‘Blonde’ es una de las películas de las que más se ha hablado en las últimas semanas y, debido a la dureza de sus imágenes, también ha dividido en gran medida las opiniones de la crítica y el público. Mientras que algunos la ponen como una de las mejores cintas del año, otros la consideran un desastre. Lo que está claro es que el estreno de la película de Andrew Dominik en Netflix ha sido un verdadero fracaso, con tan solo 37 millones de horas reproducidas en su primera semana, según los datos proporcionados por la propia compañía.
Para comparar con otro estreno de alto calibre de la plataforma, ‘No mires arriba’ obtuvo 111 millones de horas vistas en su primera semana. Si lo comparamos con los estrenos más fuertes de Netflix, los datos de ‘Blonde’ entonces se convierten en ridículos. Es cierto que es habitual que la segunda semana de una serie o película en Netflix sea más exitosa que la primera. Sin embargo, ‘Blonde’ ha pasado de los 37 millones a tan solo 17 en su segunda semana. En total, la película protagonizada por Ana de Armas ha sumado 54 millones de horas en sus primeros 12 días. Echando más leña al fuego, ‘Blonde’ ha ocupado el número 1 en el Top 10 de Netflix durante nada más que tres días y este pasado lunes, la cinta desaparecía completamente de lo más visto de la plataforma.
Pese a su pobre recepción en streaming, no hay duda de que ‘Blonde’ ya ha pasado a la historia como una de las películas más divisivas de la década y nadie puede quitarle a Ana de Armas el mérito de su impresionante actuación, lo cual parece ser el único punto de unión entre todas las críticas. Para terminar en una nota positiva, Nick Cave ha nombrado a ‘Blonde’ como su película favorita de todos los tiempos… quizá porque es, nada más y nada menos y junto a su inestimable colaborador Warren Ellis, autor de su banda sonora.
Silk Sonic, el dúo formado por Bruno Mars y Anderson .Paak, ha decidido no presentar su álbum ‘An Evening with Silk Sonic‘ a la próxima edición de los premios GRAMMY, que se celebra el 5 de febrero en Los Ángeles. El 15 de noviembre se revelarán las nominaciones.
El pasado mes de abril, Silk Sonic se llevó a casa hasta cuatro premios GRAMMY solo por su single ‘Leave the Door Open’, que ganó dos de los premios más importantes, los de Canción del año y Mejor grabación del año, y también los de Mejor canción de R&B y Mejor actuación de R&B. En un comunicado, Silk Sonic hacen un ejercicio de humildad y explican que ya son suficientes y que sería «una locura pedir más».
«Hemos entregado todo de nosotros en este álbum», empieza el texto de Silk Sonic recogido por Rolling Stone, «pero con toda la amabilidad, humildad y, sobre todo, sexualidad del mundo, nos retiramos de la carrera de los GRAMMYs este año». Bruno Mars y Anderson .Paak añaden que «esperamos poder celebrar con todo el mundo otro gran año para la música» y «participar en la fiesta».
En el comunicado, los integrantes de Silk Sonic observan que el éxito internacional de ‘Leave the Door Open’ es más importante para ellos que cualquier premio. Apuntan: «Andy y yo, y todas las personas que trabajaron en este proyecto, ganamos en el momento en que todo acogió tan bien ‘Leave the Door Open’. Todo lo demás fue la guinda del pastel».
Las votaciones de los GRAMY arrancan hoy y tendrán en cuenta trabajos que salieran entre el 1 de octubre de 2021 y el 30 de septiembre de 2022, por lo que el disco de Silk Sonic entraba dentro de plazo, pues salió el 12 de noviembre del año pasado.
Queen están más en boca de todos que nunca gracias a la relevancia perenne de su música y, recientemente, al éxito de ‘Bohemian Rhapsody‘, el biopic sobre Freddie Mercury que es uno de los mayores taquillazos de las últimas décadas.
Además, Queen publican nueva música, más o menos. Los de Brian May y compañía reeditarán ‘The Miracle’, su álbum de 1989, el próximo mes de noviembre. Entre los alicientes que contendrá el álbum se encuentra una pista inédita, cantada lógicamente por Freddie, que nunca nadie antes ha escuchado.
‘Face it Alone’ es la balada que Queen han publicado en las últimas horas. Grabada durante las sesiones de ‘The Miracle’ y cantada por Mercury con todo el sentimiento que le caracterizaba, en ella, Freddie canta sobre ser dueño de su propia vida, porque cada uno es «jefe de su casa» y «tienes que enfrentarte a (ella) tú solo».
En una entrevista con BBC, Brian May y Roger Taylor han contado que ‘Face it Alone’ es una canción que habían olvidado completamente y que, cuando la «re-descubrieron», pensaron que no podrían editarla, por su carácter de maqueta. Sin embargo, su «equipo de ingenieros» ha conseguido adecentarla y hacerla sonar como nueva.
No es la primera vez que Queen publican música inédita con voz de Freddie Mercury. En 2014 lanzaron ‘Queen Forever‘, un recopilatorio de canciones «olvidadas» que Freddie había grabado pero que el grupo, de nuevo, había «olvidado».
Además de ‘Face it Alone’, la reedición de ‘The Miracle’ -que fue el penúltimo álbum que publicó Queen con Freddie vivo, el siguiente y último fue póstumo- vendrá con más contenido extra, como maquetas, caras b, entrevistas, versiones extendidas y vídeos, todo ello reunido en 5 CDs y un DVD.
blink-182 acaba de anunciar una macrogira mundial que pasará por España (entradas aquí), pero la verdadera noticia que ha dejado el anuncio de dicha gira es la reunión de la formación original. Tom DeLonge, Mark Hoppus y Travis Barker no tocaban juntos desde 2015 y, de un tiempo a esta parte, Hoppus y Barker trabajaban con un guitarrista diferente mientras DeLonge se centraba en tocar con su banda Angels & Airwaves (y en estudiar la hipotética existencia de los ovnis). Como todo el mundo sabe, Barker ha conseguido mantenerse en el candelero gracias a su mediática relación con Kourtney Kardashian, pero ese es otro tema que no vamos a tocar en este artículo (aparte de esta frase). Sin embargo, el grupo que saldrá de gira y publicará nuevo disco es el original, el que llegó a vender millones y millones de copias de sus discos y cambió la vida a millones de adolescentes, pero que después fue variando de formación por diferentes razones.
Y no es poca cosa que los integrantes de blink-182 vuelvan a ser los originales porque blink-182 es, sin duda, una de las bandas de rock más influyentes de las últimas dos décadas, tanto como para hoy ser cabezas de cartel en festivales como Lollapalooza Brasil al lado de nombres como Drake, Billie Eilish o Tame Impala; tanto como para que alguien les haya denominado alguna vez los «Beatles del punk»; pero, sobre todo, tanto como para estar en boca de muchos de tus artistas favoritos, incluso los que menos esperas.
Entre esos artistas se encuentra PinkPantheress, estrella de TikTok y renovadora del garage y el drum ‘n’ bass. La autora de ‘Break it Off‘ ha reconocido que muchas de sus «decisiones melódicas» están directamente influenciadas por las canciones de blink-182. Para Grimes, la música de la banda californiana sirvió de portal hacia el mundo de la música alternativa. De hecho, la canadiense empezó tocando en un grupo de versiones de blink-182 y, recientemente, ha grabado una canción con el grupo que aparecerá, presumiblemente, en el siguiente disco de ellos. Por otro lado, ‘Closer’ de The Chainsmokers y Halsey contiene una referencia a «una canción de blink-182 que escuchamos en Tucson sin parar».
Por supuesto, la influencia de blink-182 es más evidente en grupos de su mismo estilo. Hoy el pop-punk está de moda y muchos de los iconos que influyen a artistas de nuestro tiempo como Machine Gun Kelly, WILLOW o, en España, Yawners fueron primero estudiantes del catálogo de blink-182. Sin ir más lejos, antes que Grimes, tanto Panic! at the Disco como All Time Low dieron sus primeros pasos en la música dentro de bandas donde se versionaban canciones del trío. Y si hasta una canción como ‘Mona Lisa, Mona Lisa’ de FINNEAS suena 100% al trío californiano, es difícil no pensar que Paramore o Fall Out Boy no hubieran gozado del mismo éxito si no hubiera sido porque blink-182 allanaron el terreno unos años antes.
blink-182 no es la primera banda de pop-punk masiva que vende millones de discos. Green Day llegó antes. Sin embargo, la propuesta de DeLonge, Hoppus y Barker era especial porque aunaba dos cosas: canciones simplonas y un sentido del humor basto similar a cosas como ‘American Pie’, película en la que, por cierto, hicieron un cameo. Cualquiera que fuera al instituto allá por 2005, 2006 o 2007 conoce a gente que montó grupos en esa época y ensayaba canciones de blink-182 porque los acordes eran fáciles de aprender y de tocarlos con la guitarra. Composiciones tan directas como ‘All the Small Things’, ‘What’s My Age Again?’, ‘I Miss You’ o ‘First Date’ representaban una versión amable y accesible del punk, mientras sus letras versaban sobre la adolescencia desde un punto de vista deliberadamente poco serio y desenfadado, atrayendo a toda una generación de adolescentes que se identificaban con sus autores, que veían a sus integrantes como parte de su propia pandilla.
El humor ha formado parte de la propuesta de blink-182 desde siempre. El título de ‘Take Off Your Pants and Jacket’, su tercer disco, es un juego de palabras que alude a hacerse una paja, y otras letras de blink-182 hablan sobre correr desnudo, amar a la Princesa Laia o emborracharte con tus amigos. Algunos de sus textos son completamente absurdos, si bien no necesariamente los más inteligentes que puedan venir a la mente. Y todos recordamos el videoclip de ‘All the Small Things’, donde el grupo parodiaba a Backstreet Boys y otros artistas «cheesy» de la época. Ni siquiera las duras vivencias posteriores de sus miembros (Barker sobrevivió a un accidente de avión, Hoppus superó un cáncer) ha diluido el efecto «goofy» de sus canciones.
blink-182 nunca fueron niños mimados de la crítica precisamente porque su sentido del humor deliberadamente «cringe» les hicieron parecer, ellos mismos, una parodia. NME en especial les tenía bastante tirria pero ellos siempre han hecho bien en tomarse a sí mismos demasiado en serio. Y, como a Avril Lavigne, el tiempo les ha dado la razón: hoy tienen los mismos millones de oyentes en Spotify que, por ejemplo, The 1975 y los streamings de sus canciones son estratosféricos. La gente sigue escuchando a blink-182 y, sobre todo, los artistas siguen reconociéndoles entre sus influencias. Eso es el éxito.
Angela Lansbury, una de las últimas supervivientes de la era dorada de Hollywood, ha fallecido este 11 de octubre a los 96 años en su casa de Los Ángeles, mientras dormía. En pocos días, en concreto el día 16 de octubre, la actriz americano-irlandesa habría cumplido 97 años.
Reconocida con multitud de premios, entre ellos 6 Globos de Oro, 6 Tonys y un Oscar honorífico, Lansbury desarrolló una carrera brillante en varias disciplinas, principalmente el teatro, el cine y la televisión. Será especialmente recordada por su trabajo en Broadway y por sus papeles en la película de Disney ‘La bruja novata’ (1971), y en la serie ‘Se ha escrito un crimen’, en la que Lansbury interpretó a la detective Jessica Fletcher a lo largo de doce temporadas, de 1984 a 1996.
Nacida en Irlanda en 1925, Lansbury y su familia se mudaron a Nueva York en los años 40 escapando de la Segunda Guerra Mundial. En esta época, la actriz obtuvo papeles en películas como ‘Gaslight’ (1944), ‘National Velvet’ (1944) o ‘El retrato de Dorian Gray’ (1945). En los 70 volvió a Irlanda y apareció en musicales como ‘Gypsy’ o ‘Sweeney Todd’, interpretó a Miss Eglantine Price en ‘La bruja novata’ y, desde 1984 hasta 1996, apareció en los televisores de medio mundo como Jessica Fletcher en ‘Se ha escrito un crimen’, que en España emitía TVE los domingos al mediodía.
En sus últimos años, Lansbury no dejó de trabajar y, por ejemplo, en 2005 apareció en ‘Nanny McPhee’, en 2017 en ‘Little Women’ y en 2018 en ‘El regreso de Mary Poppins’. El último papel de Lansbury será póstumo, ya que ‘Glass Onion: A Knives Out Mystery’ se estrenará en Netflix estas navidades.
Este viernes se estrena en Amazon la serie inspirada en la vida de Tegan & Sara ‘High School’: podéis ver el tráiler bajo estas líneas. Como recordaréis, se basa en el libro escrito por las propias hermanas.
Una semana después, el viernes 21 de octubre, llegará al mercado el nuevo álbum del dúo, ‘Crybaby’. Conocemos 4 singles que podéis escuchar aglutinados en las plataformas de streaming: ‘I Can’t Grow Up’, ‘Faded Like a Feeling’, ‘Yellow’ y ‘Fucking Up What Matters’. La primera es nuestra “Canción del Día” para este jueves.
‘I Can’t Grow Up’ es una de las canciones más Joy Division (teclados) y New Order (bajo) que jamás hayan grabado Tegan & Sara. Basada en la idea “dame tu amor” (el tema podría llamarse perfectamente “Gimme All Your Love”), la canción incluye un arreglo de Autotune en los coros cuando se dice su título.
El vídeo es sencillo pero muy efectivo, sobre todo por su montaje. Tegan & Sara juegan con el ritmo del tema, produciendo una de sus entregas más divertidas. No es casualidad que justo este haya sido el tema elegido para abrir ‘Crybaby’.
RTVE ha anunciado tres nuevos programas de carácter cultural, ‘Encuentros’, presentado y dirigido por Elena Sánchez, grabado antes de que fuera presidenta interina de la cadena; el magacín diario ‘Culturas 2’, con Paula Sainz-Pardo; y el espacio viajero y literario ‘Un país para leerlo’, con Mario Obrero.
La música tendrá cierto protagonismo en ‘Culturas 2’, que comenzará a emitirse desde la semana que viene. En concreto el primer programa será el 17 de octubre, pasando a emitirse desde entonces de lunes a jueves a las 20:15 horas.
Indica la nota de prensa publicada en la web de la cadena: «‘Culturas 2’ será la gran casa de la cultura, la clásica y la urbana, la que fue y la que será, la cultura como forma de conocer, entender y emocionarse con el mundo. Cine, música, cómic, danza, arquitectura, artes escénicas, literatura (novelas y cuentos, poesía, ensayos y literatura infantil), series o podcasts. Englobará todo el arte de crear y de conocer; por eso mirará hacia la ciencia, las tendencias, lo local y lo universal, las ciudades y los pueblos».
Colaborarán en el programa Virginia Díaz, Martín Llade o Daniel Galindo. Pero también muchas personas de la música, del cine y también de la cultura urbana y los videojuegos. ‘Culturas 2’ incluirá entrevistas, debates, crónicas, recomendaciones, clubes de lectura y cultura digital. «Será una mirada abierta, rigurosa y divertida, porque la cultura también es juego».
Cuando Rigoberta Bandini saltó al escenario de Benidorm Fest vestida de novia y con gafas de sol para interpretar el inimaginado himno ‘Ay mamá’, acompañada de marido, primos y amigas, el comentario más divertido fue que aquello parecía ‘Midsommar‘. La artista ya había realizado un guiño al nuevo clásico del cine de terror de Ari Aster en el vídeo de ‘Perra’. En la tele, directamente la secta eran ella y su corte de familiares, todos de blanco.
Esta imagen, en principio tan desconcertante, ha terminado siendo 1) icónica y 2) muy representativa de lo que es a finales de 2022 el fenómeno Rigoberta Bandini en varios sentidos. Por un lado, sus conciertos, que ya eran una ceremonia religiosa con miles de personas pegando botes y gritos como si sobre el escenario estuviera el Papa Harry Styles o los BTS, se multiplicaron. Rigoberta se convirtió en uno de los mayores reclamos de festivales bastante grandes, como Tomavistas o Mallorca Live. Es decir, logró meter al público en su propio mundo de frases habladas, ideas improvisadas y outros explosivas, las dos más populares de corte feminista. De «quiero ser una perra» a «no sé por qué dan tanto miedo nuestras tetas».
Por otro, en su espíritu DIY y desde su propio sello independiente, llamado aún hoy Rigoberta Bandini -así de inesperado y desbocado ha sido el fenómeno-, la cantante ha propulsado como pocos valores como la familia, la maternidad y la religión. ‘Que Cristo baje’ estuvo ya entre sus primeras canciones, y en este disco de debut aparece en una nueva mezcla, así que si ahora estamos sorprendidos de que un «aleluya» pasado por el Autotune sea el estribillo del corte titular y final de ‘La emperatriz’, o de que Dios sea un «topic», el problema está en nuestro tejado.
Y es que ‘La emperatriz’ es un álbum sobre la maternidad y la fe, dos temas casi tabúes en el underground. La única banda alternativa con la que recuerdo haber hablado de ellos fueron los argentinos Entre Ríos. Hace 14 años. La aproximación de Rigoberta, que acude a conciertos de ‘MOTOMAMI’ con Ada Colau, es un poco más compleja que «Dios es amor», y entre sus preocupaciones por ejemplo está educar a su hijo en la neutralidad de género, o al menos, lejos de la masculinidad tóxica. Así se escucha en la trepidante ‘Canciones de amor a ti’.
De la misma manera, sus letras son un poco más complejas de lo que parece, pues ‘Perra’ no consiste solamente en ser una mujer liberada sexualmente, sino que en realidad parte de la idea de ser un animal sin dilemas morales. Y ‘Así bailaba‘, que puede parecer un divertimento pasajero en su adaptación de una canción de Los Payasos de la Tele, ha sido negociada con la familia Aragón para ofrecer un mensaje más moderno y progresista. Las niñas de hoy no tienen que coser ni fregar, porque «tienen que bailar». Mientras unos se ríen del carácter naíf de todo lo que toca Amaia, lo cierto es que aquí hay más mensaje que en el 90% de Todo Indie, playlist en su momento tomada por canciones que nadie sabía ni sabe lo que querían decir.
Entre el costumbrismo cómico de ‘In Spain We Called It Soledad’ y la resaca de fiesta que supuso su hit primigenio ‘Too Many Drugs’ -ninguna de las cuales podía faltar en este LP para coleccionistas-, es difícil hablar de cuáles han sido los referentes musicales para arropar todos estos mensajes. Cuando le preguntas a Rigoberta Bandini por sus influencias, no suelta prenda. Sí suele hablar de Aute, de Mocedades, de Massiel… la canción melódica de los 70, cuyo legado va en este disco mucho más lejos del título de ‘Julio Iglesias’, su guiño a ‘Hey’, ‘Soy un truhán’ y otras. Su estribillo «Tanto trampolín, tanta percusión», melódicamente, es digno del mejor Juan Carlos Calderón.
Pero todo ello aparece más bien rodeado de un synth-pop ahijado de los albores de Austrohúngaro, de bandas de pop sintético como Hidrogenesse. Stefano Macarrone ejerce de productor junto a Esteban Navarro (Venga Monjas), haciendo un trabajo funcional y sencillo (Mendetz conocieron caminos más intrincados), si bien algo mejorable en alguna parte de la mezcla: los teclados italo del final de ‘Ay mamá’ merecían más luz que los «lo-lo-los». Santos&Fluren están detrás de ‘A todos mis amantes’, una balada medio portuguesa medio electrónica; o de ‘La emperatriz’, ligeramente arrimada al Kanye West más sacro; y Javier Fernández Riverola firma la bonita ‘Tú y yo’, sobre el amor marital.
Nombres que nunca oscurecen que aquí el gran talento es el de Paula Ribó, pues todo arreglo parece sometido a su servicio. Es, además, una gran cantante como dejó oír a gritos en los minutos finales de Benidorm Fest, quizá porque aprendió de los clásicos y no de la tradición indie, donde salvo excepciones nadie luchó demasiado por convertirse en un gran vocalista.
Entre su voz, sintes, menciones a Despentes, Sorrentino, Moustaki y Puccini; demasiadas drogas y también finalmente demasiados espíritus, está claro que este disco es un producto único, que ni los mayores fans vimos venir como número 1 en España en los tiempos del reggaetón, el post-trap, la bachata y el featuring obligado. Los más escépticos se preguntarán si será flor de un día. Pero qué más da, más que el líder político que llamó a ‘Ay mamá’ «soflama feminista» ya ha durado.
En un futuro cercano, los androides conviven con los humanos. Forman parte de la vida cotidiana, ayudan a cuidar a los niños y a hacer las tareas de la casa. Las inteligencias artificiales y los clones se camuflan con la humanidad, incluso tienen sentimientos avanzados que hacen que a primera vista sea imposible diferenciarlos. Estos technosapiens son una parte fundamental en el universo que plantea ‘Despidiendo a Yang’, la poética segunda película de Kogonada.
En ella disecciona el drama de una familia cuando su robot Yang se estropea sin remedio. Jake (un excelente Colin Farrell) y Kyra (Jodie Turner-Smith) lo compraron para que Mika, su hija adoptiva, no perdiese el contacto con su ascendencia china. La inminente pérdida de Yang, no solo dejará un vacío doloroso, sino que a raíz de ella la película propone una búsqueda sobre la identidad y lo que significa estar vivo.
Mientras a Yang están intentando repararlo, su ausencia desajusta por completo la cotidianidad. No solo era el hermano mayor de Mika y quien más cosas le enseñaba, Jake y Kyra también se apoyaban en él para educar a su hija, quizá demasiado. Esta alteración hace que la pareja se dé cuenta de sus responsabilidades como padres, y también de que reemplazarlo no tendría sentido, porque Yang, aun siendo un robot, era un miembro más de la familia.
Basada en un relato de Alexander Weinstein, Kogonada otorga a ‘Despidiendo a Yang’ un tono apesadumbrado y profundamente melancólico. Este no es el único aspecto que comparte con ‘Columbus’, su ópera prima, aquí también hay una voluntad notoria de representar los espacios físicos como pilares fundamentales para entender el mundo que rodea a sus personajes. La decoración ultramoderna, ordenada y cuadriculada crea una sensación tan acogedora como sumamente artificial. Es un mundo en el que la tecnología y el medioambiente parecen haber llegado a un punto de co-existencia pacífica, de igual forma que los humanos con los robots.
Kogonada explora con enorme sensibilidad la pérdida de un ser querido y la formación de la identidad cultural a través de un viaje por los recovecos de la memoria. Los recuerdos se almacenan en un enorme banco de datos al que privilegiadamente se nos da acceso. ¿Qué nos hace humanos? ¿Qué significa ser humano? Yang siente emociones que se asemejan a lo que podemos sentir, pero también es incapaz de comprender otras. “Ojalá el té chino no fueran solamente datos curiosos para mí” le reconoce a Jake, quien regenta una tienda de té artesanal, tras una conversación sobre la fascinación que le provoca dicha bebida. Yang nunca llegará a compartir o entender ese entusiasmo, pero sí es capaz de amar, de observar, de cuestionarse cosas.
Hay algo profundamente conmovedor en ‘Despidiendo a Yang’, y es la forma en la que nos acerca a estas cuestiones sin respuesta, cómo deja que el espectador reflexione por su cuenta sin necesidad de subrayar nada. La puesta en escena, sobria en ocasiones y a la vez repleta de hallazgos luminosos, nos guía –junto a la bellísima música de Aska Matsumiya- hacia un precioso y emocionante final. Una joya humanista.
Ya han sido publicadas las nominaciones a los MTV EMA 2022, que se celebrarán en Düsseldorf el 13 de noviembre. Harry Styles se posiciona como el favorito de la gala, con siete nominaciones, entre las que se incluyen las de Mejor Artista, Mejor Canción y Mejor Vídeo. A Styles le sigue Taylor Swift con seis nominaciones y también nominada a Mejor Artista y Mejor Vídeo. A continuación, están Nicki Minaj y ROSALÍA con cinco nominaciones cada una. Las votaciones estarán abiertas en la página web de los MTV EMA hasta el próximo 9 de noviembre.
Mejor Artista
Adele
Beyoncé
Harry Styles
Nicki Minaj
ROSALÍA
Taylor Swift
Mejor Canción
Bad Bunny, Chencho Corleone – «Me Porto Bonito»
Harry Styles – «As It Was»
Jack Harlow – «First Class»
Lizzo – «About Damn Time»
Nicki Minaj – «Super Freaky Girl»
ROSALÍA – «DESPECHÁ»
Mejor Vídeo
BLACKPINK – «Pink Venom»
Doja Cat – «Woman»
Harry Styles – «As It Was»
Kendrick Lamar – «The Heart Part 5»
Nicki Minaj – «Super Freaky Girl»
Taylor Swift – «All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)»
Mejor Colaboración
Bad Bunny, Chencho Corleone – «Me Porto Bonito»
David Guetta & Bebe Rexha – «I’m Good (Blue)»
DJ Khaled ft. Drake & Lil Baby – «STAYING ALIVE»
Megan Thee Stallion & Dua Lipa – «Sweetest Pie»
Post Malone ft. Doja Cat – «I Like You (A Happier Song)»
Shakira ft. Rauw Alejandro – «Te Felicito»
Tiësto & Ava Max – «The Motto»
Mejor Artista Español
Bad Gyal
Dani Fernández
Fito & Fitipaldis
Quevedo
ROSALÍA
Mejor Directo
Coldplay
Ed Sheeran
Harry Styles
Kendrick Lamar
Lady Gaga
The Weeknd
Mejor Artista Revelación
Baby Keem
Dove Cameron
GAYLE
SEVENTEEN
Stephen Sanchez
Tems
Mejor Pop
Billie Eilish
Doja Cat
Ed Sheeran
Harry Styles
Lizzo
Taylor Swift
Mejor Electrónica
Calvin Harris
David Guetta
DJ Snake
Marshmello
Swedish House Mafia
Tiësto
Mejor Rock
Foo Fighters
Liam Gallagher
Måneskin
Muse
Red Hot Chili Peppers
The Killers
Mejor Alternativo
Gorillaz
Imagine Dragons
Panic! At The Disco
Tame Impala
Twenty One Pilots
YUNGBLUD
Mejor Latino
Anitta
Bad Bunny
Becky G
J Balvin
ROSALÍA
Shakira
Mejor Hip Hop
Drake
Future
Jack Harlow
Kendrick Lamar
Lil Baby
Megan Thee Stallion
Nicki Minaj
Mejor R&B
Chlöe
Giveon
H.E.R.
Khalid
Summer Walker
SZA
Mejor K-pop
BLACKPINK
BTS
ITZY
LISA
SEVENTEEN
TWICE
Mejor Push
Nessa Barrett
SEVENTEEN
Mae Muller
GAYLE
Shenseea
Omar Apollo
Wet Leg
Muni Long
Doechii
Saucy Santana
Stephen Sanchez
JVKE
Mejores Fans
BLACKPINK
BTS
Harry Styles
Lady Gaga
Nicki Minaj
Taylor Swift
Mejor vídeo de larga duración
Foo Fighters – «Studio 666»
ROSALÍA – «MOTOMAMI (ROSALÍA TikTok LIVE Performance)»
Stormzy – «Mel Made Me Do It»
Taylor Hawkins Tribute concert, London’s Wembley Stadium
Taylor Swift – «All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)»
Mejor vídeo con mensaje positivo
Ed Sheeran – «2step (feat. Lil Baby)»
Kendrick Lamar – «The Heart Part 5»
Latto – «P*ssy»
Lizzo – «About Damn Time»
Sam Smith – «Unholy (feat. Kim Petras)»
Stromae – «Fils de joie»
The Cure tocaron anoche en Estocolmo y revelaron otro nuevo tema, ‘And Nothing Is Forever’. Esta canción es el tercer adelanto del próximo álbum de la mítica banda británica, ‘Songs Of A Lost World’, del cuál no se conocen más detalles por el momento. La semana pasada el grupo de Robert Smith ya mostró dos nuevas canciones en su concierto en Riga como parte de su gira europea. Estas fueron ‘Alone’ y ‘Endsong’.
En el concierto de ayer, los dos primeros adelantos volvieron a aparecer y ‘And Nothing Is Forever’ sonó a partir de la sexta canción del set. La nueva canción de The Cure es una balada de seis minutos a medio tiempo que incluye una hipnótica intro instrumental y que muestra a Smith cantando sobre el arrepentimiento en relación al paso del tiempo: «Promete que al final estarás conmigo/Di que estaremos juntos y sin arrepentimiento». Además, en su forma y tema recuerda a la canción ‘Pictures Of You’.
‘Songs Of A Lost World’ será el primer álbum de estudio de The Cure desde ‘4:13 Dream’, que vio la luz en 2008. Desde aquí también recordamos que la gira del grupo pasa por España. The Cure actuarán el 10 de noviembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 11 de noviembre en el WiZink Center de Madrid.
Este otoño se ha publicado el primer álbum de la cantante medio española medio portuguesa Rumia, residente en Berlín. ‘Forget Me Not’ ha venido precedido de una serie de singles bastante diversos. Unos parecen más influidos por la escena de cantautor áspero y polvoriento americano y otros por la escena trip-hop.
Lo mejor es el gran número de grandes canciones que esconde el disco. Curiosamente no son las más escuchadas, mérito que ha recaído en ‘Everything I Did, I Did It Just for You’, ‘Like a Pearl’ y últimamente ‘The Best Lines’. ‘Our Sofa’ es una de las más pop, una de las que justifica la influencia de Feist o Taylor Swift que aparece en su biografía oficial. Pero es ‘What a Show’ la que hoy seleccionamos como “Canción del Día”.
Perteneciente a su vertiente más ambiental, minimalista y electrónica, ‘What a Show’ parece preguntarse a qué edad llegará la felicidad. O al menos el momento en que nos aceptemos en todo nuestro error.
Rumia se sitúa en una edad diferente en cada una de las estrofas. “Solo tengo 19 años, estoy segura de lo que es amor”, dice en la primera antes de conocer la decepción. La segunda, a los “treinta y tantos”, cree “entender el viaje pero se siente como antes”. La tercera se sitúa a los 50 (en el vídeo es más bien a los 70), y continúa mostrando la misma desubicación: “Quizá a los 50 pueda encontrar algo de claridad, y llegue al punto en que pueda perdonarme por dejarte volver”.
La cantante explica: “Me inspiré en uno de mis primeros amores, una relación que tuve hace 10 años. Para mí, el proceso de escritura vino por sorpresa, no esperaba ir en esa dirección pero parecía que algo necesitaba ser visto desde una perspectiva más madura de mí misma y de la relación». Es por ello que ha explorado cómo se sentía cuando era adolescente y cómo esos sentimientos han madurado a lo largo de los años, al mismo tiempo que mira hacia adelante para tratar de averiguar cómo se puede sentir en el futuro.
Junto a ‘If I Ever See You Again’, una de las grabaciones más bonitas de ‘Forget Me Not’. Un disco que se complementa con rarezas como ‘A.M.’ más cercana a un entorno Kraftwerk, o con canciones más folk como la final ‘Simone’, ideal para seguidores de Beth Orton.
RTVE ha anunciado que finalmente será hoy, 25 de octubre, a las 22.05 horas, cuando revele los 18 artistas finalistas del Benidorm Fest (no serán 16 como se anunció en un principio). Será en un programa especial presentado por Inés Hernand que contará presumiblemente con la presencia de los artistas y grupos elegidos. En los últimos días, se han desatado todo tipo de rumores sobre la gente que se ha presentado (el último de Twitter es Bad Gyal), pero poca cosa ha podido ser confirmada por los artistas.
En todo caso, será RTVE quien tendrá la última palabra. ¿Habrá suerte con alguno de los 12 posibles candidatos que proponía nuestra redacción? Hace unas semanas RTVE anunciaba entre los casi 900 candidatos famosos, exactamente «más caras conocidas» que en la edición anterior, y viejas glorias de los 90 y los 2000, así como influencers con gran cantidad de «followers en TikTok».
En total se han recibido 876 candidaturas, de las cuales 455 han sido a través de web, 27 por correo electrónico y 394 de manera directa a través de las discográficas. El número de presentados se mantiene estable, pero sube el porcentaje de artistas que se presentan a través de sellos. Además, RTVE recalca que se han presentado aspirantes «de trayectoria y prestigio». También hay «cantantes provenientes de talent shows» e «incluso rostros eurovisivos de otras ediciones».
El comunicado de RTVE es para leerlo con cuidado: «es muy destacable la presencia de gente joven -grupos, solistas…-; artistas de la escena indie; grupos que triunfaron en los años 90 y los 2000; e incluso algún candidato que quiere repetir su experiencia del año pasado en Benidorm». ¿Quizá Gonzalo Hermida busca su oportunidad? Los artistas que se han presentado tienen entre 16 ay 76 años.
De todas estas casi 900 canciones, se elegirán 16 candidaturas que se presentarán por tanto el 27 de octubre. 8 se presentarán en una semifinal el 31 de enero y 8 el 2 de febrero. La final será el 4 de febrero.
mariagrep se pone «una tirita de colores» para que parezcan «mucho más leves todos sus dolores» en la canción principal de su primer EP ‘Detox’. La joven gallega residente en Madrid utiliza en ‘Tirita‘ un beat difícil de definir, que no es drum&bass ni UK garage, como también rehuye de toda etiqueta una generación Z, y antes lo hicieron otros artistas pioneros.
Los referentes de mariagrep van desde Olivia Rodrigo a Shygirl, pasando sin vergüenza por Nelly Furtado y Avril Lavigne. Cada canción parece comprometerse con lo diferente: cuando creías a causa de ‘Por eso’ que esto iba a ser un EP de emociones dolientes y ambientaciones chill a lo dani o Linda Mirada, aparecen las guitarras de ‘Parpadeando’, otra de sus canciones fundamentales.
Y ahí el rugir de las eléctricas es un poco más feroz que el de las producciones de Olivia Rodrigo. Estaría un poco más cerca de Best Coast, Weezer o Yawners. La letra de ‘Parpadeando’ es otro drama de lágrimas y cabreo («Cruzo la calle y ya está parpadeando / me apuro, pienso si me importaría morir»). Por suerte, la melodía y esa subida de medio tono final que ni Eurovisión en los años 90, aportan considerable dosis de humor.
Antes de que ‘La playa’ cierre el EP con una dulce propuesta de amor, tan directa como «Ven aquí, a esta playa / da igual que ya no haga calor / Te hago un huequito en la arena a mi lado / sabes que siempre cabremos los dos»; aparece otra de las producciones fundamentales del EP. mariagrep ha contado con otro artista igual de versátil, Ant Cosmos, para la única colabo de ‘Detox’.
‘Modo Superstar’ -entre el reggaetón y el trap, quién lo habría adivinado una pista antes- tiene el ritmo de un hit de Bad Gyal pero el dramatismo melódico de una composición de Yvng Beef. Toda la sensualidad que podría haber cabido aquí torna en desgracia: «Ya nunca voy a bailar como me viste ayer, para ti nunca más». Algo nos dice que no será el caso: que mariagrep es una de esas artistas que solo dan un paso atrás para ensayar dos hacia adelante.
blink-182 han anunciado una gira mundial que incluye dos paradas en España. En concreto, los autores de ‘All the Small Things’ actuarán el 3 de octubre en el WiZink Center de Madrid y el 4 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona. La preventa de entradas se habilitará el próximo 13 de octubre (de 2022), y la venta general se abrirá el 17 de octubre.
La gira de blink-182 reunirá en el escenario a sus tres integrantes originales, estos son, Tom DeLonge, Mark Hoppus y Travis Barker, por primera vez desde 2015. Fue ese año cuando DeLonge abandonó la formación. Le sustituyó Matt Skiba, guitarrista de Alkaline Trio, con el que blink-182 publicaron dos álbumes, ‘California’ en 2016 y ‘Nine’ en 2019.
El viernes 14 de octubre podrá escucharse ‘Edging’, un single que marca el regreso de Mark, Tom y Travis a los estudios de grabación más de una década después de su cambio de formación, y que anuncia la llegada del décimo álbum de la banda.
blink-182 se formaron a principios de los 90 por iniciativa de Tom y Mark. Más adelante se sumó Travis a la formación. ‘Enema of the State’, su disco de 1999, fue el primero de sus lanzamientos superventas, al que siguieron ‘Take Off Your Pants and Jacket’ en 2001 y ‘blink-182’ en 2003.
Conocidos por acercar el pop-punk a una generación masiva durante el cambio de milenio, blink-182 arrasaron gracias a canciones como ‘What’s My Age Again?’, ‘I Miss You’, ‘First Date’ o la previamente mencionada; hits que marcaron a una generación. En 2005 se dieron un descanso, en 2011 volvieron y, desde entonces, no han parado de tocar y grabar.
Esta semana se viene fuerte con algunos lanzamientos discográficos, entre los cuales se encuentra el nuevo trabajo de The 1975, que recibe el título de ‘Being Funny in a Foreign Language‘ y ha contado con un puñado de sencillos de adelanto, un total de cuatro.
The 1975 inauguraba su nueva era con la otoñal ‘Part of the Band‘ y después se sumergía en los años 70 con los ritmos disco de ‘Happiness’. A continuación presentaba el himno ‘I’m in Love with You’ y finalmente entregaba la bonita balada ‘All I Need to Hear’, en clave jazz-pop.
Hoy nos detenemos en el single más claro de todos. ‘I’m in Love with You’ es una de esas canciones de pop-rock explosivas y eufóricas de The 1975 que nos llevan a las radios pop de los años 80. Simple Minds o Tear for Fears podrían haber sido influencias.
En ‘I’m in Love with You’, Matt Healy narra sus dificultades para expresar precisamente esta frase a la persona amada. Dice que se lo lleva intentando decir mucho tiempo, pero que no encuentra la valentía, y que no puede dormir por culpa de esta circunstancia. Finalmente, Matt se lo comunica.
Sin embargo, el vídeo de ‘I’m in Love with You’ cuenta la misma historia desde otro punto de vista. Inspirado en el cine mudo, el adorable vídeo dirigido por Samuel Bradley plantea que los primeros meses de romanticismo pueden ser excitantes y maravillosos, pero que «todas las personas son decepcionantes cuando empiezas a conocerlas». Esta es la frase «escondida» que va apareciendo a lo largo del vídeo.
En el final del clip, Matt y su banda de bluegrass tocan ‘I’m in Love with You’ para la chica en cuestión. Cuando ambos se reúnen para darse un último beso, ella le muestra su «verdadera» cara y Matt queda visiblemente desencantado. Eso sí, la canción es pura dulzura.
Esta noche se ha cerrado el plazo para presentar canciones a Benidorm Fest 2023. Recordando el fenómeno protagonizado por la primera edición la pasada temporada, solo podemos adivinar que cientos de propuestas se habrán presentado, si no miles. Estamos además en octubre, mes en el que tradicionalmente pueden empezar a estrenarse las canciones que representarán a cada país. A partir de ahora, toda canción que se estrene, cumpliría las normas.
Desde JENESAISPOP lanzamos una serie de apuestas, entre el realismo y la fantasía, para el certamen. Y es que Benidorm Fest ha resultado no solo un camino para que España al fin gane Eurovisión -o al menos parezca que lo intenta-, sino una plataforma de promoción (ahí quedan los casos de Rigoberta Bandini y Varry Brava) y ante todo un gran espectáculo de entretenimiento. Veremos qué nos depara esta edición en cuyo jurado estará Nacho Cano -que sí, descubrió a Chanel, pero ha mostrado estar muy perdido en la dirección musical de ‘Malinche’– y habrá nueva dirección de RTVE.
Rodrigo Cuevas
El fenómeno Tanxugueiras puso sobre la mesa muchas cosas, entre otras, la variedad de nuestro folclore y las posibilidades que encierra. Muchos echamos de menos una puesta en escena más ambiciosa y también una producción más alternativa para ‘Terra’; en ese sentido el asturiano Rodrigo Cuevas sería una alternativa como performer. Contestatario, queer, divertido y con nuevo álbum en ciernes, garantizaría un nuevo revuelo mediático y una gran actuación, a todas luces.
Maria Arnal
Otra artista que ha unido folclore y electrónica, trabajando incluso con nombres internacionales como Holly Herndon, es Maria Arnal. La compañera profesional de Marcel Bagès tiene una voz preciosa (con o sin sus coristas habituales, puede llevar media decena según las normas), un directo apabullante y, lo mejor, cierta intención de ir a Eurovisión por inverosímil que parezca. Recientemente preguntó en Twitter si la gente quería que se presentara. Pues va a ser que sí queremos, sí…
Samantha Hudson
En 2022 nos hemos quedado a medio gas con Luna Ki como fenómeno viral. La imposibilidad de utilizar Autotune lastró su canción. Pero este año todos estamos más curtidos. Samantha Hudson es una propuesta necesaria en el camino a Eurovisión. La intérprete de ‘Por España’ no podrá desplegar su visión más política o crítica con la sociedad porque las normas del festival lo impiden. Por ahí, da un poco de miedo el juego a ser descalificados en el último momento por una salida de tono que vamos a sufrir, pero ganar no es todo, lo divertido es el camino, y el carisma de Samantha Hudson garantizaría un semestre tronchante hasta la llegada del festival en mayo.
Rakky Ripper
No seamos los últimos en llevar el hyperpop a Eurovisión, sino los primeros. La granadina Rakky Ripper, que cuenta con hitazos como ‘dónde stás?’, acaba de colaborar con Marta Sango en la synth-popera ‘La corriente’. Es decir, no solo sabe hacer producciones ariscas a lo SOPHIE o Arca como ‘ZIP’, sino también otras más accesibles. Y BREAKING NEWS, la propia Rakky Ripper ha anunciado en redes que se ha presentado a Benidorm Fest. ¡Vamos!
Lola Indigo
A juzgar por la aceptación de Chanel, que desplegó toreras y un abanico gigante en su presentación de ‘Slomo’, parece que tiene que haber un componente latino en la actuación de España para que Europa nos acepte. Aunque no soy muy partidario de repetir estrategia a la desesperada, porque cada año gana el festival algo diferente, solo nos queda fantasear con que nos represente una artista de gran perfil en ese sentido. Lola Indigo ha dicho que participaría más bien como autora, y tras la conclusión de que lo peor de Chanel era el tema que llevaba, no podemos rechazarlo.
Ptazeta, Villano Antillano
Las producciones internacionales de Bizarrap han sido número 1 mundial y como hispanoparlantes no podemos ignorarlo. No sabemos si el argentino estaría por la labor de representar a España, pero como a Rosalía no le vendría mal: la Europa continental y sobre todo Reino Unido son sus puntos flacos. Pero siempre podemos convencer a algunos de sus colaboradores. Entre mis favoritos (sorry, Quevedo), está la canaria Ptazeta, pero también la portorriqueña Villano Antillano sería una gran alternativa. Su mayor número de fans está en Madrid y además ambas tienen un dueto.
BULEGO
Tras todo lo sucedido con Tanxugueiras -para bien y para mal-, parece difícil que RTVE no seleccione canciones en lenguas co-oficiales de nuestro país. El gallego Baiuca, que precisamente ha colaborado con Rodrigo Cuevas, sería una opción obvia aunque muy digna. Buceando entre los nuevos artistas que están surgiendo en Euskadi, como Verde Prato o Mirua, quizá los exitosos BULEGO serían la opción más colorida. Sobre todo porque temas como ‘Pitzen ari Da’ pueden movilizar a algún seguidor del The Weeknd más ochentero.
Pau Vallvé
Con ‘Master of None‘ lo vimos claro: la sociedad estaba habituada a una serie con un personaje indio por aquello de la diversidad, ¿pero qué pasaría con una serie con un indio, una lesbiana negra, un taiwanés, etcétera? ¿Y qué pasaría con un Benidorm Fest con canciones en MÁS DE UNA LENGUA CO-OFICIAL? A Los Meconios les puede explotar la cabeza. Puede merecer la pena intentarlo, porque los talentos que descubrir son de lo más variado. Ahí está el estupendo EP que acaba de publicar el catalán Paul Vallvé, con una ‘Aquest cop sí’ que es pura euforia en sus 2 minutos de duración.
rusowsky, Ralphie Choo
Aunque llevar una modernidad parece que no puede dar resultados a España, y para muestra el fracaso de Barei cuando tanto se llevaba el piano house en Reino Unido, fantaseo con que un artista de música avanzada nos represente en Eurovisión. La idea de ampararnos en los toros hasta el siglo XXXVIII no es que sea muy alentadora. Además, jóvenes artistas como rusowsky y Ralphie Choo usan puntualmente riffs o beats inspirados en el folclore nacional, tanto como beats de UK garage, R&B o lo que se les eche por delante. Producciones cambiantes que ya llenan salas en nuestro país y empiezan a tener cierta proyección internacional: Ralphie Choo es este martes portada de Pitchfork.
Delaporte
Con un ojo puesto en las tendencias electrónicas, pero desde un punto de vista más comercial y asequible para toda la familia, está el caso de Delaporte. El dúo italoespañol no solo ha probado de sobra su capacidad para construir numerosos hits bailables, sino cierta capacidad analítica y estratégica, muy funcional y esencial para Eurovisión. Desde los tiempos de ‘Fama’ a la reedición de ‘Las montañas’ pasando por sus currados cortos, la carrera de Delaporte hacia el festival sería, seguro, de fondo.
Hoke
Una de las clarísimas revelaciones de la temporada en España es Hoke. Su disco junto a Louis Amoeba ronda el top 5 en España codeándose con Bad Bunny, Feid, Rosalía y C. Tangana, suponiendo una pequeña revelación dentro del hip-hop nacional, como hace tiempo que no se veía. Después de lo de Mäneskin, es evidente que no es ninguna tontería llevar propuestas diferentes al festival, no necesariamente ancladas en el rock.
Russian Red
Un capricho personal: desde que vi a The Common Linnets arrasar por Holanda (quedaron segundos, pero hicieron historia), no me quito de la cabeza cómo luciría en Eurovisión una actuación similar a la guitarra por parte de España. Por ejemplo de mano de Russian Red, que tiene voz para encandilar a toda Europa y va necesitando un comeback a lo grande, porque jamás debió irse a ningún lado. ¡Vuelve, Lourdes!
Animal Collective se han sumado a la lista de artistas que han cancelado sus giras por resultar económicamente insostenibles en el contexto post-covid. Entre ellos se encuentran también Santigold o Spelling, cuyas giras ya habían arrancado antes de cancelarse.
En los últimos meses, los autores de ‘Time Skiffs‘ han ido cancelando conciertos sueltos debido a que sus tres integrantes -Avey Tare, Panda Bear y Geologist; Deakin colabora esporádicamente- contraían la enfermedad, pero finalmente han tomado la difícil decisión de anular la totalidad de su gira por Reino Unido y Europa, que pasaba por Londres, París o Berlín en noviembre, pero no por España.
En un comunicado, Animal Collective narran que se han topado con una «montaña de obstáculos relacionados con la covid y la economía» que han hecho imposible llevar a cabo su gira. Cuentan que de los conciertos sale la mayor parte de los ingresos que les sostienen a ellos y a sus familias pero que, «entre la inflación, la devaluación de la moneda, los costes inflados de los envíos y el transporte, y otras muchas cosas, no hemos podido hacer un presupuesto con el que no perdiéramos dinero». Al observar una «realidad económica que no funciona y que no es sostenible», han decidido cancelar la gira y priorizar su salud física y mental. En el texto, Animal Collective agradecen a sus fans por el apoyo.
Recientemente, Santigold comunicaba también la cancelación de su gira en Estados Unidos y compartía una interesante reflexión sobre la precaria situación que viven los artistas medios actualmente dentro de la industria musical. La cantante aludía también a la inflación y a los riegos económicos que conlleva cancelar un solo concierto por culpa de la covid, y hablaba sobre las consecuencias psicológicas que esta situación le ha acarreado.
Silvia Pérez Cruz se ha hecho con el Premio Nacional de las Músicas Actuales, que concede el Ministerio de Cultura y Deporte. El premio recompensa con 30.000 euros a artistas que hayan llevado a cabo una labor destacada en este sector.
El jurado ha distinguido a Pérez Cruz por «la calidad creativa e interpretativa de su carrera», así como «por la naturalidad, la versatilidad y la audacia de sus propuestas», y ha destacado «su inquebrantable compromiso con la belleza».
A Pérez Cruz, la noticia le ha pillado grabando su nuevo disco. En una entrevista con TV1, la autora de ‘Farsa (género imposible)‘ ha contado que se vio obligada a paralizar la grabación durante una hora para hablar con el ministro, Miquel Iceta.
En Instagram ha expresado su agradecimiento: «Aún estoy en proceso de digestión, me ha superado un poco la noticia. Puedo decir que me siento muy agradecida y afortunada, soy muy consciente de la cantidad de personas de todas las edades y gustos que nos dedicamos a la música, la amamos, la cuidamos e intentamos que sea un lugar donde sentir amparo. Que este año se hayan fijado en mi trabajo, mi manera de querer la música y compartirla me hace sentir muy afortunada, siento como un abrazo gigante inesperado».
Autora de discos maravillosos como ‘11 de novembre‘ o ‘granada‘, Pérez Cruz es una de las mejores voces de su generación, y su arte, ubicado a medio camino entre el flamenco y el jazz, no solo se ha ceñido al estudio de grabación, sino que se ha cruzado con campos como el teatro, la danza o el cine.
Rex Orange County ha sido acusado de acosar sexualmente a una mujer hasta en seis ocasiones diferentes. El tabloide The Sun ha dado la exclusiva y, en las últimas horas, el propio Alex O’Connor se ha presentado en un tribunal de Londres para negar las alegaciones. El músico se encuentra en libertad provisional e irá a juicio el próximo 3 de enero.
Según la acusación, O’Connor acosó sexualmente a una mujer en Londres entre los días 1 y 2 de junio de 2022. Se presume que la mujer cuenta «poco más de 16 años» y, por lo tanto, es menor de edad. Supuestamente, el músico acosó a la mujer dos veces en la zona de West End, después una vez en un taxi, y después otras tres veces en la casa de él, ubicada en Notting Hill.
Un representante de Rex Orange County ha declarado que «Alex está impactado por las alegaciones, las cuales niega, y que espera con ganas limpiar su nombre en el juicio». El músico «actualmente no puede realizar declaraciones debido a los procedimientos legales que están en curso».
El pasado mes de julio, el autor de ‘WHO CARES?‘ canceló varias fechas de su gira «debido a circunstancias personales imprevistas» que le obligaban a volver a casa.
Rex Orange County es uno de los mayores iconos del bedroom-pop por canciones como ‘Loving is Easy’, ‘Corduroy Dreams’ o ‘Best Friend’. Ha colaborado con Tyler, the Creator o Randy Newman y cuenta con cerca de 22 millones de oyentes en Spotify. Su último single, ‘THREAT’, vio la luz en agosto.
Alan Moore, el reputado escritor de cómics conocido por obras tan icónicas como ‘Watchmen’ o ‘V de Vendetta’, ha declarado en una entrevista con The Guardian que el boom por las películas de superhéroes ha provocado un auge del fascismo. En dicha entrevista, el escritor argumentaba que las «realidades simplificadas» de las películas de Marvel o DC podrían resultar peligrosas.
En 2020, Moore ya criticó este tipo de películas cuando dijo que estas habían «arruinado el cine y, en cierta medida, la cultura». Sin embargo, en la entrevista al prestigioso medio británico Moore revela que sus preocupaciones le atormentaban desde mucho antes: «Ya dije en 2011 que si millones de adultos hiciesen cola para ver películas de Batman, eso tendría serias y preocupantes implicaciones para el futuro». El escritor británico explicó esto centrándose en la infantilización que viene con el género: «Ese ansia por unos tiempos simplificados, unas realidades simplificadas, eso muy a menudo puede ser un precursor del fascismo». Además, complementó su argumento alegando que cuando Donald Trump fue elegido como presidente, las películas de superhéroes dominaban las taquillas.
«Cientos de miles de adultos están haciendo cola para ver personajes y situaciones que han sido creadas hace 50 años para entretener a chicos de 12 años, y siempre chicos. Nunca pensé que los superhéroes fuesen para adultos», continuaba el escritor de ‘From Hell’. Moore exploró él mismo el tema de los superhéroes en cómics como ‘Batman: The Killing Joke’ y, por supuesto, su gran obra maestra ‘Watchmen’. Por esto mismo, Alan Moore siente que tiene parte de la culpa en la popularidad que han experimentado los superhéroes en las dos últimas décadas: «Creo que esto es un malentendido nacido de lo que pasó en los 80s, por lo cual debo asumir una parte considerable de la culpa, aunque no fue intencional. Cuando empezaron a aparecer cosas como ‘Watchmen’ había demasiados titulares diciendo «Los cómics han crecido»».
El autor deja claro a The Guardian que él no comparte la idea de estos titulares y que aunque hubiese «algunos títulos más adultos», la mayoría de los cómics «eran prácticamente lo mismo que habían sido siempre». En el resto de la entrevista, Alan Moore también comparte sus pensamientos sobre la magia y sobre por qué no volverá a escribir nunca otra novela gráfica.
El Top 5 de la lista de singles española sigue siendo el mismo que la semana anterior, con Quevedo dominando en los puestos 1, 2 y 5 con ‘Quédate’, ‘Vista Al Mar’ y ‘Sin Señal’, respectivamente. ‘La bachata’ de Manuel Turizo (puesto 3) y ‘DESPECHÁ’ de Rosalía (puesto 4) completan el resto de los cinco singles más escuchados de la semana.
En cuanto a las novedades de la lista, la entrada más fuerte de la semana es para Wisin y Yandel y su revisión de la clásica ‘Besos Moja2’ con Rosalía, la cual ha debutado en el 6º puesto del ranking, habiendo sido lanzada originalmente en 2009.
Mora lleva otro nuevo tema de reggaetón a la lista, ‘CALENTÓN’, que ha debutado en el número 21. Por otro lado, Munic HB ha conseguido esta semana su primera aparición en la lista de éxitos con ‘Pico y Pala’, un tema de trap melódico en el que el joven artista catalán de 19 años recuerda en su flow a artistas como Denzel Curry o Roddy Ricch. Llega al 41.
Acercándonos al final del ranking, entran Anuel AA con ‘La 2blea’ (puesto 91) y One Republic con ‘I Ain’t Worried’ (puesto 99).
La semana pasada ‘BABY OTAKU’, del DJ y productor chileno Pablo Pesadilla junto a Polimá Westcoast, Nickoog Clk y Fran C, entraba por primera vez en la clasificación, en el puesto 56. Esta semana, protagoniza el incremento en escuchas más grande de la semana, lo cual ha provocado que ‘BABY OTAKU’ pase del puesto 56 al 30.
Vega Almohalla publica este mes, en concreto el 28 de octubre, su esperado disco de debut. Como recordarás, tras convertir en sendos virales ‘Te miro’ y ‘París’ junto a Zazo & Gxurmet, la cantante debutó en solitario con un tema llamado ‘En el aire’ que sonó en medio mundo tras tener cierto protagonismo en ‘Élite’. Las 3 canciones mencionadas superan los 10 millones de streamings o lo harán eventualmente.
‘En el aire’ ocupa un lugar en la secuencia del disco de Vega Almohalla, que recibe el nombre de ‘Amapola’. También está en el álbum el tema ‘La niña de la Amapola’, dado a conocer en 2020. Pero actualmente Vega Almohalla está concentrada en la promoción de 3 nuevos singles.
Se trata de la contagiosa ‘Troleo’, un R&B en Spanglish con cierta querencia por las producciones de Solange y Blood Orange; también de la balada electrónica ‘Los fieles’ -entre el trip hop y la tradición española- y la medio bailable -siempre dentro de los parámetros del R&B- ‘Sabiendo que mata’. Ella se declara tan fan de Sabina como de Bad Bunny, pero definitivamente es ese aire en la producción a James Blake lo que define su música.
Cuentan desde su sello Mushroom Pillow que ‘Amapola’ es un álbum sobre “una relación en la que se toleran ciertas actitudes, con la mujer como clara perdedora”. El buen acabado de la producción y mezcla se debe a un equipo francés de primer nivel: Twenty9 (Yseult, Zikxo, etc), Stan Neff (Polo and Pan, Christine and the Queens) y Chab (Daft Punk).
Habíamos adivinado que Liam Gallagher iba a tratar de convertir ‘Too Good for Giving Up’ en un single navideño de éxito en Reino Unido, pero no esto. Con motivo del Día Internacional de la Salud Mental, el ex ¿líder? de Oasis presenta un nuevo vídeo para esta canción.
En el videoclip, en blanco y negro, una persona trata de superar sus taras ayudada por varias personas, camino a la expresión de sus emociones. Sencillo pero bonito, el videoclip está asociado a la institución por la salud mental Talk Club, dedicada exclusivamente a hombres.
Liam Gallagher, adicto a los beefs continuos en los 90 a través del NME, en nuestros tiempos a través de Twitter, ha tenido unas preciosas palabras sobre el suicidio: “Todos conocemos a alguien afectado por un suicidio, que tristemente parece en máximos históricos. He perdido a muchas personas demasiado pronto y es importante hablar. Estoy encantado de ser capaz de ayudar de la manera que sea con esta canción y mi asociación a Talk Club”.
Exactamente todos los beneficios obtenidos por esta canción durante los próximos 6 meses serán donados a Talk Club. El 13 de octubre Liam hablará de todo esto en el Twitter de Talk Club, a las 11 de la mañana, hora local.
El tema ‘Too Good for Giving Up’ pertenece a ‘C’mon, You Know’, el nuevo disco de Liam Gallagher, que ha sido número 1 en las listas británicas con cifras espectaculares, pero durando luego tan sólo 5 semanas en el top 100. Veremos si este single es el camino para reencauzar su trayectoria.
