Andy Rourke, bajista de los Smiths, ha muerto a los 59 años. Tenía un cáncer y se llevaba semanas rumoreando que su estado de salud era muy delicado.
Ha sido Johnny Marr, icónico guitarrista y co-autor junto a Morrissey de los Smiths, quien ha comunicado su fallecimiento en las redes sociales. «Andy será recordado como un alma hermosa y encantadora, por todos aquellos que lo conocieron, y como un músico increíblemente talentoso, por los fans de la música».
El productor Stephen Street, ingeniero de sonido de la mítica banda, ha estado entre los primeros que han tenido también unas palabras de afecto para Andy. Por su parte, el batería Mike Joyce también ha comentado que Andy «no solo era el bajista más talentoso con el que ha tenido el privilegio de tocar, sino el tipo más dulce y divertido que jamás ha conocido». Continúa: Andy nos ha dejado pero el legado musical es para siempre. Ya te echo de menos. Siempre en mi corazón, compañero”.
Dudábamos sobre si Morrissey tendría unas palabras para Andy Rourke, pues su relación no era buena después de haberse visto en los tribunales por derechos de autor de los Smiths. Sin embargo, sí ha decidido enviar un comunicado. Estas han sido sus palabras: “A veces, una de las cosas más radicales que puedes hacer es hablar claramente. Cuando alguien muere, aparecen los halagos habituales… como si su muerte hubiera ocurrido para ser utilizada. No estoy preparado para hacer esto con Andy. Solo espero… dondequiera que Andy haya ido… que esté bien. Nunca morirá mientras se escuche su música. Nunca conoció su propio poder, y nada de lo que tocó había sido tocado por otra persona. Su distintivo fue totalmente espectacular y poco convencional y demostró que ciertas cosas se podían hacer. También era muy, muy divertido y muy alegre, y después de los Smiths mantuvo una identidad estable. Nunca manufacturó ningún movimiento. Supongo que, al final de todo, todos esperamos sentir que fuimos valorados. Andy no necesita preocuparse por eso».
Rourke tocó en todos los discos de estudio de los Smiths, desde su debut en 1984 hasta su despedida en 1987, ‘Strangeways, Here We Come’, lo que incluye su obra maestra ‘The Queen Is Dead’. Después estuvo vinculado al supergrupo Freebass con Peter Hook y Mani; o a D.A.R.K. junto a Dolores O’Riordan, hasta la muerte de esta misma.
It is with deep sadness that we announce the passing of Andy Rourke after a lengthy illness with pancreatic cancer. Andy will be remembered as a kind and beautiful soul by those who knew him and as a supremely gifted musician by music fans. We request privacy at this sad time pic.twitter.com/KNehQxXoFz
Tras su estupendo debut, ‘Forats negres’, Aida Giménez aka GUINEU sigue adelante con su concepto de “cuqui-trash”. Pero su música ni es cuqui ni es trash. Como categoría o adjetivo suena genial y mola mucho, no lo vamos a negar. Pero puede dar una sensación errónea. Sí, la música de GUINEU entra fácil, es inmediata y muy resultona, pero tiene la suficiente garra, la suficiente mala leche y el suficiente curro encima como para situarse muy por encima de esa ingeniosa etiqueta.
‘Forats negres’ ya era un buen compendio de drama post-adolescente pasado por el filtro de hit tardonoventero, de pop-punk alternativo pulcro (y por favor, leed lo de pulcro como un piropo). En ‘Una sacsejada’ Aida mejora esta fórmula de melodías pegadizas, guitarras espitosas, sintetizadores ochenteros, melancolía y duración ajustadísima. Nada sobra, nada falta.
‘No ha parat de ploure’, con su inicio a base de teclado lluvioso, su equilibrio entre calma/ruido, euforia/melancolía y sus ¡dos estribillos!, debería ser ya un hit. Pero no es el único. El disco está lleno de pepinazos: ‘Vull sortir i no puc’ empieza como una balada synth pop, para despegar a continuación con un subidón. Se pega cosa mala, especialmente cuando Aida canta “em moro, no puc estar així tota la vida” (“me muero, no puedo estar así toda la vida”).
GUINEU se desparrama en la melancolía acelerada de ‘Un riu, una platja’. Y luego llegan los dos puntos álgidos de este disco: ‘No ho supero’, que destila toda la nostalgia de echar de menos un pasado que, aunque reciente, no deja de ser pasado. Todo en apenas 2 minutos y 15 segundos: “Te’n recordes? Èrem felices i no ho sabíem” (“¿Te acuerdas? Éramos felices y no lo sabíamos”). El segundo cénit es el single de presentación ‘Què em passa (No sé què faig)’, una rendida y espídica declaración de amor que arrasa neuronas
Pero no todo es nostalgia y amor. También hay costumbrismo de varios tipos: el adolescente, el de los amigos que no saben qué (te) quieren en ‘Què vols de mi?’. El de especulación vital en ‘No sé’. Y el amargo en ‘De bones’. Su inicio levemente The Cure puede confundir, porque es otro dechado de punk-pop urgente: un lamento sobre la expareja que triunfa en la vida después de haberte dejado tirada. GUINEU logra hacer cuqui una canción que destila bastante bilis: “Una bona melodía per odiar amb bon gust els dimonis que m’inspires” (“Una buena melodía para odiar con buen gusto los demonios que me inspiran”). Esos versos son casi, casi la definición del disco.
En ‘Una sacsejada’ GUINEU logra el equilibrio entre ser comercial y muy personal. La deberían adorar tanto los que solo escuchan música en RAC 105, las y los skate kids, los adolescentes alternativos de hoy, como las señoras y señores que vivimos nuestra adolescencia en los 90.
Hoy 19 de mayo se publican los nuevos discos de Kesha, Lisasinson, Lewis Capaldi, Isolée, Tanlines, Tinariwen, Mandy Indiana, bar italia, Daniel Avery, Sufjan Stevens… Los recopilamos como siempre en nuestra playlist de novedades READY FOR THE WEEKEND.
Además, como os hemos venido contando, hay suculentos adelantos de los nuevos álbumes de Blur, Kylie Minogue, Róisín Murphy, Anohni and the Johnsons, o Genesis Owusu, algunos de los cuales no esperábamos en absoluto.
Rigoberta Bandini y Chanel vuelven a coincidir en día de lanzamiento como en los tiempos de ‘Ay Mamá’ y ‘Slomo’, cada una con un tema veraniego totalmente sui generis. También lanzan single Bad Bunny, Post Malone, Maroon 5, Foo Fighters, Kelly Clarkson, Ana Tijoux (parte de su primer disco en 9 años), Zara Larsson, H.E.R., etcétera.
Entre las curiosidades del día, a Jason Derulo le ha dado por samplear a Dido y Anne-Marie saca tema con Shania Twain.
Es día de lanzamiento igualmente en el underground patrio y ahí tenemos que atender a novedades de gente tan interesante como BRONQUIO, Cariño, Anne Lukin, Blanco Palamera, airu, Tórtel, yavy, Melenas, RRUCCULLA…
Este viernes aparece entre las novedades del día un tema nuevo de Lana del Rey. Tan solo un par de meses después de su último disco, ‘Did you know…’, del que todavía no nos hemos recuperado.
El lanzamiento de ‘Say Yes to Heaven’ responde a las demandas de TikTok. Pensada inicialmente para ‘Ultraviolence’, pero descartada de aquel disco, y después de ‘Honeymoon’ y ‘Lust for Life’, la canción no ha dejado de circular por la red de diferentes formas. La Wikipedia de fans de Lana da los detalles sobre de qué manera ha pululado por la red desde 2016, especialmente.
En los últimos tiempos ’Say Yes to Heaven’ ha protagonizado decenas de vídeos en TikTok, algunos muy virales. Y en parte ha circulado en una versión “sped up”, lo que ha producido que Lana del Rey dé su brazo a torcer, y no solo comparta una versión definitiva de la canción, sino una versión “sped up” que sin duda será incluida en las correspondientes playlists sobre temas acelerados de TikTok.
En cuanto al tema en sí, escrito junto a Rick Nowels, no es que estemos ante la canción más compleja de Lana del Rey. De hecho, su texto es uno de los más sencillos que le hemos visto recientemente. “Si bailas, yo bailaré / Si no, me iré bailando (…) Di que sí al cielo, dime que sí a mí”. ¿Quizá de ahí su éxito? Como curiosidad, incluye una referencia a John Lennon, en concreto a “Give peace a chance”.
Respecto a las canciones de su último disco ‘Did you know…’, ya solo ‘A&W’ resiste entre las más escuchadas de Lana del Rey en Spotify. Ni rastro de su nuevo single ‘Candy Necklace’ pese a su vídeo de buena producción. Veremos si una de las dos versiones de ‘Say Yes to Heaven’ no es precisamente la responsable de echar todo rastro de su nuevo disco de su top…
Bad Bunny tiene varias canciones entre las más escuchadas ahora mismo a nivel global. Quizá le haya pillado por sorpresa la aceptación de su colabo con Grupo Frontera, que ha sido número 1 mundial en Spotify. Pero es que también se continúa escuchando ‘Coco Chanel’ para Eladio Carrión.
Varias canciones de ‘Un verano sin ti’ siguen en el top 200 a nivel global, como ‘Me porto bonito’, ‘Ojitos lindos’ o ‘Tití me preguntó’, pero él quiere más. Por eso entre las novedades de este viernes llega un nuevo tema llamado ‘Where She Goes’. Un tema que a pesar de su título no está en inglés. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
Por un lado, ‘Where She Goes’ es una canción de desamor, celos y despecho («Baby, dime la verdad, si te olvidaste de mí, yo sé que fue una noche no más, que no se vuelve a repetir»). Se dirige a una persona con la que solo estuvo en una ocasión. Y por otro, es una balada amarga que luego se acelera, dejando entrever un ritmo house próximo a la cultura ball, entre otras referencias noventeras. La atmósfera es oscura, en sintonía con el vídeo de corte onírico.
El vídeo es una travesía de Bad Bunny por el desierto de California, en el que mientras se pregunta «dónde está ese totito», se le aparece una fiesta orgiástica ilegal, en la que abundan los invitados y las invitadas, y en la que las gallinas hacen playback. Entre los invitados especiales figuran Ronaldinho, Frank Ocean, Lil Uzi Vert, Dominic Fike… y otros que podéis encontrar al final en los créditos de la canción.
Por otro lado, en el vídeo aparece un tablón anunciando algo llamado ‘NADIE SABE’, que hay quien cree que puede ser un nuevo álbum del cantante. Es demasiado pronto, pero solo hay que recordar la cantidad de lanzamientos que aglutinó alrededor de 2020. De momento, ‘WHERE SHE GOES’ ha sido abrazada por la playlist de Spotify más influyente, Today’s Top Hits, por lo que una anécdota en su carrera no va a ser.
El cóctel de los Premios MIN previo a la celebración de la gala es un “quién es quién” del indie nacional, una “Sesión de control” que ha cobrado vida. En la alfombra roja, la presentadora Samantha Hudson responde preguntas de la prensa mientras Nacho Vegas espera atrás su turno, mirando al horizonte. De un lado Karmento saluda feliz a viejos conocidos. Del otro comparten un rato de charla Carlangas y Javiera Mena. Bajas la cabeza, la subes y te encuentras a Christina Rosenvinge. Haces “chas” y La La Love You aparecen (a tu lado). De mimosa en mimosa, de canapé en canapé, mientras un grupo de jazz como llegado de 1940 ameniza el ambiente, el momento de los MIN va llegando.
Alojándose este año en Palma de Mallorca, además coincidiendo en el tiempo con el Mallorca Live, los premios MIN se entregan en el Auditorium y miman especialmente el trabajo de Los Estanques y Anni B Sweet, grandes ganadores de la velada con 5 premios por delante de las favoritas iniciales, Tanxugueiras, que se llevan 2 (y muy agradecidas). También Biznaga pisan repetidas veces el escenario, mientras shego recogen su estatuilla con especial entusiasmo, celebrando a las mujeres músicas y sobre todo “a las lesbianas”.
También Las Migas piden aceptando su premio que haya “más mujeres encima de los escenarios”, en una clara reivindicación de la equidad en los carteles de los festivales. Pronuncian estas palabras en la misma noche en que Samantha Hudson recuerda que nunca los premios MIN han contado con tantas mujeres nominadas. Lo irónico es que lo cuenta justo antes de que se entregue el premio a Mejor Letra a Xavibo, el único “chico cis heterosexual” nominado en esta categoría.
Solo podía ser un acierto contar con Samantha Hudson como maestra de ceremonias, y sus continuas apariciones en el escenario son lo más esperado de la noche. Hudson abre el show con un pedazo de actuación, acompañada por un “homosexual que toca el piano” de identidad desconocida. Canta ‘Fes-me el favor’, una balada sobre dejarse llevar en la que la “Norma Duval de la izquierda” exhibe sus grandes dotes vocales, las cuales quizás no habías adivinado escuchando ‘Adicta al sonido’, por ejemplo. Hudson aprovecha por supuesto para celebrar sus raíces mallorquinas, pues ella quiere ser la “Mesías de las Islas Baleares”, y se supera varias veces a lo largo de la gala, sobre todo cuando se ríe de sí misma, pero también cuando alude al consumo de Popper que representa “un Juernes cualquiera para Froilán” o cuando hablando de la presencia de mujeres en las nominaciones, asegura no querer asumir el género de nadie porque “Zahara últimamente está muy no binaria”».
Entre premio y premio se suceden las actuaciones en directo: Karmento vuelve a enamorar con ‘Quiero y duelo’, Las Migas animan el ambiente con su alegre rumba, Xavibo con la frescura de la “generación Z”, shego disparan su furia guitarrera, La La Love You inyectan su energía punk-pop con ‘El principio de algo’, O-ERRA se montan un show disco-teatral y Los Estanques y Anni B Sweet, cual ganadores de Eurovisión, tocan últimos.
A Hudson su “querido y bello púbico” (sic) le resulta un pulso en varios momentos. Ni una, ni dos, ni tres veces Hudson se sale de guion (aparentemente) para subrayar -no tan en serio- el “coñazo” que está siendo la gala. Ella se refiere a todas las galas en general pero esta en concreto cuenta con invitados a los que no les apetece demasiado seguirle el juego. Cuando Hudson pregunta a Biznaga “qué hace falta para ser una estrella del rock”, la respuesta en resumen es “no sabe / no contesta”. Ginebras derivan una pregunta relacionada con ‘Élite’ a Los Estanques, por alguna razón. A Anni B Sweet tampoco le apetece comentar la variedad escala “TDAH” de su disco. “Sois más escuetos que un vaso de tubo; así es el indie en España”, concluye Hudson provocando las risas de los presentes.
De hecho, muchos de los artistas presentes en los MIN reconocen no haberse preparado un discurso. No esperan ganar (un poco raro estando nominados). Llegado el quinto premio, cuando no le ha dado tiempo a sentarse y ya está aceptando otro, Anni B Sweet ya no sabe qué decir y busca a Iñigo Bregel con la mirada en busca de ayuda. Iñigo, la persona más divertida de la noche después de Samantha Hudson, sabe hacerte reír repitiendo como un loro el mismo discurso una y otra vez, sacando a relucir el absurdo de una gala de premios que el año pasado entregó ocho galardones a Zahara mientras esta comparecía durante 2 horas por videoconferencia… algo que vuelve a suceder en la ceremonia de esta noche cuando la ubetense recibe el premio al Mejor directo por ‘La Puta RAVE’.
Quien sí viene con discurso pensado es Christina Rosenvinge, que acepta el premio honorífico. En un vídeo introductorio celebran su enorme contribución a la música artistas que van de Alaska a Maria Arnal pasando por Nacho Vegas, quien da las gracias a Rosenvinge por haberle hecho revisarse desde un punto de vista feminista. Rosenvinge se muestra encantada: «es curioso ver a tu ex dándote las gracias por haberle echado la bronca». A Rosenvinge habría que darle otro Premio Nacional de las Músicas Actuales solo por sus palabras de agradecimiento: “Considero que todos los que estamos aquí compartimos la misma travesía, mientras que en estas aguas hay un montón de transatlánticos, cruceros y tiburones, nosotros vamos con nuestros pequeños barquitos surcando las aguas y superando tormentas. Todos aquellos que publicáis nuestros discos sois nuestros héroes, ya que la parte divertida nos la llevamos nosotros”.
En la «after party», unas pocas caras conocidas queman la noche. Vicente Navarro lo da todo con ‘SAOKO’ a pesar de no haber recogido ninguno de los premios a los que optaba, Karmento baila que baila, La La Love You hacen grupito, Anni B Sweet se toma una cerveza. Entre hits de Rigoberta Bandini y Bad Gyal sonando a todo trapo, termina la noche del indie en Mallorca.
Blur están a punto de actuar en Primavera Sound tanto en Madrid como en Barcelona. Sabíamos que nos presentarían sus «greatest hits», pero no un trabajo nuevo, y lo cierto es que lo habrá. Será el primero en 8 años, desde que editaran ‘The Magic Whip‘.
El disco se llama ‘The Ballad of Darren’ y no saldrá hasta el 21 de julio, pero ya podemos escuchar el primer sencillo, que se llama ‘The Narcissist’. Una canción guitarrera que busca un final épico, al que llega por acumulación de elementos, recordando tímidamente al final de ‘On Your Own’.
Todos los miembros de Blur han querido tener unas palabras sobre su regreso al estudio:
Damon Albarn: “Este es un disco de réplica, una reflexión y un comentario sobre dónde nos encontramos ahora”.
Graham Coxon: “Cuanto más envejecemos y más locos nos volvemos, se hace más esencial que lo que toquemos esté cargado de la emoción y la intención correctas. A veces, únicamente un riff no hace el trabajo”.
Alex James: “Para que cualquier relación a largo plazo dure y tenga sentido, tienes que ser capaz de sorprenderte el uno al otro de alguna manera y de alguna manera todos seguimos haciéndolo”.
Dave Rowntree: “Siempre ha sido muy natural hacer música juntos. Con cada disco que hacemos, el proceso revela algo nuevo y nos desarrollamos como banda. No damos eso por sentado”.
Os dejamos con el tracklist del largo.
01 The Ballad
02 St Charles Square
03 Barbaric
04 Russian Strings
05 The Everglades (For Leonard)
06 The Narcissist
07 Goodbye Albert
08 Far Away Island
09 Avalon
10 The Heights
Hoy se conocen los horarios de la 30ª edición de Sónar, que se celebra entre los días 15 y 17 de junio en Barcelona con las actuaciones de gente como Aphex Twin, Fever Ray, Shygirl, Oneohtrix Point Never o Richie Hawtin.
El jueves 15, como es habitual, solo hay jornada de día, con gente como Marina Herlop actuando a las 17.00, Oneohtrix Point Never haciéndolo a las 18.45, Koda9 con ‘Escapology’ a eso de las 20.20 y Black Coffee cerrando la noche entre 22.00 y 0.00 horas.
El Sónar de Día volverá el viernes 16 ya en la primera jornada completa, con Ralphie Choo actuando tan pronto como a las 15.30. Albany, Crystal Murray y Desert estarán sobre el escenario a eso de las seis de la tarde, mientras The Blessed Madonna actuará entre 20.10 y 22.00 horas. A la misma hora se podrá ver el show 3D/AV de Max Cooper.
Ya en Sonar de Noche, Aphex Twin saldrá a las 22.10, Fever Ray lo hará a las 23.40, Shygirl a la 1.05 y BICEP a la 1.40, en parte coincidiendo con ella. La madrugada será de nombres como Peggy Gou (3.05) y Honey Dijon (3.20), entre muchos otros.
El sábado 17 habrá que ir pronto a Sónar de Día para ver gente como La Niña Jacarandá o la gran revelación nacional Dinamarca. En torno a las 19.30 habrá que escoger entre 2manydj’s invite Peach & Tiga y el set de Sticky M.A. Este último se solapará con Lucrecia Dalt. Horse Meat Disco x Prosumer despedirá Sónar de Día entre 22.05 y 0.00.
Ya en Sónar de Noche Eric Prydz y Koreless coincidirán a eso de las 22.30 mientras Samantha Hudson saldrá a las 23.20. Bad Gyal actuará a las 23.55 lo cual no debería ser un problema porque el set de Samantha está programado 40 minutos. A La Zowi le ha tocado de madrugada (2.05), aunque no tanto como a Little Simz, programada entre 2.50 y 3.50 horas, justo al mismo tiempo que el DJ set de rusowsky. La noche terminará con nombres como Richie Hawtin (4.05) y Angel Molina (5.30).
Bilbao BBK Live anuncia hoy sus horarios. Como sabéis, el festival se celebra entre los días 6 y 8 julio, con JENESAISPOP como medio colaborador y artistas de primera línea como Florence + the Machine, Arctic Monkeys, Fever Ray, etcétera.
El jueves 6 Florence + the Machine actuará a eso de las 22.40, inmediatamente después de M83 e inmediatamente antes de Fever Ray, sin coincidir con ninguno de los dos. A primera hora de la tarde, hacia las 20.00 podrás escoger entre Dry Cleaning y Amaia. Otras actuaciones que podrás ver este día serán las de Villano Antillano, Desire… y ya en la madrugada The Chemical Brothers y Arca.
El viernes 7 Albany y La Plazuela actuarán algo antes de las 18.30 y a la vez. También en torno a las 21.30 habrá que escoger entre Róisín Murphy, Nanpa Básico y Maria Escarmiento. Pavement coincidirá con The Murder Capital, y Phoenix con Daniel Avery. La madrugada será muy diferente a la del día anterior: The Blaze y Baiuca coincidirán algo antes de las 2 de la mañana, y La Élite coincidirá con Jamie xx a partir de las 3.
Finalmente, el sábado 8 los grandes cabezas de cartel Arctic Monkeys actuarán al mismo tiempo que Rojuu, en torno a las 23.00 horas aproximadamente. Love of Lesbian coincidirán antes de eso con 070 Shake (¿acaso compartirán algo de público?), y Young Fathers con Idles tras la medianoche. Dado el éxito de Arde Bogotá, quizá se esté muy a gusto en el concierto de Röyksopp de la 1.50 de la madrugada.
Para posibles cambios, os recomendamos consultar siempre la web oficial de Bilbao BBK Live, donde podéis conseguir también vuestras entradas y abonos como es habitual.
«Padam Padam» era el título de una de las canciones más célebres de Édith Piaf, y desde este año lo es de uno de los singles de Kylie Minogue. Si no te has enterado, desde luego no ha sido por falta de filtraciones. La autora de ‘Fever’ aspira a dejar atrás ese mal sabor de boca con el lanzamiento oficial de ‘Padam Padam’, que llega a la vez que su videoclip.
El disco ‘Tension’, que no saldrá hasta el 22 de septiembre, se compone según información de BMG de «11 pistas plagadas de alegres melodías pop que buscan el placer y hacernos aprovechar el momento». Aseguran que será un disco «lleno de canciones pop sensuales destinadas a la pista de baile, eufóricas y empoderadas». Conocemos de hecho una de las pistas del disco, la divertida y formulaica ’10 out of 10′ con Oliver Heldens, pero es más divertido que ‘Padam Padam’ se considere el primer single oficial y no contenga featurings, porque es una producción con más matices.
Producida por Lostboy (Griff, Anne-Marie, Tiesto), ‘Padam Padam’ presenta un beat más oscuro. Antes de que el estribillo brille o se tuerza -según como se mire-, la cosa parecía encaminada a transitar territorios próximos a Jon Hopkins. Al principio Minogue nos está hablando de los escalofríos que siente al mirarte, de alguien que le resulta familiar, de cómo se va a instalar en tu cerebro todo el fin de semana, de cómo va a acabar todo esto… y en ese momento no parece que nada de esto vaya a ser necesariamente algo bueno.
A la sensación de intriga contribuye el vídeo dirigido por la omnipresente Sophie Muller. Lo ha apostado todo al color rojo, y en este contexto no se sabe muy bien si este es el color del amor, o realmente el del demonio. Ciertos efectos sonoros, la post-producción de algunos planos de la coreografía y el propio martilleo de los «padam» apuntan más bien a lo segundo.
Kylie ha declarado sobre este disco: «Empecé este álbum con la mente abierta y una página en blanco. A diferencia de mis últimos dos álbumes, no había un «tema», se trataba de encontrar el corazón, la diversión o la fantasía de ese momento y siempre tratar de usarla a favor de la canción. Quería celebrar la individualidad de cada tema y sumergirme en esa libertad. Diría que es una mezcla de reflexión personal, rendición al club y subidón melancólico”.
Shakira publicaba el pasado viernes un baladón a piano llamado ‘Acróstico’. El tema recibe su nombre de que las iniciales del primer verso forman el nombre de su hijo MILAN, y las iniciales del segundo verso forman el nombre de su otro hijo, SASHA. Además de formar sendos «acrósticos», Milan y Sasha cantan en el tema y aparecen en el videoclip tocando el piano junto a su madre.
Los tres hablan de un amor que «sirve de anestesia al dolor», que «hace que me sienta mejor». «Para lo que necesites estoy / Viniste a completar lo que soy» plantea de manera sencilla esta composición que Shakira ha escrito con “Keityn”, “Lexuz” y Luis Fernando Ochoa, este último su hombre de confianza desde los tiempos de ‘Pies descalzos’ allá por 1995, mucho antes de que Milan y Sasha nacieran siquiera.
El tema parecía que iba a ser una anécdota como creada para cerrar el disco que prepara Shakira. Una cosa simpática e inofensiva. No ha sido el caso. El tema ha gustado, quizá por su brevedad o por el modo en que la familia va repitiendo la misma melodía, reforzando la idea de amor entre sí. Por mucho que ‘Acróstico’ hubiera podido ser calificada como «ñoña», no ha dejado de subir en listas desde su lanzamiento.
‘Acróstico’ tuvo una entrada modesta en Spotify España, en el puesto 44. Llegó incluso a caer del top 50, pero ahora no para de subir y no toca techo, animada por su vídeo. Tras ser aceptada en la playlist Éxitos España, ha escalado lugares, y en la última lista conocida, sube del puesto 3 al puesto 1. Un rarísimo sleeper que va a ser una de las anti-canciones del verano.
En cuanto al mercado internacional, Colombia, Venezuela y México son sus principales mercados tras España, quizá el país donde más familiarizados estamos con Milan y Sasha por ser también hijos de Gerard Piqué. Aunque hay que empezar a hablar de lo que está subiendo el tema en Estados Unidos.
Ahora mismo escala al puesto 154 en Spotify USA, por lo que una entrada en el Billboard Hot 100, si esto sigue así, no es descartable. ‘Acróstico’ asciende igualmente al número 11 del Global de Spotify, ya con 10 millones de reproducciones en 5 días.
Dice Rockdelux que este es el «mejor trabajo hasta la fecha» de PUTOCHINOMARICÓN. «Afong» es la primera parte de un disco cuádruple y ya supone en sí misma una obra compleja y esquinada sobre la que sabremos más en un futuro muy cercano. Elefant promete la segunda parte dentro de «unos cuantos días».
El proyecto conjunto recibe el nombre de «SMHD (Arte Contenido)». SMHD es el acrónimo de «segundos, minutos, horas, días» y este «Afong» que tenemos entre manos apelaría a los «Minutos». En cuanto a Arte Contenido, Chenta Tsai quiere hablarnos del conflicto entre creador de contenido y artista, de la búsqueda de autenticidad en un contexto de identidades clonadas. Para ello se ha inspirado en Afong Moy, la primera imigrante china en llegar a Estados Unidos en 1834. Allí fue exhibida como «la dama china», lo cual conlleva una reflexión sobre estereotipos e identidades. Se pregunta Chenta qué es la identidad, si algo estático y constante; y si podemos tener múltiples identidades.
Estas preguntas que siempre han pululado por su obra, tanto la musical como la literaria, se rebozan en este disco de 7 canciones en un fondo que sería reduccionista considerar meramente hyperpop. La ‘íntró [éstádó cónstánté dé críngé]’ ya suena de alguna manera a hit de la era Madchester, y lo que define estas composiciones es su constante cambio de estadio, quizá en metáfora de nuestra propia evolución como personas. Tomando el single principal de «Afong», es fácil discernir dónde empieza y termina ‘síndrómé dél ímpóstór‘, cuál es la parte ‘nó mérécé lá péná’ (la más melódica) y que ‘párá nó dár péná’ es la outro. Una colaboración con la poetisa Berna Wang.
También colabora Paloma Chen en ‘ámóré (ábró híló – té ódíó) / chínító dé ámól’, y en la producción, desde Moscú, New Sylveon, en este caso en ‘ántífá káwáíí’. El sonido Kocmo-pok («space disco» en ruso) hace de esta tercera pista una de las más aplastantes, mientras otras optan por los resquicios R&B que PUTOCHINOMARICÓN también trabajó desde el principio. La mencionada «ámóré» podría estar sampleando a Mariah Carey, a Toni Braxton o a alguien así. Un background también presente en ‘pólly dé hácéndádó’, antes de que esta mute en ‘lá gállíná cápónátá’, en la que puedes oírla cacarear, sin llegar a los límites irritantes de este remix de ORTIGA.
En los textos, PUTOCHINOMARICÓN, como siempre, opta por la literalidad total, lanzando cuestiones como «¿Quién nos retrata? ¿Quién nos mira detrás de la cámara?» o «¿Qué es ‘tu visibilidad’? ¿Qué quieres ‘visibilizar’?», como plantea ya en la «íntró» del disco. Los temas hablan de la madurez («no merece la pena explicarle / no te escuchará, aunque te dé mucha pena»), de la búsqueda de la identidad en las nuevas tecnologías (‘mámá hé mátádó á ún sím’) y de la búsqueda de la felicidad en las tonterías de la vida cotidiana. «Hácéndádó» comienza preguntando por un humus de lentejas retirado del mercado.
El tema en el que mejor confluye lo que se quiere contar con texto y música es el final ‘dé dóndé víénés / ní dé áqúí ní dé állá’. PUTOCHINOMARICÓN, que ya colocara su pasaporte español en la portada de un disco para recordarnos su nacionalidad, se refugia aquí en la copla para reproducir preguntas que ha tenido que escuchar demasiadas veces, como «¿De dónde son tus padres?» o «¿Qué pone en tus papeles y en tu documento nacional de identidad?». Pero por supuesto no es una copla al uso, sino que está adulterada hasta decir «basta». Por suerte, no ha escuchado tal voz al producir este disco, en el que ha cabido la voz de un generador text-to-speech chino hablando en español, instrumentos chinos glitcheados hasta quedar irreconocibles, un montón de tildes para tocar las narices del redactor pertinente y un procesamiento extremo de frecuencias. Una aventura sónica que no da una respuesta firme a su pregunta principal sobre la identidad, sino muchas y diversas.
Renovamos nuestra playlist dedicada al pop nacional Sesión de Control con varias incorporaciones que llegan hoy jueves. Ayer os anticipábamos que se acercaba lo nuevo de Blanco Palamera y ya está aquí. Se trata de una colaboración con Barry B llamada ‘Rent Free’. Contiene samples de Xosé Lois Romero & Aliboria. Barry B es colaborador de rusowsky, Ralphie Choo y mori, y precisamente mori tiene nuevo tema con TRISTÁN! Se llama ‘BEATDROP’.
También nos llega hoy jueves lo nuevo de Mujeres. Y en este caso el grupo catalán sorprende porque se trata de una balada y viene acompañada de una web en la que puedes echar una carta, El Buzón de los Sentimientos. Por su parte, Yung Prado lanza ‘Me escondo por el club’, el segundo single de su nuevo álbum, que anticipa ritmos house, bailables y mantras repetitivos.
Del disco ya disponible de Alien Tango hemos seleccionado como favorita ‘Song for FIFA’. Por su parte, Ghouljaboy parece pervertir con mucha maldad las bases más simplonas de Max Martin para Britney y BSB en ‘STAR COLLIDER’.
En cuanto a nuevos artistas, comparte su primera canción CORTE!, el proyecto de Gonzalo Barbero que bebe del post-punk y de lo urbano. Por otro lado, CLOUDE es una joven española que ha estudiado en Londres producción musical, y entrega un ‘Got Tired’ de cierta influencia de PJ Harvey, pero inclasificable, en verdad.
Cerramos esta tanda con el grupo euskera airu (‘En el más allá’ es su registro más tropical y veraniego) y con Andrea Buenavista, el nuevo fichaje de Sonido Muchacho. En este caso, no se parece en nada a Cupido, Carolina Durante, Natalia Lacunza u otros compañeros del sello. Su apuesta es el pop-rock atemporal, próximo de hecho a la ranchera.
Lizzo será la gran invitada del último episodio de la 34ª temporada de Los Simpsons, que se emite en Estados Unidos este 21 de mayo. Lizzo llevará la música al Especial: la veremos empuñar su flauta y animar a Lisa a tocar el saxofón en la melodía principal de la serie animada.
La artista ha compartido en redes su emoción. Como curiosidad, primero informó mal del día de emisión, subiendo entonces el clásico meme de Homer Simpson desapareciendo avergonzado entre los arbustos.
La autora de ‘Special’ y sobre todo de su hit ‘About Damn Time’ se une así a la larga lista de cantantes que han pasado por la serie, como ha sido el caso de Tony Bennett, Lady Gaga, Katy Perry, Zooey Deschanel, Andrea Bocelli y un larguísimo etcétera.
PageSix informa en exclusiva de la ruptura de Billie Eilish y Jesse Rutherford. Una persona que se encarga de representar a Billie Eilish ha declarado a este medio: “podemos confirmar que Billie y Jesse han roto de manera amistosa y continúan siendo amigos”. A continuación, ha negado que haya habido algún caso de infidelidad. En cuanto a los representantes de Jesse, no han querido hacer declaraciones a PageSix.
La pareja no había sido vista junta desde Coachella 2023, donde según este medio, ambos presentaron “un perfil bajo”. Después, Billie fue a la Gala MET sin él.
Billie y Jesse habían empezado a salir hacía poco, tan solo en octubre de 2022, hace menos de un año. Justo por Halloween compartieron unas fotos en las que se burlaban del rechazo que había producido entre los seguidores de Billie Eilish su diferencia de edad. Ella tenía entonces 20 años, y él 31. En los últimos tiempos, Billie ha sido vista abrazada a la actriz Ava Capri.
Esta noche se ha celebrado en Mallorca la nueva edición de los Premios MIN, que se otorgan a la música publicada en sellos independientes. Al margen de las 3 grandes majors: Universal, Sony y Warner. Los grandes ganadores de este 2023 han sido muy claramente Los Estanques y Anni B Sweet por ‘Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado‘, sin duda uno de los Mejores Discos de 2022.
El combo se ha llevado el Mejor Álbum del Año, Mejor Artista, Mejor Canción del Año por ‘Brillabas’, Mejor Álbum Pop y Mejor Producción Musical. Tanxugueiras, que partían con más nominaciones, han arañado galardones en 2 subcategorías, Mejor Álbum de Música de Raíz y Mejor Álbum en Gallego por ‘Diluvio’. Ya puedes leer en este otro artículo nuestra crónica del evento, que fue presentado por Samantha Hudson, con homenaje a toda una carrera para Christina Rosenvinge.
Os dejamos con el palmarés, donde también veréis reconocidos a Biznaga por ‘Bremen no existe‘ y a dos grandes ganadoras del año pasado: Zahara arañó el Mejor Directo, y Rigoberta Bandini el Mejor Vídeo por ‘Ay mamá’.
Premio The Orchard a Álbum del Año: «Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado» de Los Estanques y Anni B Sweet
Premio Amazon Music a Mejor Artista: Los Estanques y Anni B Sweet
Premio Johnnie Walker a Mejor Artista Emergente: shego
Premio Radio 3 a Mejor Canción del Año: «Brillabas» de los Estanques y Anni B Sweet
Premio AGEDI a Mejor Álbum Pop: «Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado» de Los Estanques y Anni B Sweet
Premio Larrosa Music Group a Mejor Álbum Rock: «Bremen no existe» de Biznaga
Mejor Grabación Electrónica: «VISIONES» de Soledad Vélez
Mejor Álbum de Música de Raíz: «Diluvio» de Tanxugueiras
Mejor Álbum de Músicas Urbanas: «Cardioempatía» de SFDK
Premio AIE a Mejor Álbum de Flamenco: «Libres» de las Migas
Mejor Álbum de Jazz: «Trance Sketches» de Jorge Pardo
Mejor Álbum de Música Clásica: «Seda» de Silvia Nogales Barrios
Premio Sympathy for the Lawyer a Mejor Videoclip: Salvador Sunyer por «AY MAMÁ» de Rigoberta Bandini
Premio Ticketmaster a Mejor Directo: Zahara
Premio SAE Spain a Mejor Producción Musical: Iñigo Bregel por «Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado» de Los Estanques y Anni B Sweet
Mejor Álbum en Catalán: «Un Minut Estroboscòpica» de Antònia Font
Premio Etxepare Euskal Instituta a Mejor Álbum en Euskera: «Niña Coyote eta Chico Tornado Vs Don Condor eta Ñora Alacrán» de Niña Coyote eta Chico Tornado
Mejor Álbum en Gallego: «Diluvio» de Tanxugueiras
Premio Air Europa a Mejor Artista Internacional: Fontaines D.C.
Mejor Letra Original: «Llorar al revés» de Xavibo
Premio Marilians a Mejor Diseño Gráfico: Manuel Donada por «Bremen no existe» de Biznaga
Puede que solo sea artificial, como diría aquellla, pero la IA parece tener en sus manos nuestro futuro. Hasta qué punto, es todo conjetura. Nuestro colega Eduardo Noeda de Both Rocks, que ya visitó el podcast REVELACIÓN O TIMO para repasar la carrera de Depeche Mode, es informático y está impartiendo cursos justo sobre esta temática. De hecho, los de junio estarán orientados al mundo de la industria musical. Motivo por el cual le hemos invitado a una charla sobre este tema para tratar de dilucidar cómo va a afectar la inteligencia artificial a la música. En lo bueno y en lo malo. Desde las posibilidades creativas a todos los problemas de copyright y éticos que genera, y que en Estados Unidos apenas están comenzando a tratar de afrontar desde la legislación.
Entre los artistas, hemos visto de todo, desde la reticencia total de Nick Cave, que ha calificado los resultados como «grotescos», hasta la aceptación total de Grimes, que ha decidido ir a pachas con los creadores que utilicen su voz para dar con nuevas obras, aunque también poniendo ella sus propias limitaciones.
Las discográficas están obviamente persiguiendo las canciones que constituyen dúos imaginarios, «fake», entre The Weeknd y Drake, por ejemplo; y Spotify no para de borrar de sus archivos temas creados con inteligencia artificial. Nuestro invitado nos instruye y nos explica que gran parte del problema es que se ha dejado de desvelar en base a qué material está trabajando la IA y ese material obviamente tiene copyright que la máquina no va a costear. Por otro lado, artistas como mori y Tristán! abrazan sus posibilidades creativas, e incluso se muestran entusiasmados respecto al futuro.
El periodismo musical o el mundo del diseño son algunos de los sectores relacionados que también están alerta ante la posibilidad de que nos quedemos «sin trabajo». Más allá aún, Geoffrey Hinton, padrino de la IA, ha abandonado Google, absolutamente aterrorizado ante su evolución descontrolada, convencido de que la máquina podrá dominar a la humanidad en breve. Noeda se muestra muy desconfiado de estas teorías que los humanos podríamos considerar catastrofistas, pero no la tecnología; y cree que la máquina no tiene consciencia.
En el último tramo del podcast, leemos algunas piezas creadas con IA, como una noticia generada por BING para JENESAISPOP que hace interactuar a Madonna y a Mariah Carey como todos hemos imaginado pero no ha sucedido; o una crítica de Rosalía realizada a través de IA. La web Notas Amargas es una creación de Juan Alonso (La Monja Enana), en la que se publican críticas hechas por un periodista ficticio, realmente amargado, nacido en 1965. No dejes de comprobar en esta web cómo se supera este señoro virtual. Yo le he pedido que reseñe ‘Linger’ de Cranberries…
HITS
‘Fuck My Life’ es el atrevido título del 10º EP de la banda surcoreana Seventeen. Se le conoce también como ‘FML’. La publicación del disco ha sido una auténtica locura local y se habían asegurado 4,6 millones de pre-pedidos. En plena vorágine de récords que batir -ya sabéis cómo se las gastan en el pop surcoreano-, se estableció que Seventeen habían batido el récord de prepedidos de ‘Map of the Soul:7’ de BTS.
Al final, en Corea del Sur se registraron aparentemente 4 millones de ventas de este EP tan solo durante el primer día. En su primera semana, se habrían vendido 4,5 millones de unidades.
Incluso aunque este éxito estuviera abultado por la venta de varias copias entre sus seguidores, el éxito internacional del lanzamiento está certificado a través del triple platino -750.000 unidades- registrado en Japón; el top 2 en el Billboard 200 de Estados Unidos por la venta de 135.000 copias durante la primera semana; o los top 10 logrados en Francia y Alemania. En España el lanzamiento ha sido top 20.
‘FML’ incluye el tema titular, el abrasivo single ‘Super’, baladas de R&B como ‘I Don’t Understand But I Luv U’ y canciones uptempo de corte ochentero como ‘April shower’ o la pegadiza ‘Dust’, en la línea del último Harry Styles. Estos discos no suelen ser muy duraderos en las listas, porque los fans los compran en los primeros días y eso es todo, pero aunque no vendiera ni una unidad más, con 5 o 6 millones de copias asegurados, ya estamos hablando de lo que despachó el último de Adele en todo un año y de uno de los discos más vendidos de todo 2023 sí o sí.
FLOPS Comparar cualquier cosa con lo que mueve el pop surcoreano es un injusticia, pero lo cierto es que las cifras de Sam Smith han terminado siendo muy decepcionantes. Recordemos que su primer disco ‘In the Lonely Hour’ sí vendió 12 millones de copias, y después, han venido graves dificultades para seguir moviéndose en las ligas mayores.
Su primer álbum está certificado como 9 veces platino en UK, el segundo como doble platino, el tercero como disco de oro… y este nuevo de momento no tiene ninguna certificación. Si lo medimos en semanas de permanencia, su debut lleva 439 semanas en el top 100 británico (aún aparece en él), el segundo estuvo 59 semanas en lista, el tercero 37 semanas y este cuarto, solo ha resistido 5 semanas en el top 100.
Lo peor es que ‘Gloria’ vino presentado por un hit tan mastodóntico como ‘Unholy’, de esos que se comen una era. Después ‘Gimme’, ‘I’m Not Here to Make Friends’ y ‘Lose You’ no han conseguido mantener la atención.
El disco resiste en el top 100 en algún lugar aislado como Francia, le han dado un disco de oro en Noruega, pero en general el impacto internacional del largo ha sido limitado. Parece difícil que el álbum alcance siquiera el medio millón de unidades a nivel mundial (debe de rondar las 300.000 copias globales), dejando su carrera en una pequeña crisis, dado el desencuentro absoluto entre el impacto de ‘Unholy’ y el disco que lo contiene. Vuelve el debate sobre si este tema le ha hecho algún bien a la campaña.
El año pasado la mixtape ‘AMODIOA’ situaba a HOFE x 4:40 definitivamente en el mapa. ‘MzMz’ contenía uno de los estribillos más pegajosos a cargo de HOFE, mientras la producción de 4:40 rehuía de encasillarse en un género concreto para explorar la electrónica de diferentes formas.
A veces cometemos el error de pensar que los artistas relacionados con lo urbano no miran al pasado, y para contradecirnos tenemos a HOFE, que ha escogido hablar de Nouvelle Vague en la sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic. Como podéis ver al final del artículo, está mucho más relacionado con su carrera de lo que parece. HOFE X 4:40 acaban de sacar además un nuevo single junto a BRAVA. Se llama ‘Cada vez ke te pienso’.
¿Por qué has elegido hablar de la Nouvelle Vague en esta sección?
La Nouvelle Vague fue un movimiento que se creó en Francia para romper con la manera convencional de hacer cine y con la intención de transmitir realidades más humanas al espectador. De alguna manera, creo que es algo que pasa mucho en la música y sobre todo en nuestra música, ya que estamos reinventándonos todo el rato. Nos gusta hacerlo y además la mayoría de temas sobre los que hablamos son cosas que le pasan a todo el mundo. Somos unos románticos y unos pasionales, qué le vamos a hacer. Y yo que sé, ojalá acabemos estando hasta en la sopa como Jean-Pierre Léaud y Anna Karina en esta etapa, jajaja.
¿De qué manera crees que ha enriquecido particularmente a los músicos?
Creo que el hecho de que sea un movimiento creado para criticar y revelarse ya es decir mucho. Para mí ha enriquecido a los músicos en el sentido de que eres consciente de que hay una puerta muy bonita que se abre en la manera en la que todo se transmite. Desde la letra, la música, la manera de hacerla. La música es todo realmente, incluso lo que la envuelve. Me he puesto metafísico, de repente…
¿Cuál fue la película que te introdujo en este género?
‘Los 400 golpes’ de Truffaut creo que fue la primera. Me la vi en el salón de casa de txiki con mi aita, con unos 12 años y me flipó.
‘Jules et Jim’ ha sido una película referencial en el mundo del pop. ¿Es de tus favoritas de Truffaut o del género en general o prefieres otras del mismo director como ‘Los 400 golpes’ o cualquier otra?
Buah, esta pregunta es jodida porque de las que he visto (no me las voy a dar de que he visto todas, jajajaj) me gustan casi todas. Hablando de Truffaut, me flipa la manera en la que está hecha y grabada ‘La Noche Americana’, por ejemplo. El hecho de que sea un rodaje dentro de un rodaje me parece un ideote, esto del metacine que le llaman. Una de las cosas del cine de Truffaut que más me flipa es el desarrollo del personaje de Antoine Doinel y de su relación con Christine en varias pelis, que empieza en ‘Los 400 golpes’ y creo que termina en ‘El Amor en Fuga’. El hecho de desarrollar su relación en diferentes películas.
Hay grupos llamados Pauline en la Playa, Band a Part, canciones que se llaman ‘GODARD’… ¿Algún artista favorito o canción favorita titulado con algo de la Nouvelle Vague que te guste?
¡De hecho hay un grupo que se llama literalmente Nouvelle Vague! No he escuchado mucho pero en su momento el algoritmo del spoti me llevó a una versión de este grupo de ‘Love Will Tear Us Apart’ de Joy Division que me gustó bastante y que recomiendo sin duda.
Incluso hay veces que se ha sentido la referencia un poco sobada en el mundo del moderneo, un poco como la imagen de Elvis o Audrey Hepburn. ¿O no te ha dado esa sensación y crees que nunca se reivindicará la Nouvelle Vague lo suficiente?
Totalmente, de hecho creo que está sobadísimo el tema en el mundo del moderneo en general, no sólo en la música. Yo porque me flipa y porque como digo en todas las entrevistas soy un puto friki, pero sin duda pienso que hay peña que habla del tema para hacerse la alternativa y para tirarse el pisto, es lo que tiene el rollito francés… Aun así, de la manera que sea, me parece guay que se hable de ello.
Eric Rohmer representa una vertiente muy pasional, sus películas son una rallada sobre las relaciones sentimentales. ¿Qué te parece esa vertiente? Personalmente es mi favorita. Me fascina ver a todos esos franceses dándole vueltas al amor, a los celos, al sentido de la vida. ¿Pero quizá no la más interesante?
Coincido contigo porque a mí también me fascinan estos temas (soy un pasional, ya lo sé). Aunque creo que me gustan todas las variaciones experimentales como por ejemplo la de Jean-Luc Godard. El hablar de las realidades humanas, de hablar de sentimientos reales, de cosas que nos pasan a todo el mundo, desde un plano artístico obviamente pero a la vez real, aparte de ser una de las señas de identidad de este movimiento, es algo necesario. No todo siempre va a ser bonito y como se dice en estos términos, de película. La gente en la vida real siente, sufre y las cosas también salen mal, de hecho casi siempre salen mal, jajaja.
¿Alguna favorita suya?
Me flipan las de Cuento de Otoño, Cuento De Primavera y Cuento de Verano.
Godard es una vertiente más experimental y arriesgado. ¿Te representa entonces algo así más cerebral y estético? ¿Alguna favorita suya?
Me flipa Godard, de hecho creo que es uno de los directores de la Nouvelle que más he consumido. Creo que aunque nuestra música sea bastante banal también tiene ese punto cerebral y estético, también tiene ese punto de crítica al igual que el cine de Gordard así que podría decirse que sí nos identificamos en parte con él. Me flipa ‘Masculino y Femenino’, creo que la he visto unas cuatro veces ya, y ‘Al Final De La Escapada’, con una Jean Seberg y un Jean-Paul Belmondo de 10 y París precioso en blanco y negro.
Hace poco murió Agnes Varda, ¿la habías seguido? ¿Qué te parecía?
Agnes Varda me parece un icono de la Nouvelle Vague no sólo por ser una de las mayores exponentes femeninas del movimiento sino también por ser una de las exponentes del cine hecho por mujeres. Tengo que ver más pelis pero me encantó ‘Sin Techo Ni Ley’. La vi hace montón pero esta pregunta me ha venido bien para recordarme que tengo que volver a verla.
¿Algún otro director que reivindicar?
Jean-Pierre Melville es un nombre que se me ha venido a la cabeza casi durante toda la entrevista. Me parece uno de los precursores de La Nouvelle y el padre del cine polar francés, así que tenía que mencionarlo sí o sí. Me flipa el hecho de que fuera un apasionado del cine, que se metiera en el mundo del cine por pasión (también porque podía hacerlo y porque tenía mucho dinero), y que creara su propia productora, así porque sí, todo por amor.
¿Y Claude Chabrol? Recuerdo el estreno de ‘La dama de honor’ en 2004 como un acontecimiento y me traumatizó un poco esa peli…
La tengo pendientísima desde hace tiempo, pero si en algún momento me la veo la comentamos en la siguiente entrevista, sin duda.
¿Podemos sentir la influencia de la Nouvelle Vague en tu música en algún lado? ¿En qué canción, dirías, en particular?
Hay muchísimos guiños a la Nouvelle Vague en nuestra música, referencias directas sobre todo. Nuestra música al fin y al cabo es algo referencial. Si tuviera que quedarme con una canción sería ‘Kurosawa’. En ésta hago referencia a Eric Rohmer, a Truffaut, al mítico ilustrador erótico francés Milo Manara incluso… Además, el vídeo es un homenaje al Cine Noir de los 50 y a películas como ‘El Tercer Hombre’, ‘La Noche del Cazador’, ‘Alphaville’… El movimiento de la Nouvelle Vague tuvo como referencia el Cine Negro, así que me parece que el apartado visual también es clave y redondea muchísimo más el sentido y el contenido de la canción.
Casi como anticipando que ‘EAEA‘ no iba a marcar su carrera para siempre, Blanca Paloma publicaba otro sencillo hace un par de semanas. El mensaje podía ser que su discografía ni empezaba ni terminaba en Eurovisión, algo que había que recalcar, pues la artista de Elche solo tenía otras dos canciones subidas a las plataformas de streaming.
‘Plumas de nácar’, producida por José Pablo Polo como ‘EAEA’, es completamente diferente, si bien con ciertos elementos en común. El más distintivo es su voz, que en ocasiones se recrea en trucos parecidos. Pero la base y el estilo son otros. Estamos en este caso ante una producción llena de magia new-age, aparentemente inspirada por el Mike Oldfield más espiritual, quizá de nuevo Lorca, quizá Mecano («no tengo aceituna, pero te canto niño como ninguna») o acaso alguna de las músicas meditativas que triunfaron en aquellos años. Ofra Haza o Enigma pueden venir a la mente escuchando los sintes de este ‘Plumas de nácar’, y esto es un piropo, pues no es que muchísimos artistas de éxito estén reivindicando estos nombres.
Para alguien que espere de Blanca Paloma los números de Chanel o Quevedo, está claro que solo queda el camino de la decepción. De la burla, para los más crueles. Sin embargo, podría tener su gracia que su carrera fuera tan sui generis como esto. La lista de artistas españoles que no han levantado cabeza tras su paso por Eurovisión es demasiado larga, y despierta verdadera curiosidad si la artista de Elche podrá hacerse un hueco con este estilo.
Ella, de momento, se mostraba así de entusiasmada ante el lanzamiento de la primera canción que ha co-escrito: «Es una locura pero, en plena aventura eurovisiva, acabo de publicar mi nuevo single «Plumas de nácar», que es un himno a la libertad y la primera canción que he escrito. Nunca olvidaré cuando grabamos mi voz en mi habitación de hotel en Amsterdam, antes del show allí. Estaba cantando dentro del armario con muchas almohadas a mi alrededor. Gracias @josepablopolo, el ingeniero de sonido que quieres 🦾🏹🤍».
Blanca Paloma piensa ya en un álbum, como ha manifestado en varias entrevistas. Exactamente se dice que ultima la grabación de su primer disco y que este verano presentará todas las canciones en una gira que ya tiene varios conciertos cerrados. Será entonces cuando veremos si la balanza se inclina más hacia la vanguardia de Bronquio, el clasicismo de Enya o las reivindicaciones vacuas sobre la libertad de una Cristina del Valle.
Iría a Mallorca Live, que se celebra este fin de semana, solo por ver a los artistas nacionales. Y no hablo de Vetusta Morla ni de Viva Suecia, que ya los he visto muchas veces, y por mucho que sepamos que Vetusta pueden convocar más público que The Kooks este jueves en el festival; y que Viva Suecia amenazan con lo mismo respecto a Chemical Brothers.
La zona media internacional de Mallorca Live está muy bien, con nombres como Bomba Estéreo, Moderat, Chk Chk Chk… y luego está lo de Black Eyed Peas, Bad Gyal o Quevedo. Pero la verdadera curiosidad es ver por primera vez o casi, a muchos de los talentos nacionales que se han curtido durante la pandemia. Los talentos que ya hemos visto en las listas de lo mejor de 2021 y 2022, y que van a marcar el futuro. Mallorca Live ha estado especialmente acertado en la contratación de estos artistas que tienen en común la derriba de todo género conocido. Han tenido mucho ojo y estamos seguros de que muchos de ellos, sin ofrecer quizá el mejor show del día por su falta de experiencia, pueden dar otro salto muy pronto. Te los presentamos, o más bien te los recordamos. Todos son habituales de nuestras páginas.
La Plazuela
La Plazuela han sido número 11 en España con su disco de debut, ‘Roneo Funk Club’. Por si hay duda de que son el grupo de moda, esta semana suben del puesto 71 al 46: recuperan posiciones en lugar de hundirse con el paso de las semanas. Su fusión de géneros nacionales e internacionales, realizada de manera desenfadada y sin pretensiones, ya ha agotado salas de todo el país, y ahora es el momento de ver cómo se desenvuelve al aire libre.
Gazzi
Entre las sorpresas que nos ha dado la electrónica nacional últimamente, GAZZI. Se trata del proyecto de Pablo Jiménez, desde Linares pero afincado en Madrid. A pequeños éxitos en las plataformas de streaming como ‘No sale ya casi la pobre’, se ha sumado hace poco el EP ‘no pasa nada’. Los mejores escenarios de clubs y festivales del país ya le avalan.
Rusowsky
Producciones tan sofisticadas, imprevisibles y excitantes como ‘Dolores’ o ‘mwah :3’, la que escogíamos para nuestra lista de Mejores Canciones 2022, justifican por qué rusowsky está llenando salas de tamaño medio en nuestro país. De momento su último sencillo es ‘brujita’ con Saramalacara.
Ralphie Choo
Ralphie Choo, responsable junto a rusowsky de ‘Dolores’, continúa también con su carrera en solitario. A finales de 2022 apareció en Pitchfork con la sobresaliente ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO’, y este año le hemos visto en ‘TANGOS DE UNA MOTO TRUCADA’ junto a otro talento imprescindible, el de DRUMMIE.
Rojuu
‘KOR KOR LAKE’ fue el álbum de la consolidación definitiva para Rojuu, que el año pasado entraba por la puerta grande del Sónar, dejando una de las imágenes del año. El artista, que no se ciñe a etiquetas como hyperpop, trap ni sadcore, no ha parado y ahora presenta las canciones de un nuevo EP llamado ‘Salsa Valentina’.
Morreo
Entre los que sí hemos visto en directo y recomendamos, el dúo Morreo. En su caso alternan referentes 70’s que nunca esperaste ver juntos: de la psicodelia internacional a la canción melódica nacional pasando por la música disco o incluso la del destape. Su gira se llama ‘Alegría Club’, debido por un lado a su disco ‘Alegría‘ y por otro a los samples de otros artistas que incorporan durante el tour.
Carlangas
Dejada atrás, de manera inesperada, incluso para él mismo, su andadura con Novedades Carminha, Carlangas ha publicado un álbum en el que sigue la misma línea artística que su banda primigenia. Lo que equivale a decir que en su setlist puede caber el funk, el hip hop, la pachanga o lo que hasta hace poco se llamaba músicas del mundo.
Ghouljaboy
Al margen de su millonaria colaboración con el artista de post-punk Depresión sonora, Ghouljaboy ha estado publicando estos últimos meses sencillos muy variados. Son tan inclasificables como ‘STAR COLLIDER’ o ‘TORNADO!’, una entre el chillwave, el funk, el lounge… y la otra, un drum&bass. Y lo que menos esperábamos: una colaboración veraniega con el bueno de Dent May.
Judeline
Entre los talentos más ambiciosos del R&B nacional, en estos años pasados hemos visto crecer a Judeline. Y tras su fichaje por Sonido Muchacho, recientemente ha dado un paso de gigante con un single doble: el paso de ‘TÁNGER’ a ‘ZAHARA’ era espectacular. Por algo esta suma ya 1,7 millones de reproducciones solo en Spotify. Otra forma de incorporar el reggaeton era posible.
Jimena Amarillo
Otro de los nombres que se han alzado fundamentales en los últimos años es el de Jimena Amarillo. Cuenta con medio millón de oyentes. Tras su macrohit ‘Cafeliko’, hace rato con streamings para que le den el disco de oro, acaba de publicar su álbum ‘La pena no es cómoda’, en el que de nuevo, no se conocen los géneros si no es para derribarlos.
Alien Tango
Aunque si hablamos de derribar géneros, hay que hablar de Alien Tango. El disco que el artista español asentado en Londres ha publicado esta semana, ‘Kinda Happy Kinda Sad’, es de los que va de un género a otro, incluso dentro de la misma canción. A singles tan sólidos como ‘BFF’, han sucedido temas tan espectaculares como ‘Song for FIFA’, que escogíamos estrenar en esta casa.
Blanco Palamera
Pronto habrá novedades del dúo de R&B brumoso Blanco Palamera, pero ya solo por su disco ‘INTIMIDADE’ o por hits primigenios como ‘Sola con mi voz’ y ‘Aire’, merecerían la pena. De momento, su último single, ‘MUNDO PEQUEÑO’, luce como una de sus grabaciones más exóticas y particulares: es un curioso reggae.
Irenegarry
Quizá asociable al R&B, quizá al bedroom pop, quizá a nada en absoluto, Irenegarry está siendo otro de los nombres habituales de nuestras playlists. De hecho, acabamos de escucharla esta semana en el disco de SIMONA. Entre sus mayores hits, el irresistible ‘Dime que me calle’, extraído de su EP del año pasado, ‘Mandona’.
Samantha Hudson & Friends
Como artista balear, Samantha Hudson comisaria el escenario Flexas del próximo sábado en Mallorca lIVE. Además de ella misma, pasarán por allí Joe Crepúsculo, Hidrogenesse con la Banda MM Calviá, Putilatex, La Prohibida con Algora, LVL1, Mueveloreina… y una sorpresa muy especial que merece la pena destacar aparte.
Bonus Track: Loco Mía
Loco Mía han vuelto a la actualidad gracias a un documental tan inaudito como hipnotizante. Tan reivindicativo respecto a la homofobia que se vivió en la época como hilarante. La web del festival no aclara qué formación puede explotar el nombre de Loco Mía a día de hoy tras todo este drama, pero sí ha colgado una imagen de 4 muchachos con los abanicos correspondientes. Los Loco Mía de 2023 se han promocionado en televisión.
Da Souza anuncian su separación a través de un comunicado. Tras más de 10 años en la industria musical, en los que han publicado discos como ‘Salsa agredolça’ (2020) y ‘Dies d’Attrezzo’ (2022) y han pasado por muchos de los festivales más importantes de nuestro país, han decidido decir adiós.
Eso sí, habrá dos conciertos de despedida, que tendrán lugar en Palma el 29 de diciembre y en Barcelona el 26 de enero. Os dejamos con su comunicado:
«Da Souza cierra la persiana. Después de más de 10 años, ha llegado el momento de decir adiós. Han sido años increíbles, hemos podido hacer un montón de canciones, discos y conciertos, y hemos conocido lugares y, sobre todo, gente maravillosa que ahora ya son amigos y familia. En definitiva, hemos crecido y llegado hasta aquí. Estamos muy satisfechos y orgullosos del camino hecho, pero también necesitamos pasar página. Por eso, hemos decidido que nos tomaremos lo que queda de 2023 para ir cerrando esta etapa.
Haremos una pequeña gira en verano que nos hace mucha ilusión. Y, después de eso, hemos preparado dos grandes noches de despedida. Queremos partir de la mejor forma, así que serán dos shows de fantasía, con colaboraciones y mucha emoción:
PALMA – Es Gremi – 29/12/23
BARCELONA – Sala Apolo – 26/01/24
Nos haría muy felices que vinierais todas y todos. Creemos que será muy especial. Finalmente, querríamos dar las gracias. No hay suficientes caracteres en internet como para agradecer una a una a todas las personas que nos han apoyado y nos han ayudado de alguna manera a lo largo de todos estos años. Sois muchísima gente y esperamos iros encontrando pronto para poder abrazaros en directo. Han sido unos años preciosos y es en buena parte gracias a vosotros. Os queremos mucho. Muchas gracias de todo corazón!».
Sería quedarse corto decir que SIMONA ha sido uno de los valores más interesantes de la música urbana durante el último par de años en nuestro país. Porque la escucha de sus múltiples singles desde 2019 revela que la argentina asentada en Barcelona lo que hace es música pop. Lo de urbano se le ha quedado pequeño.
‘ESFERA DE AMOR’ es su primer álbum y en verdad el reggaeton se asoma por aquí muy por los pelos. Apenas hay rastro de aquello que conocimos como trap, salvo en algún beat. En sus singles más significativos, lo que nos ofrece este disco es la fiesta 90’s que Azealia Banks nos está negando desde ‘Broke With Expensive Taste‘, pues es a ritmos house a lo que suenan hoy por hoy los singles principales de SIMONA.
‘Shampoo’ y ‘PLUSH’ han sido adelantos excelentes en ese sentido, bajo la producción de Sr.Chen, como todo el disco, y se ha reservado para la última plaza de la secuencia el tema titular, otra fiesta procedente de la década de Snap!, Whighfield y Haddaway. Solo que más influida por la Björk de ‘Debut’.
Después, hay muchos matices. ‘ADENTRO DE MÍ’ se sumerge en el drum&bass, ‘DUELO’ con Irenegarrry y AMORE en el R&B, y ‘LLAGA VERDADERA’ en los ritmos funk brasileños, mientras que el comienzo de ‘Esfera de amor’ es todo un tiro, con 3 pistas que parecen hilvanadas: la evocadora y minimalista ‘COSTE’, ‘POLIDRAMA’ (la primera que levanta esto) y la machacona ‘ÁMATE’.
SIMONA nos habla en esta obra sobre amor por una misma, sensualidad y sexo; y como si esto último fuera indisociable de cierto sentido de la culpabilidad en medio de una ola de ultraderechismo, la artista introduce la cuestión política. ‘MELONI’ es su dardo contra la hipocresía de la dirigente italiana, tomando un discurso suyo anti-LGTB+ pronunciado nada menos que en un mitin de VOX. «Abro la webcam y me toco / ¿Quién se ha conectado? Tu padre» es la respuesta de SIMONA.
Este tema se sucede, por otro lado, con un guiño al folclore clásico latinoamericano que no vimos venir, el de ‘TRIGAL‘, una adaptación de Sandro, una estrella de la canción melódica argentina. Y es en ese tramo del álbum donde el discurso de SIMONA se enriquece. Lejos de quedarse en ser una cantante que quiere pegarse con un reggaeton (que algo de eso hay en ‘NO ME GUSTA COCINAR’ con Broke Carrey) o conformarse con un disco que valga para la cultura ball casi tanto como ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé (que también); a esa altura ‘ESFERA DE AMOR’ se expande en varias vías. La música disfrutona de SIMONA admite tanto un tema clásico de otro siglo como otro 200% político y actual.
DCODE confirma hoy los primeros nombres que formarán parte de su próxima edición, la undécima, que tendrá lugar el sábado 9 de septiembre en el Campus de Universidad Complutense de Madrid. JENESAISPOP es medio oficial del evento.
Entre los nombres anunciados destaca especialmente el de Lewis Capaldi. El artista suspendió recientemente sus dos conciertos en España por motivos médicos. Después, Capaldi reubicó ambas fechas y la de Madrid cayó el 9 de septiembre: la fecha por tanto ya se conocía, no así el recinto. Hoy descubrimos que DCODE acogerá el concierto.
DCODE contará con otro nombre internacional de altura, el de Tom Odell, cuyo éxito ‘Another Love’, ya histórico, publicado hace 10 años, se resiste a morir y continúa entre los más escuchados en el mundo a día de hoy. Odell presentará nuevo disco, ‘Best Day of My Life’.
También figuran entre los artistas confirmados los suecos Mando Diao, y en DCODE podremos asistir a la rave de Zahara, al cierre de gira de Carolina Durante y a los conciertos confirmados de Miss Caffeina, Mother Mother, Cariño o Sezy Zebras. Completan el cartel Black Honey, Supercremalleras, Gilipojazz y Merino.
Las entradas para DCODE 2023 saldrán a la venta este viernes 19 de mayo a partir de las 10 horas en la web del festival con precios especiales de lanzamiento: un cupo limitado de entradas generales podrá adquirirse por 50 euros + gastos. Las entradas VIP tendrán un precio de 100 euros + gastos y permiten el acceso prioritario al recinto y el uso de la zona VIP, que cuenta con bar, zona de restauración propia, hamacas y una plataforma elevada con cómodos asientos desde donde disfrutar de los conciertos.
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Comparar cualquier cosa con lo que mueve el pop surcoreano es un injusticia, pero lo cierto es que las cifras de Sam Smith han terminado siendo muy decepcionantes. Recordemos que su 
