En 2014, Linkin Park editó ‘The Hunting Party’, un disco de rock puntiagudo y agresivo en el que colaboraron integrantes de Rage Against the Machine y System of a Down y que contenía temas directamente punk como ‘War’. El objetivo del grupo con este disco era criticar a grupos de rock actuales que no arriesgan. Ya se sabe que el rock, como sus fans, puede ser muy conservador.
Pero el caso de Linkin Park es distinto. Permanecer en su zona de confort no es algo que pueda achacársele al grupo: antes de ‘The Hunting Party’, el grupo llevaba años suavizando su sonido para la radiofórmula (con excepciones tipo ‘The Catalyst’), y después de su «vuelta a las raíces», el grupo de California vuelve con nuevo disco, ‘One More Light’, que se adelanta con los dos singles más poperos de su carrera, ‘Heavy’ y ‘Battle Symphony’, estrenado esta semana. Definitivamente, esto sí es arriesgar.
En realidad, los nuevos singles de Linkin Park no son tan pop: sí, ‘Heavy’ con Kiiara es co-autoría de Julia Michaels y Justin Tranter (‘Sorry’ de Justin Bieber, ‘Hands to Myself’ de Selena, ‘Slumber Party’ de Britney), pero su melodía, como la de ‘Battle Symphony’, sigue sonando perfecta para acompañarse de guitarrazos eléctricos. No son melodías de Max Martin o Sia. Lo que sorprende de estos temas es su producción electrónica: si ‘Heavy’ tiene un fondo de R&B alternativo, ‘Battle Symphony’ comienza como una canción de P!nk… pero no contiene una sola guitarra. Todo sintetizadores. Eso sí, la producción suena mimada y con oído en los matices, mucho más de lo que puede decir últimamente Maroon 5 o la mismísima Sia.
El viraje hacia el pop de Linkin Park, que en los foros Popjustice han bautizado como «LINKINADE», en homenaje a ya sabéis qué disco; como era de esperar, ha dividido a sus fans, que se debaten entre aceptar el destino del grupo o condenarlo a la hoguera. Una fan en Twitter ha asumido que «Linkin Park es para el metal lo que daddy yankee es para la musica clasica» y otro seguidor entiende que lo que está haciendo el grupo es trolear a sus fans. Entre la confusión y la indignación, en Twitter también hay espacio para la admiración, con fans que siguen apoyando el grupo «después de una década de burlas».
Acabo de recordar que el otro dia estaba yo rageando por la vendida monumental que se ha hecho Coldplay pero poco se habla de Linkin Park pic.twitter.com/QRhXucQxMC
Clean Bandit protagoniza una de las novedades destacadas de este viernes con la publicación de su nuevo single, ‘Symphony’, una colaboración con Zara Larsson que promete igualar el éxito de ‘Rockabye’, el anterior single del grupo británico junto a Sean Paul y Anne-Marie, que sigue triunfando.
‘Symphony’ contiene los ingredientes idóneos para triunfar: no, no es tropical sino puramente dance, pero tiene una melodía grande, casi eurovisiva, una base que se propulsa con naturalidad y cierto fondo deep house que añade sofisticación al conjunto. Y la orquesta, seña de identidad de Clean Bandit, se despliega al servicio de una Zara Larsson que se entrega vocalmente con especial buen hacer.
‘Rockabye’ ha sido número 1 en media Europa y ha calado incluso en España, pero también acaba de llegar al top 10 de Estados Unidos, una hazaña al alcance de no tantos artistas británicos: ahora mismo solo a mano de Ed Sheeran y Adele. De hecho, el tema no solo ha llegado al top 10 sino que ha alcanzado el top 9, superando el dato de ‘Rather Be’.
Precisamente hoy se publica ‘So Good’, el álbum debut de Zara Larsson, que incluye singles conocidos como ‘Ain’t My Fault’ o el tema titular. Tiene cierta gracia escuchar el disco de Larsson y recordar que la joven cantante, en realidad, es sueca y no americana y que su primer single, ‘Lush Life’, tenía más que ver más con Clean Bandit que con Rihanna, por lo que su colaboración en ‘Symphony’ resulta completamente natural.
La reventa de entradas de conciertos es uno de los males mayores que preocupa a la industria musical en la actualidad. Recientemente, Joaquín Sabina anunciaba acciones legales contra plataformas que especulan con la venta de entradas y Alejandro Sanz creaba una Alianza Anti-Reventa para proteger a los compradores de los timos que suelen llevar a cabo este tipo de páginas web. ¿La última víctima de esta situación? Los fans de Emeli Sandé.
Informa NME que hasta 200 fans de Sandé, que se dice poco, se quedaron anoche a las puertas de su concierto en la famosa sala de conciertos Usher Hall de Edimburgo, Escocia cuando el equipo de seguridad del recinto descubrió que las entradas de estas personas eran fraudulentas. Daily Record señala que las entradas habían sido robadas de la taquilla de Usher Hall el pasado mes de febrero.
El ayuntamiento de Edimburgo, que administra Usher Hall, ha tenido que publicar un comunicado «lamentando» la situación y aconsejando a los fans de Sandé y de cualquier otro artista que «eviten comprar entradas de conciertos en webs secundarias» y opten por comprarlas directamente de la sala o desde páginas fiables. Una fan en Twitter, sin embargo, se pregunta por qué Ticketmaster dirigía a webs falsas desde su propia página web durante el proceso de compra de entradas para el concierto de Sandé.
La mismísima Santa Teresa de Bernini en su éxtasis divino protagoniza la portada de ‘Predación’, el nuevo disco de Pablo und Destruktion, que sale el 7 de abril. ‘Predación’ sucede a ‘Vigorexia emocional’, el notable tercer álbum del grupo, editado en 2015. Produce Paco Loco y edita Sonido Muchacho.
El primer adelanto de ‘Predación’ es ‘Puro y ligero’, una canción de seis minutos entre el blues-rock sureño y el «spaghetti western» en el que Pablo García lista cosas de las que se arrepiente o se ha arrepentido a lo largo de su vida… antes de desahogarse en un estribillo suplicante, casi raphaeliano, que eleva definitivamente la canción a la categoría de himno.
En nota de prensa, García describe las razones por las que ha compuesto ‘Predación’:
«Hice ‘Predación’ porque aún no me he atrevido a tratar de vivir aislado en mitad de los Picos de Europa, subsistiendo de la recolección y de la caza furtiva y supliendo mis carencias de minerales lamiendo las estalagmitas de las cuevas de la región.
Hice ‘Predación’ porque todavía no puedo vivir sin luz eléctrica, sin viajar, sin comer, sin follar, sin hablar, sin cantar, sin mirar el mail. Hice ‘Predación’ porque desde mi más tierna infancia siempre he tendido al delirio de gandaya y a tratar de encontrar una forma rotunda de significar el hecho de latir y recibir estímulos externos con muchas más frecuencia de la que me gustaría.
Hice ‘Predación’ porque quería compaginar esa sensación tan típica de la cornisa cantábrica con unas ritmos más sabrosos y guitarras fuzzeras que incluso remitieran a ambientes de fantasía sintética y sureña. Ellos lo llevan mejor.
Hice ‘Predación’ porque me ayudaron Ángel Kaplan con el bajo, Pibli con la batería, Alfonso Alfonso con la guitarra midi y Javier Bejarano con la gitarkua.
También hice ‘Predación’ porque Paco Loco lo grabó e hizo que me lo pasara muy bien y que casi olvidara que lo que tengo que hacer es aprender a vivir en mitad de los Picos de Europa y dejar que este fantástico mundo siga mostrando la mejor de sus sonrisas.
PD: La verdad es que también hice ‘Predación’ porque echaba de menos a Dios, a los muertos y al amor. Alguien tenía que hacer el trabajo sucio«.
«What’s eating you is a mistery». Lo que te come (en esta película por dentro y por fuera) es un misterio. Esto es lo que decía la canción de las reivindicables Long Blondes escogida por la directora Julia Ducournau para una de las escenas de su debut, ‘Crudo’, también conocida entre los amantes del terror como ‘Raw’ o ‘Grave’. Docournau demuestra un excelente gusto musical seleccionando también temas de The Dø, como el muy bien traído ‘Despair, Hangover & Ecstasy’, otro llamado «Más puta que todas las putas» de las jóvenes raperas francesas Orties, ‘It’s Getting Boring By the Sea’ de Blood Red Shoes o ‘Ma Che Freddo Fa’ de la cantante italiana de los años 60 Nada Malanima. ¿Qué tienen en común todas estas canciones? Que son interpretadas por mujeres y que saben añadir un puntazo de humor a esta cinta que, supuestamente, ha provocado desmayos en un pase de Toronto.
Olvidaos de los desmayos en países recónditos de gente que luego nunca aparece ni se sabe quién es. Hay un par de escenas en ‘Crudo’ que pueden herir sensibilidades, pero, pese al éxito de esta cinta en el Festival de Sitges -donde recibió varios galardones- o el madrileño Syfy, no es una película de terror. Si acudís a ella con sed de sangre y gore, tendréis vuestra racioncita (la escena de la depilación y el dedo forma parte de la historia), pero en general saldréis casi tan decepcionados como cuando fuisteis a ver visteis en vuestra plataforma favorita de cine online ‘Caníbal‘.
Por suerte, ‘Crudo’ es muchísimo mejor que aquella: cuela por temática en festivales de terror, pero la victoria de Julia Ducournau es muy diferente. La directora utiliza un escenario presto para una película de zombies y la estética y el trasfondo anti-bullying de ‘Carrie’ para hacer una reflexión más siglo XXI sobre el acoso escolar, reflejado en las salvajes novatadas de una facultad de Veterinaria; y sobre todo sobre el despertar del deseo sexual y del paso de la adolescencia a la vida adulta.
Caen de soslayo críticas a la educación tanto en el núcleo familiar como en el estudiantil. ¿De verdad pasan en las facultades de Francia de 2017 las cosas que aparecen en esta película? El uso de esa facultad de Veterinaria puede ser un truco muy de debutante (como el giro final) pero la verdad es que resulta el escenario perfecto para retratar el lado animalesco del ser humano (esa escena en la que los alumnos parecen ganado), la solidaridad de algunos con los animales pero no con nuestros iguales o las consecuencias de la represión.
‘Crudo’ también es una reivindicación del impulso sexual femenino. La directora parece querernos decir que a las mujeres también les gusta la sal, no solo las cupcakes, hasta el punto de ser capaces de llevarse lo que sea por delante para conseguir su plato. Incluso al personaje de Rabah Nait Oufella, guapo, gay y de origen argelino. ¿Pueden caber más lecturas? El humor de Julia Ducournau hila fino… 7,5.
El nuevo single de Feist es al fin uno de los estrenos de este viernes. ‘Pleasure’ es lo primero que podemos escuchar de ese disco que la cantante, una de las más queridas en el indiemainstream, prepara de cara al próximo 28 de abril. El disco también llamado ‘Pleasure’ llega nada menos que seis años después de ‘Metals‘, su álbum más arisco… hasta ahora.
La nueva canción comienza muy en voz baja para incorporar poco a poco una guitarra eléctrica cruda que solo nos puede recordar a la PJ Harvey de ‘Rid of Me’. Cuando pensabas que definitivamente la Feist de ‘1 2 3 4’ había muerto para siempre, la artista va construyendo un crescendo que incluye arrebatos de blues, pero también instrumentos de percusión y palmas. Termina de dar el contraste esa portada llena de flores, que llega a tiempo de celebrar la primavera, que comenzará justo esta semana.
Acompañan a Feist sus amigos habituales Chilly Gonzales, a punto de sacar álbum con Jarvis Cocker, Mocky y Renaud Letang, que en este tiempo ha trabajado con Bebe. Jarvis Cocker, de hecho, aparece en los créditos de uno de los temas nuevos de Feist, ‘Century’.
Feist publicó su primer disco en 1999, pero dio un pequeño salto a la fama con ‘Let It Die’ en 2004. Allí destacaban temazos como ‘Mushaboom’ o la versión de ‘Inside Out’ (Bee Gees). ‘The Reminder‘ terminó de darle el empujón hacia la popularidad gracias a la inclusión de la semiversión ‘1 2 3 4’ en un anuncio de Apple. Esta semana reivindicábamos 4 joyas perdidas de su carrera, una por álbum.
1. «Pleasure»
2. «I Wish I Didn’t Miss You»
3. «Get Not High, Get Not Low»
4. «Lost Dreams»
5. «Any Party»
6. «A Man Is Not His Song»
7. «The Wind»
8. «Century»
9. «Baby Be Simple»
10. «I’m Not Running Away»
11. «Young Up»
Seis años después de ‘Voyage‘, para nuestra redacción uno de los mejores discos de 2011, The Sound of Arrows han estrenado un tema nuevo. Se llama ‘Beautiful Life’ y la pregunta es si hace honor a su nombre.
El medio tiempo incluye cuerdas, coros y llamada a la paz, no puede sonar más celestial… ¿quizá demasiado? Entre sus referencias podrían estar los coetáneos Hurts, pero también grupos de los 80 como A-ha o Duran Duran, e incluso de los 90, como Take That. ¿No hay más de un momento en el que parece haber escrito esta canción Gary Barlow?
The Sound of Arrows siempre han sido grandes fans de las baladas y de hecho incorporaron a su repertorio circa 2011 una versión de ‘The Power of Love’, en España conocida como ‘Si tú eres mi hombre y yo tu mujer’. Incluso pinchando. Esto nos contaba Stefan Storm durante una entrevista hace unos años: «Mezclo varias cosas, la mayoría es uptempo, pero también puedo poner una gran balada si me apetece. La última vez que pinché solté ‘Try Sleeping with a Broken Heart‘ de Alicia Keys en mitad del set. Me encanta esta canción».
Esta noche, la radio inglesa ha estrenado ‘1 Night’, el nuevo single de Mura Masa con Charli XCX, que se presenta con esta portada tan ‘The Life of Pablo’. Ya está en Spotify.
‘1 Night’ es el nuevo adelanto del primer disco de Mura Masa, ‘To Fall Out of Love to’, que llega este año, aunque sigue sin fecha de edición. Se espera que el álbum incluya singles anteriores como ‘Love$ick’, en su versión actualizada con A$AP Rocky, estrenada en septiembre del año pasado; o las colaboraciones de Shura (‘Love for That’) y NAO (‘Firefly’), así como ‘What If I Go?’. Para escuchar más de la electrónica delicada y preciosista de Mura Masa os remitimos a su «mixtape» de 2014, ‘Soundtrack to a Death’, disponible en Spotify. El artista estará en el FIB.
La semana pasada ha sido Charli XCX quien ha publicado nueva «mixtape», ‘Number 1 Angel‘, que incluye temas destacados como ‘Roll with Me’ y ‘3AM (Pull Up)’, además de una curiosa colaboración con Uffie. Sí, la de ‘Pop the Glock’.
Hay una lanza que romper por Depeche Mode: por lo menos continúan editando nuevos discos. Ya nos hemos acostumbrado a ver a sus coetáneos The Cure venir una y otra vez de gira por su cuenta o apuntándose al festival de las exclusivas a golpe de talonario sin que se dignen a sacar material nuevo. El proyecto de Robert Smith editó disco religiosamente cada 4 años entre 1992 y 2008, pero entonces se detuvo el tiempo para ellos. Mientras, Depeche Mode han seguido adelante con el mismo ciclo y han sacado álbum también exactamente cada 4 años desde ‘Songs of Faith and Devotion’ en 1993.
Cada uno de sus últimos lanzamientos se ha proclamado de alguna forma (medios o corrientes de opinión entre los fans) como «el mejor disco de Depeche Mode desde…», y aquí había que añadir un álbum del grupo británico, en general ‘Ultra’, «Songs of» o ‘Violator’. ‘Playing the Angel’ (2005) era el «mejor disco del grupo desde ‘Violator’«. ‘Sounds of the Universe’ (2009) era «el mejor disco del grupo también desde ‘Violator’«. ‘Delta Machine’ fue proclamado por alguien «el mejor disco de su carrera«. Pero ninguno, ni siquiera ‘Playing the Angel’, a pesar del clásico ‘Precious’, hacía sombra a lo que todos sabemos. Y este álbum no es excepción: ya hay medios que lo señalan como «su mejor disco desde ‘Songs of Faith and Devotion'», pero no está nada claro que lo sea.
Lo único que es es el disco más político de Depeche Mode hasta la fecha. Cuenta Dave Gahan que ver a su hija «profundamente afectada» por la victoria de Donald Trump (viven en Estados Unidos) le impresionó mucho. Aunque en noviembre este disco estaba más que finiquitado, el malestar político obviamente es anterior y la anécdota sirve para que nos demos cuenta de cómo Gahan y Gore, con la edad, han dado importancia a cosas a las que antes no. A usar su voz para servir de portavoces generacionales. Ellos, que han sobrevivido a Reagan, Thatcher, Bush padre y Bush hijo, entre muchas otras cosas.
El feísta single ‘Where’s the Revolution‘ es una pregunta retórica hacia el pueblo, sus seguidores, quizá también ellos mismos, que encuentra una larga continuidad en las letras de este disco. ‘Spirit’ se abre con una ‘Going Backwards’ que proclama que «no hemos evolucionado», que «le damos la espalda a nuestra historia» y que «estamos cavando nuestra propia tumba». La acústica y reptante ‘The Worst Crime’ habla de la bondad inherente a las personas frente a la desinformación, de la justicia y de la acción. Y ‘Poorman’, de la maldad de las grandes empresas, cuyo beneficio va exclusivamente para ellas.
Tristemente, el grupo suena tan obvio en los textos como apuntan los mismos títulos de las canciones. Y tampoco ayuda que el fondo musical no sea precisamente «revolucionario» o consecuencia de una «gran evolución», dejando una vez más la idea de que ese conservadurismo que critican es practicado musicalmente por ellos mismos. Así que pese a alguna sorpresa en la producción, a cargo del siempre eficiente y versátil James Ford (Simian Mobile Disco, Florence, Arctic Monkeys), como los teclados que emergen en la inane y realmente boba ‘Scum’; lo bueno aquí está, donde siempre, en las canciones de amor, en las de baile y en las sexys.
Dave Gahan no ha perdido ni un ápice de carisma ni de sex appeal, y te convence enseguida de que ‘So Much Love’ tenía que haber sido realmente el single del disco. La sombra de ‘A Question of Time’, ‘Personal Jesus’, ‘I Feel You’ y puede que incluso ‘Dream On’ es alargada, pero la cadencia de la canción es la idónea para lo que se está contando. Gahan cita a Lennon en las entrevistas y quiere darle al tema un poso ambiguo «haz el amor y no la guerra», pero sólo hay una cosa que se te ocurre hacer a este ritmo y es lo primero.
El desarrollo instrumental de algunas canciones es, sin duda, también, parte de la gracia: hay que citar el desenlace de esa suerte de interludio que es ‘Eternal’, con un Martin L. Gore que en esta pista -y en la sentida ‘Fail’- parece directamente Horace Andy; el final de la canción de blues industrial marca de la casa ‘Poison Heart’; la recreación de un espacio cósmico conseguida por la -por momentos- casi kraut ‘Cover Me’ o la medio pasable ‘You Move’ (la canción sexy). Gracias a ellas, ‘Spirit’ no es en absoluto peor que ‘Delta Machine’ -personalmente lo prefiero con holgura, no habrá unanimidad en nuestra redacción, porque no hacen nada tan bueno como para que la haya-, pero sí es una nueva decepción para quien esperase un disco de Depeche Mode que les presentara con rotundidad frente a las nuevas generaciones. Para estas, continúa siendo no la mejor opción, sino la única, hacerse con una copia de ponerse ‘Music for the Masses’, ‘Violator’, ‘Black Celebration’. Al margen de su contenido político, terreno en el que no les auguramos demasiado futuro a tenor de la simpleza de su discurso, ofrece muy poca novedad: ‘Poorman’, por ejemplo, genera más que nada ganas de recuperar ‘Policy of Truth’.
Quizá dejaríamos de buscar «su mejor disco desde» si intentaran crear alguno con un poco más de identidad antes de retirarse como insinúan en ‘No More (This Is The Last Time)’. ¿Un disco abiertamente más acústico a lo Johnny Cash? ¿Uno abiertamente más blues-rock a lo Jack White meets Beyoncé? ¿Uno abiertamente más Young Fathers? ¿Uno con lo de siempre pero lleno de hitazos? ¿Uno que ni imaginemos?
Calificación: 6,2/10 Lo mejor: ‘So Much Love’, ‘Poison Heart’, ‘Cover Me’, ‘Fail’. Y ojo al CD2 con remixes: ni tan mal. Te gustará si te gusta: cada disco de Depeche Mode de este siglo, no hay para nadie más. Escúchalo:Spotify
Los Punsetes han publicado esta semana su quinto álbum, el Recomendado ‘¡Viva!‘, en el que compiten por el título de canción más icónica ‘Mabuse’, el single homónimo y ‘Tu puto grupo’. Hablamos en un bar de Malasaña con Ariadna (voz) y Chema (batería) sobre estas y otras grandes canciones de su disco, la imposibilidad de dedicarse profesionalmente a la música al ser tantos o el álbum de su compañero Anntona, entre otras cuestiones. Los Punsetes actuán el 24 de marzo en Castellón, el 8 de abril en Let’s Festival, el 19 de mayo en Mislata, el 26 de mayo en Murcia, el 27 de mayo en Alicante… y también estarán en Tomavistas, Sunshine Suances, Vida Festival, Bilbao BBK Live o Low.
¿Os ponéis un objetivo con cada disco, tipo mejorar técnicamente o hacer las mejores canciones posibles?
Chema: «No tenemos un propósito concreto, las canciones van llegando y cuando todo tiene forma, vemos dónde podemos ir con ellas. El proceso no ha cambiado desde el principio, alguien lleva con una propuesta esquemática y le damos forma. Hasta que no están acabadas las canciones, no sabemos qué tenemos entre manos. De sonido, salvo excepciones, vamos siempre por el mismo camino. No por comodidad sino porque es lo que nos sale, por la metodología que tenemos desde el principio».
¿Qué aporta El Guincho como productor? ¿Tenéis una barrera que diga «hasta aquí nos vamos a dejar influir»?
Chema: «No. Él aporta bastante. Acaba de pulir canciones que no son redondas. Pule mucho la dinámica para que una canción deje de ser monótona, da respiro a unas partes… sabe cómo darles la vuelta para que un pequeño detalle haga que la canción crezca o para que una parte sea más fuerte».
¿Algún ejemplo concreto de lo que ha aportado como productor?
Ariadna (incorporándose unos minutos tarde): «Ha reestructurado ‘Miedo’ y ‘Estrella distante'».
Chema: «Y en el anterior más. Este disco suena menos post-producido. El anterior tenía más filtros y rompió más estructuras».
‘Estrella distante’ es vuestra canción más larga, sois de canción corta en general.
Ariadna: «Pero tenemos algunas como ‘Nit de l’Albà’ parecida en estructura. Tampoco es muy sorprendente. Le íbamos añadiendo partes. No se nos hace tan larga, cuando vimos lo que duraba dijimos: «¡coño!»».
Chema: «Es un momento de esparcimiento».
¿Tenéis alguna favorita?
Ariadna: «Yo ‘Camino’. Es una canción con un mensaje muy positivo. La canción es enérgica, me gusta cantarla».
Chema: «‘Tu puto grupo’ me gusta porque no es un 4×4, es un 6×8 y es entretenida. Así salimos de lo de siempre a la hora de tocar».
«‘Viva’ es un exabrupto no solo contra el horror que nos rodea sino contra el horror de que todo el mundo se queje. Una cosa es protestar y otra cosa es quejarse, la queja es un poco tediosa»
‘Viva’ parece optimista, pero incluye desgracias, ¿es optimista, habéis jugado con los contrastes?
Ariadna: «Es anti-Viva».
Chema: «Es un exabrupto, pero no sólo un exabrupto contra el horror que nos rodea sino el horror de que todo el mundo se queje. Una cosa es protestar y otra cosa es quejarse, la queja es un poco tediosa. Es un poco la tradición católica, el ranking de la crucifixión, «yo sufro», «pues yo sufro más». La estampa de pueblo trasladada a las redes sociales. La gente en el pueblo se entera de los chismes del pueblo y aquí (NdE: la entrevista tiene lugar en Madrid) que todo el mundo es más enteradillo, las quejas son con un poco más de pompa y de fanfarria».
Usáis poco las redes sociales, ¿no?
Ariadna: «Manu (guitarrista, Anntona) se encarga del Twitter y del Facebook. Y de Instagram. Yo tengo un Instagram».
¿Hay crítica a las redes sociales en el disco?
Chema: «No, pero estamos atravesados por ellas».
Ariadna: «También tienes opción de no ver nada».
Chema «Ya, pero no ves nada porque hay alguien que se encarga de hacerlo por el grupo».
Ariadna: «Sí, si no lo hiciera él, sería algún otro».
¿Tenéis este tipo de fans que os exigen selfies por ir a conciertos?
Ariadna (después de pensar un rato): «Nos pidieron una vez que dedicáramos una canción por un cumpleaños, y no lo hicimos. No dedicamos nada ni a nuestros amigos, no lo hemos hecho en la vida. Es lógico que tampoco lo hagamos con una persona desconocida. Yo no lo haría con ningún grupo, no pediría que me dedicaran una canción».
«No por tener un micrófono, una persona tiene algo que decir (políticamente)»
No os veo como un grupo político, pero hay dos o tres frases en el disco que reflejan un desencanto, ¿verdad?
Ariadna: «Es un disco un poco más amargo. Sí, puede ser».
Chema: «Sí. Pero es el punto de vista de una persona normal y corriente. No por tener un micrófono, una persona tiene algo que decir. Tampoco está la intención de decir «yo soy el más listo de la clase». Nada más lejos de la realidad».
¿Os planteáis o evitáis escribir canciones políticas?
Ariadna: «Depende de las pretensiones que tengas, si solo estás dando tu opinión, pero no la estás imponiendo…».
Chema: «Tiene que salir de manera natural. Hay gente que tiene la capacidad para ser concreto y se pone con otro tema y da pena. Uno tiene que saber quién es, dónde está, de qué es capaz, si tiene algo nuevo, cojonudo que decir al respecto, o si lo que va a decir da vergüenza ajena. Entonces, mejor no decirlo. No por creerse uno más comprometido, ya sea con la política o las flores, va a aportar algo nuevo o bonito».
¿Algún artista que haga canción social entre vuestros favoritos?
Ariadna: «No».
Chema: «A mí antiguos. Paul Robinson. Cuando era chaval, solo escuchaba las cosas que más se cagaban en todo, y luego ya descubres que la belleza está en muchas partes».
Los Punsetes es un grupo de cagarse en todo.
Chema: «Un poquillo».
Ariadna: «En el día a día, es una conversación con un amigo que tienes al lado. Sin más».
¿»‘Alphaville’ tiene algo de feminismo, por lo de «por todas las mujeres muertas»?
Ariadna: «Habría que preguntárselo a Jorge, que es quien la escribió».
Chema: «Pero no, es por la peli de Godard, el ambiente, el espíritu…»
Parecéis tener personalidades muy fuertes cada uno. Supongo que no vais a contestar «no, no tenemos personalidad», pero me preguntaba si aporta algo al grupo, si hay conflicto…
Chema: «Tenemos nuestro carácter. Somos todos muy distintos».
Ariadna: «Siempre es enriquecedor, hay conflicto. Que estén de acuerdo 5 personas siempre es muy difícil, hay discusiones. Cada canción es de una manera o de otra dependiendo del acuerdo al que llegues».
Chema: «Tenemos opiniones divergentes, otras veces hay facciones».
¿Algún ejemplo concreto?
Ariadna: «Tenemos problema en ponernos de acuerdo con los nombres de los discos. No somos capaces de ponernos de acuerdo y al final gana un nombre por agotamiento».
Pues los nombres de los discos son bastante asépticos…
Chema: «LP1, LP2…»
Ariadna: «El primero se llamaba ‘Los Punsetes’, que es lo que ponía en el disco».
¿Quién puso ‘Viva’?
Ariadna: «Jorge».
Chema: «Yo creo que fue más bien Manolo».
Ariadna: «Recuerdo a Jorge diciendo ‘Viva’ y yo no estaba de acuerdo».
Chema: «Yo tampoco».
Ariadna: «Los otros son 3, pues el disco se llama ‘Viva'».
«‘Tu puto grupo’ es una destilación de todo lo que da grima de ciertas estéticas grandilocuentes»
Parece bastante claro a quién se puede dedicar ‘Tu puto grupo’ con lo de la «épica».
Chema: «Es una destilación de todo lo que da grima de ciertas estéticas grandilocuentes, lo sacas de ahí, lo pones de frente. No estamos hablando de una persona o de un grupo en concreto, pero sí de bastantes».
Detecto un miedo brutal a mencionar a otros grupos -para mal- en las entrevistas. Me ha pasado con Miss Caffeina, Rusos Blancos, Lori Meyers. En vuestra nota de prensa pone que sois unos «sinvergüenzas», pero no lo sois tanto si no decís a quién os referís.
Chema: «Pero en el fondo, por lo menos yo… a ver… es que decirle a uno «haces una puta mierda» es…»
Ariadna: «Prepotente».
Chema: «Ir de sobrado. Una cosa es una manifestación artística, entre comillas, y otra cosa es que yo diga «lo que haces es basura». Aunque artísticamente no me guste nada, tampoco conoces a la persona».
Ariadna: «Ni hay ninguna necesidad».
Pero haces tu canción, tú no te mojas, pero tus fans saben más o menos de qué grupo hablas.
Chema: «Mucha gente a la que le pueda gustar esa canción se la puede cantar a un amigo cuyo grupo favorito odia. Es un regalo para que el odio sano se expanda por el mundo».
En vuestro caso por lo menos se sabe más o menos de quién habláis, pero este miedo a hablar de otros grupos hace que algunas declaraciones de grupos ni entienda a quién se refieren.
Chema: «De música actual, no me escucharía ni a mí. Me encanta que la gente siga haciendo música, eso hace que haya grupos, que podamos tocar, pero a mí me da mucha pereza la música actual. Sigo escuchando música de gente de hace muchísimo tiempo, y la que más me gusta es gente que ya no está viva o ya no hace música».
Ariadna: «Cada vez me cuesta más. Una vez cada 2 años sale algo que me llama la atención. Me gustan los grupos muy locales, grupos nuevos que surgen en Madrid, tengo más a mano y ocasión de ver en directo, como Juventud Juché, Sierra, Lidia Damunt… me interesan más que grupos más grandes. A veces voy a festivales y no me suena nada ningún grupo del cartel».
‘El manual’ no parecía estrictamente musical, pero sí…
Chema: «Sí, salió de un libro de KLF de cómo hacer música de éxito».
Ariadna: «Salen una serie de cosas en el libro y son las que se enumeran».
Os encanta el tema metamusical, para no tener ya interés en la música…
Chema: «A mí la música me encanta».
Ariadna: «Pero claro, ¿qué música?».
Chema: «Es una cuestión de la edad. Te gusta lo que escuchabas cuando eras adolescente. Es lo que te ha quedado ahí por mucho que ahora se lleve el «merengue digital fun fun fun»».
Está ese estudio que dice que a partir de los 33 años no te gusta la música nueva…
Ariadna: «¡Qué horror!».
Vosotros tenéis fans de todas las edades, ¿verdad?
Aridna: «De 16 o 20 años y al fondo gente de la edad de mi padre».
Perfil Patxi López.
Ariadna: «O mayores».
Chema: «En Alicante nos vino a ver un matrimonio holandés, vinieron en coche y nos hablaron, tenían 50 palos».
¿’Mabuse’ es por el pintor?
Chema: «Es por la peli del Doctor Mabuse, es de Manolo. El título vino después, al ver que era un testamento, por una cuestión semántica».
Ariadna: «Es una reflexión sobre qué puede pasar con tu vida cuando te vas, sobre lo que dejas».
¿Qué podéis contar del nuevo vídeo?
Ariadna: «Es muy guay, muy entretenido. A mí me da la risa solo de pensarlo».
Chema: «Hay de todo, muerte, destrucción. Salimos, otra cosa es que se nos reconozca. Hay peleas, ratas, centuriones».
¿Es vuestro favorito de los que habéis hecho?
Chema: «Ya trabajamos con Luis (Cerveró) cuando todavía estaba en Canada y este sigue en ese tono un poco».
¿Teníais claro que el vídeo era para esta canción, entre tanto «buzz single»?
Ariadna: «‘Viva’ es de la última tanda, de cuando ya teníamos casi todas, y se quedó como single».
Chema: «Salió sin pensarla casi. Y si sale sin pensar, será por algo. Si te cuesta poco sacarla es que tiene algo para que pueda ser single».
‘Presagios de partida’ sí me parece muy Planetas. Es de las pocas veces que sí veo la comparación.
Ariadna: «Con Los Planetas nos comparan desde el primer disco. ¿Sí?».
Chema: «Sí, esta vez sí»…
¿Es de Anntona?
Ariadna: «No, es de Jorge».
Me pegaba lo de la pornografía.
Ariadna: «Conviven mucho, algo se pega».
¿Hay alguna canción que iba para Anntona y os habéis quedado esta vez?
Chema: «Sí, ‘Tu puto grupo’. Normalmente nos enseñaba canciones y nos parecían una puta mierda. Y esto ha sido al revés. «Esta nos gusta, tráela para acá»».
Ariadna: «Esta es la última que hicimos».
¿Y las primeras?
Ariadna: «‘La pereza que me da’, ‘Miedo’ y ‘Mabuse’, que salieron casi a la vez».
¿Qué diferencia hay entre unas y otras?
Ariadna: «Un año».
¿Cómo te acuerdas de todo?
Ariadna: «Lo llevo todo apuntado con fechas en un cuaderno. Lo llevo apuntado de siempre».
¿Y eso?
Ariadna: «Así me acuerdo mejor, me parece que es útil».
Háblame de tu vocación vocalista, de la evolución de tu voz. Al final identifica bastante al grupo.
Ariadna: «No sé si es bueno o malo, es lo que es. Siempre me ha gustado cantar. Cuando tenía 14 años tenía clarísimo que quería tener un grupo, tuve un grupo con unas amigas, pero nunca llegamos a grabar nada. Cuando acabamos la facultad Manu y yo, yo empecé a estudiar Moda y Manu, Producción. Los jueves nos íbamos a cantar al karaoke. Se le ocurrió «vamos a montar un grupo» y yo dije «ahora mismo». El llamó a Chema, llamó a Gonzalo, que nos conocíamos todos de clase de Imagen y Sonido (en la Complutense). Se incorporó Jorge después y cumplí mi sueño».
¿Y has educado tu voz después?
Sí, di clases de canto durante dos años, hace dos años. Me sirvió de mucho porque tenía miedo de estropearme la voz. Intentas entonar, pero no eres consciente del daño que te puedes hacer en las cuerdas vocales. En ‘Una montaña es una montaña’ noto diferencia de cómo canto. Tengo más control y más conocimiento».
¿Vas a seguir con tu personaje de no moverte en el escenario?
Ariadna: «No sé… Sí».
¿Hay divergencia en el grupo sobre qué hacer?
Ariadna: «No. Eso lo decido yo. Hay gente que todavía se sorprende, porque no nos ha visto nunca».
Tú sí eres fan de Anntona, a diferencia de Chema…
Ariadna: «Muchísimo, yo soy súper fan de Anntona».
Chema: «En una tocamos Gonzalo y yo».
Ariadna: «Yo solo he cantado en un disco de Anntona. En uno o en dos. Canto dos canciones con él».
Yo creo que en dos discos distintos. ¿Qué te ha parecido el nuevo?
Ariadna: «Muy bueno, hay varias que me gustan. ‘Mi pequeño pene y yo’, ‘Una mierda como un castillo’. Me descojonaba sola pensando en Manu, cuando le conoces, todo cobra otro sentido. Sabes a qué se refiere».
Sois bastante buenos titulando: ‘La pereza que me da’, ‘Humanizando los polígonos’…
Ariadna: «Son cosas que están en las letras».
Chema: «Pues sí, no somos malos».
¿Os parece parte de la personalidad del grupo? Por ejemplo, «pereza», es una palabra que no se usa tanto en el pop, aparte del grupo Pereza, cuando es una palabra que se usa todo el rato en el lenguaje oral.
Chema: «Pues puede ser, por qué no. Seremos ocurrentes».
¿Creéis que habéis mejorado en este disco como compositores o como músicos?
Ariadna: «Yo creo que no, vamos haciendo canciones, dando pequeños pasos…»
Chema: «Vamos sabiendo mejor qué es lo que quiere cada uno. En compenetrarnos sí lo noto, por narices, después de 12 años tienes que estar más compenetrado. Pero tampoco hemos aprendido mucho más de lo que ya sabíamos. No vamos a ser Alan Parsson».
¿No podéis vivir de la música aún ni estás a las puertas?
Ariadna y Chema: «Jamás en la vida».
«No creemos que ni de coña podamos tener un salario digno para los 5. Somos muchos, la infraestructura, el local, vivimos en Madrid, alguno tiene familia ya…»
Tocáis bastante, sois un grupo que encaja en casi todos los festivales, cuando hay muchos que por ejemplo no tocan en Primavera Sound…
Chema: «Para esto tendría que haber 80 veces más festivales. Tú puedes tener un caché para festivales, y algunos te lo pueden dar. También es verdad que algunos festivales tiran la casa por la ventana para los artistas de fuera, a costa de, con los nacionales, escatimar más de la cuenta. En sala si no vas a caché no te pueden dar mucho y no hay tantísimos sitios en España donde tocar, como para que haya una escena con la que poderte mantener la mayor parte del año tocando en fin de semana. En verano puedes sacar pasta algún mes, pero es relativo porque tienes gastos fijos enormes: furgoneta, backliner, técnico de sonido… Si fuera neto todo lo que entra para el bolsillo, pero no da para tanto. Hemos repartido dinero 2 veces en estos 12 años. No nos permitimos quedarnos sin un duro en caja, ha habido momentos que hemos ahorrado bastante, y eso nos ha permitido poder adelantar pasta para otras cosas, poder participar de la producción del videoclip, que se ha ido de madre el presupuesto… porque teníamos dinero para poder hacerlo. No creemos que ni de coña podamos tener un salario digno para los 5».
Ariadna: «Somos muchos, la infraestructura, el local, vivimos en Madrid, alguno tiene familia ya… También, no nos vale cualquier hotel. Estamos toda la semana trabajando y nos apetece meternos en un hotel que esté bien. Ahí no ahorramos».
Chema: «Yo con 39 años me planteo: «trabajar de lunes a viernes, empalmar, tocar los fines de semana, dormir de pena» y me pego un tiro».
Ariadna: «Por muchos factores no da».
¿Y esto os genera frustración, tenéis esperanza…?
Ariadna: «Esperanza, esperanza… hemos hablado de ello, pero nunca nos hemos planteado que fuera nuestro objetivo ni nos parecía algo que se pudiera cumplir. No nos frustra porque no nos lo hemos tomado como un lugar hacia dónde ir».
Chema: «Ha surgido como la fantasía nostálgica de un futuro que nunca se iba a cumplir».
¿Entonces por qué cambiáis de sello constantemente?
Chema: «Nos llamaron, nos propusieron cosas, para ver cómo era la contratación de conciertos… es una manera de ver cómo trabaja otra gente y de sentirte a gusto. De ver que lo que haces, aunque no vaya lejísimos, va hacia algún lado, está en movimiento. Si hacemos algo rutinario, apaga y vámonos».
¿Qué es lo que más os gusta de dedicaros a esto?
Ariadna: «El conjunto de todo. Es una parte de mi vida muy importante. Si no estuviera en el grupo, estaría mucho más vacía. Me divierto mucho, me gusta verles, me gusta salir a tocar, nos han pasado cosas guays y todo en conjunto me parece estupendo».
Chema: «Tocar es cansado, pero es muy divertido. Tocar y que haya mucha gente o que la gente que haya lo esté disfrutando es una recompensa que da mucho gusto. Que mi trabajo está muy bien, pero si solo me quedase eso, acabaría arrasado. Tengo muchísimo estrés en el trabajo y acabo arrasado».
¿A qué te dedicas?
Chema: «Soy productor de ‘Al rojo vivo’. Por eso decía, tengo bastantes opiniones, tertulianos y actualidad, como para encima al hacer música»… (hablar de actualidad)
¿Algún famoso que os haya sorprendido como fan?
Ariadna: «No. Bueno, Punset…»
Chema: «…dijo que nos conocía. Cuando salió ‘Alférez provisional’, Julieta Venegas tuiteó el vídeo, igual por eso somos más grandes en México. Ah, y Arcadi Espada nos mencionó en una columna dominical de El Mundo. No se declaró fan, pero le venía como picha al culo ‘Opinión de mierda’ para meterla ahí».
Esta semana se ha estrenado ‘Song to Song’, la nueva película de Terrence Malick sobre un par de parejas involucradas en la escena musical de Austin, Texas. Precisamente en Austin ha tenido lugar la primera proyección de la cinta, en el festival South by Southwest (SXSW), que se celebra estos días, como siempre acompañado de polémica.
La cinta de Malick está protagonizada por Rooney Mara, Ryan Gosling, Natalie Portman y Michael Fassbender e incluye cameos de varias caras conocidas de la música como Patti Smith, Florence + the Machine o St. Vincent. En las últimas horas ha llegado a la red un adelanto de esta película protagonizado por Gosling y Lykke Li que derretirá a fans de ambos. Gosling y Li interpretan a una pareja separada y cantan acaramelados ‘It Hurts to Be Alone’ de Bob Marley & the Wailers. ¿No son una monada?
‘Song to Song’ no es el primer largometraje en el que aparece Lykke Li. La autora de ‘I Follow Rivers’ debutó en la gran pantalla en ‘Tommy’, una película sueca de 2014. Eso sí, Li está acostumbrada a que su música suene en películas. En 2015 compuso ‘Never Let You Down’ con Woodkid para ‘Divergente’ y otros temas de su repertorio han sonado en cintas como ‘Bajo la misma estrella’ o series como la estupenda ‘Skam’.
En la lista de ventas de esta semana hay un movimiento, o mejor dicho, un «no movimiento» que merece una noticia aparte. Lo normal es que una novedad, sea del calibre que sea, entre en «x» puesto y, tras el hype de la primera semana de sus fans, caiga ligeramente en la lista hasta asentarse dependiendo de lo que dure la promoción del disco o directamente se desplome.
Eso no está pasando con ‘Los Ángeles’ de Rosalía, editado por Universal. El álbum tuvo una entrada modesta en el puesto 42 a su edición hace un mes, pero en la segunda se mantuvo en esa misma posición. En la tercera el disco subía al puesto 28. Y en esta, la cuarta, se mantiene en el mismo número 28. Para comprobar que este «chart run» es totalmente excepcional, y mucho más para un debut, basta con hacer un par de comparaciones.
La banda sonora de ’50 sombras más oscuras’entraba la misma semana que ‘Los Ángeles’ en el puesto 10. Hoy, pese a la promoción que supone una película como esta, y la presencia en el disco de Taylor Swift y Zayn, ese disco está por debajo de Rosalía, en el puesto 34. Magic Magno, que entraba al puesto 13 en aquella misma semana, ya ni siquiera aparece en el top 100. Quizá incluso haya sorpresa pronto y Revólver, que entraba al puesto 3, termine también vendiendo menos que ‘Los Ángeles’: actualmente baja al número 17.
Rosalía está inmersa en una gira que la ha llevado a actuar en Granada, Zaragoza, Huesca, Donosti o Bilbao. Hoy actúa en Madrid con todas las localidades agotadas desde hace un mes, y ahora aguardan Barcelona (también con todo agotado), Valencia, San Lorenzo del Escorial, el Primavera Sound, Atlantic Fest, Vida Festival y La Mar de Músicas. El runrún generado en diversos sectores del arte, pues su nota de prensa recuerda que ha colaborado con Chicuelo, Enric Palomar, La Fura dels Baus, Alfredo Lagos o C. Tangana, además de con Raül Fernandez Refree, productor del disco, ha jugado sin duda a su favor. Como también el éxito de Sílvia Pérez Cruz con el mismo Refree, recibiendo incluso el disco de oro.
Podemos hablar de la viralización de sus temas en Spotify, de la viralización de sus temas cuando no estaban en Spotify, de su paso por el Telediario de TVE o por las revistas de moda, pero cuando un disco funciona de esta manera suele ser por el boca a oreja, su calidad y/o la conexión inmediata con la audiencia. Ella aúna todo.
Stormzy es uno de los artistas más populares de Reino Unido en la actualidad. Su nuevo disco, ‘Gang Signs & Prayer’, es top 3 en la lista de discos más vendidos en el país y diez de sus canciones aparecen en la lista de singles esta semana, entre ellas, ‘Big For Your Boots’, su single más escuchado en Spotify (casi 18 millones de reproducciones).
Stormzy, de nombre real Michael Omari, es esta semana portada del nuevo número de NME, que ofrece un reportaje sobre artistas que han hablado de su depresión recientemente, como Lady Gaga o el mismo Stormzy. El titular es «depresión: tenemos que hablar». Stormzy ha acudido a Twitter para condenar esta portada, que asegura se ha producido sin su consentimiento después de que declinara realizar una entrevista con la publicación inglesa. Stormzy llama «TRAIDORES» a NME y condena que la revista use un tema tan delicado como la depresión para mover copias.
NME ha contestado a Stormzy en Twitter diciendo que lo siente, pero que es una publicación gratuita y que su intención era concienciar sobre la depresión, no mover copias. Stormzy, que no tiene un pelo de tonto, recuerda que NME se financia con publicidad y que «no es una organización sin ánimo de lucro». «Cuantas mas copias movéis, más cobráis por publicidad», ha recordado el músico, que ha compartido su frustración en la red social. «Imaginad que una batalla personal vuestra saliese en portada de una revista sin tu permiso», ha dicho.
DEAD. You're NOT a non-profit organisation. The more copies you dish out the more you charge for advertising. You will make money from this. https://t.co/aPMtU4gy5M
Arca, el proyecto de electrónica abstracta del venezolano Alejandro Ghersi, ha estrenado videoclip para otro de los adelantos de su nuevo disco homónimo, que sale el 7 de abril. Se trata de ‘Reverie’, una de las 13 pistas que incluye el disco. Los otros adelantos del sucesor de ‘Mutant’ compartidos hasta el momento son ‘Anoche’ y ‘Piel’.
Si el vídeo de ‘Anoche’ presentaba a Arca enfundado en corsé y tacones y rodeado de cuerpos heridos, en el correspondiente a ‘Reverie’ es él quien es herido de una misteriosa embestida (que parece producirse desde su estómago). En el vídeo, Arca viste una chaquetilla de torero, pero sus piernas biónicas parecen de un toro. Dirige el vídeo Jesse Kanda, colaborador habitual de Arca, autor de las portadas de sus discos y de sus videoclips, pero también autor en solitario, bajo el nombre doon kanda, de un EP, ‘Heart’, que publicaba Hyperdub el pasado mes de enero.
Precisamente, anoche Hyperdub (sello de Burial y Jessy Lanza) realizó una fiesta en un pequeño club de Londres a la que acudieron Arca, Jesse Kanda y Mica Levi, entre otros, y a la que apareció por sorpresa nada menos que Björk, que, en su línea, pinchó «breakcore árabe». Con Björk trabaja Arca en su próximo disco, como hizo en el anterior, ‘Vulnicura’, donde co-produjo varios temas, repartiéndose trabajo con Björk y The Haxan Cloak.
Este miércoles, The xx ha dado por terminada su residencia en O2 Brixton Academy de Londres, ‘Night + Day’, donde ha presentado su último disco, ‘I See You’, e invitado a unirse a su escenario a artistas como Robyn, con quien le veíamos tocar ‘With Every Heartbeat’, para regocijo universal, así como con Cat Power, Mica Levi o Jehnny Beth de Savages.
Para la despedida de su residencia en Londres, The xx invitó a su escenario a nada menos que a Florence + the Machine. La cantante interpretó uno de sus mayores éxitos, su versión de Candy Staton de ‘You’ve Got the Love’, pero remezclada por The xx. Es la misma versión que apareció en un 7″ del single de ‘You’ve Got the Love’ en 2009 y que también incluye a Romy y Oliver como vocalistas. ¿No es esta actuación lo más 2009 que ha pasado en mucho tiempo?
Tras terminar la promoción de su notable tercer disco, ‘How Big, How Blue, How Beautiful’, Florence + the Machine ha estado ocupada con varios proyectos. Por ejemplo, ha compuesto canciones para la última entrega de ‘Final Fantasy’, el videojuego; ha hecho un cameo en la última película de Terrence Malick o ha cantado con Lady Gaga en su último disco.
“Comencé a escribir ‘Semper Femina’ como si fuera un hombre que escribía sobre una mujer, y entonces pensé: “no es un hombre, soy yo”. No necesito fingir que soy un hombre para justificar la intimidad, o la manera en la que miro y me siento hacia las mujeres. Soy yo observando explícitamente a las mujeres y sintiendo gran empatía hacia ellas, y por extensión, hacia mí misma”. Así explica Laura Marling la motivación creativa que la llevó a componer estas nueve nuevas canciones, creadas en un momento en el que sufrió algunos cambios físicos y emocionales que la llevaron a perder su identidad de género.
En contraste con el momento tormentoso y de cambios radicales en el que fue compuesto y que Marling explicaba de forma elocuente en una reciente entrevista, ‘Semper Femina’ es uno de los discos más amables de la ya extensa carrera de la cantautora británica. Su sexto álbum tras el eléctrico ‘Short Movie’ aleja definitivamente esa faceta torturada y oscura (por momentos también algo plomiza, todo hay que decirlo) de la que dio muestras especialmente en ‘A Creature I Don’t Know’ y ‘Once I Was an Eagle’. Suena luminoso, delicado y dulce. Pero no frágil, porque esa postura ya quedó muy atrás, en sus inicios. Hace tiempo que Marling es una intérprete rotunda, magnífica.
‘Semper Femina’ destaca por un sonido elegante, diseñado junto al talentoso y cada vez más omnipresente Blake Mills (Cass McCombs, Conor Oberst, Andrew Bird, Alabama Shakes). El amigo de Fiona Apple no solo da muestras de la riqueza y emoción que es capaz de imprimir con la guitarra en sus manos, sino que participa en una dirección artística exquisita, con un medido uso de arreglos de cuerda (obra del reputado Rob Moose, con un papel destacado en los últimos discos de Joanna Newsom, Bon Iver y Dirty Projectors, por ejemplo), percusiones y contrabajo (instrumento que toma aquí un protagonismo fundamental y enriquecedor).
También las voces sirven como recurso expresivo. Es el caso de una ‘The Valley’, a medio camino de Nico y Joni Mitchell, en la que la voz de Marling se dobla y es desprovista de su particular timbre vocal. Con algo tan simple, consigue despersonalizar su interpretación, situándose como mera observadora sin implicaciones personales que redimensiona este canto de amor a una mujer. Pero es solo un recurso creativo, claro, y Marling, aunque las interprete con cierta sobriedad y sin abuso de gorgoritos, imprime en cada una de las otras pistas ese desarmante timbre, capaz de erizar el vello con cada una de esas notas que alarga de forma tan reconocible. El nivel de calidad y calidez vocal que ha alcanzado es subyugante.
Apoyada en ese excelente trabajo de producción, Laura logra también una de sus mejores colecciones de canciones, aunque aun así podamos ver cierto perfil más plano y recurrente en ‘Wild Once’ y, en menor medida, ‘Nouel’. La sinuosa y rompedora ‘Soothing’, que lo abre, y el enardecedor vals afilado de ‘Never, Not Nearly’, que lo cierra, enmarcan de manera sobresaliente temas instantáneamente memorables: la dylaniana ‘Wild Fire’, el encanto comedido de ‘Always This Way’ y ‘Next Time’ o el romanticismo eléctrico de la preciosa ‘Don’t Pass Me By’ son ya nuevas cotas de su carrera. Un nivel que también es correspondido por unas letras poéticas pero nunca cursis, que reflejan perfectamente ese singular punto de vista, desde el amor y la fascinación de una mujer hacia su propio sexo.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Soothing’, ‘Never, Not Nearly’, ‘Wild Fire’, ‘Always This Way’. Te gustará si te gusta: Villagers, Joni Mitchell, Carole King Escúchalo:Spotify
El artista gallego Emilio José es un auténtico dechado de creatividad. Las 52 canciones que componían su último disco, ‘Agricultura Livre’, publicado por Foehn Records en 2015, ya se han quedado cortas. En las últimas horas ha subido a Bandcamp en libre descarga un nuevo proyecto que alcanza la friolera de 64 cortes. Se trata de ‘Nativos digitais’, una “mixtape” que ejercerá de bisagra entre el citado ‘Agricultura Livre’ y su próximo trabajo, que Foehn sitúa ya a finales de este año o principios de 2018.
Estas 64 nuevas canciones están musicalmente inspiradas en el hip hop, si bien nadie que conozca un poco al autor esperará nada convencional en ese género (cita a Shabazz Palaces como referencia fundamental). La experimentación es su premisa fundamental y, a menudo, cuando estéis empezando a disfrutar de algún pasaje llegará un corte abrupto que se dirija a otra parte. O no, nunca se sabe.
Sus letras, aunque aún no hemos tenido tiempo de asimilarlas, parecen versar sobre la situación política, el poder de las grandes corporaciones empresariales y la tecnología y redes sociales. Al menos eso extraemos de títulos como ‘C´s’, ‘PP.es’, ‘Heil Errejón’, ‘Bloque Nacionalista Galaco’, ‘Bershka/Jazztel’, ‘Oculus Rift’ o ‘Airtel’. Una nueva muestra de la indefinible personalidad de este peculiar artista.
¿Habrá llegado el momento del éxito que tanto tiempo lleva esquivando a Tinashe? La artista norteamericana es, sin lugar a dudas, una de las cantantes y compositoras de R&B más talentosas de su generación. Sin embargo, pese a los destellos de calidad ofrecidos en discos como ‘Nightride’ y ‘Aquarius’, parece lejos de lograr la relevancia a la que podría aspirar.
Su colaboración con Britney Spears en el single ‘Slumber Party’ era fantástica, pero ni fue el éxito que se esperaba ni, mucho menos aún, logró hacer remontar las ventas de ‘Glory’. Sin embargo, sí parece que algo ha cambiado para Tinashe y para su próximo trabajo parece decidida a aprovechar el impulso, por leve que fuera, de popularidad.
Eso indica ‘Flame’, su nuevo single, compuesta y producida por ella junto a Sir Nolan (Justin Bieber, Nick Jonas, Selena Gomez…). Pese a un inicio algo oscuro, el estribillo de la canción busca el gancho con ahínco, y bien podría estar cantado por una Carly Rae Jepsen y hasta una Taylor Swift. Esas trompetas que cierran el coro y que Tinashe dobla con su voz, prometen pegarse fuertemente a nuestros subconscientes. Su letra habla de una chica que se resiste a asumir que su pareja ya no está enamoradx de ella. Hace días que se conoce un teaser de su vídeo, que podría aparecer en las próximas horas.
‘Flame’ es un nuevo single de ‘Joyride’, su segundo álbum oficial (‘Nightride’ era una mixtape) que había sido pospuesto y que ahora parece que sí podría ver la luz en las próximas semanas o meses.
La veterana banda norteamericana Weezer acaba de presentar el primer single de su nuevo álbum, que verá la luz el próximo verano y supone el undécimo de su carrera y que sucede al aún reciente ‘The White Album‘, lanzado el año pasado. En su adelanto, se han saltado directamente la primavera, que comienza la próxima semana, y pretenden trasladarnos directamente al verano, buscando un posible himno veraniego con ‘Feels Like Summer’.
La canción sorprende porque, aunque no se salta también las guitarras rockeras que siempre les han caracterizado, su carácter es bastante testimonial. En su lugar, el protagonismo lo tiene una base de inspiración hip hop, teclados y coros bastante fresquitos y un estribillo en falsete que pretende hacernos creer que ya huele a verano. No en nuestro país, al menos fuera de las horas centrales del día.
El tema es presentado con un videoclip de animación dirigido por Greg Yagolnitzer y Brendan Walter, que juegan con las nulas limitaciones físicas de los cuerpos de las versiones animadas de los cuatro miembros de la banda. Weezer también han anunciado un tour que llegará a Europa el próximo otoño, aunque por el momento no hay ninguna fecha confirmada en nuestro país.
Ya hemos hablado largo y tendido del modo en que Ed Sheeran ha arrasado también en España (además de ser número 1 en álbumes, ha colocado sus 16 nuevas pistas en el top 100 de singles), por lo que hoy nos centraremos en el resto de novedades de la lista de ventas de nuestro país.
Llaman la atención las buenas entradas de Vega, directa al número 3 con su disco de versiones de la canción italiana, y de los murcianos Viva Suecia, una de las grandes bandas revelación de los últimos años. Ambos además editan en un sello independiente, Subterfuge.
1(E) Ed Sheeran / Divide
«Divide» supera el número 6 en nuestro país del disco anterior de Edward, ‘x’, que fue un sleeper. De momento el nuevo disco de Sheeran no ha superado el disco de oro en España, por lo que suponemos que sus ventas aquí no serán ni remotamente tan masivas como en Reino Unido, donde el álbum ha sido directamente doble platino real.
3(E) Vega / Non ho l’età
Pese a su éxito comercial, más si tenemos en cuenta que hablamos de un disco de versiones, ‘Non ho l’età’ no es el álbum de Vega que más lejos ha llegado en la lista de ventas. ‘Wolverines’ llegó a ser número 2. El disco más longevo de Vega es ‘Metamorfosis’, que duró 19 semanas en lista.
5(5) Lori Meyers / En la espiral
Ojo con esto: pese a no estar entre los elegidos de la lista de Los 40 Principales, Lori Meyers se mantienen en el 5 en la tercera semana de ‘En la espiral‘ y después de haber sido número 1. Tienen dos entradas por encima. Rayden, Els Amics de Les Arts y sobre todo Sara Serena, que pasa del puesto 4 al 29 en su segunda semana, caen por debajo de los granadinos.
14(E) Viva Suecia / Otros principios fundamentales
Viva Suecia llegan al puesto 14 con ‘Otros principios fundamentales‘, situándose por encima de las mejores entradas de gente como La Casa Azul, La Bien Querida, Delorean o Triángulo de amor bizarro. Su debut, editado el año pasado, era número 37, por lo que se mejora de manera muy significativa esa marca. Os dejamos con el vídeo de ‘A dónde ir’, que fue estrenado por nuestra web.
16(E) Soziedad Alkohólika / Sistema antisocial
La banda de metal de Vitoria supera por bastante la marca de su último disco, de 2011, un ‘Cadenas de odio’ que se quedaba en el número 51. Por el contrario, no se supera el número 13 conseguido por su álbum de 2008, ‘Mala sangre’.
19(E) Demarco Flamenco / Uno
Buena entrada de este artista novel, un cruce entre Bisbal, Pablo Alborán y Andy y Lucas, que el pasado mes de enero subía su primer single a Youtube y alcanza ya los 2 millones de visitas. Se llama ‘Como te imaginé’.
20(20) Bruno Mars / 24k Magic
La subida más destacada en cuanto a número de copias es la del disco de Bruno Mars, pero en verdad ’24k Magic’ se mantiene en el mismo puesto. Su nuevo single ‘That’s What I Like’ avanza hasta el número 90.
42(E) BSO La La Land (Original Motion Score)
Mientras la banda sonora de ‘La La Land’ con temas cantados por Emma Watson y Ryan Gosling continúa en el número 2 en España, la música de la película escrita por Justin Hurwitz se cuela en el puesto 42. El artista acaba de ganar dos Oscars.
52(E) Raya Real / Síntesis
He aquí el disco que necesitabas: versiones de Raya Real de algunos de los éxitos de los últimos tiempos, como ‘Chantaje’, ‘La bicicleta’, ‘El perdón’, ‘Ginza’, ‘Borro cassette’… Una joya, en definitiva, y además dura solo 35 minutos.
53(E) Tokio Hotel / Dream Machine
Mala entrada para el primer disco en tres años de Tokio Hotel, que además es solo top 5 en Alemania (su peor entrada). En algunos países ya ni entran ni se les espera desde ‘Humanoid’ en 2009.
62(E) Joan Rovira / Encara Tenim Temps
Retorno del cantautor de Camarles tras su debut ‘Peix sense espina’ y primera vez que logra llegar al top 100.
84(E) Miquel Vilella / La linia magica
Se cuela en listas el disco del artista de Reus, después de que su debut en 2014, ‘Després del Món – Farewell, Dear Towermen’, se editara simultáneamente en inglés y en catalán.
92(E) Philippe Jaroussky / Storia di Orfeo
El contratenor francés Philippe Jaroussky, habitual de la zona baja de las listas de éxitos internacionales, retrata a Orfeo con la soprano Emőke Baráth y el conjunto I Barocchisti con Diego Fasolis al frente.
Apenas una semana después de confirmar en su cartel a dos nombres más que interesantes como Future Islands y Orbital, el festival WAM Estrella de Levante anuncia hoy hasta 13 nuevas confirmaciones más para su cartel. La lista la encabeza el danés Trentemøller, que ha alcanzado un estatus de estrella del pop electrónico gracias a su notable álbum del pasado año, ‘Fixion’. Tras agotar el papel en los conciertos de su reciente gira por nuestro país, en los que actuaba con una banda completa, sigue habiendo gran expectación por verle.
Junto a él, además de un aún semidesconocido Samonik (colaborador de Hot Chip o Skrillex que inicia aventura en solitario), el resto de confirmaciones son de artistas nacionales: La Bien Querida (¿estará a punto de ofrecer novedades?), Joe Crepúsculo, presentando el Recomendado ‘Disco Duro’, encabezan la lista, en la que también están La Habitación Roja, Sr. Chinarro, Josele Santiago (Los Enemigos), Lidia Damunt, Ojete Calor y Noise Box. También hay cabida para el garage de los mexicanos Los Sustos y el sueco Leadfoot Tea y las irreverentes y ácidas versiones de Las Chillers.
Todas estas bandas y artistas se suman a los ya confirmados previamente Fangoria, Lori Meyers, White Lies, Shurao Delorean, entre otros. Los abonos de dos días seguirán a la venta por 35€ en la web del festival, mientras que los VIP se encuentran a 50€, pero será solo hasta las 00:00h de esta misma noche.
El festival Bilbao BBK Live se ha ido convirtiendo, año a año, en uno de los eventos de referencia no solo a nivel estatal sino también europeo. Para su próxima edición, a celebrarse entre los días 6 y 8 de julio en el recinto de Kobetamendi, ya cuenta con cabezas de cartel tan importantes como Depeche Mode, The Killers o Die Antwoord, a los que se han sumado nombres de gran calado como Justice, The 1975, Brian Wilson, Phoenix, Fleet Foxes o Two Door Cinema Club.
Sin embargo, su cartel aún no está cerrado y ahora se acaba de presentar otra suculenta tanda de nuevas confirmaciones que consolidan el cartel como uno de los más potentes que se pueda imaginar: Spoon, que precisamente publican su esperado nuevo disco ‘Hot Thoughts‘ mañana, 17 de marzo, las canadienses Austra, que presentarán su último álbum, el comprometido ‘Future Politics’, unos Cage the Elephant que se han convertido en referencia para los fans de renovadores de sonidos tradcionales como Jack White o The Black Keys, o la mexicana Carla Morrison encabezan la lista. En ella también se incluye otros nombres muy destacables como Xoel López, Gus Gus, Jessy Lanza, Circa Waves, The Lemon Twigs, The Orwells, Anímic, Kokoshca, Los Bengala, The Amazons, Vulk, Naranja y Biznaga, que mostrarán las canciones de su poderoso segundo álbum, ‘Sentido del espectáculo’.
Los abonos de 3 días están Ticketea«>a la venta al precio de 115€ + gastos de distribución. El próximo lunes, 20 de marzo, a las 11:00h AM comienza también la venta de entradas de día, a un precio de 45€ + gastos, que irá incrementándose en 5€ en los dos lunes posteriores hasta los 55€ finales. Os dejamos con la distribución por días también anunciada hoy:
Jueves 6
DEPECHE MODE/ JUSTICE/ THE 1975/ AUSTRA/ CAGE THE ELEPHANT/ SPOON/ XOEL LÓPEZ/ CABBAGE/ CIRCA WAVES/ GUS GUS/ IDLES/ NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO/ VULK/ ZAZKEL/ DAVID VAN BYLEN DJ Basoa: DIXON/ THE BLACK MADONNA/ MIKE SERVITO/ HONEY SOUNDSYSTEM/ BALDO
Viernes 7
THE KILLERS/ PHOENIX/ FLEET FOXES/ ROYAL BLOOD/ EXPLOSIONS IN THE SKY/ ANÍMIC/ CARLA MORRISON/ COQUE MALLA/ JESSY LANZA/ JOE GODDARD Live/ THE ORWELLS/ LOS PUNSETES/ SUNDARA KARMA/ THE AMAZONS/ DANILESS B2B DARK DJ
Basoa: DAPHNI/ DJ TENNIS/ MARVIN & GUY/ NICOLA CRUZ/ BAWRUT
Sábado 8
DIE ANTWOORD/ TWO DOOR CINEMA CLUB/ BRIAN WILSON/ ATERCIOPELADOS/ LOS BENGALA/ BIZNAGA/ DELLAFUENTE & MAKA/ KOKOSHCA/ THE LEMON TWIGS/ NARANJA/ JOTAPOP/ MARC DORIAN DJ SET
Basoa: MOTOR CITY DRUM ENSEMBLE/ ANDREW WEATHERALL/ JOB JOBSE/ LENA WILLIKENS/ JAVI GREEN
Hace unas horas la productora de animación más importante del mundo, Pixar, ha presentado el tráiler de su próximo film. Se titula ‘Coco’ y su argumento está muy ligado a la música, pero también a la rica y colorida mitología sobre la muerte según se entiende en la cultura mexicana. Narra la historia de Miguel, un niño de 12 años enamorado de la música que, sin embargo, está prohibida en su familia. ¿Nadie más ve en esto un recadito a la administración del Presidente Trump?
El pequeño sueña con ser músico, así que el Día de los Muertos visita el mausoleo de su ídolo, el cantante Ernesto de la Cruz (que recuerda mucho al célebre intérprete y compositor mexicano José Alfredo Jiménez), y toma su guitarra prestada. A partir de aquí se desencadenan una serie de acontecimientos que trastocan su vida, como su viaje por la Tierra de los Muertos, en compañía de su inseparable mascota Dante, donde conocerá a sus antepasados y descubrirá quién es y de dónde viene.
La película está dirigida por el director de ‘Toy Story 3’, Lee Unkrich, y su estreno se prevé para el próximo 1 de diciembre. Este no será el único proyecto del estudio dependiente de Disney para este año porque, tras ‘Buscando a Dory’, se han abonado a las segundas y terceras partes: tanto la nueva secuela de ‘Cars’ como la de ‘Los Increíbles’ están en fase de producción y podrían llegar incluso antes que ‘Coco’.
Metallica anuncia hoy su tour europeo ‘Metallica: Worldwired Tour’, donde presentarán en directo las canciones de ‘Hardwired… To Self-Destruct’. El tour comienza con dos conciertos en Ámsterdam en el Ziggo Dome los días 4 y 6 de septiembre. El grupo noruego Kvelertak, será el telonero de la gira. Las fechas en nuestro país serán 3 y 5 de Febrero en Madrid (WiZink Center –antiguo Palacio de los Deportes–) y 7 de Febrero en Barcelona (Palau Sant Jordi). Dada la expectación, puesto que no visitan nuestro país desde 2012, la venta de tickets se aventura más que rápida, así que los interesados deben estar muy atentos a las indicaciones de su promotora:
La preventa de entradas para los miembros del Legacy Met Club estará disponible a partir del martes día 21 de marzo a las 10’00h. La preventa de entradas para todos los Fifth Members estará disponible desde las 11’00h del 21 de marzo. Esta preventa durará 24 horas. La preventa para usuarios registrados o que se registren en www.livenation.es estará disponible el miércoles 22 de marzo desde las 10’00h y durante 24h.
En ambas preventas (Miembros Legacy Met Club, Fifth Members y preventa de Live Nation), los usuarios accederán a la web de Ticketmaster o LiveNation, donde deberán iniciar sesión con su cuenta personal. Las entradas serán nominativas y los datos del comprador se asociarán a la entrada, por lo que tendrá que ser obligatoriamente uno de los asistentes al concierto. El máximo de entradas por transacción serán 2.
La venta general de entradas comenzará el viernes día 24 de marzo a las 10’00h en los puntos de venta habituales. En la venta general, las entradas también serán nominativas y se podrán adquirir 4 entradas por transacción. Las entradas compradas a través de puntos oficiales incluirán una copia digital o física del álbum ‘Hardwired…To Self-Destruct‘. Cada entrada tendrá un código único que permitirá acceder a la copia del álbum. En caso de que el comprador seleccione la copia física, no estarán incluídos los gastos de envío y manipulación.
En 2014, Linkin Park editó ‘The Hunting Party’, un disco de rock puntiagudo y agresivo en el que colaboraron integrantes de Rage Against the Machine y System of a Down y que contenía temas directamente punk como ‘War’. El objetivo del grupo con este disco era criticar a grupos de rock actuales que no arriesgan. Ya se sabe que el rock, como sus fans, puede ser muy conservador.
Clean Bandit protagoniza una de las novedades destacadas de este viernes con la publicación de su nuevo single, ‘Symphony’, una colaboración con Zara Larsson que promete igualar el éxito de ‘Rockabye’, el anterior single del grupo británico junto a Sean Paul y Anne-Marie, que sigue triunfando.
La reventa de entradas de conciertos es uno de los males mayores que preocupa a la industria musical en la actualidad. Recientemente, Joaquín Sabina anunciaba acciones legales contra plataformas que especulan con la venta de entradas y Alejandro Sanz 
La mismísima Santa Teresa de Bernini en su éxtasis divino protagoniza la portada de ‘Predación’, el nuevo disco de Pablo und Destruktion, que sale el 7 de abril. ‘Predación’ sucede a ‘
«What’s eating you is a mistery». Lo que te come (en esta película por dentro y por fuera) es un misterio. Esto es lo que decía la canción de 
El nuevo single de Feist es al fin uno de los estrenos de este viernes. ‘Pleasure’ es lo primero que podemos escuchar de ese disco que la cantante, una de las más queridas en el indiemainstream, prepara de cara al próximo 28 de abril. El disco también llamado ‘Pleasure’ llega nada menos que seis años después de ‘
Seis años después de ‘
Esta noche, la radio inglesa ha estrenado ‘1 Night’, el nuevo single de Mura Masa con Charli XCX, que se presenta con esta portada 
Hay una lanza que romper por Depeche Mode: por lo menos continúan editando nuevos discos. Ya nos hemos acostumbrado a ver a sus coetáneos The Cure venir una y otra vez de gira por su cuenta o apuntándose al festival de las exclusivas a golpe de talonario sin que se dignen a sacar material nuevo. El proyecto de Robert Smith editó disco religiosamente cada 4 años entre 1992 y 2008, pero entonces se detuvo el tiempo para ellos. Mientras, Depeche Mode han seguido adelante con el mismo ciclo y han sacado álbum también exactamente cada 4 años desde ‘Songs of Faith and Devotion’ en 1993. 
Los Punsetes han publicado esta semana su quinto álbum, el 
Esta semana se ha estrenado ‘Song to Song’, la 
En la 
Stormzy es uno de los artistas más populares de Reino Unido en la actualidad. Su nuevo disco, ‘Gang Signs & Prayer’, es top 3 en la lista de discos más vendidos en el país y diez de sus canciones aparecen en la lista de singles esta semana, entre ellas, ‘Big For Your Boots’, su single más escuchado en Spotify (casi 18 millones de reproducciones).
Arca, el proyecto de electrónica abstracta del venezolano Alejandro Ghersi, ha estrenado videoclip para otro de los adelantos de su 
Este miércoles, The xx ha dado por terminada su residencia en O2 Brixton Academy de Londres, ‘Night + Day’, donde ha presentado su último disco, ‘I See You’, e invitado a unirse a su escenario a artistas como Robyn, con 
“Comencé a escribir ‘Semper Femina’ como si fuera un hombre que escribía sobre una mujer, y entonces pensé: “no es un hombre, soy yo”. No necesito fingir que soy un hombre para justificar la intimidad, o la manera en la que miro y me siento hacia las mujeres. Soy yo observando explícitamente a las mujeres y sintiendo gran empatía hacia ellas, y por extensión, hacia mí misma”. Así explica Laura Marling la motivación creativa que la llevó a componer estas nueve nuevas canciones, creadas en un momento en el que sufrió algunos cambios físicos y emocionales que la llevaron a perder su identidad de género.
El artista gallego 
¿Habrá llegado el momento del éxito que tanto tiempo lleva esquivando a Tinashe? La artista norteamericana es, sin lugar a dudas, una de las cantantes y compositoras de R&B más talentosas de su generación. Sin embargo, pese a los destellos de calidad ofrecidos en discos como ‘
La veterana banda norteamericana Weezer acaba de presentar el primer single de su nuevo álbum, que verá la luz el próximo verano y supone el undécimo de su carrera y que sucede al aún reciente ‘
Ya hemos hablado largo y tendido del modo en que 
Apenas una semana después de confirmar en su cartel a dos nombres más que interesantes como 
El festival 
Hace unas horas la productora de animación más importante del mundo, 
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