No a todos los artistas les agrada la idea de hacer conciertos de tres horas. Aunque es lo normal entre los pesos pesados de la industria, muchos se han visto obligados a extender los espectáculos para competir con sus compañeros de profesión, incluso si no es plato de buen gusto. A juzgar por sus recientes comentarios, Paul McCartney y Billie Eilish son de los que preferirían hacer un concierto de una hora y media.
La autora de ‘HIT ME HARD AND SOFT’ tiene claro lo que no quiere: «No voy a hacer un concierto de tres horas, porque es literalmente psicótico», ha comentado durante una conversación con sus fans. «Nadie quiere eso. Vosotros no queréis eso, Yo no quiero eso, ni siquiera como fan», ha concluido.
Aunque estos comentarios se han producido en mitad de una guerra comercial entre Eilish y Swift, Billie ha aclarado en el pasado que tanto Beyoncé como Taylor son «superestrellas intocables» y que el hecho de poder «montar un concierto tan largo» es «alucinante».
Por otro lado, Paul McCartney también ha expresado rechazo hacia los shows de larga duración durante los Premios Ivor Novello, mientras se reía de su amigo Bruce Springsteen. McCartney era el encargado de entregar el galardón al de ‘Born To Run’ y comenzó su discurso de la mejor manera: «Al contrario que los conciertos de Bruce, voy a hacerlo breve».
El ex Beatle contó que culpaba a Springsteen por el cambio de duración de los espectáculos: «Solíamos tocar una hora, o una hora y media. Los Beatles tocábamos durante media hora. Él lo hace una vez y ahora todos tocamos durante tres horas», bromeó el compositor británico. Eso sí, el roast a Springsteen no cesó: «No puedo pensar en alguien más apropiado para ser el primer compositor internacional en aceptar el premio, excepto quizás Bob Dylan, Paul Simon, Billy Joel, Beyoncé o Taylor Swift».
“Espero que nunca me necesites”, sentencia fulminante Rachel Chinouriri en el estribillo de ‘Never Need Me’, el corte más destacado de su álbum debut ‘What A Devastating Turn Of Events’. Lejos de lo que pueda parecer, no lo dice desde la rabia o el despecho, sino más bien desde la ternura y el respeto.
En los primeros versos se sorprende y, en cierta medida, se alegra de recibir la llamada en mitad de la noche de un antiguo amor, pero a medida que la canción avanza, la cantante va aclarándose las ideas: “prométeme que estarás bien” pero “si no puedes cambiar, dudo que te puedo ayudar”. Esa persona solo la llama cuando está en problemas, pero ella ya ha pasado página y ha aprendido la lección. En el videoclip, Florence Pugh es la amiga que, por si acaso, no le deja caer en la tentación de volver a seguirle el rollo.
La canción, con un decidido aire pop-punk, comienza con unas amables guitarras y la voz dulce de Chinouriri acostada sobre ellas. La intensidad progresivamente va subiendo hasta llegar al estribillo, donde la producción encuentra su punto álgido gracias a una melodía irresistible y una letra que merece ser cantada eufóricamente en un karaoke. Aunque los números no la respalden lo que deberían y Rachel Chinouriri siga siendo una artista independiente y no demasiado conocida para las masas, Never Need Me’ tiene todo lo que se le puede pedir a un gran hit pop.
La vida soñada de Miss Fran (Rachel Lambert)
Menudo ojo tiene Daisy Ridley. Tras alcanzar la fama interpretando a Rey Skywalker en tres secuelas de ‘Star Wars’, la actriz británica tenía que reconducir su carrera para no acabar convertida en una nueva Hayden Christensen. El estrepitoso fracaso de ‘Chaos Walking’ (2021) no auguraba nada bueno. Ridley decidió tomar cartas en el asunto: le dio a su agente una lista de cineastas con quienes le gustaría trabajar. Entre ellos estaba la desconocida Rachel Lambert, cuya única película hasta ese momento, ‘In the Radiant City’ (2016), apenas había circulado fuera de los festivales.
La elección no ha podido ser mejor. ‘La vida soñada de Miss Fran’, horrorosa traducción del original ‘Sometimes I Think About Dying’, ha confirmado que Ridley sabe hacer mucho más que mover una espada laser (es su mejor interpretación hasta la fecha) y ha dado a conocer a una directora muy prometedora. Filmada en la costa de Oregon, en la melancólica Astoria (el pueblo de ‘Los Goonies’), Lambert utiliza los códigos estéticos del cine indie para narrar la historia de una introvertida oficinista que verá cómo su pequeño mundo de aislamiento y fantasías suicidas dará un vuelco cuando llegue un nuevo compañero de trabajo. Un romance tan delicado y tristón como el ‘Mysteries of Love’ de Julee Cruise que suena en un momento especialmente hermoso de la película. 8. Disponible: Filmin
¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret (Kelly Fremon)
En Estados Unidos es conocido como “el libro de la regla”, un clásico juvenil que lleva pasando de generación en generación desde 1970. Su autora, Judy Blume, siempre ha sido muy reacia a que sus libros se lleven al cine. Sin embargo, cuando apareció Kelly Fremon en el proyecto para adaptar ‘¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret’, no se lo pensó dos veces: nadie mejor que la directora y guionista de ‘Al filo de los diecisiete’ (2016) para llevarlo a cabo.
Blume tenía razón: la película es estupenda. Un divertido y tierno “coming of age” que describe con mucha sensibilidad y humor las convulsiones sentimentales y existenciales de una preadolescente (fabulosa Abby Ryder Fortson). Una chica que acaba de cambiar de ciudad (de Nueva York a un barrio residencial de Nueva Jersey), está experimentando los cambios de la pubertad y no sabe qué hacer con la religión: ¿ser cristiana como su familia materna, judía como la paterna, o dejar de creer en Dios? Un ejemplo de cómo hacer cine juvenil sin ñoñerías ni moralismos. 8. Disponible: Prime Video, Apple TV+
Los delincuentes (Rodrigo Moreno)
Después de su exitoso periplo festivalero, de Cannes a San Sebastián, y tras ser elegida por Argentina para los Oscar, ‘Los delincuentes’ tuvo un estreno fugaz en las salas españolas, donde la vieron exactamente 312 espectadores (datos de ICAA), algo ya habitual en este tipo de películas (fue también el caso de la extraordinaria ‘Trenque Lauquen’). Ahora, con su estreno en plataformas, debería encontrar su público.
Inspirada en el clásico argentino ‘Apenas un delincuente’ (1944), la nueva obra de Rodrigo Moreno (‘El custodio’) es una película de atracos de espíritu lúdico y bressoniano (hay una cita a ‘El dinero’), donde la intriga es lo de menos. Sobre la base del drama criminal, el director toma diversas desviaciones, tanto formales como narrativas, para articular un largo relato (tres horas de duración, aunque dividido en dos mitades), lleno de inventiva, que reflexiona y fantasea sobre la posibilidad de liberarse de las ataduras laborales y morales impuestas por el sistema capitalista a través del dinero. Esto es: robando a quienes roban, al banco. Peliculón. 8’5. Disponible: Filmin
Falcon Lake (Charlotte Le Bon)
Otro caso parecido al anterior. El notable debut de Charlotte Le Bon se estrenó de tapadillo el pasado verano y lo vieron poco más de mil espectadores (también se pudo ver en el Atlántida Film Fest). Adaptación muy libre de la novela gráfica ‘Una hermana’ (Diábolo, 2017) de Bastien Vivés, ‘Falcon Lake’ es un singular relato de iniciación atravesado por los códigos del género de terror. La película retrata un romance juvenil, un amor de verano entre un adolescente parisino y una chica algo mayor a quien conoce durante sus vacaciones en un lago de Quebec.
Lo que parece ser una tópica y nostálgica historia de crecimiento veraniego, con paseos en bici, botellones en el campo y primeras experiencias sexuales, se transforma, gracias a su delicada puesta en escena, la elección del formato 1:37 (que favorece la intimidad del relato), el punto de vista (siempre centrado en los dos jóvenes protagonistas, con los padres fuera de campo) y una sugerente banda sonora que acentúa el carácter fantástico de la narración, en un precioso cuento de fantasmas de esos que se cuentan a la luz de la hoguera. 7,7. Disponible: Filmin
Metronom (Alexandru Belc)
Uno de los debuts más celebrados de los últimos años. El rumano Alexandru Belc llegó a Cannes con su primera película de ficción y se llevó el premio al mejor director en la sección Un Certain Regard. ‘Metronom’ narra una historia de iniciación adolescente situada en Bucarest en 1972, en plena era Ceausescu. Gran parte de la película transcurre en una fiesta de estudiantes en la que se escucha “Metronom”, un programa musical clandestino conducido por el locutor exiliado Cornel Chiriac, que se emitía desde Alemania a través de la célebre Radio Free Europe.
Mientras suenan éxitos de Jimi Hendrix, Janis Joplin o The Doors, los estudiantes bailan, beben y hacen chistes sobre el dictador. Hasta que llega la Securitate, la brutal policía secreta del régimen. El director utiliza el formato cuadrado como forma de enfatizar la sensación de opresión y vigilancia a la que estaba sometida la sociedad rumana de la época y el infierno burocrático y los abusos de poder que tenían que sufrir si eran detenidos. ‘Metronom’ es un notable relato sobre el fin de la inocencia sentimental y política, sobre el decisivo peso que tiene el contexto sociopolítico en las relaciones humanas. 7,5. Disponible: Movistar+
Perro feroz (Jean-Baptiste Durand)
Otro debut fabuloso. ‘Perro feroz’ ha sido una de las revelaciones del año pasado en Francia, optando a siete premios Cesar y llevándose dos: Mejor ópera prima y actor revelación para Raphael Quenard, una de las estrellas emergentes del cine galo, quien, curiosamente, también estaba nominado como Mejor actor principal por ‘Yannick’ (disponible en Filmin).
‘Perro feroz’ es un cuento de verano, una historia de amistad y primeros amores situada en un pueblo del sur de Francia. El filme destaca por dos aspectos: el extraordinario guion firmado por el propio director, Jean-Baptiste Durand, un libreto lleno de sutileza, riqueza psicológica y profundidad dramática a la hora de retratar las relaciones entre los personajes (si no hubiera competido con ‘Anatomía de una caída’ seguramente hubiera ganado el Cesar), y la estupenda interpretación del trio protagonista: además de Quenard, Anthony Bajon (‘Atenea’, ‘Teddy’) y Galatea Bellugi (‘A fuego lento’), todos ellos nominados. Un director a seguir muy de cerca. 8. Disponible: Filmin, Apple TV
Vera (Tizza Covi, Rainer Frimmel)
Vera Gemma es una especie de Belén Esteban a la italiana. Una estrella del salseo y la telerrealidad, de llamativa presencia y rostro deformado por el bisturí, famosa por ser hija del sex symbol e icono del spaghetti western Giuliano Gemma. “Pobrecita, con lo guapo que era su padre”, cuenta Vera que ha escuchado miles de veces en su vida. Crecer a la sombra de un progenitor bello, famoso y talentoso es uno de los temas que explora este interesantísimo híbrido entre ficción, autoficción y documental, realizado por el matrimonio de cineastas italo-austriaco Tizza Covi y Rainer Frimmel.
El otro tema, desarrollado en una trama de ficción, nos habla también de relaciones paternofiliales, pero esta vez marcadas por la pobreza, la desestructuración familiar y la pequeña delincuencia. El chófer de Vera atropella a un niño pequeño, hijo de una familia humilde, y la celebrity decide ocuparse de él. Estas dos líneas argumentales y formales se mezclan y confunden hasta dar forma al retrato de Vera. Un retrato en el que intuimos, más que descubrimos, a la persona que se esconde tras el personaje. ‘Vera’ es un ejemplo de que puede haber más verdad en la ficción que en la realidad impostada del famoseo. 7,9. Disponible: Filmin
Flora y su hijo Max (John Carney)
Hay qué ver lo bien que se le dan a John Carney los musicales indies, el dominio que tiene del género. Tras darse a conocer con la deliciosa ‘Once’ (2007), poner a todo Hollywood a silbar melodías pop con ‘Begin Again’ (2013) y regresar a su Dublín natal (y al de su niñez, en los 80) en la notable ‘Sing Street’ (2016), el director y músico (ex bajista de The Frames) vuelve con otra película de melodía irresistible. Presentada con éxito en el festival de Sundance, Apple se adelantó a Amazon y pagó un pastizal por ella, como ya hizo con ‘CODA’ años atrás.
Eve Hewson (hija de Bono) y Joseph Gordon-Levitt (músico además de actor) son los protagonistas de esta comedia musical con toques de realismo social y mágico. Dos personajes frustrados -una madre soltera que trabaja como niñera y es incapaz de conectar con su hijo adolescente y un músico fracasado que se dedica a dar clases de guitarra online- a quienes la música les servirá como terapia, vehículo de conexión sentimental y trampolín vital. Carney sigue tocando los mismos acordes de siempre, pero la melodía sigue sonando igual de pegadiza y encantadora. 7,5. Disponible: Apple TV+
La mesita del comedor (Caye Casas)
Ha bastado un mensaje de Stephen King -«Creo que nunca, ni una vez en tu vida, has visto una película tan negra como esta”- para poner las expectativas por las nubes. ‘La mesita de comedor’ ha pasado de no conseguir apenas distribución en salas, a convertirse en un pequeño fenómeno en su estreno en streaming. Como suele ser habitual, no es para tanto.
‘La mesita de comedor’ parte de una premisa argumental muy potente. Caye Casas, conocido por la granguiñolesca ‘Matar a Dios’ (2017), realizada junto a Albert Pintó (‘Malasaña 32’, ‘Nowhere’), propone una situación enormemente audaz y macabra capaz de dejar al espectador con la mandíbula en el suelo. A partir de ahí, la película hace equilibrios entre la comedia negra, el thriller psicológico y el dramón conyugal. Aunque nunca se cae, su paso tampoco es demasiado seguro: la mezcla de tonos chirría un poco y algunos personajes (la niña, el vendedor) no están muy logrados. Aun así, incluso con la sensación de estar ante un corto alargado -hubiera sido un magnífico episodio de una antología de terror tipo ‘V/H/S’ o ‘El gabinete de curiosidades’- la película es bastante disfrutable. 6,9. Disponible: Filmin
Lana del Rey ha acudido a los premios Ivor Novello para recoger un galardón de reconocimiento. Allí ha dado un discurso sobre la importancia de que las mujeres tengan libertad para escribir sobre lo que quieran.
En relación a la acusación que recibió en su momento de «glamourizar» el abuso, parece ahora responder: «Fue muy estresante pensar que escribir sobre tus relaciones era algo que podía verse como gratuito, fingiendo vulnerabilidad. Escuché mucho de eso. Pero quiero decir que es algo muy vulnerable, no sólo para las mujeres. También para los hombres. He aprendido mucho en los últimos años de mis compañeros sobre cómo afrontar retos en la música».
También está siendo noticia una charla con BBC News en la que reconoce que no entiende por qué todavía no ha escrito ninguna canción para la banda sonora de James Bond. Lana entonces reconoce que en un momento dado escribió un tema para la saga, pero que fue rechazado. Y revela que se trata de ’24’, en su momento incluido en ‘Honeymoon’. «Lo escribí para ellos, pero Sam hiciste un trabajo maravilloso, de verdad».
Lana del Rey, por fechas, tiene que estar refiriéndose a ‘Spectre‘, y a la canción que Sam Smith escribió para aquella cinta, que no fue otra que ‘Writing’s on the Wall‘, a la postre premiada con un Oscar.
En cuanto a ’24’, es curioso recordar que en la reseña de ‘Honeymoon’ nos extrañaba la violencia que contenía su letra. «El día tiene solo 24 horas, y la mitad de ellas las pasas tumbado despierto / pensando en asesinato y masacre (…) Si te tumbas con perros, entonces cogerás pulgas», decía misteriosamente. La razón es que estaba pensando en James Bond. Os dejamos con el tema, cuyos arreglos ciertamente no pueden sonar más a las bandas sonoras clásicas de la película.
‘Interplay’ es el séptimo álbum de Ride, el tercero desde su regreso en 2015. Y siguen cómodos en esa posición un poco ajena al tiempo, como si su parón de 22 años no se hubiera producido y aún estuviéramos en el 2000 (por ejemplo). Si en su anterior álbum, ‘This Is Not a Safe Place’, había cierto conato de innovación, en ‘Interplay’ han dado un pasito atrás para autorreivindicarse (aún más) como unos de los padres del invento del indie pop/britpop/shoegaze.
Esta vez la producción no corre a manos de Erol Alkan, sino de un estrecho colaborador, Richie Kennedy. Lejos de querer llevarlos a nuevos derroteros, la producción navega cómoda entre sonidos de los primeros 90: la manera de cómo las voces de Mark Gardener y Andy Bell están semi-enterradas, la pátina, los redobles de batería, las guitarras ora vaporosas, ora lejanas, el uso puntual de sintetizadores añejos…
Ride dicen que para este disco les inspiró la pandemia, pero también la batalla legal contra su ex manager. Una batalla que, en palabras de Gardener: “amenazó a nuestra propia existencia”. Quizás por eso hay tantos temas acerca de la libertad, aunque la amenaza, el peligro, no llegue a palparse en los 58 minutos de duración. Un tanto excesivos, si me preguntan.
Las dos piezas iniciales de ‘Interplay’ son pura gloria pop venida desde la frontera de los 80 y 90. ‘Peace Sign’, pizpireta, pegadiza y alegre, es una canción clásica y brillante. Tiene la virtud de sonar hija de una época, como ese hit perdido que reaparece en una sesión de nostalgia de tu ex-discoteca favorita. ‘Last Frontier’ nos arrastra con otra poderosa introducción de batería, tiene un gancho entre ‘Heroes’ de Bowie, New Order y la épica de las bandas brumosas de finales de los 80. La voz de Bell suena tan juvenil, tan confortable, que te lleva a terrenos conocidos.
Las muy buenas sensaciones familiares prosiguen con ‘Light in a Quiet Room’, que parece que quiera acercarse a U2, pero no: acaba como un mantra de psicodelia a base de bajo y platillos. Y, sobre todo, ‘Monaco’, más buena épica ochentera sintética cargada de deliciosos sintetizadores, orgullosamente anacrónica: otro hit enterrado.
Con tan buena predisposición, una abraza el rollo Depeche Mode inicial de ‘I Came to See the Wreck’ y la sexy, desértica y morosa ‘Stay Free’, aunque su letra sea un poco topicazo (“stay free, stay golden (…) stay away from the darkness”). Pero, ay, el hechizo se rompe a partir de aquí.
La segunda mitad exagera demasiado esta sensación de familiaridad, lo que hace que cueste fijar la atención en los temas: como en ‘This Is Not a Safe Place’, el problema es la repetición. A Ride se les acaba el gas de fabricar canciones-ya-escuchadas-pero-memorables, y se quedan simplemente en las “ya escuchadas”. Quizás ‘Midnight Rider’ sea lo suficiente adictiva, gracias a su melodía, su garra y fuste nocturno y las voces de Bell y Gardener enlazadas, aunque la letra tampoco sea para enmarcar: “I’m a midnight rider / On my way to an unknown plane”.
El final es un poco aburrido por acumulación. ‘Essaouiria’ en vez de ser esa gran pieza de psicodelia para cerrar, acaba derivando en algo monótono, monotonía que infecta a la final ‘Yesterday Is just a Song’. Una vez más Ride son especialistas en demostrarnos que siguen siendo muy buenos en lo suyo: regalarnos algunas canciones que nos recuerdan a lo mejor del indie pop de finales de los 80 y primeros 90, pero no logran dar a todo el conjunto el mismo nivel de brillo.
El festival Coca-Cola Music Experience volverá los próximos días 13 y 14 de septiembre. Rauw Alejandro, Paul Thin, Ruslana, Violeta y Dennis son los últimos confirmados en un cartel formado por más de 25 nombres que mezclan el talento emergente y el consagrado tanto a nivel nacional como internacional. Myke Towers, Manuel Turizo y Chanel, entre otros, completan el line up. Los abonos ya están a la venta.
Rauw Alejandro abre la última tanda de confirmaciones como uno de los nombres más potentes del cartel. El puertorriqueño ha convertido sus dos últimos lanzamientos, ‘Santa’ y ‘Espectacular’, en dos absolutos hits y ya lleva un tiempo posicionado como uno de los referentes del género urbano a nivel mundial. Este continuará con la promoción de ‘PLAYA SATURNO’, que incluye temazos como ‘DILUVIO’ o ‘BABY HELLO’.
La nueva generación de OT también se ha sumado al cartel del festival. Tras conseguir el segundo puesto en la última edición, Paul Thin no ha hecho más que seguir ganando seguidores gracias a su carisma y ambición musical. El granadino nos pareció lo más interesante de la última edición del concurso musical y su primer single, ‘DÓNDE’, es prueba de ello. El dark pop y gabber que caracterizan a este lanzamiento serán recibidos con los brazos abiertos en Coca-Cola Music Experience.
Ruslana llegó a la final del programa gracias a una fuerza y presencia escénica especiales que también veremos en el escenario del festival. Sobre todo, cuando presente ‘Las chicas malas desafinan’, su primer trabajo después de la academia. El cartel no termina aquí con los concursantes de OT, ya que Violeta y Denna también se sumarán a la fiesta de Coca-Cola. Las granadinas acumulan millones de escuchas en sus lanzamientos y también presentarán sus trabajos más personales: ‘el x venir’ en el caso de Violeta y ‘404’ en el caso de Denna.
Rauw Alejandro, Paul Thin, Ruslana, Violeta y Denna se suman a un cartel con nombres estelares. Myke Towers es uno de los referentes del reggaeton y el trap latino a nivel mundial y presentará tanto sus mayores éxitos, como ‘Diosa’ o ‘Playa del Inglés’, como su último disco, ‘LA VIDA ES UNA’. Manuel Turizo se convirtió en uno de los artistas más grandes del mundo con ‘La Bachata’ y también estará presente en Coca-Cola Music Experience.
Desde el lado nacional y tras representar a España en el festival de Eurovisión de 2022, Chanel traerá su fuerza y pasión al escenario de Coca-Cola con ‘SloMo’ y ‘Clavaito’. Íñigo Quintero, con el inesperado pelotazo mundial de ‘Si No Estás’, y Judeline, con su irrepetible sensibilidad y buen gusto para mezclar estilos, también estarán presentes en la decimocuarta entrega del evento. Niña Polaca, Veintiuno, Michenlo, Besmaya, Almacor y Mar Lucas completan el resto de los confirmados, aunque todavía quedan nombres por anunciar.
Los abonos generales de “tramo 2” (60€+ GG) ya están a la venta hasta agotar existencias. Llegan tras haberse agotado en tan solo unas pocas semanas los abonos del tramo anterior, y pueden adquirirse directamente en la web oficial.
Lady Gaga está estrenando la película que filmó en su gira de macroestadios, ‘Chromatica Ball’, con la que realizó 20 shows hace un par de años. El tour tuvo que ser pospuesto por la pandemia, pero finalmente pudo realizarse. Ahora, Lady Gaga ha acudido a un preestreno de la cinta que llegará a lo largo del fin de semana a HBO, y en el evento ha dado algunas pistas sobre la música que está preparando.
Al tiempo que se despide de la era ‘Chromatica’ con esta première, advierte que la nueva música será «totalmente diferente», pues al mismo tiempo su último disco y aquella gira fue «un principio y el final de una etapa».
“He estado trabajando en mi música en todo momento. No puedo esperar a que mis fans lo puedan escuchar. Odian cuando digo “pronto”, pero será “pronto””, bromea. Cuando le preguntan si la era será distinta a ‘Chromatica’, dice que será «completamente diferente».
Finalmente, sobre la rumoreada secuela de ‘Telephone’ con Beyoncé, Lady Gaga dice que cuando Beyoncé la “llame”, “cogerá el teléfono”. Está, pues, en el tejado de Beyoncé. Podéis ver el vídeo con la entrevista en ETOnline.
Rauw Alejandro ha demostrado en el pasado que no tiene miedo a salir de su zona de confort, que cada vez es más amplia. En ‘Touching The Sky’, el puertorriqueño se mete en el lado más pop del funk.
Su último single, ‘Espectacular’, no mostraba ningún cambio tan brusco en lo musical, al ser dirigido por el productor Sky Rompiendo. Sin embargo, ‘Touching The Sky’ parece ser un intento de replicar el éxito de ‘Todo de Ti’. Es inmediata, fácil de escuchar y, aunque no es tan pegadiza como la canción de 2021, es un cambio de estilo que sorprende y se agradece.
Rauw canta sobre tocar el cielo acompañado de unas guitarras funky a lo Nile Rodgers, que no está en el tema, pero tampoco sería su primera vez colaborando con el autor de ‘PLAYA SATURNO’. «Por ti de un paracaídas yo me arrojo / Mi corazón antes estaba gris, ahora es rojo», entona Alejandro, que le vuelve a cantar al amor. Por otro lado, en el videoclip podemos ver a Rauw exhibiendo sus mejores movimientos de baile por las calles de Nueva York, con un aire a lo ‘West Side Story’.
Hoy publican sus nuevos discos Nathy Peluso, Los Estanques, Vince Staples, Paul Weller, Mala Rodríguez, DIIV, Twenty One Pilots, Lenny Kravitz, Wallows y La Luz, que además presentan en Tomavistas este mismo fin de semana. Puedes escuchar un pedacito de todos ellos en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend.
Zahara ha producido el nuevo tema electro de Chica Sobresalto y Vicco saca el bonus track de ‘Noctalgia’, que se llama ‘Tonteando’. Aunque para electro el tema que estrena Masoniería desde Austrohúngaro, ‘Quiero ser tu novia’.
Entre los valores nacionales, vuelven Carolina Durante con sonido sorprendente y hay estrenos de Los Punsetes, San Tosielo, Veintiuno, Muerdo, Ruinosa y las Strippers de Rahola y La Plazuela, entre otros. Varios artistas sacan temas en torno a Madrid: Parquesvr, Delaporte y Sidecars.
También hay novedades de totems del streaming como Rauw Alejandro, Rvfv, Trueno y Tiago PZK. Drake se aparece en un tema de Sexyy Red. Bad Gyal estrena remix de ‘Perdió este culo’ con Ivy Queen, y Becky G con Mura Masa.
Otros que estrenan canción son SIMONA, NIA, Rag’n’Bone Man, Pinkpantheress y Alfie Templeman y un largo etcétera. Entre ellos, Charlie Puth, que lanza el tema ‘Hero’ animado por la reivindicación de Taylor Swift. Comenzamos con el comeback de Nelly Furtado, en el que se ha acompañado de Tove Lo y SG Lewis.
Nathy Peluso ha lanzado su nuevo disco, ‘GRASA’. El esperado tercer LP de la artista argentina ha llegado con un vídeo temático para cada canción y con la fuerza que siempre ha caracterizado a la cantante. ‘LEGENDARIO’ es uno de los cortes más inmediatos y nuestra Canción del Día.
‘GRASA’ contiene colaboraciones de todo tipo, desde Duki, Ca7riel & Paco Amoroso y Lua de Santana, hasta un interludio protagonizado por C. Tangana. También sorprende ver a Blood Orange en el tracklist. Sin embargo, en el focus track del álbum la cantante argentina no necesita a nadie más para brillar.
Sobre un atareado beat con toques de principios de los 2000, a lo Kanye o Timbaland, Nathy enumera sus múltiples logros y muestra una ventana a su estilo de vida. «Me tomé siete pastillas para ir a dormir / Todo el mundo dice: «Nathy, ¿qué te pasa?», canta en el principio de la canción. Mientras lo hace ‘LEGENDARIO’, la argentina no pierde su distintivo humor: «Cara de resaca y tengo que salir, con los paparazzis en la puerta de mi casa».
La Sandunguera tampoco se olvida de sus detractores en su nuevo banger con un verso centrado en el rap. «No apostaban y clasifiqué / Me girabas cuando te llamaba, ¿y ahora qué?», rapea la argentina, que nos recuerda que ganó un Grammy haciendo justamente esto: rapear. Antes de meterse de lleno en el potente estribillo, Nathy mete un chute de confianza: «No me queda casi nada que perder / Y si lo pierdo será haciéndolo legendario».
Billie Eilish ha cuestionado su segundo disco, ‘Happier than Ever‘, durante una entrevista con Zane Lowe en Apple Music. La artista se encuentra promocionando su nuevo álbum, ‘HIT ME HARD AND SOFT‘, nuestro Disco de la Semana. Por tanto, es lógico que, como todos los artistas, construya el relato de que en esta obra, ahora sí que sí, se ha encontrado a sí misma. Aunque eso se lleve por delante alguna obra anterior.
Ha dicho sobre ‘Happier than Ever’, hablando de cómo lo compuso junto a Finneas: «Éramos dos personas a las que les habían dicho las cosas más bonitas imaginables y nos sentamos a hacer estas canciones. Recuerdo que nos sentábamos y decíamos «somos tan buenos…» Estas canciones las trabajábamos durante un día y decíamos «ya está»».
Añade: «no pusimos demasiado en el disco. Por eso hay 16 canciones. Nadie necesita esa cantidad de canciones. Además de venir de ese lugar de «somos tan buenos, esto suena tan bien», al menos para mí, suponía no saber quién era realmente. Y ‘HIT ME HARD AND SOFT’ es casi el reverso de eso. Es más algo así como «no sé si lo que estamos haciendo es bueno en absoluto. Puede que sea terrible. Y ahora cuando lo pienso, me digo: «sí, me siento a gusto consigo misma»».
Por supuesto, ‘HIT ME HARD AND SOFT’ representa el descubrimiento sexual de Billie Eilish. ‘LUNCH’ es la primera canción que dedica a una chica, y que suena explícita. Pero también es cierto que la artista está siendo demasiado dura consigo misma. Quizá afectada, aunque sea inconscientemente, por que su debut ganó el Grammy a Álbum del Año, y ‘Happier than Ever’ perdió contra una cosa tan inocua como ‘We Are’ de Jon Batiste.
‘Happier than Ever’ se abría con una composición llamada ‘Getting Older’, publicada cuando la artista aún no había cumplido los 20 años. Era un disco variado, más allá de la gracieta de llamar un tema ‘Billie Bossa Nova’, y algo disperso. Jordi Bardají escribía en su crítica, puntuada con un 7,9 sobre 10, que en el largo «Billie intenta unificar unas canciones bastante distintas entre sí. A veces lo consigue y otras no». También, sobre lo de las 16 canciones, que con «sus aventuradas producciones queda claro que el segundo disco de Billie Eilish está hecho para callar bocas, pero sigue sin ser del todo redondo debido a que su secuencia es larga de más».
El nuevo álbum, por el contrario, tiene solo 10 cortes, claros, distinguibles, y concisos. Es evidente que el cambio le ha sentado muy bien y las cifras empiezan a acompañar. Según pasan los días, parece que a la buena recepción de ‘LUNCH’, hay que sumar la de ‘CHIHIRO’ y ‘BIRDS OF A FEATHER’. Pero además es que ‘BLUE’ y ‘L’AMOUR DE MA VIE’ están ganando cada vez más enteros. Así que sí, definitivamente este disco es mejor que el segundo.
Está bien tener criterio, avanzar y no reconocerte en errores del pasado, pero tampoco hay que quitar méritos a lo que se hizo mejor que OK en su momento. Especialmente el tramo final de ‘Happier than Ever’ era apabullante, desde el minimalismo de ‘Your Power’ hasta el subidón hacia la mitad de ‘Happier than Ever’ -que tanto debe de haber gustado a Olivia Rodrigo-, pasando por la electrónica de ‘NDA’ -muy importante para el desarrollo del nuevo álbum- o aquel ‘Therefore I Am’ de vídeo inenarrable.
Sería una pena que todas estas canciones desaparecieran de su setlist. En otoño, cuando comience su gira -que no llega a España hasta junio de 2025-, averiguaremos cuáles son las composiciones de ese segundo disco que Billie tiene en mejor estima.
“Esta no es una película sobre Los Planetas” asegura el tagline con el que se ha promocionado ‘Segundo Premio’, la última película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez (‘Quatretondeta’) ganadora de la Biznaga de Oro a la Mejor Película en el Festival de Málaga. El motivo de la elección de esta frase puede ser justificar las licencias narrativas que se habrán tomado los cineastas al trasladar esta historia a la pantalla, pero lo cierto es que a efectos prácticos, estamos completamente ante una película sobre Los Planetas, la mítica banda española que surgió a mediados de los 90 con un sonido que reflejaba muy bien las tendencias internacionales del momento, pero que resultaba tremendamente novedoso en el panorama nacional.
Es bastante complicado catalogar el cine de Isaki Lacuesta, ya que en cada proyecto el cineasta parece desprenderse de todo lo empleado en el anterior y tiende a renovarse tanto en fondo como en forma. Poco tiene que ver el drama intimista ambientado en los pirineos de ‘La próxima piel’ con el retrato de las secuelas imborrables que trajo consigo el atentado terrorista en la sala parisina Bataclán que plasma ‘Un día, una noche’. ‘Segundo premio’ vuelve a distanciarse de sus predecesoras ofreciendo una suerte de biopic sobre los orígenes del grupo granadino, centrándose concretamente en el proceso creativo de su tercer álbum, ‘Una semana en el motor de un autobús’.
La película muestra un momento crítico para la banda, cuando la bajista decide dejar el grupo para centrarse en sus estudios y el guitarrista se encuentra envuelto en una espiral autodestructiva de drogas y alcohol de la que no puede salir. Lacuesta y Rodríguez ponen principalmente el foco en reflejar la amistad y el respeto que se tienen estas personas entre ellas, por mucho que haya decisiones o actitudes que el protagonista no pueda comprender o que den pie a acaloradas discusiones. En cierta manera, es una película sobre la comprensión y, sobre todo, sobre el poder del proceso creativo.
Daniel Ibañez y Cristalino otorgan a sus personajes veracidad, ofreciendo interpretaciones que elevan los momentos en los que la película decae, ya que pese a que está narrada con un ritmo ágil y una palpable pasión por lo que está contando, hay pasajes narrativos en los que se estanca. Un mayor atrevimiento le hubiera sentado bien a un filme que muy a menudo juega demasiado sobre seguro, siguiendo una estructura excesivamente convencional. Es cierto que durante gran parte del metraje funciona de forma efectiva, pero termina siendo un retrato tan entretenido como finalmente olvidable.
El desgaste narrativo es particularmente notorio en un tercer acto que no consigue terminar la odisea en un punto memorable. Aun así, ‘Segundo premio’ no es en absoluto desdeñable, pues cuenta con secuencias atractivas, una interesante historia detrás y, por supuesto, una gran banda sonora, pero sí hubiera necesitado algo más de esa rebeldía y arrebato que ha llevado a Los Planetas tan lejos.
Alberto de Miss Caffeina, María Peláe, Jedet, Javiera Mena y Diana Navarro son los artistas protagonistas de ‘Lo que soy’, el concierto especial que ha organizado RTVE Play, en colaboración con la Orquesta y Coro de RTVE, el próximo 28 de junio por el Día Internacional del Orgullo. Las entradas del show ya están a la venta.
‘Lo que soy’ pretende conmemorar un siglo de música LGTBIQ+ con versiones de artistas tan diversos como Concha Piquer, OBK, Mecano o Rosalía. El concierto tendrá lugar el próximo viernes 28 de junio en el Teatro Monumental de Madrid a partir de las 19:30 horas. El 2 de julio estará disponible en RTVE Play.
Bajo la dirección musical de Federico Jusid, el evento estará dividido en tres actos, cada uno representando «momentos cruciales de la historia del colectivo»: la represión, la conquista del amor y la conquista del ser. Paco Tomás, Nerea Pérez de la Heras t Hugáceo Crujiente se encargarán de abrir cada parte con un monólogo a modo de contexto.
Continúa el ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou, por ejemplo, con el show de Chezz en Fulanita de Tal hoy jueves 23 de mayo, el de Tatiana Delalvz en Siroco el 28 de mayo, o el de Sazza en Vesta el próximo jueves 30 de mayo.
Tras acumular cientos de miles de reproducciones con canciones románticas de pop urbano, R&B y pop a secas como ‘22:22’ o ‘Como te desconozco’, Sazza tiene nueva música. La artista valenciana publica esta noche su EP ‘Nómada’, presentado por singles tan solventes como el medio tiempo ‘En el cielo’ -que recuerda un amor que pasó, a través de un cigarro compartido o de un mensaje de voz- o la destacable ‘Copia de nosotras’.
En ’Copia de nosotras’, Sazza trata de convencer a una ex de que lo suyo ya quedó atrás, sobre una dulce guitarra que va tornando en beat electropop. El tema empieza en plan balada, pero termina en plan Robyn: “Es por tu bien / Que pena que no dejes de buscarme / Que pena que no supiste querer / Y sé que ahora no lo ves pero te digo / Que es por tu bien”.
El EP incluirá estos temas:
1.-En el cielo
2.-Copia de nosotras
3.-Bala perdida
4.-Tu perfume
5.-Casi te vas
Aparte de este show en Madrid, aguardan a Sazza el 8 de junio Razzmatazz 2 en Barcelona y el 14 de junio Volander, en Valencia.
Clairo ha anunciado que su tercer disco, ‘Charm’, estará disponible el próximo 12 de julio. Además, la cantautora estadounidense también ha lanzado el primer adelanto del disco, la sugerente ‘Sexy to Someone’.
Al igual que en ‘Sling’ e ‘Immunity’, Clairo también ha construido este LP con un único productor. En ‘Immunity’ fue Rostam Batmanglij, en ‘Sling’ el elegido fue Jack Antonoff y ‘Charm’, según ha anunciado la compositora en redes sociales, está producido por Leon Michels, de El Michels Affair.
«Sexy para alguien, es todo lo que quiero», canta Clairo en este nuevo adelanto. Junto a unos arreglos de piano y viento, y una percusión totalmente de pop, Claire Cottrill canta sobre el deseo de causar deseo en otra persona, o incluso en «algo».
Tracklist:
1. Nomad
2. Sexy to Someone
3. Second Nature
4. Slow Dance
5. Thank You
6. Terrapin
7. Juna
8. Add Up My Love
9. Echo
10. Glory of the Snow
11. Pier 4
Beyoncé ha recibido una demanda de copyright por ‘Break My Soul’, aunque la infracción no proviene directamente del hit de ‘RENAISSANCE’. Ha sido una banda de Nueva Orleans llamada Da Showstoppaz los que han decidido presentar cargos sobre la cantante de ‘Cowboy Carter’, todo a raíz del sample que aparece en la canción.
El origen del problema está en el sample vocal de la canción ‘Explode'(2014), de Big Freedia, que aparece repetidamente en ‘Break My Soul’. Concretamente, la parte que dice «release ya wiggle». La banda demandante ha declarado que Big Freedia robó parte de la letra de su tema ‘Release A Wiggle’, lanzada en 2002. Aunque Beyoncé sampleó a Big Freedia de forma legal, esto le ha pillado por sorpresa.
Los miembros de Da Showstoppaz alegan que ‘Explode’ sacó las letras, melodías y arreglos de su propia canción, lo cual hace que su aparición en ‘Break My Soul’ también sea perjudicada. En el documento legal, además de Beyoncé y Big Freedia, Jay-Z y Sony Music también figuran como acusados. Da Showstoppaz piden aparecer en los créditos de la canción y una indemnización por ‘Break My Soul’ y ‘Explode’, además de regalías para futuras licencias de ambos temas.
«Los acusados utilizaron las palabras, melodía y arreglos musicales de los demandantes para crear un álbum a modo de homenaje al ‘tío Johnny’ que expuso la música y la cultura de la comunidad LGTBQ de Nueva Orleans, con la cual están fuertemente relacionados tres miembros del grupo, en todo su esplendor: el tono, las palabras, la melodía y los arreglos de la música bounce», se lee en la demanda recogida por Rolling Stone.
Villagers, el proyecto folkie del irlandés Conor O’Brien, tiene la peculiaridad de adornar su música con detalles de electrónica y texturas diferentes. Por mucho que Spotify abrazara su sesión acústica de ‘Nothing Arrived’, las bondades de su música hay que buscarlas en producciones más complejas como ‘A Trick of the Light‘.
‘That Golden Time’, su 6º disco, nos da más de esto último a través de temas tan intrigantes como ‘Truly Alone’, tan atmosféricos como ‘Keepsake’ o tan cambiantes como ‘Behind That Curtain’, que sorprende en su coda. El álbum contrapone -según las propias palabras del artista- romanticismo frente a realismo. Se pregunta el bueno de Conor «cómo puedes tener ideas ambiciosas sobre ti mismo y el mundo que te rodea, mientras te enfrentas a una realidad dura y fría».
De ahí que ‘Truly Alone’ conduzca el álbum hablando de «dar tu amor a cambio de nada». O que el single ‘You Lucky One’ sea un constante tira y afloja en una relación marcada por la incomunicación y la desconfianza. Dicotomía con que también juega el folk de ‘First Responder’, en la que no pasan desapercibidas las voces de fondo de Mali Llywelyn: «yo apunto mi pistola mientras tú apuntas a la brillantez. Aprendo sobre lesiones, mientras tú aprendes resiliencia».

Esta canción se eleva en su final marcado por las cuerdas, como también a continuación ‘I Want What I Don’t Need’. Sería reduccionista concluir que su título lo dice todo, porque lo mejor es la delicadeza con la que la voz de O’Brien danza con el violín, la viola y el violonchelo de Peter Broderick, Annemarie McGahon y Davide Forti. Igualmente los arreglos adornan un tema llamado ‘No Drama’, que sí incluye bien de drama en uno de sus tramos.
Esta vez Villagers no ha construido unos sencillos identificativos como los de sus primeros tres discos, que le valieron tres números 1 en Irlanda consecutivos en las listas de álbumes. Algo que suple con muy buena base, comenzando por la mencionada ‘You Lucky One’, terminando con la notable ‘Money on the Mind’, marcada por el violonchelo; y dejando en medio temas tan tarareables como ‘That Golden Time’, o canciones tan amables como ‘Brother Hen’. Un delicioso retrato de cotidianidad, quizá con cierto trasfondo ex religioso. Villagers actúa el sábado 25 de mayo en Tomavistas.
A pocos días de que Liam Gallagher recorra arenas de Reino Unido e Irlanda repasando los temas de ‘Definitely Maybe’, se anuncia al fin la reedición del disco. No, no hay reunión de Oasis a la vista.
Como sabes si estás leyendo esto, se celebra el 30º aniversario del que fue el debut de Oasis. En él aparecían himnos imperecederos como ‘Supersonic’ y ‘Live Forever’, junto a joyas perdidas como ‘Slide Away’.
La reedición saldrá el 30 de agosto incluyendo la remasterización de las canciones de 2014, ahora junto a las sesiones de grabación descartadas de los Estudios Monnow Valley y otras de Sawmills Studios. Han sido mezcladas por primera vez por Noel Gallagher y Callum Marinho. También habrá notas adicionales en el libreto de Alan McGee de Creation Records y del periodista Hamish MacBain. Será un doble CD o un cuádruple LP, aunque habrá varias ediciones con matices para elegir.
Volume 1
1. ‘Rock ‘n’ Roll Star’ (Remastered)
2. ‘Shakermaker’ (Remastered)
3. ‘Live Forever’ (Remastered)
4. ‘Up In The Sky’ (Remastered)
5. ‘Columbia’ (Remastered)
6. ‘Supersonic’ (Remastered)
7. ‘Bring It On Down’ (Remastered)
8. ‘Cigarettes & Alcohol’ (Remastered)
9. ‘Digsy’s Dinner’ (Remastered)
10. ‘Slide Away’ (Remastered)
11. ‘Married With Children’ (Remastered)
Volume 2
1. ‘Rock ‘n’ Roll Star’ (Monnow Valley Version)
2. ‘Shakermaker’ (Monnow Valley Version)
3. ‘Live Forever’ (Monnow Valley Version)
4. ‘Up In The Sky’ (Monnow Valley Version)
5. ‘Columbia’ (Monnow Valley Version)
6. ‘Bring It On Down’ (Monnow Valley Version)
7. ‘Cigarettes & Alcohol’ (Monnow Valley Version)
8. ‘Digsy’s Dinner’ (Monnow Valley Version)
9. ‘Rock ‘n’ Roll Star’ (Sawmills Outtake)
10. ‘Up In The Sky’ (Sawmills Outtake)
11. ‘Columbia’ (Sawmills Outtake)
12. ‘Bring It On Down’ (Sawmills Outtake)
13. ‘Cigarettes & Alcohol’ (Sawmills Outtake)
14. ‘Digsy’s Dinner’ (Sawmills Outtake)
15. ‘Slide Away’ (Sawmills Outtake)
16. ‘Sad Song’ (Mauldeth Road West Demo, Nov’ 92)
Tomavistas anunciaba a principios de semana en sus redes sociales que solo quedaban 300 abonos a la venta. Ya serán algunos menos. Es la edición más importante del festival madrileño, que da el salto a la Caja Mágica y presenta su cartel más internacional. Si otros años se apostó por el talento nacional -y con acierto, recordemos los shows multitudinarios de Rigoberta Bandini o Alizzz-, este año es el del reencuentro a lo grande con la música alternativa de otros países.
El festival informa de que la línea 3 de Metro estará abierta tanto en la madrugada del viernes al sábado, como la del sábado al domingo, hasta las 3:30 horas. Conectará San Fermín-Orcasur con Sol. Estas son las recomendaciones imprescindibles de JENESAISPOP.
Belle and Sebastian: el indie puro
Uno de los reencuentros más felices que podremos vivir en Tomavistas será el de Belle and Sebastian con su audiencia. El grupo publicó el año pasado un nuevo disco llamado ‘Late Developers’ y también ha incorporado a su repertorio el single reciente ‘What Happened to You, Son?’. Un setlist que se sigue nutriendo de temas de discos como ‘The Life Pursuit’ y ‘Dear Catastrophe Waitress’, así como de alguna reliquia de los años 90.
Phoenix: hits indiemainstream
Antes de que el concierto gratuito en Barcelona de Phoenix, inaugurando el Primavera Sound, inunde tu muro la semana que viene, el grupo de Versalles actuará en Tomavistas. El grupo no visitaba Madrid desde hacía 6 años y de hecho en 25 años de carrera solo han estado en la ciudad en 4 ocasiones. ‘Alpha Zulu‘, uno de los discos más infravalorados de 2022, sigue siendo su última entrega, que presentan con «una espectacular producción», según la nota del festival. Será el sábado a la 1.15 de la madrugada, cerrando esta edición.
The Blaze: la electrónica
Un día antes, los encargados de cerrar la jornada de viernes serán The Blaze. Guillaume y Jonathan Alric visitan por primera vez Madrid, consolidados como uno de los nombres internacionales más importantes de la electrónica bailable a la par que meditativa. Éxitos como ‘TERRITORY’ y ‘EYES’ les avalan, así como otras canciones contenidas en su disco de 2023, ‘JUNGLE’. El dúo acaba de actuar, por cierto, en un escenario tan sublime como el del Royal Albert Hall de Londres.
Hurray for the Riff Raff: el country
El proyecto de Alynda Segarra saldará una cuenta pendiente con Tomavistas, pues hace unos años se anunció su nombre pero no pudo llegar a actuar. Su noveno álbum, ‘The Past Is Still Alive‘, será uno de los mejores discos de 2024, gracias a la inmediatez de canciones como ‘Alibi’ y ‘Hawkmoon’, así como a preciosidades como ‘Buffalo’ y ‘The World Is Dangerous’. Perfectas para la tarde del sábado, cuando toca, a las 19.25 horas. Es, por cierto, su único show en España.
The Jesus and Mary Chain: el noise
The Jesus and Mary Chain no solo nos visitan para realizar su habitual repaso de grandes éxitos -que también, imaginad un concierto suyo sin ‘Just Like Honey’ o ‘Happy When It Rains’-. Presentan un digno nuevo álbum, ‘Glasgow Eyes’, del cual hay dos temas que se han asentado en su repertorio reciente, ‘Jamcod’ y ‘Chemical Animal’.
Dinosaur Jr: 40º aniversario
J. Mascis es toda una institución en el underground anglosajón, lo mismo que Lou Barlow y Murph. Les acreditan décadas al frente de Dinosaur Jr: los tres cumplen 40 años en la formación este 2024. Por eso están realizando una gira mundial que en España solo recaerá en Tomavistas, con detenimiento especial en canciones de discos como ‘You Are Living in Over Me’ (1987) o ‘Where You Been’ (1993), pero también de otros.
Laetitia Sadier… ¿y Monade?
La encargada de abrir la jornada de sábado a las 17.25 será Laetitia Sadier con The Source Ensemble. La que fuera vocalista de Stereolab presenta por primera vez en Madrid su nuevo disco, ‘Rooting for Love’, en el que continúa explorando los caminos del kraut pop, la chanson, el jazz, Brasil, etcétera. Su repertorio no suele incluir temas de Stereolab, pero sí de su otro proyecto Monade.
Georgia: la fiesta del sábado
La niña de nuestros ojos es Georgia Barnes, capaz de componer y producir algunos pepinacos de electropop en la estela de Robyn, pero con personalidad propia. Si de alguna manera ‘Euphoric’ (2023) pudo decepcionarte tras la contundencia de ‘Seeking Thrills’ (2020), puedes dejarlo atrás. La reconciliación en el tema reciente ‘Too Much Too Little’ ha sido absoluta.
Joe Goddard: la fiesta del viernes
Su colega Joe Goddard de Hot Chip actuará un día antes que Georgia, el viernes. El DJ y productor presenta un nuevo álbum que se titulará ‘Harmonics’. El disco contará con colaboraciones como las de Ibibio Sound Machine, Tom Mcfarland de Jungle o el mismísimo Alexis Taylor. De momento se han revelado los singles ‘Moments Die’ y ‘New World (Flow)’.
Alizzz: el presente
Que Tomavistas nos traiga más de una decena de artistas internacionales de enorme interés no significa que se descuide el menú nacional. Están Standstill, Baiuca, Los Estanques, Adiós Amores, Cariño, Derby’s Motoreta’s Burrito Cachimba -que acaban de ser número 1 en España-, Pipiolas, Melenas, Hinds presentando su nuevo disco como dúo… Destacamos a Alizzz, que presenta por primera vez en Madrid su nuevo álbum ‘Conducción temeraria’. De nuevo será uno de los mejores del año, como ya logró su debut.
Alcalá Norte: el hype
Dry Cleaning han tenido que cancelar su actuación en el último momento por motivos de salud. Una pena porque venían a presentar la reedición de sus dos primeros EP’s. La organización ha estado rápida fichando al hype nacional del momento. Alcalá Norte tendrán la oportunidad de presentar su particular post-punk, marcado de matices y letras icónicas, ante un público masivo este viernes a las 21.30.
Los Planetas tocando ‘Súper 8’: la nostalgia
Aunque sin Eric y Banin, la gira de Los Planetas tocando su debut ‘Súper 8’ es uno de los grandes acontecimientos festivaleros del año. Es una oportunidad de reencontrarse con himnos como ‘De viaje’ o ‘Qué puedo hacer’. En Madrid J y Florent actuarán el viernes 24 y, si se repite lo visto en otros escenarios como Warm Up, lo que veremos será una presentación del disco al completo, junto con algún tema más de aquella época (‘Nuevas sensaciones’, ‘Hermana pequeña’) y algún avance del que fue su segundo álbum…
Charlie Colin, bajista original de Train, ha muerto a los 58 años tras sufrir un accidente doméstico. Ha sucedido en Bruselas, donde estaba cuidando la casa de un amigo. Ha resbalado en la ducha y ha fallecido, como informa TMZ. Su cuerpo fue encontrado cuando su amigo volvió a casa la semana pasada, tras 5 días fuera, pero se desconoce cuándo ha tenido lugar el accidente exactamente.
La madre de Charlie Colin ha informado de que el artista se había mudado a Bruselas para dar una master class en un conservatorio de la ciudad, mientras trabajaba en una banda sonora.
Charlie Colin fue bajista de Train entre 1993 y 2003, lo que significa que participó en algunos de los pasos más exitosos de la banda estadounidense. Eso incluye su segundo disco ‘Drops of Jupiter’, que fue triple platino en Estados Unidos, animado por el éxito de su canción titular.
En 2003 fue expulsado de Train por sus problemas con las drogas, y ya no participó de su resurrección en 2009, ‘Save Me, San Francisco’, donde se encuentra el mayor éxito de la carrera de Train, ‘Hey, Soul Sister’.
Aun así, sus compañeros de Train han compartido un sentido homenaje en las redes sociales, recordando cómo se enamoraron de él en cuanto lo vieron. “Era LA persona más dulce y un tipo tan guapo que montar una banda parecía lo único razonable que podíamos hacer. Su manera única de tocar el bajo y bonito trabajo a la guitarra nos ayudó a darnos a conocer en San Francisco y más allá. Siempre ocupará un lugar cálido en nuestro corazón”.
Nelly Furtado llevaba tiempo -demasiado, quizás- avanzando que, para su regreso, quería sumergirse en la pista de baile. Y es que le ha reconfortado comprobar cómo los DJ’s seguían pinchando su música (‘Promiscous’ ha sido un viral), que continuara haciendo a las masas sentirse mejor.
‘Love Bites’ ha llegado al fin, sin decepcionar en absoluto. No sabemos cómo la tratará la dictadura de las playlists, pero de haber sido el primer single post-‘Loose’ habría sido un hit. En ella se ha hecho acompañar de las personas adecuadas, Tove Lo y SG Lewis, para una producción de EDM elegante, con un fuerte contenido sexual. El amor no sólo «muerde» sino que la letra nos habla de alguien que es «muy bueno con la boca».
Esa sensualidad se ve reforzada por un potente estribillo («Go ahead, go ahead now») y los significativos beats de SG Lewis. Tanto este como Tove Lo parecen comerse por momentos a Nelly Furtado, pero al menos esta vez podemos decir que la compañía era la adecuada.
Por su parte, Furtado llevaba tiempo preparando su comeback y, en los últimos meses, ha dado salida a varios y diversos lanzamientos musicales pensados para tocar la fibra nostálgica del público. De una colaboración house con Dom Dolla llamada ‘Eat Your Man’, Furtado pasaba a aliarse de nuevo con Justin Timberlake y Timbaland en ‘Keep Going Up’. Su estreno más reciente era un nuevo dueto con Juanes, ‘Gala y Dalí’. De su disco se sabe que contendrá otras colaboraciones como las de Bomba Estéreo y Charlotte Day Wilson, entre otros.
Tom Hanks le ha hecho a su hijo Chet la pregunta que más han tenido que responder los fans del hip hop durante las últimas semanas. El beef -o la batalla, o la pelea, como quieras- entre Drake y Kendrick Lamar ha trascendido totalmente el ámbito del rap y se ha convertido en material de debates éticos, memes y euforia social. «¿Me puedes explicar el embrollo?», pregunta el laureado actor.
La respuesta de su hijo lo resume tan bien que queda todavía más claro lo absurdo que ha sido todo. La reacción del padre ignorando el ladrillo de texto de su hijo es la más normal: «¿Hay bandos? ¿Quién gana?». Como no tiene mucho sentido explicarlo todo, nos centramos en lo importante. Estos son los momentos más surrealistas del beef de rap más importante desde Tupac y The Notorious B.I.G.
No queda vivo ni el apuntador
El mal rollo entre Drake y Kendrick empezó en 2013. Desde entonces, el canadiense le ha dedicado al californiano mil mensajes subliminales en sus canciones. Kendrick le odia de corazón. Por eso se unió a Metro Boomin y Future para prender la llama de la pelea en ‘Like That’. Esto de que sus amigos se junten para hundirle, a Drake no le ha sentado bien, y a lo largo de toda la contienda también ha dedicado líneas a estos dos, pero también a The Weeknd, Rick Ross y ASAP Rocky. «¿Qué coño es esto? ¿Un 20 contra 1?», cantaba Drake en ‘Push Ups’, su primer dardo.
Sin duda, la más icónica línea de estas es la que le dedica al aclamado productor: «Metro, shut yo’ hoe ass up and make some drums». Claro y conciso. Y eso es justamente lo que hizo el de St. Louis, creando el primer diss beat de la historia, dedicado al culo de Drake. Algunos también han señalado su visionaria incorporación de la IA en el tema.
«Tupac» y Snoop Dogg se unen al beef
Después del primer lanzamiento de Drake, no había ninguna noticia de Kendrick. Esto duró algunos días, así que Drake se aburrió y pensó en sacar un tema con el único objetivo de provocar la reacción de Lamar. ‘Taylor Made Freestyle’ empieza con un verso del mismísimo Tupac (versión IA) pidiéndole a Kendrick que rompa su silencio: «Kendrick, te necesitamos, el salvador de la costa oeste».
Con un característico flow de Drake, Snoop Dogg se une a la fiesta en el segundo verso: «Tienes que enseñarle a este puto búho quién es el jefe en el oeste». La reacción de este en Instagram no tiene desperdicio («They did what?»). En la última parte, Drake manda un saludo a la persona que da título a la canción: «Un saludo a Taylor Swift, la gangster más grande de la música».
El ODIO de Kendrick a Drake
En ‘Push Ups’ y ‘Taylor Made Freestyle’, por parte de Drake, y en ‘euphoria’ y ‘6:16 in LA’, por parte de Kendrick, los insultos fluyeron de forma constante, pero competitiva. Drake le llamó enano a Kendrick y este se rio de su acento canadiense. De eso, pasamos a acusaciones de violencia de género, pedofilia e hijas desatendidas. Kendrick ya dejó claro en ‘euphoria’ que era el mayor hater de Drake del mundo: «Odio cómo andas, cómo hablas y odio cómo te vistes». Esta parece la única razón por la que un artista de su talla se ha rebajado al nivel de Drake: lo muchísimo que le odia.
En ‘meet the grahams’, lleva esto a un punto no conocido hasta ahora: «Tu hijo es un hombre enfermo con pensamientos enfermos, creo que los negros como él deberían morir / Él y Weinstein deberían pudrirse en una celda durante el resto de sus vidas», rapea Kendrick dirigiéndose directamente a la madre de Drake, Sandra. Este también explica por qué el beef envejeció tan mal, tan rápido: «Se suponía que iba a ser una buena exhibición del juego, pero la cagaste cuando nombraste a mi familia».
‘Not Like Us’, hit del verano
«Psst, veo gente muerta». ¿Cómo puede ser que una canción basada en acusaciones de pedofilia se convierta en un hit mundial? Es lo que ha conseguido Kendrick Lamar con su último lanzamiento, y escuchándolo no hay dudas de por qué. El tema está petándolo en discotecas y pool parties alrededor del mundo y frases como «Certified lover boy, certified pedophiles» son las más cantadas por los asistentes. Más alucinante todavía es lo de que Kendrick haya salido del beef como el contendiente más exitoso comercialmente.
La vergonzosa despedida de Drake
Drake tenía la complicada tarea de responder a la vez a ‘meet the grahams’ y ‘Not Like Us’ entre acusaciones de ser un depredador sexual y de esconder una hija de 11 años, lo cual ya le ocurrió con Adonis. Aquella vez, Pusha T fue el que descubrió el hijo oculto de Drake. El canadiense tituló la pieza ‘The Heart Part 6’, referenciando la conocida serie de temas de Lamar, y fue el único movimiento inteligente de la canción.
En la última entrega del beef, Drake cuenta que él mismo le coló información falsa a Kendrick (sí, seguro), se ríe de él por sufrir abusos de pequeño (lo cual no ocurrió, pero Drake no leyó bien la letra de ‘Mother I Sober’) y suelta la excusa más patética para desmentir las acusaciones de pedofilia: «Si me estuviese follando a niñas, habría sido arrestado / Soy demasiado famoso para esta mierda que has sacado». Claro, como ser famoso no te da ningún tipo de protección o trato especial… Es el equivalente de decir: ¿Cómo voy a cometer un delito, si es ilegal?. No cuela, Drake.
Kendrick optó por dejar que su contrincante se hiriese a sí mismo y guardó silencio. Así como así, todo terminó. Drake humillado, Kendrick con un número, pero ambos con una absurda mancha en su legado. «Good times. Summer vibes up next», se leía en una de las últimas Stories de Drake.
Camila Cabello estrena el vídeo de su último single. Se trata de ‘He Knows’, una colaboración con Lil Nas X que podría servir de primer single oficial de ‘C,XOXO‘, el nuevo disco de Camila Cabello. ‘I Luv It‘, realmente el primer adelanto, se ha promocionado en Coachella y también con un videoclip de alto presupuesto, pero nunca se ha enviado a radios, por lo que parece haber servido, más bien, de «buzz single».
El vídeo de ‘He Knows’ presenta a Camila Cabello y Lil Nas X peleando por un hombre que no es lo que parece. Al final del vídeo, prometen que no volverán a disgustarse por un chico… pero por supuesto hay plot twist.
La canción sigue la estética de ‘I Luv It’ mezclando varios elementos interesantes. Por un lado, la producción electrónica y sucia evoca las noches de verano de Miami, ciudad a la que Camila dedica su disco, sampleando el mareante coro de ‘Give It Up 2 Me’ de Ojerime. Por otro, la base es similar a la del amapiano sudafricano. Camila la pasa por el filtro hyperpop y llama a Lil Nas X para añadir un juguetón verso que incluye una cita a Ashanti.
Con ‘He Knows’, Cabello de momento no está corrigiendo su paso en falso con ‘I Luv It’, una colaboración con Playboi Carti que, pese al cambio radical de sonido que ha supuesto para Cabello, y pese al curioso apoyo a la canción por parte de Lana Del Rey, ha pasado desapercibida en listas.
La portada de ‘He Knows’ es una imagen evidentemente tomada en la MET Gala, donde Cabello y Montero han coincidido. El pacto con Lil Nas X, de hecho, parece una decisión de última hora, pues los rumores -surgidos del portal HITS Daily Double- apuntaban a que Camila preparaba en realidad lanzar un dueto con Drake. Sin embargo, el acalorado «beef» protagonizado por Drake y Kendrick Lamar en los últimos días parece haber llevado a Camila y a su equipo a cambiar de planes. Se desconoce si se ha retirado a Drake de ‘He Knows’ para poner a Lil Nas o, por el contrario, Drake aparece en un tema diferente aún inédito. El disco de Camila Cabello sale el 28 de junio.
En 2021 Arab Strap volvieron tras 16 años de hiato. ‘As Days Get Dark’ era más que un regreso, también era en muchos aspectos una reinvención. El dúo escocés presentaba un sonido renovado dentro de su muy identificable estilo, dando quizá más protagonismo a la electrónica, y con unas letras donde Aidan Moffat plasmaba las ansiedades sociales que la pandemia trajo consigo. Tras ella, el mundo no ha vuelto a ser el mismo exactamente, y Arab Strap tampoco.
En su segundo disco tras su vuelta y el octavo de su carrera, irónicamente titulado ‘I’m totally fine with it 👍don’t give a fuck anymore 👍’, la banda continúa reflexionando sobre el mundo moderno y el impacto de la tecnología en nuestra manera de relacionarnos. El pesimismo habitual y el sentimiento de derrota que Moffat y Malcolm Middleton han plasmado a lo largo de su carrera está inequívocamente presente, así como un halo nihilista que impregna las 12 pistas que lo componen.
La primera canción, ‘Allatonceness’ se encarga de asentar el tono hablando sobre la sobreestimulación a la que estamos sometidos con internet y las redes sociales, captando nuestra atención con cosas absurdas mientras nos perdemos el mundo real. El narrador es plenamente consciente de ello, pero la sensación de impotencia ante algo que no está bajo su control le devora: “¿Creías que me rebelaría? / ¿Creías que lloraría? / En vez de eso estoy aquí sentado sin poder sentir nada”.
Su oscura instrumentación post-punk es sustituida en la siguiente pista por los sintetizadores en la excelente ‘Bliss’, lo más cerca que Arab Strap ha estado del synthpop, pero aunque su beat pueda confundir, la cadencia vocal de Moffat hace que trasmita el mismo vacío existencialista: el mayor estado de felicidad viene de la máxima desconexión con el mundo, cuando no hay nadie por las calles y la música a todo volumen de los auriculares anula cualquier pensamiento.
‘I’m totally fine with it’ insiste constantemente en ese anhelo por un mundo más humano en el que conectar los unos con los otros y con el entorno que nos rodea, pero las letras de Moffat no tiran balones fuera: él también es parte del problema, y no tiene la energía para intentar cambiarlo. Sorprendentemente en ese agujero negro en el que Arab Strap nos mete, también hay espacio para melodías pegadizas e incluso casi bailables, como en el estribillo de ‘Hide Your Fires’ o, sobre todo, en la vivaz producción de ‘Strawberry Moon’.
Las composiciones son ricas -llenas de divertidos detalles como llamadas de teléfono, clics de ratón de ordenador, etc.- y atmosféricas. En sus mejores momentos logran ser realmente envolventes, aunque a medida que el proyecto avanza acusa inevitablemente cierto desgaste de ideas, una excesiva reiteración de la fórmula que ya plantearon en ‘As Days Get Dark’. No obstante, el cierre, ‘Turn Off The Lights’ no se parece a nada de lo anteriormente escuchado: una balada rock bastante clásica que va del minimalismo a la explosión instrumental en su clímax. De manera aislada no es lo más inspirado que escuchamos aquí, pero sí le sienta bien a la experiencia completa aportar texturas y colores diferentes.
A pesar de cierta irregularidad, ‘I’m totally fine with it 👍 don’t give a fuck anymore 👍’ es una experiencia sombría y generalmente satisfactoria que nos muestra a una banda que, tras tres décadas, aún sigue teniendo mucho que decir y ofrecer.
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