Dagny ha publicado uno de los discos destacados de pop de 2026 sin que demasiada gente se haya enterado. ‘Dancefloor Erotica’ es el trabajo más cohesivo de esta cantante y compositora noruega que se dio a conocer en el mainstream cuando Katy Perry adaptó su single ‘Love You Like That’ en ‘Never Really Over‘. Su carrera ha contenido temazos pop como Somebody o Heartbreak in the Making, pero este sería su disco más compacto.
El principal objetivo de Dagny al crear ‘Dancefloor Erotica’ ha sido escribir sobre sí misma en lugar de sobre los demás. Cuenta la artista en una entrevista que su modus operandi ha solido ser escribir sobre las personas que le han roto el corazón, pero que esta vez ha querido mirar hacia adentro. Por eso, el single ‘Closet Disco Queen’ invita a dejar de ser “self conscious” y perder las inhibiciones, sobre una base entre el future disco, la melodía de ABBA y pegadizas cuerdas sintéticas.
Quizá la gran curiosidad de ‘Dancefloor Erotica’ es que en parte ha sido escrito con otros artistas en mente. Dagny acudía al estudio con la intención de escribir “una canción para Lady Gaga” o “una canción para un grupo de K-pop”. En ese sentido, hay que subrayar los ecos del título a la discografía de Madonna y, sobre todo, ese ‘Rain’ que repite “rain on me, rain on me”, solo que Dagny va donde Gaga y Ari no se atrevieron, ofreciendo un gospel electrodisco apoteósico.
Todas las pistas ofrecen algo diferente, aunque algunas funcionan mejor que otras. El nu-disco galáctico de ‘C’est La Vie’ apuesta por mirar el vaso medio lleno tras una ruptura, dando a las cuerdas de ‘Rasputin’ de Boney M una excitante pátina futurista, y ‘Turns Out I’m Not a Robot’ insufla una gran emoción al tipo de producción robodisco que Alison Goldfrapp ha entregado en sus álbumes en solitario.
La pista titular es otro momento a destacar, sobre todo por su recreación del funk de Prince y con ecos incluso a los B-52s, si bien la letra “this is the mantra, everyone’s a dancer” y las menciones a Moulin Rouge, Madonna y el Nueva York de los 90 saben más a “gay pandering” -recurso muy habitual en el pop de hoy- que a una expresión auténtica de la club life. En ese sentido, las producciones más enfocadas en el club, ‘Gosh!’ y ‘Black Bugatti’, en todo su filo rave y techno, funcionan menos que las más pop.
Dagny le pone cierta imaginación, al menos, en sus producciones ya que, al ser noruega -y lo dice ella misma-, con la ayuda de nombres como Nick Hahn o Matias Tellez ofrece un sonido distintivamente frío y sintético que ayuda a separar su propuesta de sus influencias. La pista “outlier” es claramente ‘Running Down a Hill’, que se toma un respiro de la pista de baile para sonar al pop post-triphop de cambio de siglo. Este cambio de tercio, como todo el disco, es intencionado.
En algún momento de la década pasada, entre ‘Roar’ y ‘Swish Swish’, nos olvidamos de que, en realidad, conocimos a Katy Perry en un registro bastante rockerillo. Tanto ‘I Kissed a Girl’ como ‘Hot’N Cold’ contaban con una guitarra eléctrica prominente, como vimos en la Super Bowl de mano de Lenny Kravitz.
Ahora Katy Perry deja atrás la EDM chusca de ‘Smile’ y ‘143’ para volver a ese emo… ¿chusco? Puede ser, pero melódicamente ‘Watch It Burn’ es bastante incontestable. Diría que un retorno a plena forma de no ser porque ‘bandaids‘ – canción con la que esta novedad aparece emparejada en plataformas, suponemos que en anticipo de un nuevo disco- ya estaba bastante bien con ese efecto trémolo tan The Smiths.
‘Watch It Burn’, que conecta también con el sonido de rock de los 2000 de unos Linkin Park, trata de resolver los problemas de imagen pública de la cantante. «Dices que era difícil de amar, durante años he intentado crecer (…) lo di todo y ahora me rindo, no quiero hacer una escena, pero dame gasolina».
Así que no, Katy Perry no se rinde; así que sí, el estribillo sí monta «esa escena». Katy Perry prende la mecha, que es justo lo que vemos en su videoclip. En él la artista emerge de una camilla, luce endemoniada con la cola que arrastra, sobrevive en las calles, hasta que llega a una iglesia y topa con agua bendita…
Una metáfora nada sutil en lo que pretende ser una canción de resurrección que seguramente gozaremos en la próxima edición de Río Babel en Madrid, que se celebra ya el fin de semana que viene. Por lo visto en otros lugares, ‘Watch It Burn’ ya está incorporada a su repertorio.
Hoy 26 de junio es un día cargado de novedades musicales. De entrada, tenemos entre manos nuevos álbumes de Muse, Ibeyi, Beth Orton, Chanel Beads, Juicy BAE, Ryan Beatty, Temples o Heidi Montag.
Pero lo bueno está en la cosecha de singles. Recibimos nuevos temas de Charli xcx, Madonna con FEID, sombr, Katy Perry, Rebe con Amaia, Ravyn Lenae, Gracie Abrams, Steve Lacy con SZA, La Roux, Cobrah con Grimes, Benson Boone o el gran estreno de Morreo, que habéis escuchado en primicia en JENESAISPOP.
No solo eso: también están de estreno, presentando por primera vez sus nuevos discos, Phoebe Bridgers, Carly Rae Jepsen, Brandon Flowers, Sam Smith, beabadoobee, Blondshell o el estupendo single de la banda @ («at»). Además, PJ Harvey lanza un misterioso nuevo single.
Hay otros lanzamientos destacados, tanto en solitario -de artistas tan dispares como Tyler, the Creator, Viva Belgrado o El Último Vecino- como en colaboraciones, por ejemplo las de Peggy Gou con Ayra Starr, el dueto de Ptazeta y Quevedo o el nuevo single dance de Jennifer Lopez con Alok, con versiones «AM» y «PM».
Más novedades destacadas las protagonizan Marta Sango, Bella Poarch, Hidrogenesse, Lennixx (el dúo que integra la hermana de Zara Larsson), Icona Pop, Perdón (que publican un nuevo EP), KAJ con su veraniega ‘Gelateria’, la colaboración de Disco Bambino con Sophie Ellis-Bextor y Nile Rodgers, Cris Lora, Midnight Generation, Travis Birds con Bunbury…
El tercer avance de ‘Music. Fashion. Film’, el nuevo disco de Charli XCX, también dura 2 escasos minutos. Pero su vídeo, que por algo se lanza a la vez y desde ya es indisociable de la canción, completa lo que le pueda faltar a la composición.
‘Wink Wink’, nuestra Canción del Día hoy, es una grabación rockera, pero lo-fi, bastante Strokes o Stereo Total -que por algo fueron sus teloneros-, que acaba antes de que te des cuenta. Aunque su letra tiene bastante enjundia: Charli XCX se muestra sexy como nunca, asegurando que se tiró a tu padre, pero de bromi, o respondiendo una crítica de su amigo Rostam (ex Vampire Weekend).
En un momento dice este «Guiño Guiño»: «mi amigo Rostam me dijo que vestía como una zorra, así que ahora compro en APC», en referencia a la sobria y recatada cadena francesa.
El vídeo dirigido por Aidan Zamiri es el que termina de poner la salsa en todo esto, con una Charli XCX que no puede parar de darse placer a sí misma en diferentes situaciones, bien esté en el campo, en un invernadero o leyendo un libro digital. Es su vídeo más sexy y colorido en una era que -recordemos- empezó muy en blanco y negro.
Charli XCX ha sido noticia esta semana por acompañar a Madonna hasta dos veces en las fiestas de presentación de ‘Confessions II’ en París. También ha dicho que en su propio álbum hay una colaboración que no adivinaremos ni con 1000 intentos. Por si sirve de algo, la portada del largo -es un decir- es una instantánea de John Cale, Martin Scorsese y Marc Jacobs.
La promoción de ‘Confessions II’ continúa con un movimiento inesperado y -de nuevo- no anunciado. La FIFA publica un «edit» de ‘Read My Lips’, la colaboración de Madonna y Feid que se presentó en el corto de Tribeca. Sin embargo, esta versión dura 2 minutos menos que la del álbum; no aparece en los perfiles de Madonna ni de Feid como single; ni se ha promocionado en demasiadas playlists de «Novedades Viernes».
De momento es una exclusiva del disco de la FIFA que también incluye ‘Dai Dai‘ y otros temas de LISA, Rolling Stones, Andrea Bocelli con David Guetta, Ava Max, ciento y la madre.
‘Read My Lips’ es una de esas vigorosas producciones de Tainy, uno de los grandes genios de la música latina del último lustro, muy en sintonía con lo que dejó ver en su notable disco ‘DATA‘. Cualquier estilo puede emerger en cualquier momento, sin necesidad de tocar el reggaeton. La canción está dividida en dos, casi de manera radical.
El tema empieza con la despechada estrofa de Madonna sumergida en una línea de guitarra casi country, no tan lejana a lo grabado por la artista en ‘Don’t Tell Me’ y sobre todo ‘Hollywood’. El bombo coge fuerza en el estribillo llevando el tema a la pista de baile, una distinta a lo exhibido en ‘Confessions I’, pero una pista de baile al fin y al cabo. Los momentos más «latin house» de Moloko y Basement Jaxx pueden venir a la cabeza.
Por el contrario, la estrofa de Feid cambia radicalmente de tercio, como para mostrar su visión. El protagonismo queda en manos de una suerte de vientos sintetizados, sampleados y en loop, mientras Feid se defiende de las acusaciones de infidelidad en un español lleno de slang, de «no se enzorre» a «me mandó pa la mier». Para entonces, no queda rastro alguno de la línea de guitarra, y el tema se acerca al funk carioca.
Con tanto potencial comercial como ‘Faz gostoso‘, aunque demasiado breve, con solo dos estribillos sin tiempo para una repetición del mismo, ni mucho menos un triste «middle eight» que termine de integrar todo, la canción promete ganchos y diversión, pese a toda su amargura, en la Final del Mundial el día 17 de julio. Allí, Madonna actuará junto a Shakira y BTS. Parece claro que ese es su destino, como el de ‘Give Me All Your Luvin’ fue la Super Bowl.
Al mismo tiempo, se avanza un bonus track exclusivo para Absolut, que en la enésima variante del disco ‘Confessions II’, sonará justo tras ‘Read My Lips’. Se llamará ‘Hot Sauce’ y en este caso sí sabe más que nada a eso, a bonus track.
Hablar de Broken Social Scene es hablar de una de las piezas clave del indie moderno: un colectivo cambiante, casi comunitario, que ayudó a definir la estética del indie rock de los 2000 con discos como ‘You Forgot It in People’ y del que emergieron nombres tan aclamados como Feist o Metric. Su propuesta ofrecía una forma de entender la música como red, colaboración y escena antes que como banda tradicional. Ese legado sigue siendo una referencia para generaciones posteriores de artistas y continúa influyendo en cómo se entiende el indie hoy.
En este contexto, su regreso a los escenarios españoles tiene un valor especial, ya que presentan su primer disco en casi una década. El 21 de septiembre en La Riviera (Madrid) y el 22 de septiembre en Razzmatazz 1 (Barcelona) serán las ocasiones de escuchar ‘Remember the Humans‘ en vivo en nuestro país. Las entradas siguen disponibles.
La gira de Broken Social Scene ya está en marcha y, cuando tengo la oportunidad de charlar con Brendan Canning vía Zoom, el artista me atiende desde la habitación de un hotel en San Francisco mientras desayuna. Hablamos de la conexión de ‘Remember the Humans’ con la inteligencia artificial y la política, así como del documental que narra su aparición en la escena indie de Toronto, ‘It’s All Gonna Break’, que acaba de estrenarse internacionalmente.
¿Cuál es la cosa más caótica que ha ocurrido al reunir a tanta gente de nuevo?
Nada realmente caótico; es más bien lo de siempre. Siempre hay mucha gente cuando Broken Social Scene hace lo suyo. Y ahora todos somos mayores y tenemos familia, hijos, sobrino… además de los amigos que has tenido durante años… es como una película divertida ocurriendo todo el tiempo.
¿Todos usáis WhatsApp o algo para contactaros?
No. En la banda usamos solo mensajes de texto en grupo. Nadie es realmente de WhatsApp; simplemente escribimos. Cosas como: “hoy la prueba de sonido es a las 11”, “el soundcheck es a las 16”, y así funciona. Nuestro tour manager se encarga de que la logística vaya bien.
¿Cómo suenan las nuevas canciones en directo?
Estamos tocando de media cuatro o cinco canciones nuevas por noche, además de las antiguas. Intentamos abarcar material de tantos discos como hemos publicado.
El título del álbum parece una respuesta a ‘You Forgot It in People’. ¿Qué sentís que os faltó decir en aquel disco que necesitabais decir ahora?
No es como volver atrás en el tiempo para decir “deberíamos haber hecho esto hace 22 años”. El título es una respuesta al auge de la IA y, de forma divertida, imagina qué diría la IA si le escribieras “haz un disco que suene como ‘You Forgot It in People’”; probablemente algo como “recuerda a los humanos”. El título se quedó porque refleja dónde estamos como sociedad y la cantidad de atención que se está dando a la IA. También nuestras granjas de servidores son una fuerza muy destructiva para el medio ambiente. Me genera dudas gastar tanto dinero en IA cuando hay gente pasando hambre, muriendo o sin poder pagar atención médica… aunque supongo que el mundo necesita que la tecnología avance; siempre ha sido así.
¿Existe una especie de pánico respecto a la IA, como cuando se da cualquier progreso tecnológico?
En lo personal, y en el punto en el que estoy en mi carrera, no puedo entrar en pánico por la IA. A la banda todavía la contratan para tocar, la gente sigue comprando nuestros discos, y yo sigo hablando con alguien de España para promocionar dos conciertos. Luego voy a una tienda de discos y compro vinilos [enseña los discos a través de la cámara].
¿Qué has comprado?
Un disco de Stephanie Mills y algunos discos de disco y boogie de los 70 y principios de los 80, como Universal Robot Band. Se llama ‘Barely Breaking Even’. Sigo siendo DJ y pincho discos, aunque no lo considero una carrera.
La gente habla de la IA como si fuera una cuestión de “humanos o robots”, pero en realidad se está integrando de forma más sutil. ¿Cómo lo ves?
Obviamente la gente la usa, pero a veces le quita la diversión. Es como cuando tenías que escribir un ensayo sobre Macbeth en el instituto: podías ir a la librería y pedirle a alguien que te resumiera el significado, pero aun así tenías que leerlo. Te pierdes los detalles más finos. En un disco como el nuestro hay muchísimos matices; no puedes enseñar a una máquina a comportarse como un humano, aunque puede acercarse bastante. Y eso estaría bien para mucha gente. Yo, que a veces tengo problemas para usar mis auriculares Bluetooth, tampoco es que la IA me vaya a convencer del todo.
¿Os preguntan mucho los periodistas sobre esto?
Sí, claro, es lo nuevo ahora. Pero no puedes obsesionarte. Quiero decir, hay una guerra ocurriendo y a la gente le interesa más el fútbol… y no me parece extraño; el fútbol también da buenas noticias.
¿Esa tensión es algo en lo que piensas mucho?
Con la edad te das cuenta de cómo las guerras, que parecen lejanas, pueden afectar tu vida directamente. Por ejemplo, el precio del diésel está subiendo mucho, lo que significa que la banda gana menos dinero porque necesitamos combustible para el autobús. Es una forma egoísta de verlo, pero es verdad. La gente está muriendo todo el tiempo…
«Me genera dudas gastar tanto dinero en IA cuando hay gente pasando hambre, muriendo o sin poder pagar atención médica»
Se supone que también debes preocuparte por ti mismo, ¿no?
Por supuesto. Y somos una banda política en la medida en que intentamos aportar cierta unificación a los seres humanos que se sienten polarizados.
¿Te incomoda que vuestra banda no sea más política? ¿Debería serlo?
Creo que si tuviéramos un micrófono más grande seríamos más políticos. U2 no era necesariamente una banda política al principio; con canciones como ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’ casi parecían una banda cristiana. Luego se hicieron muy famosos y Bono empezó a involucrarse en política porque tenía una gran plataforma. Estoy seguro de que ha ayudado de alguna manera. Si tuviera mucho dinero, también haría más trabajo benéfico. Como cualquier persona que se preocupa, das lo que puedes y hasta donde puedes, pero también tienes tus propias facturas.
No te dedicas a la política, así que tampoco tienes una influencia directa en el cambio. ¿Te sientes cómodo con esa limitación del artista, donde tu poder es más simbólico que material?
Como artista intentas escribir algo que sea empático con la humanidad, lo suficientemente evocador como para que alguien ideológicamente muy distinto a ti pueda emocionarse y quizás cambiar el mundo a su manera. Solo intentas formar parte de la conversación y hacer algo útil con tu tiempo mientras estás en la Tierra.
El álbum es muy personal y muestra la complejidad de ser humano. Las letras pueden ser oscuras, aunque la música suene ligera y esperanzadora. ¿Es intencionado ese contraste?
Como no soy el letrista principal en este disco, no puedo hablar de eso en detalle. Pero, a medida que te haces mayor, lidias con la muerte, la pérdida y la tristeza a tu alrededor, y ves el mundo con una perspectiva distinta. Si haces música honesta y empática que refleje el momento en el que vivimos, no puedes hacer lo mismo que hace 20 años, porque ya no eres la misma persona. Intentas ofrecer puntos de vista artísticos sobre cómo sientes las cosas. Siempre hay esperanza en nuestras letras, y esa es una de las razones por las que la gente conecta con la banda.
¿Crees que ‘Relief’ funciona como catarsis emocional dentro del álbum? Yo lo veo así, aunque esté bastante al principio del disco. ¿Qué opinas?
‘Relief’ es de Lisa Lobsinger; ella envió la canción. Como la conocemos, sabemos que viene de un lugar honesto. Ha pasado por muchas cosas emocionalmente. Creo que es un componente necesario del disco. Hay mucha introspección, pero no puedes hacer un álbum solo de eso. Necesitas algo como un ritmo disco, como ‘Relief’ o ‘The Call’, que es mi canción favorita para tocar en directo porque me siento muy libre al tocarla y es muy edificante.
¿Qué puedes decir de ‘Think of You’? La letra parece casi un mantra, una repetición obsesiva. ¿Es sobre el amor o más bien un pensamiento intrusivo?
Esa es una pregunta muy de Kevin Drew; no puedo responderla del todo. Lo que sí puedo decir es que, cuando la escuché por primera vez, no estaba seguro. No la entendía del todo.
¿No te pareció que debiera formar parte del álbum?
No me convencía, pero gana con las escuchas.
«Si tuviéramos un micrófono más grande seríamos más políticos. Como cualquier persona que se preocupa, das lo que puedes y hasta donde puedes, pero también tienes tus propias facturas»
¿Cuál es tu canción favorita del álbum?
Me gustan ‘The Call’ y ‘The Briefest Kiss’. También me gusta mucho ‘Only the Good I Keep’.
Siento que ‘Only the Good I Keep’ tiene mayor equilibrio entre sonido y mensaje. ¿Qué significa para ti?
Para mí es una canción muy Broken Social Scene. Temáticamente, es una progresión natural de lo que hemos estado haciendo durante veinte años. Es más concisa como canción pop, gracias al aporte de Hannah Georgas, que no ha tocado con la banda desde hace tiempo.
¿Cuál es una canción esencial de Broken Social Scene que no sea tan conocida?
Curiosamente, anoche alguien nos dijo que descubrió la banda a través de una cara B llamada ‘Song for Dee’, que escribí sobre la muerte del perro de un amigo mío. La escribí para él y está en el EP de 2010 ‘Lo-Fi for the Dividing Nights’. Comentó que le encantaba esta canción, lo cual es muy inusual. No es el típico clásico de Broken Social Scene del que habla la gente. La letra dice: “You’re such a pretty dog, aren’t you, Dee?”. Me pareció adorable que esta canción haya servido para que alguien descubriera Broken Social Scene.
El documental tiene dos años, pero ahora se estrena internacionalmente. ¿Cómo recuerdas la escena indie canadiense de aquella época?
Cuando empezamos la banda y tocábamos en conciertos, era como una especie de pandilla, no solo nuestra banda. Nunca dudamos de que estábamos haciendo algo bueno, y había mucho apoyo de la comunidad. Los alquileres eran baratos. Eso fue antes de la gran comercialización de Toronto. Había un espíritu local muy fuerte, muy característico de la ciudad. Era una época liberadora, y eso se refleja en la película. Yo ya había estado en otras bandas y todo me parecía distinto con Broken Social Scene: no estábamos persiguiendo nada, solo creíamos en lo que hacíamos. Éramos personas afortunadas que nos encontramos.
¿Alguna escena del documental que os diera risa o vergüenza?
No me da vergüenza en absoluto, pero es bonito ver las imágenes antiguas porque son como una cápsula del tiempo. Debería sentirme muy afortunado de que alguien estuviera siguiéndome a mí y a mis amigos, documentándolo todo, y de que 20 años después a la gente todavía le importe, e incluso salga de casa para ir al cine a ver la película.
¿Sigue habiendo terreno fértil en Toronto para que una banda como BSS exista en la era digital?
Siguen surgiendo escenas locales. Ya no estoy tan conectado como antes porque yo ya estuve ahí. Obviamente nunca será lo mismo. Cuando empezamos, salir a tomar café no era algo habitual; te hacías el café en casa. Ahora hay muchísimas cafeterías distintas y gastas 6 dólares en tu café “de diseño”. Nosotros salimos antes de la “revolución del café”.
Amaia no ha entrado de puntillas en el peculiar mundo de Rebe. Se ha metido de lleno. La artista acaba de presentar esta misma tarde el tercer adelanto de su próximo disco junto a la pamplonesa, ‘Azúcar y Sal’. En este, ambas cantantes abrazan su faceta más extraña, que ya es decir.
Los oníricos arreglos de teclado y cuerdas ideados por la propia Rebe -que esta vez firma la producción en solitario- dan la bienvenida al tema. No tardamos en escuchar la voz de Rebe, cantando que «todo el mundo no lo parece» ni «lo merece». Por otro lado, Amaia toma el segundo verso con una frase muy de ella: «No sé por qué pero te brilla un diente, a mí me hace llorar».
La percusión crece anticipando la llegada del estribillo en lo que también es una pequeña explosión melódica, con las voces de ambas artistas entrelazándose de forma melancólica. Rebe y Amaia parecen estar bajo el hechizo de otra persona, la única en la que ambas piensan («Solo pienso en ti») y que lo es todo para ellas.
Esto se refleja en la letra («Tú eres azúcar, tú eres sal / Tú eres el vino, tú eres pan»), pero sobre todo en la música, desconcertante y extraña en sus primeras escuchas. Sin embargo, antes de darte cuenta, el conjuro ya ha hecho efecto. El vídeo, entre la psicodelia, las casas de muñecas y un inquietante stop motion, está a la altura de la locura.
Belén Aguilera ha visitado Los40 para hablar sobre su último EP, ‘mediterrania’, pero sobre todo ha llamado la atención por sus declaraciones sobre las críticas que dicen que no vocaliza. Lo primero que ha dicho es que no suele meterse en X, «porque si no me disparo en la cabeza».
Las críticas a Aguilera por su pronunciación y forma de cantar, con muchas personas en redes asegurando que sus letras son difíciles de entender por este motivo, cobraron más fuerza a partir de su actuación en los Goya y de su aparición en las GALLERY SESSIONS. Ella lo tiene claro: «Siento que hay muchas veces en las que somos como borregos, que hay uno que dice una cosa y luego cien que lo repiten», ha comentado.
Aguilera quiere que «la gente tenga más pensamiento crítico» y entiende «que hay veces que alguna palabra no se pueda entender», pero ofrece distintas soluciones: «Si me leo un libro puedo no entender una palabra. Si no entiendes una palabra puedes buscar la letra, que no pasa nada», explica.
Esta asegura priorizar «la sensación que te haga sentir la música» a la mezcla o a la distintas técnicas de canto: «Podría poner mi voz en tu cara para que la escucharas y te quedaras tan a gusto, pero igual en este proyecto no me apetece».
Por último, la artista reflexiona sobre el «negativo» momento en el que nos encontramos: «¿Hay más cosas de las que hablar? ¿O simplemente te vas a fijar en esa palabra que no has entendido». Y deja claro que no cambiaría nada de lo que está haciendo: «Si pronunciara cada palabra, sería otra cosa. Prefiero ser la que no vocaliza y a tomar por culo», concluye.
Lionel Richie ha despertado la preocupación de sus fans después de verse obligado a cancelar su último concierto a falta de media hora de set por problemas de salud. El cantante aseguró sentirse «mareado» y tuvo que sentarse en los escalones del escenario antes de abandonarlo de forma indefinida.
Se trataba del primer concierto de su gira junto a Eart, Wind & Fire, el cual tuvo lugar en St. Paul, Minnesota. Cuando llevaban 55 minutos de set, durante la interpretación de ‘Dancing On The Ceiling’, Richie tomó asiento en las escaleras del escenario, a la vez que informó de que nunca había cantado el tema sentado.
Antes de pasar al piano para el turno de ‘Three Times A Lady’, la última canción que sonó en la noche, Richie dejó una broma al público: «Cuando te sientas mareado, sienta el culo», bromeó. Richie no tardó demasiado en salir del escenario, lo cual el público pensó que se trataba de un intermedio. La banda se quedó tocando durante 15 minutos hasta que también se fueron.
Unos 40 minutos después, el saxofonista del cantante dio las gracias al público por su paciencia y dio por terminado el concierto: «Por desgracia, Lionel no se está encontrando bien y no podrá continuar», comunicó. El batería de Earth, Wind & Fire, John Paris, comentó al Star Tribune de Minesotta que Richie no mostró ningún signo de enfermedad antes del set y dijo que simplemente se encontraba «un poco deshidratado».
BREAKING: Lionel Ritchie concert in St Paul at Grand Casino Arena canceled mid-show. Ritchie sat down on stage during “Dancing on the Ceiling”, said he felt dizzy. Performed one more song at piano, “Three Times a Lady”, then announced unplanned intermission. Did not return. pic.twitter.com/RNalkYHnmG
El Festival de las Ideas y la Cultura de elDiario.es podrá celebrarse finalmente este viernes y sábado tras levantarse la suspensión que afectaba a su organización. El Tribunal Administrativo de Contratación Pública de la Comunidad de Madrid ha inadmitido el recurso presentado por la portavoz del PP en el Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, Janette Novo, al considerarlo registrado “fuera de plazo”, y ha levantado la paralización cautelar del procedimiento de contratación.
La incertidumbre de las últimas 48 horas queda así atrás y el encuentro podrá desarrollarse según el calendario previsto.
La quinta edición del festival, integrada en la programación de Ágora Rivas 2030, está pensada como un gran encuentro cultural con periodistas, escritores, músicos, humoristas, podcasts en directo y actividades abiertas al público durante dos jornadas, 26 y 27 de junio. Entre los nombres participantes se encuentran Bop Pop o Inés Hernand.
El Festival de las Ideas y la Cultura, organizado por elDiario.es junto al Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, había quedado en suspenso sólo dos días antes de empezar tras la decisión del Tribunal Administrativo de Contratación Pública de la Comunidad de Madrid de paralizar cautelarmente el evento al admitir un recurso presentado por la portavoz del Partido Popular en el municipio, Janette Novo, contra el contrato de organización.
Desde el Ayuntamiento hablaban de “maniobra política” y defendían que el recurso llegaba fuera de plazo y sin legitimidad, como finalmente se ha confirmado. Además, aseguraban que el contrato cumplía todos los requisitos legales y han pedido levantar la suspensión ipso facto.
La alcaldesa, Aída Castillejo, de Izquierda Unida, era contundente al afirmar que no iban contra un contrato sino contra una ciudad que piensa, debate y defiende la cultura.
Fades ha denunciado una agresión sufrida durante su concierto de este fin de semana en Vilassar de Mar. Según ha explicado el grupo en redes sociales, varias personas del público lanzaron cubitos de hielo al escenario hasta en tres ocasiones, obligando a la banda a parar la actuación repetidamente antes de tomar la decisión de cancelarla.
En su comunicado, el grupo señala que es el tercer concierto de la gira en el que sufre algún tipo de agresión por parte del público, cuando apenas lleva 10 fechas. Además, denuncia que estos episodios llegan acompañados de amenazas y mensajes de odio en redes.
Fades relaciona esta situación con su visibilidad como grupo queer y con su defensa de la lengua y la cultura catalanas. «Estamos sufriendo directamente el auge de la extrema derecha», escribe la banda, que también llama a responder a ese clima de hostilidad con organización y presencia en los espacios públicos.
El grupo ha agradecido el apoyo de su equipo y de la organización del evento, así como del dispositivo de seguridad desplegado durante la jornada.
Comunicado de FADES
Durante el concierto de ayer en Vilassar de Mar, nos lanzaron cubitos de hielo hasta en tres ocasiones sobre el escenario. Después de tener que parar el concierto tres veces, decidimos cancelarlo.
Es el tercer concierto de esta gira en el que sufrimos algún tipo de agresión por parte del público y solo llevamos 10. Todo esto viene acompañado de amenazas y de un odio generalizado en redes. Estamos sufriendo directamente el auge de la extrema derecha por ser personas queer y defender la lengua y la cultura catalanas. Pero todo este odio tenemos que reconvertirlo juntas en fuerza para organizarnos y seguir ocupando los espacios públicos.
Queremos agradecer tanto a nuestro equipo como al protocolo y al personal de seguridad que la organización nos ha proporcionado, incluso antes de comenzar el concierto.
Estam fartes! A seguir ocupant espais i a combatre els discursos neofeixistes pic.twitter.com/O3fS3URMjW
En este mundo de vértigo en el que lo que parecía que iba a cambiar el mundo hace nada ya ni se recuerda, no sé si hemos prestado atención suficiente a la colaboración que Rels B ha realizado con Kali Uchis. El que es uno de los artistas españoles más internacionales con la que es una de las mejores divas pop surgidas en los últimos años. Y fue tan fácil como que, siendo fan desde hace años, él le mandó la canción por Instagram y le gustó.
Con la autoría única de ellos dos, Daniel Heredia Vidal y Karly-Marina Loiza, y la producción de Omar Alcaide y soundsbyhugo, entregan uno de esos números esponjosos en que ambos se desenvuelven como pez en el agua. Primero Rels B le tira los tejos («Ella es un bombón, chula, fina, independiente»), después Kali Uchis despliega todos sus encantos («Telling you, «Papi, papi, yo sí sé qué hacer»»), y finalmente él se postula como «chulo» también: se ríe de otro feíto porque él está «más guapo».
Seguro que es verdad. Lo de Rels B está «tan guapo» que ni siquiera este tema, ‘El Cielo’, destaca del todo en un álbum de 10 canciones y 22 minutos que recoge lo sembrado durante toda su carrera. Aunque breve, ‘love love FLAKK’ consigue ser uno de sus álbumes más completos. Sin renunciar a su base R&B (‘APRENDÍ A DECIR QUE NO’), seduce en su inclinación al afrobeat (la animadísima ‘QUIÉN TE VE’), el jazz (‘SUEÑO’ samplea ‘Someone to Watch Over’ de Ella Fitzgerald) o la bossa (‘PAÑUELITO DE SEDA’ suena exquisita bajo la producción de Masy Beats).
‘love love FLAKK’ es un álbum, como no podía ser de otra forma, cargado de amor y sexo («Me gusta más tu boca / Que todos esos miеrdas pasa’os de farlopa», dice ‘SUEÑO’). Pero puede que su tema principal sea más bien la libertad. Ser uno mismo. Dejar atrás a la gente que presume ser nuestra amiga y luego nos hace daño. Reivindicar todo tipo de belleza.
Así, ‘APRENDÍ A DECIR NO’ es un refugio del dolor que produce el mundo exterior («Quédate en casa mejor / Fuera no existe el amor / Aquí dentro no existe el dolor / Aquí nadie va a dar su opinión»). ‘LLEVA AL SOL’ asegura que «igual de bonito es un Casio que un Rolex». Arranca el disco ‘EL MUNDO X TI’ cantando contra quienes son «un quiero y no puedo», contra quienes esperan «el brillo de otros para comer». Y termina el álbum ‘A 2000 PIES’ con un mensaje definitivo en el que Rels B subraya el error de no haber confiado en sí mismo, hablando de un futuro en el que formar una familia. «Ven conmigo, vuela libre», dice quizá avanzando una retirada que ha dejado caer varias veces.
Su personalidad sigue muy bien definida en base a referentes muy variados. ‘UN PLACER CONOCERTE’ contiene una interpolación de ‘Fiebre’ de Bad Gyal, mientras la balada de guitarra rasgada ‘MÁS QUE TÚ’ es una de esas composiciones que le vinculan con Alejandro Sanz, con quien ha colaborado. Y luego el interludio no es sino un «speech» del jugador de baloncesto Allen Iverson hablando de quienes no son realmente sus amigos. ‘TÚ VAS SIN (fav)‘, del verano pasado, sigue siendo su gran hit este año (continúa en el top 20 en listas). Él sigue creando otras cosas interesantes.
Bilbao BBK Live ha anunciado la nueva edición de Bereziak, el programa que lleva la música del festival al centro de la ciudad. Este año contará con actuaciones de Belén Aguilera, Ana Curra, Merina Gris, Las Petunias, LABLACKIE, Raly, Gara Durán o joseluis, entre otros, que actuarán en distintos espacios de Bilbao entre el 9 y el 11 de julio.
La programación arrancará antes con un concierto especial de José González el 8 de julio en el Museo Guggenheim Bilbao, cuyas entradas ya están agotadas.
El ciclo, que forma parte de la extensión urbana del festival, vuelve a llevar la música a distintos puntos de la ciudad en el marco del 20º aniversario de Bilbao BBK Live, reforzando su conexión con Bilbao y ampliando los escenarios habituales hacia nuevos espacios como la ría.
La programación principal de Bilbao BBK Live tendrá lugar en Kobetamendi y repasamos sus nombres destacados en este especial.
MIÉRCOLES 8 DE JULIO
Museo Guggenheim Bilbao
22:00 José González
JUEVES 9 DE JULIO Escenario BBK – Sala BBK
13:00h Belén Aguilera
VIERNES 10 DE JULIO
Escenario San Miguel – Kiosko Arenal
12:30h Baliza
14:00h Ana Curra
Escenario Johnnie Walker – Jardines de Albia
14:30h Las Petunias
Escenario Vueling – Torres Isozaki
15:00h Raly
Escenario Azulmarino – Ría de Bilbao
12:30h / 14:00h Gara Durán
SÁBADO 11 DE JULIO
Escenario San Miguel – Kiosko Arenal
12:30h Calequi y Las Panteras
14:00h Merina Gris
Escenario Johnnie Walker – Jardines de Albia
13:00h Las Bajas Pasiones
14:30h SVSTO
El dúo de Baltimore @ -se pronuncia “at” en inglés, no “arroba”- llamó la atención de la prensa especializada hace tres años gracias a su disco ‘Mind Palace Music‘, una magistral lección de indie-folk contemporáneo que destacaba por su prominente uso de armonías vocales, en una onda The Roches pero lo-fi. En contraste, la portada de aquel álbum evocaba estéticas de internet como el vaporwave.
El dúo compuesto por Victoria Rose y Stone Filipczak, ahora asentado en Filadelfia, redobla la apuesta con ‘Autosmile’, un nuevo disco que se podrá escuchar a partir del 16 de octubre. Es su debut en el mítico sello 4AD.
Las 11 canciones de ‘Autosmile’ “equilibran la oscuridad y la maravilla con una confianza impactante”, y según la nota de prensa oficial, “el álbum se mueve sin esfuerzo entre texturas folk inquietantes, florituras progresivas, estribillos de indie-pop y momentos de belleza cinematográfica”. De todo eso hay en el single de adelanto, que además es el tema titular y la Canción del Día de hoy.
Pocas veces una canción de casi 7 minutos se hace corta, pero @ lo logra gracias a este Autosmile’, que presenta una melodía cercana a la perfección. El estribillo, romántico, dice: “No sé cómo he llegado a ser tuya, aunque de algún modo lo sé / No sé cómo he llegado a plantarte cara, pero no tengo ninguna duda», y sirve de ancla en la canción mientras guitarras y otros elementos instrumentales buscan diferentes caminos y recovecos.
Llena de gratitud (“no me puedo creer mi lugar en este mundo, estoy bendecida”), ‘Autosmile’ retrata un amor que se debate entre la ternura y la incertidumbre, como revela esa frase que subraya la “ternura pero también la duda pesada” de esa persona. En ese contraste, la narradora canta que la “demonología” podría llevarla “más cerca de Dios”.
Cuatro años después de ‘Unholy’, el pelotazo compartido con Kim Petras, Sam Smith regresa a la estética clásica de sus dos primeros discos. Una faceta que nunca llegó a abandonar del todo -ya estaba presente en ‘Gloria‘ (2023)-, aunque entonces convivía con sonidos más pop y contemporáneos.
‘Hazel Eyes’, el quinto trabajo de Smith, se presenta con una balada de tintes country y dream-pop titulada ‘My Guy’, en principio no tan inmediata como ‘Stay with Me’ o ‘Love Me More’, pero que sigue su estela a la vez que propone un sonido diferente, más terrenal y próximo al de artistas como Leon Bridges.
La melodía y la instrumentación apuestan por la sutileza, construyendo una atmósfera etérea que sirve de marco para una canción dedicada al amor de su vida. La letra alterna momentos de asombro y plenitud emocional («no sabía que este amor podía ser real») con otros de cierto carácter posesivo («puedes soñar que lo tienes todo lo que quieras, pero él es mío»).
Sin embargo, el sentimiento que prevalece es el de una tierna declaración de amor, una celebración de la felicidad encontrada junto a esa persona especial. Por supuesto, la gran voz de Smith vuelve a brillar, aunque esta vez desde la contención.
El disco, que sale el 21 de agosto, contiene el single ya publicado ‘Love is a Stillness’, así como la versión completa de ‘To Be Free’ y una colaboración con Feist.
1.- Everlasting Love
2.- Hazel Eyes
3.- Moondance (feat. Feist)
4.- My Guy
5.- When He’s Gone
6.- Thief
7.- Love Is A Stillness
8.- Sugar Rush
9.- Oh Mother (feat. The TwoCityChorus)
10.- Constant Companion
11.- Hold On
12.- To Be Free
Dani Martín ha estado en el foco de la polémica en redes durante las últimas horas tras la viralización de un clip suyo en el último concierto de su gira ’25 P*t*s Años’, el cual tuvo lugar en Córdoba. En el vídeo se ve la interacción entre el cantante y una niña que quería subir a cantar al escenario con él. Aunque Martín asegura que fue una «situación bastante tierna y cómica», las redes se lo han tomado de otra forma.
El cantante ve a la niña levantando un cartel en el que se lee «¿Me subes al escenario?» y el responde que «luego» la subirá: «Tú quieres ya, pero es que las cosas no pueden ser cuando tú digas. Estás muy mal educada», soltó el artista en un tono bromista. Este continuó: «¿Te cree que te subes en brazos de alguien, pones eso y ya haces lo que quieras o qué? ¿Qué te crees que soy yo? ¿Un pelele? Cuando yo diga, subirás, ¿de acuerdo?», comenta antes de pedir un aplauso para ella.
Al final, es cierto que la niña se quedó sin subir al escenario. Tras el revuelo formado en redes, con la mayoría de usuarios criticando la actitud de Dani Martín, el cantante ha subido una serie de vídeos a sus Stories en los que asegura sentirse «sorprendido» por lo que genera clicks hoy en día. Él describe lo ocurrido como una situación «tierna» y «cómica» en la que adopta un «tono payaso».
Martín se mantiene ligeramente sarcástico durante el comunicado: «No da pa’ más el asunto, a todos los ofendidos les pido disculpas y caminaré de rodillas hasta la carretera esta tarde». Este prosigue diciendo que «lo mejor va a ser no comunicarnos entre las personas, porque cada cosa es mirada con una lupa sacada de contexto, con los vídeos editados… Pedí un aplauso para la niña y todo, no sé que más me faltó hacer», asegura.
El artista termina reflexionando sobre la necesidad de causar polémica con cualquier cosa: «Necesitamos todo el rato que haya problemas y todo está bien. Los verdaderos problemas son otros», expresa. Antes de despedirse, vuelve a pedir «disculpas»: «El que se sienta ofendido le pido disculpas, aunque no tenga que hacerlo, pero bueno, parece que tenemos la piel muy fina últimamente».
Parecía broma hasta que se acabó el concierto y la niña seguía esperando con el cartel pic.twitter.com/AZ0koAxn5S
Mala Gestión describen lo que hacen como “ñunk”. Elías, cantante del grupo, lo definió en Mondo Sonoro como “un parche de mierda que nos inventamos para no tener que decir si hacemos punk o rock”. Si se refieren a canciones como ‘Noche de Casino’, el concepto queda un poco más claro. Sin embargo, el segundo álbum de la banda valenciana no se queda ahí. Hay ñunk, pero también pop rock, electrónica ravera, shoegaze, canción protesta y hasta alguna balada. Escuchar ‘Hacemos lo que podemos’ de una sentada es tan confuso como el género que han inventado.
‘Se Nos Ha Complicado’, su primer LP, fue lanzado en 2024 con temas como ‘Todos Mis Amigos Tienen Sarna’, ‘Ayer Vino Messi’ o ‘Te Amo’. Este último no se trata de una tierna canción de amor, sino de un homenaje al “batido de caca”. El resto de canciones no son mucho más serias que estas. Por eso, sorprende que la intro de su disco más importante hasta la fecha, y el que les ha permitido hacer su debut en La Riviera, sea ‘Morir lejos de aquí’. No hay ninguna broma en esta canción. En su lugar, la letra habla sobre volver “a ser los mismos mentirosos en escenarios” y no poder respirar tras conseguir “lo que más he deseado”.
La ilusión de seriedad no tarda en romperse con ‘Skol’, un temazo que, si bien no se rinde tanto al shitposting como algunos de los que vienen más tarde en el tracklist, captura muy bien lo que hace interesante a Mala Gestión. Elías empieza cantando sobre alguien que puede ser “un sionista” o “un reptil disfrazado de un amigo del colegio al que fui” y llega al clímax del tema con una descripción de una mañana cualquiera en el cole: “Estoy bebiendo una Skol, de camino al school, y me siento tan cool que sé que voy a aprender las tablas de sumar”.
‘Hacemos lo que podemos’ juega constantemente, y de manera brutal, con esta dualidad temática. Ellos mismos comentaban que escribir canciones de coña “es muy fácil”, pero que la cosa se les complica cuando quieren sacar “algo más sincero”. Se nota, porque las canciones más locas son las que suenan más redondas. ‘Noche de Casino’, el hit viral del LP, es un ejemplo. ‘Buenos días Vietnam’, por otro lado, es una obra maestra de principio a fin. Vale, no, pero el mérito es real. Hay muchas canciones capaces de emocionar, pero muy pocas capaces de hacer reír a carcajadas. Esta, con frases como “A veces creo que soy mala persona porque querría apuñalarlo con palos untaos en mierda”, hablando de un jefe, se sale.
Las canciones más serias, sin embargo, no tienen tanta pegada. ‘Morir lejos de aquí’, el shoegaze de ‘Sí, es tu culpa’ o la dulce ‘Correo’ sufren al estar rodeadas de temas con los que es imposible sentir indiferencia. De alguna manera, están condenadas a ser las más olvidadas del tracklist. Al menos, sí que demuestran que más allá de su fachada ‘silly’, Mala Gestión es una banda capaz de hacer un poco de todo. Sí existe otro puñado de temas en los que los chicos sí encuentran el equilibrio perfecto entre ambos mundos, y resultan ser algunos de los mejores.
‘Hacemos lo que podemos’ no es ninguna tontería, pero tampoco es una canción que se tome demasiado en serio a sí misma, y ahí está la clave: “Hacemos lo que podemos, pero nunca hacemos tanto”. En ‘Diésel’ cantan sobre comprar bicicletas “para escapar de un futuro sin velocidad”, pero también sobre ir “atropellando viejas por el bulevar”. ‘Ex-Ex (pareja)’, por último, presenta un concepto perfecto y juguetón (“Ya no quiero ser tu expareja, quiero ser tu ex-expareja”) mientras interpola ‘Ni tú ni nadie’ y se atreve con una instrumentación de rock clásico, con saxofón incluido. Es la joyita del LP.
Todas estas diferentes facetas están intercaladas en el disco de forma totalmente aleatoria. El mood perfecto para escuchar ‘Hacemos lo que podemos’ se asemeja a cuando estás tranquilamente escuchando tu playlist después de salir de casa de un colega, él se da cuenta de que todavía está conectado a tu cuenta y te empieza a poner los temas más meme que existen. También hay algo mágico en eso.
Phoebe Bridgers regresa este verano con su primer disco en solitario en seis años, el tercero de su discografía. El sucesor de ‘Punisher’ se titula ‘Lost Weekend’ y estará disponible a partir del próximo 14 de agosto.
Antes del anuncio del álbum, Bridgers ha realizado varias actuaciones sorpresa en distintas salas norteamericanas, además de llevar a cabo un concierto improvisado en el Madison Square Garden en el que no se admitían teléfonos móviles: «Si alguno de vosotros se ha metido un Apple Watch por el culo para grabar el concierto, por favor no lo publiquéis en Internet. Me fío de vosotros», comentó la cantante.
Al día siguiente, Bridgers anunció el ‘Lost Tour’, también libre de móviles, con la presencia de Alex G en el tramo norteamericano y de Isaac Wood, exvocalista de Black Country, New Road, para la parte europea de la gira.
‘Lost Boys’ ha resultado una de sus canciones más melódicas y accesibles, quizá demasiado reminiscente del Sufjan Stevens de ‘Illinoise’, al que recuerda en arreglos, sobre todo en los vientos. Llama especialmente la atención la estética de su videoclip, que alterna elementos modernos como una moto, con otros medievales, como todas esas armaduras. Incluso a ratos se transforma en un videojuego.
En cuanto a la letra, ‘Lost Boys’ habla de la pérdida de la inocencia, sobre el renacer y el lugar al que vamos, y sobre la mezcla entre realidad y fantasía, exactamente lo que nos cuenta su videoclip.
El mismo jueves de Primavera Sound, en el que me reúno con JADE en un hotel de Barcelona, tengo la oportunidad, unas horas antes, de encontrarme con Grace Ives en otro hotel de la ciudad para hablar de su nuevo álbum. Digamos que, para cuando llega la hora de cubrir el festival, la lluvia y el viento no son la mejor bienvenida. Más tarde resultará que varios cabezas de cartel, entre ellos Doja Cat, tienen que cancelar por motivos de seguridad.
Las dos artistas mencionadas actúan sin problema, por suerte: Grace Ives, una de las actuales sensaciones del pop alternativo estadounidense, es una de las encargadas de abrir la tarde del sábado presentando su disco ‘Girlfriend’ ante lo que por fin se puede considerar un buen solazo. Ya no hay lluvia, sino calor. Grace actúa de negro y, justamente durante su actuación, se anuncia la aparición sorpresa de Olivia Rodrigo, quien asegura que ‘Girlfriend’ le «ha cambiado la vida», y a la que Ives va a telonear. En persona es algo tímida, pero luego se suelta; hablamos de adicción, proceso creativo o autopromoción.
He notado que los artistas nuevos recientemente usan mucho el patrón de breakbeat; se ha proliferado bastante en la música nueva, como en tu canción ‘Fire 2’. ¿Por qué crees que los nuevos artistas usan tanto este tipo de patrón de batería?
Creo que tiene la energía de la música de baile incorporada, como en el jungle. Tiene su propia energía, así que puedes dejarlo bastante espaciado encima. El beat de ‘Fire 2’ en realidad viene de un pack de batería.
Tu música tiene una vibra de producción descentrada y ruidosa, incluso los acordes de piano en ‘My Man’ suenan un poco desafinados. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre hacer música pop que sea ruidosa, pero manteniendo la mezcla accesible y no demasiado sucia?
Creo que es una preferencia de mi gusto en el estudio. Me gusta un poco de suciedad, pero que siga siendo bello. El ruido, por supuesto, puede ser hermoso, pero normalmente he mantenido las cosas bastante limpias en el pasado. La música que escucho ahora es ambient y noise, así que estoy en ese punto. Cuando hice este álbum, la idea del ruido y la aspereza en mi propia música era algo nuevo en mi vida, así que no lo llevé demasiado lejos.
¿Qué música ambient estás escuchando?
¡Me encanta Laurel Halo! Es inspirador ver a una artista trabajar así, una artista que se permite cambiar tanto entre álbumes.
¿Qué álbum de otro artista le presentarías a la gente para que te conozca mejor?
[piensa un rato] Quizás un álbum temprano de Mitski. En sus primeros trabajos sonaba más dulce y melódica, y en ese sentido nos parecemos un poco en cómo las melodías impulsan la música.
Dices que has escrito este álbum después de tocar fondo debido al abuso de sustancias. ¿Qué idea errónea sobre las personas que sufren adicciones sigue existiendo?
Creo que la gente piensa que estamos rotos o atormentados. Cuando lo mencionan en entrevistas conmigo, pienso: “¡Estoy bien!”. Me miran con un poco de pena, como si sintieran lástima por mí. Personalmente, me siento mejor que en mucho tiempo. No hay razón para sentir pena por mí.
¿Cómo ha cambiado tu relación con la creatividad desde que estás sobria?
Creo que es más divertido. Me siento como una niña jugando, más fiel a mí misma. Puedo crear algo y al día siguiente pensar “eso no estaba tan bien”, sin culpar a circunstancias externas como el consumo de sustancias. Me siento más cómoda en el proceso y en aprender cómo trabajo. Estoy más presente.
Te mudaste de Nueva York a California. ¿Cómo ha influido ese cambio de entorno en el sonido del álbum?
En Brooklyn estaba bastante protegida y aislada, estaba cómoda y me encantaba estar en casa. Pero en California estaba fuera de mi elemento, en una especie de gran extensión de tierra donde todo se siente más grande. Me sentía más en control de mi vida individual, mientras que en Brooklyn estaba muy ligada a mi casa, a mi novio y a mis gatos. En California estaba sola, conduciendo, mirando las montañas, y me sentía muy pequeña, pero en plan bien.
¿Qué canción tuya pensabas que no iba a conectar, pero al final sí lo hizo?
Las canciones más lentas como ‘My Man’ y ‘Garden’ me costó aceptarlas porque pensaba que les faltaba energía, pero a la gente realmente le emocionaron. Me sorprendió que la gente las aceptara mientras yo estaba luchando contra ellas.
«A los artistas se les admira mucho por su juventud, te impacta más cuando alguien tiene 18 años o algo así»
Dices que confiar en tus productores es muy importante, especialmente John DeBold y Ariel Rechtshaid para este álbum. ¿Te sientes más cómoda diciendo cosas negativas que antes?
Mucho más… Al principio me preocupaba perder algo de control sobre el trabajo y que las cosas dejaran de ser mías. Temía que el proceso se me escapara de las manos y perderme la experiencia de hacer el álbum. Pero no fue así en absoluto. Ahora estoy más cómoda porque ya no tengo ese miedo. Estoy aprendiendo cómo es trabajar con otras personas.
¿No te daba cosa desaparecer durante tres años y luego volver? No porque te olvidaran, sino porque hay tanta música y los artistas nuevos reciben mucha atención.
A veces me frustraba lo que tardó en hacerse este álbum. Sí tenía miedo de perder la oportunidad de ser una artista joven. A los artistas se les admira mucho por su juventud, te impacta más cuando alguien tiene 18 años o algo así. Sentía que tenía que sacar algo para mostrar que era una gran artista joven. Me preocupaba ser olvidada, pero ya no tanto.
¿Cuál es un trabajito temporal que odiaste, pero del que más aprendiste?
Ser camarera. Fue muy duro. Aprendí que la gente es complicada, muy diferente entre sí, con necesidades distintas e intensas. Pero también me sentía parte del mundo. La gente en servicios es muy grosera contigo, pero aprendes muchísimo. Recuerdo que una vez me equivoqué con un pedido y me sentía fatal. Le dije a mi jefe: “Lo siento mucho, no volverá a pasar”. Y él me dijo: “Volverá a pasar, y está bien”.
«Todavía me siento algo disociada con todo lo bueno que me está pasando. No lo disfruto porque siento que no es real»
Estás teloneando a Gracie Abrams. ¿Qué parte de tu música esperas que conecte más con sus fans?
Gracie habla mucho de su salud mental, de sentirse diferente, oscura y decaída. Me identifico con eso y también escribo de forma parecida a veces. Espero que los fans conecten emocionalmente con mi música. También creo que sus fans saben reconocer buenas canciones pop, y espero que les gusten algunas de las mías.
Tienes una canción, ‘Neither You Nor I’, que me recordó mucho a ‘Human Behaviour‘ de Björk. Cuéntame el proceso.
¡La gente me preguntaba si había sampleado algo! Pero no, es original. Es una canción divertida y rara. Es una de las piezas fuera de la norma del álbum, no sigue una estructura concreta y su paleta sonora es extraña. No tenía que ser «bonita» en absoluto, me encanta que suene cool y algo “sucia”. Trata sobre estar en una pelea con alguien, sobre personas atrapadas en sus roles, en una especie de guerra fría esperando la violencia. Sobre darse cuenta de que las palabras y la pelea no funcionan. Es una pelea frustrante.
Hablaste con Hunter Schafer sobre no sentirte cómoda con la autopromoción, como entrevistas o TikTok, y que te sentías disociada con la idea de que a la gente le gustara tu música. ¿Ha cambiado eso para ti?
Estoy más cómoda con la idea de mostrarme, menos asustada de publicar y promocionar. Pero todavía me siento algo disociada con todo lo bueno que me está pasando. Siento que no es real. Lo de abrir para Gracie Abrams y Olivia Rodrigo, no lo estoy sintiendo tanto como debería porque me siento algo distante. Me siento separada de la artista y de la persona.
¿Algún artista con el que te gustaría colaborar?
Me encantaría cantar con Lana Del Rey, y también trabajar con Nourished by Time. Creo que funcionaría muy bien.
PJ Harvey se encontraba trabajando en su nuevo disco y un nuevo libro, al modo de ‘I Inside The Old Year Dying‘ (2023), cuando se cruzó en su camino otro proyecto. En concreto, el físico británico Brian Cox le pidió un tema para su gira ‘Emergence’.
La canción resultante se llama ‘Voyager’, en homenaje a la sonda espacial «Voyager 1» de Carl Sagan que se envió al espacio en 1977 para explicar el planeta Tierra a cualquier forma de vida extraterrestre inteligente que pudiera interceptarla.
La autora de álbumes tan célebres como ‘Rid of Me’, ‘Let England Shake‘ o ‘Stories from the City, Stories from the Sea‘, explica su nuevo proyecto: «Siempre me ha fascinado la nave espacial y sus viajes, y qué nos diría si pudiera hablar. Este fue el punto de partida para desarrollar la canción».
Continúa: «La canción ya había cobrado vida como parte del proyecto de mi nuevo álbum cuando Brian Cox me invitó a escribir una pieza para su nuevo show. Le mandé la canción en un audio para ver si le decía algo. Inmediatamente pensé en el sonido de la señal de Voyager volviendo a Tierra y con estas ideas dejé que la canción se desarrollara e hice el arreglo orquestal con Dario Marianelli».
Professor Brian Cox está acreditado al sintetizador, como también lo está en este instrumento y en la percusión, la misma PJ Harvey. Entre llamadas tipo «escucha mi señal, ¿la seguirás?», el «punto pálido azul» aparece en la letra como homenaje al libro homónimo de Carl Sagan, en concreto en la estrofa:
«Voyager, look back
At a pale-blue dot
All we don’t know
A flake of snow»
La belga Angèle, una de las cantantes pop más reivindicables de los últimos tiempos procedentes de Europa, continúa publicando nueva música. Si hace unos meses editaba una colaboración con Justice, ‘What You Want‘, que además remezclaban Fcukers y SG Lewis, desde esta semana seguimos en la pista de baile.
‘Dis-le’, nuestra Canción del Día hoy, es un banger que desde su mismo vídeo se sitúa en discotecas y raves, con un carácter tan salvaje que Angèle ha decidido situarlo en la naturaleza, con alguna referencia a Excálibur.
Angèle ha explicado en su newsletter que es una llamada a la libertad individual: «Concebí esta canción como una invitación a expresar nuestra voz interior, aquello que guardamos para nosotros mismos. Es un estímulo para romper el silencio, para liberarnos, para proclamar nuestra identidad individual con claridad y sin reservas».
¿Qué es lo que Angèle invita a decir en las martilleantes estrofas de la canción? «Di que te sientes sola, cansada, que no estás bien, dilo más fuerte, di que te duele, di quién te hizo daño, que te gustan las reinas o los reyes, que te da miedo el futuro».
Esta canción tan liberadora que invita a «seguir tus instintos y a vivir el momento» resuelve toda su tensión en una coda de pop de cámara, donde el protagonista de repente es un piano. Ahí el ambiente es más onírico mientras las imágenes en el vídeo se ralentizan para mostrar la huida del mal definitiva.
Madonna y Charli XCX han coincidido por primera vez después de haber tenido un pequeño «beef» en redes. Todo empezó cuando Charli XCX dijo que la pista de baile estaba muerta, en referencia a que su nuevo disco será más rock. Mucha gente en las redes relacionó la declaración con la campaña de ‘Confessions II’ de Madonna, que propone la pista de baile como tabla de salvación para «los tiempos oscuros que vivimos». Madonna llegó a responder en Instagram que «si sentías que la pista de baile estaba muerta, quizá no estabas escuchando la música adecuada».
Charli XCX se vio obligada a responder que se refería tan sólo a su necesidad de dejar ‘BRAT’ detrás. Y citaba ejemplos de música de baile que le está gustando mucho, como Slayyyter. Recientemente, veíamos una publicación de Charli en la que compartía ‘Hollywood’ de Madonna y esta pinchaba en «me gusta». ‘American Life’ es una influencia evidente en el vídeo de ‘SS26’. La reconciliación se fraguaba.
Y finalmente se materializaba ayer durante la Semana de la Moda de París. En el desfile de Yves Saint Laurent, alguien decidía sentar juntas a Madonna y a Charli XCX en una primera línea llena de famosos en la que también cabían Kate Moss, Arca, Stuart Price, Connor Storrie, Debi Mazar, su hija y muchos otros.
Lo que es más, en el Club Confessions que anoche se organizaba en París, se vio a Charli XCX en la cabina de DJ junto a Madonna, disfrutando de ‘Hung Up’ y otros temas. Esta vez, y a diferencia de lo sucedido en Los Ángeles, no se pincharon canciones inéditas de ‘Confessions II’.
Cabe preguntarse si esto ha sido un «beef» de verdad, un malentendido o una broma entre amigas. Madonna y Charli XCX comparten sello (Warner), equipo de estrategia (Special Offer) y directores de videoclip (Torso). Sin duda Madonna se está inspirando en el márketing de guerrilla de la era ‘BRAT’ y Madonna ha sido siempre una influencia reconocida para Charli.
Os recordamos que analizaremos toda la era ‘Confessions II’ en un podcast con público en la Sala El Sol el miércoles 8 de julio. Las entradas están a la venta en DICE.
Now You Know Why We Sent You That Link: Madonna Lights Up Saint Laurent in Paris An hour ago we gave you the link to watch the Saint Laurent show live — and now you know exactly why. Madonna is in the front row in Paris tonight, and for a Confessions II campaign built entirely… pic.twitter.com/tHOm0Pgsaj
‘THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE.‘ tiene un lugar reservado entre lo mejor de 2026. No ha sido un disco exento de polémica, de hecho ha obtenido alguna crítica tibia en medios como The Guardian, pero a su vez ha reafirmado que RAYE es una artista especial, de esas que no puedes confundir con nadie más. Ni siquiera con Amy Winehouse. Por eso le dedicamos el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO.
RAYE empezó componiendo para otros artistas, colaboró incluso con Charli XCX y cantó en temas dance como ‘Regardless’ con Rudimental o ‘Bed’ con Joel Corry y David Guetta. Tuvo una salida traumática de Polydor, que la había fichado en 2014, y finalmente emprendió su propia carrera en solitario.
‘My 21st Century Blues‘ fue su debut de verdad, un álbum crudo en el que habló de abusos, de los problemas para aceptar su cuerpo, de homofobia y política en unas letras directas e incómodas a veces, muy poco habituales en el mundo del pop. Allí consiguió viralizar hasta los mil millones de streams el tema ‘Escapism’.
Justo cuando algunas voces afirmaban que los 6 Brits que había recibido por su debut eran algo exagerado, RAYE se ha sacado de la manga un nuevo clásico, ‘WHERE IS MY HUSBAND’, y un álbum complejo de 73 minutos que no sigue la estela de esta canción ni mucho menos. Como mucho en «Lover Boy».
Luego RAYE ha preferido idear algo parecido a su propio musical, con su presentación (‘Girl Under the Grey Cloud’), su despedida (‘FIN’), sus momentos barrocos (‘Winter Woman’, ‘Click Clack Symphony’) y sus momentos ligeros (‘Life Boat’, ‘I Hate The Way I Look Today’). Lo analizamos en el capítulo de esta semana. Uno de los últimos de esta temporada, antes del cierre, que grabaremos en vivo en la Sala El Sol el próximo 8 de julio.
‘Camisa de Fuerza’ es el primer disco de Kase.O en 10 años. Este es, a la vez, el sucesor de ‘El círculo’ (2016), uno de los discos más queridos de la historia del rap nacional. Las reacciones al álbum, que vuelve a juntar al artista zaragozano con raperos tan clásicos como Nach o Violadores del Verso, han sido totalmente dispares, con algunos usuarios en redes opinando que «no hay uno que rapee así» y otros asegurando que da «vergüenza ajena».
Al margen de esto. el regreso de Kase.O también ha servido para que uno de los raperos más respetados de nuestro país se pronuncie sobre un tema que ha dado mucho que hablar en los últimos meses: el rap facha. Ibarra tenía claro lo que quería decir en su rueda de prensa: «Si eres facha te jodes y no puedes escuchar rap. Todo no se puede en la vida. El rap es un movimiento obviamente antirracista, porque todos nuestros ídolos son racializados. Entonces, si eres racista no puedes escuchar rap, no pasa nada», ha recogido Europa Press.
Las declaraciones públicas de Ibarra de los últimos años no han sido tan bien recibidas como estas. Recordemos que tanto sus palabras sobre la «paguita» de los jóvenes como su decisión de no cancelar sus conciertos en los festivales respaldados por el fondo proisraelí KKR ya provocaron una ola de reacciones negativas en redes. Aunque en esta última ocasión se disculpó por el «mal rollo» que había creado, sus palabras no lo acabaron de arreglar del todo: «Tengo un lema para todos estos puritanos, inquisidores, policías de la moral, radicales y fascistas que me han apaleado y humillado», soltó en el Río Babel del año pasado, el cual no pertenece al fondo KKR. Es por esto que su visión ideológica sobre el rap ha sido más que bienvenida por la opinión pública. Además, llega en un momento totalmente clave.
«Deja de ser fascista y vente al rap, pero todo no se puede», continuó el zaragozano. Este también ha asegurado que, en sus 40 años de carrera, no pensaba ver «raperos de derechas». El rap facha ni siquiera se puede considerar un movimiento, porque sus referentes son muy pocos, pero sí ha hecho el suficiente ruido como para que su existencia se convierta en un motivo de debate público.
Algunos de los nombres que seguramente Kase.O tenga en mente son Santaflow, participante en varios actos de VOX y autor de letras como «quiero pegar al mariconazo de Jorge Javier»; Angie Corine y El Jincho, que podría afrontar 13 años de prisión después de, presuntamente, agredir sexualmente y drogar a una menor con discapacidad del 41% y grado 1 de dependencia reconocido.
Si lo dice hasta Kase.O, por algo será: «Es de tener poca personalidad defender ideas políticas de un partido político cuando puedes decir lo que quieras sin tener que defender unas siglas. Básicamente eso es lo que tengo que decir: si eres fascista no puedes escuchar rap, prohibido, no te dejamos», concluyó Ibarra.
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