Hoy 8 de noviembre salen nuevos discos de Cariño, Primal Scream, Pauline en la playa, Casero, Fitness Forever, Javier Lekker, TOMORROW X TOGETHER, Sílvia Pérez Cruz con Juan Falú, Myles Smith, Chicle o Paula Matthews. The Body, esta semana en MIRA Festival, también publican álbum.
Entre los singles sueltos destacados de hoy hay que comentar la colaboración de Major Lazer y M.I.A., rescatada de una maqueta de 2009. Celeste, la estrella británica, vuelve con su primer single en años, un tema para la banda sonora de la serie ‘The Day of the Jackal’.
Siguiendo con el pop internacional, hay nuevos singles de Pa Salieu, Imogen Heap, Kayla Grace, Zach Bryan, Jordan Rakei, Blusher, Perrie o Alice Phoebe Lou. Y, barriendo para casa, se estrenan temas de Safree, Celia Becks con Chica Sobresalto, Ultraligera o Paul Thin.
Julia Michaels, grentperez, George Reid con AlunaGeorge (es decir, AlunaGeorge), Alejo con Querido, BADBADNOTGOOD, Jorja Smith con Maverick Sabre o Lorna con Ptazeta (!) suman también nuevos lanzamientos ya disponibles en «Ready for the Weekend».
Y, entre los temas que potencialmente serán un éxito en España, por supuesto destaca la nueva macrocolaboración de Karol G, J Balvin, Maluma y Feid, entre otros. Todos se unen en el reguetón de +57′.
Tres personas han sido detenidas e imputadas en conexión con la muerte de Liam Payne el pasado 16 de octubre. A las tres personas se las acusa de «delitos de abandono de persona seguido de muerte, suministro y facilitación de estupefacientes», en información recogida por El País. El primer acusado es una persona que «acompañó al artista de manera diaria durante su estancia» en el hotel de Buenos Aires en el que falleció. El segundo, un empleado del hotel que presuntamente «suministró estupefacientes» al cantante. El tercero, un «vendedor de drogas» que proporcionó estupefacientes a Payne el 14 de octubre, dos días antes de su fallecimiento.
Las investigaciones en torno a la muerte de Liam Payne han concluido que Payne se encontraba solo en el momento de su caída, pero también que estaba «bajo efectos de policonsumo de alcohol, cocaína y un antidepresivo recetado», según información de la Fiscalía de Buenos Aires.
Payne cayó del tercer piso del hotel de Buenos Aires en el que se encontraba de vacaciones, muy pocas semanas después de lanzar su último single, ‘Teardrops’. La autopsia determinó que Payne falleció de «politraumatismo» y de «hemorragia interna y externa».
Es fácil mirar con los ojos de hoy las obras de pasado, al margen de su contexto. ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’, el séptimo álbum de The Cure, parece una obra pionera en un sentido: su extensión y variedad, su máxima de “todo vale”, hacen que parezca una “playlist” como las que se estilan hoy. El disco ni siquiera funciona necesariamente en su secuencia original, sino que se presta a la escucha aleatoria sin ningún problema.
En realidad, ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ se concibe como álbum doble: en vinilo se edita con dos discos de vinilo, a 5 pistas por cara (más o menos). En CD, las 18 pistas vienen juntas, por lo que, en este formato, el concepto de disco doble se disuelve.
La extensión de ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ responde a la intención de Robert Smith de demostrar la versatilidad de The Cure, en un momento en que sus gustos musicales se expanden. The Cure ya había ayudado a definir varios géneros -el post-punk, el rock gótico y el guitar pop- durante los 70 y 80, pero la banda tenía ambición de ir más allá. El recopilatorio ‘Standing on a Beach’, el primero de The Cure, lanzado en 1986, pronto se queda muy corto.
‘Standing on a Beach’ es, en el momento, el lanzamiento de mayor éxito de The Cure a escala internacional. Smith y su banda vienen de publicar ‘The Head on the Door’ (1985), su álbum más pop. La trayectoria ascendente de The Cure continúa con ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’, sumando nuevos hitos y éxitos y, al mismo tiempo, mostrando a un grupo ya muy crecido en su ambición pero nunca pesado ni demasiado serio. En ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ cabe la «tortura» pero también el humor y, a pesar de ser uno de sus trabajos más largos, también es uno de los más amenos. Este álbum, que precede a ‘Disintegration’ (1989), ofrece ya un adelanto de la obra maestra que está por llegar, pero también muchas otras cosas que empiezan y terminan en su secuencia, y que han pasado a la historia como curiosidades inolvidables.
La idea inicial de Smith para ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ es componer una obra musicalmente transversal y ecléctica y, para ello, por primera vez democratiza la toma de decisiones dentro de la banda. Smith, como líder, encarga al bajista y guitarrista Simon Gallup, al guitarrista y tecladista Porl Thompson, al tecladista Lol Tolhurst y al baterista Boris Williams que cada uno componga un puñado de canciones para el disco. Posteriormente, todas las canciones son sometidas a votación, y las mejores entran en el álbum. Durante la grabación, que tiene lugar en el mítico estudio Miraval, en Provenza, Smith busca capturar la frescura y espontaneidad de las primeras tomas, sin darles demasiadas vueltas. ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ se graba en tres semanas y se publica en mayo de 1987.
Aunque Smith asegura haber manejado hasta 40 canciones para ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’, el disco se queda en 18. Muchas pistas ofrecen un sabor de The Cure familiar, como el banger post-punk gótico de ‘Torture’, el jangle-pop de ‘Perfect Girl’ -«perfecta», la chica, porque no habla inglés- o la siniestra y casi industrial pieza final, ‘Fight’. Y que la literatura inspira a Smith lo vuelve a demostrar la preciosa ‘How Beautiful You Are’, que se basa en un poema de Charles Baudelaire.
Y cuando The Cure se ponen pop, otra vez, les salen dos de los mayores éxitos de su carrera: ‘Just Like Heaven’ estaba en este disco aunque no lo recordaras. En ‘Just Like Heaven’, guitarras, bajos, teclados y melodía vocal convergen para crear uno de los hits más emblemáticos de los 80. Sus 600 millones dde streamings actuales en Spotify dan fe de su estatus de clásico. El otro gran hit del álbum, ‘Why Can’t I Be You?’, es un subidón de azúcar solo equiparable a su histérica letra, en la que Smith canta sobre querer achuchar a su amante hasta la muerte.
Pero la variedad de ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ es realmente su mayor aliciente. Sobre todo, su hambre de distintos sonidos. Las eufóricas trompetillas, casi latinas, de ‘Why Can’t I Be You?’ dan mucho sabor a un álbum lleno de diferentes sonoridades que apuntan a una visión global: suena un sitar en ‘If Only Tonight We Could Sleep’, un clarinete en ‘One More Time’, un acordeón en ‘How Beautiful You Are’, cuerdas en ‘Like Cockatoos’, un órgano en ‘Fight’… Curiosamente, todos estos sonidos son sintéticos. El único instrumento real invitado en ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ es el saxofón de Andrew Brenner en ‘Icing Sugar’ y ‘Hey You!!!’, aunque no lo parezca.
La paleta de sabores de ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ da lugar, en algunos casos, a composiciones que son auténticas sinfonías. Ahí están la amenaza tropical de ‘Like Cockatoos’, mi deep cut favorito de The Cure, de acertada ambientación llena de pajarillos, o el baile de ‘Hot Hot Hot!!!’: este single funky de The Cure es un espectáculo de punteos de guitarra que se deslizan de los dedos, cuerdecillas y efectos tipo llamada de teléfono que es imposible de resistir. Hasta una “trompeta” suena al final, en un delirio ya total. Como dato, su mayor posición comercial fue en España, donde entró en el top 10.
Aunque no todas las pistas de ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ funcionan necesariamente a la altura de las mejores canciones de la banda: ‘Snakepit’ es un buen homenaje, muy siniestro, a la película de 1948, pero dentro de la secuencia se queda en curiosidad. El post-punk de ‘Shiver and Shake’ redunda en ideas mejor desarrolladas en otras canciones de The Cure pasadas y futuras. La variedad de ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’, por otro lado, nunca termina de cuajar en un todo global como hacen otros álbumes de la banda, de ahí que el disco se pueda escuchar de manera desordenada aunque Smith no lo pensara de esa manera.
No obstante, si algo une las composiciones de ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ es su visión del amor martirizada, de tortura en vida. Aunque no es una visión siempre seria o depresiva. ‘The Kiss’, la pista inicial, habla de un beso que es «veneno» para Smith. Tal es su angustia que Smith fantasea con la muerte de esa chica en la que no puede parar de pensar. Pero, después, Smith dedica ‘Why Can’t I Be You’ a una persona tan angelical y delicada que, para él, es «angelicada». Smith, borracho de amor, se inventa palabras y suena más achuchable que nunca. En la guitarrera ‘All I Want’, una frase como «te quiero abrazar como a un perro» exhibe cierto humor involuntario, 100% Robert Smith.
‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’ funciona porque ofrece un inmenso y profundo escaparate de todas las ideas que pueden caber dentro de un álbum de The Cure. Y también, y sobre todo, porque las canciones son en su mayor parte espectaculares: The Cure sabe convertir piezas menos conocidas, como las baladas dream-pop ‘One More Time’ y ‘A Thousand Hours’, en absolutos clásicos gracias a sus sublimes melodías y arreglos, y también el pop barroco de ‘Catch’ y ‘How Beautiful You Are’ se cuentan entre las cumbres creativas de una banda que, en el momento de este disco, todavía no ha tocado techo.
En una nueva entrevista con NME, con motivo de su esperado regreso, Scissor Sisters han hablado sobre el adjetivo de «banda gay» que les atribuyó la prensa de la época, hace 20 años: «Tenía raíces en la homofobia».
En un momento de la entrevista con el medio británico, los miembros del grupo son preguntados por si la etiqueta de «banda gay» que se les atribuyó en su época les rechinaba: «Miraba a nuestros equivalentes heteros y tenía algo de resentimiento por tener esta etiqueta extra, que hacia más fácil que alguna gente nos descartara», ha asegurado Jake Shears. «¿Qué es un grupo gay? ¿Village People? Porque eso no somos nosotros», añadía Babydaddy.
En un giro inesperado de los acontecimientos, Shears cita a Azealia Banks: «No comes pizza gay, comes pizza. Me gusta pensar así en la música. Solo es eso». A la pregunta de si la etiqueta se hacía a modo de cumplido, Del Marquis lo niega: «Por aquel entonces, creo que tenía raíces en la homofobia». Babydaddy pone el contrapunto: «También creo que había algo camp sobre nosotros en las mentes de la gente».
Scissor Sisters han regresado después de una década para una decena de conciertos en Reino Unido, además de uno en Irlanda. Sin embargo, la gira por el 20 aniversario de su debut se llevará a cabo sin la co-líder del grupo, Ana Matronic.
El proyecto de Janire Bermejo se caracteriza por su pasión por el pop electrónico, bañado de cierto regusto emo. Para entendernos, si fuera un disco de Charli xcx, más que ‘BRAT’, sería el primero. Hay una bruma -bilbaína- en su música y algo de tormento, aunque ella insiste en que si ha llamado este primer trabajo editado por Mushroom Pillow ‘Las huidas’ es por la connotación positiva de la palabra. Busca «la luminosidad a toda costa», los «focos de luz».
Cabe preguntarse en qué medida lo consigue, pues muchas de sus canciones parecen un calvario en esa «huida hacia adelante». ‘La extraña’, con una melodía a medio camino entre Chris Isaak y Lana del Rey, suena ahogada entre lágrimas (las de su hermana), porque «el mundo ha crecido salvaje estos últimos meses». «Corre ahora que puedes», grita desesperado el estribillo, ajeno a unos padres «enredados en estupideces». Por el contrario, el single ‘A Japón’ sí que sueña con un viaje mucho más feliz, en pareja.
El fondo de ‘La extraña’ rodea sin tocarlos del todo el trip hop, el witch house o el drum&bass. La en principio trepidante ‘Dónde está mi dueño’ es también difícil de clasificar. En realidad, y con todo lo personales que son estas 8 canciones en el puño de Janire, es inevitable hablar de sus músicos: Carla Silván, bajista de Carrera y Ice Heaven; Pablo Fergus, teclista de Pol Granch; Dani Fernández, productor de Alcalá Norte, Sexy Zebras, Amaral; y Alex Moreno, actual batería de Amaral. ¿Por qué es importante incidir en esto cuando estamos hablando de una solista? Porque Janire, que tuvo un pasado en grupos de punk y casas okupa antes de mudarse a Madrid, se diferencia de otros proyectos de bedroom pop gracias a un sonido fiero -muy de banda- que recuerda al rock electrónico de los años 90.
Así, tú crees que estás escuchando un tema de electropop bailable y medio cósmico cuando comienza ‘Pixel Negro II‘, revisitado junto a François tras llevar dando vueltas por la internet desde 2021. Ambas hablan de la capacidad de unos ojos verdes de resucitar «cada pixel negro de mi corazón», pero en él, las guitarras eléctricas atruenan.
La propia Janire considera su mejor carta de presentación ‘1 AM‘. Se han escrito muchas canciones sobre fiestas frustradas, reuniones que acaban mal por el desánimo de la persona que canta, desde los tiempos de «It’s My Party and I’ll cry if I want to» a ‘How Soon Is Now’ de los Smiths. La artista nos sitúa en un escenario parecido en este medio tiempo en el que se define como «cordial y sosa (…) una chica corriente del norte». Hay ahí mucho humor porque nada más humillante que alguien te pregunte en un evento «¿qué haces aquí?». Lo bueno es que desde hoy tienes esta canción para consolarte.
‘Las huidas’ empieza y termina con sendas canciones que incluyen la palabra “mierda”. ‘Pulsar Stop’ quiere “mandarlo todo a la mierda” y lo consigue con la potencia de sus sintetizadores. ‘No me despedí’, con una eléctrica crudísima, se queja de esa “mierda de noticias” que no nos ayudan a sentirnos bien. Sobre todo cuando tenemos que decir adiós pero no sabemos cómo. Ignoro si al terminar esta obra, Janire sintió que efectivamente había dejado atrás una etapa de su vida. Lo que parece claro es por qué el nombre del álbum está en plural. Se puede huir de algo por gusto y se puede huir de algo por pura desesperación. Este disco tiene un poco de las dos cosas.
Rosalía se ha desplazado hasta Llocnou de la Corona, una de las zonas más afectadas por el paso de la DANA en la Comunidad Valenciana, junto al equipo del chef José Andrés y su organización World Central Kitchen. Como una voluntaria más, la artista catalana ha estado colaborando en las labores de reconstrucción y reparto de alimentos.
La autora de ‘MOTOMAMI’ no ha compartido ninguna fotografía de su labor en sus redes sociales. Sin embargo, estas no han tardado en llenarse de vídeos e imágenes de la cantante trabajando junto a los equipos sanitarios y el chef José Andrés, principalmente en la descarga de camiones de comida.
El mundo de la cultura sigue volcándose con la catástrofe en Valencia, organizando varias iniciativas para recaudar fondos con el objetivo de ayudar a las víctimas de la DANA.
Som Valéncia, por la que cerca de 350 artistas llevarán a cabo conciertos benéficos por toda España, ha desvelado hoy quiénes actuarán en cada ciudad y ha puesto a la venta las entradas. De momento, se han recaudado 186.000 euros. Habrá conciertos en Madrid, Cataluña, Andalucía, Euskal Herria, Galicia, Aragón, Castilla y León, La Rioja, Asturias y Baleares. Ya se puede consultar la programación de cada ciudad y sala. Todos los shows tienen un precio de entre 15 y 20 euros, que irán destinados íntegramente a la población afectada a través de la Fundació Horta Salud.
Amaral, Arde Bogotá, Dani Fernández, David Bisbal, Hijos de la Ruina (Natos, Waor & Recycled J), Malú, Pablo Alborán, Raphael, Rozalén, Sole Giménez, Vanesa Martín y Viva Suecia se unen al cartel de ‘Música desde el Corazón’, un concierto solidario que se celebrará en el Wizink Center el próximo 24 de noviembre. Las entradas estarán a la venta desde este viernes, 8 de noviembre, a partir de las 12h en la web de Wizink Center, con precios de desde 30 euros.
Bigsound Festival celebrará una puja benéfica en la que el público podrá conseguir productos de sus artistas favoritos mientras ayuda a los ciudadanos damnificados por la DANA, que recibirán el 100% de lo recaudado. Participan Daddy Yankee, Ozuna, C. Tangana, Myke Towers, Bad Gyal, Saiko, Lola Índigo, Juan Magán, Omar Montes, Ana Mena, Cali y el Dandee, Ptazeta, Abraham Mateo, Álvaro de Luna, Nil Moliner, Belén Aguilera y más. Se podrá acceder a la subasta el próximo lunes 11 de noviembre, a través de la web del festival.
Por último, el concierto benéfico ‘Cantar Para Ayudar’ tendrá lugar el próximo 13 de noviembre en el Palacio Vistalegre de Madrid con las actuaciones de Besmaya, Alex Wall, Inazio, Marlon, Paula Mattheus, Pavlenha y Siloé, entre otros. Todos los beneficios, tanto de la venta de entradas como de venta en barras, se destinarán íntegramente a la Asociación Valenciana de Caridad. Las entradas están ya disponibles desde los 15 euros. Las de pista ya están agotadas y las de grada, al 50%.
Rosalía hoy junto a Paz Padilla y Anita Matamoros repartiendo alimentos a los afectados por la DANA de Valencia gracias a la ONG "World Central Kitchen". pic.twitter.com/TvdgmKVeFA
Charli xcx, Central Cee, Jamie xx, Beach House, Deftones, Fontaines D.C., HAIM, Michael Kiwanuka, Caribou, ANOHNI and the Johnsons o Parcels se encuentran entre los artistas confirmados en el cartel de Primavera Porto 2024, que se celebrará del 12 al 15 de junio en el Parque da Cidade de la ciudad portuguesa, tomando el relevo de la edición de Primavera Sound en Barcelona.
En su 12ª edición, Primavera Porto contará también con TV On the Radio, Magdalena Bay, The Dare, Turnstile, Caribou, Floating Points, Denzel Curry, Wet Leg, Aminé, Waxahatchee, Los Campesinos!, Angelica Garcia, Kim Deal, Squid o Destroyer.
Entre las propuestas locales de Portugal que se presentarán en Primavera Porto se destacan las de A garota não, The BLKBRDS, Capitão Fausto, David Bruno, EU.CLIDES, Klin Klop, Maria Reis, Nunca Mates o Mandarim y Surma, desde Portugal, y ANAVITÓRIA, Liniker y Tulipa Ruiz desde Brasil.
Por otro lado, y por primera vez, el festival celebrará una jornada extra el domingo dedicada a la electrónica, cuyo cartel y detalles sobre el acceso se desvelarán próximamente.
Los abonos y abonos VIP de Primavera Sound Porto 2025 ya están a la venta.
Este sábado 9 de noviembre se celebra una nueva edición de BE MY GUEST en la barcelonesa Sala Apolo. Los protagonistas serán Chaqueta de Chándal, que presentan un nuevo álbum llamado ‘Flema Eterna’. Como complemento a canciones anteriores tan icónicas como ‘A moderno resabiado no le mires el dentado’ o ‘Queremos ir a misa‘, este álbum incluye singles como ‘Objetivo indiscreto’ o ‘Estoy al horno’, que seleccionamos hoy como Canción del Día.
‘Estoy al horno’ comienza como una típica canción de indie-rock con un riff bastante Pixies, pero en verdad pronto se impone la querencia por la psicodelia sesentera y el kraut que siempre han mostrado la argentina Natalia Brovedanni (guitarra y voz, ex Santa Rita), Alfonso Méndez (batería, ex lo:muêso) y Guille Caballero (voz y teclados, ex Los Surfing Sirles). Así damos con una producción trepidante que se extiende hasta los 6 minutos y medio.
Tras una primera mitad que parece otra composición diferente llamada «24 horas», el ritmo cambia acompañando a un estribillo inequívoco: «No soy de aquí, me falta el DNI». En pleno debate migratorio, y ahora sumando la segunda victoria de Donald Trump, ‘Estoy al horno’ da voz a un/a inmigrante que «no puede participar de lo político-social».
La carga social del tema es bien explícita («No sé ni dónde dormir / Todo sueño acaba siendo desastre / ¿Quién me lo iba a decir? / Repartiendo flyers para un after»), derivando en una inevitable crisis de identidad: «Nadie sabe quién he sido y quién soy».
Por cierto, el proyecto de psicodelia y pop-rock Blasser Kyren, con el austríaco Theobald Hazod a la cabeza, ejercerá de telonero, con el apoyo de Liveurope. Os dejamos también con su tema ‘Nicht in meiner Hand’, puro Spaghetti-Western.
Los días 8 y 9 de noviembre se celebra en Barcelona una nueva edición de MIRA Festival, el festival internacional de Artes Digitales que desde su creación ha traído a la capital catalana algunos de los nombres punteros de la electrónica y la música de vanguardia global. El recinto de la Fira Montjuïc volverá a acoger este fin de semana conciertos, shows audiovisuales, instalaciones, DJ sets y experiencias inmersivas, valiéndose de un cartel que vuelve a ser chulísimo en diseño y contenido.
Entre las propuestas confirmadas en MIRA Festival este año se encuentra la de Kim Gordon, que, en una galaxia de distancia de su banda madre, Sonic Youth, presentará su personal aproximación al trap en el disco ‘The Collective‘. También A.G. Cook se personará en Barcelona para demostrar quién es el verdadero rey de la PC Music, ese otro ‘Britpop‘.
Bicep, uno de los nombres destacados del dance británico actual, también estará en MIRA para exhibir su show audiovisual ‘CHROMA’, puro «éxtasis soñador», en el que será el retorno a los escenarios de uno de sus dos integrantes, Matthew McBriar, tras sus recientes problemas de salud. Otro dúo de muchachos, British Murder Boys, ofrecerá el reverso de techno agresivo y duro.
Entre los nombres a subrayar en el cartel de MIRA se hallan también los de dos veteranos a tener muy en cuenta, por un lado, Carl Stone, que expondrá su maestría con la música por ordenador, y Suzanne Ciani, pionera de la electrónica y nominada a cinco GRAMMYs, que presentará show audiovisual junto a Desilence.
La electrónica saltarina de Lorenzo Sienni, la reinvención de la música egipcia de Nadah El Shazly, la escultura expandida de Marc Vilanova o las geometrías sónicas de RRUCCULLA figuran también en la ecléctica e interesante programación de MIRA, entre otras propuestas. Los abonos siguen disponibles.
Sabemos que Ariana Grande tiene un gran talento, tanto para la actuación como para lo musical. Sin embargo, la artista de 31 años quiere dar más protagonismo a lo primero que a lo segundo.
La autora de ‘eternal sunshine’ visitó hoy el podcast Las Culturistas, en la que habló sobre un posible regreso a Broadway, con motivo del estreno de ‘Wicked’: «Es mi corazón», aseguró. Ariana Grande comenzó su carrera a los 15 años en el musical ’13’ de Broadway. Poco después, consiguió su papel en ‘Victorious’.
«Voy a decir algo aterrador», avisó la estadounidense antes de dar la bomba a sus fans, quienes asegura que «lidiarán con ello». «Siempre voy a hacer música, siempre voy a estar en un escenario, siempre voy a hacer cosas de pop, promesa de meñique. Pero durante los próximos 10 años no lo haré al ritmo que lo he estado haciendo durante los últimos 10 años», ha asegurado la cantante.
Ariana Grande no va a dejar la música, pero parece que su actividad artística principal será el teatro: «Reconectar con esta parte de mí que empezó en el teatro musical, y que ama la comedia, me sana», confiesa. Además, a Ariana le vale cualquier papel en el que esté cómoda: «Lo que tenga más sentido, o lo que más pegue, o dónde pudiese hacer un buen trabajo u honrar el material original, todo eso me encantaría», concluye.
Donald Trump ha ganado las elecciones generales de Estados Unidos por segunda vez, y volverá a ocupar la Casa Blanca durante al menos cuatro años. Trump ha obtenido 277 votos electorales frente a los 224 votos logrados por Kamala Harris, es decir, ha ganado y, además, de manera holgada, devolviendo a los republicanos el control total del Senado.
Ni el historial delictivo de Trump, ni los continuos desprecios de su candidato a vicepresidente, J.D. Vance, a las mujeres, en especial a las que no tienen hijos, han impedido el avance del partido republicano a la Casa Blanca. Por otro lado, la promoción de la candidatura de Harris por parte de multitud de superestrellas tan influyentes como Taylor Swift, Beyoncé, Bruce Springsteen o Lady Gaga no ha sido suficiente para asegurar la victoria a la actual vicepresidenta.
Las primeras reacciones no se han hecho esperar. Billie Eilish ha razonado que la victoria de Trump significa «una guerra contra las mujeres». Su hermano Finneas ha sido más sutil: «Os dijo que que robaría la casa y le abrimos la puerta», ha publicado en sus stories. También a través de ese canal, Madonna ha expresado que no entiende «por qué un delincuente convicto y violador ha sido elegido».
Ariana Grande, por otro lado, manda fuerza a «cada persona que está sintiendo el inmensurable peso de este resultado». Ethel Cain, dramática, ha declarado: «Si has votado por Trump, espero que nunca encuentres la paz. En su lugar, espero que un día la claridad te pegue un buen sopapo en la cara y tengas que vivir tu vida con la culpa de lo que has hecho». Y Diane Warren ha compartido una de las reflexiones más ocurrentes: «Cuando escribí ‘If I Could Turn Back Time’ no me refería a esto».
Entre las primeras en valorar los resultados, Cardi B, quien había participado en un mítin de Harris, ha pedido un «milagro» y ha expresado: «os odio a todos». La banda de rock Superchunk ha señalado que Estados Unidos es un país «tan racista que da vergüenza». Duncan Jones, hijo de David Bowie, piensa que se ha «sobrevalorado la bondad de la gente». Garbage ha mandado un mensaje de esperanza: «En la oscuridad nos encontraremos, en la oscuridad nadie nos verá venir». 50 Cent es de los pocos artistas que han «felicitado» a Trump por su victoria.
Otros, como Bruce Springsteen, animan a resistir. Por ello, anoche introdujo la canción ‘Long Walk Home’ en Toronto como una «oración de lucha» para los americanos. Jack White es más directo, describiendo a Trump como el «racista, impugnado, delincuente y violador convicto que robó secretos nacionales y los escondió en su baño, que dijo que nos inyectásemos lejía, que quería arreglar huracanes con armas nucleares, que insultó a personas discapacitadas y militares veteranos y que provocó una insurrección».
Entre las reacciones más duras a la victoria de Trump que se han leído en redes se encuentra la del actor John Cusack, que ha acusado a Estados Unidos de «elegir destruirse a sí misma» al elegir de presidente a un «violador, delincuente condenado y nazi». Daddy G, de Massive Attack, ha calificado este 6 de noviembre como «un día muy triste para el mundo».
En España, Rayden ha vinculado la victoria de Trump con el apoyo directo de Elon Musk, dueño de X: «Gente quejándose por aquí de la victoria de Trump, preguntándose qué ha podido pasar, en una red social que fue comprada por Musk, básicamente, para controlar la opinión». En las próximas horas ampliaremos la noticia con más reacciones.
Acabamos de estar en BIME y nos dirigimos a Alhambra Monkey Week… ¿pero termina de entender el público qué es exactamente una Feria de Música para profesionales? ¿Es consciente la gente de que, mientras se celebran festivales como Primavera Sound y Sónar, en sus secciones PRO, cientos de profesionales de la industria musical de todo el mundo se encuentran? ¿Puede colarse la gente de a pie ahí? Para tratar de arrojar algo de luz sobre este tema, Tali Carreto, co-director de Monkey Week, visita ALGO CAMBIÓ… el podcast que JENESAISPOP realiza en colaboración con Fundación SGAE.
Tali Carreto recuerda los inicios de Monkey Week hace 16 años. En primera instancia, la idea era contar con «7, 8, 9 artistas» de carácter internacional o de la primera línea, que fueran tanto un reclamo para el público como para la prensa fuera de Andalucía. Así acabaron figuras como Neneh Cherry o Faust en esta Feria que primero se celebraba en el Puerto de Santa María y ahora es en Sevilla. Sin embargo, en los últimos tiempos, Monkey Week está más centrado en encontrar «la música del mañana», apostando por talentos jóvenes de muy diverso pelaje.
Tali Carreto recuerda el momento en que se apostó por gente como Rosalía, Ralphie Choo, Bronquio o Carolina Durante antes de ser famosos, estos últimos tocando en un bar a ras del suelo. También, cómo han terminado desarrollando una amistad con los artistas dada la cercanía que permite el Monkey. Es el caso de Camellos, Parquesvr, Rocío Márquez o Niño de Elche. El también promotor recuerda que a veces esos «artistas emergentes forman colas o actúan en un aforo completamente lleno. A lo mejor van a Teruel y van 4, pero es la importancia que tiene una feria profesional».
Carreto también nos cuenta cómo se selecciona a los artistas, como por ejemplo este año Julia de Arco, que no hace mucho tenía 0 oyentes mensuales en Spotify, y nos habla de la importancia de estas ferias, más que por la asistencia de público -la gente puede ir, pero no es tan masivo como otros eventos- por su impacto mediático y dentro de la industria. También por la promoción de artistas que no son de USA o UK: este año Fundación SGAE y Monkey Week promocionan a Fulana de Val gracias a un intercambio cultural con Uruguay.
Coincide en la importancia de estos eventos Luis Gómez, Jefe de Socios de Fundación SGAE, presente en Monkey Week y también en las ferias del Sónar o de Primavera Sound. Nos indica al final del podcast: «Son muy importantes estas ferias a nivel internacional porque ponen a España en el mapa». También nos deja una anécdota sobre Madonna y La Terremoto de Alcorcón. Os recordamos que Alhambra Monkey Week se celebra este año del 21 al 23 de noviembre en Sevilla.
Vega dice que ‘IGNIS’ es su 11º disco, aunque en esa suma incluye sus lanzamientos especiales, como el disco de versiones italianas que lanzó en 2015, o el disco en directo que sacó en 2020. Es la manera de Mercedes Mígel Carpio de redondear el concepto de un álbum que se compone de 11 cortes y que es el más inusual de su carrera, pues se ha lanzado al mercado sin sencillos de presentación y con una edición física diseñada para prenderle fuego, literalmente.
El fuego tiene un significado personal para Vega, una artista que dice haber sobrevivido a incendios (metafóricos), resurgido de sus cenizas, varias veces a lo largo de su vida y carrera. Por tanto, en ‘IGNIS’, Vega reivindica que el fuego “no solo destruye, sino que también purifica”. Apuesta por un nuevo “principio”.
Curiosamente, Vega dice también que no planeó escribir ‘IGNIS’, pero que este llegó sin avisar. Sus nuevas canciones siguen apegadas a lo que mejor se le da, el pop-rock, pero ahora desprenden un decidido aroma fronterizo. Mercedes, junto al productor Ricky Falkner y sus músicos, se arman de pianos, guitarras eléctricas, pedal steels, teclados Hammond y Rhodes y tubas, o hacen uso de efectos “twang” en las guitarras y “slapback” en las voces, para crear una atmósfera de directo íntima y clásica, de rock añejo.
A esta observación contribuye Vega escribiendo imágenes como la de ‘Dispárame una canción’, la pista final, en la que se retrata a sí misma bebiendo whisky mientras sujeta “un pitillo entre los dedos” y escucha las canciones de un “disco descatalogado” de título desconocido. La influencia norteamericana, del blues, el folk-rock, la Americana y el rock de carretera, se palpa desde el primer segundo al último, y no solo porque una de las pistas se titule ‘Boston’. Por cierto, otra canción 100% marca Vega en la que la cordobesa pide “al cielo” que le dé “una tregua al corazón”.
Del diálogo de Vega -cuya voz sigue siendo una de las mejores del pop actual- con el sonido americano nacen canciones que -para sorpresa de nadie- vuelven a ser emocionantes. La balada ‘Si los árboles bailan’ se atreve a abrir el álbum narrando una ruptura inevitable. ‘Incondicional’, la mejor canción del largo, supera el horizonte -ya que hablamos de fronteras- de los cinco minutos sonando épica como el heartland rock de los War on Drugs. Y ‘De otro planeta’ tira de indie-rock guitarrero y distorsionado para combatir las “hecatombes” que se avecinan en un “planeta en declive”.
Aunque la nota de prensa de ‘IGNIS’ habla de “melodías que no dejan indiferente”, mientras Vega afirma que el “pedal steel” en el álbum crea texturas “únicas”, el sentimiento de familiaridad impera en el nuevo álbum de Vega. En ‘IGNIS’ lo importante no ha sido arriesgar o proponer un sonido diferente, sino ofrecer desarrollos tan bonitos y emocionantes como el ‘Cristal oscuro’, estribillos -otra vez- tan sumamente dignificados como el de ‘Leviatán’ o metáforas del infierno tan certeras como la de ‘Crisantemos’, que habla de avernos o de un “circo de necios” antes de declarar que la “batalla del amor solo ha empezado”.
En este nuevo trabajo lleno de dignidad e intensidad emocional de Vega, a la que se escucha describir “tormentos” o cantar que le “duele al respirar”, pero nunca abatida, sino siempre logrando levantarse de todo bache, la cordobesa obtiene un sonido muy homogéneo no solo comprometiéndose con una dirección específica, sino también evocando elementos de la naturaleza tanto en el concepto de ‘IGNIS’ como en las letras del disco. Si la influencia de la Americana de ‘IGNIS’ produce un sonido necesariamente “terrenal”, tiene sentido que las canciones evoquen el ‘Litio y alquitrán’ o que imaginen a una ‘Niña descalza’. La reina pez ahora camina por tierra, y el suelo quema.
Mount Eerie ha publicado esta semana nuevo disco, ‘Night Palace’, el primero que firma con su alias actual en cinco años. La recuperación de Phil Elverum de su proyecto original, The Microphones, produjo un álbum en 2020, ‘Microphones in 2020‘. El último álbum de Mount Eerie, ‘Lost Wisdom Pt. 2’, se editó en 2019.
Sacar a The Microphones a colación del nuevo disco de Mount Eerie tiene esta vez más sentido de lo que parece, pues se comenta que ‘Night Palace’ es una especie de segunda parte de ‘The Glow pt. 2’ (2001), el mejor disco que The Microphones. Se parecen en extensión y método, pues ambos alcanzan o superan las 20 pistas -el nuevo elepé contiene 26- transitando diversos estilos.
Hay lo-fi, distorsión y balada pastoral, entre otras cosas, en ‘Night Palace’, un disco que Elverum ha vuelto a grabar con métodos analógicos desde su estudio propio, situado en el bosque. ‘I Walk’ es una de sus mejores pistas y la Canción Del Día de hoy.
‘I Walk’ ha sido uno de los sencillos extraídos de ‘Night Palace’. Es, también, uno de los momentos clave del álbum. En ‘I Walk’, Elverum «camina» hacia la catarsis pasando de la confusión a la liberación. Este viaje se representa en la composición de ‘I Walk’, que empieza de manera dispersa, con Elverum apenas audible bajo la instrumentación, y se viene arriba después con la irrupción de un pasaje de guitarras distorsionadas que reclaman toda la atención.
En ‘I Walk’ Elverum narra un viaje de evolución personal. Canta que las expectativas «generacionales», familiares, vitales, le pesan, y que su cabeza es como una «ciudad de pensamientos que nunca terminan». Pero, en cuanto Elverum pone un pie en la naturaleza, los pensamientos se le «aclaran» y su «ego» se «disuelve». De repente es uno con el mundo. Un nuevo comienzo se abre ante él.
Ayax y Prok, el dúo de gemelos raperos de Granada, ha emitido un comunicado en el que niega las acusaciones por supuestos abusos sexuales recibidas desde la cuenta de Instagram «denunciasgranada«, creada a raíz de una primera acusación publicada a través de la cuenta de Cristina Fallarás, después de las acusaciones contra Íñigo Errejón.
Desde la cuenta de Instagram se recogen decenas de testimonios de presuntos abusos que señalan a «dos gemelos raperos» procedentes de Granada que responden a las siglas «ayp». Se relatan historias de sexo con violencia, sexo «no consentido» y sexo facilitado por vía de consumo de drogas, además de insultos y humillaciones.
En su comunicado publicado desde la cuenta individual de cada rapero, Ayax y Prok «desmiente» todas las acusaciones y apunta a una «campaña de difamación» contra el grupo: «La gente que nos conoce desde hace más de 10 años saben qué tipo de personas somos. Somos buenas personas y comprometidas con TODAS las causas sociales, sin excepción. Este ha sido un ataque no solo a nosotros, sino también a nuestro trabajo, a nuestros proyectos e ilusiones». El dúo de hermanos anuncia que tomará medidas contra las personas responsables de la citada cuenta de Instagram, y asegura que espera que su caso «sienta un precedente» para que «no se pueda difamar a una persona desde el más absoluto anonimato, sin pruebas y sin presentar denuncia alguna».
The Cure arrasa en Reino Unido con ‘Songs of a Lost World‘, su primer disco en 16 años. Para sorpresa de nadie, ‘Songs of a Lost World’ va camino de debutar en el número 1 de álbumes en Reino Unido. Sus cifras a tiempo de redacción de esta noticia superan las de todo el top 10 junto. En concreto, se han despachado hasta ahora 36.970 copias físicas y 2.838 descargas, mientras las reproducciones en streaming equivalen a 1.110 unidades «vendidas».
‘Songs of a Lost World’ dará a The Cure su primer número 1 de álbumes en 32 años. El último se lo llevó ‘Wish’, en 1992. ‘Wish’ contenía el single de mayor éxito de la carrera de The Cure, ‘Friday I’m in Love’. Ningún tema individual de ‘Songs of a Lost World’ aparece en la lista oficial de singles británica, pero eso nunca iba a impedir a The Cure triunfar con su primer disco en casi dos décadas.
The Cure acaba de presentar ‘Songs of a Lost World’ en directo en Londres en un épico concierto que se ha retransmitido a través de Youtube.
‘Songs of a Lost World’ también ha sido un éxito de crítica. En JENESAISPOP hemos comentado que en el álbum «impera una sensación de autoreivindicación» y que «The Cure vuelve haciendo las cosas a su manera». «Después de haber sido copiados hasta la saciedad, The Cure viene a recordar que ningún grupo sabe capturar el sentimiento de perdición del ser humano tan bien como ellos. Por canciones como la devastadora ‘I Can Never Say Goodbye’ o la majestuosa ‘All I Ever Am’ ya ha valido la pena la espera».
‘Songs of a Lost World’ es el Disco de la Semana en JENESAISPOP. En los próximos días, en JENESAISPOP podréis leer críticas de varios discos clásicos de la banda. Os recordamos que tanto ‘Faith‘ como ‘Disintegration‘ ya fueron revisados en su momento.
Inverfest recibió más de 120.000 asistentes en la edición de su décimo aniversario. El festival de invierno de Madrid volverá del 9 de enero al 22 de febrero a las principales salas de la ciudad con decenas de nombres, como Rodrigo Cuevas, Judeline, María José Llergo, Kiko Veneno o La Bien Querida, entre muchos otros.
SerÁn un total de 102 conciertos en un total de 9 sedes, grandes y pequeñas, del WiZink a la Siroco pasando por la But o El Sol, incluyendo una en Fuenlabrada. Tienes todo el calendario en su web.
Este año destacan los aniversarios de Coque Malla, Marwán o Hard GZ, el repaso a la discografía completa de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba rodeados de amigos como Kiko Veneno, Ángeles Toledano, Anni B Sweet o El Canijo de Jerez (entre otros muchos), todos ellos en el Wizink Center; o la despedida madrileña del último disco de Rodrigo Cuevas.
La Riviera acogerá a gente como La Bien Querida y Pedro Guerra, ambos presentes con su guitarra acústica en la presentación realizada en el Price de Madrid este martes. Los co-directores han recordado a las víctimas de la dana, así como el poder curador de la música. También han avanzado que organizarán conciertos en Bilbao y Zaragoza.
La 11ª edición de Inverfest celebrará los más de 50 años de carrera de Mocedades, que estarán acompañados por el emblemático trío Los Panchos en el Teatro Circo Price. También habrá una programación especial de flamenco con Miguel Poveda, que dará vida a los textos del Poema del Cante Jondo de Federico García Lorca; el espectáculo Indios del sur con Lole Montoya; o las actuaciones de David de Jacoba y The Gardener, miembro de Califato 3/4.
En este mundo de colaboraciones y campos de composición, ya es hasta extraño enfrentarse a un disco 100% escrito y producido por una sola persona, Pablo Pérez Real, esto es, caracazador. Ni en álbumes de cantautores encontramos ya esta soledad extrema, pues lo habitual es recurrir a una mano amiga de confianza para corregir tics, por no hablar de que lo de producir tu propia música completamente en solitario no lo hace ya ni James Blake.
‘República’, el segundo disco de caracazador, suena como el trabajo de alguien que acaba de salir de Operación Triunfo 2025 y se ha dejado empapar de underground y tendencias. Lo digo como algo positivo: contiene la inquietud de los mejores temas de Natalia Lacunza o Juanjo Bona, solo que en este caso lo ha hecho todo solo. Asesorado por GOZZ Records, el sello de Zahara, a la que conoció en un taller de escritura, pero sin que ni la cantante ni sus ayudantes participaran explícitamente del proceso creativo.
Se trata de un disco que pese a su nombre no encierra intención política alguna, con la «República» simbolizando un estado o un sistema en el que se enmarcan 10 historias de amor que funcionan de manera independiente, sin sentido narrativo global. El tema llamado ‘República’ es el único ambiguo en lo social, cuando dice que «esta ciudad aprieta más que darnos la oportunidad». El resto se caracteriza por la sensación de intimidad proporcionada por unos textos que apelan a los sentimientos más profundos sin esquivar el sexo.
La rítmica ‘DRIM’ es de las que contiene un poco de ambas cosas, hablando de heridas y sangre, y al mismo tiempo de un «cuarto lleno de fotografías de pornografía por toda la pared», de alguien «tumbado en cuatro». No obstante, prevalece la ambigüedad y la libre interpretación, por ejemplo en ‘DIOS BENDIGA ESTA CASA’, que habla sobre alguien «que siempre te espera tumbado en su habitación, a que aparezcas a darle un poco de amor», y luego añade líneas más imprecisas.
El disco se presenta con ese delicado pop de cámara a piano, para luego estar dispuesto a abrirse a terrenos más pantanosos. La new age y el trip hop se pasan por ‘RAVEL’, las cuerdas por ‘PARLAMENTO’, la EDM más sutil por ‘REPÚBLICA’ o el juego de voces a lo ‘Medúlla’ de Björk por ‘HIMNO’. «No suelo escuchar a hombres», ha dicho en una entrevista cuando le hablan de la posible influencia de Sufjan Stevens. Mención especial merece el guiño al folclore patrio incluso en el léxico (el «marinero» de ‘FALLA’) o en las palmas. También los susurros y jadeos que sirven para conformar ritmos, dinamismo o esa sensación de introspección que nunca abandona el álbum.
En ese sentido, ‘HAMBRE’ es una de las composiciones más ricas, en su ansia sexual, con frases explícitas y elegantes, de «¿Tienes hambre? Ya no me queda nada más» a “He guardado mi pecho en tu boca a sabiendas que nada te puede saciar”. Y ‘MI ROSTRO‘ puede ser la gran tapada de un álbum que conocimos con ‘CASAMURADA‘. Es en esta maravilla donde mejor convergen la belleza de la melancolía con algo parecido a una danza siniestra.
Beyoncé ha lanzado lo más cercano a un videoclip en años. El nuevo corto se llama ‘BEYWATCH’, siendo este un juego de palabras con el título original de ‘Los vigilantes de la playa’, y ha sido lanzado en el día de las elecciones en Estados Unidos. Vestida como Pamela Anderson, Beyoncé pide a los ciudadanos que voten.
‘BEYWATCH’ es una mezcla de varias cosas: el reveal de otro disfraz de Halloween de Beyoncé, que ya se había vestido como Prince y Betty Davis; el videoclip improvisado de ‘BODYGUARD’ y una llamada de atención a la ciudadanía estadounidense, que se enfrenta a una de las elecciones más importantes de su historia, para que voten. La autora de ‘COWBOY CARTER’ ya estuvo el mes pasado en un mitin de Kamala Harris en Houston, junto a su excompañera de Destiny’s Child, Kelly Rowland.
Esto lo hace durante el clip, con una pistola falsa en la que en vez de «BANG» pone «VOTA», y al final del mismo, con la orden escrita sobre un fondo negro. Los últimos vídeos de la cantante son extractos del disco visual ‘Black Is King’. Sin embargo, su último vídeo musical en condiciones fue el de ‘Formation’, en 2015.
Desde su celebrado debut con ‘Clean’, Soccer Mommy poco a poco se ha convertido en uno de los nombres más prestigiosos en el indie-rock contemporáneo. El proyecto de Sophie Allison ha ido ganando adeptos a cada álbum, manteniendo un estilo identificable, y a su vez, experimentando con distintos sonidos en cada nuevo trabajo.
En JENESAISPOP nos reunimos con ella en Madrid un día antes de su actuación en Mad Cool. Por aquel entonces, ‘Evergreen’, su último álbum, aún no había sido anunciado, pero pudimos escucharlo para la ocasión. La cantautora nos habla sobre su fascinación por los 90 y los primeros 2000, su experiencia abriendo para otros artistas, su proceso creativo para este nuevo proyecto o sus canciones favoritas de cada uno de sus discos.
¿Qué diferencia hay en la preparación de un festival frente a la de un concierto en sala?
Durante el último año más o menos, sobre todo hemos abierto para grupos más grandes o tocado en festivales. Realmente no necesitamos ninguna preparación para este tipo de cosas. No habíamos tocado juntos [con su banda] en cuatro meses antes de que empezara esta gira, así que era más acostumbrarse a tocar juntos de nuevo que nada más. Los festivales son tan frenéticos que nunca vas realmente preparado, no importa lo que hagas. Apareces, es tu turno, sueltas tus cosas por el escenario, tocas un acorde con la guitarra y ya tienes que empezar. Es un poco locura, así que tienes que tomártelo con calma.
Además parece que todo el mundo va como con más energía, ¿no? ¿Tienes alguna anécdota divertida que te haya pasado en un festival?
Creo que no me ha pasado nada muy loco, pero a mí siempre me gusta ir a ver a otros grupos cuando estoy en festivales y he conocido a gente que me ha reconocido entre el público. Todo el mundo siempre es súper amable. Creo que no he tenido una mala experiencia con fans desde hace como 5 años, todo el mundo es muy majo ahora.
Has abierto para otros grandes artistas como Slowdive, Phoebe Bridgers, Mitski… ¿Qué se aprende siendo telonera?
Siempre hay un proceso de aprendizaje. Es genial abrir para otros grupos y recordar que, en cierta manera, no importas. No en plan mal, pero cuando eres la artista principal todo tiene que salir como tú quieres y todo va sobre ti. Y no siempre es así, especialmente en festivales, no es para nada así. Si estás acostumbrada a hacer este tipo de cosas, sabes que la gente te va a tratar bien y demás, pero que no están ahí por verte a ti. Es muy sano y está muy bien tocar para públicos que no conocen tu música, incluso si eso significa que a veces simplemente van a estar ahí quietos aplaudiendo educadamente. Sabes que no vas a tener a un público enloquecido, pero está bien porque puedes hacerte con nuevos fans y también haces que te escuche gente que nunca hubiera escuchado tu música. Es tan importante como ser cabeza de cartel, y te enseña lo que es tocar en sitios más grandes de los que sueles tocar, por lo que cuando llegas a ellos, ya tienes la experiencia de haberlo hecho antes. Puedes sacar mucho de ello.
«Ser telonero es tan importante como ser cabeza de cartel»
Hablando ya de tu música, cuéntame cómo trabajas con la estructura de tus canciones. Son muy melódicas y siempre sueles crear grandes estribillos pop.
Siempre me ha encantado la música pop. Siendo una niña a principios de los 2000, me crié con ese tipo de música, y me encantaban esos momentos de estribillos pop. No siempre los necesitas, pero sienta bien hacerlos a veces y pueden hacer que el mensaje quede bien claro, así que por qué no intentarlo. Pero me gusta retarme con las estructuras para no aburrirme. No quiero hacer solamente “verso / estribillo / verso / estribillo” y fin de la canción, quiero intentar añadir elementos que alteren un poco las cosas: un cambio en la melodía, un outro, un puente, incorporar cambios en la progresión de acordes, etc. Creo que aporta mucho y aun así puedes seguir sonando pop. Si consigues hacer las dos cosas, es mucho mejor que si te quedas con algo muy sencillo. Eso es algo que me encanta hacer sin importar el tipo de música que haga. Incluso si estoy con algo más ruidoso o intenso, quiero que haya cambios.
Mencionas los 2000 y, sin duda, percibo esa influencia en tu música, pero sobre todo, me suena muy noventera. ¿De dónde viene esa fascinación por esta época?
Me encantan los 90. He visto tantas series y pelis de los 90 de pequeña… Me encantaba ‘Buffy Cazavampiros’, ‘Sabrina, cosas de brujas’, ‘Embrujadas’, todo este tipo de series. Escuchas mucha música en ellas, incluso si no vas a escucharla después necesariamente. Es un sonido que siempre me ha gustado, y los primeros 2000 tienen mucho de eso también aunque tengan un estilo de producción distinto. Los 90 son como “guays”, me he dado cuenta de que hay mucha música por descubrir.
En tu música oigo a grupos como Slowdive, Broadcast, The Sundays… ¿dirías que ese estilo es lo que más escuchas?
Sí, totalmente. Escucho mucho de eso y también mucho pop, sobre todo de los 2000. También indie-rock más moderno. En realidad escucho de todo, pero vuelvo constantemente al rock de los 90 y al pop de mi infancia.
«Vuelvo constantemente al rock de los 90 y al pop de mi infancia»
Tu anterior disco tenía un sonido más oscuro, un poco trip-hop. Este álbum es más íntimo y sin sintetizadores, ¿qué te hizo elegir este estilo?
Cuando estaba escribiendo las canciones y haciendo las demos me parecieron muy crudas y fieles a lo que las canciones querían decir. No quería inundarlas de todos esos sonidos que tanto he usado. Me encanta experimentar y probar nuevas cosas, creo que queda bastante claro escuchando mis discos, pero sentía que lo más experimental que podía hacer era no hacerlo e intentar algo que no fuera lo obvio para un álbum indie-rock.
Para mí la inspiración más real de todo esto son las flautas. Empecé a crear piezas de flauta en mis sintetizadores y pensé que usar flautas reales molaría mucho, así que me obsesioné con la idea de que tenían que ser parte del disco. Quería que se sintiera distinto, puro, y conseguir sonar como si estuviera ahí mismo cuando lo escuchas. Es una referencia un poco aburrida, pero como Bob Dylan, que es como que él está ahí y hay una banda a su alrededor y la canción está en el centro de todo, y podría estar totalmente despojada de cosas, que sonaría igual. Quería que el disco tuviera ese corazón, y pensé que si empezaba a usar sintetizadores no iba a parar de usarlos porque me encantan, así como cajas de ritmo. Pensé, si los dejo fuera, me voy a forzar a intentar cosas que quiero probar, como pianos, guitarra acústica, flautas, cuerdas. Es muy fácil optar por un sintetizador o una caja de ritmos, siempre va a sonar genial. Me encanta cómo suenan, pero quería que el álbum fuera distinto, más puro.
A veces ponerse restricciones ayuda.
¡Sí! Pueden darte una mayor creatividad. Por ejemplo, puedes hacer lo obvio de usar un sintetizador o una línea de guitarra para después del estribillo y el post estribillo, pero si restringes esas posibilidades puedes dar con ideas y paletas sonoras más interesantes. Es la razón por la que volvemos a ciertos álbumes que tienen un universo sonoro particular y distinto a todo lo demás, porque se salen de lo que normalmente se usa.
¿Tienes alguna rutina creativa?
Realmente no. Toco la guitarra todo el tiempo y nunca lo hago para practicar, solo toco para intentar escribir. Así que cuando encuentro una idea que me gusta, me inspiro y empiezo a trabajar con ella. Pero no tengo nada que necesite particularmente más allá de cierta sensación de privacidad. Puedo trabajar en mi casa, o en medio de una gira si consigo evadirme.
Leí que cuando empezaste a trabajar con estas canciones no tenías en mente empezar un nuevo proyecto en particular, ¿en qué momento te diste cuenta de que tenías un disco?
Para mí siempre ha sido así. Al empezar el proyecto, en la primera canción o así, estoy todavía averiguando lo que estoy haciendo. La primera canción que escribí para el disco fue ‘M’ y recuerdo que pensé que era diferente a lo que había hecho hasta ese momento, que era una nueva dirección. Sentía que me dirigía a otro sitio. Y no iba a escribir esto y después volver a escribir cosas que sonaran igual que el disco anterior. Pensé que había algo nuevo ahí que me parecía emocionante.
Veo a ‘Changes’ como la pieza central del álbum, al menos a nivel emocional, ¿qué puedes contarme de esta canción?
Escribí esa canción cuando estábamos grabando ‘Sometimes, Forever’, y me gustó mucho, pero era muy distinta así que no la llevé a las sesiones de grabación. La dejé a un lado y no pensé en ella por un tiempo, pero cuando tenía escritas un par de canciones para ‘Evergreen’, volví a ella y vi que podía encajar bien. La metí en la carpeta de demos pensando que si al final no funcionaba me desharía de ella. Pero funciona porque es una canción sobre los cambios, obviamente. Sobre mirar al pasado, a todas las cosas que importaban tanto y darse cuenta de que ahora ya son recuerdos lejanos. No me gusta eso, es incómoda la idea de que las cosas que están aquí ahora mismo serán recuerdos lejanos que me den igual en el futuro. Hace que todo lo que sientes y todos los momentos se sientan insignificantes. Encajaba muy bien con las ideas que maneja el disco.
Claro, porque el álbum es sobre la pérdida, ¿de qué forma crees que el duelo ha cambiado tu forma de ver la vida y de hacer música?
Mi perspectiva cambia constantemente. Creo que la idea de la muerte y su realidad es algo muy difícil con lo que lidiar. El tiempo e ir madurando va continuamente cambiando tu forma de sentirla y tus opiniones. Cuando tenemos opiniones sobre este tipo de cosas, no tenemos por qué aferrarnos a ellas para siempre. Algo puede pasar en nuestra perspectiva que la cambia al completo. A mí me sigue pasando.
«En Nashville hay música por todas partes, es una ciudad muy musical»
Cambiando de tema, tú eres de Nashville, un lugar con una gran cultura musical, ¿qué impacto ha tenido o tiene esta ciudad en tu música?
Empecé a tocar música desde que era muy pequeña, probablemente un poco se deba a que había música por todas partes y que es una ciudad muy musical. Está llena de músicos, conocía a mucha gente que sus padres eran músicos, etc. Estar rodeada de todo eso creo que hizo que empezara pronto a escribir música, incluso si era a un nivel infantil. También creo que hay algo de cantautora country / folk dentro de mí, en mi forma de escribir. No me inclino por ese género en su totalidad pero creo que hay influencias de ello.
¿Qué influencias manejaste para ‘Evergreen?
Siempre me es imposible concretar mis influencias en la escritura de las canciones, pero en las producciones sí que puedo identificarlas más. Pensé mucho en Nico, porque me encantaban esas guitarras eléctricas tan limpias, en cosas sinfónicas que no sonaran a pop de cuerdas hi-fi y que tuvieran un sonido muy interesante, que sintieras que están justo a tu lado. Hubo mucho de eso, también de Jim O’Rourke, su música mezcla un mundo acústico y eléctrico con sonidos muy orgánicos, que a su vez resulta muy original. Y luego bandas como Yo La Tengo, que tienen un sonido de guitarra onírico y húmedo que me encanta. También la naturaleza es siempre una gran inspiración para mí. En este álbum en particular, quería transmitir la idea de una persona que está muy conectada con la naturaleza y con el mundo que le rodea.
Para terminar, ¿cuál es la canción de la que estás más orgullosa de cada uno de tus cuatro discos?
¡Qué difícil! Creo que en este disco de la que más orgullosa estoy, tanto en las letras como en la producción, es ‘M’. Es exactamente lo que quería hacer con ella y no me puedo creer que lo haya logrado. De ‘Sometimes, Forever’… es muy difícil, pero creo que ‘Fire in the Driveway’. Me encanta la canción en general, pero lo que hicimos con la producción es muy interesante y no lo que esperaba hacer, pero es increíble en mi opinión lo que Dan [Lopatin] consiguió. De ‘Color Theory’… Si tuviera que enseñarle a alguien una canción del disco, la más representativa creo que sería ‘yellow is the color of her eyes’. Creo que es la opción más obvia. Pero ‘gray light’ siempre suena genial para mí. Y de ‘Clean’, estoy entre ‘Still Clean’ y ‘Wildflowers’, creo.
Interesantes elecciones. No has dicho ‘circle the drain’, creo que es mi canción favorita tuya…
Me encanta ‘circle the drain’, ¡me resultó muy fácil hacerla!
Tras los catastróficos sucesos ocurridos principalmente en la Comunidad Valenciana debido al paso de la DANA, la industria musical ha decidido unirse para recaudar y enviar ayuda a la población afectada. Así nace Som Valéncia, una iniciativa sin ánimo de lucro en la que más de 200 artistas llevarán a cabo conciertos solidarios alrededor de todo el país, a partir del lunes 11 de noviembre. La recaudación se destinará íntegramente a las personas afectadas.
Alizzz, Alcalá Norte, Cariño, Carolina Durante, Ginebras, Judeline, La M.O.D.A., María Arnal, Natalia Lacunza, Mushkaa, Russian Red, Shego, Villano Antillano o Zahara son solo algunos de los nombres que se suman a la propuesta. Esta fue promovida inicialmente por el sello barcelonés Hidden Track Records y pronto se convirtió en algo de toda la industria musical española. La lista completa de artistas está disponible en la página web.
A partir del próximo 11 de noviembre, las salas de toda España (Barcelona, Madrid, Sevilla, Burgos, Lleida, Donosti, Murcia, Granada, Zaragoza, Málaga…) se llenarán de conciertos. La recaudación se destinará íntegramente a lxs afectadxs por la DANA a través de la Fundación Horta Sud, una organización sin ánimo de lucro con más de 50 años de actividad.
Los conciertos tendrán un precio de entre 15 y 20 euros. Las entradas podrán adquirirse a partir de este jueves, 7 de noviembre, a las 12h a través de DICE, que no sólo no cobrará comisión sino que se hará cargo del importe de la transacción bancaria para que todo el dinero donado llegue íntegro a sus destinatarios. Además, facilitará que el dinero se vaya enviando a medida que entre, debido a la situación de extrema urgencia.
Semana de locura total en Discos España, en la que hasta 20 novedades logran llegar al top 100 oficial. Dani Fernández logra reinar con ‘La jauría’, siendo también número 1 de vinilos además de en la lista general. No es su primer número 1 en España, pues ‘Entre las dudas y el azar’ ya logró lo mismo en 2022.
Además, la colaboración de Dani Fernández con Valeria Castro ha logrado llegar al top 100 de Singles, por lo que el artista ya tiene 4 temas en la lista de canciones oficial: ‘Me has invitado a bailar’ sube al número 12, ‘¿Y si lo hacemos?’ con Valeria Castro llega al puesto 61, ‘Por no bailar contigo’ sube al número 73 y ‘Todo cambia’ reentra en el 84.
Carolina Durante se tienen que conformar con el puesto 2 con ‘Elige tu propia aventura’. Es un éxito para ellos arañar un top 50 en Singles gracias a Rosalía, si bien un tanto frustrante que sea la tercera vez consecutiva que el grupo llega al top 3 en España sin alcanzar nunca la cima. Su primer álbum fue top 2 en España, y el segundo, top 3.
‘Bodhiria’ de Judeline logra posicionarse en el número 4 de la semana -nada mal para un debut-, mientras Tyler the Creator, ya arrasando en Estados Unidos, llega al número 7 en España con ‘Chromakopia’, nuestro Disco de la Semana hace unos días.
‘Ignis’ de Vega es top 8 en España, mientras Dorian aparecen en el puesto 42 con ‘Futuros imposibles’. Ambos lograron entradas mejores cuando no tenía peso el streaming, que suele ser cruel con (casi) todo lo que no sea reggaeton, o algo parecido.
Halsey es top 39 de nuestro país con ’The Great Impersonator’, casi la misma posición que con menos promoción obtiene ‘Cartoon Darkness’ de Amyl and the Sniffers, puesto 51. Halsey tiene casi todo su público en Estados Unidos, donde es top 2 con este lanzamiento, mientras que las posiciones a este lado del charco son muy modestas: 178 en Francia.
Otras entradas de la semana que hay que destacar son ‘Inédito’ de Bustamante en el puesto 3, ‘Triana’ de Cano en el número 10, ‘Entre cuatro paredes’ de Marlena en el puesto 14, ‘Kustom’ de Lit Killah en el 78 y ‘The Night the Zombies Came’ de Pixies en el 92.
En cuanto a reediciones, recopilatorios y otros inventos navideños, ‘Sinfónico’ de Ismael Serrano llega al puesto 23, ‘American Idiot’ de Green Day al puesto 43, ‘Queen I’ de Queen al puesto 56, ‘Songs for a Nervous Planet’ de Tears for Fears al número 66, ‘Live at Fillmore East, 1969’ de Crosby, Stills, Nash & Young al 80, ‘Un mundo separado por el mismo Dios’ de Nacho Cano al 85 y ‘Duets’ de Andrea Bocelli al 95.
Al fin hay nuevo número 1 en España. ‘Si antes te hubiera conocido’ de Karol G cae de la cima al puesto 3 en su 19ª semana de permanencia y cuando ya lleva 6 discos de platino. El nuevo número 1 es ‘Degenere’ de Myke Towers junto a Benny Blanco, que sube del top 3 a la máxima posición en su segunda semana. La canción incluida en su nuevo disco ‘La pantera negra’ interpola ‘Tom’s Dinner’ de Suzanne Vega, que aparece acreditada como co-autora, y es una co-producción de Cashmere Cat.
El tema original data de 1981 aunque no fue hasta 1987 cuando fue incluido en el superventas ‘Solitude Standing’ de la cantautora. Entre los artistas que han versionado, interpolado o sampleado antes el mismo tema, hay que hablar de Fall Out Boy, Sofi Tukker, Cupcakke, Public Enemy, 2Pac o Billy Bragg con R.E.M.
Por otro lado, la subida más fuerte de estos días es el tema titulado ‘IA’ de Clarent, que pasa del número 6 al número 2.
Con solo unas horas de lanzamiento, ‘Duro’ de Quevedo logra ser la entrada más fuerte en el puesto 18. No será su máximo, pues ahora mismo es número 3 en Spotify España, por lo que pronto subirá, aunque no a nivel de superar ni a ‘IA’ ni al tema con créditos de Suzanne Vega.
Es una semana de interesantes entradas en singles. Carolina Durante, que no llegaban al top 100 de Canciones desde que lanzaron un tema con Amaia, aparecen en el top 47 con ‘Normal’. Es una colaboración con Rosalía, aunque esta no está acreditada formalmente. El éxito de este tema no es flor de un día y es posible que dure más semanas en el top 100 por su solidez. El disco de Carolina Durante, ‘Elige tu propia aventura’, ha quedado en el puesto 2 de Álbumes.
Lady Gaga aparece en el número 58 con ‘Disease’, el primer single de su 7º disco. El tema no ha repetido el impacto de ‘Die With a Smile’, que sube al puesto 23 en nuestro país. En cuanto a otros territorios, ‘Disease’ ha sido top 7 en UK y top 27 en Estados Unidos. Las posiciones italiana, francesa y alemana son similares a la española: 53, 66 y 70, respectivamente.
La lista de entradas se completa con ‘Mi cuarto’ de Tiago PZK y Rels B en el puesto 55, ‘¿Y si lo hacemos?’ de Dani Fernández y Valeria Castro en el número 61, ‘Palmeras en el jardín’ de Alejandro Sanz en el puesto 70, ‘En otra vida’ de Yami Safdie y Lasso en el puesto 82, ‘Yo sé’ de Yan Block y Torrres en el puesto 86 y el hit internacional ’That’s So True’ de Gracie Abrams en el puesto 95.
Fontaines D.C. relanzan esta semana la que ya era una de las canciones más populares de su último disco, ‘Romance’. Se trata de ‘Bug’, que aparece en la nueva película de Andrea Arnold ‘Bird’, que se estrena este fin de semana en algunos países. A España llegará el 29 de noviembre de mano de Avalon.
‘Bug’ no fue uno de los cuatro singles de adelanto pero sí ha sido una de las pistas que más se ha popularizado. Por supuesto, no faltó en su reciente concierto en el WiZink Center de Madrid. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
Andrea Arnold (‘Red Road’, ‘Fish Tank’, ‘American Honey’) es fan de Fontaines D.C. y por eso pidió permiso para usar canciones suyas como ‘Too Real’ y ‘A Hero’s Death’ en su película. También aparecen temas de Blur y Sleaford Mods. Ha dicho Arnold: «Me encantan los Fontaines desde que los escuché por primera vez. Algo de música se queda en tus huesos como si siempre te perteneciera, como si ya la conocieras, como si fuera parte de ti».
Además, el integrante de la banda Carlos O’Connell protagoniza un cameo en ‘Bird’: «Andrea Arnold tuvo la amabilidad de cortar una secuencia de nuestra canción ‘Bug’ con Barry Keoghan interpretando al personaje «Bug» en su nueva película ‘Bird’. ‘Bug’ es una canción que sucedió rápidamente y convenció a todos más rápido aún. A mis ojos, el personaje de Bug, el tatuaje «Bug’s Life», los mundos esenciales y románticos de Andrea, y la línea ‘Changed my name to “Promise you, Yea”’; cuando se juntan hacen que el convencimiento sea innecesario y la convicción innegable. Muchas gracias a Andrea Arnold por dejarnos entrar tan cerca de su universo visionario. Será recordada como nosotros recordamos a Bacon o a Goya».
Con actores como Barry Keoghan, Franz Rogowski o Nykiya Adams, ‘Bird’ cuenta la historia de Bailey, un niño de 12 años que vive con su padre soltero «Bug» y su hermano Hunter en una casa ocupada del norte de Kent. Como avanza Avalon, «Bug no tiene mucho tiempo para sus hijos y Bailey, que se acerca a la pubertad, busca atención y aventuras por su cuenta».
Con tono grave incluso en su melodía suave, ‘Bug’ es una de las canciones más inmediatas de ‘Romance’ y una de las que revela cierta crisis, en este caso respecto al perdón y al compromiso. El tema lista una serie de excusas tipo «nena, juro que quería llamarte, pero es que me caí por el camino», así como un estribillo que reza: «¿te disculparás el resto de tu vida? ¿Aceptarás los cargos?». Grian Chatten habla aquí una vez más de su edad («28 years are coming to end»), mientras que para comprobar cómo encajan todas estas dudas en ‘Bird’ habrá que esperar al día de su estreno.
