La banda británica James visitará España en septiembre para ofrecer dos conciertos y presentar su último álbum ‘All The Colours Of You’ en nuestro país. Las actuaciones tendrán lugar el 14 y el 15 de septiembre, en La Riviera de Madrid y en la Sala Apolo de Barcelona respectivamente.
James tiene por fin la oportunidad de presentar aquí su último disco, que empezó a grabarse antes de que estallara la pandemia de la COVID-19, pero que hasta hace poco no ha podido tocarlo en vivo. ‘All The Colours Of You’, que se grabó en diversos puntos del mapa simultáneamente por la imposibilidad de juntarse en los tiempos que corren, es el decimosexto álbum de estudio de la banda, y ha sido producido por Jacknife Lee. Lee es un reconocido productor que ha trabajado con artistas de la talla de U2, REM, Taylor Swift, Snow Patrol o The Killers, pero que nunca se había sentado a crear música con James. Un comunicado de prensa le atribuye a él haber dado un enfoque distinto al sonido habitual del grupo.
Las entradas para los conciertos en Madrid y Barcelona estarán a la venta a partir del jueves 24 de marzo a las 12:00h en livenation.es y en ticketmaster.es, pero hay una preventa disponible en livenation.es hoy, 22 de marzo a las 12:00h.
Este verano, Morrissey hará una parada en Las Vegas para sumarse a los artistas que eligen esta ciudad como residencia temporal, y dará cinco conciertos en el Colosseum at Caesars Palace entre el 1 y el 9 de julio para presentar su show ‘Viva Moz Vegas’. El vídeo promocional de la residencia en Las Vegas no ha pasado desapercibido para los fans, que han reconocido una nueva canción que se usa como sonido del vídeo, y todo apunta a que se trata de ‘I am Veronica’.
Un comunicado describe ‘Viva Moz Vegas’ como “una íntima y estimulante inmersión en la extensa carrera de Morrissey, desde sus primeros días hasta el nuevo álbum”. El álbum al que se refiere es ‘Bonfire Of Teenagers’, el primer disco que prepara Morrissey tras terminar su contrato con la discográfica BMG Records. El cantante ha realizado el CD por su cuenta, sin firmar con ningún sello, y está a la espera de venderlo “al mejor (o peor) postor”, como dice en su web.
El futuro álbum está formado por once nuevas canciones entre las que se encuentra ‘I am Veronica’. El vídeo promocional de su residencia de Las Vegas está acompañado por unos segundos de una canción inédita, y muchos de los comentarios en su fan page Morrissey-solo aseguran que el fragmento pertenece a ‘I am Veronica’. Si lo es, será una canción con guitarra muy alegre que recuerda a la música de su mítico grupo The Smiths.
VIVA MOZ VEGAS
Morrissey (@officialmoz) announces five new dates for his not-to-be-missed, sure-to-be-life-changing residency @CaesarsPalace from July 1st thru 9th!
‘Crash’ de Charli XCX será nuestro Disco de la Semana. El álbum ya lo reseñamos el pasado jueves, pero esta semana aprovecharemos para repasar sus hits o reseñar el documental que sobre ella va a estrenar Filmin esta misma semana.
‘Crash’ puede terminar siendo esta semana el primer número 1 en discos en Reino Unido de toda la carrera de Charli XCX, pues de momento es top 1 en las midweeks publicadas este lunes sobre las ventas del finde. ‘Crash’ lidera la lista provisional con 9.791 copias vendidas durante este fin de semana en UK, de las cuales 8.036 han sido en formato físico.
Según relata un usuario de Buzzjack, Charli ha estado este viernes 4 horas firmando discos en Rough Trade y 2 horas en HMV. También es cierto que Charli XCX está en esta buena posición porque ‘Beg for You’ junto a Rina Sawayama va a ser uno de los mayores éxitos de su carrera, pues lleva 2 meses en el top 40 y además esta semana podría subir al top 20.
Charli XCX saca casi 3.000 copias a sus principales competidores, Sea Girls (en la estela de fun. o Glass Animals), que están en el puesto 2 con ‘Homesick’, pero estos van a contraatacar con descuentos y promociones a través de sus Stories. La lucha se determinará en el último minuto.
En caso de que Charli XCX termine perdiendo el número 1, en todo caso parece que afrontará su mejor resultado histórico, pues hasta ahora nunca había conseguido un top 10. ‘Charli’ fue fop 14 mientras ’Sucker’, editado un tontísimo 15 de diciembre con una feroz competencia, fue top 15. Os recordamos que Charli XCX presenta este álbum en Madrid el 7 de junio y también en el Primavera Sound.
Por otro lado, nuestro penúltimo «Disco de la Semana», ‘MOTOMAMI’ de Rosalía, tendrá un resultado digno en las listas del próximo viernes. El disco es número 32 en las midweeks británicas, lo cual es un tanto decepcionante si recordamos que Hinds han llegado más alto en las mismas midweeks, si bien hay que subrayar que estas cantan casi enteramente en inglés. Bad Bunny no tiene ningún álbum top 100 en Reino Unido, mientras hace poco proclamábamos un milagro que Stromae fuera número 94 en las islas cantando en francés con su espléndido último disco, ‘Multitude‘.
6orka es el nombre artístico de un músico emergente vasco. El artista ofrece una versión del pop futurista que llama la atención por sus duras bases, divertidas melodías y la voz tratada en plan hyperpop recordando a Arca, SOPHIE o PUTOCHINOMARICON.
Hasta la fecha 6orka ha publicado 6 singles, entre los que destaca ‘Te aburro’, en especial un remix junto a Algo que acaricia la versión original desde las nubes. ‘Te aburro – Remix’ se distancia de la producción dominante en el resto de sus canciones, pero en su último single ‘PEDESTAL’, 6orka vuelve a la estética más futurista para reivindicar su amor propio. La canción empieza como una apisonadora y termina con unos susurros, y en ese viaje el cantante consigue salir de una relación en la que no aguanta más para quererse a sí mismo: “Por una vez siento que mi vida yo controlo. I feel like I’m flying for the first time in a long time (Siento como si volara por primera vez en mucho tiempo)”.
Las letras de 6orka son sinceras y generacionales. Es fácil recordar la sensación de dormir con un amigo o con alguien especial en una cama de 90 en la que es inviable moverse, como canta en ‘por la noche’, o empatizar con la frase “aunque me sienta muy vacío este verano hoy es mi cumple” de ‘hoy es mi cumple’. De hecho, esta canción cuenta con una melodía que no tiene nada que envidiar a Charli XCX o a Dorian Electra. De momento, el hyperpop y el PC Music están a salvo con 6orka en nuestro país.
El filósofo alemán Hartmut Rosa, heredero de la escuela de Fráncfort, es uno de los principales teóricos actuales de la sociología del tiempo. En sus obras ‘Alienación y aceleración’ y ‘Resonancia’ (las dos publicadas en la editorial Katz), habla sobre cómo la lógica neoliberal del crecimiento continuo crea sociedades hiperaceleradas, gente corriendo más rápido para poder permanecer en el mismo punto en el que estaba. Una aceleración cuyas consecuencias son la frustración, la alienación, la depresión, la crisis climática y energética…
Desconozco si Moderat conoce la obra de su paisano, pero su penúltimo videoclip (después han sacado ‘EASY PREY‘) parece ilustrar una idea muy parecida. ‘Fast Land’ (el título ya lo dice todo) está articulado a través de imágenes que simbolizan conceptos como la alienación, la hipervigilancia, la desconexión de tus semejantes y tu entorno… Una imaginería con ecos de la ciencia ficción distópica que le sirve al director Ben Miethke para reflejar esa “enfermedad social”: masas grises y uniformes de gente avanzando por espacios vacíos, grupos de individuos encuadrados en lo que parecen carcasas de móvil sin relacionarse unos con otros, personas “invisibles” (en un efecto que recuerda al de ‘Depredador’)…
Pero, como ocurre en la mayoría de los relatos distópicos, existen focos de resistencia. En la última parte del vídeo aparecen personas buscando la “resonancia” de la que habla Rosa en sus libros, grupos que permanecen ocultos y unidos en los bosques como los memorizadores de libros de ‘Farenheit 451’, que se rebelan y expresan su malestar a través del baile, o que se detienen, conectan entre ellos y se vuelven “visibles”.
Moderat actúan el 6 de noviembre en Barcelona y el 7 de noviembre en Madrid. JENESAISPOP es medio oficial de esta gira. Entradas, aquí.
Paulo Londra ha anunciado que su nuevo single ‘Plan A’, el primero desde 2019, verá la luz el próximo miércoles 23 de febrero. «Después de 3 años, en dos días vuelvo con un temeke llamado Plan A», ha comunicado el argentino en sus redes. «Quiero agradecer a mi padres, mi familia y a todos los que me siguieron escuchando en las malas, porque se vienen las buenas».
Al tiempo que una imagen nueva de Paulo Londra ha aparecido en las pantallas gigantescas de Times Square con el texto superpuesto «él está de vuelta», Spotify ha estrenado un adelanto del videoclip de ‘Plan A’ en forma de anuncio. En él, Londra aparece caracterizado como jugador de baloncesto, y en la camiseta que lleva puesta puede leerse el sintagma «Leones con flow», el nombre de la «crew» musical de Londra.
El vídeo llega acompañado del eslogan «para un MVP, el juego nunca termina», que solo puede hacer alusión al parón profesional en el que Londra ha estado sumido en los últimos dos años. «MVP» son las siglas de «most valuable player», un premio que otorga la NBA al «jugador más valioso» de la temporada, y con él, el argentino viene a expresar que su momento en la música está lejos de haber acabado.
Parecía lo contrario hace un tiempo cuando Londra no salía de su retiro profesional, enfrascado en una batalla legal que le enfrentaba a su antigua discográfica por un contrato engañoso. En su nueva etapa, el argentino caminará de la mano de Warner Music Latina.
Al fin, después de casi 20 años en esto del periodismo musical, alguien me convoca a una entrevista en la Torre de Madrid, donde Iván Zulueta tuvo un apartamento en los 90. Se trata de Franz Ferdinand. No pasamos del hall principal, quizá porque el grupo llega unos minutos tarde después de comer y ahí es donde aguardo, pero la sensación de estar viviendo en otro tiempo que desde luego no es 2022 permanece en el aire. Foto: David Edwards.
Alex Kapranos afronta la conversación en solitario hasta que Bob Hardy (bajista) aparece a la mitad, pero es Kapranos el más dispuesto a hablar, el más divertido, el mejor conversador y también al que mejor entiendo dado el severo aprisionamiento de Hardy detrás de una mascarilla FFP2. Franz Ferdinand, que actúan el 25 de octubre en Barcelona, el 26 en Madrid y el 27 en Bilbao, están presentando un recopilatorio llamado ‘Hits to the Head’ que cuenta con un libreto muy currado, lo que nos permite hablar de temas de otro tiempo (o no), como la supervivencia del rock de guitarras, de la pertinencia de los «greatest hits» en la era playlist y hasta de Eurovisión.
Cada vez que un artista saca un recopilatorio, me pregunto qué sentirá mirando a su pasado. ¿Qué te ha sorprendido más encontrarte al repasar estos años?
A: «No escucho las canciones tras grabarlas, se expanden por el mundo y yo paso a lo siguiente. Es la gente la que las escucha. Recuerdo haber tocado estas canciones en el estudio y lo que he venido pensando es que hay una gran cohesión en nuestra carrera. Parece que todas las canciones pertenecen al mismo disco y eso no pasa siempre con las recopilatorios de los grupos (risas) «Sorprender» no sé si es la palabra, pero me alegra mucho ser consciente de eso, sienta bien».
Pero hay cosas diferentes, tampoco es como que no hayáis evolucionado nada, ¿no?
A: «También son diferentes, sí. «Right Words» es muy diferente a «So Much Better», pero se nota que son discos de la misma banda. No me gusta mirar atrás (risas). Entiendo por qué lo hace la gente. Este disco no es para mí, es para la gente. Como artista me gusta mirar al futuro. Me gusta tocar las viejas canciones en vivo, pero a la hora de escribir y grabar, es otra cosa. Sí es importante recordar de dónde vienes para comprender dónde estás. Es como cuando en una montaña buscas el camino correcto. Te paras, miras dónde está el río, y piensas «no puedo ir mucho hacia el este»».
¿Es vuestro primer recopilatorio? He visto alguno en Discogs.
A: «No fuimos nosotros. Alguien habrá hecho algún bootleg».
Cuando vi que habíais hecho un tema llamado ‘Curious’, pensé que sería «Michael 2» (NdE: su himno gay). Pero en verdad es un tema sobre el futuro.
A: «Sí. Lo mejor del futuro es que no lo conoces, es una sorpresa (risas). Lo que me excita del futuro es la sorpresa, escribir una canción nueva, tener ese momento, me gusta que me sorprenda la vida, no repetir patrones».
¿Es una canción sobre la música en sí?
A: «No, es sobre empezar una relación romántica, como cuando en las películas salen esos flashes de la vida antes de morir. Es sobre conocer a alguien, enamorarte y tener un flashforward sobre esa relación, sobre la pasión de enamorarte, sobre lo que deparará la rutina, tener la curiosidad de «¿me querrás?». Puede ser una metáfora sobre la música también, claro. Sobre tener la misma curiosidad: te encanto cuando me oyes por primera vez, ¿pero me querrás en 20 años cuando escuches mi música?».
Algunas de tus últimas letras van sobre la vida y la muerte.
A: «Siempre he escrito cosas así».
«Estoy obsesionado con el giro oscuro del romance, en lugar del obvio de enamorarse»
¿Has cambiado como persona en estos 3 o 4 últimos años de pandemia?
A: «Nos ha afectado a todos, ¿no? Como artista soy el mismo. ‘Darts of Pleasure’ era sobre lo mismo, y la escribí mucho antes de Franz Ferdinand. Estoy obsesionado con el giro oscuro del romance, en lugar del obvio de enamorarse. Eso no ha cambiado. La pandemia me afecta en que me ha hecho apreciar lo que es estar sobre el escenario. Es muy obvio decirlo pero es verdad. Hicimos el primer show hace poco y me he dado cuenta de que había dado todo esto por hecho».
¿Nunca fuisteis la típica banda que termina odiando hacer giras?
Bob: «Son 2 cosas diferentes: una cosa es el trabajo que da la logística de viajar y demás, pero estar en el escenario nunca me ha aburrido. No me aburro de los conciertos».
¿Alguna vez pensasteis que el directo no volvería? Porque primero iba a ser una quincena, luego meses, luego un año, luego dos…
A: «No, mirando la historia de las pandemias, duran 3 años y se van. Quizá fui naíf, pero no. Eso sí, no sabía cuánto tiempo sería esta».
«Muchas bandas se han destruido a causa de la pandemia»
Franz Ferdinand tienen buena posición en la industria para volver cuando queráis, pero ¿y los grupos pequeños? Siempre habéis estado muy involucrados con la escena de Glasgow.
A: «Totalmente, ha sido terrible. He producido a un grupo llamado Los Bitchos. En 2019, 2020… iban a empezar, iba a ser su año y les ha llevado 2 años poder publicar, me siento horrible por ellos. Muchas bandas se han destruido a causa de la pandemia».
¿Qué habéis hecho este tiempo a nivel leer, ver series, os habéis sentido creativos…?
B: «Normalmente leo mucho, pero he paseado, hecho fotos…»
A: «Al principio muchas cosas en el jardín, porque era algo físico, me sentó muy bien. También construí un estudio, y me refiero al trabajo físico que conlleva. En el segundo confinamiento ya sí escribí mucho».
¿Material por salir?
A: «Los dos canciones de este disco y otras también».
Franz Ferdinand siempre han sido rock y también electrónica. ¿Qué opináis de que Eurovisión haya hecho volver al rock a la palestra? No lo vi venir, la verdad. O no sé si Måneskin os parecen rock.
A: «Sí, claro que Måneskin son una gran banda de rock, desmesurada y despampanante. Fue enorme ver el contraste entre ellos y el representante británico (NdE: James Newman), lo siento por él, pero era una aburrida canción creada con ordenador, y salió con un puto anorak. Pensé: «representas todo lo aburrido de la música pop»».
La percepción es que UK no se toma Eurovisión en serio.
A: «Se han vuelto muy arrogantes en cuanto a Eurovisión. Odio esa actitud».
¿Nunca pensasteis que el rock había muerto, con toda la eclosión dance, reggaeton, trap…?
A: «Mucha gente que conozco, mis mejores amigos, piensan así. Y yo les digo: «sois unos putos idiotas, por supuesto que no ha muerto». Solo está muerto cuando nadie hace nada nuevo, pero hay cosas fabulosas. Mira a Wet Leg».
B: «Son ciclos, que van volviendo».
A: «Cuando nosotros empezamos, también decían que estaba muerto».
Mi sensación es que es difícil para una banda de rock ahora mismo ser cabezas de cartel. Fontaines DC me encantan, pero ya no son top 1 por un mes como Oasis, no venden 4 millones de sus discos como vosotros.
A: «Me encantan. Pero es como The Fall, nunca ibas a ver a una banda así de cabeza de cartel. Nosotros siempre hemos querido tocar canciones muy directas que llegaran. Fontaines DC son muy buenos, pero no creo que busquen eso, es una cosa diferente. Wet Leg hacen cosas más directas».
Las entrevisto mañana.
A: «Diles hola, que hemos hecho una sesión de fotos juntos».
¿Qué esperáis del futuro de la música?
A: «Imagino que habrá más deseo por las bandas, por cosas menos procesadas y menos ordenador. Veo en el underground en Londres y Glasgow que la gente no quiere ver más ordenadores, sino que les gusta ver cosas de punk rock. Esto lleva en el underground un par de años y llegará al mainstream tarde o temprano».
«No nos sentimos una banda británica, sino internacional»
Habéis pedido a un periodista francés de Les InRocks que os escriba el texto del recopilatorio. ¿Y eso?
A: «Nos apetecía porque es otra perspectiva, podría haber sido un español o un argentino o un sueco. Nos gusta JD pero es también porque no nos sentimos una banda británica, sino internacional, pertenecemos a todo el mundo. Nuestro deseo no era ser Brit Pop sino un grupo mundial».
De hecho hacéis estas portadas tan rusas… (NdE: la entrevista es anterior a la guerra)
A: «El constructivismo ruso lo hemos usado un montón. Los dos primeros discos y también un poco «Right Thoughts» tenía ese punto, y el nuevo. Como que hemos creado la Plaza Franz Ferdinand (risas)».
¿Este periodista escribió algo que os sorprendiera o que desconocierais sobre vosotros mismos?
A: «Dijo cosas muy amables».
B: «Nos entrevistó, estuvo muy bien».
A: «Hizo un texto poético, romántico, me gusta».
Creo que ha sido fácil escoger las primeras canciones del recopilatorio, pero las de ‘Always Ascending’… parece más arbitrario.
A: «Hemos cogido las mejores en vivo. Íbamos a poner ‘Lazy Boy’, pero…»
B: «Era más bien como un aperitivo para el disco que un single del disco. Si el recopilatorio hubiera sido más largo… pero al final escoges 20 canciones».
Mucha gente dice que ya no tiene sentido editar recopilatorios.
A: «Se equivocan (interrumpe). Es por lo de las playlists, ¿no? No hay playlists en doble vinilo. Es una playlist compilada con la banda, nuestra elección es la buena (risas)».
«El CD suena mejor que el vinilo pero no se lo digas a nadie»
Se habla mucho de la vuelta del vinilo, pero a mí lo que me sorprende es la de CD’s que aún se venden. ¿Vosotros compráis?
A: «No. Instalé un reproductor de CD hace un tiempo, porque tengo un coche viejo que dejé a mi novia de entonces cuando estaba aprendiendo a conducir y comprábamos CD’s para ponerlos en el coche. Me di cuenta de que tenía miles de cd’s. Instalé el reproductor y me gusta el proceso. Suena mejor que los MP3, de hecho suena mejor que el vinilo pero no se lo digas a nadie».
B: «Es una cuestión generacional, tengo una cantidad enorme de CD’s».
ABBA vendieron 200.000 cd’s en Reino Unido como en una semana. Yo no daba crédito. ¿Quién es esa gente?
B: «Gente mayor».
A: «Mi abuela, creo que mi madre también. Bueno, no…»
Habéis hecho un vídeo con coreografía…
A: «Nos llevó media hora»
¿De verdad?
A: «Noooo» (risas)
B: «Fue divertido, nos comprometimos mucho y lo pasamos tan bien… Fue como un desafío para nosotros, nos mirábamos los unos a los otros y no nos lo creíamos: moló un montón».
A: «Es una manera de poner a prueba a un grupo, porque si una persona no lo hace bien o no queda bien, el todo es un desastre, pero como todo el mundo se entregó…»
B: «No estábamos seguros de si podríamos sacarlo adelante, la verdad, nos sentamos en una mesa como 2 horas hablándolo para ver si iba a estar bien, no daba vergüenza… Y al día siguiente o al otro ya lo hicimos y bien. Estábamos coordinados. Le preguntamos a Audrey (nueva miembro) si bailaba y dijo: «la verdad que no» (risas) Pero lo hizo muy bien, está muy coordinada».
A: «Me gusta el entusiasmo de Audrey, para ir de gira, tocar en Madrid, es todo tan nuevo otra vez que deberíamos sentirnos plenos, y así es».
Para mí el humor siempre ha estado en Franz Ferdinand, no es este un vídeo que hubieran hecho Oasis.
A: «No creo que bailen muy bien» (risas)
B: «Pero sí eran divertidos, solo que no en cuanto a su música. Me gusta la música divertida, me gustan los artistas inteligentes».
¿Qué esperamos del futuro, en dirección artística, producción…?
A: «Estamos trabajando en nuevos temas, hay unas 8 canciones, pero no sabemos si estarán en un disco próximo o saldrán de otra manera. Las últimas 2 las hemos hecho con Stuart Price, y estuvieron bien, podríamos trabajar más en esa línea. Hay diferentes sonidos, un par de sorpresas, y ahora debatiendo si metemos grandes arreglos de orquesta».
¿E iréis tocando material nuevo en conciertos, como antes de ‘Always Ascending’?
B: «Veremos, este tour tiene el concepto de greatest hits».
A: «Estaremos tocando en octubre, noviembre… queda mucho, quizá saquemos alguna canción antes».
El mismo día que el gigante del reggaetón Daddy Yankee anuncia su adiós a la música, y un mes después que Izal anunciasen parón indefinido, Novedades Carminha comparten que ellos también se tomarán unos años de descanso para «ver todo en perspectiva».
En un comunicado que actualmente conforma su única publicación visible en Instagram, el grupo gallego explica que después de haber tocado durante 14 años, haber publicado cinco álbumes de estudio y haber realizado «cientos de conciertos en España, Estados Unidos y México», necesita parar de manera indefinida, y apunta: «No vamos a hacer conciertos de despedida de esta etapa como si fuéramos tonadillerxs ni intentaremos sacaros la pasta con un disco en directo o un recopilatorio. Palabrita».
Novedades Carminha ha sido uno de los mayores éxitos que ha dado recientemente la música independiente. El grupo de Carlangas, Xavi, Jarri y Anxo sumaba adeptos desde sus inicios garajeros, cuando entregaba hits como ‘Antigua pero moderna’, pero triunfaba especialmente tras entregarse a la música de verbena, el funk, el reggae o la música disco africana en sus últimos dos lanzamientos, ‘Campeones del mundo‘ (2016) y ‘Ultraligero‘. Su colaboración con Dellafuente, ‘Ya no te veo’, acumula 16 millones de reproducciones en Spotify.
‘Típica cara’, el último single de Novedades Carminha, salió el verano pasado, y Carlangas nos contaba entonces que el grupo se encontraba preparando un nuevo álbum que ya estaba en proceso de grabación y que estaba «muy avanzado». Su equipo informa a JENESAISPOP que el disco nunca se llegó a grabar.
Su comunicado empieza: «Amigxs, después de 14 años, 5 Lps, cientos de conciertos en España, EEUU y México, ver bailar con nuestra música a decenas de miles de personas (quién sabe cuántas…), que nuestros temas se hayan reproducido millones de veces y haber llegado a lugares que ni nos podíamos imaginar cuando empezamos, siempre desde la más absoluta independencia, hemos decidido que necesitamos un descanso y por eso vamos a parar indefinidamente. Estamos muy agradecidos a la vida, a público y fans por acompañarnos y a toda la gente que trabajó con nosotros: crew, sellos discográficos, promotores, productores, técnicas, mánagers, periodistas, realizadoras, diseñadores, fotógrafas, camareros y currelas varixs… A todxs menos a lxs seguratas, que algunos de puta madre pero la mayoría regular».
El texto continúa: «No vamos a hacer conciertos de despedida de esta etapa como si fuéramos tonadillerxs ni intentaremos sacaros la pasta con un disco en directo o un recopilatorio. Palabrita. Después de tanta intensidad y de tanta energía (no hay vacaciones en el rock) sentimos la necesidad como grupo de ver todo en perspectiva: tomar aire, coger fuerzas y estar fuera; echarlo de menos para -ojalá- poder vernos de nuevo. Y si no, ahí quedan nuestros discos. Somos colegas de siempre y para siempre, nos queremos mucho entre nosotros, os queremos mucho a vosotrxs y ya sabéis: saludadnos siempre».
«Del 1 al 10, te pongo un 3», canta Alaska en una de las canciones de su nuevo EP, como anticipándose a los más críticos a la hora de valorar sus últimos pasos artísticos. Fangoria continúan presentando una serie de EP’s titulados con palabras que empiecen por «E» y por «P» y tras ‘Existencialismo Pop‘, la primera parte dominada por el single ‘Momentismo Absoluto‘, es el turno de ‘Edificaciones Paganas’.
Se trata del primer lanzamiento en más de una década en el que no cuentan con la producción de Guille Milkyway, y por mucho que admiremos a La Casa Azul, eso puede ser bueno en el sentido de que su carrera va ya pidiendo cambios, y el propio Guille era partidario de que Fangoria exprimiera ahora su faceta más oscura. Lo extraño es que entre las campanas de ‘Del uno al diez’, el disco de ‘Mi burbuja vital’ y el pop sintético con referencia a ‘Stranger Things’ de ‘La pregunta del millón’, ‘Edificaciones paganas’ sigue una línea muy parecida a la de sus últimos años: termina siendo un EP sin Guille Milkyway que a veces se parece un poco a Guille Milkyway, solo que sin el detalle de Guille Milkyway.
También hay referencias a otras etapas suyas: el cabaret, el odio, su admiración por el bolero y la ranchera aparecen en ‘No me das pena’, en la que en cualquier momento podría aparecer Paquita la del Barrio para sumarse a frases como «Eres un bicho, vete y déjame», «Sal de mi vida y adiós» o «No me das pena ni me haces llorar / Vergüenza ajena es lo que tú das». También parece una de aquellas colaboraciones que hicieron con Mastretta, solo que aquí el clarinete es de Jon Klein. ‘Del uno al diez’, con la colaboración de Santi Capote de Ellos, recuerda mucho a ‘He’s on the Phone’, el tema de Saint Etienne que a su vez tomaba un préstamo de Étienne Daho, y tampoco está tan lejos de aquel momento en que Dinarama se obsesionaron con ‘Left to My Own Devices’ de Pet Shop Boys hasta el punto de que la replicaron en ‘No es el final’.
El EP termina con la repetición del chiste contado ya varias veces de ‘Satanismo, arte abstracto y Benidorm’, un tema que ya apareció en el EP anterior hasta 3 veces, por lo que esta es ya la 4ª que lo oímos, si bien hay que decir que por lo menos este EP parece más un EP al uso, al no dividirse entre temas y remezclas, presentando 5 composiciones diferentes.
No son las más inspiradas de su carrera, ni Alaska parece haber encontrado el tono ideal para sacarles partido, ni presentan el libreto más cuidado (nadie en Warner quiso supervisar que «tú pereza» y «tú desprecio» no llevan tilde), pero al menos es un EP liderado con algo parecido a un hit. ‘Mi burbuja vital’ recupera la sobriedad disco pre-Milkyway de ‘Más es más’, cuenta con una de esas estrofas que solo Fangoria pueden convertir en algo pegadizo sin que tengas ni idea de lo que significan («Lina Talamante se hizo eco del evento termonuclear / Tina de Jerez me hizo un hueco y vuelo en su nave interestelar»), su propio tarareo «na-na-na» (algo no tan habitual en su discografía), un vídeo inspirado en Valerio Lazarov y una nueva propuesta individualista como forma de supervivencia: «inventar otra realidad», «fabricar personalidad», construir tu «burbuja vital».
Uno de los vídeos de TikTok más divertidos que se viralizaron durante el confinamiento fue el de una joven marroquí afincada en Barcelona que representó literalmente la expresión racista «vete a llorar a tu país». Hanan Midan se abrió la cuenta por aburrimiento, decidió dedicar vídeos a la cultura o geografía africanas y ante los comentarios racistas que empezó a recibir por parte de algunos usuarios, contestó con más vídeos y más humor. En el vídeo que se viralizó, la joven de 18 años hacía como que llegaba al aeropuerto de Marruecos y comunicaba al agente que la atendía: «¿Es la frontera? Vengo a llorar y me vuelvo, que en España no me dejan, muchas gracias».
El vídeo es una joya porque destapa el absurdo del racismo, en concreto el de esta frase que implica que la persona que recibe dicho racismo no tiene derecho a quejarse de recibir dicho racismo (?), y Midan aseguró entonces que su intención al publicar estos vídeos era «hacer recapacitar a la gente con humor y cambiar la forma de responder al racismo».
El dúo belga formado por Charlotte Adigéry y Bolis Pupul adopta una perspectiva similar en su disco debut ‘Topical Dancer’. Ella tiene ascendencia caribeña, él china, ambos han experimentado el racismo desde dentro de Europa como ciudadanos europeos, y su manera de denunciarlo es escribiendo canciones de electro-pop divertidas que invitan a la reflexión en torno a temas como el racismo, la xenofobia, la misoginia o la apropiación cultural.
La ironía y el absurdo forman parte de su discurso, tanto como su intención por llevar a los clubs un sonido elegante y sofisticado, y una de las pistas que mejor sirven para entender este disco editado a través del sello de Soulwax y co-producido por los hermanos, es ‘Blenda’, un tema que habla sobre racismo desde el humor y sin caer en medias tintas.
‘Blenda’ reflexiona sobre la inmigración y, en concreto, sobre la confusión que el aspecto de Charlotte ha provocado en algunas personas. «Me parezco a ellos pero no para ellos, sueno como tú pero no para ti» es uno de los mantras que deja la canción, al que ella añade: «no sueno al aspecto que tengo, no luzco a lo que sueno». Con una melodía infantiloide y pegadiza, Charlotte reproduce en el estribillo ese ataque racista habitual que expresa «vete a tu país al que perteneces», ante lo que ella abre Siri y le pregunta: «¿puedes decirme dónde pertenezco?». Con esta frase, Charlotte y Bolis logran lo mismo que Midan, descubrir el absurdo del racismo a través del humor.
Ayer música y televisión se unieron en la entrevista de Rosa López en ‘Lo de Évole’, donde Jordi Évole y ella mantuvieron una conversación en la que se habló mucho de su pasado, pero desde la mirada de una sociedad que ha cambiado y que anima a reflexionar sobre los constantes juicios a los que se tienen que enfrentar las mujeres artistas. El peso físico, los problemas con hacienda, Eurovisión, las mentiras que dijo para entrar en OT y su caché actual fueron algunos de los temas que se tocaron en una entrevista con un pequeño accidente en directo incluido.
Que el machismo es un condicionante muy presente en la industria musical es algo indiscutible. Las mujeres artistas tienen que aguantar sentirse constantemente juzgadas por su aspecto físico, sus actitudes, decisiones, y en el caso de Rosa a eso hay que sumarle su característica personalidad campechana. En la entrevista, Évole le enseña a la artista un vídeo donde Carlos Lozano saca el tema de su peso muy a menudo durante las emisiones de Operación Triunfo. El vídeo deja en evidencia a una sociedad que se ríe de ellas, incluso Rosa parecía no ser capaz de ver el problema, pero en el fondo sabía que algo de aquello estaba mal: “era lo que querían escuchar”.
Jordi Évole aprovecha para lanzar una reflexión sobre cómo se comportaron los espectadores con ella: “Nos enamoramos de una cosa que luego lo que hicimos fue transformarla”. El programa invitó a Rigoberta Bandini para que comentase un fragmento de la entrevista, precisamente uno relacionado con Eurovisión, donde Rosa explica cómo toda España se creía que iba a ganar el festival y que un séptimo puesto dejó insatisfechos a todos. Rigoberta, entre bromas, confiesa: “Madre mía de la que me he librado, muchas gracias, jurado”. La entrevista goza de varios momentos memorables como las tres mentiras que contó para entrar en OT, (su origen armillero, que tocaba el piano y que hablaba inglés), pero el momentazo por excelencia llegó cuando a Rosa se le cayó encima un espejo en el instante más emotivo de la entrevista, generando una mezcla de lloros, risa, drama y comedia inolvidable.
“Esta carrera, que ha sido un maratón, al fin veo la meta». Daddy Yankee ha decidido poner punto y final a su trayectoria después de 32 años llenos de música, ritmo y recuerdos en un emotivo vídeo que ha publicado en su página web. El que ha sido el artista más grande del reguetón dará un último coletazo con un nuevo álbum ‘Legendaddy’ que verá la luz este mismo 24 de marzo y una gira final (‘La Última Vuelta World Tour’) antes de bajarse de los escenarios definitivamente.
El reguetón y Daddy Yankee han crecido de la mano estas últimas décadas, y la historia de ambos no se puede entender sin la influencia del otro. El artista dice en el vídeo, “Este género la gente dice que yo lo hice mundial, pero fueron ustedes los que me dieron la llave para abrir las puertas, para convertir este género en el más grande del mundo”. Daddy Yankee ha hecho protagonistas a sus fans, refiriéndose a ellos constantemente, motivándolos y agradeciendo su apoyo durante todo este tiempo: “En los barrios donde nosotros crecimos, la mayoría queríamos ser narcotraficantes. Hoy por hoy yo bajo a los barrios, a los caseríos, y la mayoría quieren ser cantantes. Eso para mí vale mucho”
El último álbum del reguetonero saldrá este jueves 24 de marzo bajo el nombre de ‘Legendaddy’, con la intención de cerrar su propio ciclo por todo lo alto. Daddy Yankee ha querido recopilar todos los estilos que lo han definido en un solo álbum que, en sus propias palabras, será lucha, guerra, fiesta y romance. Además, no faltará la gira por todo lo alto, ‘La Última Vuelta World Tour’, que recorrerá el continente americano de arriba abajo pero que no visitará Europa. Sin embargo, el artista sí tiene conciertos y festivales programados en el viejo continente fuera de las fechas de esta gira, así que todavía existe la posibilidad de ver por última vez al rey del reguetón en vivo.
Bonitx ha esperado solo un año para publicar su segundo disco, pero ‘soft butch’ representa una evolución importante en varios sentidos para le artiste no binarie de Barcelona. El principal es el sonoro. El debut de Edu Rubix devaneaba entre la «PC Music y el techno-dream-pop de dormitorio», y el presente opta por asentarse en el R&B de los 80. El segundo tiene que ver con las canciones. ‘Bonitx’ languidecía demasiado, ahogado en toneladas de vocoder que difuminaban demasiado melodías y letras, pero este problema no se repite en ‘soft butch’, sino que Bonitx lo supera por completo.
Edu Rubix ya citaba a Prince entre sus mayores influencias en los tiempos de su primer disco, por tratarse de un artista que era «queer» mucho antes de que esta palabra dominara el lenguaje popular. Bonitx comparte en común con el genio de Minneapolis que escribe, compone y produce todas sus canciones ella sola, y el álbum tampoco teme sonar todo lo comercial posible: aunque el sonido de electro-R&B de ‘soft butch’ es vinculable más bien a artistas tipo Jessy Lanza, Nite Jewel o Junior Boys, a su vez estos artistas no siempre se han atrevido a entregar canciones tan abiertamente pop y comercialoides como las incluidas en este disco. Si nunca pensaste que una canción de Bonitx te pudiera recordar a Bruno Mars -en concreto al último-, escucha ‘al final nada es para siempre’ y date cuenta de tu error.
Las canciones de ‘soft butch’ son simples y directas. Se nota (o eso parece) que Edu ha estudiado al dedillo las progresiones de acordes típicas del R&B y las estructuras de composición que se requieren para construir un hit y, así, en ‘soft butch’ da con una colección de canciones muy definidas, encabezada por una composición conmovedora llamado ‘tan sola’ que habla sobre la soledad que ha sentido en el marco de identificarse como persona no binarie , pero que en absoluto se desinfla pasada esa pista 1.
‘déjate ver’ conforma un single muy claro que te reta a que «no vengas queriéndose usar como una experiencia para jugar», el estribillo de ‘cosa de chicos’ deja huella entre sonoridades witch-house y solos de guitarras eléctrica, ‘nunca te quise besar’, ‘vas a acordarte de mí’ y ‘¡mírame!’ también son ultra «radio-friendly» y ‘vete con alguien normal’ es uno de esos temas que parecen menores pero resultan «growers». En ‘soft butch’, Bonitx se rodea de ambientes cálidos, chasquidos de dedos, punteos de guitarras funky, teclados narcotizados a lo Minneapolis Sound, vocoders a lo Gap Band y otros trucos típicos del género, y entrega una serie de canciones sólidas que se mantienen fieles a su sonido de pop vocoderizado inicial.
La inmediatez del pop sienta muy bien a las canciones de Bonitx y sobre todo a sus letras, que siguen hablando de su experiencia como persona no binarie pero ahora adoptan un tono más «shady» en sus propias palabras; letras en las que Edu viene a contar su historia de «emancipación y empoderamiento». La soledad de ‘tan sola’ da lugar al orgullo e incluso a la confrontación por la ignorancia y violencia que Bonitx observa a su alrededor o dirigida a elle misme, en forma de fetichización o miradas de desconcierto. Los retos se suceden uno tras otro en frases como «soy lo que te da miedo ser» o «no debo nada a tu masculinidad», y una canción recibe el maravilloso título de ‘no me mires, hetero’. «Mírate a ti», apunta elle.
Pero no todas las canciones de Bonitx vienen cargadas de una intención política explícita. Edu canta francamente sobre sus problemas de autoestima o de comunicación social, o retrata tiernos momentos de intimidad, como el de ‘mientras duerme’. Y ‘dame tu tiempo’ es prácticamente una oda a la dignidad: Edu se dirige a una persona para comunicarle que «da igual que no tengas likes, solo tienes que hacerme ver que no eres como los demás» y, quizá en un momento de debilidad, se resigna a pedir «haz ver que te importa lo que hago y lo que siento». Música y mensaje no pueden ser más elocuentes: no extraña que esta canción, pese a ocupar la pista 8 del disco, sea la más escuchada en Spotify solo por detrás de ‘la señal’, el single de presentación de esta nueva era que no ha sido incluido en ‘soft butch’.
Todos los mensajes que transmite Bonitx en ‘soft butch’ quedan claros como la luz del día gracias a lo definidas e inmediatas que suenan las canciones. Aunque quizá solo nos tuviéramos que fijar en el título del disco: Edu se identifica con el término LGBTQ+ que se emplea para referirse a las «mujeres lesbianas que exhiben rasgos de las butch (lesbianas masculinas) sin encajar en su estereotipo asociado». En mi opinión, Edu representa con esta decisión la libertad de ser quien desea ser, y además también refleja el contenido musical de un disco que navega ambos lados, de manera fluida y libre.
Hits
Recientemente ha saltado la noticia de que la banda sonora de ‘Encanto‘ ocupa el número 1 del Billboard 200 por 9ª semana, tan solo la punta del iceberg de la repercusión que está teniendo la música de la película disponible en Disney+.
El disco con las canciones creadas por Lin-Manuel Miranda, que ha declarado estar totalmente superado por este éxito inesperado, es ya disco de oro en Reino Unido, Estados Unidos y Canadá, pero más certificaciones aguardan porque el álbum no puede tener una posición más sólida en las listas.
Mediatraffic estima que este sigue siendo el disco más vendido/escuchado a nivel global, con 1,5 millones de copias que serán muchísimas más cuando acabe el año, mientras la película a su vez continúa acumulando streamings.
Las 44 pistas del disco en varios idiomas contribuyen a la puntuación, pero no se puede negar que lo de ‘We Don’t Talk About Bruno’ es uno de los acontecimientos de 2022. El tema ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, además de top 38 en España, destacando también la buena aceptación de otros temas como ‘Surface Pressure’ o ‘Dos oruguitas’ con Sebastian Yatra. ¿Puede la banda sonora de ‘Encanto’ ser el disco más vendido de todo 2022?
Flops Que sigue siendo un momento estupendo para la música latina no se puede negar. Sin ir más lejos, la banda sonora de ‘Encanto’ incluye ritmos de salsa, vallenato o cumbia. Sin embargo, eso no garantiza el éxito para cualquier cosa latina que se publique. El camino al próximo disco de Christina Aguilera no ha podido comenzar peor. El impacto sobre cualquiera de sus canciones es completamente nulo, y lo peor es que si percibes que en España ha sonado poco, lo cierto es que es el mercado en el que mejor han funcionado sus adelantos. Al menos han aparecido por listas.
‘La fuerza’, el primer EP de los 3 que conformarán el álbum ha llegado al puesto 54 en nuestro país, mientras en Reino Unido solo se ha colado en la lista digital y en Estados Unidos tan solo en ventas (78) y listas latinas (14), por supuesto sin rozar siquiera el Billboard 200.
Hay quien puede esperar que suceda algo con el resto de los EP’s, pues esto es solo el principio de la era de Aguilera, pero la verdad es que colaboraciones con totems del streaming como Becky G, Nicki Nicole y Nathy Peluso, y después con Ozuna, solo podemos calificarlo como artillería pesada. ¿Puede haber as en la manga con este nivel? ‘Santo’ ha sido número 72 en España y número 80 en Alemania, y ‘Pa mis muchachas’ solo número 68, resultando datos nefastos para gente acostumbrada a mejores resultados.
Samantha Hudson es la nueva invitada de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP». La artista nos habla de la edición de ‘Liquidación total‘, que está presentando por toda España tras haber colgado el cartel de sold-out en Madrid (2 noches) y Barcelona, y llevará al Sónar, en lo que ella misma define que será «una sacada de coño». Para ello ideará un espectáculo diferente al habitual. También hay tiempo para hablar de su sonado Especial de Navidad en A3 Media en el que colaboró con Amaia y Arturo Vals, del nuevo vídeo para ‘Demasiado coño’ y del polémico vídeo de ‘Por España’, hablando de sus influencias. Foto: Gonza Gallego.
Samantha Hudson se sincera sobre sus inicios con el vídeo escolar de ‘Maricón’, aquel día que la performance se le fue de las manos y se tiró por una ventana, y opina sobre la posición de su personaje: «yo no pienso que destaque por encima de los demás a nivel musical o artístico. El talento es lo que menos se reconoce en el mundo. Lo que cuenta verdaderamente es tener un morro que te lo pisas. Y yo tengo mucho morro, y a base de morro estoy donde estoy».
Sobre su look, reflexiona sobre convenciones como ir con traje al trabajo: «Los símbolos están invertidos. Lo más mamarracho y lo más absurdo es lo que más sentido común tiene. Y lo que se nos plantea como normal, decoroso y moral, en realidad es lo más absurdo y lo más mamarracho, y yo por eso estoy tan tranquila».
Respecto a la intelectualización de su obra, el contenido social o el vacío de todo contenido, reflexiona: «Es una decisión muy premeditada ser tan espontánea. Me cuesta mucho trabajo ser tan absurda. No es nada fácil ser una tonta del culo. Si lo eres de manera genuina, pues es como quien cocina bien desde que nació, pero yo me esfuerzo en performar esa actitud. Es un trabajo que el público general no reconoce, pero también me sirve para saber quién es la gente que merece la pena, quién es la gente chula y molona de verdad. Y todo el público que tengo encaja en ese perfil de gente chula, como vosotras. Poner en valor lo cutre lo elegante, lo aberrante y lo grotesco es un enfoque vital bastante acertado».
A lo largo del podcast Samantha Hudson recuerda cómo conoció el electroclash a través de un hermano mayor, habla de influencias internacionales como Lady Gaga y concluye que de mayor quiere ser como Manuela Trasobares. De ahí su cameo en el especial navideño: «Cuando cruce una edad, me voy a operar todo». En la segunda parte del podcast, Claudio interroga a Samantha Hudson sobre la fama y le pregunta qué opina sobre algunas de las mayores excentricidades de las superestrellas en camerinos.
Rosalía aparece desnuda pero ligeramente customizada en la portada de ‘Motomami‘, así que decir que una buena dirección artística le importa es hasta redundante. Todos recordamos que la edición física de ‘El mal querer’ era espectacular, por algo vendió 200.000 copias solo en España, y ‘MOTOMAMI’ lo va a intentar por varias vías.
En primer lugar, el vinilo está ya en tiendas con una distribución de copias tamaño Adele. No, no va a salir dentro de 4 meses, lo que nos hace pensar dados los atascos en las fábricas de vinilos que ‘MOTOMAMI’ lleva terminado mucho, mucho tiempo. En segundo lugar, es de un rojo translúcido que no parece haber afectado a la calidad del sonido (demasiadas veces hemos comprobado cómo los vinilos de colores presentan un sonido horrible). En tercer lugar, el disco contiene un póster gigante de doble cara (por un lado, la portada; por otro, Rosalía en plan cierva). Y por último, está el libreto, que de nuevo ha sido de lo más generoso.
Además de diversas fotos de corte sexy en honor a ‘HENTAÏ’, la canción más sexual de Rosalía, vienen las letras. Sin temer esas múltiples polémicas a que se han enfrentado, las letras han sido traducidas al inglés: aparecen en los 2 idiomas. Curiosamente, a veces es más fácil comprender qué quiere decir Rosalía leyendo los textos en inglés y no en castellano. «Te la tengo con Roleta» resulta que es «I got her a Rolex».
Otras, es un divertimento comprobar cómo se ha traducido algo al inglés. «Yo no tuve que hacer naíta que yo no quisiera» de ‘Bulerías’ se transforma en «I didn’t hafta do nuthin’ I didn’t want to».
Y luego están los agradecimientos. El disco es parco en créditos, pero no en agradecimientos, comenzando por Dios, subrayado. De hecho, en El Hormiguero le preguntaron a Rosalía si creía en Dios dadas las letras del álbum y su respuesta fue «pues claro». Después, hay palabras de agradecimiento para su pareja Rauw Alejandro, para Burial «por hacer la música oscura más bonita que existe», para James Blake, para Pharrell por los paseos en bici, y para su familia, destacando el número de posiciones que ha bajado El Guincho, que tiene menos protagonismo en este disco. Aún sale, al menos, eso sí («cuando hacemos música juntos hay fireworks»). Disponible en Amazon, y en tu tienda de discos favorita.
Luna Valle publicaba el pasado mes la cuarta canción camino a su álbum de debut, una ‘Tardas mucho en contestar’ que pasaba por Sesión de Control y que desde entonces nos ha conquistado por sus efectos electrónicos y por su adicción a WhatsApp. Es hoy nuestra «Canción del Día». Hablamos con la artista sobre el tema y no hay mayor misterio sobre su trasfondo, pues la compuso en muy pocos minutos. «‘Tardas Mucho En Contestar’ surge como casi todas mis canciones con alguna situación, algún sentimiento o alguna emoción. Normalmente son mis relaciones afectivas con chicos que me gustan. Esta canción habla de un chico con el que estuve casi un año hablando, pero nunca pasaba nada. En ese momento yo estaba muy enganchada y esta persona tarda mogollón en contestar. La creación de esta canción fue muy rápida. Ahora estoy en un momento en el que tardo más y las reflexiono más, pero antes en cinco o seis minutos podía tener una canción terminada. Lo cual puede ser guay, pero también puede no serlo».
El tema tiene un punto cómico y autoparódico: «Para nada siento esta canción como un drama, sino todo lo contrario, como muy bien habéis dicho vosotras, es una canción muy cómica y muy autoparódica, totalmente. Tengo canciones muy dramáticas. Ahora estoy en un punto donde todo lo que escribo es bastante dramático y bastante triste y lo interpreto de una manera bastante… tristona y bajonera. Pero desde luego esta canción es muy autoparódica. Todo lo de: «¡Ayuda, Ayuda!» es una especie de parodia en plan «que alguien me ayude porque a mí se me está yendo la pinza». Las capas de producción añaden un punto divertido y gracioso sumando en la carrera del divertimento.
Respecto a la producción indica: «Suso y Tórtel son increíbles, y las producciones siempre tienen mogollón de capas y de curiosidades, por ejemplo hay un momento que suena algo muy divertido que es Tórtel silbando, en la segunda estrofa, o cuando está terminando la canción que suena de fondo «24 horas», porque me equivoqué, y se oye «24 horas», que Suso copió y le puso un efecto. Si te fijas y la escuchas, tiene mogollón de capas muy divertidas».
Además, el tema referencia la película ‘Frances Ha‘: «Es una película que me fascina, es una de mis películas favoritas, me gusta tanto la peli porque Greta Gerwig y Noah son una pareja afectiva, sexoafectiva, que crea algo junta, una peli que me emociona total y profundamente, que habla de una manera preciosa sobre hacerse mayor. Sale en este tema porque aunque el tema tenga un toque muy cómico y muy irónico, al final estoy hablando de querer a alguien, de querer estar con alguien, aunque desde un punto súper irónico. ‘Frances Ha’ tiene una escena que me fascina: ese momento que estás en una habitación de una fiesta, con la persona que te gusta, y os miráis a los ojos. Me parece algo tan profundo, tan bonito, me parece tan sencillo y a la vez tan sumamente interesante e inteligente, toda la imaginación a la que te puede llevar… También hay algo que me mola mucho de la intimidad y el espacio que crean dos personas que se quieren. Ahí hay un punto íntimo, que nadie nunca va a llegar a comprender, que es muy guay para mí».
Algún día espero dejar de hablar de chicos
‘Tardas mucho en contestar’ está también conectada con otra de las canciones de Luna Valle, ‘La mejor canción jamás…’, que ya hablaba de mensajes. «Todas las canciones están relacionadas con la edición del disco, sí. No es algo que esté haciendo adrede pero me parece que sí. Todas las canciones hablan de un momento en mi vida y un momento con una persona. Entonces, pensé en llamar al disco ‘Tonterías masculinas’, pero no lo llamaré así, ¡no os preocupéis! Siempre hablo desde la misma inquietud o desde el mismo punto. Espero algún día cambiar de tema, esto lo digo mucho pero lo digo en serio. ¡Algún día espero dejar de hablar de chicos! Sinceramente, espero que la adolescencia se me pase y dejar de hablar de chicos. Pero bueno, sí, está ahí. Desde luego hay un tema común que es lo que me inquieta y me lleva a escribir canciones. O al menos el tema con el que más cómoda me siento escribiendo canciones».
Cuando solo han pasado unos días desde la edición de ‘The Lightning I, II‘, el primer avance del nuevo disco doble de Arcade Fire, Will Butler ha anunciado que ha abandonado el grupo. El miembro más popular después de Win y Régine y hermano del primero dice que después de 20 años las cosas han cambiado y ya no se siente igual, aunque su marcha es amistosa. Eso sí, ha tenido tiempo de grabar el nuevo álbum llamado ‘WE’.
El comunicado dice: «Me fui a finales del año pasado, una vez terminado el nuevo disco. No hubo ninguna razón espectacular más allá de que he cambiado y la banda ha cambiado a lo largo de casi 20 años. Es el momento de cosas nuevas».
Will Butler dice que está trabajando en un nuevo disco en solitario, y que ya ha confirmado algunos conciertos este verano. Además, está haciendo la música de una obra de David Adjmi, entre otros proyectos. Finalmente, da las gracias a Arcade Fire por haber formado parte de nuestras vidas, las del público. «El grupo todavía es amigo mío y mi familia. Estará por ahí. Nos vemos». Will Butler tiene, efectivamente, una carrera en solitario, que ha desarrollado con álbumes como ‘Policy‘, ‘Friday Night’ y ‘Generations‘.
‘Hit de Ayer’ no tiene demasiado que contar sobre esta canción antibélica del padre de Rufus Wainwright: su letra habla por sí sola con gran elocuencia. Aun así, un poco de contexto: ‘Pretty Good Day’ es la pieza que cierra el disco de Loudon Wainwright III ‘Social Studies’ (1999), una curiosa recopilación de piezas encargadas por la radio pública estadounidense (NPR) al cantautor a lo largo de la década de los 90. En ellas Loudon usaba el medio de la canción para hacer comentario político y de la actualidad, y no tanto canción protesta. De las 15 canciones sólo algunas se llegaron a emitir en la emisora, muy probablemente debido a sus letras.
Para un artista cuyos discos suelen ser principalmente autobiográficos, se trataba de un interesante experimento para el que sin embargo venía en cierto modo preparado: su padre fue columnista y editor de la revista LIFE durante años. Los temas tratados en el álbum incluían el caso de O.J. Simpson, la patinadora Tonya Harding (la que inspiró una de las mejores películas de 2018), el regreso de los Beatles con la psicofonía de John Lennon en ‘Free as a Bird’ o el célebre ‘efecto 2000’ (Y2K). Canciones casi todas con indudable gracia por obra del humor negro e ingenioso de Wainwright, pero a la vez condenadas a pasar de moda una vez las noticias tratadas se iban esfumando de las primeras planas. Ni siquiera la austera producción de los míticos Joe Boyd y John Wood (Nick Drake, Pink Floyd) conseguiría inyectar en la mayoría de ellas unas gotas de posteridad por culpa de ese lastre temático.
Por eso ‘Pretty Good Day’ destaca como un absoluto diamante en ‘Social Studies’: por un lado las guerras desgraciadamente nunca desaparecen de la actualidad, pero además Loudon la escribió con un punto de vista suficientemente general para no adscribirla a ninguna época en particular. Eso, o simplemente la verdad es que todos los conflictos armados se parecen demasiado entre sí. Sea como fuere, sobre la base de tan sólo cuatro acordes, Wainwright acierta brillantemente al retratarla como algo terriblemente simple: la destrucción de lo cotidiano. ‘Pretty Good Day’ es, en su sencillez, aplastante. Y Wainwright la canta con desarmante honestidad. Pero como decía al principio, dejemos que la letra hable por sí misma:
“He dormido toda la noche seguida, hasta el amanecer / he pulsado un interruptor y la luz se ha encendido / He salido de la cama y me he puesto algo de ropa / De momento está siendo un día bastante bueno / He abierto el grifo, había agua fría y caliente / Me he puesto el abrigo para ir a la tienda / He salido a la calle y no me han disparado / De momento está siendo un día bastante bueno / No he oído sirenas ni explosiones / Esos grandes cañones no han asesinado a nadie / No había tanques de las Naciones Unidas, no he visto ni uno / De momento está siendo un día bastante bueno / Ningún francotirador en las ventanas mirando a la calle / Ni gente en estado de pánico corriendo asustada por la calle / No he visto ningún cuerpo sin brazos, piernas o pies / Está siendo un día bastante bueno”.
“Había plasma, vendajes y electricidad / Comida, madera y agua; y en el aire no había humo / Ningún reportero de televisión / Se me ha hecho tan raro estar en casa / Nadie tenía miedo ni frío, o estaba herido o hambriento / Y los niños y niñas parecían normales, no parecían viejos / De momento está siendo un día bastante bueno / Caminé por un parque, y ¡no lo creerías! Allí en el parque quedaban algunos árboles / Y en algunas ramas había unas pocas hojas / He dormido toda la noche seguida, hasta el amanecer / he pulsado un interruptor y la luz se ha encendido / He anotado mi sueño, he escrito esta canción / De momento está siendo un día bastante bueno”.
‘Pretty Good Day’ suena en la última entrega de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Alex O’Connor, o lo que es lo mismo, Rex Orange County, se acaba de apuntar su primer número 1 en las islas británicas con la edición de su cuarto álbum ‘Who Cares?‘, que incluía temas como ‘Keep It Up’, que en enero pasaba por nuestra sección «Canción del Día».
Se trata del primer número 1 en su país para Rex Orange County, si bien hay que apuntar que el anterior, el notable ‘Pony’, fue un «sleeper». Sólo llegó al top 5 pero terminó certificado como disco de plata por la venta de 66.000 unidades gracias sobre todo a la buena aceptación de ’10/10′, que como indica la Official Charts Company, fue muy apoyada por Radio 1.
La OCC tiene el divertimento de recordar que el primer disco del artista, ‘Bcos You Will Never Be Free’, solo llegó al puesto 147 y ha vendido en UK 21.000 unidades, mientras el segundo ‘Apricot Princess’ solo llegó al puesto 193, si bien está a punto también de conseguir el disco de plata, pues ha vendido exactamente 55.480 copias. Le faltan menos de 5.000.
Este nuevo, ‘Who Cares?’, llega al número 1 con 18.089 unidades vendidas durante los 7 primeros días. Entre ellas 8.809 han sido en CD, 5.238 en vinilo, 773 en cinta, 347 en digital tipo iTunes y 2.922 copias proceden de los puntos de streaming.
Los suecos Ghost han quedado en el número 2, mientras Bryan Adams llega al puesto 3 y Franz Ferdinand están en el puesto 7 con su recopilatorio ‘Hits to the Head’.
Algora finalmente se decidía a publicar un videoclip para la que era nuestra canción favorita de ‘Pódium‘, la pista titular. Si el disco habla del acoso escolar y la amargura en el camino de la autoafirmación de una persona LGTB+, resultando el nombre de ‘Pódium’ tristemente irónico, esta es la explicación oficial sobre este tema y este vídeo, que contaban con la inestimable colaboración de la revelación Valdivia: «‘Pódium’ es una disputa entre dos voces que podrían pertenecer a la misma persona. Valdivia lidera la búsqueda de un nuevo comienzo, liberador y en constante movimiento, mientras Algora se aferra a su estatus, oscuro y solitario. Su pódium se convierte en su mayor derrota».
Dani Eusse, director del vídeo, nos habla de la idea para nuestra sección analítica sobre videoclips, «Estética de videoclip«: «Siempre imaginamos un vídeo narrativo con dos mundos en contraposición. La fuerza de la naturaleza contra el frío del polígono industrial. En las escenas de Algora, un espacio oscuro y sin fin que acentúa soledad. Para Valdivia, localizaciones que transitaran desde ese ambiente industrial hacia escenarios cada vez más naturales, con agua y vegetación».
Explicando el porqué de esa gola que lleva en el vídeo Víctor, Dani Eusse responde: «El vestuario en él nos lleva a una figura conservadora y autoritaria, con referencias a la monarquía o el obispado. Buscamos darle un aire atormentado y decadente con un maquillaje anacrónico y un vestuario de prendas pálidas, antiguas y pesadas». Quizá por ello en un momento del vídeo, el cantante es arrastrado violentamente por una cuerda, gola incluida, o pende de ella a su suerte. Os recordamos que Algora actúa en 26 de marzo en Barcelona, entradas en Dice.fm.
Jenny Hval se ha casado con el patriarcado. Te lo cuenta en la bossa nova de ‘Year of Love’, la pista que abre su nuevo disco. En realidad se ha casado con su marido, pero pasar por el altar (o por el Ayuntamiento o juzgado) ha hecho que la noruega se cuestione su propio feminismo. «Piensas que soy diferente, pero soy una teatrera», canta en esta misma canción, tras haberse dejado atrapar por el «complejo industrial de la felicidad», una «institución de lo normativo».
Que las personas son complejas y «contienen multitudes» no es ningún misterio. Jenny Hval explora sus contradicciones en ‘Classic Objects’, su nuevo disco. Su germen se encuentra en la pandemia. Cuando la noruega se quedó sin conciertos que hacer se sintió «desnuda» y empezó a plantearse su identidad como artista. De repente el arte le empezó a parecer una «construcción» que ya no significaba nada ni tenía ninguna utilidad. Irónicamente, esta crisis le llevó a escribir un nuevo álbum cuyo contenido complica aún más si cabe la relación de Hval con su propio arte y con su propia identidad.
El capitalismo, siempre tan cuestionado por los artistas aunque estén fichados por multinacionales y hayan firmado contratos, es uno de los grandes temas que emergen en ‘Classic Objects’. En primer lugar, Hval ha buscado hacer un disco pop con sus estrofas y sus estribillos y ha querido dotarlo de historias sencillas, pero curiosamente no le ha salido ni un disco tan pop ni sus letras son tan simples, al menos en cuanto a fondo. Hval sí ha hecho un disco enormemente melódico en el plano vocal, pero ‘Classic Objects’ también es un trabajo de sonido anacrónico basado en la música new age, en el que las percusiones son caricias y las texturas electrónicas te envuelven en una nube de confort. Las canciones pueden ser magnéticas, como el single ‘Year of Love’ o ese ‘American Coffee’ que parece un himno al órgano de Alice Coltrane, pero también sonar tan anacrónicas como las percusiones chamánicas de ‘Year of Sky’, o resultar tan fallidas en su misión «pop» como la balada ‘Cemetery of Splendour’, cuyo estribillo da bajón.
Concretamente las dos pistas finales de ‘Classic Objects’ reflexionan sobre el lugar del arte dentro del sistema capitalista. En la cuca miniatura de ‘Freedom’ la noruega canta que desea «vivir en una democracia donde el arte sea libre». Y en la jazzy ‘The Revolution Will Not Be Owned’, Hval declara que «esta canción está regulada por derechos de autor, y soñar no tiene derechos de autor», y sentencia que «la revolución no será propiedad de nadie». La implicación que cabe extraer de ambas canciones es que, dentro de este sistema, el arte no es libre, pero entonces, ¿el arte es esclavo? ¿De qué exactamente? ¿Puede realmente ser libre el arte cuando es expuesto a un público? ¿Qué significa realmente ser libre? ¿Ganarse la vida con el arte no es una forma de libertad? Hval no se hace ninguna de estas preguntas en ‘Classic Objects’ quizá porque sus letras están sumidas, más bien, en un viaje interior, aunque eso no es nuevo.
Es digno de mención que el disco presente un sonido tan apegado a la new age, uno de los productos musicales del capitalismo más denostados, conocido por su función tipo «música de fondo» como la que suena en la sala de espera de la consulta de mi psicóloga, y cabe preguntarse si también el estilo musical que prevalece en ‘Classic Objects’ representa un comentario irónico sobre la posición de Hval dentro del sistema capitalista de las discográficas, o sobre los dobles raseros que se ven una y otra vez en las revistas de tendencias, que ahora valoran positivamente este sonido porque de repente lo habita una artista de art-pop aclamada por la crítica, cuando ni siquiera lo revoluciona o reinventa de ninguna manera, aunque el disco sí presente un sonido agradable y «soft», hecho con la delicadeza que cabe esperar de su autora.
Como de costumbre, el trabajo de Hval resulta más interesante cuanto más caso se le hacen a las letras. Ella ha publicado ya dos libros y los textos de ‘Classic Objects’ vuelven a ser muy francos en sus reflexiones sobre el patriarcado, el cuerpo femenino, el propósito del arte o la identidad de Hval como artista. En ‘American Coffee’ se pregunta qué habría sido de ella si no hubiera perseguido el camino del arte, y sus referencias esnob al grado en Bellas Artes que posee, a «citas irrelevantes de autores franceses» y al «clímax de una inteligente película de ciencia ficción» aparecen salpicadas por la sangre que orina en el baño de la universidad, afligida la artista por una infección en el tracto urinario; ‘Jupiter’ empieza en una instalación de arte y termina en un «desierto donde los valores, los géneros, la representación y las relaciones se están desmoronando», pasando del ambient-jazz al vacío del cosmos también en la composición musical; y en ‘Classic Objects’ describe su fascinación con los materiales, imagina que su cara está hecha de mármol y relaciona el arte con la muerte como si fueran la misma cosa.
Menos fascinantes resultan los arreglos musicales de ‘Classic Objects’ que, a la manera de ese new age diseñado para calmar el espíritu azotado por los látigos del capitalismo, simplemente ofrecen una solución musical funcional a las letras de la noruega, eso sí, abordada con sumo cuidado. Su visión del mundo, por contradictoria que sea ya desde la primera pista, donde solo le falta entregar su carné de feminista por haberse casado (¡¡¡qué horror!!!), sigue siendo fascinante, inteligente, necesaria. Quizá yo también haya entrado al trapo de los medios que ensalzan obras de art-pop que no son para tanto intelectualizando un disco que no es para tanto, pero pocos discos invitan a las reflexiones a las que invita la autora de trabajos como ‘Blood Bitch’ o ‘Apocalypse, girl’. Para bien o para mal, escuchar su música sigue siendo una experiencia incomparable, pero quizás su evolución como artista no pase necesariamente por hacerse pop… o intentarlo.
‘Motomami’ (motomami, motomami, motomami) no es sólo el “Disco de la Semana” en JENESAISPOP, sino también el “Disco de la Semana” en todo el mundo, con permiso del lanzamiento de los surcoreanos Stray Kids, que con 7 canciones, ellos mismos consideran un EP.
Rosalía no solo toma la lista de Spotify España, sino que ha logrado situar 11 de las 16 pistas de ‘MOTOMAMI’ en la lista global de Spotify. ‘CANDY’ -que estrena nuevo vídeo- ha entrado al puesto 35 con 1,7 millones de streamings en solo un día (solo un 30% viene de España), mientras ‘La Fama’ vuelve a la tabla hasta el puesto 42 y ’SAOKO’ vuelve al número 58. Por su posición en el tracklist, destacan la buena aceptación de ‘Bizcochito’ y sobre todo ‘La Combi Versace’, que pese a ser la penúltima ha llegado al top 200 de lo más escuchado en todo el mundo:
35 Candy
42 La Fama
58 SAOKO
80 HENTAI
90 Chicken Teriyaki
118 Bizcochito
155 Bulerías
167 Motomami
170 G3 N15
185 La Combi Versace
189 Diablo
Volviendo a España, es evidente que el disco va a ser número 1, y la pregunta es con qué cifras -que jamás lo sabremos- y durante cuánto tiempo. Como informa Vinilo Negro: ‘Motomami’ ha superado el récord nacional de ‘El Madrileño’ al sumar 5,79 millones de streamings en un día, siendo el 2º mejor debut histórico, tan solo por detrás de ‘El último tour del mundo’ de Bad Bunny. Así ha quedado de arrasada la lista de Spotify España:
1 Candy
3 Hentai
4 La fama
5 Bizcochito
6 G3 N15
7 Saoko
10 Bulerías
12 Chicken Teriyaki
13 La Combi Versace
15 Diablo
17 Motomami
18 Como un G
19 CUUUUuuuuute
21 Delirio de grandeza
26 Sakura
28 ABCDEFG
Tras España, parecen Argentina y México los países en que los singles están logrando más streamings, aunque también hay que destacar el top 15 de ‘La Fama’ en Spotify Francia o el número 4 del disco en iTunes USA. Las entradas de ‘MOTOMAMI’ en listas internacionales serán modestas, pero hay que recordar que no tantos artistas de primer orden logran situar su álbum casi al completo en el global de Spotify. Parece que sumando el éxito masivo en España, un poquito de Estados Unidos, un poquito de los países latinos más grandes y un pedacito de lugares como Holanda o Francia, ‘MOTOMAMI’ podría dejar su huella a nivel internacional como pocos álbumes españoles han conseguido.
Cartel de «aforo completo» colgado a las puertas de la Sala Clamores de Madrid para un nuevo concierto de Tulsa. Este en formato cuarteto con una guitarrista, un baterista y a los teclados Betacam recién llegado de telonear a Los Punsetes en La Riviera, a varios kilómetros en la ciudad -tan solo uno de sus pluriempleos-. Hace un año que se publicó ‘Ese éxtasis‘, a la postre uno de los mejores discos de 2021, y ni mucho menos esta fue una de las primeras presentaciones del álbum.
Sí fue seguro una de las mejores: el numeroso público estaba atento, con ganas de música en directo de pie, cerveza o copa de vino -como ella- en mano, con las últimas canciones muy bien asimiladas, y en unas condiciones acústicas sobresalientes que lograban que la voz de Miren Iza sonara más bonita que nunca. En primer plano, nítida, con cada frase acaparando al 100% la atención del espectador.
Tras comenzar con ‘Canción’, Tulsa ya supo meterse al público en el bolsillo con el humor contenido en la segunda composición que interpretó, ‘La boda’, con sus referencias tronchantes a la boda de la hija de Amancio Ortega. Una boda a la que no te han invitado, porque la exclusión era uno de los temas principales de ‘Ese éxtasis’. ‘Os oigo follar’ es otra de las canciones que sonó, en un tramo medio en el que Miren se colgó la guitarra acústica, enfrentándose durante unos segundos a un micrófono que no se quería estar quieto.
Tras una soberbia interpretación de ‘Autorretrato’, una verdadera preciosidad, la cantante volvía a calzarse sus guantes aterciopelados, como su vestido, para interpretar algunas de las composiciones más esperadas: ‘Yo no nací así’, entonada desde una celda, y ‘Oda al amor efímero’, produciéndose el surrealista momento de que alguien la pidió en el momento preciso en que terminaba.
Iza no aceptaba peticiones, en cualquier caso, y se negó a tocar ‘Matxitxako’ -tampoco sonó, de manera dramática, ‘Algo ha cambiado para siempre’-, aunque la buena noticia es que cuando desplegaba su actitud consiguió que las cumbres del concierto fueran las canciones que a ella se le apetecieron. Es obvio que el carácter predicador de Nick Cave es una referencia escénica para ella y el grito apocalíptico de ‘Penélope’ o la final ‘Atalaya’, ambas en los bises, todavía resuenan en nuestras cabezas medio día después.
Fue un concierto menos electrónico que el que hemos visto a Tulsa en otras ocasiones -sí se pudo bailar en ‘Centauros’ y ‘Los volcanes avisan’-, tampoco especialmente rockero. Fue un show en el que despuntaron por encima de todo las composiciones y las letras, además sin dramatizaciones ni monsergas. Qué variado está últimamente el concepto de cantautor/a.
Como burlando a aquel día en que a Tulsa se le ocurrió poner en Twitter que «estaba más cómoda consigo misma cuando C Tangana le parecía un horror» («desde que ‘Bien Duro’ y ‘Llorando en la limo’ me parecen temazos me caigo peor»»), al término del concierto la Sala Clamores se convirtió en una inesperada fiesta de reggaetón -ya a las once de la noche- en la que no faltaron Maluma, J Balvin ni Bad Bunny. Pero antes de eso, nos había quedado claro por qué Tulsa «no cree en los festivales», como dice ‘Autorretrato’ y nos desarrolló en una entrevista. Parafraseando ‘Atalaya’, es en estas distancias cortas, donde Miren Iza es «poderosa» y «maravillosa». «Que venga Dios a intentar bajarme de aquí».
VIVA MOZ VEGAS 
On sale Fri, March 25th at 10am PT:
(@hugo_cnm) 
Que sigue siendo un momento estupendo para la música latina no se puede negar. Sin ir más lejos, la banda sonora de ‘Encanto’ incluye ritmos de salsa, vallenato o cumbia. Sin embargo, eso no garantiza el éxito para cualquier cosa latina que se publique. El camino al próximo disco de Christina Aguilera no ha podido comenzar peor. El impacto sobre cualquiera de sus canciones es completamente nulo, y lo peor es que si percibes que en España ha sonado poco, lo cierto es que es el mercado en el que mejor han funcionado sus adelantos. Al menos han aparecido por listas.
