Lana Del Rey está acostumbrada a ser una artista de álbumes, pero el lanzamiento de ‘Say Yes to Heaven‘ le está dando más alegrías de las que probablemente esperaba. Hay que recordar que la canción es un descarte de ‘Ultraviolence‘, su disco de 2014.
Gracias a TikTok, ‘Say Yes to Heaven’ está empezando a construir un pequeño hit para Lana Del Rey. En Spotify supera ya las 10 millones de escuchas entre la versión «normal» y la «sped up» (y eso que no se ha lanzado la versión «slowed and reverbed», la mejor de las tres). Ninguna otra canción de Lana -en solitario- había llegado tan rápido a esta cifra.
En otro de esos récords rebuscados que tanto se comentan en los foros de música pop, ‘Say Yes to Heaven’ es el tercer mejor estreno de 2023 por parte de una artista femenina solista: solo ‘Flowers’ de Miley Cyrus y ‘All The Girls You Loved Before’, la «inédita» de Taylor Swift, le superan en cifras. En el top global de Spotify, se mantiene en el número 21, a la baja.
Mejor aún es que el éxito de ‘Say Yes to Heaven’ se va a reflejar en las listas oficiales. UK Official Charts predice ya que ‘Say Yes to Heaven’ podría entrar en el número 6 de la lista de singles de Reino Unido, por encima del nuevo single de Kylie Minogue. Esta estimación solo tiene en cuenta las cifras de los primeros días, y todavía queda semana por delante, pero no es ninguna locura pensar que ‘Say Yes to Heaven’ pueda dar a Lana su primer single top 10 en Reino Unido en más de 10 años: el último fue ‘Born to Die’ en 2012, como recuerda UK Official Charts.
Cabe recordar que casi todo el tirón que está consiguiendo ‘Say Yes to Heaven’ en Spotify se debe a que la canción se ha viralizado previamente en TikTok. Allí parece que acabará y terminará su verdadera repercusión, pero quién sabe, puede que Lana tenga un auténtico hit entre manos, uno en el que no reparó cuando decidió que la canción no merecía ser publicada.
“No quieres que te cambie como me cambió a mí”. Esta es una de las frases más potentes de ‘Gag Order’, el nuevo disco de Kesha. La contiene ‘Eat the Acid’, uno de los singles de presentación, que no narra un viaje psicodélico, sino un despertar espiritual que experimentó Kesha durante el confinamiento. ‘Eat the Acid’ se apoya en una melodía de sintetizador de aires new age, sobre la que Kesha canta una preciosa melodía, la grabación no contiene base rítmica, y la frase citada se repite como un mantra a lo largo de la canción.
En la misma dirección apuntan varias pistas de ‘Gag Order’. “Nunca sabes que necesitas algo en lo que creer” es el mantra que abre el disco, “no quiero tener miedo nunca más” repite Kesha después en otra de las pistas. Aunque quizá la frase que mejor define ‘Gag Order’ es esta incluida en ‘Only Love Can Save Us Now’: “la tía que un día fui, está muerta, su tumba la han profanado”.
La Kesha de hoy está a años luz de la Kesha de ‘Tik Tok’, ‘We R Who We R’ y demás “bopazos” pop de los dosmiles. Su batalla judicial contra el productor Dr. Luke, a la que aluden nada sutilmente el título del disco (“orden de mordaza”) y la portada, la ha dejado emocionalmente exhausta. En su anterior disco, ‘High Road’, ese cansancio se percibía también en el aspecto creativo. ‘Gag Order’ es otra cosa.
La transformación espiritual de Kesha llega con una transformación musical. Y lo cierto es que sus canciones están en buenas manos: produce Rick Rubin, el Walt Whitman de la producción musical, una persona a la que se atribuyen cientos de citas inspiradoras que a las estrellas del pop les encanta compartir en redes (por ejemplo, a C. Tangana). En ocasiones ‘Gag Order’ se parece a una de esas citas, sobre todo cuando samplea un discurso del líder espiritual Ram Dass, pero las letras de Sebert no endulzan su historia -algo imposible- y tampoco la música lo hace.
No es que ‘Gag Order’ sea un puzzle musical indescifrable, pero, como producto de música pop, no renuncia a resultar ligeramente incómodo o extraño. No es ‘Rainbow‘. Es revelador que los singles publicados, ‘Eat the Acid’ y la balada al piano ‘Fine Line’, cuya estructura es más abstracta si cabe, prescindan de beat, anteponiendo la atmósfera y la expresión. La música muchas veces apunta a la new age, como los teclados de ‘Something to Believe In’, en la que sí escuchamos una animada base rítmica de tintes folk, o de la menor ‘The Drama’, que parecen extraídos de un videojuego.
Otras veces Kesha entrega canciones que son directamente folk, acústicas: tanto ‘Living in My Head’ y ‘Happy’ anhelan la llegada de una felicidad plena, guiadas por el sonido de la guitarra acústica, pero Kesha o bien no puede dejar de “vivir dentro de su cabeza”, atrapada en la ansiedad, o bien no puede dejar de pensar en todos aquellos “y si” que podrían haber llevado su vida por otro camino.
A la Kesha que conocimos no se la echa de menos cuando las canciones cumplen. ‘Something to Believe In’ y sobre todo ‘Eat the Acid’ representan excelentemente la nueva faceta espiritual de la artista californiana. El disco, al contrario que ‘High Road’, se sostiene dentro de una coherencia estética muy lograda, con las patas puestas en el pop experimental, el folk-pop y la electrónica minimalista, en una extraña mezcla que funciona.
Por otro lado, el componente personal de las letras de ‘Gag Order’ abre un canal en la música de Kesha que antes permanecía cerrado. Son importantes sus reflexiones sobre la ansiedad, el miedo, la necesidad de encontrar un sentido a la vida, la añoranza por aquella persona que un día fue, su incapacidad para estar sola, sus propias contradicciones sobre sentirse fuerte y débil al mismo tiempo… y aunque a veces la influencia de Rubin se percibe en el gusto de ambos por dar pie a esas frases inspiradoras un tanto vacías (por ejemplo en los primeros segundos de ‘Happy’), es evidente que Kesha lo ha dado todo aquí.
A veces la Kesha de antaño se deja asomar para contarnos que se ha convertido en un gato (‘All I Need is You’) y sobre todo para divertir, como sucede en el animado himno ‘Only Love Can Save Us Now’. Se echa en falta que las canciones de la segunda mitad estén mejor definidas, pues la producción de ‘The Drama’ no puede molar más, pero la melodía queda un poco en un segundo plano. Además, ‘Hate Me Harder’ no necesita ser tan gritona por mucho que hable de los haters. Sin embargo, en general podemos hablar de éxito, no solo porque ‘High Road’ decepcionara, sino porque ‘Gag Order’ propone un cambio radical y convence.
Kylie Minogue ha empezado la promoción de ‘Tension’, su nuevo disco, y ha cantado el single ‘Padam Padam‘ por primera vez en un plató de televisión. En concreto, Kylie ha visitado el plató de ‘American Idol’, en Estados Unidos, para cantar en la final.
Kylie ha interpretado solo la primera parte de ‘Padam Padam’ en directo, apoyada por una pista pregrabada y vestida completamente de negro, en representación de la malicia sexy que transmite la canción. Después ha pasado directamente a cantar ‘Can’t Get You Out of My Head’ acompañada de una de las finalistas del talent, Nutsa Buzaladze.
Estados Unidos es un mercado que tradicionalmente se ha resistido a Kylie. ‘The Loco-Motion’, su primer single, alcanzó el número 3 pero no fue hasta 2001 cuando Kylie volvió al top 10 del Billboard gracias a su mítico «la la la». Después, ni ‘Slow’ funcionó especialmente bien en este mercado, y mucho menos ‘Dancing’ pese a su querencia country, pues ni entró en lista.
Cabe destacar que Kylie ha logrado buenas posiciones en Estados Unidos con otros singles que no han sido el de presentación de su disco. Por ejemplo, ‘Love at First Sight’ alcanzó el número 23 e ‘It’s No Secret’ el 37. ‘I Should Be So Lucky’, el «lead single» de su álbum debut, en realidad el segundo single de su carrera, llegó al 28, y ‘Higher’, su colaboración con Taio Cruz, al 24.
Así quedan los picos de todos los primeros singles de Kylie en Estados Unidos:
1.- The Loco-Motion, top 3
2.- ‘I Should Be So Lucky’, top 28
3.- Better the Devil You Know, top 62
4.- Can’t Get You Out of My Head, top 7
5.- Slow, top 91
6.- 2 Hearts, top 93
7.- All the Lovers, top 59
Poco después de actuar en San Isidro, Melenas han compartido los detalles de su nuevo disco. ‘Bang’ saldrá el 29 de septiembre a través del sello de Chicago Troubled in Mind (Mikal Cronin, Guardian Singles). En España editará el disco Mushroom Pillow.
El tercer disco de Melenas, ‘Ahora’ ofrecerá una propuesta de «jangle pop y garage rock hecha con sintetizadores» y, conceptualmente, se dedicará a «la importancia del tiempo para reflexionar sobre cómo vivimos nuestro día a día, con quién compartimos nuestros momentos y cómo queremos hacerlo». El disco se sumergirá en una «exploración de la identidad, de nuestras relaciones con los demás y de la importancia de estar unidos, de compartir sentimientos y de la acción conjunta».
El primer single, ‘Bang’, es sorprendente, pues llega con un beat propulsivo típico del krautrock, aquello que se llamó «motorik». Un tema por tanto que puede remitir a Neu! o en cierta medida a Kraftwerk, pero cuyos sintetizadores perforantes y ácidos pueden recordar al trabajo de Stereolab o Broadcast, todo ello sin que Melenas por supuesto dejen de cantar en castellano.
‘Bang’ llega además con un pedazo de gancho que sirve como oda a la palabra «NO», en torno a la cual gira la letra de la canción. Melenas cuentan que ‘Bang’ reflexiona sobre «lo liberador que es decir NO» porque la palabra «NO» es un «acto poderoso contra aquello que no nos beneficia y que nos desvía de nuestro camino». «Ni un segundo más te doy» puede ser el gran lema.
Melenas es uno de los grupos del underground nacional más internacionales, pues Troubled in Mind también editó sus anteriores discos, ‘Días raros‘ (2020) y ‘Melenas‘ (2018).
Low Festival vuelve a celebrarse en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm los días 28, 29 y 30 de julio. Lori Meyers, Xoel López (que ya estaba confirmado como Deluxe), Confeti de odio, INNMIR, Gran angular, Ainda, Cora Yako y Judeline se añaden desde hoy al line-up del festival.
Estos ocho nuevos artistas se suman a los más de treinta ya confirmados hasta el momento, entre los cuales encontramos cabezas de cartel como Placebo, Vetusta Morla, Viva Suecia, Django Django, The Vaccines o Bombay Bicycle Club.
Un cupo muy limitado de entradas de día, para viernes, sábado y domingo, saldrán a la venta este domingo a partir de las 10 de la mañana. Los abonos generales, VIP o VIP POOL están disponibles en la web del festival solo hasta este domingo, cuando subirá el precio.
Por otro lado, Low ha desvelado el cartel por días, que queda así:
Viernes 28 de Julio:
Interpol
Viva Suecia
The Vaccines
Arde Bogotá
Natalia Lacunza
Catnapp
Depresión Sonora
Niña Polaca
Ralphie Choo
pablopablo
Confeti de Odio
INNMIR
Sábado 29 de Julio:
Placebo
Lori Meyers
Django Django
Iván Ferreiro
Second
Xóel López
Ladilla Rusa
La Élite
Karavana
Judeline
Pablo Lesuit
Pipiolas
Domingo 30 de Julio:
Vetusta Morla
Bombay Bicycle Club
Deluxe
Iván Ferreiro
Cupido
Cariño
Lynks
Queralt Lahoz
La Paloma
Trashi
Margaritas Podridas
Cora Yako
Ainda
Flash Show
Foo Fighters ha desvelado que Josh Freese es su nuevo batería. Freese reemplaza por tanto a Taylor Hawkings, fallecido el año pasado. Freese tocó la batería en los conciertos en tributo a Hawkings y ahora se une oficialmente a la formación.
El «batería de las estrellas», Freese ha salido de gira con Gun’s N Roses, Nine Inch Nails, Sting, Weezer, A Perfect Circle o Paramore y ha tocado la batería en cerca de 400 grabaciones. Está acreditado por ejemplo en ‘Bring Me to Life’ de Evanescence, ‘Complicated’ de Avril Lavigne, ‘Bitch’ de Meredith Brooks, en varios discos de Katy Perry, The Offspring o Kelly Clarkson y, últimamente, ha tocado en el disco de 100 gecs.
Freese, que también ha trabajado con Danny Elfman, Devo, Ricky Martin, Bruce Springsteen o Ra Ra Riot, además tiene créditos como autor en temas de Queens of the Stone Age, A Perfect Circle, Sting o los propios Devo, además de los Vandals, banda de la que es miembro desde 1989.
Foo Fighters ha anunciado a su nuevo miembro en un concierto que se ha retransmitido por internet. En el concierto, Foo Fighters -ya con Freese en la formación- ha tocado tres canciones nuevas, entre ellas la inédita ‘Nothing at All’. Su nuevo disco, ‘But Here We Are‘, sale el 2 de junio.
Renovamos nuestra playlist que recopila lo mejor del mes. Como sabéis los 4.700 suscriptores, Las Mejores Canciones del Momento anticipa qué encontraréis en nuestra lista con lo mejor del año. 2023 nos está dejando grandísimos singles de Sen Senra, Amaarae, Arlo Parks, Bad Bunny, Kylie Minogue, Róisín Murphy, PJ Harvey, Blur o ANOHNI and the Johnsons, en anticipo de sus próximos trabajos largos.
También es momento de recordar cuáles han sido nuestros últimos «Discos de la Semana» y ahí podemos hablar de Kara Jackson, Jessie Ware, Surfin’ Bichos, Alison Goldfrapp… mientras seguimos disfrutando de los éxitos de otros álbumes notables que han salido recientemente, como ha sido el caso de Simona, Kali Uchis, PUTOCHINOMARICÓN o Miss Caffeina, que recuperan fuelle con un muy buen EP.
Entre lo mejor del pop nacional, hay música para todos los gustos, desde el pop ochentero de Vicco a la resistencia indie de El Último Vecino y airu, Rodrigo Cuevas completamente a lo suyo o Samantha Hudson, que ídem.
Sen Senra, Sky Rompiendo / Uno de eses gatos
Amaarae / Co-Star
Arlo Parks / Blades
Bad Bunny / WHERE SHE GOES
Kylie Minogue / Padam Padam
Róisín Murphy, DJ Koze / The Universe
Young Gun Silver Fox / Moonshine
Alien Tango / Song for FIFA
Jessie Ware / Begin Again
Chanel, Abraham Mateo / Clavaíto
Surfin Bichos / Luz del Mediterráneo
NATHY PELUSO / TONTA
SIMONA / MELONI
Romy / Enjoy Your Life
Blur / The Narcissist
ANOHNI and the Johnsons / It Must Change
Kara Jackson / why does the earth give us people to love
PJ Harvey / A Child’s Question, August
Sarah Kinsley / Lovegod
Lana del Rey, Jon Batiste / Candy Necklace
Kali Uchis / Moonlight
Vicco / Todo me da igual
Miss Caffeina / Y de repente
PUTOCHINOMARICÓN / síndrómé dél ímpóstór…
Alison Goldfrapp / NeverStop
Dagny / Heartbreak in the Making
Kesha / Eat the Acid
Samantha Hudson / Adicta al sonido
Vosotras veréis / Que te vaya mal
Bueno Perdona / Las plantas se están muriendo
El Faro / Sal de mi casa
Bebe Rexha / Satellite
Ana Mena / Ben & Jerry’s
Ona Mafalda / Calor
Remi Wolf / Prescription
Victoria Monét, Buju Banton / Party Girls
Susanne Sundfør / alyosha
Rodrigo Cuevas, iLe / Más animal
El último vecino / Demasiado
airu / Es todo un encierro
Fred again.., Brian Eno / Enough
Lola Indigo ha concedido una entrevista a S Moda, suplemento en El País, en la que habla sobre el éxito de ‘El Tonto‘, que ha sido número 1 en España, y de su disco ‘El Dragón’, que también ha alcanzado la cima. La cantante se muestra emocionada: «nunca había sido número 1. Y es increíble tener esa recompensa después de cinco años. Lo digo desde el trabajo y no desde la arrogancia: me he esforzado mucho para conseguirlo. Me tiro muchas horas de estudio perfeccionando cosas».
Sin embargo, el punto más relevante de la entrevista es cuando habla de sus desórdenes alimenticios, pues un comentario que le dejaron hace poco, bienintencionado, le llamó mucho la atención. El comentario era algo así como “Qué bien que Lola Índigo, que no tiene un cuerpo normativo, se atreva a ponerse esa clase de ropa». La cantante explica: «Es que a mí, que hago campañas de biquinis, me dicen que no tengo un cuerpo normativo. ¿Qué van a pensar el resto de chavalas que lo lean? ¿Entonces, qué es un cuerpo normativo? ¿Una chavala que está muriéndose de hambre o una chavala superdelgada por constitución y que tú nunca vas a conseguir esa constitución porque no la tienes y punto? No, amor, tú come lo que te apetezca, sobre todo tienes que estar feliz».
Mimi Doblas recuerda que su adolescencia no fue fácil, en parte porque no tenía referentes: «A mí ahora la que me inspira es Rihanna, Nathy Peluso… A lo mejor si niñas como yo hubiéramos tenido esos ejemplos no nos hubiéramos obsesionado con la comida. Aunque lo mío empezó en China. Allí hay otra mentalidad. Me dijeron que si quería seguir trabajando tenía que estar delgada como un palillo. Me echaron de trabajos porque para ellos estaba gorda. En China te vuelven bastante loca con el físico a niveles que no te puedes ni imaginar. No he sido yo la única que me he sentido así allí, pero ahora tengo más referentes. El problema es que, cuando yo era una niña, de Kate Winslet, que para mí era la mujer más guapa del mundo, se decía que estaba muy gorda y que se la veía muy grande al lado de Leonardo DiCaprio. Pues vaya».
Respecto a su bisexualidad, explica: «Me sale de dentro, como el feminismo. No hay demasiada visibilidad hacia la bisexualidad. En mi casa nunca tuve problemas con estas cosas. Hasta a mi abuela, que en paz descanse, le dije tranquilamente que estaba harta de los hombres, y que algún día me echaría una novia. También es cierto que las pocas relaciones largas que he tenido han sido con hombres, y no puedo contar la experiencia de haberle presentado una novia a mi familia».
En otros puntos de la entrevista, la cantante expresa lo importante que es para ella la balada ‘El Dragón’ o subraya que sus quejas feministas de la industria no son victimismo sino «datos». Indica: «Hoy he visto un cartel de un festival y he dicho: “Esto es una vergüenza”. La presencia de mujeres era mucho menor. Qué impotencia cuando luego tenemos que escuchar que exageramos o que estamos locas».
Las aplicaciones para ligar normalmente son una gran pérdida de tiempo: silencios eternos tras hacer match, conversaciones banales que nunca pasan del “Hola, ¿qué tal? Bien y tú” o citas incómodas con personas que no sabes muy bien de qué cueva se han escapado. A veces, muy pocas, los astros se alinean y uno encuentra a su media naranja, o al menos a alguien que vale la pena. La existencia de Brutalismus 3000, el dúo techno más prometedor del momento, se la debemos por completo a Tinder, donde sus integrantes, Viktoria Vassiliki Daldas y Theo Zeitner, se conocieron en Berlín.
El resultado, traducido en varios estupendos EPs como ‘Amore Hardcore’ y ‘Eros Massacre’ o el exitoso sencillo ‘Satan Was A Babyboomer’, inmediatamente llamó la atención en una escena techno necesitada de nuevas voces. El proyecto se consolidó en plena pandemia y desde ese momento, no han dejado de ser invitados a festivales importantes, entre ellos el inminente Primavera Sound.
Ellos mismos se definen, de manera bastante acertada, como “nu gabber post techno punk”. Este cóctel de estilos e influencias no solamente se presenta con un sonido fresco y novedoso, sino que también revela su amplio conocimiento musical dentro de un género cuyo valor artístico a menudo se menosprecia.
Zeitner, que empezó a producir música en 2012, cuenta en una entrevista para Playful Magazine que en un principio detestaba el techno y que el único motivo por el que se acercó a él era porque quería demostrar que podía hacerlo fácilmente. Al final acabó cogiéndole el gusto acercándolo al punk que siempre le había interesado. Por otro lado, Daldas aprendió de pequeña a tocar el piano e iba a clases de coro. Poco a poco se fue acercando también al punk y, al mudarse a Berlín, las raves y la cultura underground de la ciudad la llevaron a interesarse por el techno. En ‘ULTRAKUNST’, su álbum debut, Brutalismus 3000 coquetean además con el trance, el electroclash o incluso el hyperpop.
Precisamente la capital alemana está presente a lo largo de todo el álbum a través de sonidos estridentes, distorsiones y oscuros beats que transportan directamente a naves industriales y fiestas clandestinas. “Por favor, espere (Bitte Warten)”, son las primeras palabras que escuchamos en el disco a través de un megáfono en distintas voces antes de que Daldas irrumpa en la mezcla con una desesperada urgencia en ‘ALL DIE LIEBEN MENSCHEN’. ‘GR3Y’, cantada en eslovaco, es una irresistible reinterpretación de ‘Fade to Grey’ de Visage en versión hardcore techno. Le sigue ‘CRY B3B3’ que es pura euforia con sus electrizantes sintetizadores industriales y su melodía pegadiza.
Brutalismus 3000 juegan constantemente con las expectativas del oyente, y su música a menudo toma caminos sorprendentes e inesperados. En ‘PONTIAC PARISIENNE (SKIT)’, uno de los cortes más experimentales del proyecto, samplean el llanto de un bebé mientras una voz aniñada -probablemente la de la propia Daldas- narra una inquietante historia de una familia en los suburbios justo antes de desembocar en un extraño número eurodance que termina sentenciando que “el hyperpop es dios”.
‘JE N’EXISTE PAS’ destaca por sus complejas texturas electrónicas con un beat profundo y oscuro que se mete dentro del cuerpo. Mientras que la sugerente producción de ‘DIE LIEBE KOMMT NICHT AUS BERLIN’ (el amor no viene de Berlín) la convierten en el single más evidente, una canción que se mueve con soltura entre el hyperpop y el gabber y cuenta con una energética interpretación vocal punk en eslovaco y alemán. El trilingüismo de Daldas también da lugar a temas completamente en inglés como el hard house de ‘IS U CHEMICAL?’, cuya melodía se construye a partir de frases entrecortadas; o el potente hardcore del penúltimo corte, la angustiosa ‘SUKA SUKA’ con sus “Gimme stress / Gimme ket”. En cambio, la pareja decide culminar su debut en un tono más festivo con ‘GEWALT GEWALT’, un divertido trance que contrasta con la agresividad del resto de la propuesta.
Es posible que ‘ULTRAKUNST’ sea menos conciso que sus EPs, pero es un trabajo cohesionado, coherente y, lo más importante, lleno de ideas ingeniosas y melodías excelentes. Brutalismus 3000 declararon una vez que la escena techno les parecía que no tenía estilo, pero su irrupción en ella sugiere lo contrario: aquí no falta nada de personalidad ni de estilo, representando -y con suerte, abriendo camino- a una nueva generación con imaginación de sobra para hacer del salón de tu casa el mismísimo Berghain.
Mallorca Live ha celebrado su última jornada sumando un total de 65.000 asistentes entre sus tres días. El público, a simple vista, mayoritariamente mallorquín, ha confirmado una vez más que Mallorca Live es el evento musical del año en las islas, un punto de encuentro para seguidores de la música y curiosos por igual que buscan pasar un buen rato de conciertos.
Entre esos buenos ratos hay que contar el de La Plazuela. Su concierto está lleno a eso de las 19.30 de la tarde, algo poco habitual, pero que concuerda con el “hype” que gira alrededor de este grupo. Es cierto que el sábado acude más gente a Mallorca Live que en días previos, pero también lo es que a esa hora de la tarde no es fácil llenar un concierto y que en la programación no deja de haber otras propuestas. Está claro que son muchos los asistentes que optan por acudir pronto al festival para no perderse el directo de este dúo de Granada que mezcla flamenco y electrónica de baile con bastante gracia, y que sabe convertir su show en un DJ set de acid house cuando menos lo esperas y, a la vez, cuando más toca.
En uno de varios reencuentros que dejará el sábado en Mallorca Live, Putilatex tocan en Mallorca por primera vez en toda su carrera y presentan las canciones míticas de su repertorio, recuperando ese electroclash rematadamente macarra y endiablado que tantas risas provoca por sus geniales letras y, de paso, reventando tímpanos con un sonido pasado de decibelios. Antes, a la Terremoto de Alcorcón le da tiempo de cantar ‘Muévelo perra’ para despedir a Mueveloreina, que han tocado antes.
Para recuperarnos del sonido -entiendo que- deliberadamente fulminante del show anterior, nos pasamos por otro de los conciertos más masificados de la jornada, el de Viva Suecia. En un contexto musical polarizante, en el que los grupos «indie-mainstream» generan amor y odio a partes iguales, Viva Suecia se entregan al poder arrollador de su música, con un Rafa Val inundado de sudor, elevando a la gente al suelo con himnos como ‘El bien’ o ‘Todo lo que importa’.
Cuando ya ha anochecido es el momento idóneo de acercarse al concierto de Blanco Palamera. Su escenario está sorprendentemente poco concurrido, aunque aún se dejan ver unos cuantos curiosos y personas en las primeras filas. Manuel Blanco actúa al micrófono, Xoán toca la batería y la banda se completa con un bajo y un teclado. Juntos llevan al directo la atmósfera calurosa y sensual de las canciones de ‘INTIMIDADE’ y de proyectos previos, llenos de ritmos de funky y R&B sofisticados, con Manuel actuando algo distante del público, a la manera de su colega Sen Senra, de cuya banda forma parte.
Chemical Brothers vuelven a arrasar. Foto de Javier Bragado
Uno de los platos fuertes de la noche, Bomba Estéreo confirman que muy mal lo tiene que hacer para decepcionar a alguien. Su espectáculo es llamativo desde todos los puntos de vista: la escenografía floral es preciosa, un pequeño paraíso; las pantallas proyectan imágenes psicodélicas que no pueden ir mejor con el sonido de la música, Li Saumet es un espectáculo en sí misma vistiendo sus típicos atuendos tradicionales ultracoloridos, y las canciones se mueven entre la elevación espiritual y el pepinazo total. De ‘To My Love’ a ‘Fuego’, básicamente, con ‘Ojitos lindos’ proporcionando el momento más emotivo. Pero aún les cabe la reciente ‘Champeta colombiana’, con la que aceleran el ritmo del show en un 200% mientras una luz azul con forma piramidal preside el escenario, de repente instalado en el futuro… claro que de eso va Bomba Estéreo, de traer la tradición al mañana.
Posiblemente la gran sorpresa de la noche la da Locomía. La nueva formación, claro, compuesta por Ricky, Edén, Ferry y Félix y supervisada por Xavier Font, creador de Locomía y uno de los integrantes originales. El cuarteto, cargado con sus míticos abanicos, hace pleno en el show, hasta el punto de que el escenario parece quedársele pequeño, y confirma que quizá el producto puede seguir teniendo vigencia en 2023 representado por nuevas caras. No cabe duda de que son muchos los curiosos que se acercan al escenario preguntándose qué diantres hacen Locomía confirmados en un festival, pero lo mejor es que la gente se queda, asombrada por una propuesta que sigue siendo única en su mezcla de pop y moda, de eurodance, hombreras y golpes de abanico fabulosos. Da igual que todas las canciones parezcan la misma, el show te deja embobado y ellos actúan sonrientes y encantados de la vida. ¡Locomía a Benidorm Fest!
Xavi Torrent
Otra de esas propuestas que se crecen absolutamente en directo, que de hecho existen para el directo y encuentran en este contexto su razón de ser, su verdadero hogar, es la de !!!. También conocida como “Chk Chk Chk”, la banda de Nueva York saca su artillería pesada pareciendo la versión de LCD Soundsystem a la que se le ha caído un pote de pintura encima. El dance-punk colorido y desinhibido de !!! queda mejor representado imposible en el carisma del frontman Nic Offer, que se pavonea de un lado al otro del escenario, completamente fuera de sí mismo, bailando como si no hubiera un mañana vestido con sus habituales pantalones cortos que más que cortos son cortísimos. ‘Shake the Shudder’ es un disco que descubrir en vivo y en directo, pura éxtasis con la que “vengarse bailando”.
Y por supuesto llegan los reyes de la noche. Los Chemical Brothers ya han presentado su apabullante show por varios festivales españoles, hace uno, dos, tres, cuatro y cinco años fácilmente. El espectáculo es exactamente el mismo, sin cambios aparentes, pero es que pocos espectáculos de electrónica se apoyan de manera tan lograda en los visuales, protagonizados por extraños humanoides que adoptan mil formas y que nos cuentan mil historias, entre la ternura, el terror y todo lo que hay en medio. La música es electrizante, tanto como para tener poseída a una asistente desde el segundo cero, que baila como loca hasta en los momentos de descanso, extasiada. Tom Rowlands y Ed Simons, tocando botones, pasan a ser invisibles, mientras los altavoces disparan auténticos cañonazos de electrónica bailable con la que la gente entra en otra dimensión.
Entre las propuestas que descubrir en las siguientes horas de la noche se encuentra la de Morreo, a los que no acompaña el mejor sonido… pero sí toda la energía que dos personas pueden despedir en el escenario, en su caso, presentando las canciones de su divertido segundo disco, ‘Alegría‘.
En España el tema ha sumado 1.072.368 de streamings solo en Spotify, desplazando al top 2 ‘Acróstico’ de Shakira. La balada que esta entona junto a sus hijos aspiraba a ascender al número 1 en su segunda semana oficial, pero ahora lo tendrá muy difícil debido a la llegada de lo nuevo de Benito. Lo que pase en días venideros -si lo de Bad Bunny se hunde o se mantiene- será fundamental.
Los países que mejor han acogido ‘WHERE SHE GOES’ aparte de España son Chile, Venezuela, varios latinos pequeños como Costa Rica o República Dominicana, pero también Estados Unidos. Lo nuevo de Bad Bunny también es número 1 directo en el Spotify de Estados Unidos.
En México ha tenido que conformarse con el puesto 3 y los más reticentes han sido como siempre los países europeos anglosajones: número 81 en Spotify Alemania, número 116 en Spotify Francia, número 160 en Spotify Holanda… y fuera del top 200 en Reino Unido.
En cuanto al resto de plataformas, ’WHERE SHE GOES’ también es número 1 en Apple Music España, mientras en Estados Unidos, en este caso lo encontramos en el puesto 3 por detrás de Lil Durk con J Cole y de Morgan Wallen. No obstante, de cara al Billboard Hot 100, el mayor lastre para Bad Bunny serán, como siempre, los puntos de radio.
Javier Giner publicaba hace un par de años uno de los libros sobre adicciones más importantes, como mínimo, para la comunidad LGTB+, ‘Yo adicto’. Estos días ha informado a través de sus redes sociales de que el proyecto va a ser serie, también.
En concreto serán 6 episodios que podrán verse a través de Disney+, una plataforma que continúa arriesgando mucho más allá de lo que hubiéramos imaginado en Disney.
‘Yo adicto’ ha sido adaptada a serie por el propio Javier Giner junto a Aitor Gabilondo (‘Patria’). Laura Rubirola es co-productora ejecutiva, mientras los directores de los episodios serán Giner y Elena Trapé. El protagonista es Oriol Pla (‘Merlí‘), y también ha trascendido una prometedora escena de rodaje con Omar Ayuso.
Giner ha declarado: “Nunca imaginé que mi historia más íntima llegaría a convertirse en una serie de alcance internacional gracias a Disney+ y de la mano de profesionales y personas tan admiradas por mí como Aitor Gabilondo y Laura Rubirola. Espero y deseo que nuestro trabajo abra debates, desestigmatice al enfermo y arroje luz sobre las cosas que nos ocurren como seres humanos, pero de las cuales solo hablamos en susurros porque nos producen dolor y vergüenza. Y que, por encima de todo, ilumine todos esos rincones oscuros con un mensaje claro: del infierno de la adicción, con ayuda, con trabajo y esfuerzo, se puede salir».
Nora Navas, Ramón Barea, Marina Salas, Itziar Lazkano, Bernabé Fernández, Catalina Sopelana y Vicky Luengo completan el reparto. De momento, no hay fecha de estreno aproximada para el proyecto. Solo se sabe que el rodaje ha echado a andar este mismo mes de mayo de 2023.
Por primera vez, Blur y Gorillaz publicarán disco en un mismo año. Así de inspirado parece sentirse Damon Albarn. Cuando todavía estábamos debatiendo sobre si ‘Cracker Island‘ era uno de los mejores álbumes de Gorillaz o todo lo contrario, o sobre si la canción con Bad Bunny era lo mejor o lo peor que han hecho; hemos topado con la noticia de un nuevo disco de Blur, el primero en 8 años, cuya existencia se desconocía por completo.
La estrategia del secretismo ha sido de lo más inteligente. Blur, al fin y al cabo, siempre han sido chicos listos. Quizá si nos hubieran hypeado durante meses con este disco que presentarán en Primavera Sound, nos habríamos quedado indiferentes ante el sencillo que presenta ‘The Ballad of Darren‘. Quizá por la emoción de lo inesperado, ‘The Narcissist’ suena como un buen «comeback» que escogemos como «Canción del Día» para este domingo.
Armada con un riff de Graham Coxon y su voz a los coros subrayando algunas de las ideas clave de la letra, como esa contraposición entre «el Pierrot» y «el cuarto oscuro» («tú fuiste el Pierrot, y yo el cuarto oscuro»), ‘The Narcissist’ es una canción abierta a las interpretaciones. Sin duda habla de adicciones, a través de esa mención «al ácido», y de un contraste entre luz y sombra, que se desarrolla de manera clara en el estribillo.
Es el mismo un canto a la resistencia: «Seré la luz que brille en tus ojos / y probablemente tú me devolverás ese brillo / Pero no me caeré esta vez. Con Dios, haré caso de las señales». El cambio de acordes en medio del mismo y el post-estribillo instrumental de 4 notas que da paso a las estrofas son lo mejor del tema. Le dan un punto evocador.
Luego, el título «El Narcisista» da un doble sentido al tema. Es un giro casi cómico. El «ego» aparece en la letra, poniendo ese toque irónico tan inherente a los autores de ‘Charmless Man’. Es como si ‘The Narcissist’ fuera un tema retrospectivo en el que se miran a sí mismos a un espejo, algo que sucede literalmente, pero solo para quitarse hierro e importancia. «Fueron tiempos duros y bonitos los de Blur, pero como los de cualquier persona», parecen estar diciéndonos. Y con lo que se quedan hoy está claro: «Conéctanos con el amor, y mantennos en paz durante un rato». Al menos, hasta que acabe esta gira…
“No hay riqueza inocente”, decía Rafael Chirbes en ‘En la orilla’. “Toda fortuna procede de una injusticia originaria, cuando no de un crimen, que es lo más probable”. Esa injusticia tiene muchas caras: esclavismo, colonialismo, explotación laboral, especulación financiera, corrupción política, patriarcado… Y para legitimizar social y moralmente esa riqueza, así como las estructuras que las mantienen, hay que construir relatos, narraciones épicas de señores “hechos a sí mismos”, discursos narcisistas de superhéroes del capitalismo.
Sobre el poder de estas narrativas, sobre cómo “torcer la realidad para alinearla según mis intereses” –como dice el protagonista de la novela-, escribe Hernán Díaz en su monumental ‘Fortuna’ (Anagrama). Argentino criado en Suecia y residente en Nueva York, Díaz ha confirmado las expectativas que había creado con su debut, el (neo)western ‘A lo lejos’ (Impedimenta, 2020). Su nueva novela, galardonada con el Premio Pulitzer, es un impresionante rascacielos metaliterario levantado por medio de un exuberante dispositivo narrativo que combina varias voces y estilos.
El libro se compone de cuatro partes. La primera es una novela dentro de la novela. La historia de un magnate de las finanzas de los años 20, su mujer y su fortuna, escrita por un novelista ficticio a la manera de Edith Wharton o Henry James. La segunda es la autobiografía anotada e inconclusa del magnate al que alude la novela anterior escrita por su secretaria y escritora fantasma. Una hagiografía que pretende refutar ese texto anterior. La tercera y la cuarta… mejor no desvelarlas. Solo decir que están articuladas por medio de una serie de deslumbrantes piruetas narrativas que añaden más y más capas de significado al relato original.
El resultado de esta superposición de relatos es un fascinante puzle literario armado a través de una prosa cautivadora, desbordante de ideas, riqueza formal y sorprendentes giros dramáticos. ‘Fortuna’ es una exploración de las entrañas del capitalismo, del funcionamiento del mundo de las finanzas del que dependemos todos. Pero también un viaje estilístico de la novela de finales del siglo XIX hacia la modernista, de la mencionada Wharton a Virginia Woolf. Y, por último, un combate de voces narrativas: de la más estentórea, la que tiene todos los altavoces a su disposición, a la más imperceptible, la que ha sido amordazada pero termina encontrando su modesta vía de escape. Novelón.
La serie sobre La Veneno, ‘Veneno’, fue un éxito internacional en plataformas, llegando a conseguir su público underground incluso en un país tan competitivo para la ficción como es Estados Unidos. Quizá por eso ahora nos llega, en inglés, la información sobre la reedición del sencillo ‘Veneno pa tu piel’, de cara al próximo Orgullo.
El correspondiente Bandcamp nos explica cómo «la estrella transgénero más querida de la televisión española» era una trabajadora del sexo en el Parque del Oeste de Madrid cuando fue descubierta por Esta Noche Cruzamos el Mississippi. Su tema ‘Veneno pa tu piel’ fue una sensación en las listas españolas, llegando a vender 50.000 unidades en los tiempos dorados para la industria según algunas fuentes. En listas oficiales, llegó a figurar en el número 8 de la lista de maxi singles de 1996.
Ahora el single se edita en un vinilo especial, que ya se puede encargar en el correspondiente Bandcamp. Saldrá el 30 de junio con motivo del Orgullo, incluyendo 4 pistas: 2 temas y 2 remezclas. En la web de Dark Entries también podéis ver la contraportada.
1. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Xtended Version)
2. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Single Version)
3. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (House Mix)
4. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (Digo Dub Mix)
Más afónico que Natos acudo a la segunda jornada de Mallorca Live para no perderme un minuto del bolo de Jimena Amarillo. La valenciana dedica todas y cada una de sus canciones a “sus lesbianas” porque por fin “la música para lesbianas tiene cabida en los festivales”.
Sobre todo, Jimena se muestra divertida y deslenguada: cuando toca una versión de ‘Tu sangre de la mía’ se pone a bailar “como Diego de Carolina Durante”, cuando toca un tema house apunta que “Aitana ha hecho muy bien” este género y, en el mejor más inenarrable del show, saca un violín y se pone a tocar Pachelbel mientras su corista canta el estribillo de ‘Get Lucky’ con deje aflamencado. Y todavía no ha interpretado su versión “fea, porque chica” de ‘I Follow Rivers’. Cuando canta ‘Jugando a Los Sims’ afirma que “por fin tocamos una canción indie, manda huevos”, y aún le queda por hacer un popurrí inexplicable de ‘Cómo quieres que te quiera’, ‘Nueva York (Toto)’ e ‘Hija de la luna’.
El concierto de Amarillo aún admite un pequeño momento emotivo cuando la artista agradece poder tocar en Mallorca Live y en un escenario “tan grande” que escuchar sus propias canciones a un volumen tan alto le abruma. Dice estar “a punto de llorar porque este año me han pasado muchas cosas”.
En el escenario pequeño -que acomoda DJ sets- ocurre un momento mágico cuando empieza a llover mientras La Calor pincha sus agradables cumbias electrónicas. Da gusto verle mezclar en vivo y en directo, tras los platos, poniendo la mejor banda sonora a un día gris.
Javier Bragado
Si atraviesas el espejo de Natos y Waor aparecen al otro lado Ayax y Prok. De alguna manera son dos caras de la misma moneda: ambos son dúos de raperos salidos de aquello que se llama “la calle” y ninguno de ellos renuncia a meter bases bailables de house en sus conciertos festivaleros. Sin embargo, Natos y Waor son comedidos y Ayax y Prok… no. En absoluto. Los gemelos granadinos aparecen sobre el escenario agitados y sobreestimulados, saltando de un lado a otro, berreándole al micrófono y dotando a su show de cierto componente cómico gracias a su gracejo natural (“qué mareo, la virgen”, dice uno de ellos en un momento de descanso), no se sabe si intencionado o no. En lo musical, cuando no se ponen a recitar sus versos sobre bases de hip-hop, directamente traen un show de EDM, y especialmente Ayax exhibe una pasión desbordante sobre las tablas o debajo de ellas: en un momento del show baja a la pista e incluso agarra de la mano a un fan de la primera fila. Por poco le cruje los dedos.
La «fiestuqui» de Black Eyed Peas
Lo peor de la sociedad mallorquina puede reunirse en la zona VIP viendo a Black Eyed Peas, fácilmente. Ya lo dice Juan Sanguino: Black Eyed Peas gusta a la gente que dice “fiestuqui”. Lo compruebo en Mallorca Live. Aquí hay influencers de medio pelo, pijos con pinta de tener yates y clínicas de cirugía estética, jovencitas con los morros de Carmen de Mairena, muchachos repeinados que gritan “let’s go, motherfuckeeers!” cuando Will.I.Am. dice algo.
Ver a Black Eyed Peas en acción es surcar el tiempo a través de la historia del pop de los últimos 20 años. Con el hip-pop de ‘Let’s Get Started’ viajas a 2003, con el electro de ‘Boom Boom Pow’ a 2009, con la EDM de ‘Don’t You Worry’ a 2010 aunque sea de 2022. Su repertorio contiene tantos macrohits que algunos los habías olvidado necesariamente por falta de espacio en el cerebro.
Black Eyed Peas es el ejemplo de grupo pop capitalista por antonomasia, una franquicia musical que básicamente hace su trabajo, esto es, fagocitar modas y escupirlas masticadas, reciclar hits clásicos como hace Hollywood con todos sus “blockbusters”, colaborar con distintas marcas (véase Shakira o Daddy Yankee) o abrir filiales como la carrera de Will.I.Am. en solitario a la que se asocian otros marcas (véase Justin Bieber o Britney Spears). Black Eyed Peas es un universo pop comprimido en tres raperos y una cantante -J. Rey Soul- cuyo parecido a Fergie no es disimulado. Todo parecido con la (antigua) realidad es buscado e intencionado.
El público recibe desbordado, eufórico, fuera de cuerpo, el remix reggaetonero de ‘Let’s Get Started’, el tobogán surfero de ‘Pump It’, los breakdance random de apl.de.ap, las referencias de Will.I.Am. a las “mamacitas” y a “mis chicas latinas”, el “Britney bitch”. La pista se viene abajo con el house sísmico de ‘This Time (Dirty Bit)’ y directamente implosiona en ‘I Gotta Feeling’. Mientras, en el escenario, la energía es caótica, los cuatro integrantes actúan sin orden ni concierto (al final son MCs, no una boyband) y la energía navega entre la pachorra extrema de Will.I.Am. que coge el micrófono como quien agarra el mando de la tele mientras se está quedando dormido, la pose pseudo-heroica de Taboo, la vibra adolescente de apl.de.ap. y la presencia de J. Rey Soul, simplemente agradecida de estar ahí, existiendo. Le ha tocado el gordo cantando para un grupo que se mantiene imparable, pese a quien pese.
Para recuperarnos del chute ultrapop de los BEP nos pasamos brevemente por el show de Black Rebel Motorcycle Club, una exhibición de virtuosismo rock que resulta fascinante en su búsqueda de diferentes ángulos y texturas. Me habría quedado de no ser porque tocaba descubrir otro de los platos fuertes de la jornada.
Xavi Torrent
Me muero de curiosidad por ver a Quevedo en directo. Su show, supuestamente donde quiere estar, no se sostiene demasiado: las canciones son disfrutonas, su disco no está mal entero, pero es evidente el apoyo del directo en los efectos escénicos, en los chorros de humo constantes, más pesados que la alarma del “soundsystem” jamaicano en un concierto de Bad Gyal (con la que ha colaborado), mientras el canario actúa con más o menos energía, evidentemente encantado de estar allí, pero sin ofrecer mucho más que su mera presencia. El show de Quevedo es una “listening party” de su disco llevada al contexto de macroconcierto festivalero.
Pero al César lo que es del César: como dice Lola Indigo, Quevedo es un “hitmaker” y de hits su show va sobrado, aunque ‘Playa del Inglés’ o ‘Vista al mar’ son meros peajes para llegar a LA CANCIÓN. Después de un intento de bis que dura lo mismo que un audio de TikTok, es momento de que la pista colapse con la sesión de Bizarrap. Presenciarla en directo es presenciar el fenómeno -porque no tiene otro nombre- en su envergadura real. Es impresionante la comunión que crea el estribillo de “Quéeedateee” y a Quevedo se le dibuja media sonrisa en la cara, como atónito por semejante éxito. La verdad es que no me parece la mejor sesión de Bizarrap, pero a Quevedo hay que hacerle la ola por todo lo que está consiguiendo: ahora mismo sus cifras superan las de Rosalía.
Poco después de la madrugada Moderat ofrecen su concierto en Mallorca Live. Su propuesta es tan atípica que ni viendo el show cinco veces te deja de sorprender el éxito que ha alcanzado: no todos los grupos que hacen electrónica «fina» son tan masivos, pero claro, ellos han sabido respetar la seriedad de su música sin renunciar a los subidones populistas que requiere una presentación festivalera. Apparat sigue desempeñando con gran habilidad ese papel de «frontman» a lo Dave Gahan del siglo XXI que le ha caído del cielo casi sin quererlo, y la magia que crean él y Modeselektor sobre el escenario sigue siendo incuestionable: pura brujería electrónica que no renuncia a las grandes emociones.
Hablando de Valencia, Diego Escriche de La Plata ha grabado el segundo disco de La Culpa, como ya hiciera con su debut. Su primer disco ‘La Culpa’ llegaba hace un año, durante la primavera de 2022, dejando pequeños éxitos en el underground como ‘Mágico trágico’, aptos para seguidores de Los Punsetes o Parálisis Permanente. Y ahora tenemos entre manos su segundo largo, ‘Cuando amanece’, que viene con algunas novedades.
La primera es una serie de cambios de formación: sale Tania y entra Cohete a las voces. La segunda es que desde su sello Humo aseguran «que los riffs son más At The Drive In que antes, las melodías igual de emotivas, las letras incluso más crípticas en su aparente simplicidad, la intensidad está redoblada».
Lo que permanece inalterable es el espíritu, manifestado en una portada que vuelve a recurrir a dos niñas como recién salidas de ‘El pueblo de los malditos’, y también por los dardos post-punk. ‘Mirar desde lejos’, ‘Tu cara idiota’, ‘Quemado’ (con esas guitarras tan Siouxsie) y ‘Nos vemos de noche’ (una versión de los también valencianos Yorch) están entre las pistas fundamentales de un álbum que ya están presentando por todo el país.
Hoy sábado 20 de mayo estarán en La Residencia de Valencia, el 26 en Meteoro (Barcelona), el 27 en el Afloraries Fest de Vic, y el 8 de julio en 16 Toneladas.
Está el foco mediático centrado en Valencia en la política, porque la nueva Generalitat se decidirá por un escaño, y también debería estarlo en lo musical. Propuestas como la de La Plata o el colectivo Toxic Pop han representado en el último lustro a una generación de artistas DIY que no quieren saber nada de los campamentos de composición, ni de la industria, ni de las superproducciones como churros.
Ahora La Plata nos han dado una grata sorpresa. En principio, su debut ‘Desorden‘ y su continuación ‘Acción directa‘ eran proyectos de post-punk, publicados cuando no tantísima gente quería hablar de Joy Division, Parálisis Permanente y Décima Víctima. Cuando todo estaba empapado de trap. Este EP de 4 canciones llamado ‘Sueños’ ya no tiene casi nada que ver con aquello.
Influidos por la entrega de un tema llamado ‘Real’ para la serie de ‘La Ruta’, La Plata exploran ahora otro tipo de sonidos. Ojo, en sus discos los teclados de Patricia Ferragud siempre habían sido muy importantes. Es solo que ahora tienen otro color. Tanto en ‘Lejos’ como en ‘Volar’ su referente parece el trance de Robert Miles, siendo la primera abiertamente un tema de drum&bass y la segunda una canción de shadow pop que podría haber entonado Rojuu.
Y es que las canciones de ‘Sueños’ pululan entre la esperanza y la desesperanza -como siempre-, en la primera pista más optimista («quiero ser una estrella, sin miedo a la gravedad»); en la segunda, más triste. «Me siento sin aire, desaparezco como si no fuera real / Como si esta vida no fuera la mía, y yo llevase puesto un disfraz». En la canción titular, los ‘Sueños’ son directamente «Pesadillas» con una María Egea con la voz procesada al modo de los momentos más esquizofrénicos de Crystal Castles.
La Plata cierran esta obra con un número igualmente inesperado. Porque no es que ellos se hayan sumado a modas como el drum&bass, y ya. Sí han procesado baterías orgánicas, han tomado líneas de bajo del dub, guitarras del nu metal, e ideas del anime, los videojuegos y el digicore. Pero en ‘Ángel gris’ lo que ofrecen es un número post-grunge, de guitarras eléctricas sucias al modo en que lo habrían hecho Smashing Pumpkins en 1993. «Porque este mundo no lo entiendo, lo quiero parar», entona Diego Escriche, que también ha sido el responsable de la grabación del EP. Una grabación en la que cualquier cosa puede ayudarle a expresar sus conocidos sentimientos de alienación.
Pasadas las novedades de este viernes, alguien ha movido ficha esta madrugada. A Beyoncé le gusta estrenar cositas en sábado, de vez en cuando, y hoy es el turno del remix de ‘AMERICA HAS A PROBLEM’, una de las pistas más escuchadas de ‘RENAISSANCE‘, que además ahora viene con sorpresa.
Nada menos que Kendrick Lamar, a punto de llegar a Primavera Sound, entona ahora el primer verso de la canción. En su rap habla de la industria (Universal), de mentir en un rap, de pertenecer al fandom de Beyoncé y de inteligencia artificial. “Hey, espera un momento, incluso la IA tiene que practicar para clonar a Kendrick», dice en uno de los momentos destacados.
Beyoncé y Kendrick Lamar ya habían colaborado antes en otras pistas, mucho antes de este remix para un tema extraído de ‘RENAISSANCE’. En concreto en ‘Freedom’, una de las canciones fundamentales de ‘Lemonade’, y también en ‘NILE’ de la banda sonora alternativa de ‘El Rey León’.
Por otro lado, continúa la gira mundial de este álbum de Beyoncé, de momento sin vistas a que llegue el «Acto 2» de ‘RENAISSANCE’ en ningún momento cercano.
Jessie Ware mantiene una semana más el número 1 de nuestro top con ‘Begin Again’. Está imbatible tanto en la web como en el Desempate de Twitter. Lana del Rey y Vicco tienen que conformarse con la plata y el bronce, mientras Janelle Monáe llega al puesto 8 con su tema más sexual, ‘Lipstick Lover’.
Hacia la mitad de la tabla llegan Fred again.. y Sílvia Pérez Cruz, mientras en las últimas posiciones se clasifican Victoria Monét, Surfin Bichos y el reciente top 1 en España, Saiko.
Mallorca Live vuelve a celebrarse este año en su fecha habitual, mayo, en lugar de en junio como el año pasado. El calor aprieta menos, de hecho, las previsiones daban lluvia. De momento -interesantísimo esto- hace nublado y toca abrigarse, aunque no es necesario ir al extremo de rusowsky, que parece Nanuk el esquimal vistiendo abrigo y capucha. De alguna manera nos está queriendo decir que prefiere no ser visto o reconocido, algo que encaja con la calidad intimista de su música.
Evidentemente, el directo de rusowsy es diferente: los ritmos bailables siempre han estado ahí, como en ‘So So’, pero los festivales no parecen el contexto idóneo para sus producciones. Así, a Ruslán el público le puede salir un poco duro de roer, como es el caso de Mallorca Live, en el que tiene que animar reiteradamente al público para que mueva una extremidad. rusowsky parece algo exasperado, pero tampoco es que lo ponga fácil cuando sobre el escenario le vemos simplemente caminando de un lado a otro con desgana, más tapado que un siberiano, evitando en todo momento el contacto visual.
Unas horas antes, también Judeline debe pedir a la gente que se acerque a su escenario. Los artistas actúan con más seguridad cuando perciben el calor de su público, y últimamente hasta Beyoncé ha protestado por percibir a su audiencia algo adormilada, lo cual tiene delito porque es público objetivo. Por contra, Lara Ferández canta para pocos fans y sobre todo para curiosos que se aproximan a su música por primera vez (pero no al escenario). Ella exhibe una voz maravillosa (a nadie extraña que Rosalía se encuentre entre sus fans) aunque a su repertorio le siguen faltando canciones más definidas. ‘Zahara’ es por supuesto su pieza más celebrada, pero, ojo, porque Judeline cierra el show con una inédita, basada en un beat de funk carioca, que es sin duda su producción más contundente hasta la fecha.
De cara a la presentación de Rojuu, que sigue moviendo masas con su emopunk autotuneado curtido en internet, con guitarras eléctricas que afilan como cuchillos, empieza a perfilarse el público de Mallorca Live, una mezcla tan variada y multigeneracional como el mismo cartel, que atrae todos los gustos que pueden existir dentro de un festival.
Xavi Torrent
Tampoco tienen problema alguno con su público Vetusta Morla, excepto por la pareja de influencers que tengo delante haciéndose fotos, más interesados por supuesto en ellos mismos. El grupo también llamado “los de Pucho” por cualquier crónica que se precie pueden decir que no mueven masas por razones de nostalgia, sino porque han sabido reinventarse disco a disco. El de ‘Cable a tierra’ puede ser su espectáculo más impresionante a nivel visual, hasta el punto de que da miedo imaginar de qué es capaz en el futuro. Ya da la sensación de que son algo así como los U2 españoles, solo que ellos ahora están interesados en investigar el folclore latinoamericano y, como inspirados por El Madrileño, dotan su directo de un componente tecnológico y visual importante, con una presencia de pantallas imponente. Detrás suyo, claro, la cortina de tiras multicolor que aparece en la portada de su disco. Y las canciones siguen funcionando a modo de himnos masivos: en ‘Copenhague’ el océano de pantallas de móvil inunda la pista.
La sorpresa de la noche la da Natos y Waor, sorpresa para quien no les siguiera de antes, claro. También ellos ofrecen un show bastante espectacular a nivel visual, pues incorpora hasta pirotecnia, y lo interesante es que renuncian a rapear exclusivamente sobre bases de hip-hop: también los beats bailables forman parte de su repertorio, como los de ‘Sudores fríos’. En un momento dado hasta se sientan en sendas sillas a cantar en acústico, en contraste con los momentos más enérgicos, en los que Natos exhibe una voz forzadísima que espero no termine en afonía. Se da un curioso contraste entre la pose de malotes de Natos y Waor y sus sentimentales letras, pero por lo menos aparecen entregadísimos y clavando la mirada a su público, que es bastante masivo también.
Javier Bragado
The Kooks dan el concierto estrella de la jornada. Es curioso el inicio con una de sus canciones más populares tocada en acústico, ‘Seaside’, y el repertorio se extiende por todo su catálogo con muy pocas concesiones a su último disco. El sonido es excelente, da gusto ver a Luke Pritchard manteniendo su personal timbre en muy buen estado. Sencillamente, un concierto muy agradecido de aquel género musical que un día llamamos “indie” (y que probablemente seguimos llamando “indie”), en el que el público tuvo su papel protagonista coreando la melodía de ‘She Moves in Her Own Way’.
Como siempre vale la pena acercarse a los escenarios pequeños del festival y disfrutar de conciertos que no por no ser masivos son menos interesantes. De hecho, Alien Tango ofreció uno de los shows más divertidos de la jornada presentando su loca música llena de samples histéricos, sonidos psicodélicos y melodías pop en toda regla. Como una mezcla entre Sparks y Ariel Pink, Alien Tango se preocupa de que verle en acción sea tan divertido como escucharle en disco, y lo consigue.
Quien pensara que la canción ganadora de Eurovisión 2023 no iba a sonar se equivocaba. Aunque mañana hubiera un cataclismo y ‘Tattoo’ desapareciera por arte de magia de todo el mundo y de todas las playlists también, puede conformarse con lo que ha conseguido ya. Van 76 millones de streamings en Spotify.
‘Tattoo’ ya había hecho alguna incursión en listas internacionales, sobre todo nórdicas, antes de Eurovisión. Y su victoria ha sido su consolidación. Ha estado incluso en el top 5 del Global de Spotify, por ejemplo llegando al número 1 en una tierra tan competitiva para una artista sueca como es Reino Unido. Y en este país finalmente entra directamente al top 2 de la lista oficial semanal, tan sólo por detrás de ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding. Solo 4.000 unidades la han separado de la cima (38.000 vs 42.000).
Este dato mejora el top 3 de ‘Euphoria’ -ganadora de 2012, también de Loreen- en su momento. Pero es que además la canción nueva tiene la estética trance necesaria para ser apoyada por playlists de hits actuales e incluso en Today’s Top Hits la han abrazado.
‘Tattoo’ ha sido número 1 en Suecia, Holanda, Islandia y Letonia, y también ha alcanzado el top 10 en Alemania, Finlandia o Irlanda. Respecto a España, podemos esperar una posición similar a la italiana: un top 25.
Respecto a otras entradas en listas británicas, el número 6 para ‘Cha Cha Cha’ de Kaarija no está nada mal. ‘I Wrote a Song’, de Mae Muller, la representación británica, logra llegar al número 9 pese a su mala posición en Eurovisión. Y ‘Queen of Kings’ de Alessandra, la representante noruega, se cuela en el número 10.
La canción israelí llega al 45, la austríaca al puesto 48, la polaca al puesto 56, la belga al 63 y la francesa al puesto 94, entre otras entradas. Una fantasía que recopilamos a continuación:
02 Tattoo (Suecia)
06 Cha Cha Cha (Finlandia)
09 I Wrote a Song (UK)
10 Queen of the Kings (Noruega
35 Mountain (Sam Ryder, UK 2022)
45 Unicorn (Israel)
48 Who the hell is Edgar? (Austria)
56 Solo (Polonia)
63 Because of you (Bélgica)
79 Promise (Australia)
92 Break a Broken heart (Chipre)
94 Evidemment (Francia)
95 Heart of Steel (Ucrania)
Paulina Rubio ha venido a España, primero para actuar en el Orgullo de Maspalomas, y después para hacer una ronda de entrevistas en promoción de su single ‘No es mi culpa’, publicado hace un par de meses.
Cada entrevista concedida ha sido una aventura diferente, en cada caso. Su paso por el programa ‘Y ahora Sonsoles’ con Sonsoles Ónega no pudo ser más accidentado: Paulina llegó tarde, el programa era en directo, la presentadora no sabía dónde se había metido, y tras verla aparecer, justificándose por un atasco, tuvo problemas con el micrófono. Por no hablar de ese momento de la conversación en que le preguntaba por Rocío Jurado y Paulina respondía que se la acababa de encontrar en el AVE: «Es mi hermanita. Justo estaba hablando con ella que venía llegando de un AVE. Yo la quiero mucho», respondía confundiendo a Jurado con Carrasco.
Mejor aún era su intervención en Showriano. Ahí se enredó con la presentadora tratando de dilucidar lo que era tener «un trocito de España en casa». Paulina considera que su hijo es un «trozo de España», pero la presentadora esperaba más bien que se hubiera llevado «una piedra del Teide». La salida de Paulina Rubio ante la broma fue «Limpiáme el culo si puedes, coño. ¡Que me limpies el culo!», al tiempo que se levantaba y daba la espalda a Eva Soriano, como para que en efecto le limpiara el culo.
También ha sido noticia otra entrevista en la que Paulina Rubio reivindica su derecho a llevar gafas de sol durante las entrevistas si le apetece. «Yo ya estoy en el quinto piso…» ha justificado, al tiempo que dedicaba un buen rato a explicar por qué es importante irte a tiempo de una fiesta.
¿Pero es que Paulina Rubio no hay concedido una entrevista normal? La de Shangay podría parecerse a algo de eso, hablando de su próximo disco (aunque ella considera que el de 2018 es reciente), de por qué su single dura 2 minutos (porque es la moda), de su admiración mutua con Demi Lovato y de algunos personajes de la Movida Madrileña, a destacar Alaska, con quien acaba de presentar un single conjunto para una película.
Dice de ella: «La amo, porque la conozco desde los 80. Yo me vestía de amarillo en Timbiriche y ella ya estaba en una banda. Igual que en esa época fui conociendo a Enrique y Ana, Parchís, José María Cano, Nacho Cano, Ana Torroja, Miguel [Bosé]… En toda esa movida yo era la más chica, pero siempre quería estar con todos, era la más fan. Que ahora Alaska se acordara de mí para esta canción ha sido muy bonito. Somos leyendas, pero con muchas ganas de seguir y ofrecer cosas diferentes».
La persona que más ha servido esta semana ha sido Paulina Rubio. Gracias a su camello por dios 🙌 pic.twitter.com/ayWVSeMpmh
Miley Cyrus ha concedido una larga entrevista de portada al Vogue británico. Al contrario de lo que sucede en algunas ocasiones con las revistas de moda, esta vez sí merece la pena prestarle atención, pues Giles Hattersley ha logrado hacerse con la confianza de Miley. Y eso que durante los primeros 20 minutos apenas hay contacto visual entre artista y periodista, como cuenta Giles.
La autora de ‘Flowers‘ pide que el artículo no sea una queja sobre ser mujer en la industria musical. «No necesito que sea una historia de empoderamiento de mujeres. Llevo puesto mi empoderamiento a todas horas. No necesito profesarlo», indica, pese a ser muy crítica en la charla con el modo en que fue tratada por la prensa en la era ‘Bangerz’.
Cyrus recuerda: “Estaba buscando atención para mí misma porque me estaba separando a mí misma del personaje que había estado interpretando. Cuando tienes 20 o 21 años tienes mucho que demostrar. «No soy mis padres». «Soy quien soy» (…) Llevé mucha culpa a mis espaldas durante años por la mucha controversia y disgustos que causé. Ahora que soy adulta, me doy cuenta de lo severamente que me juzgaron. Fui juzgada injustamente como niña por adultos, y ahora como adulta, me doy cuenta de que nunca juzgaría severamente a ninguna niña”.
En cuanto al éxito que está teniendo ahora mismo ‘Flowers’, y a raíz de un comentario que le hizo Lil Nas X sobre si eso le agobiaba, Cyrus se muestra muy escéptica. “Puedo ser número 1 ahora, pero luego vendrá el número 2. Todo es estacional. Muchos titulares dicen “Este es el momento de Miley”. Y eso pienso. Que es un momento. Y que se acabará. Y no es pesimista. Es la verdad y me parece bien. De hecho lo prefiero. No me gusta seguir siendo grande”. Lo cual lleva a otro punto interesante de la entrevista: por qué no realiza giras.
Miley asegura llevar una vida muy tranquila en Los Ángeles, en la que antepone su salud física y mental ante todo. No bebe hace 2 años, practica ejercicio, las únicas personas a las que ve son sus amigos gays. Con ellos hace sesiones de Nicki Minaj, Britney Spears y el ‘Vogue’ de Madonna. Desprecia los conciertos llenaestadios y la experiencia de dar un concierto en general. Asegura que no le gusta tocar para 100.000 personas porque «no hay conexión, ni seguridad. No es natural. Es desolador porque estás frente a 100.000 personas y estás sola».
Continúa: «Después del último concierto que di en 2014, me lo planteé como una pregunta. Y no puedo. No solo no puedo porque no poder depende de tu capacidad. Es mi deseo. ¿Quiero vivir mi vida por el placer de los demás o completar el mío propio?».
De hecho, cuenta que hace poco se le acercó un/a autor/a con una canción para ella que versaba sobre estar «jodida en el club». Miley la rechazó porque al llevar 2 años sin beber no la representaba. Por el contrario, eso le ha llevado a escribir otra canción que espera que salga pronto. Por lo que parece, la última línea del artículo podría ser una parte de la letra o representar su espíritu: «I know I used to be crazy. I know I used to be fun. You say I used to be wild. I say I used to be young.”
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