Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, vuelve después de la pausa veraniega. Precisamente dedicamos este primer episodio de la tercera temporada a repasar algunas de las cosas que nos han marcado este verano. Antes de que cojamos el ritmo la próxima semana con nuevos monográficos e invitados especiales, realizamos un popurrí de aquel acontecimiento, disco, canción, comeback con meme, serie, película, festival, pinchada, libro o mala noticia que marcó los meses de julio y agosto. Os los comentamos en esta hora de programa, al tiempo que os recordamos que podéis apoyar el podcast a través de la tienda de JENESAISPOP, donde varios libros vuelven a estar disponibles tras unas semanas de vacaciones.
Las 10 cosas que marcaron el verano de 2022
Quevedo quería eliminar el «Quédate» de su canción con Bizarrap
‘La Resistencia’ estrenó ayer su sexta temporada con uno de los artistas más hot del momento, Quevedo, y ya es número 1 en tendencias en YouTube España. El canario de 20 años venía de visitar ‘El Hormiguero’ la semana pasada a raíz del bombazo de ‘Quédate’, el tema con Bizarrap que ya acumula casi 450 millones de reproducciones y que ha hecho a Quevedo convertirse en el primer español en coronar la lista global de éxitos de Spotify. Sin embargo, el artista de ‘Cayó La Noche’ ha desvelado en el programa de Broncano que todo podría haber sido diferente.
A mitad de entrevista y como siempre entre bromas, Broncano sacó el móvil para ponerle a Quevedo un audio de Whatsapp de Bizarrap: «Pregúntale a Quevedo qué parte quería eliminar de la canción, que te diga. Llegó al estudio y me dijo » esta parte hay que sacarla», y nada, a ver qué opina la gente». Cuando Quevedo se da cuenta de lo que está hablando el productor argentino, no tiene más opción que reírse, ya que la sección que quería eliminar es precisamente la que ha bautizado la canción más allá de ‘BZRP Music Sessions Vol. 52’: la parte de «Quédate».
«No estuve inteligente ahí», exclama Quevedo entre carcajadas. El joven canario explicó el porqué de esta casi decisión: «A mi me encantaba el estribillo de «y nos fuimos en una…» y me parecía como más arriba, pero el otro era como muy futbolero, como de canción de ‘Waka Waka’. Está guapo, pero en principio no era el tipo de tema que quería hacer». Si al final la famosa sección del tema se quedó, Quevedo se lo atribuye a Bizarrap, el cual le dijo que «es la mejor parte». Terminando la entrevista, Quevedo además sacó el móvil para enseñar cómo sonaba la canción sin la parte de «Quédate».
Almodóvar ya no dirigirá ‘Manual para mujeres de la limpieza’
Pedro Almodóvar ha abandonado la dirección de ‘Manual para mujeres de la limpieza’, la que iba a ser su primera película rodada completamente en inglés. El Diario informa, citando un comunicado de El Deseo, la productora de Almodóvar, que el director «ha decidido no seguir adelante porque considera que no se encuentra preparado para afrontar un proyecto de tal envergadura en otro idioma». ‘La voz humana‘, el corto de Almodóvar protagonizado por Tilda Swinton, estaba rodado en inglés.
‘Manual para mujeres de la limpieza’, que en estos momentos se encuentra en búsqueda de director o directora, será la adaptación cinematográfica del libro de relatos homónimo de Lucia Berlin, y Almodóvar escribió su guion hace años. El cineasta seguirá, por tanto, obviamente vinculado al proyecto, pese a no dirigirlo. Cate Blanchett es la protagonista.
Estos días, Almodóvar sí sigue al frente de otros proyectos: por un lado, la adaptación televisiva de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios‘ y, por el otro, la película ‘Extraña forma de vida‘, su «western gay» con Ethan Hakwe, Pedro Pascal y Manu Ríos, entre otros.
Hace unos meses, Almodóvar fue objeto del podcast de JENESAISPOP Revelación o timo, donde Sebas y Claudio analizaban la filmografía del director y su influencia en la cultura popular. Os invitamos a recordarlo:
Stella Donnelly / Flood
‘Beware of the Dogs’, el debut de Stella Donnelly, fue uno de mis discos favoritos de 2019. En él, Stella construía grandes canciones pop sobre machismo, masculinidad tóxica y sororidad que rebosaban frescura, encanto y mala leche: ‘Old Man’, la tremebunda ‘Boys Will Be Boys’, ‘Die’…
La preparación de este ‘Flood’ le pilló en pandemia, claro está. Momento en que Stella aprovechó para aficionarse a la ornitología. Una afición que requiere de paciencia y calma. Una paciencia y una calma que bañan todo este disco. Stella explica en su web que ‘Flood’ es “una exploración en terrenos desconocidos”. Bien, no tan desconocidos, ya que la sonoridad tampoco ha cambiado tanto de un disco a otro. Stella sigue siendo una cantautora fuertemente enraizada tanto en el indie de los noventa y ochenta como en la recia balada pop. Y, al igual que en ‘Beware of the Dogs’, lo más importante en el álbum es la voz preciosa de Stella, elástica y aniñada, su gran fuerza interpretativa.
‘Flood’ es bastante mejor disco de lo que parece a primeras escuchas. Su problema es que las letras son menos evidentes, bastante más crípticas, aunque sigan tratando de los mismos temas (relaciones abusivas) u otros nuevos (el autocuestionamiento como música que tuvo Donnelly durante la preparación del álbum), lo cual redunda en que no te sientas tan identificada con ellas como en «Dogs».
Pero, sobre todo, lo que lastra la escucha es la acumulación de medios tiempos y baladas, a pesar de un arranque sumamente trotón. ‘Lungs’ es una pequeña maravilla saltarina y grave a la vez, puro indie pop noventero, con un ritmo de batería que invita al baile. La misma dinámica sigue la pizpireta ‘How Was Your Day?’, de estribillo pegadizo. ‘Restricted Account’, la primera canción lenta, es también la más memorable, quizás por esa posición tan inicial, quizás por ese ritmo moroso, la atmósfera de siesta veraniega, la trompeta, el sentimiento con la que la canta Stella…
Es precisamente a partir de aquí que el disco toma una apariencia demasiado monocorde. Confieso que, si no hubiera tenido que escribir esta crítica, con todas las escuchas que ello comporta, hubiera descartado rápidamente el álbum, tachándolo de aburrido. Lo cual sería injusto, porque las canciones son bonitas, construidas de manera sólida (piano, elegantes barerías, arreglos sencillos) y melódica. Las repetidas reproducciones me han hecho apreciar ‘Medals’, encantadora sátira satinada con sha-la-las y saxos. O el piano y el clasicismo sesentas de la preciosa ‘Move Me’, la quieta emoción tan los primeros R.E.M. que destila ‘Flood’, el preciosismo a base de guitarra acústica de la breve ‘Morning Silence’… Pero el hecho de que todo esté invadido de la melancolía, que Stella no rompa esta deriva con algún tema que destaque y agarre la atención hasta la final ‘Cold’, pueden hacer algo farragosa la escucha.
Amaia, confirmada en el reparto de la nueva serie de Los Javis
‘Las Mesías‘, la nueva serie de Javier Ambrossi y Javier Calvo, se anunciaba el pasado mes de mayo, prometiendo una atmósfera más oscura que la vista en ‘Paquita Salas’ o ‘Veneno’. El rodaje empezó el 15 de agosto y se extenderá 22 semanas en diferentes localidades de Cataluña.
Hoy, Los Javis han hecho público el reparto de ‘Las Mesías’ y la sorpresa la ha dado a Amaia, que da el salto definitivo a actriz tras haber hecho cameos esporádicos en ‘Paquita Salas‘ o la serie navideña de Samantha Hudson, siempre interpretándose a sí misma. En el elenco compartido en redes, la autora de ‘Cuando no sé quién soy‘ aparece confirmada junto a Roger Casamajor, Macarena García, Lola Dueñas, Carmen Machi, Ana Rujas, Albert Pla, Biel Rossell y Cecilia Roth.
Además, ‘Las Mesías’ también contará con talento joven seleccionado por Eva Leira y Yolanda Serrano. Los nuevos actores que aparecerán en la serie de Los Javis, y que interpretarán a los niños, niñas y adolescentes de la historia, son Irene Balmes, Bruno Núñez, Carla Moral, Iona Roig, Lluc Jornet, Sara Martínez, Arlet Zafra, Joana Buch y Ninoska Linares.
La sinopsis de ‘Las Mesías’ se conoce desde hace meses y parece inspirado, en parte, en el fenómeno Flos Mariae. Volvemos a compartirlo: «El vídeo viral de un grupo de música pop cristiana compuesto por cinco hermanas impacta en la vida de Enric, un hombre atormentado por una infancia marcada por el fanatismo religioso y el yugo de una madre con delirios mesiánicos. La Mesías es un thriller familiar que habla de la superación del trauma, de la fe como herramienta para llenar el vacío y del arte como única vía de escape del terror».
En redes, Javier Calvo ha compartido su entusiasmo por el elenco de ‘Las Mesías’: «QUEREMOS CREER. Vais a flipar con lo que está haciendo el elenco de esta historia que nos está arrasando».
Hyd, icono de PC Music, debuta en solitario y actúa en Madrid
Hyd, artista de hyperpop vinculade a PC Music desde sus orígenes, ha confirmado fecha en España. La artiste estadounidense actuará el 15 de febrero en la sala Moby Dick de Madrid, en la que será su segunda visita a nuestro país. Las entradas estarán a la venta en DICE el miércoles 14 de septiembre a las 11 horas a un precio de 15 euros + gastos de distribución.
Puede que no te suene el nombre de Hayden Dunham, pero es más probable que te suene su cara, sobre todo si te interesa todo lo relacionado con PC Music. Elle era el avatar que representaba a QT, el proyecto de SOPHIE y A.G. Cook que era mitad canción, mitad bebida carbonatada, y que dio lugar a ‘Hey QT’, uno de los primeros clásicos del hyperpop.
Detrás de aquel avatar con apariencia de modelo de teletienda del siglo XXII (la canción estaba cantada en realidad por Harriet Pittard) se escondía le cantante estadounidense Hayden Dunham, que hoy usa el alias de Hyd para firmar su propia música. Una música, por sonido, aún vinculada a PC Music, pero que se encuentra más próxima a la balada de Caroline Polachek que al pepinazo de Charli XCX.
Tan próxima está la música de Hyd a la de Polachek que la autora de ‘Pang‘ es, de hecho, productora de ‘Afar’, primer single del disco que Hyd publica en noviembre. En ‘Clearing’ se incluye también el nuevo single ‘So Clear’, que cuenta con la producción póstuma de SOPHIE.
Entre las canciones publicadas recientemente por Hyd se encuentran también ‘Skin 2 Skin e ‘Into Your Arms’, una versión de Nick Cave & the Bad Seeds.
Jockstrap, una ida de olla llena de «Greatest Hits»
Jockstrap es un dúo formado por Georgia Ellery y Taylor Skye. Ambos se conocieron en una escuela de música de Londres y formaron Jockstrap para dar rienda suelta a sus variados gustos musicales, lo cual se nota en su álbum debut, un viaje de influencias que va de la canción romántica de los años 50 a la electrónica de Warp, sello en el que han estado fichados.
A Jockstrap le inspira tanto el pop mainstream como la música clásica, tanto el jazz de los 50 como el electropop de principios de siglo, tanto el folk de los 60 como la EDM. En su primer disco -que edita el sello Rough Trade Records- la distorsión electrónica tiene tanta importancia como la orquesta de cuerdas. Es pop experimental en todo su esplendor.
‘Wicked City’, el EP de Jockstrap de 2020, el segundo tras ‘Love is the Key to the City’ (2018), ya avisaba de las locuras que el público iba a encontrar en el repertorio de Jockstrap. ‘Acid’, por ejemplo, era una deconstrucción imposible del doo-wop, y ‘Robert’ proponía una revisión glitch del dubstep de Skrillex. O algo así, porque era inclasificable en cualquier caso.
En Jockstrap, Georgia -quien también es integrante de Black Country, New Road– canta y escribe las melodías de cuerdas, y Taylor produce las bases electrónicas. La fusión de ambos talentos da lugar a un tipo de pop que no teme ser extraño e incómodo, pero que también puede ser absolutamente irresistible. Es el caso de ‘Greatest Hits’, la Canción Del Día de hoy.
‘Greatest Hits’ es una ida de olla que se coloca a medio camino entre el hip-hop de los 80, el bloghouse, la banda sonora, la experimentación con voces cortapegadas y alienígenas y, sin más, el pop-batidora del siglo XXI. El ritmo de baterías convive con cuerdas románticas, la producción no se decide entre ser lo-fi o espectacular, y la letra es un delirio que habla de sueños y noches febriles, entre referencias a Madonna y a María Antonieta «yendo en una limusina».
‘Concrete Over Water’ es la canción más escuchada de Jockstrap en Spotify pese a sus 6 minutazos de duración, seguida en cifras por ‘Glasgow’. Sin embargo, ‘Greatest Hits’ representa la entrada más accesible y divertida a su fascinante universo.
Jean-Luc Godard fallece a los 91 años
El director franco-suizo Jean-Luc Godard, uno de los más importantes de la historia del cine por su afiliación a la nouvelle vague, ha fallecido este martes a los 91 años de edad según ha informado su familia, y ha confirmado el medio francés Libération.
El nombre de Godard es sinónimo de vanguardia. Su primera película de ficción, ‘Al final de la escapada’, estrenada en 1960, se considera el origen de la nueva ola francesa, pues propuso una nueva manera de rodar inédita hasta entonces. Los directores de la nouvelle vague rodaban cámara en mano, utilizaban iluminación natural y apostaban por la improvisación, en busca de realismo.
Durante los 60, Godard -en esta primera época casado con la actriz Anna Karina- siguió cultivando un lenguaje visual realista pero poético, en cintas repletas de imágenes inolvidables y que hoy se consideran icónicas como ‘Vivir su vida’ (1962), ‘El desprecio’ (1963), ‘Banda aparte’ (1964), ‘Una mujer casada’ (1964), ‘Pierrot, el loco’ (1965), ‘Alphaville’ (1965) o ‘La Chinoise’ (1965).
A partir de 1967, tras el estreno de ‘Week-End’, Godard adoptó una visión más política, y cambió su forma de rodar. Entre sus trabajos más recordados se encuentra ‘Sympathy for the Devil’, su documental sobre los Rolling Stones, que atraviesa música y política. En las décadas siguientes, Godard siguió trabajando y firmando obras como ‘Film Socialisme’ (2010) o ‘Adiós al lenguaje’. Su última cinta, ‘Le livre d’image’, se estrenó en 2018.
Godard ha ejercido una enorme influencia en la cultura independiente de nuestro siglo. Su estilo es evidente en películas como ‘God Help the Girl‘ y, en España, ha sido referencia explícita en videoclips de Hinds, en el nombre de grupos como Band à Part, o en canciones de Cabiria o Mira Paula.
Asesinado a tiros el rapero PnB Rock
El rapero PnB Rock ha sido asesinado en la tarde de este lunes en Los Ángeles, cuando un desconocido le ha asaltado en el interior de un restaurante donde se encontraba comiendo con su novia. El asaltante ha intentado robar sus joyas y, a continuación, le ha propinado varios disparos. El artista ha fallecido al llegar al hospital, con 30 años de edad.
Nacido en 1992 en Filadelfia, Rakim Hasheem Allen vivió una juventud dura. Su padre murió cuando él tenía 3 años, su tío -quien le crió- cuando cumplió 15, y a los 19 entró en prisión condenado por posesión de drogas y otros crímenes. Pasó 33 meses encarcelado y, después, vivió una temporada en la calle.
El rapero se dio a conocer en 2015 gracias a ‘Jealous’, su single con Fetty Wap y, en los siguientes años, llegó a publicar dos álbumes largos, ‘Catch These Vibe’ en 2017 y ‘GTTM: Goin Thru the Motions’ en 2019. ‘Selfish’, uno de los sencillos extraídos de su debut, acumula cerca de 350 millones de reproducciones en Spotify.
Otro de los grandes éxitos de PnB Rock es ‘Cross Me’, su colaboración con Ed Sheeran y Chance the Rapper incluida en el álbum de colaboraciones del primero, que supera los 360 millones de reproducciones. En aquel álbum, PnB Rock compartía elenco con Justin Bieber, Camila Cabello o Khalid, entre otros.
Entre las artistas que han lamentado la muerte de PnB Rock se encuentra Nicki Minaj, quien ha expresado que fue «un placer» trabajar con él, y ha lamentado que «después (del asesinato de) Pop Smoke los raperos no podemos hacer pública nuestra localización». También ha pedido a las personas que trabajan con los raperos y que «tanto dinero ganan gracias a ellos» que cuiden de ellos y les «recuerden que son presas en un mundo lleno de depredadores».
‘The White Lotus’, gran ganadora de los Emmys 2022
Esta madrugada se ha celebrado en Los Ángeles la 74ª de los premios Emmys. El humorista Kenan Thompson ha presentado la ceremonia, en la que la miniserie de HBO ‘The White Lotus’ se ha proclamado gran ganadora de la noche al llevarse un total de 5 estatuillas, seguida por ‘Ted Lasso’ de AppleTV+ con 4 y por ‘Succession‘ de HBO con tres.
Dos series se han llevado doble premio. ‘El juego del calamar‘ (Netflix) ha ganado dos de los más importantes, los de Mejor dirección y Mejor actor principal de drama, y ‘Colegio Abbott’ (ABC) se ha agenciado los premios a Mejor guion en comedia y Mejor actriz de parto en comedia.
Esta también ha sido la noche de Zendaya, que se ha agenciado el premio a Mejor actriz principal de drama por su rol en ‘Euphoria‘, y de Julia Garner, que ha recogido el galardón a Mejor actriz de reparto de drama por ‘Ozark‘. También Lizzo es desde esta noche ganadora de un Emmy por su serie de competiciones ‘Lizzo’s Watch Out for the Big Grrrls’.
Entre las series que partían como favoritas pero que no se han llevado ninguna estatuilla hay que citar ‘¿Quién es Anna?’, ‘Pam y Tommy’, ‘Separación’, ‘Better Call Saul‘ y ‘Solo Asesinatos’. Os dejamos con el palmarés completo:
MEJOR COMEDIA
Colegio Abbott (ABC)
Barry (HBO)
Larry David (HBO)
Hacks (HBO Max)
The Marvelous Mrs. Maisel (Amazon)
Solo asesinatos en el edificio (Disney+)
Ted Lasso (Apple TV+)
Lo que hacemos en las sombras (FX)
MEJOR DRAMA
Better Call Saul (AMC)
Euphoria (HBO)
Ozark (Netflix)
Separación (AppleTV+)
El juego del calamar (Netflix)
Stranger Things (Netflix)
Succession (HBO)
Yellowjackets (Showtime)
MEJOR MINISERIE
Dopesick: Historia de una adicción (Disney+)
The Dropout: Auge y caída de Elizabeth Holmes (Disney+)
¿Quién es Anna? (Netflix)
Pam y Tommy (Disney+)
The White Lotus (HBO)
MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA
Rachel Brosnahan por The Marvelours Mrs. Maisel
Quinta Brunson por Colegio Abbott
Kaley Cuoco por The Flight Attendant
Elle Fanning por The Great
Issa Rae por Insecure
Jean Smart por Hacks
MEJOR ACTOR DE COMEDIA
Donald Glover por Atlanta
Bill Hader por Barry
Nicholas Hoult por The Great
Steve Martin por Solo Asesinatos en el Edificio
Martin Short por Solo Asesinatos en el Edificio
Jason Sudeikis por Ted Lasso
MEJOR ACTRIZ DE DRAMA
Jodie Comer por Killing Eve
Laura Linney por Ozark
Melanie Lynskey por Yellowjackets
Sandra Oh por Killing Eve
Reese Witherspoon por The Morning Show
Zendaya por Euphoria
MEJOR ACTOR DE DRAMA
Jason Bateman por Ozark
Brian Cox por Succession
Lee Jung-jae por El juego del calamar
Bob Odenkirk por Better Call Saul
Adam Scott por Separación
Jeremy Strong por Succession
MEJOR ACTRIZ DE MINISERIE O TV MOVIE
Toni Collette por The Staircase
Julia Garner por ¿Quién es Anna?
Lily James por Pam y Tommy
Sarah Paulson por American Crime Story: Impeachment
Margaret Qualley por La asistenta
Amanda Seyfried por The Dropout: Auge y caída de Elizabeth Holmes
MEJOR ACTOR DE MINISERIE O TV MOVIE
Colin Firth por The Staircase
Andrew Garfield por Por mandato del cielo
Oscar Isaac por Secretos de un matrimonio
Michael Keaton por Dopesick: Historia de una adicción
Himesh Patel por Estación Once
Sebastian Stan por Pam y Tommy
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE COMEDIA
Alex Borstein por The Marvelous Mrs. Maisel
Hannah Einbinder por Hacks
Janelle James por Colegio Abbott
Sheryl Lee Ralph por Colegio Abbott
Kate McKinnon por Saturday Night Live
Sarah Niles por Ted Lasso
Juno Temple por Ted Lasso
Hannah Waddingham por Ted Lasso
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE COMEDIA
Anthony Carrigan por Barry
Brett Goldstein por Ted Lasso
Tyler James Williams por Colegio Abbott
Toheeb Jimoh por Ted Lasso
Nick Mohammed por Ted Lasso
Tony Shalhoub por The Marvelous Mrs. Maisel
Henry Winkler por Barry
Bowen Yang por Saturday Night Live
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE DRAMA
Patricia Arquette por Separación
Julia Garner por Ozark
Jung Ho-yeon por El juego del calamar
Christina Ricci por Yellowjackets
Rhea Seehorn por Better Call Saul
J. Smith-Cameron por Succession
Sarah Snook por Succession
Sydney Sweeney por Euphoria
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE DRAMA
Nicholas Braun por Succession
Billy Crudup por The Morning Show
Kieran Culkin por Succession
Park Hae-soo por El juego del calamar
Matthew Macfadyen por Succession
John Turturro por Separación
Christopher Walken por Separación
Oh Yeong-su por El juego del calamar
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE MINISERIE O TV MOVIE
Connie Britton por The White Lotus
Jennifer Coolidge por The White Lotus
Alexandra Daddario por The White Lotus
Kaitlyn Dever por Dopesick: Una historia de una adicción
Natasha Rothwell por The White Lotus
Sydney Sweeney por The White Lotus
Mare Winningham por Dopesick: Una historia de una adicción
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE MINISERIE O TV MOVIE
Murray Bartlett por The White Lotus
Jake Lacy por The White Lotus
Will Poulter por Dopesick: Una historia de una adicción
Seth Rogen por Pam y Tommy
Peter Sarsgaard por Dopesick: Una historia de una adicción
Michael Stuhlbarg por Dopesick: Una historia de una adicción
Steve Zahn por The White Lotus
MEJOR GUION (COMEDIA)
Quinta Brunson (Colegio Abbott)
Duffy Boudreau (Barry)
Alec Berg y Bill Hader (Barry)
Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky (Hacks)
Steve Martin y John Hoffman (Solo asesinatos en el edificio)
Sarah Naftalis (Lo que hacemos en las sombras)
Stefani Robinson (Lo que hacemos en las sombras)
MEJOR DIRECCIÓN (COMEDIA)
Hiro Murai (Atlanta)
Bill Hader (Barry)
Lucia Aniello (Hacks)
Mary Lou Belli (The Ms. Pat Show)
Cherien Dabis (Solo asesinatos en el edificio)
Jamie Babbit (Solo asesinatos en el edificio)
MJ Delaney (Ted Lasso)
MEJOR GUION (DRAMA)
Thomas Schnauz (Better Call Saul)
Chris Mundy (Ozark)
Dan Erickson (Separación)
Hwang Dong-hyuk (El juego del calamar)
Jesse Armstrong (Succession)
Jonathan Lisco, Ashley Lyle y Bart Nickerson por «F Sharp» (Yellowjackets)
Ashley Lyle y Bart Nickerson (Yellowjackets)
MEJOR DIRECCIÓN (DRAMA)
Jason Bateman (Ozark)
Ben Stiller (Separación)
Hwang Dong-hyuk (El juego del calamar)
Mark Mylod (Succession)
Cathy Yan (Succession)
Lorene Scafaria (Succession)
MEJOR GUION (MINISERIE)
Danny Strong (Dopesick)
Elizabeth Meriwether (The Dropout)
Sarah Burgess (La asistenta)
Patrick Somerville (Estación once)
Mike White (The White Lotus)
MEJOR DIRECCIÓN (MINISERIE)
Danny Strong (Dopesick)
Michael Showalter (The Dropout)
Francesca Gregorini (The Dropout)
John Wells (La asistenta)
Hiro Murai (Estación once)
Mike White (The White Lotus)
Santigold / Spirituals
Santigold se ha pensado su regreso. Pasados los tiempos en que era noticia habitualmente por el pequeño hype que vivió con ‘L.E.S. Artistes’ o por el buen recibimiento de discos como ‘Master of My Make-Believe’ (2012), donde se escondía su gran hit ‘Disparate Youth’, ahora ha dejado pasar 4 años desde su última mixtape y 6 desde el último disco de verdad, ’99 Cents’.
La mixtape de 2018, ‘I Don’t Want’, tuvo su valor pues, concentrada en la música jamaicana, era todo lo que Rihanna nos prometió hace demasiado tiempo y jamás nos concedió. ‘Spirituals’, en cambio, no se mueve en ninguna dirección en concreto, preservando el interés de Santigold por estilos diversos como el reggae, el punk o el rock, pero sin dar ningún fuerte golpe sobre la mesa. Algo que habríamos agradecido después de tanto tiempo de retiro y sobre todo después de que Beyoncé la haya reivindicado este verano como una de las mujeres negras más importantes de la historia de la música pop en un remix de ‘Break My Soul’.
El mayor esmero esta vez lo ha puesto Santigold en intentar cerrar un lanzamiento conjunto que incluye visuales, video-viñetas, cremas para la piel, una colección de té… todo bajo el nombre de Spirituals. A falta de probar los tés y las cremas, podemos elogiar algunos de los visuales. El de ‘Ain’t Ready’ tiene lugar en una sala de interrogatorio porque la canción habla de una batalla en favor del cambio, de movernos hacia delante. El de ‘Nothing’ se inspira en una imagen de Wangechi Mutu llamada ‘Snake Eater‘. Es por eso que en el vídeo, Santigold se transforma en una extraña criatura de la que «no hace falta decir el nombre ni definirla» porque simplemente existe y le parece «hermosa y poderosa tal y como aparece».
Lo invisible que se ha sentido siempre y el Black Lives Matter han influido la creación de este disco en general y esa canción llamada ‘Nothing’ en particular, lo que le ha llevado a escribir frases como «Ódiame si quieres, yo no voy a perder la cabeza / Dime lo que quieras, que yo no me creeré nada». Por su parte, ‘No Paradise’ habla del sufrimiento de la gente, cuestionando que haya un más allá. Y ‘Witness’, de la privacidad: «sé que quieren ver todo de mí, pero de ninguna manera».
Co-produce el disco junto a la propia Santigold gente tan variada como Rostam, Boys Noize, Dre Skull, Nick Zinner, Illangelo y un larguísimo etcétera. Lo que más llama la atención, aparte de la variedad estilística, es lo oscuro que es el sonido. Para ser un disco que trata de llamar a la acción y buscar el cambio, es extraño que las canciones suenen tan adormiladas, incluso tristonas y siniestras, como ‘The Lasty’ junto a Psymun. Una especie de adaptación del sonido salvaje de Kate Bush.
El resultado es sugerente, y Santigold siempre ha tenido muy buen gusto produciendo. Pero ‘Spirituals’ suena mejor cuando nos levanta de la silla, cuando lo que se nos cuenta con la música se parece a lo que nos cuenta con palabras. Así, ‘Shake’ con SBTRKT nos invita a movernos, logrando que la asociación entre revolución y baile vuelva a funcionar; y algo similar puede decirse del momento coral de ‘No Paradise’ o del desenlace del álbum con ‘Fall First’. Se trata de una producción más rock, saltarina y esperanzadora, que pretende llevarnos más y más lejos: «dame tu mano ya, porque vamos más deprisa de lo que podemos soportar».
Romeo Santos con Rosalía, mayor debut en la lista de singles
Bizarrap y Quevedo siguen coronando la lista de singles española con ‘Quédate’. Mientras tanto, Rosalía y Manuel Turizo ocupan el segundo y tercer puesto con ‘DESPECHÁ’ y ‘La Bachata’. Desde la semana anterior, ninguna canción del Top 6 ha experimentado cambios.
En el puesto 7 se encuentra la entrada más fuerte de la semana y la protagonizan Romeo Santos y Rosalía con ‘El Pañuelo’, la bachata dual sacada del último disco de Santos, ‘Fórmula Vol. 3’. A su vez, en los puestos 47 y 48 entran en lista otras dos canciones colaborativas. En el 47 se posicionan Beret y Estopa con ‘Diablo’ y un puesto más abajo encontramos a Juseph, Cruz Cafuné y Wiso Rivera con ‘Muchoperro’.
Morat y Juanes se colocan en el número 77 con ‘506’ y es que esta semana la lista va de colaboraciones. ‘I’m Good (Blue)’ de David Guetta y Bebe Rexha se posiciona en el puesto 79, mientras que la nueva de Feid y Totoy El Frio, titulada ‘De Tanto Chimbiar’, debuta en el puesto 83. Las últimas dos entradas se las llevan Lasso, en el número 88 con ‘Ojos Marrones’, y el dúo entre India Martínez y Melendi, con ‘Si Ella Supiera’ en el número 96. Por otro lado, David Bisbal y Álvaro Soler se vuelven a colar en el ranking con ‘A Contracorriente’, regresando en el puesto 98.
Por último, la mayor subida de la semana la protagoniza también un dúo. ‘Mariposas’, de sangiovanni y Aitana’, pasa del número 26 al 19 y se posiciona entre Karol G y Rauw Alejandro.
YUNGBLUD entra en el Top 5 España y es Nº 1 en Reino Unido
Sin sorpresas en el puesto número 1 de los álbumes más exitosos en España, todavía ocupado por ‘Un verano sin ti’. En el podio, Harry Styles desbanca a C. Tangana del tercer puesto con su ‘Harry’s House’ y Rosalía sube al puesto 2. Sin embargo, el mayor incremento de la semana es para Aitana, en el puesto 22 con ’11 RAZONES’.
Es en el resto del Top 10 donde sí que hay sorpresas. En el puesto 5 tenemos a YUNGBLUD con su álbum homónimo, que ha conseguido la entrada más fuerte de la semana. No es el único éxito del artista británico, ya que también ha conseguido el número 1 en la lista de Reino Unido, así como en Escocia, Nueva Zelanda, Irlanda y Australia. YUNGBLUD está seguido muy de cerca en la clasificación española por otras tres entradas nuevas: ‘Fórmula Vol. 3’ de Romeo Santos en el número 6, ‘Libre’ de Sofia Ellar en el número 7 y ‘The Sick, The Dying… And The Dead!’ de Megadeth en el número 8.
En las posiciones 13 y 15 encontramos a Blind Guardian y a Camilo, que entran por primera vez en el ranking con ‘The God Machine’ y ‘De Adentro Pa Afuera’, respectivamente. El último debut en lista de la semana lo protagoniza ‘Romances’ de Fuel Fandango, en el número 28.
Pasando la mitad de la lista observamos que Malú ha reentrado en la lista de éxitos con ‘Mil Batallas’ en el número 75. Un poco más abajo encontramos a Rammstein, posicionándose en el número 80 con la reincorporación de ‘Zeit’. ‘Plastic Hearts’ de Miley Cyrus regresa a la lista en el puesto 93, mientras que Arde Bogotá, Rozalén y Nicki Nicole ocupan los últimos tres puestos de la clasificación.
Te invitamos a ver un clásico del cine español con Pucho de Vetusta Morla
Pucho, líder y vocalista de Vetusta Morla, ha seleccionado un ciclo de películas que se proyectará esta semana en la Academia de Cine y que será presentado por el propio cantante. Las cintas son ‘El camino’ (1963) de Ana Mariscal, ‘El bosque animado’ (1987) de José Luis Cuerda y ‘Sobre la marxa’ (2014) de Jordi Morató.
‘El camino’ se estrenó en 1963 y está considerada una joya de la filmografía española. Basada en la novela homónima de Miguel Delibes, la película retrata la sociedad rural y la vida de las mujeres en un pequeño pueblo de la sierra de Ávila. A su vez, la directora Ana Mariscal suele ser nombrada como una de las mejores directoras de cine europeo en el siglo XX y como la primera mujer que dirigió cine en España. La proyección de ‘El camino’ está programada para este martes 13 a las 19 de la tarde.
La segunda película se trata de ‘El bosque animado’, estrenada en 1987 y dirigida por uno de los máximos exponentes de la historia del cine español, José Luis Cuerda, director de clásicos como ‘Amanece, que no es poco’ (1989) o ‘Total’ (1983). ‘El bosque animado’ está basada en la obra del mismo nombre escrita por Wenceslao Fernández Flórez y relata las vidas de los habitantes de Cecebre y la forma en la que estas se relacionan con un bosque cercano lleno de fantasía. La película recibió cinco Premios Goya, incluyendo ‘Mejor película’ y ‘Mejor actor’, gracias a Alfredo Landa. Se proyectará el miércoles 14 a las 19 de la tarde.
Por último, ‘Sobre la marxa’ es un documental de Jordi Morató estrenado en 2014 que trata la historia de un hombre conocido como «el Garrell», dedicado a crear «estructuras tan bellas como inverosímiles» en el bosque y con sus propias manos. ‘Sobre la marxa’ ganó el Premio Fénix a ‘Mejor documental’ y fue nominada al mismo premio en el Festival de Málaga. El documental de Jordi Morató se podrá disfrutar el viernes 16 a las 19 de la tarde.
Gracias a la Academia de Cine, JENESAISPOP sorteará 10 invitaciones dobles para cada pase. Si quieres tener la posibilidad de disfrutar de un clásico del cine español junto a Pucho solo basta con mandar un correo a jenesaispop@gmail.com indicando nombre, apellidos y la peli que quieres ver. ‘El camino’ se proyectará este martes 13 a las 19 de la tarde, ‘El bosque animado’ será a la misma hora el miércoles 14 y ‘Sobre la marxa’ finalizará el ciclo el próximo viernes 16, también a las 19 de la tarde.
¿Valía la pena que salieran las inéditas de ‘MOTOMAMI’?
Rosalía ha decidido dar un impulso a la era ‘MOTOMAMI‘ -que no lo necesitaba, el disco sigue entre los tres más exitosos de España- y ha publicado una edición ampliada que incluye hasta 7 temas antes inéditos, incluido, por supuesto, ‘DESPECHÁ’, oficialmente su primer gran hit internacional. Merecía aparecer en su álbum madre aunque fuera a posteriori.
Hasta quienes dudamos, en un primer momento, sobre el merengue de ‘DESPECHÁ’ -que existimos- nos hemos tenido que comer nuestras palabras. Ahora el debate no se halla en si ‘DESPECHÁ’ mola o no, sino en si es la canción del verano o lo es la de Quevedo. Y qué bien porque, si Rosalía llevaBA años currando para que una canción suya lo petara de esta manera, finalmente puede decir que lo ha conseguido.
Sin embargo, la reacción al resto de canciones de ‘MOTOMAMI +’ está siendo muy diferente, tanto que, en el hilo de Rosalía activo en los foros de JENESAISPOP, en el mismo día de salida del disco, reinaba el silencio. «No estamos comentando porque no hay nada que comentar, verdad?», planteaba el usuario Dardo, como si, de repente, no viviéramos en la era de Rosalía.
Le doy la razón, solo en parte. El disco está funcionando en Spotify pero, como apunta Zarko unos comentarios atrás, la novedad que ofrece se reduce a una «colección de descartes». Nadie espera que de ‘CHIRI’ nazca otro hitazo de Rosalía aunque, visto el éxito de ‘DESPECHÁ’, todo puede pasar. Además, de los cortes inéditos, es el mejor de todos, puro ‘MOTOMAMI’ en su impulida mezcla de beats machacones, pianos, referencias flamencas, coros a lo ‘Medúlla‘ y otras referencias populares, de Canelita a la heroína. La pregunta es si estos descartes son presentables o no, si valía la pena que salieran para ampliar el mundo de ‘MOTOMAMI’ o en absoluto. Y ahí es donde surge el debate.
En el citado hilo, JonPGz expresa que las canciones nuevas le han gustado, pero «entiendo que se quedasen fuera», y elanonimotranquilo va más allá: «A mí me parece que se quedaron fuera y que nunca deberían haber salido». Confieso que he llegado a la misma conclusión cuando he escuchado, ya no el interludio de ‘Thank Yu :)’, innecesario aunque simpático, sino una canción con tan poco gancho como ‘LAX’, que además no puede sonar más inacabada; o ‘AISLAMIENTO’, de melodía algo «cheesy» para lo que ofrece ‘MOTOMAMI’. Sí me ha hecho gracia la machacona ‘LA KILIÉ’ porque me ha recordado a ‘Pose’ de Rihanna. Y, si el remix de ‘CANDY‘ con Chencho Corleone no aporta muchísimo a una canción que ya había sido número 1 en España, el directo de ‘LA FAMA’ sí me hace pensar que un disco en vivo de Rosalía sería una buena idea: en el contexto del directo, y sin la presencia forzada de The Weeknd, ‘LA FAMA’ suena completamente maravillosa, mucho más relajada y libre de lo que lo hace en la versión de estudio.
Pero las pistas nuevas de ‘MOTOMAMI +’ sí aportan detalles interesantes a la era. ‘AISLAMIENTO’ es probablemente la canción más explícitamente dedicada a «la fama» que ha escrito Rosalía, tanto que incluye referencias a TMZ y a los paparazzis. En ese sentido, una frase como «hay un muro entre yo y el mundo» suena especialmente emotiva, y Rosalía, siempre por delante, deja claro que sigue con los pies en la tierra. «No quiero que pienses que eso me da orgullo», canta después. En ‘LAX’ relata: «Tengo el yard que tú no tendrás / pero tú tienes todo lo que perdí». Como tantas nuevas estrellas, Rosalía se debate entre la fanfarronería y el luto por una vida anterior que ya no recuperará.
Menos ofrecen estas canciones en lo musical. Littlebird concuerda: «Para haber sacado eso, no hubiera sacado NA-DA. No compro ninguna tampoco». Sin embargo, Zarko aporta una visión diferente muy interesante: «A mí que salgan, me gusta. Hace unos años hubieran sido b-sides de los singles, que habríamos guardado/comprado según nos gustasen o no. En la época del streaming, quizás eso ya no tiene tanto sentido, pero que salgan en pack como «anexo» al disco nos deja ver qué otras ideas estaba barajando y algún tema resultón seguro que pillamos». Las inéditas de ‘MOTOMAMI’ no son esenciales pero tener acceso a ellas, poder rebuscar en ese cajón de ideas descartadas que forman parte de un disco histórico, también es un regalo al que a Rosalía le contestamos con un: thank you :). Y de las inéditas de ‘El mal querer‘ ya casi, casi ni nos acordamos…
ilsen, antes sumido en las guitarras, encuentra su propósito en la electrónica
ilsen es un grupo de Barcelona que lleva más de una década en activo y varios lanzamientos publicados a sus espaldas, y que hoy forma parte de la comunidad musical Acqustic. En 2011 vio la luz su primer EP ‘Entresol’ y, desde entonces, ha alternado el lanzamiento de epés como ‘La constante huida’ (2013) o ‘Antes era antes’ (2018) con el de un álbum largo llamado ‘Valle inexplicable’ que llegó a las plataformas en 2015.
El grupo, formado por Edu Cruz (voces), Luis Voodoo (guitarras), Marcel Furment (bajo), Leo Fernández (batería) y Joan Recordà (teclados), se inició en la música con un sonido guitarrero próximo al indie-rock y al rock alternativo de los 90, pero poco a poco ha ido introduciendo elementos electrónicos en su propuesta. De cortes como ‘Puedes tú’ pasó a otros como ¿’Cuánto más?’, en el que las guitarras ya empezaban a convivir con beats electrónicos.
Es en los últimos tiempos donde ilsen ha abrazado definitivamente la electrónica y es en cortes como ‘Faro’, su tema más escuchado hasta la fecha, donde cabe hablar de una probable influencia de los Radiohead de ‘Kid A‘. Es evidente, por ejemplo, en la producción electrónica, que remite al catálogo de Warp Records pero sigue sin renunciar a las guitarras.
Pero el tema más electrónico de la carrera de ilsen ha llegado esta semana y lo has podido escuchar en la playlist «Ready for the Weekend». ‘Si lo encuentras’ ya no es tan ‘Kid A’, sino que directamente es una canción de electrónica con alma, al modo de unos Moderat. Esta vez, la producción electrónica es especialmente compleja, en su laberinto de beats y atmósferas que te abrazan como lo hacen las dos personas que aparecen en su portada.
Las letras de ilsen han hablado, en ocasiones, sobre la dificultad de encontrar un propósito en la vida. Pero ‘Si lo encuentras’ habla de «ese momento en el que, después de muchas búsquedas o intentos, das con la tecla (ya sea una persona o propósito vital)». El tema «se posiciona a favor de abrazar ese algo, pase lo que pase, digan lo que digan, y sin miedo a cómo acabe la historia».
Cuando Lana Del Rey y Lindsay Lohan posaron juntas en 1998
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes…
Los tesoros de Lana Del Rey en 1998: Lana tiene una cuenta secreta en Instagram (@honeymoon, de nada) donde, de vez en cuando, comparte fotos interesantes. Recientemente ha compartido unos retratos que le sacaron ese año, cuando contaba 13 años. Recordamos que, en 2021, publicó unas imágenes de ella posando en un anuncio de mochilas de Instagram junto a Lindsay Lohan, cuando no sabíamos quién era ninguna de las dos. Ha llovido.
Lana Del Rey shares photos of herself from 1998
pic.twitter.com/7vNNbuCIWk— Pop Crave (@PopCrave) August 17, 2022
Lana Del Rey shares photo of her and Lindsay Lohan as models on a 1998 Abercrombie & Fitch bag. pic.twitter.com/upL22r8Q7e
— Pop Crave (@PopCrave) October 9, 2021
Natalie Imbruglia canta con Coldplay por Olivia Newton-John: La muerte de Olivia Newton-John ha conmocionado al mundo. Y, en uno de sus recientes conciertos en Londres, Coldplay le han rendido homenaje con la compañía de la también australiana Natalie Imbruglia. Juntos han cantado ‘Summer Nights’, de ‘Grease’, y Natalie no se ha ido sin cantar su hit ‘Torn’.
Zayn canta por One Direction: Esto sí no lo habíamos visto venir. Zayn, el único ex-integrante de One Direction, pues cabe recordar que el grupo no se ha separado, ha cantados dos canciones de la formación en Instagram. En un vídeo, Zayn ha interpretado las melodías de ‘Night Changes’ y ‘You & I’, donde todo el mundo recuerda que se quedó con LA nota. ¿Se hará un Robbie Williams algún día?
Maluma se opera de la rodilla: Maluma se operó de la rodilla en 2019 y, estos días, ha vuelto a pasar por quirófano para someterse a una operación menor que ha sido un éxito. El cantante de ‘Hawái‘ se ha dejado ver postrado en una cama de hospital pero, después, se ha recuperado lo suficiente como para subir un vídeo de él bailando con la piern escayolada, bastón en mano.
Charlie Puth enseña culo otra vez: Que a Charlie le gusta enseñar cacho está claro porque, cada vez que lo hace, lo sacamos en esta sección. En concreto, el autor de ‘Attention‘ no pasa oportunidad de presumir de nalgas, y ahora lo ha vuelto a hacer con la excusa de que le han hecho una sesión de fotos subido a un columpio, de espaldas y desnudo.
Amatria baila su propia canción en el Mercadona: Ser cantante significa que pasees por los pasillos laberínticos del Mercadona y en el hilo musical del supermercado empiece a sonar tu propia canción. No le pasará a Rihanna, seguro, pero sí le ha pasado a Amatria, que ha subido un vídeo de él bailando ‘Un amor‘ junto a su hija. Adorable.
Olivia Rodrigo canta con Billy Joel: Como su idolatrada Taylor Swift, Olivia Rodrigo no para de invitar a artistas a sus conciertos. El último en sumarse ha sido Billy Joel, al que Olivia citaba de manera célebre en su éxito ‘deja vu‘: «seguro que ella sabe quién es Billy Joel, porque le has puesto ‘Uptown Girl’, ahora la cantáis juntos, ¿cuándo le dirás que nosotros también hacíamos lo mismo? Es todo reciclado». Pero Olivia ríe última: canta ‘Uptown Girl’ junto al propio Billy Joel.
Una espontánea sube al escenario de Thundercat: Thundercat ha ofrecido recientemente un concierto que no olvidará. A la mitad de su set en New Haven, Connecticut, una espontánea se coló en el escenario de Stephen Lee Bruner con intención de darse a conocer como cantante. «Hola, soy cantante» son las únicas palabras que le dio tiempo a emitir antes de ser expulsada por los agentes de seguridad. ¿Quizá podría haber dejado su perfil de Bandcamp?
Some local singer just jumped the stage at the @Thundercat concert and tried to start singing her own shit I'm dead pic.twitter.com/F04tqz2EfZ
— Finn Baller (@KillaCham) August 17, 2022
La «future nostalgia» de Billie Eilish: Mientras está de gira por Asia, Billie Eilish ha compartido imágenes de una reciente sesión que ha hecho con Gucci. Las fotos comparten vibras con las de ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa por su mezcla de pasado y futuro, y por la presencia de elementos en común como el automóvil, las gafas, las tonalidades rosa…
The Killers cantan con Lindsay Buckingham: Los recientes conciertos de The Killers están dejando alguna que otra sorpresa. En Madrid estrenaron su single ‘boy‘ antes de lanzarlo oficialmente y, en los últimos días, Lindsay Buckingham de Fleetwood Mac ha aparecido en el escenario para cantar con ellos ‘Go Your Own Way’, el éxito de ‘Rumours‘.
The encore was Lindsay Buckingham doing Go Your Own Way with Brandon Flowers, HELP I AM DEAD pic.twitter.com/bbrN01LNP3
— Ryan Aguirre (@aguirreryan) August 28, 2022
Fallece a los 70 años el escritor Javier Marías
El escritor Javier Marías ha fallecido este domingo en un hospital de Madrid, donde estaba ingresado a consecuencia de una afección pulmonar. Tenía 70 años.
Marías fue uno de los escritores españoles más prestigiosos de nuestra época. Ciertamente desde la segunda parte del siglo XX hasta bien entrado el siglo XXI, Marías publicó una ristra de novelas que le valieron numerosos premios y la admiración de crítica y público.
‘Los dominios del lobo’, la primera novela de Marías, se editó en 1971, pero no fue hasta 1986 cuando llegó la que muchas personas considerarían su primera obra maestra, ‘El hombre sentimental’. A continuación llegaron otras obras cumbre de Marías como son ‘Todas las almas’ (1989), ‘Corazón tan blanco’ (1992) y ‘Mañana en la batalla piensa en mí’ (1994).
El prestigio de Marías supuso que sus novelas fueran traducidas a decenas de idiomas y recibieran numerosos premios. Entre sus obras más traducidas se encuentran la mencionada ‘Corazón tan blanco’ y también ‘Los enamoramientos’ (2011). Entre 2002 y 2007 publicó la que es considerada su obra más ambiciosa, ‘Tu rostro mañana’, dividida en tres tomos.
Licenciado en Filología y letras, Marías también impartió clases de literatura y teoría tanto en la Universidad de Oxford como en la de Madrid, y los personajes que habitan sus historias suelen ser intérpretes o traductores, personas, en palabras de Marías, que «han renunciado a sus propias voces». El protagonista de ‘Todas las almas’ es un reflejo de su autor.
Marías también escribió relatos cortos y artículos periodísticos para medios como El País y, su última novela, ‘Tomás Nevinson’, se editó en 2021. En los últimos años también fue elegido miembro internacional de la Royal Society of Literature de Reino Unido.
Rachel Bobbitt reflexiona sobre migrañas y maternidad en ‘More’
Rachel Bobbitt es una joven cantautora nacida en Nueva Escocia y radicada en Toronto que cuenta ya con varios lanzamientos publicados a sus espaldas, estos son, el álbum largo ‘When This Plane Goes Down’ con Justice Der (2019) y cuatro epés llamados ‘The Ceiling Could Collapse’ (2022), el electrónico ‘Call More’ (2021), ‘And It’s the Same’ (2020) y ‘Months to Fall’ (2018).
Bobbitt inició su carrera musical subiendo versiones a Vine, donde ganó cierta notoriedad, pero pronto el éxito la abrumó y se retiró de la red social para concentrarse en escribir su propia música. Encontró un refugio en la ciudad de Saskatoon, donde la nota de prensa explica que el frío terminó inevitablemente filtrándose en sus composiciones.
Guitarras con ecos a los años 90, melodías melosas y melancólicas, cierta querencia post-grunge, atmósferas silenciosas, como si cobraran vida durante una fría madrugada de invierno; bellas armonías y una voz suave como la seda son los ingredientes que propone Bobbitt. Ingredientes que se hacen evidentes en canciones tan accesibles como ‘Again’, que parece un cruce entre Nilüfer Yanya y Snail Mail; o la «radio-friendly» ‘Watch and See’, o en joyas escondidas como ‘Baby’s Gone’ o ‘Mom and Dad’. Te gustará definitivamente si te gustan Phoebe Bridgers, Alex G, Jay Som… y Bon Iver, en algún punto.
‘More’, otra de las pistas incluidas en ‘The Ceiling Could Collapse’, merece mención aparte porque transmite una madurez inédita hasta ahora en el repertorio de Bobbitt, tanto que, al escucharla, puede venir a la mente el sonido de The War on Drugs. ‘More’ no es una canción tan rematadamente épica, pero sus casi 5 minutos son probablemente los más ambiciosos que ha escrito Bobbitt. En esta emocionante canción se condensa básicamente todo lo mejor que tiene que ofrecer como compositora.
Tampoco es la temática de ‘More’ la que esperas. Habla sobre habitar un cuerpo atormentado por las migrañas, en concreto, sobre «navegar el sistema médico como una mujer cuyo dolor a menudo se ignora como inevitable». En la letra canta: «Dicen que el cuerpo es solo una cosa para albergar la mente / Pero el mío me sigue traicionando noche tras noche». El dolor de Bobbitt le hace reflexionar sobre las expectativas de maternidad que la sociedad vuelca sobre las mujeres, y ‘More’, algo que «no quiero necesariamente en este punto».
Pantha du Prince / Garden Gaia
Pantha du Prince ha dedicado toda su carrera a representar la naturaleza en su música, asociada siempre a aquello comúnmente llamado por la prensa especializada con el nombre de electrónica con alma. ‘Black Noise’ (2010) se basaba en el concepto de «ruido negro«, ‘Elements of Light‘ (2013) producía luz con campanillas, y ‘Conference of Trees’ (2016) investigaba la vida de los árboles. ‘Garden Gaia’, su nuevo álbum, nos lleva directamente un jardín ideal.
‘Garden Gaia’ es un trabajo de concepto ecológico. El alemán Hendrik Weber lo ha ideado como una representación de la Tierra en forma de «jardín perfectamente funcional». Cuenta que, con él, busca transmitir la idea de que los seres humanos necesitan una mayor conexión con la naturaleza. Insiste en que no es activista «en el sentido que no me ataría a mí mismo a un árbol», y aclara que la reflexión que hace con el disco es que «nosotros creamos este mundo y él nos crea de manera simultánea, por lo que debemos entender que todo lo que está a nuestro alrededor tiene sentimientos».
Weber explica que «el hecho de que seamos capaces de crear más comida de la que necesitamos cuando hay tanta gente muriendo de hambre, significa que no le ponemos el valor que merece a la belleza humana, y que nos enfocamos demasiado en conceptos como el control y la dominación». El productor espera que la música de ‘Garden Gaia’ sea un hilo del que tirar para que el público llegue a este tipo de reflexiones, pero también se conforma con que le haga bailar o le conmueva sin más.
‘Garden Gaia’ a veces hace bailar y a veces conmueve, y el viaje que propone nunca se acerca a ser una revelación, pero sí es agradable. ‘Open Day’ abre con sonidos de selva, cantos de pájaros y gentiles percusiones, creando todo un remanso de paz, y el disco prosigue por lugares más o menos familiares en el repertorio de Pantha du Prince que van de lo esotérico (‘Mother Drum’) a lo ambiental (‘Golden Galactics’) pasando por la cavernosidad de unos Moderat (‘Blume’).
El álbum contiene momentos de gran belleza, como ‘Crystal Volcano’, que incorpora ricas texturas de xilófono a un paisaje intrigante y misterioso, y ‘Liquid Lights’, que arroja destellos de luz a un beat de house, sonando exactamente a lo que promete su título. En otros momentos se hace tan bola como en ‘Alles Fühlt’, y aunque las grabaciones de campo (agua, pájaros) del álbum están bien incorporados, es en el beat garage de ‘Heaven is Where You Are’, con la aportación vocal de Bendik HK, donde el disco despierta después de un periodo adormecido.
Marsha Hunt, actriz del Hollywood dorado, fallece a los 104 años
En la misma semana en que se ha producido el fallecimiento de la Reina Isabel II de Inglaterra, otra persona célebre que merece ser recordada nos ha dejado. Marsha Hunt, actriz que trabajó en la era dorada de Hollywood, y que fue incluida en la lista negra, fallecía este 7 de septiembre a los 104 años por causas naturales. Con ella se ha ido la actriz de mayor edad que quedaba del Hollywood dorado.
Nacida en 1917, Marsha Hunt empezó su carrera como modelo. A los 17 años firmó con Paramount y, durante los años 30, apareció en numerosas películas, entre ellas, ‘Nacido para el oeste’, donde compartió reparto con un entonces semi desconocido John Wayne. En los 40, fichada por MGM, apareció con Laurence Olivier en ‘Orgullo y prejuicio’ (1940) y con Mickey Rooney en ‘La comedia humana’ (1943), nominada al Oscar.
La carrera de Marsha Hunt sufrió un grave palo en 1950 cuando la actriz fue incluida en la lista negra de Hollywood por su supuesta alianza al Partido Comunista. Su veto se produjo después que el nombre de Hunt apareciera entre los 151 nombrados en el panfleto anticomunista Canales rojos, y la carrera de Hunt no volvió a remontar. A partir de 1957 y hasta los 70 sí apareció en películas menores y seres de televisión, incluida ‘Star Trek’, pero llegados los 60, Hunt estaba semiretirada.
Conocida fue, por otro lado, la labor humanitaria de Hunt. Desde mediados de los 50, la intérprete dio charlas a lo largo de todo Estados Unidos para concienciar al público sobre el problema del hambre en el llamado Tercer Mundo. Además ayudó a recaudar fondos para combatir la crisis de la falta de vivienda. La contaminación y la paz eran otros temas que le preocupaban.
Hunt también apoyó el amor homosexual. En los 70, durante un viaje en coche, concibió una canción que decía «brindo por todos los amantes, brindo por todos quienes aman, no importa sus géneros, el amor se pondrá por delante». La actriz nunca mostró la canción hasta que, en 2015, tras la legalización del matrimonio igualitario en Estados Unidos, y cuando ella contaba 95 años, la dejó escuchar cantada por el actor de ‘Glee’ Bill A. Jones.
Nevver: «La gente se fija más en tus redes sociales que en tu música»
La música de Nevver ha ido evolucionando desde el clásico post-punk que todo parecía embadurnarlo en el underground hace unos años hacia otros derroteros. Algunas de las canciones que han publicado este año Javier Aparicio (voz), Borja Aranda (teclados y guitarras) y Raúl Serrano (bajo) agrupadas en el disco ‘999’ son bastante inclasificables. Se nota que han escuchado lo mismo drum&bass que industrial que trap, como también otros proyectos como [VVV] Trippin’.
Dada su particularidad, Nevver son los nuevos invitados de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermeister. Y en ella han escogido curiosamente un tema por ellos mismos bautizado como «el indie es para ricos» que rápidamente deriva hacia otros caminos. Una reflexión sobre la esclavitud de las redes sociales para los músicos que da que pensar.
¿Por qué habéis escogido el tema «¿el indie es para ricos?» para esta sección?
Bueno, en realidad no sabíamos qué escoger (risas). Así que pensamos que hablar un poco de «actualidad» podría estar bien.
¿Estáis pensando, al escoger este tema, en ropa imposible de cara, en smartphones que superan el salario mínimo, o a qué os referís?
Creemos que es un poco de todo. Hoy en día no vale solo con hacer música y subirla a Internet, tienes que ir a la moda, seguir corrientes, estar 24/7 en redes sociales… se podría decir que tu imagen personal casi tiene más influencia que tu música. Al mismo tiempo, hoy en día es «barato» hacer música, grabar en casa y tal, pero todo lo anteriormente nombrado tiene muchísima influencia en cómo te va a ver la gente.
Una de las cuestiones que planteáis es si el indie sigue siendo indie, ¿qué queréis decir?
Es que el indie ha acaparado tantos géneros de música… el indie no deja de ser música independiente, distribuida de forma independiente, bajo nuestros puntos de vista, con pocos recursos, cercana a la escena DI… pero si te vas a un festival y preguntas sobre grupos indies, te van a salir los grupos de siempre…
Precisamente con la música tan variada que hacéis, ¿os sentís u os habéis identificado alguna vez como «indies» vosotros mismos?
A nosotros nos han etiquetado dentro de muchos géneros, lo cual nos parece gracioso -en el buen sentido- porque muchos de esos géneros ni los hemos nombrado a la hora de componer. Pero sí es cierto que tenemos influencia de muchos géneros: tener la mente abierta ayuda a ser creativo. Respecto a si alguna vez nos hemos considerado indies… parece que no, pero es una «escena» muy hermética, así que siempre nos hemos considerado de nosotros mismos, como quien dice.
Vuestro propio sello Elefant, tradicionalmente «indie», está virando hacia nuevos estilos como rebe, interrogación amor… ¿se sigue utilizando la palabra «indie» en este entorno? Y si se hace, ¿es un poco de manera peyorativa, irónica o como de post-humor?
Elefant es un sello que apuesta por grupos y artistas independientemente del éxito que puedan tener, lo hacen porque le gusta lo que ese grupo hace, porque se sienten identificados, tengan recursos o no, y si no los tienes, te los proporcionan y te ayudan en lo que haga falta. Si son la referencia de la música independiente tras tanto tiempo, es por algo. La palabra «indie» se ha utilizado tanto que ya casi carece de significado, pero no creo que tenga que ir ligada al sonido que hagas. No creo que tenga un significado peyorativo pero sí muy generalista y vago para definir a un grupo de música.
«La palabra «indie» se ha utilizado tanto que ya casi carece de significado, pero no creo que tenga que ir ligada al sonido que hagas»
¿Qué función creéis que cumplen las redes sociales en este tema? Que era una de las cosas que comentabais. ¿En qué creéis que ha derivado la escena al respecto?
Las redes sociales tienen tanta importancia hoy en día que casi la gente se fija más en ellas que en tu música. La música debería ser lo que proyecta quien eres y las redes sociales una extensión de eso. Pero hoy en día casi que se hace música especialmente para redes sociales (TikTok, Reels, etc).
Son una gran herramienta de comunicación pero también un arma de doble filo. Las redes para nosotros nunca han sido nuestro fuerte pero sí que nos han servido para acercarnos a otros grupos, pero como en todo hay mucha toxicidad… dentro y fuera de la escena.
¿Creéis que se puede hacer un uso más interesante, enriquecedor, sociopolítico, filosófico… de las redes sociales, como plantean algunos activistas?
Claro que sí, son herramientas de difusión y puedes difundir y seguir temas culturales, políticos, sociales, etc, pero también son herramientas de consumo y muchas veces te ves obligado a consumir cosas que no quieres. Lo que lo hace difícil es que estás a merced de un algoritmo.
¿Qué es lo que más os molesta del postureo?
Jajaja bueno, ni nos molesta ni nos deja deja molestar, habrá quien piense que nosotros «hacemos» postureo, al final es algo muy subjetivo.
Una de las palabras que habéis usado al presentarnos el tema es «oportunidades». ¿Os referís a salidas en el mundo laboral, al paro juvenil, oportunidades al terminar una carrera o a qué?
A todo en general de lo que nombras. Faltan oportunidades para los jóvenes y no tan jóvenes, para la música en general, para gente con y sin estudios. Al final hay que tirar para delante con lo que haya. ‘999’ ha sido compuesto y grabado entre España y Francia porque uno de nosotros tuvo que buscar oportunidades fuera de Madrid para salir adelante.
Vuestra música es en gran medida muy oscura, ¿hay algún tema concreto que creáis que se acerca a este tema que habéis escogido o lo trate abiertamente?
Mmmm… no de manera particular. Nos gusta hablar sobre todo de cómo nos sentimos o de sensaciones y sentimientos que cualquiera experimenta en su día a día. Puede ser un amor no correspondido, de la nostalgia, o de una noche desenfrenada.
Alizzz reivindica la periferia entre citas a Rosalía, Estopa, Chanel…
A pocos meses de que se cumpla el primer aniversario de ‘Tiene que haber algo más‘, el inagotable debut de Alizzz, que el cantante y productor no se ha cansado de presentar en prácticamente todos los festivales de verano que puedan venir a la mente, el autor de ‘El encuentro’ publica nuevo single que mantiene la línea del debut, pero que presenta novedades.
La primera, por supuesto, es que ‘Que pasa nen’ es un tema interpretado en catalán. Alizzz ha querido hacer un homenaje al Baix Llobregat, la comarca de la que procede (él proviene de Castelldefels), y qué mejor homenaje que esta letra cantada con todo el acento de «barsalona» que, además, viene con la gracia de mencionar a varios artistas que proceden de la misma comarca.
En la primera estrofa de ‘Que pasa nen’ ya asoman la cabeza Rosalía (Sant Esteve Sesrovires) y Estopa (de Cornellà), y después saludan Chanel (de Olesa de Montserrat), El Petit de Cal Eril (de Guissona) y los Catarres (de Centellas). Como se comenta en nuestros foros, a Cristian Quirante solo le ha faltado acordarse de Aitana (con la que ha colaborado de San Clemente de Llobregat) y de Joe Crepúsculo (Sant Joan Despí). No se puede todo cuando quieres meter una línea sobre los 3 Grammys que has llevado a tu casa de Castefa, y además saludar a Ada Colau. En Instagram, la Alcaldesa de Barcelona ha propuesto una «cimera de las élites culturales del Baix Llobregat y el Besòs».
En lo musical, ‘Que pasa nen’ es otro tiro de Alizzz que mezcla punk y sintetizadores. Su sonido y energía ya no sorprenden tanto después de haber quemado el debut, pero la producción sí presenta un acabado más sucio que lo distingue de la de aquel y lo acerca más a la del dueto de Amaia y Aitana. Parece evidente que ‘Que pasa nen’ aportará una energía renovada al directo de Alizzz.
‘Que pasa nen’, cuyo título parece una referencia a la famosa frase del Neng de Castefa, el querido personaje de Edu Soto que conocimos en el programa de Andreu Buenafuente, sale de cara a la próxima actuación de Alizzz en las Festes de la Mercè de Barcelona, el próximo 23 de septiembre.
Hudson Mohawke / Cry Sugar
Cada 6 o 7 años, parece que toca álbum de Hudson Mohawke, uno de los grandes valores de WARP, quizá el sello de música electrónica más prestigioso del mundo. ‘Cry Sugar’ es tan sólo su tercera obra en solitario -conocido es también su trabajo junto a Lunice en el dúo TNGHT-, además de la consecuencia de unos años tumultuosos en la vida personal del artista.
El escocés decidió abandonar Europa para instalarse en Los Ángeles y, por mucho que le pareciera un cliché a él mismo, la ciudad le sirvió para desintoxicarse de la mala vida que acarreaba estar de directo en directo. Le llevó dos años la rehabilitación, hoy en día celebra sus éxitos con champagne sin alcohol, y ‘Cry Sugar’ de alguna manera representa la lucha entre esos dos extremos: el vértigo y la paz. Como él mismo explica en The Fader, en el largo «hay momentos edificantes, pero también otros melancólicos con la sensación de «todo está jodido» y «he destruido mi jodida vida y arruinado mi carrera»».
Y es que Hudson Mohawke, últimamente viral en TikTok con un tema antiguo llamado ‘Cbat’, es un hombre de extremos. Lo mismo te habla de cómo la música de Max Richter utilizada en ‘Shutter Island’ le hace llorar, como de la influencia de un programa cómico escocés llamado ‘Chewin’ the Fat’.
‘Cry Sugar’ puede volver a ser percibido como un disco de glitch con samples de soul, ritmos espídicos próximos al hyper pop (a destacar ‘Bicstan’) y voces pitcheadas, pero también presenta piezas próximas a la música clásica, como es el caso de las espectaculares cuerdas sintéticas de ‘Lonely Days’. Y, por otro lado, la portada parece una rara mezcla entre ‘Querelle de Brest’, ‘Little Britain’ y los Cazafantasmas. Y lo del Hombre Malvavisco es explícito.
‘Cry Sugar’ ya no puede sorprender mucho en esa producción tipo «todo vale». Hasta el mejor amante termina aburriéndote de sus trucos. Lo que sí sigue manteniendo el bueno de Hudson es cierto filtro de calidad y, al igual que hace poco se dio cuenta de que parte de su material no era lo suficientemente bueno como para llegar a sus álbumes de estudio y lo publicó sumando hasta 3 mixtapes en 2020, ‘Cry Sugar’ sí logra captar tu atención en casi todo lo que toca.
Lo más vistoso son los temas eufóricos, como el single ‘Intentions’, que hasta cuenta con cierto estribillo; ‘Stump’ y esa intensidad olímpica que tan bien habría casado en Londres 2012; o los 6 minutos de ‘Is It Supposed’, una debilidad personal. Los sampleos de soul que dice haber copiado de maestros como DJ Premier, Pete Rock y Just Blaze inspiran momentos tan presentables como ‘3 Sheets to the Wind’ o tan lustrosos como ‘Behold’, inspirada en el baladón ‘For Your Glory’ de Tasha Cobbs. Otros son más experimentales, como ‘KPIPE’; o electro, como ‘Dance Forever’.
El álbum presenta un desenlace muy concreto con la estupenda ‘Come a Little Closer’ y la versión «slumber» de la intro ‘Ingle Nook’, dando al álbum cierto sentido narrativo. ¿Será un disco de coartada conceptual y sesudo? Nah… «Slumber» significa «duermevela», lo cual tiene bastante guasa.