su cartel por días. Amaral, Vetusta Morla, La Casa Azul o Dorian se encuentran entre los cabezas de cartel confirmados en el festival manchego, que en 2024 llega a su tercera edición.
El jueves 20 de junio, Antorchas Festival celebrará el Concurso de Música Moderna: Memorial Alberto Cano, que busca servir de escaparate para las bandas emergentes locales de Albacete. El acceso es libre.
Seis bandas competirán por llevarse el premio de 5.000 euros para la producción de un disco, mientras que otros premios incluyen sumas en efectivo para los finalistas y premios especiales para la mejor canción y el mejor instrumentista. Además, se otorgará un premio especial joven a un grupo con miembros mayoritariamente jóvenes. Ciudad Jara será la banda invitada en esta jornada inaugural. Las bandas actuarán el día 22 de junio.
Encabeza el cartel del viernes 21 de junio Vetusta Morla, en su última gira antes de tomarse un descanso. La Casa Azul, Rayden, Delaporte y Niña Polaca figuran también en la programación, así como Jacobo Serra, Señor Aliaga, For Your Information, Maciá, Don Fluor y Bita.
Finalmente, el sábado 22 será el turno de Amaral, Dorian e Immaculate Fools. Comparten cartel con ellos El Columpio Asesino, Los Zigarros, We Are Not DJ’s, Yo Soy Ratón, Modesto Colorado, Pálida Tez y Siezu. Las entradas para Antorchas Festival siguen disponibles en la web del festival.
El 21 y 22 de junio, Antorchas Festival celebrará, por otro lado, su evento paralelo gastronómico, reservado a 300 asistentes. La programación de Gastroexperience cuenta con la presencia de chefs de renombre como Fran Martínez y la actuación de la bailarina Olga Pericet.
Sixpence None The Richer, la banda estadounidense autora del éxito ‘Kiss Me’, una de las canciones alternativas más emblemáticas de los años 90, ha anunciado recientemente su regreso al estudio y a los escenarios, además, en su formación original, pues el batería Dale Baker, que abandonó Sixpence None the Richer en 2001, se ha vuelto a integrar a la banda, como se anunció el pasado mes de enero.
Así, en un vídeo subido a TikTok, la vocalista Leigh Nash había anunciado hace unas semanas el gran regreso de Sixpence None the Richer «después de veintitrés años», a pesar de que, después de 2001, el grupo siguió publicando nuevo material sin Dale Baker a las baquetas.
En el mismo vídeo, en el que Nash aparece en el estudio acompañada de los otros dos integrantes de Sixpence None the Richer, Matt Slocum (guitarrista) y Justin Cary (bajo), y de Armand John Petri, primer productor de la banda, sentado a los mandos, Nash confirma que Sixpence None the Richer está grabando nuevo material y que se encuentra planeando una nueva gira.
Curiosamente, Sixpence None the Richer vive estos días su propio viral en TikTok con ‘Kiss Me’, confirma Stereogum. Su nostálgico sonido está dando vueltas en la red social, probablemente porque no son pocos quienes han recordado su evocadora melodía escuchando uno de los nuevos temas de Taylor Swift, ‘So High School’. Taylor Swift, antes de todo esto, había declarado que ‘Kiss Me’ es la primera canción que aprendió a tocar en la guitarra.
Allanando el terreno para su vuelta, Sixpence None the Richer acaba de reeditar, este mes de febrero, su debut homónimo, incluyendo el tema antes inédito ‘The Tide’.
Justice ha planteado su nuevo disco en torno al concepto de dos partes que chocan. En ‘Hyperdrama’ conviven “disco” y “electro” pero “no de manera pacífica”. “Nos gusta la idea de que se peleen un poco por recibir atención”. Cuando escuchas el disco descubres que es mejor de lo que parece, y que las sutiles novedades que Gaspard Augé y Xavier de Rosnay agregan a su sonido, valen la pena.
El choque de estilos es evidente en el single ‘Incognito’, un chute de adrenalina que pasa del soft-rock al electro y al disco sin mezclarlos, y que, al final, se transforma en un cohete hacia el espacio. La producción es un espectáculo, pero es asombrosa en todo el disco, de principio a fin, y los detalles lo hacen especialmente interesante.
Ahí está por ejemplo, la excitante ‘Dear Alan’, que, inspirada en los coros y bajos del ‘Intro’ de Alan Braxe, icono del French Touch, además, contiene un inspirado sample de Chris Rainbow. O ‘Generator’, otro de los singles, que pone el “drama” en el disco sonando más gótica que el castillo de Elvira. O ‘Mannequin Love’, que, con sus ecos a Erasure y a Moroder, hace sonar a los Flints como si fueran Tame Impala.
Luego están los bangers y precisamente Kevin Parker aparece en dos de ellos. ‘Neverender’ abre el álbum sonando directamente a clásico con una melodía estupenda y unos bajos de funk que harían vibrar hasta a un muerto. Y ‘One Night/All Night’ es el mejor ejemplo de ese duelo de titanes que plantea Justice en este nuevo trabajo, una apabullante ráfaga de electro y disco que te derriba con su fuerza sin remedio. Es su mayor éxito en muchos años.
Los nostálgicos echarán de menos la “frescura” de la etapa inicial de Justice. Por contra, lo que ofrece ‘Hyperdrama’ es una evolución de su sonido y la mejor producción de su carrera. En ‘Afterimage’ se agarran a un riff como clavo ardiendo y facturan una absoluta catedral sonora y las ideas excitantes del disco se van sucediendo con la compañía de Miguel en ‘Saturnine’, llena de sonidos de videojuego, o con Thundercat en la galática ‘The End’, donde melodía y bajo hacen chispas. Es un mito eso de que Justice ya no mola: el grupo suena mejor que nunca.
Un travelling contrapicado va pausadamente recorriendo un bosque helado, la música inquietante alarma de que algo truculento puede suceder en cualquier momento, pero no hay ninguna pista que indique que esto sea cierto. La secuencia acompaña a los créditos iniciales y sirve como carta de presentación de una película que se niega a ser únicamente una cosa.
En ‘El mal no existe’ -Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia- Ryusuke Hamaguchi parece huir voluntariamente de ese halo de “gran obra” que recorría ‘Drive My Car’ para adentrarse en una historia mucho más pequeña y minimalista cuyas intenciones narrativas van cambiando conforme avanza.
La película se sitúa en un pequeño pueblo a tan solo unas horas de Tokio donde viven tranquilamente Takumi y su hija pequeña. Su vida sencilla contrasta brutalmente con la de la gran ciudad, de donde llega una poderosa empresa que quiere instalar un glamping para escapadas rurales en la zona. Los habitantes se dan cuenta de que la compañía no está correctamente informada de las consecuencias que la construcción de este nuevo espacio supondría, por lo que se oponen a ello.
En una de las secuencias más importantes de la película, dos trabajadores de la empresa de Tokio exponen a los habitantes del pueblo su idea de construcción. Hamaguchi filma la asamblea con todo lujo de detalles, sin ahorrar al espectador ni un minuto de debate, alargando considerablemente la escena. Algo que no debería sorprender a nadie que esté familiarizado con su filmografía, ya que al cineasta siempre le ha interesado dilatar secuencias aparentemente anodinas para extraer de ellas toda la información necesaria para provocar reflexiones en los espectadores. Ejemplos de ello lo encontramos en el segundo relato de ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ o en esa larguísima clase de yoga dentro de las cinco horas y media que dura ‘Happy Hour’.
En ‘El mal no existe’, Hamaguchi abre espacio para la reflexión sobre el impacto negativo de las ciudades en el medioambiente, acercándose a sus protagonistas con sumo respeto y también con cierta distancia. Bajo un ritmo decididamente sosegado, el cineasta compone paulatinamente un relato que vira y evoluciona de una manera tan orgánica que sus engranajes narrativos son prácticamente imperceptibles. Es por ello que las sorpresas que se guarda bajo la manga resultan tan efectivas, especialmente a nivel discursivo.
Tratándose en todo momento de una película algo menor, es difícil no reconocerle sus momentos brillantes. Incluso si durante gran parte del metraje no aparece el mejor Hamaguchi, los últimos minutos son una excepcional muestra de su inteligencia como cineasta, haciendo de ‘El mal no existe’ una obra tan esquiva y árida como, en ocasiones, fascinante sobre la moralidad y todas las complejidades de aquello que nos hace humanos.
Cometa es un grupo de Madrid que se está dando a conocer gracias a su estética sesentera y melodías atemporales. Se podría decir que, si se mezclaran los estribillos del pop español de los 60 -aquel que competía en Eurovisión- con las guitarras del rock n’ roll, saldría la música de Cometa. O lo que es lo mismo: Cometa suena a Los Bravos pero en el siglo XXI.
Su single de debut, ‘No creo en el amor’, ya puso las cartas sobre la mesa, y el cuarteto formado por Jimmy, Gonzalo, Pablo y Daniel ha seguido publicando en el último año canciones igual de redondas. Algunas están incluidas en su EP de 2023, ‘Sírvase usted mismo’. La estética española de los sesenta y setenta está tremendamente presente en su repertorio y sonido. Pero hay una línea de ambición en melodía, estructura y producción en ‘Bulería espacial’ -por ejemplo- que distancia a Cometa de otros proyectos similares.
La unión de guitarrazos noventeros y armonías «pa pa pa» a lo Beach Boys está tan cuidada como su cita a Camarón de la Isla, en ‘Bulería espacial’. Después, la composición de ‘Ínvitame a bailar’ es prácticamente una adaptación libre de ‘Girls Just Wanna Have Fun’ de Cyndi Lauper. La referencia es obvia, pero Cometa hace con ella lo que le da la gana.
Son temas, los de Cometa, cuidados en todos los frentes: melodías, producción, interpretación, arreglos. Todo suena medido y mimado. También en su último single, ‘Todo por ti’, una de sus composiciones más directas hasta la fecha. Y ya es decir.
En ‘Todo por ti’ las influencias de Cometa se fusionan en una composición que se acerca a la perfección. La energía de Los Bravos, las armonías de los Beach Boys y el saltarían piano tan Chuck Berry que va apareciendo a lo largo de la grabación, funcionan al servicio de una melodía vocal pletórica que podría haber sido usada de sintonía de una serie de televisión en otra época. Es un sonido que, en el plano internacional, también los Lemon Twigs están recuperando valiéndose de canciones excelentes. Cometa parece a todas luces su respuesta española, sin que eso reste frescura a su propuesta.
Raffaella Carrá nos dejó en 2021. Y no es un tópico decir que su música nos acompañará para siempre. Ahora mismo la cantante está de actualidad porque se han publicado un par de libros sobre ella. Uno en la prestigiosa editorial Blackie Books. Y otro en la prestigiosa editorial Dos Bigotes.
Pero sobre todo porque está protagonizando uno de los virales del momento, y no gracias a Pedro Sánchez (el presidente, uno de los autores de estos libros se llama Pedro Ángel Sánchez). Antes de que las Juventudes Socialistas trataran de apropiarse de la canción para pedir al Secretario General del PSOE que no dimitiera como Presidente del Gobierno, ‘Pedro’ ya había pasado 2 semanas en la lista oficial de singles en España. ‘Pedro’ de Raffaella Carrá es actualmente top 20 en nuestro país, gracias a un meme.
El origen del viral es el tiktoker ruso Fleksa30, quien compartió un montaje de su mascota Ginger, sobre una base de techno. De alguna manera la red lo ha rebautizado como Pedro. DJ Jaxomy & Agatino Romero son los responsables de añadir la base techno a ‘Pedro’, en sintonía con el meme original. El remix se ha subido de manera oficial a plataformas de streaming después de que los herederos de Carrà dieran su aprobación. O quizá sus autores o responsables editoriales, entre ellos el español Luis Gómez-Escolar, también autor de ‘Fiesta’ de la Carrà, ‘Sálvame’ de Bibiana Fernández, ‘Agapimú’ de Ana Belén y varios de los primeros hits de Miguel Bosé (‘Linda’) y Ricky Martin (‘María’, ‘Livin’ La Vida Loca’). Quiero ser la cuenta bancaria de esta persona.
Lo curioso es que ni España ni Italia están siendo fundamentales en el desarrollo de este éxito. Los países que más apoyaron a Raffaella Carrá en vida están siendo más tímidos en su entusiasmo por ‘Pedro’, quizá porque ya conocíamos aquella historia de una turista que se deja acompañar de un hombre «poco decente» llamado así.
Lo sorprendente es que actualmente encontramos el remix de ‘Pedro’ en el puesto 4 en Spotify Alemania, en el puesto 8 de Holanda, en el puesto 11 de Polonia o en el puesto 17 de Suecia. También Francia, México y Australia están sucumbiendo al nuevo remix de ‘Pedro’. De esta manera, encontramos ‘Pedro’ en el top 30 del Global de Spotify, sumando 60 millones de streams, más 2 nuevos diarios. Triplica al mayor éxito histórico de Raffaella Carrá.
Tradicionalmente, la música de Raffaella Carrá no había traspasado tantas fronteras. Únicamente ‘Do It Do It Again’ había llegado al puesto 9 en 1978 en Reino Unido. Ahora, este remix está en el puesto 67 de las listas oficiales de Reino Unido, y subiendo. Playlists masivas de Spotify como Dance Party, Gym Hits o Mint la han abrazado. La broma parece no haber tocado techo y no hay que ser un lince para darse cuenta de que va a ser una de las canciones del verano, como mínimo en Europa.
Este viernes se publica ‘Conducción temeraria’, el segundo de Alizzz, que le consolidará como solista tras el pelotazo de ‘Tiene que haber algo más‘, al margen de su trabajo junto a C. Tangana o Amaia. Será nuestro Disco de la Semana. Ya hemos conocido la formidable ‘Despertar’ con Maria Arnal, esa ‘Carretera perdida’ que casi da título al álbum, y ahora es el turno de ‘Dónde estás’. Nuestra Canción del Día hoy se ha dado a conocer de un modo muy particular.
Antes de que el tema llegue a las plataformas de streaming al modo tradicional, ‘Dónde estás’ se ha estrenado en exclusiva en Filmin a través de un videoclip dirigido por Félix Bollaín, quien hizo ‘Ya no vales’ del álbum anterior o ‘Sana Sana’ de Nathy Peluso.
El vídeo es bastante literal respecto a lo que nos cuenta la letra, presentando a Alizzz perdido entre la multitud, buscando a su chica. Con dificultades para encontrarla o conectar con ella. El vídeo se ha concebido como «un particular homenaje al cine que inspira a Alizzz: desde Cronenberg hasta Haneke pasando por David Lynch. Además, Filmin presenta un canal con las pelis favoritas del cantante y productor.
‘Dónde estás’ es otro tema que, como tantos otros de Alizzz en solitario, bascula entre el rock y la electrónica. Pueden recordar a los primeros Radiohead las guitarras, o nos debe de estar traicionando el subconsciente por la conexión que este vídeo pueda tener con el de ‘Just’. Un entorno urbano marcado por la hiperactividad capitalista.
Pero estamos en este caso ante una canción de amor, con otra de las marcas de la casa: la cotidianidad y el lenguaje coloquial. «¿Tienes cash?» rima con “No te muevas que ahora voy para allá”, entre otras frases de búsqueda como «te veo y desapareces».
Alizzz será el próximo invitado de nuestro podcast Revelación o Timo. Podréis escucharlo ya la semana que viene. Recordad que podréis ver a Alizzz este verano en festivales como el madrileño Tomavistas, que se celebra este mismo mes de mayo con cabezas de cartel como The Blaze, Phoenix, Belle & Sebastian y Los Planetas tocando ‘Súper 8’.
Hace un par de meses, Christina Rosenvinge visitó REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, para hablarnos sobre su disco ‘Los versos sáficos‘. Lamentablemente, hubo un problema técnico con la grabación y pese a nuestros esfuerzos con una empresa informática para recuperar el archivo de 1 giga con la conversación, solo pudimos recuperar «fragmentos». La artista ha tenido el detalle de volver a visitar nuestro estudio para volver a tener una conversación parecida en algunos puntos, y diferente en otros. Volvemos a hablar de su interés por la causa LGTB+, el feminismo y la sororidad, altamente presente en esta obra. Pero también hablamos de su amistad con Sonic Youth, del momento en que decidió no dedicarse al cine o de la edad.
Respecto al origen del disco ‘Los versos sáficos’, con el que ha querido traer a Safo a la modernidad, indica: «Ha sido muy divertido este trabajo. Ha tenido algo de arqueología porque yo no sabía mucho de Safo cuando me ofrecieron hacer una obra de teatro en Mérida. Me dijeron que se me tenía que ocurrir algo. Como los poemas de Safo eran cantados, quisimos devolverla a su terreno natural, que es la música. Hicimos un equipo con Marta Pazos, María Folguera y lo estuvimos representando durante un año, con un elenco de mujeres. Cuando se acababa la obra, siempre nos preguntaban por las canciones, así que las grabamos y ahora estamos girando con el disco».
Son, eso sí, versiones diferentes: «En la obra, las canciones no las cantaba yo, o eran otras versiones, o estaban partidas. Estaban al servicio de la dramaturgia. Además, en la obra de teatro no lucía realmente el trabajo de encaje de textos y de adaptación que yo había hecho, que ha sido muy bonito. Últimamente me he dado cuenta de que me gusta mucho este tipo de trabajos. Ya lo había hecho con Ovidio. Y es algo a lo que voy a volver de vez en cuando».
Precisamente recordamos que un tema de hace casi 15 años de Christina Rosenvinge, ya había tenido esa inspiración, resultando en una de sus obras maestras: «‘Canción del Eco’ es una adaptación de la ‘Metamorfosis’ de Ovidio, que es un libro maravilloso para pasar un desamor porque en él todo el mundo está enamorado y pasándolo fatal. O salidísimo y sin conseguir follar con quien quiere. Es un libro que da para cien mil canciones. Para mí es como los Smiths de su tiempo. Es muy Morrissey todo. Muy pasional».
La artista explica que a diferencia de lo que hizo Rufus Wainwright con Shakespeare o Serrat con Machado, los textos de Safo nos han llegado solo en parte y mutilados por el tiempo. De ahí, por ejemplo, la estructura de la canción ‘Fragmentos’ o la libertad de algunas canciones del álbum. Un par son incluso post-Mérida.
En relación al sexo en Safo, añade: «Safo habla de amor lésbico, de amor disfrutón, de sexo en la era pre-cristiana. Una vez que se instaura el monoteísmo, no solo el cristianismo, esta forma de libertad del cuerpo está muy mal vista. Incluso Grecia es una sociedad patriarcal, pero la Isla de Lesbos es como la Ibiza de la época. No era Atenas, no era Esparta, no había ejército. Era un sitio mucho más libre y sensual. Por eso se dio ese milagro».
Añade: «En Grecia no se hablaba de homosexualidad, ni de bisexualidad. Para los griegos, la sexualidad era una. Todos eran bisexuales». Preguntada sobre si estamos volviendo ahí de alguna manera, responde: «Estamos volviendo a eso, un poco. Pero a ver… En el mundo en que vivimos están también las fuerzas más oscuras funcionando al mismo tiempo. Hay una ola de reacción muy violenta. Todo lo que está pasando en Estados Unidos acaba pasando aquí, o sea que más vale que estemos pendientes. El derecho al aborto se está restringiendo y se sacan historias de homosexualidad de los libros de los niños del colegio. Está la política «don’t say gay», o sea, no hables de ello».
«Todo lo que está pasando en Estados Unidos acaba pasando aquí, o sea que más vale que estemos pendientes»
En otros puntos de la charla, Rosenvinge nos cuenta que considera sus grandes obras maestras canciones que hablan de su padre, un hombre de derechas complicado que le inculcó el amor por el flamenco (‘Romance de la Plata’) o de sus hijos (‘Flor entre la vía’). Lo que nos sirve para hablar de educación y anti-paternalismo: «Lo único que puedes hacer es dar a tus hijos buena base, buenas raíces, para que aprendan a salir ellos solos de los sitios. Pero es muy difícil».
O también de vejez: en contra del relato que se intentó construir, Safo no se suicidó, de joven, por amor y por un tío, sino que habla en sus escritos de su salud, de pelo blanco, de envejecer. Dice Rosenvinge: «Desde mi edad avanzada de 59, casi 60 años, os digo que no os tenéis que angustiar por los años que vais a cumplir, porque en realidad las cosas cambian muy poco. Mi persona ahora mismo se parece mucho a la de 30. A poco que te cuides un poquito el cuerpo, tu cabeza no cambia tanto. Tu percepción del mundo no cambia tanto. Le tenemos un terror a los cumpleaños que es absurdo». La artista nos indica que se cuida desde los 20 por cuestiones de salud, acude a clases de pilates o desayuna de manera saludable, tomando semillas.
Como curiosidad, nos recuerda que Julio Medem quiso que hiciera ‘Vacas’ en lugar de Emma Suárez, cuando esta se bajaba del carro. «Pero yo tenía fecha para grabar ‘Que me parta un rayo’ y no quería empezar la carrera de actriz. No quería no hacer bien ni una cosa ni la otra. Quería tomar la iniciativa yo, no depender de otros. No quería estar en casa esperando a que me llamaran otros», como sucede en el mundo del cine.
Finalmente le agradecemos su discurso habitual sobre «el corsé que implica ser hombre«: «Es parte del discurso feminista. Entender el feminismo como una ideología cerrada que solo defiende a las mujeres es incorrecto. Es destruir una sociedad patriarcal donde las mujeres están sometidas, pero también los hombres están sometidos a un arquetipo que no tiene nada que ver con su verdadera naturaleza. O que no encaja con la mayoría de los hombres. Me extraña que no haya una mayor rebelión por parte de los hombres, no solo de los gays. Lo que no entiendo es cómo los hombres heteros no ven las ventajas que da el feminismo para su día a día. Por ejemplo, en una familia feminista, cuando un hombre se queda en paro, su dignidad masculina no está menoscabada».
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