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The Jesus & Mary Chain estrenan single y detallan disco

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The Jesus & Mary Chain han anunciado que su nuevo disco ‘Glasgow Eyes’ se pone en circulación el 8 de marzo de 2024. Así queda el tracklist oficial:
01 Venal Joy
02 American Born
03 Mediterranean X Film
04 jamcod
05 Discotheque
06 Pure Poor
07 The Eagles and The Beatles
08 Silver Strings
09 Chemical Animal
10 Second of June
11 Girl 71
12 Hey Lou Reid

De estos cortes ‘jamcod’ es el que ejerce de single principal. Jim Reid ha explicado que ‘jamcod’ habla sobre la ruptura de The Jesus & Mary Chain en 1999, en concreto, «sobre aquella noche en el House of Blues en la que rompimos». Quizá, por ello, ‘jamcod’ se deja dominar por una ristra de sonidos agresivos e industriales que recuerdan a los de Velvet Undergound, Suicide o los últimos Portishead.

‘Glasgow Eyes’ será el primer disco de The Jesus & Mary Chain en seis años, pues este es el tiempo que ha pasado desde que ‘Damage & Joy‘ viera la luz en 2017. Este mismo mes hemos tenido en España a los autores de ‘Psychocandy’. Os dejamos con nuestra crónica desde el Primavera Weekender.

El pop vidrioso de googly eyes busca un hueco

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Entre las gemas que de vez en cuando descubre el algoritmo de Spotify se encuentra googly eyes. Este es el alias del proyecto paralelo de Deza, cantante y compositora afincada en Los Ángeles que está fichada en la editorial de Emily Warren, hitmaker asociada a éxitos del tamaño de ‘Don’t Let Me Down’ de The Chainsmokers o ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa.

Volviendo a Deza, ella, con su proyecto original, ha firmado piezas de pop cucas como ‘Boy Violet’ o ‘Cherry Pie’. Como autora cuenta entre sus clientes lo mismo a ELIO que a Jason Derulo, lo mismo a Slush Puppy que a Paris Hilton.

Formada académicamente en la ópera, pero también «comercialmente en el pop», a Deza le gusta cuidar una buena producción vocal. Se nota en ‘Boy Violet’ y, sobre todo, en su proyecto googly eyes, donde da rienda suelta a sus experimentos vocales. El nombre de Imogen Heap viene a la mente inmediatamente al escucharla. También otro más contemporáneo como LAUV. Sus bases rítmicas atareadas y «glitchy» remiten a The Postal Service o Baths.

El resultado es un tipo de pop vidrioso muy bien resuelto en canciones como ‘Out the Door’ (de vagos ecos caribeños) o ‘Glad I Don’t Have To’, la Canción Del Día de hoy. En todo caso se trata de canciones que ella misma etiqueta como «maquetas», y que ya le han llevado a publicar dos minidiscos, ‘Demos 12-19’ y ‘Demos 4-11’, ambos en 2023.

Estos días ha llegado un single de googly eyes que no recibe el adjetivo de maqueta, ‘I Like Being Human’, donde Deza sigue explorando las posibilidades emocionales del efecto vocoder, acompañada de un piano.




J Balvin pasará por España con su gira de 2024

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J Balvin vuelve a los escenarios con una nueva gira llamada ‘Qué bueno volver a verte’ que pasará por España en 2024. El 28 de mayo, J Balvin estará actuando en el Palau Olímpic de Badalona, y el 31 de mayo en el Palacio Vistalegre de Madrid.

Las entradas para toda la gira estarán disponibles en preventa a partir del jueves 30 de noviembre a las 10.00 horas, seguido de la venta general el viernes 1 de diciembre a las 10 horas. Para los shows de Barcelona y Madrid las entradas estarán a la venta el mismo 1 de diciembre. El precio será de 60, 68 y 74 euros para las entradas de asiento reservado en grada, 84 euros para Front Stage y 62 euros para pista (gastos de distribución no incluidos).

La nueva gira de J Balvin gira llevará al autor de ‘Mi gente’ a los escenarios de 20 ciudades europeas, con paradas en Alemania, Suiza, Italia, Austria, Países Bajos, Dinamarca, Noruega, Suecia, Finlandia, Lituania, Francia, Bélgica, Luxemburgo Portugal y Reino Unido, además de España.

En un comunicado, J Balvin ha confirmado que con la llegada de su gira llegará, también, nueva música. «Estoy encantado de salir a la carretera el próximo año con un espectáculo completamente nuevo y con nueva música con la gira ‘Que Bueno Volver a Verte’. Tenemos algo muy especial preparado para vosotros y estoy impaciente por desvelar el próximo capítulo de la música en la que hemos estado trabajando».

J Balvin no ha parado de lanzar música en los últimos meses. Una colaboración de J Balvin y will.I.am. veía la luz hace escasas semanas. Sin embargo, José Osorio Balvín no publica álbum de estudio desde hace unos años. El último, ‘JOSE‘, data de 2021.

Así conquistaron Dorian el Liceu

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José Irún

Dorian publican este miércoles 29 de noviembre su disco en directo grabado el pasado mes de junio en El Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Fue un sueño de concierto en el que el grupo se apoyó hasta en seis músicos, a destacar los arreglos de cuerda y percusión.

El disco en vivo se llama ‘Dorian en El Gran Teatre del Liceu: Una noche en la vida’ y se compone de 11 temas, de los cuales JENESAISPOP tiene hoy el placer de estrenar el vídeo en vivo para ‘Los amigos que perdí’, uno de los grandes hits de Dorian. Marc lo presenta como la historia de aquel hombre gris que decide empezar una nueva vida, incluso dejando a los suyos detrás. El tema no cuenta solo con el apoyo de las cuerdas, sino de todo el Liceu cantando el cenit de la composición.

‘Paraísos artificiales’ o ‘Cualquier otra parte’ son algunas de las canciones que también podéis encontrar desde miércoles en este disco en directo, junto a otras de su último álbum ‘Ritual’, como ‘Dual’. Tras haber visitado países como Estados Unidos, México, Colombia, Perú, Uruguay, Chile o Argentina, Dorian se están tomando un descanso de los escenarios, aunque anunciando ya que volverán a la actividad a mediados de 2024.

1. Apertura
2. Los amigos que perdí
3. El temblor con Antonio García (Arde Bogotá)
4. Paraísos artificiales
5. Dual
6. Verte amanecer
7. Libre
8. Solar
9. Estudios de mercado
10. Universal con Suu
11. Cualquier otra parte

Podcast: Dorian y lo que supuso 2009 para el pop nacional

La RAE añade ‘perreo’ y ‘chundachunda’ al diccionario

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girlfromrio

La Real Academia Española ha anunciado hoy los nuevos términos que se incorporan al Diccionario de la Lengua Española. Lo ha hecho, como lleva haciendo cada año, presentando el listado de palabras que, a partir de ahora, formarán parte de su vocabulario permitido. Y en esta lista destacan ‘perreo’ y ‘chundachunda’.

A partir de ahora, podrás darte un buen «perreo» en la discoteca sin que la RAE te pueda corregir. Este término, que estaba incorporado en nuestra sociedad pero que era imposible de encontrar en el diccionario, es una de las palabras que incluye la actualización 23.7 del Diccionario de la Lengua Española.

La definición de ‘perreo’, según la RAE, es la siguiente: «Baile que se ejecuta generalmente a ritmo de reguetón, con eróticos movimientos de caderas, y en el que, cuando se baila por parejas, el hombre se coloca habitualmente detrás de la mujer con los cuerpos muy juntos».

Este no es el único de los nuevos términos agregados, pues otro que llama la atención es el de ‘chundachunda’; para la RAE, se trata de «música fuerte y machacona». Otras palabras que logran entrar en el diccionario con esta actualización son ‘machirulo’, ‘alien’ o ‘regañá’.

Vicco no habla de política porque «hace música»

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Vicco rompe su silencio tras la polémica en torno a sus preferencias políticas. Aunque, quizá más que romperlo, lo que ha hecho es reafirmarlo. En una entrevista concedida a El Mundo, a la cantante de ‘Nochentera’ se le ha preguntado por las críticas obtenidas a raíz de su «desprecio» a Pedro Sánchez y su «alabanza» a Ayuso. Ella, sin embargo, ha intentado desentenderse todo lo posible.

Desde que hace unas semanas se montara en X (antes Twitter) por una entrevista a Vicco antes de Los40 Music Awards, donde contestó que «no» a la pregunta de si Ayuso tenía algún defecto, y tras haber preferido descartar a Sánchez en un juego en el que también se podía descartar a Abascal, la artista no se había manifestado al respecto. Hasta hoy, donde ha dejado claro que «no se moja» pero que reconoce que las redes sociales lo magnifican todo porque «estamos en un momento político en el que está todo muy ardiente y la gente necesita sacar su estrés».

De las preguntas relacionadas con política no ha querido saber nada. De hecho, cuando se le ha pedido su opinión sobre las manifestaciones en Ferraz por el tema de la amnistía, ella ha aclarado que no se «mete en política» porque «tampoco controla mucho» y ella «hace música». «Yo estaba jugando a un juego. Nunca voy a decir nada malo de nadie. Al final, son palabras sacadas de contexto totalmente porque nunca me he posicionado [políticamente] ni lo voy a hacer, porque hago música», ha explicado en relación a la polémica por decir que Ayuso no tiene defectos.

Vicco ha confesado que la situación la ha vivido «centrada en componer»: «He estado con mis padres y amigos y un poco apartada de las redes. Se vive desde la impotencia de sentir ‘pero si yo no he dicho nada'». Con respecto a si se puede pertenecer al colectivo LGBT y ser de derechas, dice que «no sabe contestar ahí tampoco», pues «es un debate muy largo». Lo que sí es seguro es que no tendremos respuesta, ni a Ayuso ni a Sánchez, en una futura canción: «A nadie de la política le dedicaría una canción».

Leticia Sabater intenta sobrevivir en su versión de ‘Last Christmas’

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«Si no te gustan las emociones fuertes, no lo veas», avisaba Leticia Sabater en Instagram al presentar ‘Esta Navidad me comeré un pibón’, el nuevo villancico de su ya anual tradición. La verdad es que hace bien precaviéndolo: en esta ocasión, la cantante publica su propia versión de ‘Last Christmas’, el clásico de Wham! Y es, cuanto menos, curiosa.

Leticia Sabater canta al desamor en su nueva propuesta, recordando una relación pasada y proponiéndose «comerse un pibón» para poder olvidarla por fin. El tema, en español casi en su totalidad, respeta en inglés la parte inicial del estribillo: «Last Christmas / I gave you my ass» (esa pequeña variación de «ass» por «heart» parece ser toda una declaración de intenciones).

Sin embargo, la canción, que dura hasta cinco minutos, se permite variar del estilo más pop («en Insta te envié un regalo / y una storie rosa con un nude y un te amo» canta en el pre-estribillo) al más puro rap («Afterparty con amigos / ¿Por qué estás tan frío conmigo? / Baby, pensé que te gustaba de verdad / Y solo fui un clavo más pa’ clavar»).

El videoclip, dirigido por Luis Blasco, pone la imagen a esta versión de ‘Last Christmas’. En este, Leticia Sabater se encuentra con Papá Noel y le encarga a la cantante que, esta vez, reparta ella los regalos, ya que a ella «la gente» la «quiere mucho». Pero lo que Leticia Sabater se encuentra son personas que la odian y que, por algún motivo que desconocemos, empiezan a atacarla de distintas formas, ya sea con cuchillo o con pistola.

Esta es la continuación de ‘Papá Noel, lléname el tanke’, el villancico con el que intentó sorprender el año pasado. A este le precedieron otros como ‘Papa Noel, you’re the only one’ y ‘Trínchame el pavo’. Lo cierto es que, si no te gustan las emociones fuertes, mejor no verlos.

André 3000 / New Blue Sun

Dice André 3000 que nunca ha hecho nada que la gente esperase de él. Porque ni él mismo lo esperaba: se ha ido descubriendo por el camino. “No sabía que iba a rapear, no sabía que iba a producir música, no sabía que iba a cantar, no sabía que iba a ponerme una peluca”. André 3000 tampoco sabía que iba a aficionarse a tocar la flauta. Y lo que menos esperaba la gente es que su primer disco en solitario, y su primer lanzamiento en 17 años, giraría en torno a este instrumento, sin nada de raps.

En los últimos tiempos, André se ha dejado ver tocando la flauta en sitios random: sus fans le han fotografiado en cafeterías o aeropuertos, tocando la flauta él solo. Pero, como toda su carrera, incluyendo Outkast, Andre Benjamin no tenía ni idea de que ‘New Blue Sun’ iba a ocurrir.

El génesis de ‘New Blue Sun’ se sitúa en la mudanza de André 3000 a Venice, el distrito de Los Ángeles. La historia es tan new age que parece inventada: en una visita al supermercado de las élites Erewhon, André se topa con Carlos Niño, el gurú del espiritualismo californiano, y este, que se había enterado de que André andaba por ahí soplando la flauta, le invitó a un concierto tributo de Alice Coltrane. Pronto, André y Niño empezaron a quedar y a improvisar acompañados de otros músicos. A André y sus diversas flautas (de bambú o de contrabajo, pero también una flauta electrónica), y a las percusiones de Niño, se sumaron Nate Mercereau a la guitarra y Surya Botofasina al teclado. La música que creaban de manera completamente espontánea fue tomando forma, perfilando un sonido, y André decidió que era momento de capturarla en un álbum.

La música de ‘New Blue Sun’ es el resultado de un muy inspirado trabajo en equipo. A pesar de que André 3000 pone nombre y cara al proyecto, su presencia en ‘New Blue Sun’ nunca es protagonista. Él, con su flauta, se dedica a disparar pequeñas gotas e hilos de sonido, como un pájaro que pía después de posarse en un árbol. Siempre está ahí, pero relativamente escondido, contento con ocupar un segundo plano, ambientando el lugar. Las percusiones de Niño mantienen la compostura -y las pulsaciones bajas- en todo momento, la guitarra de Mercereau se esfuerza en no sonar a este instrumento, y el teclado de Botofasina explora diferentes texturas de manera serena y calmada, sin aspavientos.

‘I swear, I Really Wanted To Make A «Rap» Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time’ (así se las gastan los títulos del disco) se construye en torno a una preciosa melodía de flauta que te perseguirá allá donde vayas después de escucharla. Es una melodía sublime que evoca aquellas imágenes de ‘Fantasia’ que no debieron ser eliminadas del metraje final. El teclado asume una presencia mayor en ‘The Slang Word P(*)ssy Rolls Off The Tongue With Far Better Ease Than The Proper Word Vagina . Do You Agree?’. La pregunta planteada en el título puede invitar a la reflexión, pero las olas de sonido que crea el sintetizador sumen al que lo escucha en una calma total. ‘Island Sunrise’ de Software parece una influencia directa en el tipo de sonido usado.

Una estética que se puede llamar «tribal» se va imponiendo en el largo. La quietud de ‘That Night In Hawaii When I Turned Into A Panther And Started Making These Low Register Purring Tones That I Couldn’t Control … Sh¥t Was Wild’ evoca la de un lago perdido en medio de la noche, donde los diferentes insectos y anfibios dialogan unos con otros. Las flautas y percusiones acariciadas ayudan a dibujar una ligera sensación de tensión, de calma inquieta. André parece que toque la flauta con un ojo abierto y el otro cerrado. La quietud nocturna de esta pieza se sucede en un modo «slow motion» absoluto. Curiosamente, André ha dicho que él es un compositor «lento», y que incluso cuando firmaba raps con Outkast los tenía que meditar mucho para sentirse satisfecho con ellos. Esta pieza, a pesar de que su título habla de la experiencia de André con la ayahuasca (dice que cuando la tomó se «convirtió» en una pantera), lleva a asimilarse en un tiempo lento, detenido, ajeno a la velocidad de la vida actual.

Este ambiente selvático continúa en las piezas siguientes. En ‘BuyPoloDisorder’s Daughter Wears A 3000™ Button Down Embroidered’ la flauta parece proponer una danza, pero la música prefiere mantenerse quieta y no hacer demasiado ruido. Los elementos diferenciadores empiezan a difuminarse. En la pieza siguiente, un «name dropping» en el que encontramos lo mismo a Jeffrey Dahmer que al Dalai Lama, apenas la entrada de un quejido fantasmal evoca dentro del mismo paisaje la aparición de un nuevo personaje.

Algo que sí une a los diferentes músicos de ‘New Blue Sun’ es una aparente intención de crear una música emocionalmente trascendente. Y la de ‘New Blue Sun’ lo es. Las composiciones no son solo mágicas musicalmente, también son emotivas. La música de ‘New Blue Sun’ nunca se duerme, aburrida de sí misma. Al contrario, encuentra diferentes maneras de emocionalmente mantener al oyente atrapado. Y ahí juegan un papel muy importante los títulos de las piezas. Llamándose cosas como ‘Ninety Three Til’ Infinity and Beyoncé’, porque está lo infinito, y luego Queen B, André nos invita a no tomarnos estas composiciones demasiado en serio. La broma solo tiene gracia porque la música de ‘New Blue Sun’, en realidad, es maravillosa.

Un cura pierde su cargo por Sabrina Carpenter

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Un cura de Brooklyn ha sido relevado de sus funciones administrativas después de permitir la filmación de un videoclip de Sabrina Carpenter en la iglesia católica que supervisaba, la Parroquia de Nuestra Señora del Monte Carmelo-Anunciación, situada en el barrio neoyorquino de Williamsburg.

El videoclip pertenece a ‘Feather’, el reciente éxito de Sabrina Carpenter. Incluido en la reedición de su último álbum, ‘emails i can’t send‘, ‘Feather’ sigue el estilo disco-pop de ‘Read Your Mind‘ y vuelve a acertar de pleno. Es la Canción Del Día.

En ‘Feather’, Carpenter celebra el fin de una relación tóxica y canta que se siente «ligera como una pluma» con esa persona «fuera de su mente». Carpenter canta que la relación era una «pérdida de tiempo», pero no lo es en absoluto esta pequeña joya pop que suena a la Ariana Grande más coqueta (y ya es decir). ‘Feather’ ha dado a Sabrina su mayor éxito reciente, situándose en la segunda posición de sus canciones más escuchadas en Spotify.

En el vídeo, Carpenter se pone en el papel de una viuda negra que se venga de sus acosadores llevándoles por el camino de la muerte. Cuando uno de sus pretendientes fotografía su trasero sin permiso dentro de un ascensor, Carpenter se encarga de que termine ahorcado. A continuación, Carpenter entra en la iglesia, donde enfundada en unas medias negras, baila rodeada de ataúdes.

El cura, Jamie J. Gigantiello, ha reconocido haber permitido el rodaje del videoclip pero ha asegurado que ni él ni el personal «estaban al tanto de que algo provocador estaba ocurriendo en la iglesia». La Diócesis de Brooklyn ha expresado su «consternación» por el vídeo y ha señalado que Gigantiello no ha seguido el protocolo adecuado para filmar en iglesias, «lo que incluye una revisión de las escenas y el guión». Gigantiello ha pedido disculpas a los feligreses, «siguiendo el ejemplo de Jesucristo».

Bilbao BBK Live confirma a Arcade Fire, Massive Attack, The Prodigy, Jungle…

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Arcade Fire, Massive Attack y The Prodigy encabezan la primera tanda de confirmaciones de Bilbao BBK Live, que volverá a Kobetamendi los días 11, 12 y 13 de julio de 2024. Jungle y Underworld también se suman a la programación, de la que Bilbao BBK Live avanza desde hoy 25 nombres. JENESAISPOP es medio colaborador del evento, un año más.

Entre ellos encontramos nombres internacionales tan queridos como Khruangbin, Parcels u Alvvays, así como los recientes ganadores del Mercury Prize Ezra Collective. Desde España estarán Sen Senra o la revelación Ralphie Choo.

Noname, Overmono, Death From Above 1979, El Columpio Asesino en la que será su gira final, Mulatu Astatke, JPEGMAFIA, Jimena Amarillo, Folamour AV, Los Bitchos, Zea Mays, Queralt Lahoz, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Nerve Agent y airu completan esta generosa primera tanda de confirmaciones de Bilbao BBK Live, que comparte información detallada sobre las entradas.

Desde mañana miércoles 29 de noviembre y hasta el 1 de diciembre se podrá acceder a la preventa a precio especial en la página web del festival. La venta comenzará el 1 de diciembre a las 10.01 horas con posibilidad de pago a plazos y camping.

Preventa especial
Del 29 de noviembre a las 10h al 1 de diciembre a las 10h
Bono: 135€
Bono + camping: 160€
Venta general
A partir del 1 de diciembre a las 10.01h
Bono: 150€
Bono + camping: 175€
Camping 4 noches: 25€

OT Gala 1: Los amigos de mis amigas son mis amigos

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Hay gente en España que piensa a menudo en OT. Algunos, demasiado a menudo. Pero cuando lo hacen rara vez recuerdan un momento de las galas 1. Muy pocas actuaciones de gala 1 forman parte del canon del programa. ‘Something Stupid’ de Sergio y Sandra en 2005, ‘One’ de Moritz y Saray en 2006, ‘Crazy’ de Chipper e Iván en 2008 y [pausa dramática] ‘No puedo vivir sin ti‘ de Aitana y Cepeda. Hay quien quizá recuerde a Álex y Geno cantando ‘I Just Can’t Stop Loving You’, pero sólo porque es lo más cerca que ha estado el prime time español de emitir una masturbación en directo.

No, las galas 1 nunca son memorables. Pero anoche Salma y Juanjo añadieron una obra de arte a esa escueta galería: la de ‘A tu vera’ es, quizá, la mejor actuación de gala 1 en las doce ediciones de OT. Y ese tipo de momentos son los que mantiene a la audiencia cautiva. Una audiencia que, después de 22 años, se sigue sentando a ver el programa con la esperanza de que en cualquier momento ocurra ese tipo de (y perdón por la cursilada) magia en sus televisores. Nadie quiere verlo en diferido. Por eso OT es el último programa que los millennials y la Generación Z ven en directo. Todos a la vez. Y todos con un ojo en Twitter.

El Hematocrítico fue uno de los primeros tuiteros españoles en entender el potencial de Twitter para construir comunidad. Y uno de los que mejor uso le dio: siempre socarrón, nunca ofensivo. Él contribuyó a que la experiencia de ver la tele en el salón de tu casa se convirtiera en una ceremonia colectiva. Eso sí que es hacer país. El Hematocrítico inventó la palabra tróspido, el primer término acuñado en Twitter que saltó al léxico coloquial español, y lo hizo a propósito de un reality show. El Hematocrítico fue uno de los padres de Twitter en España y hoy, cada vez que coges el móvil para criticar el vestido que le han puesto a Suzete (y razones para hacerlo te sobran), estás recorriendo un camino que El Hematocrítico echó a andar cuando mucha gente todavía se preguntaba si Twitter se escribía con una T o con dos. Con dos. De Trending Topic. Anoche ocho Trending Topics nacionales fueron de OT, otro era Zendaya (?) y otro era #GraciasHemato.

Chenoa arrancó la noche vestida de regalo, que es exactamente lo que es. El lunes pasado hizo suyo el sofá y este lunes convirtió ese plató en su zorra. Quizá porque decidió apoyarse menos en el cue y más en los tarjetones (nadie espera que se sepa de memoria todo el guion, mejor no disimularlo) o quizá porque Chenoa es la misma perfeccionista que era en la academia hace 22 años. En cualquier caso, resulta imposible imaginar otro exconcursante de OT que pudiera hacer mejor esta labor. Incluso resulta difícil pensar en otro presentador capaz de conducir este mamotreto. En una gala y media, Chenoa ya es la segunda mejor presentadora que ha tenido el formato (y porque Roberto Leal se cayó de pequeño en una marmita de carisma).

Primera tradición de OT: las grupales siempre son un desbarajuste. Los chavales cantaron ‘Libertad’ de Nil Moliner no como un coro de cantantes, sino como una pandilla de colegas medio borrachos en la feria. Una pandilla de chavales que se quiere un montón. En todas las ediciones anteriores, los concursantes se empeñaron en demostrar lo amigos que eran desde el primer casting. En OT 2023 simplemente se dedican a ser amigos. Por lo que sea (la intensidad de la experiencia, la ingenuidad que inexplicablemente tienen) esta gente se quiere de verdad. Y a lo largo de la gala quedará claro en varias ocasiones.

Como cuando Ruslana, después de sacar adelante una nota quebrada que no se cree ni ella, no puede contener la cara de “efectivamente no me lo creo ni yo”. Chenoa, que en vez de optar por un rol de madre ha preferido el de “tía enrollada que lleva cazadoras de cuero hasta con vestidos de Zara Trafa”, presentó Tiroteo como una canción “tierna y canalla”. Esto jugó en contra de Martin y Álex Márquez, porque no transmitieron ni una cosa ni la otra. La puesta en escena enseguida empezó a hacer de las suyas. Por alguna razón, Martin empezó a cantar tumbado en una mesa estrechísima junto a una rubia que, en vez de interactuar de manera sexy con él, se incorporó con cara de “¿Ves como Jack y Rose sí cabían en la tabla?”.

Álex optó por la caída de ojos, Martin por el ceño fruncido, pero ambos parecían, más que dos tíos mirando en Tinder como dice la canción, dos niños a los que sus padres todavía no les dejan usar el móvil. La ropa enorme solo subrayaba su actitud infantil. Como si se hubieran disfrazado. Martin parecía que se había pintado el bigote para hacerse el canalla. Eran dos sad boys que iban a cámara lenta. Y encima, al terminar, se pusieron a contarle a la tita Chenoa todo sobre su ¿programa? Manito Manito con todo el entusiasmo y la euforia que su actuación no había tenido. Cuando se pusieron a imitar a los profesores, por cierto, evocaron a los mejores Bustamante y Álex de OT1. (Y esta es una mención al pasado más de las que hubo en toda la noche: tras usar la nostalgia para coger impulso en la gala 0, en la gala 1 sólo se habló del presente y del futuro).

Por suerte, Naiara y Álvaro Mayo iban a reanimar la noche. Empezar su versión de ‘Para no verte más’ con tono melancólico fue un acierto, porque realmente la letra de esa canción es devastadora. Pero nadie se ha dado cuenta nunca porque la gente está demasiado borracha cada vez que suena… y eso es exactamente lo que Naiara y Álvaro demostraron a continuación. La actuación no intentó que se cantasen esa letra de odio y desamor el uno al otro, sino que se comportaron como un muchacho gay y su mejor amiga (en tiempos de OT Telecinco me habría referido a ella como “mariliendres”), que están tristes porque les acaban de dejar sus novios. Hasta que, de repente, empieza la música y ella da un caderazo que significa: “Me he puesto todo lo que me ha llegado del Shein a la vez, me he tirado 40 minutos haciéndome los moñitos y la raya del ojo me ha quedado demasiado bien como para quedarnos en casa”.

Desde luego ella iba vestida como alguien que cree que “demasiado” es el nombre de la discoteca de Rafa Mora: llevaba un top de corazón, pendientes de corazón, botas de pantera y una minifalda de corazón tan corta que no debería agacharse, pero mientras estás leyendo esta frase ya se ha agachado tres veces. Es ella quien tira de él (y cualquier homosexual que tuviera una mariliendre en la época de OT Telecinco sabe que siempre era así) y, mientras Álvaro todavía andaba desgarbado, ella sobreactuaba por los dos. Cuando no está cantando, Naiara pone morritos como si estuviera permanentemente posando para un selfie imaginario. Cuando le toca cantar, se retira el pelo con un manotazo que parece decir: “Chocho, otro chupito”. Esa actuación no retrató lo que la letra cuenta, sino el efecto que esa canción tiene en las discotecas. Hay muchas actuaciones en OT, algunas buenas, otras malas, la mayoría de los concursantes cantan bien y tienen presencia, pero pocos alcanzan la alquimia de entender exactamente la canción que están cantando.

Y con este subidón, a ver cómo lo mantienen Bea y Suzete. Spoiler: no lo hacen. La puesta en escena de ‘Young Hearts Run Free’ las deja vendidas desde antes de que suene la música: llevan dos vestidos de lentejuelas dignos de una cantante de hotel de Tenerife (o de OT1) y están subidas en unas tarimas de tiras doradas que parecen fardos de paja si la paja pudiera ser no binaria. Ir vestidas a juego es el clavo en el ataúd: parecen el equipo nominado de un challenge de family resemblance en Rupaul’s Drag Race. Suzete intenta darlo todo pero desafina. Bea no arriesga y canta mejor. A Suzete se le nota la cara de preocupación cuando desafina. Bea canta con la certeza de que no va a desafinar. Suzete intenta ser una diva. Bea ha decidido que su personalidad durante esos tres minutos es “estar cachonda”. Ante cualquier desafío de la vida, todo ser humano debe elegir si es Suzete o Bea.

En la gala 0, Juanjo llevó un traje de chaqueta con un collar surfero. Anoche, optó de nuevo por un traje pero con un collar de cani como un dedo de gordo, que sugería “le voy a caer genial a tu madre pero sé dónde se hace el cruising en este pueblo”. Por si esta combinación no fuese inexplicable de por sí, ese look era para cantar ‘A tu vera’. En 2023 se cumple el centenario de Lola Flores y la actuación de Juanjo y Salma llevó a La Faraona aún más lejos si cabe: la acercó, aunque fuese por tres minutos, a una generación de espectadores que quizá no sepa quién es. Desde luego después de anoche el público sabe quiénes son Salma y Juanjo. No la cantaron como dos amantes, sino como dos compañeros que están enamorados de su canción. Cuando Juanjo alcanzó una nota imposible con “y eternamente a tu vera”, Salma sonrió sin poder disimular orgullo. Y esa sensación la puede entender cualquiera. Eso es OT. Salma dominó tanto la canción que parecía que la música era en directo y la iba siguiendo a ella, cuando en realidad era al revés. Parecía que ella mandaba. La recta final fue apoteósica y la cámara se desenfocó, un ¿fallo técnico? que sin embargo añadió dramatismo a la situación: es como si la cámara no pudiera soportar la intensidad de lo que está grabando.

Emparejar a Lucas y a Omar tiene sentido. Son los dos concursantes que más pinta tienen de decir “si la vida te da la espalda tócale el culo”. La energía de la actuación es “heterosexualidad alegre” (la visibilización importa) y Omar fluía más y estaba más a gusto (seguramente porque Omar esté a gusto el 99% del tiempo), mientras Lucas abusaba del recurso de abrir los brazos para dejar ver los ojos que tiene tatuados en el pecho (y que, sin duda, es capaz de pasar 20 minutos explicándote). Hubo una extraña falta de complicidad, como si ambos quisieran compartir escenario pero bajo ningún concepto hacer contacto visual porque al fin y al cabo esta sociedad patriarcal les ha educado para competir entre ellos. Al final, fue la actuación de dos colegas que, aunque son incapaces de decirse que se quieren, se lo demuestran cada vez que hablan sobre ‘Gladiator’.


Chenoa es esa tía enrollada que, además de llevar cazadoras de cuero hasta en verano (porque igual se lía, pero no quiere resfriarse), se declara fan de Kylie Minogue pero lo pronuncia “Quili”. Vamos, tu tía favorita. Violeta y Denna interpretaron a dos amigas que habían salido de fiesta “a darlo todo” y a “poner toda la carne en el asador” y “a quien no le guste que no mire”. Kylie hace que parezca fácil cantar sus canciones. Anoche Violeta y Denna demostraron que no lo es. Y mucho menos a dos armonías. El 14 de abril de 2008, también en una gala 1, Risto Mejide asesinó las carreras de Esther Aranda y Tania G. Y sus fantasmas se quedaron ahí deambulando en el escenario y esperando pacientemente el momento de su venganza durante 15 años. Anoche, por fin, les llegó la hora.

La actuación de Violeta y Denna no fue ni de lejos el despropósito que fue aquel ‘Las de la intuición’, pero por alguna extraña razón la sensación en cámara era la misma: esos tonos bajos, esas caras de preocupación sensual, esa huida hacia adelante. Con el añadido de un cuerpo de baile que demostró que la Crystal Connors de Showgirls se equivocaba: a veces, bailar sí es follar. Violeta y Denna acabaron salvando la actuación, porque ambas tienen madera de estrella, pero le dieron al público una lección: no debemos depositar expectativas desorbitadas en una actuación solo porque todos sus ingredientes nos encanten. Lo que hicieron Alba Reche y Natalia Lacunza con ‘Toxic’ fue un relámpago en una botella. Como también lo fue, por cierto, la excelente escenografía de rojo sobre rojo que les pusieron a Violeta y Denna.

“Kylie Minogue está orgullosa”, exclamó Chenoa, ahora sí pronunciando Caili, “Kylie está muy orgullosa”. Y lo hizo con tanta convicción que parecía que Kylie le había mandado personalmente un WhatsApp para decírselo. Chenoa dio paso a un vídeo de Nil Moliner contándoles a los chicos que tiene “muchas locuras técnicas”. Nil se refiere a que, cuando se le ocurre una idea para una canción, la graba en una nota de voz del iPhone. Si eso es una locura técnica, ¿qué pensará Nil de la sonda en Marte?

Paul y Chiara cantaron ‘El encuentro’ y se esforzaron demasiado en hacerlo bien, algo que a Alizzz y Amaia les da igual porque están demasiado ocupados ligando (y porque no están en un talent show). El decorado era una discoteca de neones y ladrillos que no existe en España porque, de hecho, solo existe en ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ Y aunque Chiara y Paul le pusieron intención, esta actuación fue un claro ejemplo de no haber entendido la canción. En un momento dado, Paul se da la vuelta, Chiara le abraza por detrás y él canta “Qué vamos a hacer” mirando al cielo con expresión de angustia. La canción no va de eso. La canción va de dos personas que cuando dicen “qué vamos a hacer” ya saben exactamente lo que van a hacer (follar). Las reinterpretaciones a veces funcionan (Naiara y Álvaro) y a veces no, pero merece la pena intentarlo siempre. Lo demás es karaoke.

Chenoa estaba pletórica porque como buena empollona es consciente cuando va a sacar un sobresaliente. De repente les gritó a los concursante “julai” sin explicar lo que significa. En cualquier caso, julais indeed. Antes de las valoraciones, Masi entró y empezó a hablar como si fuera un audio puesto a 1.5x, que es un ímpetu que sólo puede entender la gente que antes de salir a un plató ha escuchado las palabras “vamos fatal de tiempo, ¡sal!”.
La tradición más antigua de todas es que el jurado nunca es televisivo con contadas excepciones (Pilar Tabares, Risto Mejide, Mónica Naranjo), pero al menos Natalia Jiménez garantiza tuits. Ella empezó la noche hablando con acento mexicano, como si quiera demostrarles a Aitana y a Rosalía que ese truco lo inventó ella, y acabó dando sus veredictos aterrorizada por sus propias hojas de papel. En su defensa, es probable que Buika se las desordenase. Porque Buika no es una villana. Eso sería demasiado fácil. Buika es una agente del caos. Cada vez que un concursante no entiende si está nominado o no, las células de Buika se regeneran y ella se hace más fuerte. A Denna empezó diciéndole “Enhorabuena por tu actuación” para a continuación nominarla. A Lucas le dedicó un proverbio críptico: “Sería mejor que te apartes de lo que es este programa”. ¿Perdón? ¿En plan apartarse hasta tu casa? Lucas no solo estaba nominado, sino que encima tuvo que deducir que lo estaba. Y todo porque los cuatro miembros del jurado se comportaban como si hubieran hecho una apuesta de que el primero que dijese la palabra “nominar” invitaba a los cubatas. Pablo Rouss, por ejemplo, le dijo a Álex Márquez: “Por eso tenemos que… lo siento”.

Natalia Jiménez dijo “Ahora vamos a hablar todos con Álex” y Pablo le aclaró: “No, todos no, tú”. A esas alturas Natalia, tan nerviosa que de repente hablaba con el acento de donde nació (Madrid), optó por ignorar los papeles y dijo: “Mira Bea te voy a decir una cosa cruza la pasarela”. ¿Y sabéis lo que es eso? Eso es caos. Eso es un año más de vida para Buika.

Finalmente, los nominados fueron Suzete y Lucas. Pinta mal para el uruguayo, porque Suzete tiene demasiada energía de “estoy dispuesta a ir a todos los Orgullos durante el resto de mi vida no importa el tamaño del pueblo”. Pero (y es un gran pero) Lucas tiene una sola palabra que juega a su favor: Cepeda. Desde luego, anoche fue la noche de los fantasmas.

Juan Sanguino es autor de varios libros que puedes comprar en nuestra tienda online. Envíos gratis para la Península hasta el 18 de diciembre.

Muere El Hematocrítico

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Miguel López, conocido por el alias de El Hematocrítico, ha fallecido este lunes a causa de un infarto de miocardio. Tenía 47 años. La escritora Ledicia Costas ha comunicado la triste noticia: «Desde un dolor inmenso tengo que contaros que esta tarde se ha ido El Hematocrítico, mi compañero de vida y la persona más maravillosa que se ha cruzado en mi camino. Estés donde estés ahora mismo, GRACIAS».

Radicado en A Coruña, donde ejercía de profesor de infantil y primaria, Miguel López había adquirido gran popularidad en internet -especialmente en X- gracias a su proyecto El Hematocrítico. Con este alias, López destacó en el mundo de la literatura infantil, publicando obras como ‘Feliz Feroz’ (2014) o ‘Agente Ricito’ (2016), y también en el de la novela gráfica con ‘Drama en el portal’, de 2013, o su proyecto ‘El Hematocrítico de Arte’.

Muy conocida fue también su labor de humorista, y fueron innumerables los buenos ratos que Miguel López hizo pasar a la audiencia gracias a Los Hermanos Podcast, donde junto a Noel Ceballos analizaba con mucho humor la actualidad y la cultura popular. En 2018, JENESAISPOP tuvo oportunidad de entrevistar a El Hematocrítico y a Ceballos con motivo de la edición de su libro ‘Los Cinco Superdetectives. Aquí no bebíamos cerveza de jengibre’.

Karol G comienza su gira en la cárcel

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Unos pocos días después de ganar el Latin Grammy a Álbum del Año por su ‘Mañana Será Bonito’, Karol G ha dado el pistoletazo de salida a su nueva gira por Colombia. Y la artista lo ha hecho en un sitio bastante curioso e inesperado: en una cárcel de mujeres.

«Hasta abajo desde los 16, desde chamaquita rompiendo la ley», canta Karol G en el que ha sido uno de los momentos que más se han viralizado en redes sociales. «Vamos a cantar un ratico, vamos a pasar superrico. Les trajimos unos regalos para las celdas para que estén más fresquitas», avisaba la artista desde el comienzo del espectáculo a las reclusas.

La fundación Con Cora ya ha informado de que esta no será el lugar poco común en el que la gira tendrá parada, pues «recorrerá distintas partes de Colombia con el objetivo de llevar alegría, entretenimiento y apoyo a poblaciones vulnerables».

DELLAFUENTE y Morad, top 6 en España con ‘Manos Rotas’

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DELLAFUENTE y Morad tienen un nuevo hit con ‘Manos Rotas’, y el buen recibimiento del tema tras su primera semana así lo certifica. La propuesta de los artistas combina el reguetón con el flamenco, y su resultado está siendo todo un éxito en nuestro país. El tema ha debutado en la sexta posición en España, mientras que en las plataformas de streaming sigue logrando peaks: hoy ha ascendido hasta el tercer lugar en Spotify España.

Pero lo cierto es que Iñigo Quintero no da tregua. El cantante sigue dominando con ‘Si No Estás’, el pelotazo sorpresa de este final de año. Impide así que Bad Bunny se haga con otro número 1 en España, continuando en segunda posición por su tema ‘Perro Negro’ junto a Feid. Rauw Alejandro completa el top 3 con ‘Diluvio’, haciendo que sea idéntico al de la semana pasada.

Ana Mena, por su parte, sigue en plena ascensión con ‘Madrid City’, que ha estado semana tras semana alcanzando nuevos peaks. En esta ocasión, se hace con la octava posición y continúa su escalada dentro del top 10. ¿Ha tocado ya techo, o todavía puede escalar algún puesto más? Además, en la lista también entran Nicki Nicole y Bad Gyal de la mano de su nuevo single, ‘Enamórate’, que va directo al lugar 24.

Cerrando la lista, Ozuna mete algunas canciones de su recién salido álbum, ‘COSMO’: ‘Vocation’ junto a David Guetta entra en la posición 69, la colaboración con Jhayco ‘Fenti’ va al número 79, mientras que el tema ‘Pa Ti Estoy’ con Anuel AA y Chris Jedi debuta en el 81. La última entrada de la semana se la adjudican Arcángel y Quevedo gracias a ‘Los Roques’ en el 87.





El Primavera Sound 2024 desvela su cartel por días

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El Primavera Sound ultima los detalles para su próxima edición, que se celebrará en Barcelona del 30 de mayo al 1 de junio. Entre los grandes nombres confirmados, Lana Del Rey, SZA, The National, Mitski, Troye Sivan o Vampire Weekend. Hoy, además, el festival ha anunciado qué artistas actuarán cada día.

El 30 de mayo, Pulp, Vampire Weekend y Justice serán los cabezas de cartel. Lana Del Rey, por el contrario, lo será el 31 de mayo, día en el que también actuarán The National, Troye Sivan o Rels B. La última jornada está reservada para los conciertos de SZA, Mitski, FKA Twigs o Charli XCX.

Por otro lado, el evento gratuito del festival, que tendrá lugar el 29 de mayo para inaugurar la nueva edición, contará con las actuaciones de Phoenix o Stella Maris, el grupo ficticio de la serie La Mesías. Las entradas de cada día saldrán a la venta mañana martes a las 11:00 horas. JENESAISPOP es medio colaborador.

Esta es ‘Con seguridad’ la mejor balada de El buen hijo

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Sharon López

Defendiendo ese indie pop atemporal que ya no se estila tanto, El buen hijo han publicado, este año, otro disco que invita a seguir queriéndolos. En ‘Viene y va‘, El buen hijo han seguido construyendo su particular imaginario.

Los singles ‘Me lapidaría’ y ‘Un buen lago’ han sido dos buenos anzuelos hacia el segundo proyecto largo de la banda afincada en Madrid. Pero había otras sorpresas, otros tesoros escondidos. Hoy nos detenemos en la que, ‘Con seguridad’, es la mejor balada que El buen hijo han escrito.

En una entrevista con JENESAISPOP, Marco Frías declaraba que las influencias de El buen hijo han servido de faro de guía en el sonido de su nuevo disco. Le Mans era uno de los grupos citados. ‘Con seguridad’ emite ecos más cercanos a Los Planetas, pero Marco cita dos influencias concretas, ‘Hard, Fast & Beautiful’ de Cinerama y ‘Something Changed’ de Pulp.

Que «algo ha cambiado» se percibe en la letra de esta conmovedora balada. Aquí, Marco expone que algo ha mutado en él. Marco canta sobre la necesidad de «procesar lo vivido» y también de esa «sensación de que por una vez sé lo que digo, con seguridad». «Me fumaré un cigarro, frente a este cristal, que me levanta el guapo, creo que me quiero conquistar» es otra de sus bonitas rimas.

En palabras a JENESAISPOP, Marco explica que ‘Con seguridad’ «habla del momento concreto en el que uno/a se levanta un día esperanzado con el presente y el futuro, sin un motivo claro, pero a fin de cuentas se levanta esperanzado, y así se afirma de manera literal en el tema». «Esta sensación suele ser efímera», apunta, «pero al grabarla y plasmarla en una canción de alguna manera se convierte en una sensación eterna». En ‘Con seguridad’, El buen hijo congela un momento efímero de pura felicidad, para siempre en el tiempo.

Jennifer Lopez anuncia single, álbum y película de ‘This Is Me…Now’

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Norman Jean Ro

Un año después de que Jennifer Lopez diera los primeros detalles sobre ‘This Is Me…Now’, su noveno trabajo discográfico y la secuela de su disco de 2005 ‘This Is Me…Then’, la artista por fin ha anunciado la fecha de lanzamiento del disco: 16 de febrero de 2024. Pero eso no es lo único que hay en camino, pues el single principal y un documental de la cantante también llegarán el próximo año.

La cantante ha confirmado que ‘This Is Me…Now’ es el «álbum hermano» de ‘This Is Me…Then’, y supondrá el primer álbum de Jennifer Lopez en solitario desde su ‘A.K.A.’. Se encuentra escrito y producido por Loez y Rogét Chayed, junto con Jeff «Gitty» Gitelman y HitBoy. La lista de compositores y productores también incluye a Angel Lopez, Drew Love, INK y Prince Chrishan.

Aunque el disco no salga hasta el 16 de febrero, no tendremos que esperar hasta entonces para escuchar el nuevo sonido de la artista. El single principal de ‘This Is Me…Now’ se titula ‘Can’t Get Enough’ y estará disponible en todas las plataformas musicales a partir del 10 de enero.

Junto al lanzamiento del disco, Jennifer Lopez estrenará en Prime Video una película dirigida por Dave Meyers descrita como una «reimaginación musical narrativa, íntima, reflexiva, sexy, divertida, fantástica y muy visual de su públicamente escrutada vida amorosa». A falta todavía del primer tráiler, la artista ha compartido en redes sociales un pequeño teaser del proyecto audiovisual ‘This Is Me…Now’.

Hofe, Ada Oda, Ghouljaboy y VVV, lo mejor de Monkey Week 2023

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Javier Rosa

Un año más, Monkey Week nos dio la oportunidad de descubrir a muchas artistas que de momento vuelan por debajo del radar de muchos medios, mientras traían a gente ya establecida (este año menos que de costumbre, eso sí) y a un tótem como Los Planetas. Y, un año más, en la Puerta del Sol desde JENESAISPOP os traemos un repaso de lo que, a nuestro juicio, fue lo más destacado de tres jornadas muy intensas. Este año ha vuelto a haber mudanza, pero no ha sido hacia Alameda: ya con el COVID alejado, podría pensarse que el festival iba a volver al lugar que tantas alegrías le dio, pero han optado por alejarse del Cartuja Center para devolver los conciertos al aire libre en dos carpas situadas en el parking del Teatro Central -una de ellas, eso sí, recuperando el clásico escenario “coches de choque” (que llegó a inspirar canciones)-. Sí que repetían los conciertos en el Espacio Santa Clara, y en salas como Holiday, FunClub, Mutante o las noctámbulas Sala X, La 2 y Even.

Durante la jornada del viernes se paseó por el parking del Central un misterioso personaje al que no se le veía la cara, y que repartía unos papeles con un QR… que daba acceso al pre-save de ‘Vaciador’, el nuevo disco de VVV [Trippin’ you]. La banda madrileña publica en breve este nuevo largo, y el hype que había ido creando antes se tradujo en uno de los mejores bolos del festival. La decadencia de muchas de sus letras no se correspondía desde luego con la atmósfera entre su público, sobre todo en el pogo de las primeras filas.

El escenario de los coches de choque no hacía sino reforzar el ambiente del concierto, como le pasó el día siguiente a Hofe, quizás el que mejor supo aprovechar el lugar y conducir la pasión del público, ofreciendo el que para quien escribe fue el mejor bolo de esta edición. El vasco acaba de lanzar ‘Amorrua’, su nuevo EP junto a los productores Xabier Lafuente y Marcos Galech (4:40), y estuvo presentándolo y dominando el escenario como nadie. Igotz Mendez apelaba a la energía del público y sabía exactamente cómo picarle (mira que es arriesgado decirle a un sevillano “¿no érais muy flamencos aquí?” siendo de fuera y que se reciba con buen rollo) para que se te entregue. Preguntando en varias ocasiones al público si “estáis cómodas” y “disfrutando”, Mendez conseguía que te lo pasases pipa ya fuese dándolo todo en el clima de diversión y libertad que se creaba, o desde lejos jugando a pillar las mil referencias por minuto que suelta en sus canciones (lo mismo te mezcla a Kurosawa, Wes Anderson y Kanye en una, que rima “me escupe en la boca” con “estoy loko como El Xokas” en otra).

Divertidísimo fue también el show de Ada Oda, que precedieron a Hofe en el Escenario Alhambra. Mi compañero Jordi les describía hace poco “un cruce entre Wet Leg, la frescura de los primeros Strokes y las voces chilladas de The B-52’s”, y si esto despertaba interés, en su directo solo pudieron confirmarlo. La banda belga levantó a los presentes con temas como ‘Niente da offrire’, mientras su vocalista Victoria Barracato saltaba por el escenario en sintonía con los allí presentes. Antes habíamos visto allí también a Crudo Pimento, que sorprendieron subiendo al escenario al mismísimo Kiko Veneno. Fue el highlight de un bolo en el que Raúl e Inma presentaban el reciente ‘El Carmen 13:7’, y que estuvo “teloneado” por Dharmacide en el escenario contiguo. Quizá demasiado fieles al espíritu shoegaze hasta el punto de bajar del escenario con actitud de “ala, pues ya hemos comido”, los madrileños sí que fueron de los pocos en aprovechar las pantallas trayendo sus propios visuales. También lo hicieron las Lisasinson, con unas proyecciones de mariposas. Las valencianas presentaban ‘Un año de cambios’, editado bajo el paraguas de Elefant, y, pese a problemillas de sonido, supieron defender muy bien temas como ‘Cuchillos’ o ‘Se me ha muerto una flor’.

Otro de los momentos destacados fue el de Ángeles, Víctor, Gloria & Javier, que ofrecían su primer concierto. La superbanda formada por la cantante Ángeles Toledano, el líder de Rufus T. Firefly Víctor Cabezuelo, la baterista Gloria Maurel y el productor Javier Martín ofrecían un concierto con cierta magia tanto por ellos mismos como por el material de base, el ‘Poema del cante jondo’ de Federico García Lorca. ‘Tengo tres estrellas y veinte cruces’, el debut que sacaron dos días antes del Monkey Week, es otro ejemplo de lo bien que puede funcionar la mezcla de nuestro folclore con la electrónica, y en el directo pudimos comprobar que las buenas ideas en el estudio son muy bien defendidas por un grupo que ya ha sido confirmado en el Primavera Sound del año que viene.

Antes de ellos, vibramos con la propuesta en Bar Mutante de Ortopedia Técnica, de quienes ya os habíamos hablado en una de las últimas entregas de nuestra Sesión de Control. La banda de Castellón prometía con los sencillos que había ido sacando, confirmaba en el debut ‘Sentencia’ que ahí había algo interesante, y ahora ha pasado con nota la prueba del directo. Jacob, Corvo, Nello, Mario y Cuki dejaron el bar a reventar (la cola de gente que se quedó fuera y que iba entrando a medida que otros salían llegaba a doblar la Calle Fresa) desbordando energía mientras repasaban temas como ‘Mírame’ o ‘Harakiri’.

Luis Romero

El día se cerraría a lo grande con el precoz Teo Planell, que llamó la atención en Sala X por la pegatina de Hello Kitty en su guitarra pero sobre todo por lo pulida que suena su propuesta en temas como ‘(The Place)’ o ‘JULIA!’; y sobre todo con Ghouljaboy. Jordi Arroyo ya nos gustaba cuando hacía trap en La Vendición, y luego nos flipó con el giro que dio a su carrera, y que le ha llevado a colaborar con gente como Depresión Sonora o, más recientemente, shego. El artista ofreció probablemente el mejor bolo de madrugada de esta edición, sabiendo meterse al público en el bolsillo mientras presentaba ‘OH NO SYZYGY!‘. También confirmamos al verle en directo el parecido de su voz con la de Alex Turner, por cierto… y que, aun así, ese es solo uno más de los múltiples aspectos curiosos dentro de un proyecto que ha acabado convirtiéndose en uno de los más interesantes del panorama nacional. Nos quedamos con las ganas de ver al jerezano en uno de los escenarios principales, aunque es cierto que un ambiente como el de la X a las 2 de la mañana le sienta como un guante. Como apunte personal personal, el catarro que empecé a cocinar la primera noche estaba ya diciendo “estoy aquí” en ese momento, así que os podéis imaginar lo bueno que fue el bolo si consiguió que mi atención se quedase allí.

Precisamente el público que se ha ido ganando Ghouljaboy puede parecerse a la fanbase que tiene también El Último Vecino, otro de los nombres destacados del festival, tanto por estatus como por lo ofrecido allí, en esta ocasión, en la Sala Holiday. Gerard Alegre tuvo que enfrentarse a una acústica que juega un poco en contra, pero aun así consiguió que su público bailase y le corease temazos como ‘Tu casa nueva’. En la misma sala actuaron Vera Fauna, que por supuesto reventaron el lugar, tanto por jugar en casa como por los fans que han ido sumando y sumando en estos años. La banda presentaba ‘Los años mejores’, su segundo disco, en el que cuentan con las colaboraciones de Kiko Veneno y Carmen Xía, y demostraron otra vez que no en vano son uno de los pocos grupos que no solo han sobrevivido a la difícil situación de la pandemia en la escena local, sino que han ido creciendo a nivel nacional hasta establecerse con comodidad.

Luis Romero

También hubo mucha conexión en el concierto de La Paloma, que venía además con un regusto especial porque, cuando estuvieron en la edición de 2021, solo contaban con tres canciones. Ahora vuelven con todo un nombre hecho en la escena y un debut largo, ‘Todavía no‘, que estuvieron presentando en el Escenario Jagermusic. Antes de ellos pudimos disfrutar también de Sistema de Entretenimiento, que bromearon sobre que iban a agotar el setlist antes de terminar el concierto: “estamos yendo muy rápido, fijaos que estoy bebiendo hasta agua y yo nunca bebo agua, voy estreñida por la vida”, comentó Anna.

Más multitudinario aún fue el bolo de Camellos, sobre todo en el momento culmen que supone ‘Arroz con cosas’. Los madrileños se centraron en el ‘Manual del estilo’ publicado el año pasado, pero no se olvidaron de clásicos como ‘Siempre saludaba’ o de la reciente versión de ‘Mi fábrica de baile’ de Joe Crepúsculo (que no está mal, pero la original es un poco insuperable). El plato fuerte de esa jornada -VVV aparte- fue Lorena Stadelmann, más conocida como Baby Volcano. Alternando francés y español, la suiza (de madre guatemalteca) derrochaba energía mientras bailaba y cantaba temas como ‘Kill tu ego’ o ‘FIN DE MUNDO (Peau)’, en los que parecen darse la mano Nathy Peluso, Princess Nokia y Bomba Estéreo.

Dejo para el final el nombre más poderoso del cartel, para dar la oportunidad a las bandas menos conocidas, pero también porque el concierto de Los Planetas fue bastante decepcionante. La banda repasaba sus treinta años en un denominado “Concierto Esencial” en el que solo se subían al escenario Jota y Florent Muñoz, junto al pianista David Montañés (también les acompañó Alonso, volviendo tras haber ejercido de telonero). Faltaba Eric Jiménez, de actualidad estos días por el documental ‘La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric’. La idea era repasar su discografía en un formato mucho más reducido, “despojando el sonido de peso, pero no de fuerza, y reduciendo el volumen, pero no la intensidad”, según la nota de prensa. El problema es que, precisamente en un concierto así, se aprecia mucho más la conexión con el público, la interacción y el refuerzo de la intimidad que puede crearse en el escenario… y, claro, también en negativo: se nota más cuando eso brilla por su ausencia.

Javier Rosa

Solo en momentos concretos parecían Jota y compañía conectar con los asistentes, siendo en general un ejercicio un poco de funcionario, uno que muchos no perdonarían a cualquiera de las bandas emergentes que escuchan por primera vez en Monkey Week, pero que aquí sale indemne en parte por el concepto “vaca sagrada” y en parte, al César lo que es del César, por la calidad de canciones como ‘Soy un pobre granaíno (Colombiana)’, ‘Santos que yo te pinte’, ‘Corrientes circulares en el tiempo’ o ‘Alegrías del incendio’. Antes de ellos, como decíamos, vino Alonso. Si con el nombre no caéis, se trata de Alonso Díaz Carmona, el líder de Napoleón Solo, que presentaba su proyecto en solitario en esta Monkey Week; el primer single, ‘Soy un humano’, salió hace escasas semanas. Lógicamente, esta canción sonó, pero también temas aún inéditos de ‘Qué es querer’, el disco con el que debutará, y que pudimos descubrir en la noche del jueves. Aunque algo lastradas por lo que parecieron problemas de sonido, las canciones auguran un proyecto interesante cuando podamos escucharlo en mejores condiciones.

Y antes aún de Alonso, pero en la Sala Funclub, tuvo lugar el OffMonkey, una serie de conciertos organizados por el colectivo Brecha, al margen de la programación oficial pero apadrinados por la organización del propio Monkey. Y la calidad no parece desde luego ser el motivo por el que esas artistas se quedaron fuera: además del r&b onírico de Andra Venus, fichaje de Snap! Clap! Club!, y de restinga, de quien ya os hemos hablado en la web, contaban con las propuestas de de los prometedores arrecíO (fans de Cariño, atended) o de LK6, proyecto de Inés Parish con el ojo puesto en VVV.

Jacob Collier anuncia conciertos en España

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El cantante, productor y multiinstrumentista británico Jacob Collier anuncia 2 grandes actuaciones en nuestro país. El artista estará presentando las canciones contenidas en el volumen 4 de su serie «Djesse», que saldrá en tan excéntrica fecha como el próximo 29 de febrero. Collier es conocido por sus colaboraciones con gente como Coldplay o Brandi Carlile y acumula hasta 5 Grammys, principalmente por sus arreglos. ‘Djesse Vol. 3’ fue nominado a Álbum del Año, aunque perdió contra ‘folklore’ de Taylor Swift.

Los conciertos españoles son el 3 de noviembre de 2024 en el WiZink Center de Madrid y el 4 de noviembre en el Sant Jordi Club de Barcelona. Las entradas estarán a la venta el viernes 1 de diciembre a las 10h en www.livenation.es, Ticketmaster.es y JacobCollier.com/Tour. Los registrados en www.livenation.es tendrán acceso a una preventa el jueves 30 de noviembre a las 18h.

La gira anunciada será con banda, y se produce muy poco después del lanzamiento de un nuevo single llamado ‘Witness Me’, en el que vuelve a tener colaboradores de lujo: Shawn Mendes, Stormzy y la leyenda del gospel Kirk Franklin. Previamente habíamos conocido adelantos como ‘Little Blue (feat. Brandi Carlile)’, ‘Wherever I Go (feat. Lawrence & Michael McDonald) o ‘WELLLL’. Entre las maravillas de otros discos que habíamos escuchado, la muy Prince ‘Time Alone With You’ y ‘All I Need’.


Danny Brown / Quaranta

Sorprende en cierta medida que Danny Brown siga vivo a estas alturas. Él mismo cuenta que durante la creación de ‘Quaranta’ pensaba que no viviría para ver el trabajo final. Toda una vida de excesos, retratados con un detalle terrorífico en ‘Atrocity Exhibition’, tienen que pasar factura de alguna forma. El título de este último trabajo es una doble referencia tanto a la época en la que se gestó, en plena pandemia, como a la edad de su autor, a punto de cumplir los 40 por aquel entonces. Todavía luchando con su adicción, sin la posibilidad de salir a la calle y tras romper con su «casi esposa», Brown se encontró totalmente solo en un apartamento de lujo en su Detroit natal, así que se puso a escribir.

Desde entonces, el rapero de 42 años se ha mudado a Texas, ha ingresado en una clínica de rehabilitación (con geniales resultados) y ha intentado recrear el “sentimiento” de su primer disco de éxito, ‘XXX’ (2012). Más que repetirlo, que era complicado, lo ha actualizado. ‘Quaranta’ es un disco hecho desde el arrepentimiento y Brown lo resume en la primera frase del tema que le da nombre, con su no tan característico registro grave: “Esta mierda del rap me ha salvado la vida, y la ha jodido al mismo tiempo”.

El de Detroit prueba cosas nuevas en este proyecto. La mayoría de los temas son contemplativos, sobre todo en la segunda mitad, y muestran al rapero previamente conocido por sus relatos hedonísticos y su humor negro poniendo en orden su pasado o lamentando haber sido el culpable del fin de su última relación, entre otros temas.

También hay de lo otro, por supuesto, como en la caótica ‘Tantor’, grabada en mitad de un viaje de ácido al más puro estilo George Clinton (lo cual Brown ha descrito como «no recomendable»), o en ‘Ain’t My Concern’, en la que asegura haberse metido “tanta coca, que hay un gramo en mi moco”. Sin embargo, estos cortes se sienten más como algo hecho para los fans de Danny Brown que como algo que le apetezca hacer al propio Danny Brown. Él mismo ha dicho que eliminó ciertos temas del disco por un contenido excesivo de drogas.

Si ‘XXX’ estaba al borde de la glorificación y ‘Atrocity Exhibition’ era una crónica con moraleja, ‘Quaranta’ es el rechazo a estas sustancias. De ahí que se saque de la manga canciones como ‘Y.B.P.’, en la que relata cómo cambiaba de canal de televisión con unos alicates sobre un beat que parece sacado de una sitcom (en el buen sentido), o ‘Jenn’s Terrific Vacation’, una denuncia a la gentrificación (ojo al juego de palabras).

‘Down Wit It’ es uno de los tracks más interesantes en cuanto a desarrollo del personaje de Brown. De forma desoladora, este admite que no solo es el culpable de haber echado de su vida a la mujer que ama, sino que además a sus 40 años es posible que nunca vuelva a encontrar a nadie igual. ‘Celibate’ y ‘Shakedown’ tienen dos de los beats más delicados y adictivos del álbum, que se caracteriza por usar bases más melódicas y suaves, en consonancia con la nueva vida de Brown. Sin embargo, estos dos temas sufren del mayor fallo de ‘Quaranta’. En vez de profundizar, Danny suele repetirse.

‘Shakedown’ vuelve a tratar el tema de su exnovia sin grandes novedades, lo cual también prueba que le ha afectado considerablemente, y en ‘Celibate’ Brown vuelve a asegurarnos que ha cambiado, que ahora es “célibe”. ‘Hanami’, por otra parte, es igual de pegadiza que de superficial, con Danny lanzando cliché tras cliché sobre el paso del tiempo encima de una base clásica de boom bap (“El tiempo no espera a nadie, así que no puedes desperdiciarlo”).

Eso sí, el disco termina en un punto alto con ‘Bass Jam’, seguramente la canción más conmovedora que ha escrito nunca el de Detroit. Con un beat calmado y minimalista en el que el bajo es protagonista, Brown enumera artistas como Sade o Anita Baker para contar cómo su madre y él hablaban “a través de la música”. Siendo una buena colección de canciones para cualquier fan de Danny Brown e incluso un cambio de ritmo acertado, es inevitable pensar que, por desgracia, ‘Quaranta’ no ha llegado a alcanzar su máximo potencial.

Francia gana Eurovisión Junior 2023; España, segunda posición

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RTVE

Sandra Valero ha acariciado con los dedos la victoria en Eurovisión Junior 2023. La valenciana, que representaba a nuestro país con el tema ‘Loviu’, ha quedado en segunda posición tras ser una de las grandes favoritas de la edición. El triunfo, sin embargo, ha ido a parar a Francia, que también partía como favorita con la canción ‘Coeur’ de Zoé Clauzure.

Esta es una de las mejores rachas de Francia en su paso por el festival infantil. El país ha ganado en tres de las últimas cuatro ediciones (2020, 2022, 2023). En esta ocasión, su victoria ha sido con 228 puntos, despegándose de los 201 que han dado a España su segunda posición. Sandra Valero ha logrado con ‘Loviu’ el tercer puesto para el jurado y el segundo para el público, mientras que Zoé Clauzure ha ganado ambos.

Este es el mejor puesto de España desde que Antonio José nos representara en 2005 con ‘Te traigo flores’, quedando también en el segundo lugar. Un año antes, María Isabel ganaría el festival con ‘Antes muerta que sencilla’, nuestra única victoria en la historia de Eurovisión Junior.

Como Francia ya ganó Eurovisión Junior el año pasado, esta edición se ha celebrado en la ciudad de Niza, situada al sur. La delegación del país tendrá que decidir ahora si vuelve a celebrar Eurovisión Junior en 2024 o si, por el contrario, deja que la subcampeona España sea su sede. No obstante, todo indica que volverá a celebrarse en Francia.



Taylor Swift deja el final abierto en ‘Is It Over Now?’

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El proceso de regrabaciones de Taylor Swift está volviendo a abrir muchos capítulos que se creían cerrados. No es para menos, pues la artista ha de regresar a sus eras pasadas para crear sus nuevas versiones, las Taylor’s Version, y recuperar así el control de su música. Sin embargo, por el camino también se están volviendo a recordar antiguas narrativas. Y, si por algo destaca la discografía de Taylor Swift, es sin duda por las historias que cuenta en sus canciones.

‘Is It Over Now?’ es uno de esos temas inéditos que la cantante descartó en su momento y que, aprovechando el proyecto de las regrabaciones, ahora ha visto la oportunidad perfecta para sacar «del baúl». Perteneciente a su quinto álbum de estudio pero relegada entonces, es la pista que cierra ‘1989 (Taylor’s Version)’, jugando de esta forma con el título de la canción: ¿ya se ha acabado?

Sin embargo, más allá de la referencia que deja con su posición en el tracklist, ‘Is It Over Now?’ trata sobre una relación en estado intermitente. «Cariño, ¿se había terminado entonces? / ¿Y se ha terminado ahora?», canta Swift en el estribillo de uno de sus temas más mordaces. «¿Había terminado todo cuando ella se acostó en tu sofá? / ¿Había terminado todo cuando él me desabrochó la blusa?», se pregunta la artista delatando la verdad de una pareja en llamas.

Pero, a diferencia de otras canciones de ‘1989’, la pluma de Swift alterna aquí su lado más vengativo con la vulnerabilidad producida por la traición, dando lugar a la honestidad más cruda. «Si tiene ojos azules, supongo que probablemente saldrás con ella / Sueñas con mi boca antes de que te llamara traidor mentiroso / Buscas en la cama de cada modelo algo más grande, cariño» pueden ser sus versos más atrevidos desde «Yo seguiré creciendo, pero tus amantes siguen teniendo mi edad» en ‘All Too Well (10 Minute Version)’.

No obstante, el mejor momento del tema es el puente, una de las grandes fortalezas de la artista. «¿Y pensaste que no te vería? Había luces parpadeantes / Al menos yo tuve la decencia de mantener mis noches ocultas», canta en el inicio del mismo, que llega a repetir hasta dos veces a lo largo de la canción. Es el puente, junto a las magníficas expresiones de su voz en segundo plano como las constantes «Pero no» o «Oh, Dios», lo que asciende la canción a otra dimensión.

Continuando la historia que cuenta en ‘Style’ o ‘Out of the Woods’, Taylor Swift proporciona en la fantástica ‘Is It Over Now?’ una mirada mucho más profunda y devastadora que viaja entre la incertidumbre, los celos y la lujuria. Probablemente los más curiosos ya sepan sobre qué relación habla la artista y cómo fue su final, pero ‘Is It Over Now?’ siempre dejará la pregunta en el aire.

Tulsa: «Si quieres describir la realidad, no puedes evitar la mugre»

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Aitor Laspiur

Amadora‘ es nuestro Disco de la Semana. Miren Iza de Tulsa lo defiende más segura de sí misma que nunca. Ha dejado temporalmente la Psiquiatría para centrarse en esto, con el aliciente de que algunas de las presentaciones ya realizadas del álbum, son en forma de obra de teatro en un proyecto conjunto con la directora María Velasco.

Es un disco que habla sobre la mujer, sobre su posición de cuidadora en la sociedad, pero que deja un final optimista, sobre todo desde que en el álbum aparezca el tema ‘024’, sobre la prevención del suicidio. Ella misma nos lo explica.

¿Qué quieres transmitir con ‘Amadora’?
El disco habla de un personaje del que tenía apuntado el nombre hace años. Antes de ‘Ese Éxtasis‘. Cuenta el dolor de las mujeres enraizado en lo cultural, lo social, lo familiar, no en algo individual. Después del disco anterior, caí en la cama, con una lesión de espalda, y quería hablar de cuánto el dolor limita nuestro cuerpo. Hablo de dos dolores distintos. El de Amadora es masivo, no localizado, tiene que ver con la interrupción del discurso y del lenguaje. Es entonces cuando el cuerpo empieza a hablar. Y es muy difícil de aliviar.

¿Qué dolor es peor?
Mucho peor el que no se puede aliviar. ¡Yo con Ibuprofeno y Diazepam estaba mejor! (risas). Es que estoy hablando de un dolor físico también. En una canción digo que «me duele hasta el pelo». El origen es emocional, familiar, cultural. Los cuerpos se rompen por pura entrega y abnegación.

¿Qué canción habla expresamente del dolor físico?
‘Cuando venga el león pálido’ habla de los cuerpos embrollados. El embrollo de los cuerpos es un término de Lacan. Explica que cuando no hay una simbolización en el lenguaje, es el cuerpo el que toma la palabra. Son cuerpos bloqueados. Es un dolor fantasmático que se abalanza sobre ti en oleadas. Se va pero luego vuelve. En ‘SANTAMÁRTIR’ hablo de lo previo al dolor. Cuando mi rol femenino está entregado a los otros.

Amadora es una palabra muy potente per se. Hay nombres que tienes que documentarte para ver qué significan, pero este lo tenemos claro, ¿no?
Es la que ama. Es algo literal. Me fijé en el nombre gracias a la ciudad de Portugal que se llama así. Me encantó. Es alguien que se dedica a amar. Ahí se me quedó. Y ahora se ha llenado de contenido.

En el disco hablas mucho de la maternidad, de la madre que ama y cuida.
Hay una especie de herencia invisible que confundimos con el instinto de cuidar, de entregarnos a los demás, de ser dulces y buenas y eternamente disponibles. Romper con eso es una lección dolorosa. Es un camino no siempre fácil. Tanto seguirlo como desviarte tiene un coste. Yo tenía ese conflicto por llegar a la edad de ser una señora, preguntándome por ejemplo si tenía espacio en el mundo de la música. No estaba siguiendo el precepto de mi madre, de mi hermana. Tenía un conflicto que el disco me ha ayudado a resolver. Llegas a los 40 y no has cumplido nada de lo que tu madre quería para ti: tienes un conflicto.

«Romper con una herencia invisible (como mujer) es una lección dolorosa. Tanto seguirla como desviarte tiene un coste»

El concepto de mujer como cuidadora está en el disco. ¿Es algo del presente o cada vez es más pasado?
Es súper presente. Lo veo en muchas amigas. Ahora hay una doble jornada. Todas tienen que trabajar fuera. No tengo amigas que puedan NO trabajar. Tienen el rol de sostener su casa y el de trabajar fuera. Trabajos en el mundo de las finanzas, las ingenierías. Se ha hecho esa incorporación al mercado, pero sin delegar el rol de casa.

Hay un punto del disco en que hablas de no seguir en la música. Hablas sobre cosas que no has hecho en ‘024’.
024 es el número de atención al suicida. «Ya no sé si sirvo para esto, ya no sé si seguir aquí». Es el punto de inflexión del disco, que va del dolor a plantearse el suicidio. En la propia canción se resuelve eso de manera pretendidamente humorística (risas) Te atan a la vida las cosas que no has hecho. Sé que hay cosas más profundas que comer en Can Roca (risas) Puedes divorciarte. En lugar de suicidarte, puedes divorciarte.

Hay una sensación de dar un paso adelante en el disco. ‘024’ suena esperanzadora. Y ‘Melocotón’ es un tema de autoconvencimiento, de dejar de lado dilemas absurdos. ¿Hay un punto de «atreverte a» en este disco?
De lanzarte al cambio. Todo pretende ser una descripción de una transformación, un cambio de piel. Al hacerte mayor descubres cosas geniales. Ves que has hecho cambios profundos, que no son baladís o superficiales. Hay cosas que cambian de significado, y que si no tienes muchos años no las puedes percibir. El disco es una oda al cambio.

«Yo sigo haciendo discos, parece que no ha cambiado nada, y sí. Ahora no tengo miedo»

¿Qué cambio que has hecho puede parecer baladí y no lo es?
Yo sigo haciendo discos, parece que no ha cambiado nada, y sí. Ahora no tengo miedo, me da igual que la gente se vaya, gente de la banda o del sello o de la oficina. Veo que no es el fin del mundo. Ya tienes experiencia para saber que las cosas te dan alimento, aunque sean pérdidas.

¿Cuándo has sentido que te has ahogado en un vaso de agua?
Mi gran talón de Aquiles han sido siempre las separaciones de pareja. Han sido mi gran dolor. Me destruían como persona. Eso era un alimento de canciones y gracias a eso he tenido una carrera musical (risas). Me apego mucho a la gente. Las marchas de músicos me dan mucha pena, y en Madrid hay mucho movimiento y la vida es más volátil que en País Vasco. Cuando se me va un guitarrista o un batería, es como si perdiera a alguien de mi familia. Yo quiero que seamos felices de gira en la furgoneta, y cuando alguien se va siento que el proyecto se cae. Angel Luján (productor) se ríe de mí, me dice: «no le cojas cariño a ese músico, que te va a durar un telediario».

Igual no se nota tanto de un disco a otro, pero sí de los primeros a los últimos. Ahora eres una artista de música electrónica.
(carcajada) No es un disco de banda, lo hemos hecho Ángel y yo codo con codo. Estoy en un espacio ultra seguro, puedo decir la mayor chorrada, jugar a lo que me dé la gana y sin dar explicaciones.

«¿Qué depositan las madres en nosotras para que veamos que las estamos decepcionando?»

‘Tacones lejanos’ es uno de los temas que habla de la maternidad. ¿Es autoficción?
Soy yo hablando a mi madre. Amadora sería mi madre, pero no es mi madre exactamente. Mi madre siempre trabajó fuera de casa. Pero sí es una carta a mi madre.

Cuando yo escucho ‘Amadora’ y sale el personaje de Joaquín, me doy cuenta de que en tu caso no va a ser una narración tan fácil, que va a ser un proyecto complejo, esquinado, con interpretaciones… ¿no?
María Pérez y yo íbamos a escribir una serie. Una madre y una hija. ‘Sonata de otoño’, ‘Postales desde el filo’… Yo tiro para Almodóvar. La serie era un intento de resolver algo nuestro. ¿Qué depositan las madres en nosotras para que veamos que las estamos decepcionando?

¿Es como que la sororidad no ha llegado a la relación de madre e hija?
Quería hablar de diálogo, de perdón. Yo me lo llevaba más a la consulta. María Velasco (directora de la obra de teatro) se lo ha llevado a su casa, a intentar entender a su madre. Ella había vivido por oposición a su madre.

Ahora por fin hablas de tu trabajo como psiquiatra en tus letras…
Ya lo he integrado, ya está curado, Sebas (risas). Porque ahora igual lo dejo ya. He estado 20 años trabajando de esa manera, y he estado a punto de enfermarme. Una de las herramientas de curación ha sido hacer este disco y pedir una excedencia. Me encanta la Psiquiatría y me he identificado con ella, pero el sistema de la Seguridad Social se ha roto. El sistema intenta sobrevivir a costa de los profesionales. Hay muchísima demanda. Estás achicando agua y sabes que no llegas. Es el Síndrome de Burnout que hay en la sanidad y en la enseñanza. Son profesiones de riesgo y lo quiero decir así porque la gente tiene miedo de decirlo. Mi jefe que me quiere mucho me dijo que me tomara una excedencia. Sobre todo para hacer las cosas de otra manera.

«Me encanta la Psiquiatría, pero el sistema de la Seguridad Social se ha roto. El sistema intenta sobrevivir a costa de los profesionales»

Qué susto, te había entendido al principio que ibas a dejar la música.
¿Y qué hago, pongo una tienda de tornillos? (risas) Esta vez es la primera vez que no quiero dejar la música.

La nota de prensa menciona a Lucia Berlin y a Otessa Mosfegh, que me flipa.
No la conozco, me tienen que regalar el libro.

Es una autora muy sórdida, da asco y lo pasas muy mal leyéndola. Me puso uno en Instagram que cómo podía haber recomendado eso.
Ah, qué bien, es un revulsivo. Me gusta. Qué potente que llegue a traspasar esa frontera.

A lo que voy es que tu música tiene ese punto sórdido también. Lo siento…
¡No lo sientas! Siempre quiero ponerle un punto sórdido, si quieres describir la realidad, no puedes evitar la mugre. No puedes fingir que no existe la mugre.

Esta esa frase de «Me ha salido musgo en el coño»…
En realidad es una frase light. A mí me gusta mucho Aidan Moffat, Arab Strap, me gustaría ir más allá. No creo que sea un disco sórdido. Estoy súper contenta, me parece el mejor disco que he hecho.

Si titulo la entrevista así, va a ser un «eye rolling»… Es lo que siempre decís los artistas.
No lo hagas, que los lectores de JENESAISPOP me dan mucho miedo.

«No titules así, que los lectores de JENESAISPOP me dan mucho miedo»

Me interesa el punto de oscuridad del disco, pero el final es optimista.
La alternativa era hacer algo sangriento. De venganza. ‘Kill Bill’, ‘Carrie’… que rodaran cabezas. Tengo una lista de Spotify de «Murder Ballads». Pero es más poético de esta manera. Veía que el final tenía que ser así.

¿Qué había en esa playlist? Recuerdo que sucumbiste a C. Tangana. No sé si a Bad Bunny.
No he entrado en el nuevo, pero el anterior me pareció brillantísimo, lo escuché mucho. En la playlist estaba ‘Johnny 99’ de Bruce Springsteen, la de ‘John Wayne Gacty’ de Sufjan Stevens que hablaba de una matanza, el de Nick Cave…

Ibas a ‘Kill Bill’…
Hay una referencia muy clara. Ángel y yo hablamos mucho de la reverb de Lana del Rey.

El final de ‘amor o transferencia’ es muy claro al respecto…
Me alegro de que lo sitúes tanto. Esa canción tiene una manera de frasear nada mía. Qué bien que puedo hacer algo diferente y huir de mis vicios. Esa y ‘024’ es como «hay futuro».

¿De qué estás más orgullosa a nivel producción?
Estoy orgullosa de que hemos sido muy felices grabando y eso va metido en el disco. La consigna fue minimalismo, que a veces se dice y no se mantiene. Cuesta.

¿Alguna curiosidad?
Carasueño (productor) no abrió una pista por error y nos la devolvió sin arpegio de piano. Yo había compuesto ‘una parte de mí’ con un piano que estaba por toda la canción. Y él no abrió esa pista. Fue un accidente brillante. O eso nos contó, igual no le gustó (risas). El caso es que nos gustó más así, GRACIAS. ‘La estrella’ es la más antigua, iba a ser un tema con La Estrella de David y Betacam, y se transformó en un final con mis sobrinos cantando. Es la más extraña, pero me permito esa licencia como final de un disco que mezcla a Morente con el himno de Santa Águeda que sale en ‘SANTAMÁRTIR’. Es una festividad que se hace en el País Vasco cada 4 de febrero, en la víspera de Santa Águeda, cuando le pides a la tierra que se abra por el solsticio de invierno. Santa Águeda es una santa que se corta las tetas. Por eso digo «en una bandeja mis tetas exprimidas».

Te noto muy contenta..
Estoy súper bien, Sebas. ¡La excedencia! Estaba desubicada, muy cansada, con un poco de amargura. Pero ya llevo un tiempo siendo consciente de la suerte que supone la vida que tengo, y la que tienes tú seguramente, con perdón. Al final trabajamos con un material que es bello y tenemos unos medios de vida muy óptimos.

Dua Lipa casi cancela ‘Future Nostalgia’ por la pandemia

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En plena promoción de su nuevo single, ‘Houdini’, Dua Lipa sigue ofreciendo entrevistas para hablar sobre su nuevo proyecto musical. Sin embargo, en su paso por el podcast ‘Awards Chatter’, también ha tenido tiempo para hablar sobre su pasado. Y ha confesado que estuvo a punto de cancelar el lanzamiento de ‘Future Nostalgia’.

Como nos ocurrió a todos en 2020, Dua Lipa no esperaba que una pandemia hiciera cambiar todos los planes que se tenían para aquel entonces. ‘Don’t Start Now’, el single principal de ‘Future Nostalgia’, salió el 31 de octubre de 2019, por lo que el comienzo de la «segunda era» de la cantante acabó coincidiendo irremediablemente con la pandemia por COVID-19 que ocurriría nada más empezar el 2020.

«En aquella época había conversaciones de ‘Bueno, ¿vamos a publicar el disco en este momento? ¿Qué deberíamos hacer?’», dice la artista cuando se le pregunta sobre el álbum en el podcast. «Me sentía tan fuerte sobre el hecho de que, aunque en mi cabeza había imaginado que este era un disco que iba a ser escuchado y que iba a poner a la gente a bailar, era… No sé, sentía que era necesario sacarlo», reconoce.

‘Future Nostalgia’ finalmente fue publicado el 27 de marzo de 2020: «Me dije: ‘¿Sabes qué? Lo que tenga que pasar con él, pasará’. Lo que sucedió después todo el mundo lo sabe, pues el disco fue reconocido como uno de los mejores del año, valiéndole el Grammy a Mejor Álbum Pop. «Mantuvo a la gente bailando en sus casas. Por eso estoy muy agradecida», reconoce Dua Lipa.