Brooke irá por Irlanda a Eurovisión con un rompepistas inspirado en Blondie y Gossip

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Nuestra sorpresa en torno al nuevo disco de The Weather Station solo puede ser equiparable al grado de paciencia de la artista detrás del proyecto, Tamara Lindeman. Sólo ahora sabemos que al mismo tiempo que publicaba el año pasado su álbum ‘Ignorance’, ya tenía otro disco paralelo preparado que originalmente había titulado «Ballads». Que este nuevo disco, a la postre llamado ‘How Is It That I Should Look at the Stars’, incluye realmente el tema titulado ‘Ignorance’, que es como se llamaba el largo anterior. Y que ambos proyectos existen desde antes de la pandemia: ‘How Is It That I Should Look at the Stars’ fue grabado durante 3 días, en concreto del 10 al 12 de marzo de 2020, y todos recordaremos siempre de qué manera cambió el mundo el fin de semana posterior. Dos años, pues, lleva este disco guardado en un cajón.

Dentro de los parámetros de The Weather Station, ‘Ignorance’ contenía algunas de las canciones más pop que jamás había escrito la artista, encabezadas por la vibrante ‘Parking Lot’. En este nuevo proyecto, nada que se le parezca. Estas «baladas» son tenuemente guiadas por la voz de Lindeman y unas notas de piano, con arreglos muy en segundo plano de saxos, órganos y clarinetes, sin grandes instrumentos de percusión, en busca de la máxima sensación intimista posible. Este es un disco que escuchar en soledad y en absoluto silencio, pues no importa lo aislantes que puedan llegar a ser tus cascos más absorbentes: los detalles de «Stars» se verán destrozados por el más mínimo ruido exterior. Y no, la mención a los cascos no es casual, pues incluso aparecen mencionados en la metamusical ‘Sway’.

Estamos también ante un álbum más monótono: el álbum comienza con el suave balanceo de ‘Marsh’, una canción basada en un par de notas de piano, en la que va asomando la cabeza un tímido saxo. Un recurso que después aparece replicado de manera bastante precisa en ‘Taught’ y otros puntos, sin mayor sobresalto. Igualmente varias son las canciones en las que la artista narra un despertar matutino, lo que hace por la mañana. En ‘Song’ se despierta pensando en una canción que podría escribir. En ‘Endless Time’ se «despierta en su cama, con la cortina abierta, dejando pasar la luz / a ver qué ofrece el cielo hoy». En ‘Ignorance’ la despierta también un ruido, después de un vuelo, a la caza del significado último de la palabra «magpie» («urraca»), una constante en la literatura y en el historia de la música, como saben tan bien Patrick Wolf y Marianne Faithful.

Las inquietudes de The Weather Station son de altas miras, pues estamos ante una artista que ha escrito sobre el cambio climático, que se pregunta si los periódicos nos cuentan la verdad (‘Endless Time’) o se plantea si no hablamos demasiado de amor. La artista indica que este álbum es deliberadamente naíf, si bien por el tipo de melodías, la falta de clímax y vigor, la obra termina siendo víctima de la propia pereza sobre la que The Weather Station pretende hacernos reflexionar. «Soy vaga, solo quiero hablar de amor», dice el estribillo de una de las composiciones.

Parajódicamente es este mismo tema uno de los pocos temas que luchan contra la holgazanería. Se trata de una colaboración con Ryan Driver, ‘To Talk About’, que pone de manifiesto lo bien que sentaría a la artista un disco de duetos: recuerda mucho a Christine McVie y esta sabe muy bien lo que es un buen coro de acompañamiento. La adaptación de ‘Loving You’ de John Southworth, segunda parte instrumental incluida, estaría también entre los highlights de un álbum melancólico en el que lo más llamativo es justamente el hecho de haber sido escrito antes de la pandemia y no después. Es triste comprobar ahora que en diciembre de 2019 alguien pudiera escribir sobre lo que depararía el Año Nuevo, que es lo que plantea la canción ‘Stars’: «Me sentí mareada, con el corazón en un puño / será 2020 mañana por la noche / Oigo los fuegos artificiales / Como si estuvieran celebrando lo que ha costado otro año entero / ¿O es sin querer? / Envía otra estrella al cielo / solo para verla morir / caer a través de la oscuridad, en un arco brillante / Juro por Dios que este mundo me romperá el corazón».

Planeta Sound confirma a La M.O.D.A., Alizzz, Carlos Sadness…

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9 marzo, 2022

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El festival Planeta Sound de Ponferrada volverá los días 15, 16 y 17 de julio con una nueva edición que tendrá lugar en el Estadio Colomán Trabado. Tanto los abonos generales como los abonos VIP, junto con el acceso al camping, están a la venta en la web del festival.

Lori Meyers, Sidonie, Recycled J, Shinova, Morning Drivers o la revelación Jack Bisonte se encuentran entre los artistas que ya estaban confirmados en el cartel de Planeta Sound, a los que hoy se suma una nueva tanda de confirmaciones.

Una de ellas es La M.O.D.A., que presentarán su «nuevo cancionero burgalés«, y también se suma al Planeta Sound Alizzz para seguir tocando las canciones de ‘Tiene que haber algo más‘, uno de los mejores discos de 2021. Carlos Sadness, que estos días ha lanzado un estupendo tema con Pehuenche, se encuentra también entre los artistas que visitarán Ponferrada este verano.

Completan la tanda de confirmaciones de hoy la banda catalana Carmen 113, K!ngdom, el grupo que suena en ‘La voz’ y ‘Valeria’; la banda Bauer, la cantante y compositora multinstrumentista berciana Carla Lourdes y y Dridri DJ, que con su sesión podrá punto y final al festival.

Sesión de Control: Hidrogenesse, Luna Ki, Amatria, Amor Butano, Hoonine…

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9 marzo, 2022

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Como cada miércoles, renovamos nuestra playlist de Sesión de Control al pop nacional o en castellano. Hidrogenesse publican hoy un disco que, como es habitual en ellos, NO es de remezclas, sino que son adaptaciones y regrabaciones sobre su álbum ‘Joterías bobas’. El disco se llama ‘Jo Jo Bo Bo’, y seleccionamos el tema ‘Amigos que ya no vemos’. Se trata del viejo corte ‘Teclas que no suenan’ revisitado, con la letra entonada únicamente por vocoders sobre un patrón de voces sampleadas de todos los coristas que colaboran en las demás canciones del largo (Elsa de Alfonso, Teresa e Ibon de Single y Jérémie Orsel). Tampoco es un remix exactamente, aunque lo parezca, lo que han hecho Karmento e Idoipe con la canción ‘Danzar sobre la tierra’ incluida en el álbum ‘Este devenir’ de la artista manchega.

Hay temas nuevos de habituales del site como LUNA KI, Pshycotic Beats, GARCIA Picasso o Amatria, que de manera surrealista (¿o híperrealista?) nos ha obsequiado con un queso manchego real para promocionar su tema ‘Techno manchego’. El trío valenciano Amor Butano, que ya nos había conquistado con temas como ‘Tifón Salinas’, anuncia un primer mini-LP llamado ‘Ultravioleta’, con un poderoso tema de synth-pop llamado ‘Alicia’ inspirado en la novela de Lewis Carroll, mezclando partes del libro con recuerdos de la realidad. El grupo MENTIRA, que hace unos meses publicara la notable ‘Algo falla’, ahora completan su EP homónimo con el R&B de ‘lo siento por ti’.

Tras publicar su primer EP y ‘Marinero’, mariagrep entrega ‘Tirita’, entre el urban y el hyperpop. Será próximamente «Canción del Día». Los zaragozanos Mediapunta anticipan su debut con ‘Extraterrestres’, muestra de que el rock pervive a través de Sonido Muchacho, el sello de Carolina Durante pero también Sen Senra. Flavia Marsano, desde Lima asentada en Madrid, avanza el disco que saca el 25 de marzo con ‘Sí o no’. El mismo día saldrá el debut de Hoonine, el proyecto de Carmen Alarcón (AA Mama y Estúpido Flanders), que presenta ahora con el tema ‘Besé a Aramís’, con ecos de Lana del Rey y Florence + the Machine. Antes, este mismo viernes 11 de marzo sale el primer disco de la revelación nacional Kora, por lo que da a conocer su segundo adelanto, ‘no me quiero levantar’.

Juicio por ‘Shape of You’: Ed Sheeran dice haber escrito 25 canciones junto a Aaron Dessner

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9 marzo, 2022

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Ed Sheeran ha asistido este 7 de marzo al primer juicio de una serie de sesiones que durarán tres semanas, con el objetivo de resolver la incógnita de si realmente se basó en el single ‘No Why’ de Sami Switch para componer ciertas partes de su mayor éxito ‘Shape of You’. Concretamente, Sheeran está acusado de copiar el “oh I, oh I, o I” de la canción de Sami Switch.

Las preguntas que los letrados le han dirigido al artista tienen el único objetivo de resolver esta denuncia, pero alguna respuesta ha llamado la atención por temas externos al supuesto plagio. Por ejemplo, al ser preguntado por su habitual proceso de composición, Ed Sheeran ha respondido que recientemente ha compuesto 25 canciones con Aaron Dessner de The National a lo largo de una sola semana. Dessner también ha coescrito los últimos dos álbumes originales de Taylor Swift, ‘Folklore’ y ‘Evermore’.

En cierto momento del juicio, Ed Sheeran ha empezado a cantar fragmentos de ‘Feeling Good’ de Nina Simone y ‘No Diggity’ de Blackstreet para evidenciar cómo ambas canciones se parecen a ‘Shape of You’ si se escuchan en el mismo tono. De hecho, en un audio reproducido por los abogados perteneciente a las sesiones de grabación de ‘Shape of You’, se le puede oír a Sheeran diciendo que hay que cambiar la melodía del “oh I” porque “se acerca un poco a la original”. Sin embargo, el cantante se justifica asegurando que se refería a ‘No Diggity’ de Blackstreet. Finalmente, se ha vivido un tenso momento en el juicio cuando los abogados del artista han reproducido una canción compuesta hace solo unos meses: “Esa es una canción que escribí en enero. ¿Cómo la has conseguido? Quiero saber cómo la has conseguido”, ha preguntado desafiante. Tras aclarar que ha sido un accidente, el juicio ha seguido sin mayor contratiempo.

Momentos Alhambra Distrito Sonoro regresa a Granada en mayo y junio

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JNSP

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9 marzo, 2022

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Momentos Alhambra Distrito Sonoro regresa por fin a su formato original, llevando música cada viernes a las calles y plazas de Granada con conciertos gratuitos al aire libre. El ciclo musical en espacios públicos, que se enmarca dentro de la iniciativa del Ayuntamiento de Granada denominada Granada Sonora, arrancará el 13 de mayo y contará con un total de 5 conciertos, la mayoría de ellos con doble actuación y precedidos de dj’s, finalizando el día 10 de junio.

Con esta iniciativa, Cervezas Alhambra mantiene su apoyo a la cultura y en concreto a la música en vivo, que en esta edición se verá, además, reforzada cada sábado con 4 conciertos más íntimos en espacios singulares. Un nuevo formato inspirado en los “tiny desk concerts” estadounidenses, a modo de “conciertos diminutos” y sin parafernalias, en los que solo unos pocos pueden estar presentes, y donde la música, la voz y el contacto directo con los artistas es lo más importante.

MAYO 2022
El primer viernes del ciclo, organizado por el Ayuntamiento de Granada y Cervezas Alhambra, será el del 13 de mayo. Esa noche la explanada del Palacio de Congresos vibrará con la actuación de Grupo de Expertos Solynieve, compuesto por Jota, Manu Ferrón, Víctor Lapido, Antonio Lomas y Miguel López, que regresan a su proyecto de rock transfronterizo. Ese viernes se subirán también al escenario los granadinos Apartamentos Acapulco, que presentan su tercer álbum ‘El Año del Tigre’, a los que precederá la música de Don Gonzalo DJ, que irá calentando motores para hacer la espera más llevadera.

El fin de semana de música en vivo no acabará ahí, pues el sábado 14 a mediodía se celebrará el primero de los cuatro Momentos Alhambra en espacios singulares previstos para esta edición, que tendrán lugar en las alturas de algunos establecimientos hosteleros de la marca cervecera y que serán de carácter exclusivo y aforo reducido. Se caracterizarán por un formato diferente, natural y sin filtros, por lo que los asistentes podrán disfrutar del privilegio de escuchar a sus artistas favoritos sin barreras ni más distancia que la que marquen los protocolos de seguridad. Los que consigan entradas podrán escuchar ese día, cerveza Alhambra en mano, a Rocío Márquez & Bronquio, que han decidido formar pareja creativa fusionando estilos aparentemente antagónicos, como son el flamenco y la música electrónica, pero que ellos consiguen hacer convivir a la perfección. Y este espectáculo para los oídos tendrá como escenario el restaurante Mirador de Aixa.

El viernes 20 de mayo a las 20 horas vuelven los conciertos gratuitos a las calles de Granada, concretamente al Paseo del Salón. Será el turno de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, la banda sevillana que desde 2018 viene revolucionando el rock andaluz y nacional con su kinkidelia, y que presenta este mes su segundo disco titulado ‘Hilo negro’. Ese día, como antesala de DMBK, sonará la música de la mano de Le Marchand de Sable DJ, seguida de la actuación de la banda granadina Carmencita Calavera y su autodenominado “rock serie B de frontera”, caracterizado por un eclecticismo que va del punk a la copla, pasando por sonidos psicodélicos, surferos, fronterizos o abiertamente pop. El sábado 21 de mayo, el espacio singular elegido para acoger los Momentos Alhambra es el restaurante Balcón de San Nicolás, donde la jovencísima Valeria Castro pondrá los vellos de punta a los asistentes con su voz frágil y sus letras sensibles. “Talento y dulzura”, en palabras de Alejandro Sanz, definen a esta cantante de La Palma, una de las grandes promesas de la canción a ojos de crítica e industria y que está ya trabajando en su primer disco, del que el pasado año lanzó un adelanto con su EP ‘Chiquita’.

El último fin de semana de mayo, el flamenco se convertirá en el protagonista. El cantaor granadino Juan Pinilla actuará el viernes 27 a las 21 horas en el Paseo de los Tristes, un espacio donde la magia y el duende de artista y entorno se fusionan para crear un momento irrepetible. Pinilla es cantaor de flamenco, escritor, investigador y columnista, una persona inquieta y en renovación constante, que ha recorrido todo el mundo con su arte desde que en 2007 recibió el premio la Lámpara Minera en el prestigioso Festival del Cante de las Minas. El sábado 28, en el restaurante Las Tomasas, el origen flamenco y granadino también estará presente en el concierto singular de Momentos Alhambra, pero reinterpretado como solo Queralt Lahoz sabe hacerlo. Nacida dentro en una familia de migrantes granadinos en la periferia de Barcelona, su música bebe de la tradición, pero se presenta atravesada por sonidos latinos, de raíz y urbanos: el soul, el hip hop y el dancehall dialogan con gracia y naturalidad sobre un aura de coplas y boleros que emergen de manera espontánea de sus orígenes flamencos y sus paisajes personales.

JUNIO 2022
El mes de junio arrancará por todo lo alto. El viernes día 3 la explanada del Palacio de Congresos vuelve a ser el escenario de Momentos Alhambra Distrito Sonoro, esta vez con una colaboración muy especial: la cantante Anni B Sweet y la banda de pop psicodélico Los Estanques. A finales de 2021 anunciaron que se unían en un nuevo proyecto, “Los Estanques y Anni B Sweet”, y que lanzarían LP antes de este verano. Poco más podemos adelantar por ahora, pero lo que es seguro es que las calles de Granada serán uno de los primeros escenarios en los que sonarán las canciones fruto de esta nueva fusión musical. Ese viernes la música mezclada por Migue Mutante DJ y el surf-rock granadino de Radio Palmer servirán de antesala de tan esperado estreno. El sábado 4 de junio, a las 20 horas, vuelve la singularidad de los conciertos más íntimos en restaurantes granadinos, esta vez con la actuación de Alba Molina, que presentará en directo su último trabajo ‘El beso’, por primera vez producido íntegramente por la cantante, para transmitir en primera persona todo lo que lleva dentro. Con un tono elegante y un poco más “pop” de lo habitual pero sin perder su toque flamenco, la voz de Alba Molina pondrá la banda sonora a las espectaculares vistas que se observan desde el restaurante Carmen de San Miguel.

Momentos Alhambra Distrito Sonoro finalizará el viernes 10 de junio con el concierto de Ángel Stanich, que pondrá el broche de oro al ciclo en el Paseo del Salón. Después de tres años sin noticias, el ermitaño del pop salió de su gruta en junio de 2021 para publicar su EP titulado ‘Una Visión Global Bastante Aproximada’, para volver a la carga en octubre con su tercer LP ‘Polvo De Battiato’. Un álbum que nos descubre un Stanich 3.0 con el ingenio y la retranca aún más desatada, aunque explorando territorios algo más intimistas. Como en viernes anteriores, el cabeza de cartel de ese día no vendrá solo, sino bien acompañado por un dj y una banda local en auge, que prepararán al público para el colofón de su pop surrealista. La noche empezará con la música de Donatella DJ, seguida de la actuación de la banda emergente granadina Nievla, con sus letras controvertidas y sonidos entre la psicodelia y el pop de los 60.

MOMENTOS ALHAMBRA DISTRITO SONORO – Granada

13 de mayo al 10 de junio de 2022
VIERNES, 20h-23:30h: Conciertos gratuitos en las calles de Granada (varios escenarios)
SÁBADOS: Conciertos con entrada en espacios singulares (restaurantes con vistas) Precio: 35 € + gastos de gestión
(Cervezas Alhambra incluida durante el concierto)

VENTA DE ENTRADAS en RedEntradas.

Viernes 13 de mayo:
Grupo de Expertos Solynieve, Apartamentos Acapulco, Don Gonzalo DJ
Explanada del Palacio de Congresos de Granada
(gratuito)

Sábado 14 de mayo:
Rocío Márquez & Bronquio
Restaurante Mirador de Aixa, ESPACIO SINGULAR
(con entrada)

Viernes 20 de mayo:
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Carmencita Calavera, Le Marchand de Sable DJ
Paseo del Salón DISTRITO SONORO
(gratuito)

Sábado 21 de mayo:
Valeria Castro
Restaurante Balcón de San Nicolás, ESPACIO SINGULAR
(con entrada)

Viernes 27 de mayo:
Juan Pinilla
Paseo de los Tristes, DISTRITO SONORO
(gratuito)

Sábado 28 de mayo:
Queralt Lahoz
Restaurante Las Tomasas
ESPACIO SINGULAR
(con entrada)

Viernes 3 de junio:
Los Estanques y Anni B Sweet, Radio Palmer, Migue Mutante DJ
Explanada del Palacio de Congresos de Granada, DISTRITO SONORO
(gratuito)

Sábado 4 de junio:
Alba Molina
Restaurante Carmen de San Miguel
ESPACIO SINGULAR
(con entrada)

Viernes 10 de junio:
Ángel Stanich, Nievla, Donatella DJ
Paseo del Salón DISTRITO SONORO
(gratuito)

Licus desaprende la masculinidad tóxica en ‘Quan era un Humanoide’

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9 marzo, 2022

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Entre las canciones que os hemos presentado en la playlist de pop nacional Sesión de Control durante las últimas semanas, está el nuevo single de Licus, un joven artista curtido en una coral, luego en una batucada y más tarde en bandas de versiones de «street markets, fiestas universitarias, pubs o fiestas de barrio». Tras haberle pegado por tanto lo mismo al reggaetón que al funky, en su nueva carrera en solitario recuerda más bien los tiempos en que aprendió a tocar la guitarra a los 8 años, y el teclado a los 16. Lo suyo ahora es muy intimista y cita entre sus referentes a Els amics de les arts, Pau Vallvé, Judit Nederman, Manel o Blaumut.

‘Quan era un Humanoide’, hoy nuestra «Canción del Día», es una delicadeza de guitarra, piano y voz que, aunque solo sea por su título, subconscientemente nos lleva a territorios más electrónicos, como podría ser el synth-pop (el nombre de la canción podría haber sido de Aviador Dro o luego de algún proyecto de Jabalina, de hecho hubo uno llamado Humanoid) o incluso la indietrónica. Esta podría haber sido una maravillosa producción de The Postal Service.

Pero Licus en este caso prefiere quedarse en lo minimal, en parte porque cuenta con una melodía preciosa que apela a los tiempos en que él «era humanoide». Lo humano en contraposición a un ser que «no siente miedos, ni penas, ni tristeza». Licus contrapone amor y robótica en una canción de amor («Ahora que ya no estamos juntos me siento roto y lo echo de menos») en lo que podría ser una canción inspirada en ‘Blade Runner’.

Sin embargo, el artista explica en nota de prensa que en verdad el tema no habla de robots sino «sobre el aprendizaje en la descostrucción de la masculinidad». Declara, como podéis consultar en la web de Acqustic, la comunidad musical a la que pertenece: «Permitirse escapar de esa idea y vivir una vida emocional más sana, fuera de la obligación social de ser siempre fuerte, creo que es un paso muy necesario para evitar muchas de las conductas de género insanas que se dan».

El «humanoide» para él es «algo que tiene forma de humano, pero no lo es por el hecho de tener una coraza sentimental infranqueable». De ahí frases como «De emociones oía hablar / los sentimientos normales me eran extraños / pero me era fácil vivir en un bloqueo constante», o de ahí que al final del vídeo se quite la careta para concluir: «ahora que soy persona me siento desnudo».

El artista tiene 5 temas subidos a las plataformas de streaming, destacando la aceptación de ‘Can Rampoina’, una canción de amor surgida del confinamiento, cuando decidió irse a vivir con una amiga que no quería estar confinada sola, aquello terminó en romance, y la canción fue escrita el primer día que ella ya no vivía en aquella casa. Menos interesante es el optimista tema en inglés ‘Call for Good People’. El estilo de «Humanoide» o ‘L’Alfred’ parece el terreno en el que se siente más cómodo y más puede transmitir.

Rojuu, Samantha Hudson, Maria Arnal i Marcel Bagés, The Chemical Brothers… el Sónar 2022 completa cartel

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9 marzo, 2022

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El Sónar Barcelona 2022 ha completado su cartel con 30 nuevos artistas, y prepara así un festival que mezcla la música, el arte y la tecnología con actuaciones de C. Tangana, Arca, The Chemical Brothers, The Blaze, Rojuu, Nathy Peluso, Samantha Hudson, Ms Nina, mori+rusowsky, Niño de Elche o Maria Arnal i Marcel Bagés, entre otros. El festival se ubicará en Fira Montjuïc y Fira Gran Via, como de costumbre, los días 16, 17 y 18 de junio.

Entre los artistas confirmados hoy, destacan Niño de Elche, que presenta ‘Concert de músika festera’ junto a Ylia y los 40 músicos de la Banda “La Valenciana”, Maria Arnal i Marcel Bagés, que reinterpretarán su último disco ‘Clamor’ junto a un coro de voces sampleadas por Inteligencia Artificial, y Samantha Hudson con su show ‘Liquidación Total’. Cabe destacar que, además de estos cantantes, el festival acogerá DJs de la talla de The Blessed Madonna, Anfisa Letyago, Charlotte de Witte, ANNA o GAZZI. Además, el Sónar+D se integra en el Sónar de Día ofreciendo talks, debates, actuaciones híbridas entre conferencia y espectáculo, y acciones relacionadas con la Inteligencia Artificial, la ecología acústica o el criptoarte.

Los artistas se dividen entre el Sónar de Día y Sónar de Noche, y los asistentes pueden atender tanto a los dos formatos como solo a uno, incluso un único día. Los abonos están ya a la venta en la página web del festival, y de hecho, hoy es el último día para adquirir los tickets en el precio actual, ya que esta noche se encarecerán.

‘In Spain We Call It Igualdad’: la campaña del Gobierno con guiño a Rigoberta Bandini para el 8M

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9 marzo, 2022

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En el día de ayer toda España se volvió a llenar de protestas por los derechos de la mujer y la igualdad de género, en un 8M donde el movimiento anti-TERF tuvo mucho protagonismo. El Ministerio de Igualdad ha llevado a cabo una acción de comunicación centrada en el Día Internacional de la Mujer en varios medios como la televisión, las redes sociales y lonas publicitarias, bajo el eslogan “In Spain We Call It Igualdad”, claramente prestado por Rigoberta Bandini.

La campaña, que ha corrido a cargo de la agencia Ogilvy, no tiene como objetivo reivindicar el papel de la mujer o arrojar luz sobre lo que nos queda por hacer, sino celebrar lo que ya se ha conseguido en este país. “In Spain We Call It Igualdad” sirve para “identificar aquello que ya es feminista, y que sirva para avanzar”, explica Ángela Rodríguez, secretaria de Estado de Igualdad y contra la Violencia de Género.

El spot es la principal pieza de toda la campaña, y para trasladar el mensaje del eslogan el Instituto de la Mujer ha querido “representar estas situaciones cotidianas, que ya las tenemos interiorizadas y forman parte de nuestras vidas». «Un padre bailando con su hijo, mujeres deportistas que ocupan la conversación del país de una manera absolutamente normalizada, que un hombre disfrute del cuidado de su hija o hijo porque en nuestro país ya existen permisos iguales e intransferibles». Es decir, el spot «dibuja toda una serie de victorias del feminismo que han logrado no solo que las mujeres vivan mejor, sino que todas las personas vivan mejor».

Parece que el Gobierno y Pedro Sanchez no pueden ocultar su fanatismo por Rigoberta Bandini, y “In Spain we say…” se está convirtiendo en una coletilla muy común desde que Pedro Sanchez la utilizó frente a Ursula Von der Leyen y Charles Michel: “In Spain we say: estamos a las duras y a las maduras”. Por su parte, la ministra de Igualdad Irene Montero llegó a pronunciar la frase «¿por qué dan miedo nuestras tetas?» en un mitin.

El feminismo nos hace mejores, construye sociedades más justas. Desde el feminismo transformamos España en un lugar donde mujeres y hombres tienen las mismas oportunidades y derechos. Este #8M celebremos las conquistas logradas; impulsemos lo que está por llegar. Para todas . pic.twitter.com/StOC568wEB

— Pedro Sánchez (@sanchezcastejon) March 8, 2022

TV en DIRECTO | Sánchez: "In Spain we say: 'Estamos a las duras y a las maduras" https://t.co/MOfaS0c0JI pic.twitter.com/QaTaMdjW8l

— EL PAÍS (@el_pais) August 21, 2021

En otras noticias relacionadas con Rigoberta Bandini, esta noche la catalana participó en el concierto homenaje a Rocío Jurado organizado por su hija Rocío Carrasco y que tenido lugar en el WiZink Center de Madrid. Acompañada de su banda, Rigoberta cantó ‘Ay mamá’ y también una versión de ‘Lo siento mi amor’ de la propia Rocío Jurado. En el concierto contó también con actuaciones de Pastora Soler, Soleá Morente, Ruth Lorenzo, Sole Giménez, Ana Guerra, Edurne, Bebe o Beatriz Luengo.

Marius Bear contradice a The Cure: «los hombres sí lloran» irá por Suiza a Eurovisión

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8 marzo, 2022

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Hoy 8 de marzo es un día en que están muy presentes las ideas feministas que buscan hacer del mundo un lugar mejor. Muchas de estas ideas afectan directamente a los hombres, que por supuesto también son sujetos del feminismo, por si hace falta recalcarlo. El feminismo lucha contra la masculinidad que se define en la violencia y en la represión de los sentimientos, y el pop reciente se ha hecho eco de esta lucha, en canciones tan emotivas como ‘Crybaby‘ de Paloma Faith o ‘C’mon Baby, Cry‘ de Orville Peck que han puesto su grano de arena en la búsqueda de un cambio de paradigma.

A ellas se suma la canción que representará a Suiza en Eurovisión este año. La canta el músico de 28 años Marius Bear y su título contradice directamente el del éxito por todos conocidos de The Cure, ‘Boys Don’t Cry’. Su mensaje busca ser tan claro que Bear ha grabado la canción en inglés, algo que hay que agradecer pues su letra, en su sencillez, es preciosa. El estribillo «los corazones se rompen, y a veces los aviones se caen del cielo, y las montañas se desmoronan y los ríos se secan, y los hombres lloran», en su sucesión de simples verdades, es incluso poético.

‘Boys Do Cry’ es, sorpresa, una balada, por lo que Suiza no arriesga demasiado este año después de mandar a Gjon’s Tears en 2021, una decisión lógica pues ‘Tout l’Univers’ quedó tercera. Sin embargo, la canción de Marius Bear tiene cierto componente «universal» o atemporal: el intimismo de su melodía recuerda al de las baladas románticas de los años 50, y la canción sabe crecerse desde este sonido, pues termina incorporando sonidos jazzy e incluye coros y una sección de cuerdas totalmente retro que invita a recordar el debut de Sam Smith. En los foros parece no estar gustando tanto, a mí me ha conquistado.

Nilüfer Yanya / PAINLESS

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Nilüfer Yanya es una de esas artistas singulares que solo suenan a ellas mismas. No importa cuántas influencias reconozcas en su música, sus canciones siempre llevarán una firma inequívocamente propia. Serán sus extrañas melodías vocales, sus viscerales texturas de guitarra eléctrica o su voz rasposa y muscular, pero escuchar a Nilüfer Yanya es darse cuenta de que se está ante una artista original que, en cualquier momento, puede ofrecer algo grande.

Su nuevo disco halla a la artista en el camino correcto. ‘PAINLESS’ es más corto que su debut ‘Miss Universe‘ (2019) pero también más enfocado y denso, y escucharlo es apreciar a una artista que está esculpiendo su sonido con una visión cristalina. La artista turco-británica lo ha grabado con algunos músicos y productores de confianza como Wilma Archer, Bullion, Andrew Sarlo (productor de Big Thief) y Jazzi Bobbi, y lo ha llamado ‘PAINLESS’ aunque irónicamente las letras hablen de manera más franca que antes sobre cosas como el desamor o la inseguridad, y el dolor que estas provocan.

«No me gusta cuando no siento dolor» es una de las frases que deja ‘midnight sun‘, la pista central de ‘PAINLESS’, y viene a resumir el concepto de un disco que versa sobre una relación que hiere a la autora, pero de la que ella aún no se ve capaz de escapar. Es una de las mejores canciones jamás escritas por Nilüfer: su cruda mezcla de guitarras eléctricas, baterías a medio camino entre el indie-rock y el trip-hop y su impredecible progresión de acordes y estructura, que se desahoga en un final de guitarras distorsionadas impecable, constituyen una de sus composiciones más inmediatas y adictivas.

De las cuales hay unas cuantas en ‘PAINLESS’. El disco abre con ‘the dealer’, que entre la decepción («pensaba que eras una persona en la que confiar») y el auto-engaño, presenta la base más uptempo de la secuencia, en clave breakbeat, y supone una introducción accesible al disco. El frenético primer single, ‘stabilise‘, devanea entre la paranoia propia de la artista que escribió ‘In My Head’ y afirmaciones tipo «no me voy a ninguna parte», y ‘try’ es directamente una balada de cantautora de rock universario de los 90 que Nilüfer lleva a su terreno.

En ‘PAINLESS’, Nilüfer sigue mostrando un logrado equilibrio entre accesibilidad y experimentación, y entre algunas de sus canciones más maduras. ‘L/R’ es una de ellas, pero además Nilüfer eleva su atmosférico sonido post-punk con un estribillo de melodía angular que no te podrás sacar de la cabeza. La balada ‘shameless’ retrata una relación humillante de la que Nilüfer no puede salir y suena «celestial» a propósito. Y ‘chase me’, que de nuevo está sumida en la paranoia («por los pasillos tu amor me persigue»), combina las físicas guitarras de Nilüfer con una base electrónica de lo más rudimentaria que hace cosquillas en los oídos.

La extraña belleza de las canciones de ‘PAINLESS’ queda bien capturada en la atmosférica ‘trouble’, inspirada en Cat Stevens, y aún es posible de encontrar este tipo de belleza en algunas de las composiciones más esquivas del largo, como la introspectiva ‘company’, a la que «acompañan» los demonios de Nilüfer, bien asentados en su cabeza; o la jazzy ‘belong with you’, inspirada en ‘All the Things She Said’ de t.A.T.u. aunque jamás lo dirías. Dice mucho de Nilüfer que incluso sus canciones menores tengan algo interesante que ofrecer, y ‘PAINLESS’ es buena señal de que ha venido para quedarse.

Rosalía, top 20 en la lista de singles española con ‘CHICKEN TERIYAKI’

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8 marzo, 2022

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En la lista de singles española de esta semana, el remix de ‘Cayó la noche’ vuelve al número 1 y ‘MAMII’ de Becky G y Karol G cae al 2. No hay entradas en todo el top 15 inicial, pero en esta posición exacta protagoniza Bad Bunny la subida más fuerte de la semana con ‘LA ZONA’, la pista 8 de ‘YHLQMDLG‘, que sube desde el 68 tras viralizarse en TikTok en los últimos días.

‘CHICKEN TERIYAKI‘ de Rosalía es la entrada más fuerte de la semana, pero debuta en el número 20, lo cual empeora bastante el dato de ‘SAOKO’ (5), que en cualquier caso sigue a la baja y esta semana saluda desde el puesto 34. Y parece que ‘CHICKEN TERIYAKI’ no pasará de esa posición: pese a su videoclip diseñado también para petarlo en TikTok, el tema ya está fuera de todo el top 50 de Spotify España, al igual que ‘SAOKO’, y mientras ‘LA FAMA’ permanece en el 41, y en el 13 de la tabla de Promusicae.

La siguiente entrada en lista es ‘No y no’ de Morad, que ingresa en el número 22 tras el sonado paso del artista por ‘Salvados’; y en el 42 aparece el reggaetonero chileno Cris MJ con ‘Una noche en Medellín’.

Ya en la parte baja de la tabla encontramos ‘Camiseta de rokanrol’ de Estopa, que en su nueva versión con Fito y Fitipaldis, entra en el número 61. Por su parte, ‘Gracias por nada’ de Rauw Alejandro debuta en el 84, y finalmente Tini y Beéle se cuelan en el número 100 con ‘Fantasi’.

C. Tangana impide a Café Quijano entrar en el número 1 de la lista de álbumes española

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8 marzo, 2022

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‘El Madrileño‘ vuelve esta semana al número 1 de la lista de álbumes española, posición en la que seguirá probablemente la semana que viene tras el conciertazo que su autor acaba de ofrecer en Madrid, rodeado de estrellas. El disco, que ya ha cumplido un año de vida, impide entrar en el número 1 a Café Quijano con ‘Manhattan’, que se ha de «conformar» con el 2, e Ilegales entran en el 3 con ‘La lucha por la vida’, que sí es top 1 en vinilos.

El top 10 de la lista da la bienvenida a otras entradas: Scorpions colocan ‘Rock Believer’ en el número 5, Sweet California llegan al número 8 con su álbum de regreso, ‘Land of the Free Vol. 1’, Rauw Alejandro aparece en el 9 con el segundo volumen de su mixtape ‘Trap Cake’, y Ayax y Prok logran posicionarse en el número 10 con ‘Juglar del siglo XXI’.

Más entradas en la parte alta de la tabla llegan de la mano de Pignoise, que colocan su nuevo álbum ‘Diversión’ en el número 13, y Avril Lavigne, que debuta en el 14 con su disco pop-punk, ‘Love Sux’, y mejora por cuatro posiciones el dato de ‘Head Above Water’. El top 4 de ‘Goodbye Lullabye’ sigue siendo la mejor posición histórica de Avril en nuestro país. Cierra el top 15 uno de los raperos de moda en Reino Unido: el disco de Central Cee entra exactamente en el número 15, tras debutar en el número 1 de UK.

Precisamente Central Cee ha dejado sin número 1 en las islas a Tears for Fears, que han vuelto con su primer disco en casi veinte años. En España, ‘The Tipping Point‘ entra en el número 23, aún así un éxito para una banda británica cuyos lanzamientos largos han solido esquivar las listas españolas incluso en su momento más alto de popularidad. Por otro lado, el artista de dancehall y reggae FYAHBWOY mete ‘EQUILIVRIUM’ en el 24.

En cuanto al resto de entradas, ‘Ilusionismo’ de Despistaos entra en el 35, ‘Blanco y negro’ de Ricardo Arjona en el 50 y ‘Malibu’ de Cali y el Dandee en el 80 y, en cuanto a las curiosidades que nos deja esta semana la lista de vinilos, entre entradas de Marina («Ancient Dreams» es número 31) o Kesha (‘High Road‘ es número 51), cabe destacar la entrada, directamente en el número 15, del primer disco de Nueve Desconocidos, el proyecto de darkwave de Ares Negrete que edita el sello Casa Maracas y que ha colaborado con El Último Vecino.

15 años del debut de Mika: ¿es ‘Life In Cartoon Motion’ un clásico?

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8 marzo, 2022

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Dedicar un artículo a conmemorar el aniversario de un álbum supone que el disco haya sido trascendental en algún sentido, que haya marcado un momento o que necesite reivindicación, y es difícil decidir si el álbum debut de Mika ‘Life In Cartoon Motion’ merece ser celebrado en su 15º aniversario justamente por las polarizadas reseñas que obtuvo en su día.

Sin embargo, el LP presentó al mundo un cantante único que no se ha vuelto a repetir, un sonido inconfundible, una de las canciones más exitosas de todo 2007 y una energía de la que todos nos hemos contagiado alguna vez de fiesta mientras sonaba uno de sus temas. Además, el álbum debut del cantante inglés es también su disco más exitoso hasta la fecha, siendo el 9º más vendido de 2007 en el mundo entero.

Mika publicó ‘Life in Cartoon Motion’ el 5 de febrero de 2007 tras conseguir por fin un contrato discográfico con Casablanca Records y Universal Music, algo que le costó mucho trabajo, ya que en un principio ninguna de las discográficas a las que se presentó querían ficharlo. Mika era estudiante de música clásica pero le apasionaba escribir canciones pop, y esa mezcla que acabó plasmada en sus partituras no convencía a los directivos: incluso le pidieron que se acercara más al estilo de Robbie Williams.

Tampoco tenía el apoyo de los consumidores, como dijo en una entrevista del 2007: “la gente comercial me rechazó y los indies tampoco me aceptaron porque era demasiado melódico”. La desesperación porque las discográficas no entendieran su concepto musical y las presiones para ser alguien que no era le llevaron a escribir ‘Grace Kelly’, que paradójicamente fue la llave que le abrió las puertas de la gente que le había dado la espalda hasta entonces.

‘Grace Kelly’ es la canción insignia de Mika. El tema fue número 1 en Reino Unido sólo con descargas digitales, y se mantuvo en el puesto durante cinco semanas consecutivas. También llegó a lo más alto en muchos otros países como Italia, Francia o Bélgica, lo que ha propiciado que a posteriori Mika haya seguido muy presente en países europeos de habla no inglesa. ‘Grace Kelly’, que también ha sido una de las elegidas por la comunidad de TikTok para crear un trend, es un discurso de Mika hacia el director de una discográfica que lo rechazó y que le propuso aparentar ser alguien que no era: “Intenté ser como Grace Kelly pero sus looks eran demasiado tristes, así que lo intenté como Freddie, ¡me he vuelto loco con las identidades!” dice la canción.

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La magnitud de ‘Grace Kelly’ podía haber aplastado al artista y condenarlo a ser recordado solo por este éxito, pero los siguientes singles del álbum fueron ‘Love Today’, ‘Big Girls (You Are Beautiful)’, ‘Happy Ending’, ‘Relax, Take It Easy’ y ‘Lollipop’, todas canciones hechas con materia de hit que consiguieron instalarse en nuestras cabezas. Pero, ¿cómo les ha sentado el paso del tiempo a estos singles tan 2007? Repasando el álbum, es indiscutible que Mika demuestra tener talento para la música y sensibilidad por el pop, ya que las melodías son contagiosamente divertidas (o divertidamente contagiosas). Pero ‘Lollipop’ es el mejor ejemplo de una canción que ha perdido interés, una canción que se ha quedado estancada y que exagera al máximo la esencia «happy» que diferencia a Mika del resto. ‘Lollipop’ es el tema que la gente suele usar para justificar que no les gusta el estilo “bobo” de Mika, de juguete, y en el fondo puede que con algo de razón. De hecho, ¿puede trasladarse esta crítica al conjunto del álbum?

Aunque el sonido de Mika sea su firma personal y no se asemeje a la música de los artistas con los que competía en las listas de la época (quitando a Scissor Sisters), ‘Life In Cartoon Motion’ se ha quedado atrapado en su propia era. Quizás las canciones que mejor paradas han salido y que mejor podrían rendir entre la música de hoy en día son ‘Love Today’ y ‘Any Other World’, pero con otras, su fórmula parece haberse agotado. ‘My Interpretation’ parece un single de Take That de los 90, ‘Big Girls (You Are Beautiful)’ es otra divertida canción que solo le queda como un guante al Mika de 2007, y ‘Relax, Take It Easy’, aunque es la más avanzada de todas, no pasa de 2009. De hecho, recuerda a ‘Rain’ de ese mismo año.

Tal y como ‘Lollipop’ ha afectado de manera negativa al recuerdo del álbum, el propio álbum ha estado a punto de eclipsar a Mika, y le ha atrapado en ese país de las maravillas al que transporta el CD. Solo hay que observar la portada del segundo trabajo discográfico del cantante ‘The Boy Who Knew Too Much’ y darse cuenta de que tanto la portada como el contenido es casi una extensión del álbum anterior. Esto es algo común en el pop: querer reproducir el éxito de algo que ha funcionado muy bien, como los debuts de Britney Spears o Kesha, pero por suerte y con el paso del tiempo, Mika ha sabido mantener su carrera a flote en algunos mercados como el francés o el italiano. Por algo presentará Eurovisión desde Turín.

Dicho esto, que ‘Life In a Cartoon Motion’ no haya llegado a nuestros días en su mayor esplendor no quiere decir que no sea un clásico. Y eso es algo que la industria le debe a Mika, porque no se puede concebir la música pop de los 2000 sin tener en cuenta este CD. Seguramente, dentro de 30 años seguiremos recordando estas canciones, compuestas por él mismo y que le consiguieron una nominación a un Grammy y a un MTV European Music Awards. Mika dijo en una entrevista en 2007: “El pop ha perdido su mejor cara y la calidad artística se ha dejado en el olvido. Intento reivindicar el pop”. Para aquellos que les cueste ver el álbum con los mismos ojos que antes, intenten trasladarse a finales de los 2000 para sentir lo original, nuevo, fresco y divertido que es este disco, las geniales melodías y letras que hacen evadirse casi de cualquier problema.

Leticia Sabater, la «Madonna de España», versiona ‘Perra’ de Rigoberta Bandini

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8 marzo, 2022

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«No quiero llevar un bozal», «nadie me puede prohibir ladrar», «solo pido ir sin correa a pasear»… ‘Perra’ de Rigoberta Bandini promete ser uno de los himnos que se escucharán en las calles durante la jornada del 8 de marzo de hoy, Día Internacional de la Mujer.

Pero la canción es noticia hoy por otro motivo: Leticia Sabater la ha versionado. Y, además, la ha presentado en directo. La autora de ‘La Salchipapa’ ha participado en la versión de ‘Mask Singer: adivina quién canta’ que organiza cada jueves la discoteca CuenaClub de Madrid, como informa Formula TV, y su elección musical ha sido el éxito de Rigoberta Bandini. Leticia ha actuado disfrazada como manda el concurso original. El vídeo que comparte CuencaClub alterna imágenes de la performance de Leticia con otras de su paso por el estudio para grabar la versión.

Antes de la actuación de Leticia, la sala Tirso ha emitido un vídeo de presentación, en el que la autora de ‘Mi vida es mía‘ ha aludido a su naturaleza polifacética, y ha asegurado que «se podría decir que soy la Madonna de España, porque nunca dejo de reinventarme». Razón no le falta: cuando no participa en ‘Supervivientes’ sale en un tráiler de Netflix y cuando no, saca el villancico más esperado del año. Y ahora se ha disfrazado de «perra».

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Samantha Hudson estrena el maloliente videoclip de ‘Demasiado coño’ y visita ‘La Resistencia’

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8 marzo, 2022

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Samantha Hudson es un huracán incansable, y esta vez ha estrenado el videoclip de ‘Demasiado Coño’, canción incluida en su segundo álbum ‘Liquidación Total’. El tema producido por PUTOCHINOMARICÓN invita a dar “un paseo por el vertedero del internet nacional acompasado por una letra cargada de acidez”, dice el comunicado de prensa. Además, la artista visitó ayer el Teatro Arlequín para entrevistarse con David Broncano en ‘La Resistencia’.

“¿Sabes lo que pasa aquí o no? Es demasiado coño para ti mi amor” dice la canción que carga contra “la gente rancia del panorama social actual”. En el vídeo, Samantha Hudson se adentra en una mansión maloliente y abandonada, rodeada de basura, gente desagradable y bailes convulsivos. Pero la cúspide del video llega cuando Samantha se sube encima de una larga mesa de comedor, y empieza a mear a todos los invitados por encima. “Méales a esos rancios” o “EL CAYETANO!” dicen algunos comentarios del directo de Instagram que simula la cantante.

Por otro lado, Samantha Hudson visitó ayer ‘La Resistencia’ por primera vez, y dejó un espectacular titular sobre el ecologismo y Greta Thumberg al responder a Broncano, que le preguntaba si a ella le gustaba la naturaleza: “el ecologismo me da rabia y también que no puedas darle una patada en la cara Greta Thunberg y quedarte a gusto». El presentador intentó defender a la activista diciendo que le gusta el planeta, pero ella siguió en su postura respondiendo “Pero le daría una patada en la cara, déjame tranquila».

Lady Gaga finalmente sí se va de gira con 15 fechas este verano

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8 marzo, 2022

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Que Lady Gaga se vaya de tour es una buena noticia tanto por tratarse de ella como por celebrar que vuelven definitivamente los conciertos masivos en estadios. Y es que parecía que finalmente ‘Chromatica’ se iba a quedar sin representación en los escenarios, pero tras haber sido pospuesto y paralizado hasta próximo aviso, este verano aterriza ‘The Chromatica Ball’ en 14 ciudades europeas y americanas.

La gira prevista para 2020 contaba con shows con París, Londres, Boston, Toronto y Chicago, a los que se les suman una fecha más en Londres, y una nueva en Düsseldorf, Estocolmo, Arnhem, Washington DC, Dallas, Atlanta, San Francisco y Los Ángeles. También existía una parada en Nueva Jersey que se ha cancelado definitivamente. España, por su parte, se queda fuera del tour esta vez.

Las entradas para los conciertos pospuestos en 2020 seguirán siendo válidas para las nuevas fechas, y los nuevos tickets pueden adquirirse mediante la página web de la cantante. La venta ya está abierta para los shows en París, Londres (una fecha), Toronto, Nueva York, Chicago y Boston.
17/07 Düsseldorf, Alemania – Merkur Spiel-Arena
21/07 Estocolmo, Suecia – Friends Arena
24/07 París, France – Stade de France
26/07 Arnhem, Países Bajos – GelreDome
29/07 London, Inglaterra – Tottenham Hotspur Stadium
30/07 London, Inglaterra – Tottenham Hotspur Stadium
06/08 Toronto, Ontario – Rogers Centre
08/08 Washington, D.C. – Nationals Park
11/08 Nueva York, NY – Metlife Stadium
15/08 Chicago, IL – Wrigley Field
19/08 Boston, MA – Fenway Park
23/08 Dallas, TX – Globe Life Field
26/08 Atlanta, GA – Truist Park
08/09 San Francisco, CA – Oracle Park
10/09 Los Angeles, CA – Dodger Stadium

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Violeta Tello Grau: «¿Quizás una mujer libre es aquella que también habita su propia niña?»

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8 marzo, 2022

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Violeta Tello Grau es una poeta, cantante y compositora de Barcelona que acaba de editar su EP ‘CINTA Vol. 2’, en el que se incluye ‘Niña Río’, una de las mejores canciones del mes que has podido descubrir en la playlist Sesión de control. El título del EP no alude a las cintas de casete, sino a la palabra «amor» en el idioma indonesio. Tello Grau toca el gamelán -de hecho es miembro de la orquesta Gamelan Forja de Trons vinculada al Museu de la Música en Barcelona- y su relación con la cultura indonesia empapa su obra.

Pero no solo eso. Obviamente la poesía ejerce un peso muy importante en el trabajo de Violeta Tello Grau, y su debut de 2019 ‘Música bruja’ se describe como «un ciclo de poemas cantados que narra once momentos en la vida de una niña desde que nace hasta que muere». El llamado «disco disfrutativo» de Tello Grau surge de un trabajo de investigación sobre mujeres compositoras como Alma Mahler, Galina Ustvolskaya o Björk, y unos años después, ‘Niña Río’ nos lleva a otra de las influencias de Tello Grau, Kate Bush.

‘Niña Río’ evoca la propulsión y la épica de ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’, así como su componente pop, pero también es un trabajo de producción experimental, de tipo collage, marcado por la presencia de unas cuerdas que emergen casi de la nada como cuchillos, dispuestos a clavarse en el cerebro. Son samples de música clásica que Tello Grau ha decidido integrar en una producción de synth-pop ochentera, y que suman un enorme drama y tensión a la grabación. Hablamos con Violeta sobre ‘Niña Río’, hoy la Canción Del Día, ahondando también en su letra.

¿Cómo ha sido el proceso de composición de esta canción?
La letra y la melodía de ‘Niña Río’ las compuse yo sola a voz y piano. Cuando empezamos a trabajar la canción con Víctor, quisimos samplear micro fragmentos de música clásica e integrarlos en la electrónica (Stravinksy, Holst y Varese). Jugamos a combinarlos con las percusiones, las texturas vocales y los sintetizadores.

‘Niña Río’ me da ecos a Kate Bush ¿Es una de tus influencias? ¿A qué artistas tienes como referentes o qué músicas te inspiran?
Kate Bush es una de mis compositoras favoritas, en efecto. Antes de componer ‘Niña Río’ había estado en bucle con ‘Running up that Hill (A Deal with God)’, así que es normal que se encuentren ecos. Otras de mis referentes son Björk, Kylie Minogue o Holly Herndon, aunque me siento inspirada por mucho tipo de músicas distintas, también por compositoras de música clásica como Galina Ustvolskaya o Hildegarda von Bingen.

La poesía es otro componente fundamental de tu música. ¿Por qué es tan importante para ti?
Escribo poemas desde pequeña, desde que era una niña. Creo que las palabras tienen gran impacto en mi; abren caminos mentales y de imaginación a su paso… Cuando empecé a saber escribir recuerdo jugar a apuntar en un papel las palabras que decían los adultos pero que me gustaba cómo sonaban y no sabía qué significaban; luego se las preguntaba a mi madre o a mi padre e iba recolectándolas.

¿’Niña Río’ habla de una mujer que es libre? ¿Qué has querido expresar en la letra?
Para mí esta canción empieza con un cuento: «Había una vez una niña poderosa que habitaba una cueva en medio de la montaña. Un día emprendió un largo viaje a través del río que circundaba el lugar». La canción nos habla de su descenso por las aguas, de la acción de desplegar nuestros poderes, de la magia de la infancia y de la aventura de la alegría. ¿Quizás una mujer libre es aquella que también habita su propia niña?

Tocas el gamelán, el EP se titula «amor» en indonesio, ¿en lo musical o conceptual hay algo de música indonesia en este EP o va por otro lado?
‘Nacimiento en la cueva’ de ‘Música Bruja’ y otras canciones de mi primer álbum como ‘Y sin embargo’ contienen melodías y patrones musicales de gamelán, pues estuvieron compuestas siguiendo el lenguaje sonoro del kotekán indonesio. Estos patrones y sonoridades son una influencia muy fuerte para mí, y pueden aparecer en mis canciones pop combinados con otros elementos. También he compuesto ‘La Danza de la Guerrera’, una pieza para gamelán y voces que estrenaremos con la orquesta Gamelan Barasvara de Barcelona la temporada que viene. En ‘CINTA’ no hay presencia tan directa o evidente de sonoridades gamelánicas, pero la influencia indonesia se filtra en el título y en las lyrics de ‘Aku Cinta Kamu’.

Disco de la Semana: Stromae / Multitude

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9 años después, ha vuelto Stromae. En concreto haciendo historia con una aparición televisiva en la que parecía que iba a ser entrevistado, cuando de repente procedía a interpretar un tema nuevo, el single estrella de este tercer disco, que habla sobre tendencias suicidas. No siempre han sido buenos tiempos para el artista que ha sufrido malaria, agotamiento y depresión, ni todos malos, pues ahora es padre y ha sido precisamente la obligación de llevar a su hijo al colegio a diario lo que le ha hecho adquirir una nueva disciplina tras llegar incluso a anunciar su retirada: componer en horario laboral en lugar de por las noches, como solía.

El tema cuyo estribillo repite una y otra vez «a veces he tenido pensamientos suicidas y no estoy orgulloso de ellos» se llama ‘L’enfer’ y da buena cuenta de lo importantes que son los textos para comprender la obra de Stromae, que tanto se ha definido por sus reivindicaciones contra el genocidio, a favor de la ambigüedad, de la mezcla tanto musical como cultural, y en contra de la intolerancia. Sus letras son muy sencillas, pero su punto fuerte es el enfoque. En contra de lo que parece sugerir ‘L’enfer’, que él mismo afirma que no está seguro de qué va, el artista se resiste a hacer un álbum sobre su vida personal, abordando temas sociales o de la vida moderna, poniéndose en la piel de diferentes personajes.

Si en el pasado se ha puesto en la piel de los nativos americanos que viven de un modo tradicional para reflexionar sobre el medio ambiente y sobre lo que hemos hecho en el mundo con la naturaleza; la explotación laboral y la arrogancia de las clases altas son los temas principales de otro de los singles principales, ‘Santé‘ («Por una vez, me gustaría levantar mi copa por aquellos que no la tienen»). ‘Fils de joie‘ es una historia inspirada en un comentario escuchado a Jimmy Paradis sobre los derechos de las trabajadoras sexuales, denunciando las condiciones en que trabajan las prostitutas. Para ello y, como ha sido habitual para el peliculero intérprete de ‘Formidable’, donde fingía estar ebrio, aquí habla como si fuera él mismo el cliente del burdel.

En ‘Riez’, Stromae se burla de una persona que sueña con ser rica y popular, mientras ‘Pas vraiment’ denuncia la falsedad del amor entre famosos. ‘Déclaration’ habla de feminismo y misoginia, con sentencias como «siempre está mejor visto ser un cabrón que una puta». En una línea muy parecida, ‘Mon amour’ es una enumeración de conquistas que tan sólo puede estar reflejando el patetismo del narrador, que desconoce hasta en qué armario se encuentran sus calzoncillos.

Lejos del adoctrinamiento, Stromae sabe hacer de ‘Multitude’ un disco divertido, por momentos una comedia teatral. ‘C’est que du bonheur’ es un cúmulo de mierda, vómitos y pañales para parodiar esa realidad de ser padre de la que no se habla tanto, y de ahí que el estribillo vaya entonado en falsete como por un infante («Ya verás, todo es felicidad / Hay vómito, caca y luego todo lo demás»). Al final de la vida, aguarda también cambiar pañales al hijo… Y hay ternura y autoparodia: ‘La solassitude’ es una canción preciosa sobre una relación de amor de larga duración en la que la pasión ha sido substituida por el aburrimiento. Contiene frases demoledoras, como «si nos quedamos en casa todo el fin de semana, ¿aún me encontrarás atractivo?» y su estribillo es una verdad universal de este tamaño: «El celibato me hace sufrir de soledad / La vida de pareja me hace sufrir de hastío».

‘La solassitude’ ha sido arreglada con un erhu, una especie de violín chino para el que han localizado a un experto en este instrumento porque Stromae se ha negado a utilizar su imitación en GarageBand porque no era lo exactamente lo mismo. Así, ‘Multitude’ vuelve a ser un viaje por todo el mundo, en el que no ha querido hacer «un tema de reggaetón, otro de hip-hop y otro de salsa», sino que ha decidido mezclar todo con todo, siguiendo la máxima de recorrer al mismo tiempo diferentes culturas. Inspirándose en nombres como Alfredo Coca, el argentino DJ Alex, gente de la escena afropop como Burna Boy y también por Billie Eilish, que le dejó completamente hipnotizado a través de un concierto online; y ayudado por su hermano Luc, que le ha ayudado a documentarse; Stromae realiza un excitante viaje por el mundo en el que caben un charango boliviano, un ney turco (una especie de flauta) y grooves deliberadamente fuera de ritmo.

Aquellos buscando música de baile a lo ‘Papaoutai’ saldrán decepcionados, pero todo aquel que hable francés o tenga unos minutos para meter todo esto en un traductor de Google, comprenderá por qué el belga es un absoluto superventas en Francia, por qué vende literalmente millones de copias en nuestro país vecino. El disco se cierra con las dos caras de una moneda: el tema pesimista (‘Mauvaise journée’) y el tema optimista (‘Bonne journée’) porque ambas cosas son complementarias. En su «Un buen día» particular, hasta la «caca» le sale tan bien que no tiene que limpiarse. Hay algo relevante casi en cada estrofa de este disco, a menudo haciéndote preguntarte quién es realmente el «hijo de puta» que entona un tema o el personaje «invicto» que aparece en la gloriosa apertura. Tras este gran tercer álbum, sí es fácil concluir que el «invicto» no es otro que Paul Van Haver.

Como Tanxugueiras pero en bretón: así es la canción que representará a Francia en Eurovisión

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7 marzo, 2022

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Tanxugueiras era una de las propuestas favoritas de Benidorm Fest por su componente tradicional, entregado al folclore gallego, pero finalmente será Chanel quien represente a España en Eurovisión con ‘SloMo’. Sin embargo, el festival contará este año al menos con una actuación muy parecida a la propuesta de Tanxugueiras, tanto que si te despistas parece la misma.

Hablamos de la apuesta de Francia, que tras quedar segunda en 2021 con ‘Voilà‘ de Barbara Pravi -su mejor posición en tres décadas- llevará a Turín una canción de corte celta, cantada en un idioma estatal minoritario, el bretón, por tres vocalistas femeninas que, para rizar más el rizo, en su actuación van vestidas de negro con detalles dorados bordados en sus prendas, como recuerda un usuario de nuestros foros.

‘Fulenn’ es la canción que ha ganado el certamen ‘Eurovision France: C’est vous qui décidez’ que se ha emitido estos días en la televisión pública francesa, y es obra del productor electro Alvan y el trío de cantantes bretonas Ahez compuesto por Marine, Sterenn D. y Sterenn L., cuyas letras mezclan historias contemporáneas con mitos regionales.

‘Fulenn’ se basa en una leyenda bretona sobre una joven que baila de noche delante de una hoguera, huyendo de las normas sociales, y la canción es muy explícita en su conjunción de ambos mundos, al casar melodías y letras tradicionales (esos gritos) con una producción que pasa de la tradición a la pista de baile de una discoteca de tecno.

La puesta en escena de ‘Fulenn’ presentada en el programa francés también es parecida a la de Tanxugueiras, pues incluso cuenta con una bailarina que representa al personaje de la letra, mientras Ahez bajan de una plataforma al escenario y Alvan va a lo suyo, pasando de la mesa de mezclas a bailar. La canción no es gran cosa, pero quizá habría perjudicado a ‘Terra’ de haber ganado esta canción el Benidorm Fest. O no, pues nunca lo sabremos.

Superorganism vuelven producidos por Stuart Price y detallan su disco

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7 marzo, 2022

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Superorganism, la «superbanda» que nos cautivó hace unos años con canciones de pop-batidora como ‘Something for Your M.I.N.D.’ o ‘Everybody Wants to Be Famous‘, y con un fascinante directo que aún no hemos olvidado, vuelve con un nuevo disco que verá la luz el 15 de julio bajo el título de ‘World Wide Pop’. Foto: Jack Bridgland

Las 13 canciones que componen el álbum «logran un equilibrio entre el artificio y la seriedad, entre las tonterías de la ciencia ficción y la intensidad existencial», según la nota de prensa oficial, y conforman un «escaparate para la comprensión recién profundizada de Superorganism de los intereses e impulsos de los demás, el tipo de convergencia creativa que esperarías cuando los amigos en línea comienzan a pasar tiempo juntos en la vida real», ya que su debut se completó «antes de que toda la banda hubiera estado en la misma habitación al mismo tiempo».

El álbum incluye varias colaboraciones, entre ellas dos de Stephen Malkmus de Pavement, y también aparecen en dos pistas la banda revelación japonesa CHAI. Las autoras de singles tan pintones como ‘ACTION’ aparecen en el primer single de ‘World Wide Pop’, que recibe el nombre de ‘Teenager’ y cuenta también con la participación de la solista francesa Pi Ja Ma.

‘Teenager’ es otra de las canciones de pop coloridas de Superorganism, y su letra «celebra aferrarse a la pasión y la emoción crudas de esos años de formación». También es un «rechazo al cinismo». Pero lo más interesante es que cuenta con un colaborador que todavía no hemos mencionado: Stuart Price, productor de Madonna o The Killers, produce ‘Teenager’ porque Superorganism querían lograr con su ayuda el «tamaño de IMAX al que siempre han aspirado sus grabaciones de dormitorio».

Os dejamos con la secuencia de ‘World Wide Pop’ y con el videoclip de ‘Teenager’, protagonizado por el actor y cómico Brian Jordan Alvarez, conocido por sus papeles en ‘Will y Grace’ y en ‘Jane the Virgin’ y por su webserie autoproducida ‘The Gay and Wondrous Life of Caleb Gallo’.

01 Black Hole Baby
02 World Wide Pop
03 On & On
04 Teenager (feat. CHAI & Pi Ja Ma)
05 It’s Raining (feat. Stephen Malkmus & Dylan Cartlidge
06 Flying
07 Solar System (feat. CHAI & Boa Constrictors
08 Into The Sun (feat. Gen Hoshino, Stephen Malkmus & Pi Ja Ma)
09 Put Down Your Phone
10 crushed.zip
11 Oh Come On
12 Don’t Let The Colony Collapse
13 Everything Falls Apart

Dua Lipa, acusada de plagiar la canción que inspiró ‘Don Diablo’ de Miguel Bosé

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7 marzo, 2022

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Las noticias sobre demandas por supuestos plagios a canciones famosas son ya pan de cada día. Hoy mismo ha trascendido una nueva denuncia que acusa a Sam Smith y Normani de copiar una canción de 2017 en su éxito ‘Dancing with a Stranger’. Pero nada nos preparaba para esto: los compositores de ‘Don Diablo’ de Miguel Bosé han acusado a Dua Lipa de plagiar esta canción en uno de sus últimos éxitos.

La canción de Dua Lipa que supuestamente copia ‘Don Diablo’ es ‘Levitating’, que estos días ha recibido otra demanda por plagio, en este caso por parte de una banda de reggae de Florida. Esta vez, los compositores L. Russell Brown y Sandy Linzer sostienen que ‘Levitating’ se parece sospechosamente a sus canciones ‘Wiggle and Giggle All Night’ (1979) y a su adaptación al español ‘Don Diablo’ (1980). La primera fue grabada por Cory Daye, y la segunda por Bosé, quien figura como co-autor. Parchís grabaron después una versión.

Los demandantes aseguran que «las obras infractoras tienen elementos de composición sustancialmente similares a los de las canciones de Brown y Linzer» y, en concreto, defienden que la melodía más identificativa de ‘Levitating’ es calcada a la melodía de apertura tanto de «Wiggle» como de ‘Don Diablo’. Además, como prueba para su caso, apuntan que Dua Lipa ha reconocido inspirarse en «épocas previas» para su disco de 2020 ‘Future Nostalgia‘, el mejor disco de aquel año para JENESAISPOP.

El documento defiende que existen vídeos en internet que comparan ambas canciones, pero lo más divertido es que ‘Levitating’ cuenta con un remix oficial producido por un DJ que se llama Don Diablo, uno de los más populares del momento.

Las estrofas de ‘Levitating’, ‘Don Diablo’ y «Wiggle» se parecen, pero habría que investigar hasta qué punto las melodías de las composiciones de L. Russell Brown y Sandy Linzer son tan originales cuando su progresión de acordes no lo parece especialmente. ¿Terminará el pleito con una co-autoría de Miguel Bosé añadida a uno de los mayores éxitos internacionales de los últimos años?

Sam Smith y Normani, acusados de plagio por ‘Dancing with a Stranger’

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7 marzo, 2022

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Unos días después que la banda de reggae de Florida Artikal Sound System haya saltado a la actualidad musical tras acusar a Dua Lipa de plagio por ‘Levitating’, su éxito de 2020-2021 que continúa hasta bien entrado 2022, una demanda similar emerge hoy por parte de tres compositores que acusan de plagio a Sam Smith y Normani por su éxito de 2018 ‘Dancing with a Stranger’.

Jordan Vincent, Christopher Miranda y Rosco Banloai sostienen que ‘Dancing with a Stranger’ es un plagio directo de su single de 2017, ‘Dancing with Strangers’, interpretado por el primero, y aluden a la similitud de sus títulos y de sus respectivos ganchos melódicos. En concreto, la demanda señala que «el estribillo de ambas canciones contiene la letra «bailando con un extraño» y que, en la canción, esta frase aparece en una melodía y en una composición musical casi idénticas».

La cosa se complica: según los demandantes, Sam Smith, Normani y sus equipos tuvieron acceso a la canción a través del sello Thrive Records. El sello «se mostró extremadamente interesado por la canción» para usarla para otro artista, pero el «acuerdo no se materializó». Sin embargo, aseguran que el parecido entre ‘Dancing with a Stranger’ y su canción es demasiado evidente para que se trate solo de una coincidencia.

Para más inri, los demandantes defienden también que el videoclip de ‘Dancing with a Stranger’ está sospechosamente inspirado en el de ‘Dancing with Strangers’, pues ambos consisten en planos de «una mujer que baila danza interpretativa en un estudio minimalista» (Normani) junto a otros que muestran a un «intérprete masculino cantando la canción» (Sam Smith, que entonces no había salido del armario como persona no binaria). Incluso sostienen que el dossier original del vídeo de ‘Dancing with a Stranger’ aludía al concepto visual de «maniquíes que cobran vida» usado en el videoclip de 2017 pero no en el del éxito de Smith y Normani, y recuerdan que, en una entrevista de 2019, Normani y el director Vaughan Arnell mencionaron su deseo de usar «estatuas de porcelana que cobran vida» en el videoclip.

Los compositores acusan a Sam Smith, Normani y a su equipo de haberse embolsado millones gracias a su idea, y añaden que ya les ofrecieron varias oportunidades para defenderse de manera privada, por lo que consideran la demanda el último recurso que les queda para defender su integridad artística. Según Vincent y compañía, de hecho el equipo de Smith y Normani les aseguró que realizaría un análisis musicológico de ambas canciones que siguen esperando.

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