Mushroom Pillow publicará después del verano el tercer disco de Morreo. El dúo formado por Jose Carlos Luna y Germán Marchena, conocido por la influencia tanto de la psicodelia pop de los años 60 y 70 como por cierta querencia por el folclore patrio por la vía de Smash, publicaba hace unas semanas la introducción al álbum, ‘Bienvenidos’. 2 minutos y medio de presentación uptempo y sintes locos para adentrarnos en la nueva era.
Hoy JENESAISPOP estrena el vídeo del verdadero primer single, ‘Locos por el ritmo’, que reconocen como su «canción más yeyé hasta la fecha». Ya solo por todos los cambios melódicos en su estribillo merece ser la Canción del Día.
‘Locos por el ritmo’ se reconoce inspirada en ‘1, 2, 3, al escondite inglés’ de Iván Zulueta, pues su argumento se asemeja mucho a la narrativa de la canción. Explican: «Más allá de la referencia cinéfila, este tema es un recordatorio para nosotros mismos de no perdernos. Ni nuestra esencia ni nuestro estilo. En algún momento sentimos que nos estábamos alejando de eso, y tuvimos claro que necesitábamos recuperar nuestro sonido y nuestra forma de ver la música».
Continúan: «Bajo esta premisa, volvimos a lo que mejor sabemos: los años 60 y 70, pero no cogiendo a los grupos clásicos de siempre, sino a las bandas que los adaptaron a su manera y que tanto nos han marcado, como Niza, La Casa Azul o Aventuras de Kirlian».
El resultado es una de sus producciones más explosivas y coloridas -lo cual es mucho decir para los autores de ‘Mambo’-, en parte por lo elevado de los bpm’s. Al fin y al cabo esto iba de estar «locos por el ritmo». Melodía y arreglos nos llevan a los tiempos de Algueró y Trabucchelli, es verdad que con cierto prisma de presente. El catálogo de Elefant, Elastic Band o incluso el trabajo de Lori Meyers y Anni B Sweet con Temples pueden venir a la cabeza.
La letra tan meta lleva efectivamente a las intenciones de Guille Milkyway, afirmando que «el pop es el único que nos puede salvar». Apuesta incluso por imponer una «superioridad moral». El vídeo es igualmente una reivindicación de lo retro en colores, grano y textura, con instrumentos vintage, trajes cruzados y targets. El homenaje a los 70 se materializará hasta en el título de este tercer álbum, que podemos adelantar que será ‘Plato Combinado’.
El próximo miércoles 8 de julio grabaremos en directo un episodio del podcast Revelación o Timo, con asistencia de público, en la Sala El Sol de Madrid. Las entradas están a la venta en DICE a 12 euros + gastos, solo para los primeros compradores. Después, pasarán a costar 15 € + gastos. Actualización: las entradas «early birds» se agotaron en 2 horas. Están a la venta las ultimísimas entradas.
A partir de las 20.30 horas, analizaremos la campaña de promoción de ‘Confessions II’ el primer disco de Madonna en 7 años. Comentaremos la actuación en Coachella, la de Times Square, el corto de 10 minutos lleno de cameos, o la recuperación del márketing de guerrilla. Del «Club Confessions» a Grindr. Evidentemente, analizaremos también el disco, que para entonces ya estará en la calle.
Al término del podcast, retiraremos las sillas, pincharemos el álbum ‘Confessions II’, en modo discoteca, íntegro y sin interrupciones, y terminaremos con una playlist de hits del resto de su discografía. Estaremos hasta las 0.30, cuando hay otro evento en la Sala El Sol. Estos serán los horarios aproximadamente.
20.30 horas: Apertura de puertas.
20.45 horas: Podcast en vivo.
22.30 horas aprox: ‘Confessions II’ pinchado íntegro en formato club.
23.35 horas aprox: Hits de Madonna y amigas.
0.30 horas: Fin de Fiesta «We Have a Confession». Empieza otro evento en la Sala El Sol.
Como era de esperar, Bb trickz no solo no dejó la música a finales de 2024 -aunque pudo ser un sentimiento genuino el que tuvo en ese momento, eso no lo sabemos- sino que utilizó aquel anuncio para promocionar un nuevo single y después siguió publicando música de forma casi constante, incluyendo el estupendo EP ‘80’z‘, que incluía la viral ‘Super‘; un proyecto colaborativo con Depresión Sonora, un single con Emilia, el mini EP de 5 minutos ‘lechita’ y ahora un nuevo EP que dura exactamente 12 minutos. Y a esto se le acaba de sumar un nuevo single suelto, ‘ponte perrita’.
‘Sugarhiii’ no es exactamente el disco más azucarado de la carrera de Bb trickz por el hecho de que es el más enfocado en el rock y la electrónica. Lo que podemos considerar el eje central de su propuesta artística, la mezcla de buen y mal gusto, vuelve a articular esta nueva y brevísima colección de canciones.
Cuando digo mal gusto me puedo referir al descaro deliberado de sus letras, más próximas en forma al urban: si alguna vez pensaste que jamás escucharías una expresión como «soy una bambi, el toto me combina con los pantis» en un tema de ecos indie-rock, shoegaze y post-punk, ‘Le le’ viene a demostrar que es posible. También me refiero al griterío histérico de ‘Gafas de sol’, que concluye el EP con bien de zapatilla.
El gracioso tema que abre ‘Sugarhiii’ confirma que el mayor acierto del EP es su faceta rockera, no tanto la electrónica. En el primer sentido hay que elogiar la transformación que se hace de ‘Lovefool’ de los Cardigans en ‘A la mala‘, que cuenta con producción de Hudson Mohawke. En un tono más oscuro, ‘Dame más!!’ pone el acelerón con ecos de darkwave e invitaciones a que «rebotes el culo».
Los temas centrados en el club ocupan un tramo central menos inspirado. ‘Pa bailar’ no da tanto «veneno» como promete la propia Belize, ‘Te gusto?’ es prácticamente una extensión de este tema, sin el gancho de su colabo con Charli xcx, y ‘Hooka Love’ se diferencia apostando por un estilo más próximo al dark tecno, pero la canción se queda en un efímero gesto.
De nuevo destaca el estilo que desprenden las producciones a cargo de Outlaw, entre otros, a pesar de la brevedad de los tracks. Y Bb trickz sigue siendo una presencia entre hipnótica e incómoda que, con rimas como la de ‘Gafas de sol’, te saca una risa: «oliendo pop, soy pop star, toda mi clica son pop stars, se hacen clic, suena pop, lo tengo swift, lolipop». Lo de ‘ponte perrita’ ya es next level.
Manuel Carrasco acaba de ofrecer un concierto en La Cartuja de Sevilla y ha contado con la participación de David Bisbal, que apareció como invitado especial para interpretar junto a él ‘La reina del baile’, uno de los sencillos que Carrasco lanzó en 2024. Sin embargo, muchos espectadores han preferido comentar el estilismo de ambos cantantes recurriendo a insultos homófobos, y todo por llevar tirantes ajustados y algún toque drapeado.
«Qué gays van vestidos», «vaya asesores de imagen que tiene el Manu», «dos señoras muy elegantes», «creí que eran travestis» o «Carrasco tiene un pie fuera del armario» son algunas de las lindezas que supuestos seguidores les han dedicado en Instagram. Estos son solo algunos de los comentarios recopilados por el influencer Antonio González en esa red social.
Al margen de la insinuación de que existe una forma de vestir específicamente asociada a los hombres homosexuales -y de que eso tenga alguna connotación negativa-, cabe recordar que ni Bisbal ni Carrasco son homosexuales. Una muestra de hasta qué punto los prejuicios de género siguen operando es que la homofobia también afecta a personas heterosexuales, aunque ciertos representantes públicos decidan ignorarlo.
@universalspain NOCHE III de @Manuel Carrasco en el Estadio de La Cartuja de Sevilla. Noche de Corazón Salvaje 💘. 👑 Y se marca un junte salvaje con @davidbisbaloficial ♬ sonido original – universalspain
Si hay un realizador de videoclips al que le gusta jugar con referentes fílmicos, ese es Christian Breslauer. Como ya demostró en sus homenajes a ‘Kill Bill’ u ‘¡Olvídate de mí!’, el director floridense vuelve a echar mano del imaginario cinematográfico para construir la estética del vídeo de ‘hate that i made you love me’, primer sencillo del nuevo disco de Ariana Grande, ‘Petal’.
Ya desde los títulos de crédito, Breslauer sitúa al espectador en un universo que remite a las cabeceras de terror y thrillers de serie B de los años cincuenta. La tipografía amarilla (como el vestido de Ariana), pintada como a brochazos sobre un cielo tormentoso, anticipa la combinación de romance, humor negro y elementos sobrenaturales que vertebra todo el videoclip.
El protagonismo de Justin Long, convertido casi en un icono del cine de terror contemporáneo gracias a títulos como ‘Barbarian’, ‘Tusk’ o ‘Jeepers Creepers’, refuerza esa lectura. Su presencia funciona como un pellizco cómplice para el espectador familiarizado con el género y contribuye a situar la historia en un territorio a medio camino entre el thriller psicológico, la comedia de terror retro y el cuento moral de fantasmas sobre la culpa y sus consecuencias.
A ello se suma una estética que combina el suburbio idealizado de los años cincuenta con ecos de las comedias sobrenaturales clásicas tipo ‘El espíritu burlón (1945) o ‘Me casé con una bruja’ (1942). Ariana encarna sucesivamente a la chica de la curva, el espectro de casa encantada y la novia fantasma vengativa, tres figuras emblemáticas del imaginario fantástico que convierten el videoclip en una pequeña antología de fantasmas femeninos con ganas de ajustar cuentas.
James Blake ha compartido una reflexión sobre el estado actual de la industria musical que vuelve a ser bastante deprimente. El artista que tan crítico ha sido con el funcionamiento de la industria musical, que desfavorece a compositores como él, habla ahora de la desconfianza generalizada en torno a los datos, la crítica y la propia autenticidad de la música.
En concreto, Blake critica los comentarios positivos de fans en redes sociales, muchos de los cuales son “fake” y pretenden construir una narrativa de entusiasmo en torno a un artista que influye en la percepción del público. También señala la artificialidad de las cifras de YouTube y otras plataformas de streaming, “porque los sellos compran reproducciones” o “recurren a granjas de bots para impulsar el descubrimiento”.
Aunque Blake apunta a la artificialidad de los comentarios y del descubrimiento, también reconoce que este tipo de prácticas en el entretenimiento “siempre han existido”. Se ha visto recientemente en el caso de Geese.
Donde Blake es más discutible es en su acusación de que las críticas de discos están “compradas” por sellos discográficos porque los “blogs y las revistas han dejado de ganar dinero”. Aunque después indica que no pretende generalizar, sí sugiere que la “prevalencia del algoritmo y los bots” facilita la manipulación de audiencias.
El artista resume así su visión del ecosistema musical actual: “Si eres artista, recuerda que en 2026 no hay ni una sola parte del sistema que no esté manipulada. Probablemente estás haciéndolo mejor de lo que crees”.
Blake ha provocado la respuesta de al menos un reconocido periodista musical, el estadounidense Philip Sherburne, que no se ha mordido la lengua: “James Blake es un imbécil si realmente cree que los medios creíbles (sí, aún existen) funcionan así”, y subraya que medios “respetables” como Pitchfork o The Guardian no publican críticas pagadas.
El músico Jacques Greene, por su parte, comenta que en Europa ha visto por primera vez medios que piden dinero por “cover features”, y Sherburne responde criticando la práctica por ser poco ética al difuminar la línea entre publicidad y contenido editorial.
Blake ha puntualizado que, aunque sabe que siguen existiendo periodistas que no cobran por sus críticas, son cada vez más raros. “Me siento mal por los críticos mal pagados y periodistas con integridad”.
James Blake took to his Instagram story to call out the state of the music industry's metrics, one by one.
"Can't trust a review because blogs/mags stopped making money so journalists now get paid off by labels…can’t trust a comment section…YouTube numbers…streaming… pic.twitter.com/jw0AZ79rpD
Olivia Rodrigo ha anunciado Daisy Chain Fields, su propio festival de música, que se celebrará el 29 de agosto en Irvine, California. La cantante llevaba años soñando con organizar un evento así y, sí, lo has adivinado, ha tomado como referencia el el mítico Lilith Fair, que ya en los 90 convirtió en realidad un festival integrado exclusivamente por mujeres.
El cartel estará formado exclusivamente por artistas femeninas o bandas lideradas por mujeres. Entre los nombres destacan Chappell Roan, Doechii, Mitski, Bikini Kill, Garbage, The Breeders (teloneras de Olivia durante la gira de ‘GUTS’), Katseye, Santigold y Rachel Chinouriri, además de invitadas especiales como Stevie Nicks, Karen O y Sarah McLachlan.
Los beneficios netos de las entradas se destinarán a organizaciones que trabajan por los derechos y la salud de mujeres y niñas, entre ellas Planned Parenthood o Center for Reproductive Rights. Además, ningún artista cobrará beneficios por su actuación.
Olivia Rodrigo logra ser lo más votado esta semana en JENESAISPOP, al obtener el 51% de los votos en Instagram con ‘stupid song’. Es su primer top 1 en nuestro top 40 semanal. Cada canción en esta era ha ido gustando más que la anterior: ‘drop dead’ llegaba al número 5, y luego ‘the cure’ al número 2. En álbumes anteriores, ‘vampire’ entró al puesto 3 contenida por ‘Padam Padam’ de Kylie y una de las colaboraciones de Amaia con Alizzz. Un par de años antes, ‘drivers license’ quedaba en el puesto 14.
Aparte de Olivia Rodrigo, la entrada más fuerte estos días es la de Avalanches con Jamie x, que aparece por el top 5. Belén Aguilera y Ellie Goulding llegan al top 20. Otras entradas en lista son las de Paycheque, Tinashe, Joshua Idehen y Vince Staples.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Las novedades musicales de la semana están marcadas por Olivia Rodrigo. La artista es número 1 de álbumes en España y, como ya os hemos contado en el análisis de la lista de Discos, ha metido hasta 11 temas en el top 100 oficial español de canciones. ‘stupid song’ es número 17.
Pero la entrada más fuerte es ‘Pa ti toa’ de Ana Mena con Lola Indigo, directa al top 12. Es una buena entrada para ambas, aunque queda fuera del top 10 a diferencia de ‘Madrid City’ que fue top 8, o ‘Carita triste’ con Emilia, que fue top 6.
Y la noticia de la semana la vuelve a dar Shakira con Burna Boy. En marcha el Mundial de Fútbol, ‘Dai Dai’ sigue subiendo y pasa del puesto 10 al puesto 4, representando la subida más fuerte estos días. Eso sí, por lo que se ve en Spotify España, el número 1 continúa lejos y en manos de ‘La graciosa’ de Quevedo. Como curiosidad, el Waka Waka’ reentra en el puesto 92 en España, certificado como 5 veces platino.
Completan las entradas de la semana ‘BNB’ de Young Miko con Clarent en el 23; ‘Contigo na más’ de Luar La L con Dei V, Bryant Myers, etc en el puesto 60; ‘Cabernet’ de Mora en el 65 y ‘Se le ve’ de Kybba, Ryan Castro, Bad Gyal y Topboy en el 87.
Bad Bunny no ha podido desbancar a Quevedo del número 1 en España, ni actuando 12 veces en nuestro país. Al fin y al cabo ‘Debí tirar más fotos’ salió hace más de 70 semanas.
Quien sí logra desbancar a Quevedo, en concreto después de 7 semanas de reinado de ‘El Baifo‘, es Olivia Rodrigo, que ya había sido top 1 por aquí con sus dos primeros álbumes. ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘ es el nuevo número 1 de discos en España y no solo eso, sino que además, 11 de las 13 canciones del álbum entran en la lista de singles. Son las siguientes:
17 (E) stupid song
36 (81) the cure
43 (E) honeybee
46 (RE) drop dead
55 (E) maggots for brains
57 (E) what’s wrong with me
61 (E) my way
66 (E) u + me
73 (E) LESS
75 (E) expectations
88 (E) begged
El huracán Olivia Rodrigo no consiente que haya demasiadas novedades en el mercado anglosajón. Bebe Rexha tiene que conformarse con el puesto 63 en nuestro país con ‘Dirty Blonde‘. Y Yes con el puesto 95 con ‘Aurora’. Este último álbum ha alcanzado el puesto 42 en UK, pero Bebe Rexha únicamente ha sido número 71 en Reino Unido. Sí, ha llegado más alto en España.
Los Delinqüentes han llegado al puesto 45 con la reedición de ‘El sentimiento garrapatero que nos traen las flores’. Cruz Cafuné, al puesto 59 con ‘Me muevo con Dios’, Lérica al número 68 con ‘Kien me presta una guitarra?’ y Feid al puesto 100 con ‘El moco verde’, un EP de tan solo 5 canciones.
Carly Rae Jepsen había inundado en los últimos días su perfil de Instagram con publicaciones de coloridas y estéticas imágenes acompañadas de escritos, horas y ubicaciones, casi a modo de diario personal. Estaba claro que tramaba un comeback y ahora se confirma. Sin embargo, el regreso será aún más satisfactorio para sus fans de lo esperado, ya que el nuevo disco que acaba de anunciar es doble.
‘Day and Night’ se compondrá de 24 temas: los 12 primeros estarán reunidos en la sección «Day» y los 12 restantes en la sección «Night». Algo parecido a lo que hizo Miley Cyrus en ‘Endless Summer Vacation‘, aunque, de momento, Carly Rae no ha dicho que su álbum sea conceptual. La fecha de lanzamiento es el 18 de septiembre.
Según la nota de prensa recogida por Variety, la parte «Day» es «orgánica y cruda, con instrumentación en directo y toques de pop psicodélico inspirado en los años 70». Por su parte, «Night» es «exploratoria e intensa, y se adentra en un universo elegante de dance pop impulsado por sintetizadores».
Jepsen, que ha sido madre recientemente, ha colaborado con Tavish Crowe, Kyle Shearer, Nate Cyphert y Cole M.G.N. (su marido) en este nuevo proyecto. El primer avance ‘On Wires’ sale este viernes.
Ha muerto Clive Davis, una de las figuras más influyentes de la industria musical estadounidense, a los 94 años. El ejecutivo discográfico ha fallecido este lunes en Nueva York después de haber sido hospitalizado el pasado viernes por una infección respiratoria.
Pocos ejecutivos discográficos tuvieron tanto impacto en la historia del pop como Clive Davis. Fue presidente de Columbia Records, después fundó Arista Records, y su nombre aparece ligado al descubrimiento y desarrollo de algunos de los artistas más importantes del pop contemporáneo.
Entre los talentos que fichó e impulsó destacan Whitney Houston, de quien fue uno de los principales mentores, y también nombres tan dispares e icónicos como Bruce Springsteen, Billy Joel, Santana, Aerosmith, Janis Joplin, Pink Floyd, Barry Manilow o, más recientemente, Alicia Keys.
Ganador de cinco premios Grammy e incorporado al Rock and Roll Hall of Fame en el año 2000 en la categoría de no intérprete, Davis continuó vinculado a Sony Music durante las últimas décadas de su vida como director creativo.
En un comunicado, la familia de Davis ha destacado tanto su legado en la industria musical como su faceta personal. Sus familiares han recordado que, pese a su enorme éxito profesional, siempre dio prioridad a su familia y a las personas más cercanas.
Madonna protagoniza la portada de verano de Interview Magazine, en promoción de ‘Confessions II’, que sale ya el viernes de la semana que viene, dentro de 10 días. Además de unas fotos en las que «crea un nuevo personaje» como sugiere la introducción a su nuevo disco, en concreto una mujer que ha llamado Dee Dee, ha concedido obviamente una entrevista.
En ella da los detalles de cómo surgió este álbum, cuando se fue descartando su biopic con Universal por problemas de presupuesto. «Encontré la manera de hacer la película por menos dinero en Serbia, pero no creo que les entusiasmara la idea… Quizás simplemente no creyeron en mí. Una de sus primeras reacciones fue: «No creemos que aguantes en Serbia más de cuatro días». Y yo les dije: «¿Habéis leído el guion?». Toda mi vida ha sido una lucha por la supervivencia. No me voy de vacaciones». Fue entonces cuando Netflix le propuso otra cosa. «Estaba en el limbo cuando Netflix se me aproximó para hacer una serie. Y ese iba a ser otro proceso largo, porque no podía usar el guión que tenía con Universal a menos que lo comprase al precio de un extorsionador, aunque yo lo hubiera escrito. Mejor ni preguntes».
Dándose cuenta de que tardaría mucho tiempo en encontrar el/la guionista adecuado para la serie, decidió hacer un disco con Stuart Price. La idea era que, en tiempos tan oscuros, la gente necesitaría música de baile, por lo que pensó en ‘Confessions II’. «Me dije que tenía que ser tan bueno o mejor que el primero. He hecho otros discos, como ‘Ray of Light’ con William Orbit o las cosas que hago con Mirwais. Me encantan todos, pero mi sonido con Stuart… ni siquiera es algo que tengamos que pensar. Sintonizamos. Eso es lo que creo que pasó. Y es lo que producir significa para mí. Pones en común tus gustos, conocimiento, tu visión, y a una gente que está alineada contigo». No obstante, Madonna reconoce que ha estado 15 años sin ver ni hablar con Stuart Price.
En cuanto al disco, se compone de confesiones, y habla de la muerte de su hermano o su madrastra, con quien tuvo una relación muy complicada, aunque también hay canciones simplemente de diversión, como ‘Love Sensation’. Otro tema son las redes sociales, y lo que le deprime usar Instagram «más de 10 minutos». «Si miramos Instagram durante 2 horas, realmente pensamos que hemos estado con alguien. Es una actividad profundamente perturbadora».
Madonna sorprende al hablar de un tema hecho con Arca y Stuart Price que no estará en el álbum, ‘What Will Save Me’, pero sí estará la colaboración con Stromae ‘My Sins Are My Savior’, descrita como «una fantasía de los 90 sexy y profunda», y otra llamada ‘The Test’ con su hija Lourdes León que promete ser más profunda que ‘Superstar’. «Mi hija se me aproximó con la idea de escribir una canción juntas como forma de reparar nuestra relación. Fue un momento muy importante y consolidó la idea de que este era el momento de hacer este disco».
La artista cuenta historias hilarantes sobre cómo consiguió que el DJ de Danceteria la pinchara con un poco de cocaína y la complicidad de Debi Mazar, aunque quizá la declaración más interesante la deja hablando del tema con Stromae, sobre el qué dirán: «Solía importarme mucho porque pensaba: «No puede ser que la gente sea tan estúpida. No lo entienden. Hago muchas cosas provocativas pero siempre hay una razón detrás, que nadie se molesta en investigar, lo que te hace tirar la toalla sobre los seres humanos. Te das cuenta de que la gente no tiene pensamiento crítico. No examinan lo que ven ni lo que oyen. No miran las sutilezas ni las capas. Y no lo hacen sobre todo si viene de una mujer. Picasso era una mierda para las mujeres y se comportaba como un cretino, pero era un pintor brillante. La gente lo pasa por alto porque era un gran pintor. No me estoy comparando con Picasso, pero cuando una mujer lo hace… la gente es ahora un poco más abierta de mente sobre las mujeres que hacen cosas provocativas».
DELLAFUENTE ha dejado claro en X que su nuevo disco no es una despedida de ningún tipo: “Los que decís que ‘BRIGADO,’ es una despedida, que buya tenéis??”. Desde luego, no es toda la culpa de quien lo dice. El último disco del misterioso artista granaíno comparte la vibra melancólica del ‘Hurry Up Tomorrow’ de The Weeknd, sin llegar a ser un funeral; está lleno de menciones al agotamiento y la reconstrucción, y termina con una carta de agradecimientos. En el contexto de su carrera, viniendo de hacer historia tras vender casi 120.000 entradas para sus dos fechas en el Metropolitano, también tendría sentido que esto fuese un final. La nota de prensa dice que se trata de un comienzo. En realidad, es un punto de inflexión.
Este cambio de rumbo viene representado por varios elementos, siendo el más notable la única colaboración que incluye el proyecto, 3NOC, un álter ego del propio DELLAFUENTE (Pablo Enoc Bayo Ruiz). Su equipo describe a 3NOC como “una nueva identidad dentro del universo sonoro” del artista, concretamente su “visión musical más orgánica”. Efectivamente, ‘La vida te da sorpr3sas’ y en especial ‘Mi modo de vida’ muestran una faceta del granaíno nunca vista. Ambos temas coinciden en la influencia de los ritmos caribeños y en su intersección con las melodías flamencas, con lo que el artista ya había experimentado sutilmente en el pasado e indaga de forma más incisiva en este LP. ‘BRIGADO,’, siendo un proyecto muy variado y casi un compendio de todas las caras del andaluz, se parece más a ‘Lágrimas pa otro día’ que a cualquier otro disco anterior.
Sin embargo, lo que no tenía ese LP eran las grandes instrumentaciones y arreglos de vientos y teclas que sí se presentan en esta ocasión. ‘Mi modo de vida’, en concreto, es el clímax absoluto del disco y la culminación de la faceta más salsera de DELLAFUENTE. En la letra, Enoc rinde homenaje a su esposa e hijos, además de declararse en paz con la vida: “No me preocupa el dinero, pa mí es un medio, no un fin”. Es la invitación al baile y la celebración después de un tracklist que va de menos a más, tanto en calidad como en BPMs.
La primera mitad de ‘BRIGADO,’ no tiene nada que ver con las secuencias más desenfadadas del artista. Es justo lo contrario. ‘Vida en PNG’ da comienzo con un dramático bolero en el que el granaíno canta sobre volver “a caer” y no poder ver “el fondo de esto”. La mayoría de canciones que le siguen también muestra esta cara más reflexiva, íntima y, en definitiva, más lenta del artista, pero no todas resultan tan interesantes como esta intro. ‘Na me sabe a na’ y ‘Modo avión’ se asemejan al DELLAFUENTE clásico en su producción y funcionan bien dentro de que no presentan nada nuevo. ‘2:3 Filipenses’ sigue con las revoluciones bajadas, pero los arreglos de cuerdas lo dan todo para que sea una de las baladas más bonitas del disco.
Son justamente las canciones más movidas de esta sección las que no acaban de encajar. Un merengue del Xino es una sorpresa, pero que tenga tan poca sustancia como ‘Me olvido’ es una decepción. Por otro lado, el problema de ‘Sin explicacion3s’ tiene que ver con su posición en el tracklist. Este reggaetón tenía que ir en segundo lugar para mantener atenta a la gente, pero está lejos de ser una de las mejores canciones. También contiene alguna frase que no parece que haya venido de DELLAFUENTE, sino de Pol Granch: “Sin darme cuenta todo cambió / Saqué de la playlist nuestra canción”.
Eso sí, la segunda mitad de ‘BRIGADO,’ es todo un banquete. ‘Espíritu Santo’ es uno de los tracks que más luz arrojan sobre el lugar mental del artista en este disco: “Me gusta imaginar que soy desconocido y la única intención de conocerme es que te hizo gracia lo que dije”, canta en la primera línea. Este continúa queriendo “matar esa versión de mí que tú estás alabando” o jurando que le da “seguridad esta inseguridad”, además de dejar frases tan icónicas e hilarantes como “Me dicen no es pa’ tanto, yo les digo no es pa’ tontos”. Es la mejor versión del DELLAFUENTE que ya conocemos, capaz de mantenernos pegados a los cascos solo por lo que dice. El efecto es el mismo en ‘Caravaggio’, el hit indiscutible del disco en el que el granaíno se declara no humano de una forma fascinante: “A veces quisiera sentirme humano y supongo hacer cosas que hacen los humanos / Como criticar a la espalda, ser individualista, querer ser famoso y buscarlo siendo artista”. ‘El baile del agua’, por otro lado, es capaz de hacer olvidar los instantes más flojos del álbum por su mezcla de emoción y producción maximalista, casi rozando el EDM.
‘Agradecío’ son los títulos de crédito de un álbum que va y viene en su primera parte y que es capaz de crear escuela con lo que sigue, pero que resulta emocionante en casi todo momento. Así debería tomarse esta canción, que no por casualidad también fue el primer adelanto. DELLAFUENTE dice estar “agradecío de lo que me está pasando, de ser padre, hijo y espíritu santo”, muy en su línea, pero también da las gracias por todo lo malo, por “cada llanto” y “cada muerte”. Está totalmente listo para la próxima etapa de su carrera: “Estoy agradecido y lleno”. De todo lo que ha perdido, lleno.
De acuerdo con El Diario de Sevilla, la expresión “tesquiyá” es “la interjección con la que podemos expresar desacuerdo o incredulidad cuando nos dicen algo que consideramos falso o exagerado. Procede de la pregunta retórica ‘¿te quieres ir ya?’ o ‘¿te quieres ir ya por ahí?’, dicha de manera contraída, con un toque de ironía y con una dicción propia de Cádiz”.
Una variación de esta forma, ‘Teskiya’, titula el nuevo single del gaditano CURRO, que es uno de los mejores de su carrera y la Canción del Día de hoy.
El autor de ‘A Toro Pasao‘, una de las mejores canciones de 2025, vuelve con un tema alegre y muy rítmico, marcado por una melodía coreable y rumbera y por un espectáculo de producción repleta de palmas y percusiones y detalles instrumentales, como los tensos arreglos de cuerda o vientos que emergen sutilmente en varios puntos de la canción.
Con ecos también al funk carioca y matices de latin club, que en ningún caso diluyen el espíritu festivo y comunitario de la canción, ‘Teskiya’ sirve además como afirmación de la independencia de CURRO, que tiene muchas novias y novios pero advierte: “yo no me caso con nadie, no me vale cualquier cosa”. Eso sí, se postula como boyfriend material: “Soy lo que quieren las madres / educado, guapo y exclusivo / un premio pa’l que le toca”, dice el genial estribillo.
La cosa se complica en la segunda estrofa, que incluye la rima: “tengo todo lo bueno que de un gran hombre se espera / menos dinero, sírvase usted lo que quiera”, y lo que parece la confesión de un desorden emocional: “Soy algo inestable, pero fiel compañera / juro, el día que cambie / quedarme una vida entera”. Hasta que llegue el amor de su vida, que no pare la fiesta.
Kylie Minogue vuelve a colocarse en el radar del cine tras confirmarse su participación en el nuevo proyecto del director galés Jamie Adams, donde compartirá reparto con Quentin Tarantino, que también aparecerá frente a la cámara, como actor.
El filme, aún sin título ni sinopsis oficial, se está rodando en Gales y ha sido descrito como una «pieza de estilo improvisado», según Variety, muy en la línea del cine “Nouvelle Vague” que caracteriza a Adams. En las últimas semanas, el equipo ha sido visto grabando escenas en la localidad de Porthcawl, parece que en torno a un funeral y velatorio.
Para Kylie Minogue, este nuevo papel suma otro capítulo a una filmografía breve pero muy variada, donde ha alternado cameos icónicos y papeles de culto. Entre sus apariciones más recordadas están su debut en ‘The Delinquents’ (1989), su mítico salto pop en ‘Street Fighter’ (1994), su participación en ‘Moulin Rouge!’ (2001) o su inesperada reaparición cinematográfica en ‘Holy Motors’ (2012) de Leos Carax.
En cuanto a Tarantino, su participación como actor no es ninguna rareza: el cineasta ha aparecido ocasionalmente como actor sus propias películas, como ‘Reservoir Dogs’ o ‘Pulp Fiction’, además de diversos cameos en proyectos de otros directores.
Anthony Fantano es uno de los periodistas musicales más influyentes de internet. Si sus más de 3 millones de suscriptores en YouTube no bastan para demostrarlo, el creador de contenido al frente de The Needle Drop acaba de publicar una entrevista presencial con nada menos que Olivia Rodrigo.
Quien posiblemente nunca estará en esa posición es Halsey. El crítico puntuó su último disco, ‘The Great Impersonator‘, con un 1 sobre 10 y lanzó una crítica demoledora hacia la calidad de las canciones y sus «egocéntricas» letras, que calificó poco menos que de pataletas adolescentes y como ejemplos de «síndrome del personaje principal». Muchos fans señalaron la «insensibilidad» de este comentario, debido a que que ‘The Great Impersonator’ está profundamente marcado por los problemas de salud que Halsey ha atravesado en los últimos años, incluido un tratamiento de quimioterapia para combatir un cáncer hematológico.
Ahora, aprovechando la viralidad de la entrevista con Olivia Rodrigo, la cantante ha decidido responder con descalificaciones y algún argumento razonable. Halsey reduce al crítico a la categoría de «youtuber de reacciones», lo asocia con la cultura de 4chan sin pruebas y lo describe como «abusón». También tira de humillación personal al asegurar que «estoy segura de que mi canción menos memorable será recordada con más cariño que cualquier cosa que hayas hecho en tu vida».
La artista, sobre todo, critica el uso de «main character syndrome» en una reseña de un disco que habla, en buena medida, de su enfermedad. Y comparte una interesante reflexión: «Ser una mujer que enfrenta problemas de salud graves a menudo significa tener miedo de decir la verdad sobre el dolor que estás sufriendo porque temes no ser creída o parecer que buscas atención», escribe. Según Halsey, Fantano acabó «validando ese miedo ante miles de mujeres».
Aunque la reseña de Fantano sobre ‘The Great Impersonator’ dista mucho de ser amable -e incluso podría decirse que era bastante hostil hacia su trabajo artístico-, lo cierto es que el crítico nunca menciona el cáncer de Halsey en su análisis, ni siquiera para contextualizar el álbum.
Porque podemos estar de acuerdo en que Fantano fue insensible obviando el contexto del disco. Se puede argumentar que un 1 sobre 10 es una nota absurda para un disco que está muy lejos de ser inaudible. Incluso se puede señalar que existe cierta animadversión hacia Halsey en la manera en que enfoca la crítica. Lo que cuesta más defender es que estuviera atacando a la cantante por hablar de su enfermedad.
Ciñéndonos a lo que Fantano dice realmente en su reseña, lo más cuestionable de toda esta respuesta es la insinuación de que la enfermedad de Halsey debería bastar para blindar el disco frente a las críticas. ¿Es realmente esa la crítica musical que queremos?
De la misma manera, Halsey haría bien en admitir que las críticas sí le importan y en entender que su trabajo no merece ser aclamado por defecto ni por el mero hecho de ser autobiográfico. Tiene todo el derecho a escribir sobre su experiencia con la enfermedad y a sentirse ofendida por una reseña que considera injusta. Pero, como señala un acertado tuit: «No quedas bien siendo tan reactiva a la crítica cuando eres un artista en el ojo público. Es música, joder. El intercambio es que ganas como 20 millones de dólares. Si no te gusta, seguro que habrá alguien que sí».
El que hasta hoy era nuestro Disco de la Semana, ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘, está obteniendo unas cifras de venta alucinantes. Ha sido número 1 en Reino Unido con casi 103.000 copias vendidas en 7 días, con lo cual es disco de oro directo, y mejor aún, es número 1 en Estados Unidos con lo equivalente a 485.000 unidades. Es la mejor semana histórica de Olivia Rodrigo en USA y la mejor de 2026 para cualquier álbum solista.
Sumando los números 1 obtenidos en Australia, Austria, las «dos Bélgicas», Holanda, Finlandia, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Nueva Zelanda, Suecia o Suiza, es evidente que el álbum roza ya el millón de copias en solo 7 días. El disco solo ha quedado en el número 2 en Noruega y en el puesto 21 en Japón. En el resto del mundo es número 1, lo que ha incluido finalmente España, desbancando a Quevedo y Bad Bunny.
Desgranando las cifras del Billboard 200, el álbum ha vendido 273.000 copias reales y 211.000 puntos proceden del streaming. 1.000 son por venta de pistas sueltas. Ha habido 15 variantes distintas de ‘you seem pretty sad for a girl so in love’, incluyendo 2 firmadas y solo en vinilos se han vendido 164.000 unidades en Estados Unidos. Sin duda, uno de los mayores éxitos de 2026.
Y es que una semana después de su edición, todo el álbum continúa en el top 100 Global de Spotify, con 5 canciones aún ancladas en el top 25: los tres singles en el top 10, más ‘honeybee’ resistiendo ahora mismo en el puesto 12 y ‘maggots for brains’ en el número 24.
A pesar del innegable parecido, con el pelo rubio que sobresale de su cabeza y los pañales con la bandera de Estados Unidos, Vince Staples ha aclarado que el bebé de la portada de ‘Cry Baby’ no es Donald Trump, sino «todos nosotros»: «Es el sistema sociopolítico que adoptamos y del que nos quejamos al mismo tiempo. Mientras operamos dentro de él sin querer liberarnos, estamos alimentando al bebé, a la bestia, por así decirlo. Este disco trata sobre las distintas formas en las que puedes hacer eso».
Entonces, ¿el primer lanzamiento independiente de Staples trata sobre cómo liberarnos del sistema o sobre cómo alimentamos al bebé sin saberlo? Ambas. Abrazando el punk y el post rock como bases de la protesta, el rapero californiano pretende entregar con ‘Cry Baby’ una vacuna contra el conformismo. La gran mayoría de los temas tratados en el disco ya han sido visitados en el pasado a lo largo de la historia de la música, especialmente la música negra, pero pocas veces habían sido presentados tan en tu cara.
Vince evita las anécdotas personales para dirigirse en todo momento al oyente y bombardearle con distintas observaciones políticas y sociales que no acaban de cambiar. La violencia policial es la más prominente («¿Por qué vivo con miedo de una pistola y una placa? / Es el mayor enemigo que hemos tenido nunca»), pero Staples también trata la guerra (‘7 In The Morning’), la obediencia de las masas (‘TV Guide’), el patriotismo (‘Only In America’) y el capitalismo, con énfasis en la industria musical («La música te hace sentir como si fueras algodón»).
‘Cry Baby’ es una escucha que no resulta nada pesada teniendo en cuenta los temas que trata. La primera frase de ‘Blackberry Marmalade’, que abre el disco, describe la historia de los Estados Unidos y la intención de Staples con el proyecto: «Imperios construidos en terreno manchado de sangre / Kanye West, rezo porque todos se derrumben». A la vez, usando una melodía pegajosa desde la primera escucha.
Staples no sacrifica en prácticamente ningún momento lo pegadizo de sus canciones por la parte intelectual del proyecto, que tampoco se siente diluida. Más fácil no lo puede poner: importantes declaraciones en forma de memorables hooks.
La mayoría de temas están construidos alrededor de un riff que se repite durante toda la canción a modo de ancla. Por cierto, con instrumentación en vivo. ‘The Big Bad Wolf’, con elementos de scratching y con el conveniente sample de ‘Children’s Story’ de Slick Rick, y ‘Do You Know The Devil’ tienen las instrumentales más detalladas. Las líneas de guitarra de ‘TV Guide’ o el groove de ‘White Flag’, por otro lado, podrían presentar más evolución, resultando algo básicas en comparación.
Quizás esta es la mayor pega de ‘Cry Baby’, manteniendo una estética sonora similar en la mayoría de instrumentales. Todas, o casi todas, las guitarras que aparecen están ahogadas. Es una decisión claramente consciente, pero habría sido interesante que Staples hubiese intentando hacer cosas diferentes con ellas, jugar con otros estilos más incendiarios… Estilos a la altura de sus afiladas palabras.
SZA ha sido una gran defensora de los derechos de los artistas desde que la conversación sobre la IA en la industria musical se convirtió en realidad. Ahora, ha dedicado tanto unas stories como un post de Instagram a denunciar algunas de las prácticas que se han estado llevando a cabo en este ámbito. Incluso ha señalado a artistas como Diplo.
Todo empezó porque la cantante se dio cuenta de que supuestamente 238 canciones suyas habían sido usadas para entrenar a distintas inteligencias artificiales: «Estoy segura de que algunas son inéditas. Si eres un músico y apoyas esta mierda degenerada das asco y NO HAY NADA QUE ME PUEDAS DECIR PARA CONVENCERME DE LO CONTRARIO. Espero que tengas la vida que te mereces», sentenció la artista.
Esto lo publicó en su cuenta principal, en principio sin referirse explícitamente a ningún artista en concreta. Sin embargo, en su cuenta secundaria SZA habló sin ningún tipo de filtro: «No sé quién necesita escuchar esto pero Diplo tiene acciones puestas en Suno y está intentando activamente entrenarlo con las mejores y más brillantes mentes negras de artistas y productores». Suno se trata de la plataforma de IA musical por excelencia, capaz de crear una canción en segundos, mientras que el gusto de Diplo por estas herramientas tampoco es un secreto.
SZA continúa su mensaje haciendo énfasis en el robo intelectual y artístico a creativos afroamericanos: «Todavía no he esucuchado una canción de IA de blancos… No tenemos protección en la legislatura, médica o creativa», sentencia la artista.
SZA denounces AI music after discovering 238 of her songs were used to train artificial intelligence:
“If you’re a musician and you support this degenerate sh*t? You’re disgusting and there’s NOTHING YOU COULD EVER SAY TO ME TO MAKE THIS OKAY” pic.twitter.com/FPltE2fsaC
SZA criticizes Diplo, Suno, AI, and the exploitation of Black artists and songwriters via her private Instagram account:
“lonno who needs to hear this but diplo has equity in suno and is actively attempting to train it on the best and brightest black minds of writers and… pic.twitter.com/C8egMyXtLh
Si ‘Caravaggio’ daba pistas sobre la dirección estilística del nuevo disco de DELLAFUENTE, por su implementación del son cubano y de la música caribeña, ‘Mi modo de vida’ es la culminación de esta faceta del granaíno. Aunque ‘BRIGADO,’ muestra prácticamente todas las facetas del artista, este tema es uno de los pocos que muestra una totalmente nueva. Es la Canción del Día.
La única colaboración que existe en el LP de DELLAFUENTE es él mismo, bajo el alias de ‘3NOC’. Pablo Enoc Bayo Ruiz, el nombre real de DELLAFUENTE, pretende mostrar una nueva identidad artística a través de este nombre, que promete entregar «la visión musical más orgánica» del artista. ‘Mi modo de vida’ es justamente eso.
Aunque empieza con texturas digitales, el tema no tarda en convertirse en un despliegue de vientos, teclados y percusión propios de la salsa. La melodía, por otro lado, pertenece totalmente al mundo del flamenco. Sobre ella, DELLAFUENTE celebra lo más importante que tiene en su vida mientras regala algunas lecciones de paso: «No me preocupa el dinero, pa mi es un medio no un fin / Yo ser feliz no quiero, te quiero hacer feliz a ti».
Mientras la instrumentación crece y crece según avanza el tema, incluyendo un tremendo solo de flauta al final, el artista dedica un verso a dos de las partes más importantes de su vida. Le canta al alma de su pareja («Tan pura y bonita como el cristal / Tú me enseñaste cómo se hace lo de amar») y a la alegría que le brinda haberse convertido en padre («Qué bonito es haberos conocido / Doy gracias de que hayáis nacido / Ser padre es lo mejor que he sido»).
Kurt Vile acaba de publicar ‘Philadelphia’s been good to me’, un disco que reivindica a su ciudad natal con canciones de indie-americana, hermosas y algo evanescentes, aunque menos deshilachadas que en ‘(watch my moves)’.
Y en Filadelfia es donde está ahora mismo Kurt. La entrevista se hace por videollamada de Zoom. Kurt asoma desde un bonito rincón (“estoy en mi tejado, por eso se ve todo tan bonito”). Ha costado cuadrar la agenda. Aun así, la entrevista apenas llega a los 20 minutos, porque ambos andamos justos de tiempo. Él está en plena promoción; en cuanto acabemos, yo he de salir pitando para ver a Mogwai en Razzmatazz, dentro de la programación del Primavera a la Ciutat. “El Primavera Sound es uno de mis festivales favoritos. He tocado allí varias veces, al menos dos. Iba a tocar otra más en solitario, solo para ir a Pavement. La reunión, ya sabes. Y se canceló por la pandemia”.
El título del disco es ‘‘Philadelphia’s been good to me’ (“Filadelfia ha sido buena conmigo”). ¿De qué trata el álbum? ¿Del orgullo de ser de Filadelfia, de la alegría de volver a Filadelfia? ¿O de ambas cosas?
Sí, es sobre ambas. Es sobre llamar a mi ciudad simplemente por su nombre, que lo merece. Y va sobre ser de aquí y echar la vista atrás. Tengo 46 años, he pasado por toda clase de altibajos. Principalmente altos. He hecho música aquí durante mucho tiempo, pero también he viajado mucho para poder hacer música. Pero para este disco (y otros más recientes) he vuelto a trabajar mucho en casa otra vez, que es a donde vengo de vuelta a mis raíces. Así que es genial.
En la hoja promocional se señala que este va a ser un buen año para Filadelfia, y leo que, entre otras cosas, porque va a ser una de las sedes del Mundial de fútbol de este año. ¿A ti te gusta el “soccer” [fútbol]?
No soy un seguidor del deporte, pero quiero estar a la altura de la ocasión. Si hay estos grandes eventos aconteciendo en honor a los 250 años de cuando firmaron la Declaración de Independencia en Filadelfia, tengo que formar parte de esa celebración y mencionar a “Philly” también por mi propia cuenta.
Entiendo que has estado viviendo fuera y ahora has vuelto. ¿Cuándo regresaste a Filadelfia?
Oh, la verdad es que he vivido siempre solo en Filadelfia, excepto durante un par de años: estuve viviendo en Boston cuando tenía ventipocos. Pero viajo para tocar, salgo de gira, suelo ir a Nueva York, LA y a más sitios mucho para grabar… Pero si quiero, puedo grabar un disco entero aquí en Filadelfia de manera profesional. Es algo muy yo: solo soy completamente funcional en la ciudad en la que nací y vivo.
El disco suena confortable. Como un refugio. ¿Querías mostrar la idea de que Filadelfia es un refugio frente a un mundo hostil?
¿Un refugio? Mmmm. Sí, claro. Es mi hogar.
«Solo soy completamente funcional en la ciudad en la que nací y vivo»
La mayoría de canciones parecen dedicadas a la familia y los amigos.
Diría que una buena cantidad de ellas lo son, sí.
También trata del arte de componer música, ¿no? Como si fuera un álbum sobre hacer música (en Filadelfia).
Es interesante porque si me fijo en este disco en particular, cada canción parece mencionar la música de una u otra manera, ya sea con los acordes o con los cambios o el ritmo. Me parece genial. No me lo planteo. No es que esté tomando una decisión consciente, pero los patrones son interesantes. Ellos mismos se revelan.
El disco se grabó durante dos años. ¿Fue un proceso muy largo? Quiero decir: ¿grabaste muchas canciones para ir escogiendo luego las mejores o ibas improvisando y quedándote con todo lo que se te iba ocurriendo? Porque leí que fue así cómo grabaste ‘(watch my moves)’, ¿no?
Sin duda grabé canciones más que suficientes. Y simplemente fue encontrar el momento adecuado para reunirte con tus compañeros de banda y grabarlo entre giras. También porque sabía que este iba a ser mi próximo largo y, entre medias, siempre saco un par de EP’s que sean divertidos de hacer, así no me tengo que preocupar mucho por ellos.
Pero mientras tanto, quiero que mis discos sean tan buenos como sea posible. Hacer una declaración de principios. Siempre tratas de descubrir por dónde va a salir [el disco]. Así que grabé canciones más que suficientes y puse las mejores: sin duda las pegadizas están aquí. Pero también quise mantener esos elementos orgánicos, esa música más cruda.
Hay dos canciones sobre el número 99 en el disco: ’99 BPM’ y ‘99th song’. No tengo las letras del disco, así que me gustaría saber en qué se diferencian ambos 99’s…
La primera canción que escribí con un 99 fue ‘99th Song’. Los acordes básicos de la canción se grabaron con un pedal de loop de bajo Roland, y con estas unidades solo puedes grabar 99 [loops]. Ese es el último, no puedes llegar a 100. Así que cuando lo llenas con 99 grabaciones, no hay más sitio, a no ser que las borres. Fue aquí donde la empecé. Luego grabé por encima un fragmento de guitarra acústica con un sampler. Después ralenticé el acorde y se quedó en 99 BPM y fue como una coincidencia cósmica, que ambos fueran 99. Y cuando vi en el controlador que el loop ralentizado se había quedado en 99 BPM, empecé a escribir esa canción: escuchando el loop ralentizado, me vinieron las palabras y lo conecté: 99 canciones de amor, 96 lágrimas [referencia a ’96 Tears’, la canción de Question Mark & the Mysterians, ndr], ya sabes, haciendo paralelismos. Pero me gustaba, porque también hay un ‘Zoom 97’, como que todas esas canciones contienen un número de los 90. Y me gusta porque parece que sea un código para algo, solo que no es así: también puede no significar nada, pero tiene sus paralelismos, con lo que es un poco “oh, ¿qué significa esto?”. ¡Quién sabe! (risas)
No sé por qué, creía que era porque habías grabado 99 canciones para este disco. ‘Phillys been good to me’, la canción, me recuerda a ‘Streets of Philadelphia’ de Bruce Springsteen. ¿Es un homenaje?
Es divertido porque justo estaba pensando en eso cuando la escuché, es como una versión ralentizada y “sintetizada”. Pero luego también [recuerda] a otra canción de Neil Young, los dos hicieron canciones para la banda sonora de ‘Filadelfia’ [Jonathan Demme, 1993]. Mola que haya una conexión remota con ‘Streets of Philadelphia’, aunque no fue consciente. Pero ya sabes: una vibra cíclica, dulce y sintetizada…
«Mola que haya una conexión remota con ‘Streets of Philadelphia’, aunque no fue consciente»
También dices: “soy de Filadelfia, un par de mis héroes cantaron sobre ella”. ¿Hay alguno más, aparte de Springsteen y Young?
Bueno, básicamente a esos dos son a los que puedo llamar mis héroes. Crecí con Bruce. Ya no escucho a Springsteen todo el rato, pero antes sí y obviamente siempre vuelvo a él. También amo a David Bowie, aunque no diría que es mi héroe necesariamente, aunque es increíble, y tiene ‘Filadelfia Freedom’ [No caigo al momento, pero es de Elton John en realidad, aunque del mismo año que ‘Young Americans’ (1975), de aquí la confusión, imagino ndr]. Tiene que haber alguno más. Pero ahora yo soy uno también, así que ya tengo tres (risas).
‘(watch my moves)’ se hizo en base a loops, y de grabar todo lo que ibas encontrando. Pero en este disco las canciones tienen una estructura más clásica, ¿no?
Es alentador si te ha dado esa idea. Interesante, porque me da la sensación de que este disco lo empecé con, uh, loops. Mucho más que en los discos anteriores. Hacia el final del día teníamos canciones con un montón de acordes y luego tocábamos por encima. Siento que los loops me inspiraron mucho en este disco, y como estaba solo, las letras me venían a la mente rápidamente y luego todos tocábamos encima. Así que, ¿qué es? Es difícil decirlo. Es una buena combinación de ambas cosas, pero definitivamente es algo orgánico.
Me gusta mucho ‘Piano for Sarah’, y quería preguntarte quién es la Sarah a la que está dedicada.
Sarah es la batería de esa canción. Sarah Jones. Es la batería de Hot Chip y estos días está tocando con Harry Styles. También ha tocado en mis últimos dos discos. Es que amo la manera en que toca. Hizo el acompañamiento a ese pasaje de piano que yo ya había grabado. El tempo iba de aquí para allá, pero a ella le daba igual. Simplemente, tocó el acompañamiento. Es fantástica.
Sí, precisamente es una canción como fragmentada y algo desafinada, pero a la vez muy emocionante. ¿Esa era la idea? ¿Hacer una canción imperfecta pero hermosa?
Sí, suena como si formara parte de la banda sonora de una vieja película. Suena muy cinematográfica.
Tu forma de componer es muy artesanal. Quería preguntarte si te preocupa la Inteligencia Artificial generativa en la música o si, por tu manera de componer precisamente, es algo que te da igual.
Le tengo miedo a la inteligencia artificial, por supuesto. Quiero decir, lo de la música es un problema, sin duda. E incluso va más allá de la música, es aterrador. Creo (y espero) que va a ser un desafío. Pase lo que pase, al final del día, la gente quiere conexión humana. No todo el mundo va a aceptar la IA con los brazos abiertos, pero tendremos que apechugar con ella.
Lo que cabría esperar de un disco que se presenta como una segunda parte de otro, es que fuera continuista de este, pero más allá de que en ambas portadas la cantante posa delante del mismo vehículo y de las letras de amor desgarrado marca de la casa, el sonido de ambos no puede ser más distinto. En el excelente ‘Femme Fatale’, Mon Laferte transportaba al oyente a un decadente tugurio donde el jazz y la canción melódica latinoamericana se daban de la mano y alcanzaban estribillos enormes para dejarse la voz (y la piel). En su secuela, la artista chilena, tal y como nos tiene acostumbrados, no ofrece más de lo mismo, sino que vuelve a dar otro giro estilístico, virando hacia el art pop y el rock alternativo.
En cualquier caso, ‘Femme Fatale Vol.2’ es inequívocamente un disco de Mon Laferte. En él encontramos, tanto como en cualquier otro de sus trabajos, su característica honestidad agresiva, historias de fracasos amorosos y pasiones de alto voltaje. La intensidad dramática sigue elevada a la máxima potencia, aunque en esta ocasión, se muestra de forma distinta: hay una apuesta por progresiones menos explosivas, que encuentran su clímax más sutilmente. Como en ‘No Le Regales Tu Corazón’, en la que Laferte narra diversos momentos de una relación a lo largo de nueve minutos de tensión atmosférica. Una rareza en su discografía, que se apoya en una guitarra eléctrica y desemboca en percusiones electrónicas.
Otro de los números más peculiares e inesperados es la rockera ‘Tal Vez Soy Yo el Problema’, una acelerada producción en la que la cantante llega hasta la voz gutural. Un registro más en un currículum espectacular: ¿hay algo que no sepa hacer vocalmente? Esas interpretaciones desgarradas son, sin duda, una de las grandes virtudes del álbum.
En este sentido, ‘A Pesar De Ti y De Mí’ es todo un torbellino que arrasa con todo: un baladón a piano (que posteriormente añade guitarras eléctricas) en el que Laferte, despechada, canta a ese amor imposible con un sentimiento que eriza la piel. De la misma manera que cuando su voz se eleva en la jazzística ‘Sunset Boulevard’ o cuando se mantiene delicada en ‘Es Tan Sabio Nuestro Amor’, una de las pocas canciones que no narran un conflicto pasional.
‘Femme Fatale Vol.2’ es tan vasto (con 20 canciones y casi una hora y cuarto de duración), que hay espacio para todo. Hasta para una colaboración en inglés con St. Vincent, ‘While I’ll Keep Writing Songs For You’, que pese a ser la única cantada en este idioma, no desentona en absoluto: las armonías vocales de ambas artistas logran una mezcla de sensibilidades realmente bella. Otro gran momento es la coda guitarrera de ‘Hello Monserrat’, donde Laferte se escribe una carta a sí misma y concluye que debe aprender a quererse.
‘Por La Gracia De Dios’ destaca en la larga secuencia por su producción oscura y sucia que transita por texturas trip hop y dream pop y donde a veces su voz puede recordar al tono único de la mismísima Björk. ‘Reino De Amor’ es otra fantástica canción dedicada a un amor pasado, que ya ha rehecho su vida, pero Laferte sigue pensando en la relación con nostalgia y cierto pesar.
El álbum está tan cargado que demanda una considerable atención del oyente. Es completamente inabarcable en una primera escucha, pero poco a poco, canciones que en una primera instancia podrían pasar inadvertidas como el pop rock melódico de ‘Quién Soy Yo Cuando No Estoy Contigo’ junto a GRTSCH o la enigmática ‘Racimos y Glaciares’ terminan encontrando un espacio más que justificado en la secuencia. Y es que, si algo queda claro, es que esta segunda entrega de ‘Femme Fatale’ no es en absoluto una colección de descartes que no entraron en ese trabajo, sino un proyecto muy sólido y con identidad propia.
Laferte deja para el final una de sus canciones más emotivas: ‘Gigante’, una preciosidad a piano que habla sobre la muerte reflexionando sobre la vida, y que está llena de versos memorables como “Hay tantas mujeres en mí / de todas me quedo conmigo”. Pero si hay uno que define toda la carrera de la cantante y que inunda sus canciones de principio a fin es “He odiado y amado hasta dolerme los huesos”. Cada corte ‘Femme Fatale Vol. 2’ es una evidencia de ello.
Gara Durán ya va por el tercer adelanto de su próximo disco, del cual no se conoce título ni fecha. Solo sabemos que sale este año y que tanto ‘Mi loco cowboy’ como ‘Placer de vivir’, con Natalia Lacunza, han sido Canción del Día en JENESAISPOP. ‘Una casa en el Teide’, en colaboración con Barry B, es capaz de derretir corazones. Por eso, también es la Canción del Día.
Cuando Gara y Barry cantan ‘El lago de mi pena’ en sus conciertos, a menudo con la presencia del otro, siempre resulta ser el momento más tierno del bolo, por eso de ver a dos enamorados cantando juntos. Sin embargo, la inspiración para el tema poco tiene de romántico, estando inspirado en el fallecimiento de uno de los amigos más cercanos de la pareja.
‘Una casita en el Teide’ es lo que el público se cree que es ‘El lago de mi pena’: una canción que sí habla sobre estar enamorado hasta las trancas. Sobre unos preciosos y delicados arreglos de guitarra y piano que recuerdan levemente al Sufjan Stevens más bucólico, Barriuso da comienzo al tema: «Ojalá me hubieran dicho que la vida se te escapa en un instante / Que por mucho que haga frío y sea tarde en ti puedo refugiarme».
Gara corresponde sus palabras asegurando que se le hace «raro no estar mal» y que «no dolerá más» ahora que tiene cerca a su pareja. El estribillo tiene el toque épico y fantasioso que suele caracterizar las letras de Barry, pero también se nutre de la delicadeza de Gara: «Quiero una casa en el cielo, las nubes de terciopelo pa’ verlo todo pequeño», cantan.
Si hasta ahora no había terminado de conquistar a los más enamoradizos, el tema termina con una promesa de amor: «Guardaz bien la llama que prendiste en mí, quiero que dure toda la vida».
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