La serie animada de Kid Cudi para Netflix, ‘Entergalactic’, ya casi está aquí. En el último adelanto de la serie por fin se revela la fecha de lanzamiento, el 30 de septiembre.
Desde que se anunció en 2019, los fans de Kid Cudi, también conocido como Scott Mescudi, llevan esperando más noticias sobre este proyecto, y sobre el disco que formará parte de la banda sonora de la serie, también titulado ‘Entergalactic’. En cuanto a esto último, ya sabemos que el álbum también se lanzará el 30 de septiembre, a la par que la serie, y ya podemos escuchar el primer adelanto, ‘Do What I Want’, producido por Take A Daytrip.
‘Entergalactic’ está co-creada por Scott Mescudi y Kenya Barris, el creador de ‘Black-ish’. La trama girará entorno a la vida de dos jóvenes músicos, presumiblemente los personajes de Kid Cudi y Jessica Williams, que intentan equilibrar el amor con el éxito en la ciudad de Nueva York. El resto del reparto está formado, entre otros, por Timothée Chalamet, Vanessa Hudgens y Macaulay Culkin. Además, los artistas Ty Dolla $ign, Jaden Smith, 070 Shake y Teyana Taylor también formarán parte de este casting estelar.
Anunciando el teaser en su cuenta de Instagram, Cudi se ha referido a este proyecto como su «mayor logro» y lo ha descrito como una serie que «te hará enamorarte otra vez».
La cantante irlandesa afincada en Berlín Wallis Bird llega a su 7º disco recordando el incidente que cambió su vida cuando solo era una niña. Su nuevo álbum se llama ‘Hands’ y tiene el subtítulo de «9 canciones y media» en referencia a los «9 dedos y medio» que pueblan sus «manos». Así se refiere al día en que un cortacésped se llevó su mano por delante. Pudieron volverle a coser todos los dedos de esa mano menos uno, lo que le ha llevado a tocar la guitarra para diestros pero al revés, pues es zurda.
Todo esto ya lo sabíamos y no es nada nuevo. El lema de ‘Hands’ «9 canciones y media para 9 dedos y medio» que hasta aparece ya en su portada de Spotify realmente es lo menos substancioso de este lanzamiento. Para empezar, porque la que considera «media canción», la última, dividida en 3 partes y extendiéndose hasta los 5 minutos, es una de las más destacadas. Y para terminar, porque lo más rico que nos ofrece ‘Hands’ es su visión de futuro, de esperanza, que decide sacudirse de los hombros la era Trump (‘The Power of a Word’) y la pandemia (‘I’ll Never Hide My Love Away’), para buscar tiempos mejores.
Es habitual que nuestro lema ante adversidades como las que nos preocupan hoy en día en el mundo sea alguna generalidad tipo «disfruta del momento». Sin embargo, en la amable y optimista ‘Go’, que ejerce de track 1, Wallis Bird nos recuerda que para empezar a vivir no vale con concentrarse en el presente, sino luchar por el futuro: «nunca avanzaré si me quedo en el presente, pues así nunca haré aquello con lo que soñé».
El tema clave de esta era, ‘What’s Wrong With Changing?‘, que ella misma presenta como una canción hermana de ‘As The River Flows’, es una producción convulsa y contestataria que recuerda avances en Irlanda tan importantes como el matrimonio gay o el aborto. Su propio ritmo demanda acción, al igual que la electrónica ‘Aquarius’ con su «quiero el derecho a vivir, quiero el derecho a morir, quiero elegir mi elección».
Después, ‘Hands’ es un disco variado que recoge lo sembrado durante la larga carrera de Wallis Bird, con canciones más «irlandesas», donde podemos encontrar el tema inspirado en su amigo Sam Vance-Law, con quien pasó el núcleo duro de la pandemia, y quien toca el violín al final del susodicho ‘I’ll Never Hide My Love Away’. Y luego otros más «berlineses» como ese ‘F.K.K. (No Pants Dance)’ que disocia la desnudez del sexo a través de la contemplación de sus vecinos semidesnudos, unos de cintura para arriba y otros de cintura para abajo.
Entre canciones de amor, como ‘The Dive’ para su pareja Tracey cuando esta decidió tirarse desde un trampolín de 10 metros de altura como símbolo del afianzamiento de su relación; otras personales como ‘I Lose Myself Completely’ sobre la adicción al alcohol; y otras menos inspiradas como paradójicamente ‘DreamWriting’; ‘Hands nos va llevando hacia el final de ‘Pretty Lies’.
La canción dividida en 3 va mutando de unos arreglos y armonías tipo Laura Mvula hacia la experimentación con la percusión y los sintetizadores, como metáfora del mensaje abierto al cambio que ha ido apareciendo a lo largo del disco. «Ha sido un año muy difícil, no podía esperar a que terminara y ha abierto mis brazos a muchísimos cambios», asegura. Si ‘Change‘ no hubiera sido el single principal de ‘Home’ (2016), este álbum bien podría haberse llamado ‘Ch-ch-ch-changes‘.
Billie Eilish sigue de gira con ‘Happier than Ever‘ y esta semana ha actuado en Manchester. En la ciudad inglesa, la cantante ha estrenado una canción nueva acompañada a la guitarra de su hermano y productor FINNEAS. ‘TV’ podría formar parte del tercer álbum de Eilish, en el que la artista ya ha «comenzado a pensar», según contaba recientemente a Ellen DeGeneres.
‘TV’ es una balada acústica en el estilo de ‘Your Power‘ o ‘Male Fantasy’. Al menos es el sonido que ofrece esta versión primigenia de la canción que, de momento, solo se puede escuchar mediante vídeos subidos a las redes sociales. Sin embargo, la noticia que deja ‘TV’ es que cita varias noticias de actualidad. Se nota que Eilish la escribió hace apenas unos días, como ella misma ha declarado.
Como inquieta por algunas de las noticias relevantes que se han ido sucediendo en los últimos días, ‘TV’ alterna momentos personales ultra emo con otros de puro comentario social y político. Frases como «intentaré no matarme de hambre solo porque estás enfadado conmigo» o «todos mis amigos ya no están, no me llevo bien con nadie, quizá yo soy el problema» conviven con otras que citan, de manera directa o indirecta, el juicio de Johnny Depp y Amber Heard («internet se ha vuelto loco siguiendo juicios de celebridades») o el intento de derrocar la ley del aborto que ha llevado a las calles a buena parte de la población estadounidense.
Por otro lado, ‘TV’ es una canción que habla de la fama desde dentro y desde fuera. Billie Eilish se ve dentro del televisor, pero también es ella quien lo enciende para ver a los concursantes de ‘Supervivientes’ «sufrir». Una reflexión sobre la adicción a los realities y a la tecnología con la que los seres humanos intentamos paliar nuestros propios sufrimientos.
Billie seguirá de gira hasta septiembre, sin pasar por España, pero sí por otros países europeos como Bélgica o Alemania, hasta que el tour concluya en Australia. La cantante acaba de ganar un Oscar por su canción para ‘James Bond’, ‘No Time to Die’.
Bizarrap publica nueva sesión, esta vez de la mano de Villano Antillano. La «session n. 53» se ha situado rápidamente en el número 1 de vídeos más vistos de Youtube España, como ocurre con cada uno de los lanzamientos del productor argentino.
Villano Antillano es una rapera trans no binaria de Puerto Rico que lleva varios singles publicados a sus espaldas. En ‘Veo veo’, ‘Pájara’ o ‘Muñeca’, Villano utiliza los ritmos del trap y las rimas del rap para empoderarse y desafiar el machismo, la misoginia y la transfobia que aún sufre buena parte de la población del Caribe.
Nacida en Bayamón, la artista da que hablar también con algunas de sus «tiraeras». Especialmente comentada es ‘Pato hasta la muerte‘, su respuesta a ‘Intocable’ de Anuel AA, por cuya letra machista y homófoba Anuel llega a pedir disculpas. «Hablando mierda de clavarse patos, mamabicho tú no duras un día en nuestros zapatos» es una de las líneas que le dedica.
Villano crece escuchando a Missy Elliott y admirando a Nicki Minaj, lo cual se percibe en su ágil flow y destreza para las rimas. En una entrevista con Shangay asegura que la serie ‘La Veneno’ le ha cambiado la vida. Digamos que Bizarrap ya tardaba en colaborar con ella. Ha esperado al mes del Orgullo, pero lo ha hecho y la plataforma que proporcionará a la boricua es gigante.
En la sesión, Villano se queda a gusto rapeando sobre una base de electro-house parecida a la escuchada en su colaboración con Ptazeta. «La malabarista, soy una tenista / Una puta atómica, soy una terrorista» es una de las rimas que deja, mientras Villano se proclama «vampiresa» y «sanguinaria» o hace precisamente «malabares» con palabras extraídas del francés o referencias a las Bratz o a Rachel de ‘Friends’.
Continúan las bajas de Primavera Sound, al fin y al cabo un festival con cientos y cientos de artistas confirmados que deben viajar desde diferentes países, cuando el covid aún acecha. Es el caso de Clairo. Uno de los integrantes de su banda ha contraído covid y la artista se ha visto obligada a cancelar su presentación de ‘Sling’ en el festival barcelonés.
Otra artista que ha enfermado y ya no podrá viajar a Barcelona para actuar en Barcelona es Holly Humberstone. La autora de ‘Scarlett’ ha comunicado que ha contraído gripe durante la gira que estos días se encuentra realizando y que necesita un par de días para reposar y recuperar su voz.
Más bajas que comunica el Primavera son las de Bleachers, el grupo de Jack Antonoff, y Tainy, artista y productor de Bad Bunny. Todas ellas se suman a caídas tan dolorosas como las de The Strokes el pasado fin de semana (tocan este viernes) o Massive Attack, así como a las de artistas tan esperadas como Bikini Kill o girl in red, que tampoco han podido actuar por motivos de agenda o de salud.
Por suerte, Primavera no solo comunica bajas, también incorporaciones. El cartel da la bienvenida a Mura Masa, que presenta disco; Hurray for the Riff Raff, que acaba de publicar el aclamado ‘LIFE ON EARTH’, Chet Faker y el catalán Ferran Palau.
Hoy jueves arranca el segundo fin de semana de Primavera Sound con esperadas actuaciones de Dua Lipa, Big Thief o Slowidve, y entre el viernes y el sábado será el turno de subirse al escenario de artistas como M.I.A., The Smile o Lorde. Aquí proponemos una fácil guía para ubicarse en la laberíntica programación del festival.
Lava La Rue es el proyecto de Ava Laurel, artista no binarix de ascendencia jamaicana. Criadx en Londres, por unos padres que se conocieron en una rave, ha formado un colectivo de artistas DIY llamado NiNE8, con inquietudes como la música underground, la migración, la política y la comunidad LGTB+.
En las entrevistas, Lava La Rue critica a Boris Johnson por tuitear una cosa con motivo del Orgullo pero luego no apoyar las políticas queer, y también por ejemplo los garitos que van de enrollados y modernos con música jamaicana pero después aplican una política racista en sus puertas.
En 2019 publicaba la mixtape ‘Stitches’, donde ya destacaban temas como «TLSL«, y después vino el EP ‘Butter-Fly’ en 2021. El R&B, la psicodelia y el hip hop se encontraban en temas con el gancho de ‘Magpie‘, donde proclamaba «Londres, libérame». En este EP quería mostrar «lo que la música queer podía llegar a ser». Su trabajo la ha llevado a codearse con gente como Tyler the Creator y Christine and the Queens, y a dirigir un vídeo para Wet Leg.
Este año ha sacado el himno queer ‘Vest & Boxers‘ y su nuevo proyecto se llama ‘HI-FIDELITY’, un EP de 5 canciones que tiene anunciado para el próximo 29 de julio. Esta semana nos ha presentado la composición titular: nuestra «Canción del Día» hoy.
Si en su EP anterior Lava La Rue colaboraba con Deb Never en ‘Angel’, de momento su mayor hit; este nuevo tema es una colaboración con Biig Piig. Su máxima es «nunca dejar de ser fan» y «no tener miedo de ser nerd porque siempre te va a beneficiar». También está entre sus intereses específicos mezclar la música alternativa con el hip hop y de ahí el sonido vaporoso a la par que el ritmo de este ‘HI-FIDELITY’. Una canción de melodía sensual, recostada sobre sintetizadores de algodón, en la que Biig Piig, miembro del colectivo NiNE8, aporta un estupendo puente en el que promete que va a hacer «que las nubes se muevan» y «robar la luna por ti».
Pixies anuncian disco y estrenan single, a tiempo de su inminente gira, que les traerá a Mad Cool. El octavo álbum del grupo, que sucede a ‘Beneath the Eyrie‘, se llama ‘Doggerel’ y se publicará el 30 de septiembre de 2022 con BMG. El single se llama ‘There’s A Moon On’ y es un pegadizo tema de 3 minutos de duración, perteneciente a su faceta más directa.
El guitarrista Joey Santiago dice sobre el tema: “Esta vez hemos crecido. Ya no tenemos canciones de menos de dos minutos. Tenemos pequeños descansos, arreglos más convencionales, pero aun así nuestra marca está ahí”. El vocalista y guitarrista Black Francis agrega: “Estamos tratando de hacer cosas que son muy grandes, curradas y orquestadas. Me gusta mucho tocar punk, pero no puedes crear punk artificialmente. Hay otra manera de hacer esto, hay otras cosas que podemos hacer con esta energía extra especial que estamos encontrando, en esto estamos”.
En cuanto al álbum, Black Francis se presentó en el estudio con 40 canciones preparadas y las trabajó junto al resto de la banda: Santiago por primera vez tiene créditos en 2 de los temas. Su sello avanza más pistas: «Será rock brutal, pop de salón y además folk irreverente. Como siempre, cuentos con fantasmas, fuerzas cósmicas o imaginar una vida futura digital y sin un Dios detrás. Y mientras tanto, allí mismo en las noticias, se acerca otra tormenta lejana». BMG define ‘Haunted House’ como «una mezcla enérgica de Pop de los 50 con miedos tanto literales como metafóricos», compara ‘Vault of Heaven’ con «Rock desértico a lo Morricone» y define ‘Pagan Man’ como «una alegre melodía de folk-rock».
El arranque del disco será «con la intensidad y el surrealismo de ‘Nomatterday’ y asegura que ‘Dregs of the Wine’ está influida por The Who. «Seguramente será la primera y última canción de Pixies en nombrar a Van Halen», bromea la compañía.
El tracklist del álbum queda como sigue:
01.Nomatterday
02.Vault of Heaven
03.Dregs of the Wine
04.Haunted House
05.Get Simulated
06.The Lord Has Come Back Today
07.Thunder and Lightning
08.There’s A Moon On
09.Pagan Man
10. Who’s More Sorry Now?
11.You’re Such A Sadducee
12.Doggerel
Tras tres años sin pisar España, Karol G actuará en el Diversity València Festival en un show único y exclusivo para toda Europa. El concierto tendrá lugar en la jornada del sábado 23 de julio, en la que también actuarán Black Eyed Peas, H.E.R., Don Diablo, LP, Rag’n’Bone Man, Cupido, Jimena Amarillo y más.
El último hit de Karol G, ‘PROVENZA’, era esta semana Nº1 en el Top Mundial de vídeos musicales. Karol G ha reemplazado con este single su propio récord en la lista Billboard Hot Latin Songs ocupando, simultáneamente, los dos primeros puestos de la misma.
El Diversity Valencia Festival posee un cartel que da la vuelta al mundo, con más de 50 actuaciones musicales y 3 shows exclusivos; con artistas entre los que figuran Måneskin, Christina Aguilera, Iggy Pop, Armin van Buuren, Black Eyed Peas, H.E.R., Martin Garrix, Nicki Nicole y Ozuna. El festival tendrá lugar del 21 al 23 de julio en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.
El cantautor Cass McCombs ha anunciado hoy el lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Heartmind’, para el 19 de agosto. Es el primer disco de McCombs en tres años, tras ‘Tip of the Sphere’ en 2019. ‘Mangy Love’, de 2016, y ‘Big Wheel And Others’, de 2013, son otros dos de sus discos más importantes.
‘Heartmind’ está producido por el propio Cass McCombs, junto con Shahzad Ismaily, Buddy Ross y Ariel Rechtshaid. El LP incluirá un total de ocho canciones, incluyendo los dos últimos singles. La melancólica ‘Belong To Heaven’, y la que tiene el día de hoy como fecha de salida, ‘Unproud Warrior’, con la colaboración de Wynonna Judd y Charlie Burnham.
Tracklist de Heartmind:
1. Music Is Blue
2. Karaoke
3. New Earth
4. Unproud Warrior
5. Krakatau
6. A Blue, Blue Band
7. Belong to Heaven
8. Heartmind
Extraño el cambio de Tove Styrke. La sueca hizo las mieles de la crítica especializada con un tercer disco, ‘Sway’, que era una colección de canciones de pop estupendas y un dechado de excelentes ideas a nivel de producción. Un disco tan adictivo, tan juguetón, que hacía tantas cosquillas a los oídos y a la vez contenía canciones tan redondas como ‘Say My Name’, ‘On the Low’ o la misma ‘Sway’, de emocionante videoclip, merecía una continuación que asentara el nombre de Tove en la industria. ¿Es el caso? Más o menos.
El regreso de Tove decepcionaba en ‘Mood Swings‘, canción que finalmente no se incluye en su cuarto álbum oficial, ‘HARD’. La sueca optaba por un trap-pop basicote que realmente no ha tenido ninguna repercusión en su carrera. El single siguiente era mucho mejor: ‘Start Walking‘ es una de sus mejores grabaciones. También es el enésimo remedo de ‘Blinding Lights’. Uno de los más atinados, eso sí.
La sensación de anonimato se confirma en el repertorio de ‘HARD’. No es un problema exactamente nuevo: en ‘Kiddo‘ ya asomaban muy claramente influencias de M.I.A., Robyn o Santigold. Sin embargo, el disco aún contenía producciones tan atrevidas y excitantes como ‘Ain’t Got No’, ‘Ego’ o ‘Number One’. Realmente sigue siendo un álbum de referencia en su discografía, algo a lo que ‘HARD’ parece no aspirar. Opta más bien por un sonido conformista, comercial y nostálgico que funciona, pero no sorprende.
‘YouYouYou‘, el tema de apertura, es otro single muy apañado, melódicamente espectacular, dedicado a un amor al que Tove no puede olvidar, y en el que los sintetizadores hacen pensar en los 80 de las hombreras y el pelo cardado. Más atrás en el tiempo viaja la súplica de ‘Show Me Love’ con su formato de torch song de los años 50. Es otra canción melódicamente muy conseguida que, además, pervierte la idea de la canción romántica en la que se inspira con frases como «susúrrame tus fetiches / mátame con tu ternura». ‘Bruises’, la pista final, es la más guitarrera y noventera. Para bien.
Después, ‘HARD’ tiene sus más y sus menos. El disco se llama así porque amar es duro, pero no es que sus producciones contengan demasiados dientes. ‘Lies’ propone un estilo de blues-rock-pop con poca marca y es la pista 2. En un estilo parecido, ‘Free’ aspira a himno góspel-pop pero se queda en el intento. Y tanto el afrobeat de ’24h’ como el blues de ‘Hardcore’ funcionarían en voces más aptas para registros tan altos y salvajes. La primera Björk los habría hecho funcionar, pero Tove resulta estridente. Apenas la cuca ‘Millenial Blues’, con sus referencias a la depresión y al año 1992, se acerca a la imaginación del disco anterior. Uno que se echa mucho de menos escuchando este disco.
El dúo de hip-hop formado por Swae Lee y Slim Jxmmi regresa con ‘Denial’, su primer lanzamiento en cuatro años. Para acompañar las vibras veraniegas de la canción, Rae Sremmurd han presentado también un videoclip ambientado en las playas y calles de Río de Janeiro. Lo último que escuchamos de ellos fue en la víspera navideña de 2018, con los singles ‘Christmas At Swae’s’ y ‘Nothing For Christmas’.
La salida de ‘Denial’ fue anunciada el 6 de junio y marca el comienzo del rollout para el cuarto álbum de los hermanos Shaman Brown, presuntamente titulado ‘SREMM4LIFE’, y que por el momento no tiene fecha ni portada.
El grupo tiene un historial un tanto infame en lo que respecta al anuncio de discos, ya que en octubre de 2020 ya anunciaron la salida próxima de su cuarto LP, sin llegar nunca a materializarse. Pero, esta vez parece ser diferente. ‘SREMM 4 CARGANDO’ es el mensaje que se puede leer en la biografía de Twitter de Rae Sremmurd, anticipando la inminente salida del proyecto. Adicionalmente, los hermanos han estado tentando a la audiencia mediante la publicación en redes de imágenes con el número 4 en llamas. A esta estrategia también se ha sumado el reputado productor Mike WiLL Made-It, quien ha compartido y designado como foto de perfil en redes una versión alternativa del número 4, también envuelto en fuego.
Más de media vida yendo a festivales y últimamente parece que lo único que repito es esta frase. ¿Me he quedado tonta? ¿Me está afectando el txacolí? ¿Quiero ser vasca? ¿O es que el Bilbao BBK Live es una de las propuestas más interesantes de los festivales nacionales de estos tiempos?
El BBK, festival del que JENESAISPOP es medio oficial, no es solo ese cabeza de cartel que puede que lleves años (o toda una vida) queriendo ver en directo, tampoco sus siete escenarios o el fresquito de la noche bilbaína. Lo que se vive en Kobetamendi (parque natural que acoge el evento) y lo que rodea al propio festival vale la pena una y cien veces incluso cuando algún año el cartel haya flojeado. También cuando llueve y acabas embarrado ante el escenario principal. Allí está Bilbao que te acoge, te alimenta y te agota lo justo para que año tras año quieras volver.
No es el festival que cuente con más veteranía (arrancó en 2006) pero ha evolucionado adaptándose a una demanda real de música en directo en la que se mezclan estilos actuales y el pop-rock de siempre, bandas internacionales y nacionales, artistas con solera y noveles, además de una propuesta de música electrónica que lo convierte en puro caramelo. Se han ido añadiendo espacios que completan la oferta como Lasai (música tranquila con vistas increíbles a la ciudad) o Basoa (el bosque de la electrónica) donde lo mismo puedes bailar dubstep al caer la tarde o desfogarte con tecno hasta el cierre.
En realidad el BBK no ha cambiado tanto como algunos creen. ¿Sabíais que en su primera edición actuaron The Cardigans? Y también Placebo (que vuelven este año, por cierto). Y en todo este tiempo han sabido cuidar su marca, sus instalaciones y la decoración (que quien quiera fotos cuquis las tendrá también), sin parecer una franquicia festivalera más, integrando todos estos elementos en el parque natural y manteniendo su identidad. Los escenarios principales jamás se solapan y eso ayuda a no volverse muy loco con eso de “me pierdo la mitad de lo que quiero ver”. Los escenarios pequeños nos acercan a grupos más modestos o a propuestas más íntimas y la carpa siempre se convierte en una fiesta (o en resguardo cuando acecha el xirimiri). Además durante el día hay conciertos en varios puntos de Bilbao que amenizan la hora del vermú y al ser abiertos para todo el público hacen que cualquiera pueda formar parte del ambiente festivo que toma esos días la ciudad. Tom Hagen
Mucha gente elige alojarse en el camping, del que he oído historias divertidísimas y que “no es tan chungo como los de otros festivales”. Aunque el alojamiento en la ciudad puede ser un problema. La alta demanda de apartamentos y hoteles eleva los precios sobremanera y de un tiempo a esta parte hay que estar preparado para este desembolso. Aunque lo más importante para elegir alojamiento tras el precio sería la zona. Si tiene metro cerca, aunque esté alejado de los puntos de llegada de las lanzaderas (San Mamés y BEC) puede ser un punto a favor, ya que Bilbao dispone de metro nocturno los fines de semana (tras la pandemia se ha ido restaurando este servicio para viernes, sábados y vísperas de festivos). Además, el servicio de taxis en la ciudad funciona bastante bien y aunque a ciertas horas toque hacer cola suele ser bastante fluido.
Sea donde sea que tengas tu lecho esos días, si se tiene tiempo, no dejéis de pasear por Bilbao y la Ría. Visitar el mercado de la Ribera y recrearse en sus puestos de gildas. La vermutería Promenade en Abando viene muy a mano tras los conciertos de Gran Vía (Sala BBK), vermús variados que te preparan al gusto. Y de ahí lo suyo es hacer una visita a la tienda de vinilos Power Records en el mismo Abando, y si nos quedamos con ganas de más tenemos Flamingo Records, cruzando la Ría, en la calle Esperanza.
Se puede visitar el Guggenheim o el museo de Bellas Artes, ir de pintxos por el Casco Viejo o perderte por otros barrios y descubrir comercios y restaurantes increíbles, con suerte no tan concurridos como en el centro. Comer bien es fácil en Bilbao y fundamental para aguantar el festival. También para subir con decencia la cuesta de Kobetamendi hasta el acceso. Las lanzaderas no pueden llegar hasta ahí y cuando ves el trecho que aún te queda solo consuela pensar que a las 4 o 6 am se hará mucho más ligera al bajar. Además puedes unirte a la gente que monta su fiesta fuera y hacer la subida más llevadera. Y tampoco hace falta lloriquear tanto, chica (esto va para mí, pero bienvenidos aludidos). Hay un truqui para no tener que subir la cuesta, se llama “transporte público” (aunque yo lo llamo “el festibús”) y hasta aquí puedo leer, que ya bastante concurrida va esa línea a media tarde #sorrynotsorry.
En cuanto al avituallamiento dentro del recinto, se dispone de un montón de opciones y muchas zonas de descanso donde poder comer a gusto tu comida favorita. Hay puestos de comida para todos los gustos más allá de la porción de pizza 4 quesos. Solo hay que tener en cuenta las largas colas que pueden darse, especialmente en hora punta. Pero te organizas y listo, ¿vosotros no incluís en vuestro planning conciertil “a esta hora se cena”?
Las barras, sin embargo, rara vez están saturadas y, en el caso de que toque esperar un poco más, siempre hay alguna no muy lejos que dispensa bebida al instante. Lo bueno de Bilbao es que nadie te mirará raro si pides un kalimotxo, ni querrán venderte el vino por un lado y el refresco por otro (esto me ha pasado demasiadas veces en otros festivales, pfff). Y si lo tuyo es el vino con limón o naranja tampoco tendrás problema; si das con camareros de la zona memoriza las palabras pitilingorri o txurrumuski que te facilitarán bastante la comanda.
Punto importante: los baños. Podría decir que el BBK es el festival en el que de media menos he esperado en mi vida para orinar. No pretendamos llegar y besar el santo en los baños de al lado del escenario donde acaba de actuar Rosalía. Pero hay tropecientas cabinas donde no se espera casi nada, búscalas. Otro punto importante: las pulseras no se canjean en el recinto del festival sino en puntos específicos en Barakaldo y Bilbao. Para algunos puede ser un fastidio, pero evita colas y aglomeraciones en la entrada y se agradece. Y sí, alguna vez han fallado las pulseras contactless de acceso y pago, pero desde mi experiencia siempre ha sido algo aislado, sin demasiado perjuicio.
Y sumando un punto y otro… y otro a favor, ¿cómo no vas a querer volver todos los años? Llegó la pandemia y en ningún momento me planteé solicitar el reembolso del abono comprado meses antes, porque sabía que iba a volver, aun con la certeza de que pasaría bastante tiempo (una pandemia es una pandemia, por mucho siglo XXI que nos acontezca). Lo tenía claro, mi abono del BBK 2020 se quedaba conmigo. Con las ganas contenidas de estos dos últimos años volveré al monte Cobetas con energía suficiente como para subir cada escalón que atraviesa el barrio Altamira en la ladera de Kobetamendi (negaré haber escrito esto, ¡claro está!). Y quizá este sea buen foro para agradecer la paciencia que tienen esos vecinos al aguantarnos cada año. ¡Larga vida al BBK!
Charli XCX agotaba las entradas para el cierre europeo de la gira ‘Crash‘ en La Riviera hace unos días, después de varios esfuerzos promocionales. Muy a menudo su estatus en la industria musical le produce disgustos, problemas de autoestima o cierta falta de seguridad. Pero eso lo sabemos por las entrevistas y por las redes sociales, sobre todo por lo que publica en ellas y después borra. Si fuese por lo visto en sus conciertos jamás lo adivinaríamos. Lo que vemos es a una cantante de pop apareciéndose en el escenario posando como una diosa y 2.000 personas vitoreando cada uno de sus gestos como si fuera la Virgen en la Semana Santa sevillana.
Hace unos días, Charli XCX preocupaba a sus fans aplazando un concierto por problemas de garganta. Por suerte, ha podido dejarse caer tanto por el Primavera Sound como por Madrid. También hay que decir que su show tiene mucho de lata: únicamente se acompaña de 2 bailarines de profesionalidad considerable. La música es pinchada -algo que cuadra con sus coqueteos con el hyperpop, ¿quién queréis que toque todo eso en directo?- y su voz recibe el constante refuerzo de una pista pregrabada que dialoga, hace coros o subraya. Y luego están los gritos de un público que chilla las letras de singles como ‘Gone’ y no singles como ‘Lightning’ como si hubieran sonado en radios, playlists de éxitos, supermercados y ascensores.
Sin necesidad de recurrir a sus temas con Joel Corry, BTS ni tampoco Icona Pop, el repertorio se va desplegando insólito. Sobre todo cuando suenan seguidos el single actual ‘Used to Know Me’, el hit real ‘1999’ o su reciente top 40 en UK ‘Beg for You’. Tras este, se interpreta ‘Crash’, la canción titular de su último disco y esta gira, y a continuación otras 3 en la frente: ‘Boom Clap’, ‘Boys’ dedicada a los gays y ‘New Shapes’ con Christine and the Queens y Caroline Polachek proyectadas en la pantalla. Allí hasta quien más cansado estaba para ser laborable terminó dando botes. Casi que mejor que no sonaran ‘Blame It On Your Love’, ‘Doing It’, ‘Break the Rules’, ‘claws’ y tantas otras que faltaron en el repertorio, porque de lo contrario, lo mismo seguiríamos allí dentro.
Son pocos los trucos escénicos al margen de un vestuario sexy con su conexión S&M, un culo que pasa a primer plano durante la interpretación de ‘Constant Repeat’, una bandera LGTB+ que protagoniza el show en ‘Party 4 U’, un saludo a quien viajó desde Brasil para ver esto. El caso es que los 80 minutos de show no decaen provocando una entrega por parte de la gente realmente digna de estudio. ¿En qué momento Charli XCX se convirtió en una frontwoman tan importante para un sector de la población?
Quizá fue cuando se apartó del mainstream para acercarse a los sonidos más arriesgados. El concierto se cerró con ‘Unlock It’ y ‘Good Ones’, pero antes, también en el bis, destacaron dos producciones tan abrasivas como ‘Vroom Vroom’ y ‘Visions’. La sala se vino abajo con los beats de ambas. ‘Visions’, la canción que cerraba ‘how i’m feeling now‘, y una de las pocas recuperadas de dicho disco, fue más celebrada que la mismísima banda sonora de ‘Bajo la misma estrella’. Su inabarcable mezcla de techno, trance y hardcore en la última parte del set fue la mejor manera de levantarlo, salvo que jamás se había adormilado. En ese momento como extraído de una serie apocalíptica tipo ‘Lost’, hasta mi móvil dejó de funcionar, poniéndose en modo «emergencia». Exactamente lo que parecía estar sucediendo con esta ida de olla de tema.
Mucha gente se pregunta si en el disco de Rosalía, «C de Charli angelada» es por Charli XCX -cuyos fans reciben el nombre de «angels»- o por ‘Los Ángeles de Charlie’. En Genius no se aclaran: la grafía en el libreto oficial de «Charlie» en lugar de «Charli» apunta a la ficción; por otro lado Rosalía sigue a XCX en redes. No necesitamos la solución. Para cualquiera viviendo todo lo sucedido desde ‘Sucker‘ y ‘Pop 2‘, Charli solo hay una. 8,5.
Joe Crepúsculo y La Estrella de David venían tiempo anunciando que habría continuación de su disco como Junco y Diamante. Tras ‘Las comarcas de Catalunya (vol.1)‘, han sacado dos canciones nuevas 9 años después, a cual más imperdible: ‘El tinto de verano’ (inspirada en el GARRAF) y ‘Dame tabaco’ (inspirada en los Rolling Stones y Andorra), ambas de exacta duración. Abrimos «Sesión de Control», nuestra playlist de pop nacional, con la primera, un tema tipo Georgie Dann, como su propio nombre indica.
Ciberchico tiene un nuevo disco, en el que aparecen colaboraciones con Leftee, Daniel Daniel, eurosanto o Megansito el Guapo. Compartimos el interludio ‘MARIPOSA’, que inspira la portada del álbum. Otra que ha publicado disco es la catalana Marta Knight, que debuta en largo con ‘Strange Times Forever’ tras haber pasado este año por Eurosonic (Holanda), SXSW (Estados Unidos) y Focus Wales (Reino Unido), a sus 23 años. El 10 de junio estará en Primavera Sound y a finales de mes, en Mallorca Live Festival.
interrogación amor ha lanzado disco de 9 canciones, del que despunta la industrial ‘MALA SUERTE’, pero en el que cabe casi cualquier estilo: hay folk, noise, avant-garde, trip-hop, synth-pop o punk.
Mira Paula, la cantante revelación de la que compartimos el tema ‘GODARD‘ hace poco, tiene un nuevo tema hispano-francés. Atención sobre todo a la segunda parte del tema, que se convierte al italo para hablarnos de cosas cotidianas como Tinder o su «no a las drogas».
Entre las curiosidades de la semana, Tú peleas como una vaca han convertido ‘Ateo’ de C. Tangana y Nathy Peluso en «Yo era hetero, pero ahora creo». Entre las novedades de hoy mismo, el segundo single del nuevo disco de Confeti de Odio. Otros que presentan álbum son Airbag y están nada menos que acompañados de Jota de Los Planetas.
‘x ti’ es una delicia de R&B de Paula Cendejas. También onírica es la 5ª canción que moren comparte en las plataformas de streaming, ‘de madrugada’. Completamos la playlist de momento con habituales de la sección o de la web como Samuraï o Julia Nar con Khotton Palm.
TAAHLIAH -nada que ver con la mejicana- es el nombre de una artista de Glasgow conocida por tratar de aunar la electrónica pura y dura con el pop cristalino. FKA twigs, Zola Jesus, Purity Ring y también SOPHIE y Lady Gaga están en su radar, llevándola a la edición del EP ‘Angelica’ el año pasado.
En ‘Angelica’ reflexionaba sobre la realidad trans, tanto en el tema principal ‘Brave’, como con frases como “algunos de mis amigos han muerto por esto”, del tema ‘Never Lose’.
Curtida en espacios alternativos y queer de Glasgow como las fiestas Shoot Your Shot, TAAHLIAH lleva tiempo reflexionando sobre por qué la industria sigue dominada por artistas blancos. “Definitivamente es un problema enorme para la industria musical, especialmente para subgéneros como el hyperpop”, contaba en una entrevista el año pasado con Dazed Digital.
Esta semana os hemos presentado en “Ready for the Weekend” su nuevo single, ‘Fall Into Place’, que es nuestra “Canción del Día” hoy. Se trata de una producción más entregada a los ritmos 90’s, que realmente podría haber entonado Charli XCX en transición desde su etapa PC Music a la más agradable para su sello Warner.
El texto por su parte habla de “juguetes sexuales” y de algo “para disfrutar”, así como de devoción (“eres más alto de lo que imaginé (…) no sé si estoy preparada para ti”), justificando que entre quienes la siguen en España estén tanto LVL1 como PUTOCHINOMARICÓN.
Lil Nas X es uno de los artistas afrocamericanos más populares del momento, pero no hay manera de que los premios BET le reconozcan. Ni en 2021 ni en 2022, a los «Black Entertainment Awards» le ha parecido que Montero merezca su aprobación, pese a haber lanzado hits del tamaño ‘Industry Baby‘ con Jack Harlow (curiosamente, el autor de ‘First Class’ sí ha sido nominado, y es blanco) Lil Nas sí recibió una nominación a Artista revelación en los premios BET en 2020 y además ha actuado dos veces en la ceremonia.
El rapero ha llegado tan lejos de atacar a los BET en su nueva canción, ‘Late to da Party’, que está avanzando en TikTok y cuenta con la frase «que jodan a los BET». En la canción, Lil Nas recuerda los múltiples récords que tiene en su haber.
Los BET reconocen anualmente a los mejores músicos, actores o deportistas afroamericanos en Estados Unidos, y Lil Nas X está convencido de que los premios sufren un problema de homofobia interiorizada que le lleva a ningunearle año tras año pese a encontrarse en su mayor momento de popularidad. Montero no entiende por qué los GRAMMY sí le valoran (tiene dos gramófonos en su haber, y una nominación a Álbum del año) y los premios de la música negra, en cambio, hacen ver que no existe, o lo parece.
En Twitter, el autor de ‘MONTERO‘ ha explicado que sus críticas no tienen tanto que ver con el hecho de recibir nominaciones o premios, sino con que «las personas gays negras tenemos que luchar para que se nos reconozca porque, incluso cuando estamos en la cima, tenemos que fingir que somos invisibles». El artista se pregunta cómo es posible que «me reconozcan los premios más importantes del mundo» mientras «mi propia gente no me concede una sola nominación». Algunas personas han alzado la voz en contra de las declaraciones de Lil Nas para apuntar que él es un artista de pop y no de R&B o de hip-hop, pero los BET no valoran exclusivamente estos dos géneros, y de hecho cuentan con una categoría de pop en la que sí han estado nominados Drake o Doja Cat, entre otros.
De manera clave, Montero puntualiza que lo que a los BET le puede causar rechazo de él no es su música, ni siquiera el hecho que sea gay, sino su expresión de género. Cuando un tuitero le recuerda que Tyler, the Creator y Frank Ocean sí han recibido nominaciones en los premios de la música negra, Lil Nas X plantea: «amo a Frank y Tyler hasta la muerte pero ¿podemos admitir que a los hombres queer se les respeta más cuando hacen cosas menos femeninas? ¿O me lo estoy inventando?» Cuando otra persona le dice que debería dejar de convertir su orientación sexual en «toda su personalidad», Lil Nas responde que los «hombres negros deberían seguir haciendo que ser gay es toda su personalidad mientras sigan siendo encarcelados o asesinados en varios países por ello».
En otro mensaje, el autor de ‘Old Town Road’ cuenta que recientemente acudió con su familia a un club gay por primera vez, y que se sintió «aliviado». «Una cosa es que tu familia sepa que eres gay y otra es que realmente lo reconozcan e intenten desaprender el odio hacia ello», añade. Una historia que se puede extrapolar a lo que está pasando con los BET.
En respuesta a las declaraciones de Lil Nas X, los BET han contestado que «aman» a Lil Nas X y han recordado las veces que ha actuado en la gala , así como su única nominación, y han puntualizado que el rapero no ha recibido nominación alguna porque ninguno de los «500 profesionales que conforman la Academia de los BET» le ha propuesto. Es la Academia, y no el propio programa, el que se encarga de elaborar las nominaciones.
Bruce Springsteen and The E Street Band vuelven a los escenarios en febrero de 2023, con una serie de conciertos en Estados Unidos que se anunciará próximamente, y a la que seguirá una gira europea de estadios que dará comienzo el viernes 28 de abril de 2023 en el Estadi Olímpic de Barcelona. A esta fecha se ha sumado una segunda el día 30 de abril, en el mismo recinto.
Barcelona se suma hoy a la lista de ciudades que han ampliado el número de shows debido a la gran demanda de entradas. Doctor Music informa que esta es la única fecha adicional posible en España y que no existe posibilidad de añadir nuevos conciertos. Más adelante se anunciarán ciudades y fechas adicionales en el Reino Unido y Bélgica.
Las entradas para los dos conciertos de Bruce Springsteen and The E Street Band el 28 y 30 de abril de 2023 en Barcelona se pueden adquirir desde hoy 8 de junio. El precio de las entradas será de 65, 70, 78, 90, 105 y 125 euros para las entradas de asiento reservado en grada, de 125 euros para Pista Delantera y 82 euros para Pista Trasera (gastos de distribución no incluidos). Se podrán adquirir un máximo de 6 entradas por compra.
La banda volverá a Norte América para una segunda parte de la gira a partir de agosto. Barcelona será la única ciudad donde actuará Bruce Springsteen en España, estando totalmente descartada la adición de más ciudades en nuestro país en esta gira de 2023.
La gira de 2023 significa el regreso de Bruce Springsteen and The E Street Band en directo, desde que en febrero de 2017 finalizara en Australia su gira mundial de 14 meses ‘The River Tour’.
Bruce Springsteen and The E Street Band se volvieron a reunir para actuar en el programa de televisión Saturday Night Live en diciembre de 2020, donde tocaron en directo dos canciones de su último álbum de estudio, ‘Letter To You‘.
April 28, 2023 – Barcelona, Spain – Estadi Olímpic
May 5, 2023 – Dublin, Ireland – RDS Arena
May 7, 2023 – Dublin, Ireland – RDS Arena
May 13, 2023 – Paris, France – La Défense Arena
May 18, 2023 – Ferrara, Italy – Parco Urbano G. Bassani
May 21, 2023 – Rome, Italy – Circo Massimo
May 25, 2023 – Amsterdam, The Netherlands – Johan Cruijff ArenA
June 11, 2023 – Landgraaf, The Netherlands – Megaland
June 13, 2023 – Zurich, Switzerland – Stadion Letzigrund
June 21, 2023 – Düsseldorf, Germany – Merkur Spiel Arena
June 24, 2023 – Gothenburg, Sweden – Ullevi
June 26, 2023 – Gothenburg, Sweden – Ullevi
June 30, 2023- Oslo, Norway – Voldsløkka
July 11, 2023 – Copenhagen, Denmark – Parken
July 13, 2023 – Copenhagen, Denmark – Parken
July 15, 2023 – Hamburg, Germany – Volksparkstadion
July 18, 2023 – Vienna, Austria – Ernst Happel Stadion
July 23, 2023 – Munich, Germany – Olympiastadion
July 25, 2023 – Monza, Italy – Prato della Gerascia, Autodromo di Monza
Julia Garner ya tiene sobre la mesa la oferta de Universal Pictures para interpretar a Madonna en el biopic sobre la cantante que prepara la propia autora de ‘Ray of Light’. Variety confirma que la actriz ha superado el cásting frente a una docena de candidatas -entre las cuales se encontraban Florence Pugh o Sky Ferreira- y que «se espera» que acepte la oferta. Garner era una de las opciones más comentadas antes incluso que se confirmara el biopic.
El parecido físico de Garner con Madonna es evidente, aunque no es el requerimiento más importante para que un actor o actriz consiga un papel en una película de estas características. De hecho, los cástings para conseguir el papel de Madonna han sido tan duros que algunas personas bromeaban ya con preparar un «thriller psicológico» sobre la experiencia. Garner y sus compañeras de cásting se han enfrentado a 11 horas diarias de sesiones coreográficas con y sin la propia Madonna de cuerpo presente, porque la actriz que la interprete debe saber bailar y cantar con destreza.
El biopic de Madonna relatará los primeros años de su carrera, presumiblemente los situados entre los años 1982 y 1983, a la manera de ‘8 Miles‘ de Eminem. Será la propia Madonna quien dirija la cinta con guion de Donna Langley y producción de Amy Pascal. En entrevistas, Madonna ha priorizado trabajar con mujeres en su biopic ha sido importante para ella porque, a lo largo de los años, han sido hombres quien han contado su vida sin conocerla realmente.
Curiosamente, al tiempo que Variety ha dado a conocer la noticia sobre la casi confirmación de Garner en el biopic de Madonna, la cantante ha publicado un extraño story en el que ha ofrecido a sus seguidores elegir entre dos opciones, sacar una película o irse de gira mundial. Sus fans entienden que está troleando al personal. ¿Será que baraja ambas opciones al mismo tiempo?
Sin ser una actriz de primerísima plana, Garner es conocida por sus papeles en series tan reconocidas como ‘Ozark’ o en películas de prestigio como ‘Martha Marcy May Marlene’, ‘Electrick Children‘ o ‘Grandma’. Últimamente ha protagonizado en ‘The Assistant’ y la miniserie ‘Inventing Anna’, sobre el caso de la estafadora Anna Delvey.
Estos días, Madonna ha anunciado su recopilatorio de remixes ‘Finally Enough Love’, con el que celebra sus 50 números 1 obtenidos en el chart dance de Billboard. El último single publicado del recopilatorio ha sido un remix de ‘Deeper and Deeper’.
Simply Red llegan este jueves 9 de junio a Madrid para actuar como parte del ciclo Madrid Escena, por el que ya han pasado Love of Lesbian, hoy miércoles lo hace James Blunt, y próximamente lo hará Robe con las entradas agotadas, Diego El Cigala y Jason Derulo. Simply Red también actúan hoy en Barcelona (Jardines Pedralbes), en ese caso con las localidades agotadas.
A veces la prensa olvida documentar el éxito de ciertas bandas: diarios, semanarios y mensuales no han sido muy generosos con Simply Red, cuando son, en contra de lo que creen algunos, uno de los grupos más vendedores de la historia, muy especialmente en Reino Unido. Por allí fue 12 veces platino ‘Stars’ (1991), el disco que contenía la canción titular y otros éxitos como ‘For Your Babies’ y ‘Something Got Me Started’.
Y eso fue después de los 5 platinos de ‘Picture Book’ (1985), los 3 platinos de ‘Men and Women’ (1987) y los 7 platinos de ‘A New Flame’. Aquellos tres primeros discos de Simply Red dejaron hits como ’Money’s Too Tight (To Mention)’ y ‘Holding Back the Years’; ‘The Right Thing’ o la versión de ‘If You Don’t Know Me By Now’. Todo ello se traduce en una pasmosa colección de hits. El típico caso «conoces más canciones de Simply Red» de las que crees.
Porque a todo esto hay que sumar por ejemplo los singles de ‘Life’ (1995), que también fue 5 veces platino en UK. Allí estaban ‘Remembering the First Time’ (we made love!), ‘Fairground’ y un tema que suena a vida adulta y que recuerdo con gran cariño de adolescente, ‘Never Never Love’. “Ahora que hemos conseguido nuestra independencia, ¿qué vamos a hacer con ella?”, se preguntaba en la primera línea Mick Hucknall.
En España tenemos un especial apego hacia ‘Men and Women’, pues el disco fue top 3 por aquí (contenido por ‘The Joshua Tree’ de U2) y su primer disco de platino, de varios que lo lograrían inmediatamente después. ‘The Right Thing’ no pudo ser más explotada en Los 40 Principales, y por suerte es una canción que Simply Red no han dejado de interpretar en vivo.
Aunque el camino a veces ha sido tumultuoso. Para sorpresa de nadie, Mick Hucknall terminó siendo el único miembro de Simply Red ya a la altura de 1996. Tras las obligadas concesiones electrónicas de 1999 en ‘Love and the Russian Winter’, el grupo se quedó sin sello. En la autoedición primero, continuaron sobreviviendo en las listas aunque ya de peor manera. En 2010 Simply Red anunciaban su separación y una gira de despedida, que al final no fue tal. En aquellos tiempos Mick fue noticia por comentar que las críticas por apropiación cultural venían «de la ignorancia». Que el inventor del saxo era «blanco y belga». Que él estaba en la música para unir a la gente y no para dividirla.
Tan solo 5 años después de decir adiós, el grupo volvía con ‘Big Love’ (2015), dándole continuidad con otro disco llamado ‘Blue Eyed Soul’ (2019). No han de temer quienes no estén familiarizados con este, pues la gira actual de Simply Red viene a ser un «greatest hits» en el que únicamente suenan un par de canciones de ese último trabajo. De hecho, todos aquellos que encontraron confort en el soul blanco y amable de Mick Hucknall no es que vayan a sufrir mucho durante la interpretación de cosas como ‘Thinking of You’. Esta parece creada expresamente para el directo.
El poder cada vez mayor de los gigantes de streaming es una realidad. Por poner solo un par de ejemplos, Netflix lleva tiempo sin permitir carteles para las películas que produce: ni créditos del equipo ni incluso para el director, que muchas veces hay que intuir bajo el “una película de Netflix”. Solo algunas vacas sagradas podían permitirse ser las (costosas) excepciones, pero parece que ya ni eso, en un paso más de la compañía en la homogeneización de todos sus productos de ficción.
Este poder se ha disparado con la pandemia, y raro es que una superproducción se estrene solo en cines, mucho menos si es por la intuición/cabezonería de su protagonista. Claro que, si hay en la actualidad un actor al que se le pueda permitir el “capricho” de estrenar solo en cines y no en plataformas de streaming una película con un presupuesto de 200 millones de dólares, ese es Tom Cruise. Alguien que lleva más de cuarenta años siendo una estrella de cine, un valor (casi) seguro en taquilla, y respetado tanto por la crítica como por sus propios compañeros. Algo que, como apunta Nicole Sterling en una interesantísima pieza para el NY Times que os recomiendo casi como complemento a ‘Top Gun: Maverick’, es casi una especie en extinción – no en vano se lo dicen al propio Cruise en el momento más meta de la película.
Que Cruise represente esa estrella de cine que ya no se ve en este “mundo distinto” tiene un coste, y es que lleva la última década sin protagonizar un éxito de verdad… hasta ahora. Pocos apostaban por que ‘Top Gun: Maverick’ llegase siquiera a cubrir gastos: una secuela estrenada tres años después de su rodaje, y siendo además más recordada la original hoy día por su tema central, el tremendo ‘Take My Breath Away’ de Berlin, que por la película en sí.
Pues bien, ‘Maverick’ no solo es mucho mejor que la original de Tony Scott -tampoco era difícil- sino que ha superado en solo dos semanas los 500 millones de dólares, siendo el mejor estreno de la Historia en el Memorial Day, la cinta más taquillera en EEUU de toda la carrera de Cruise, y llevándose varios récords más, entre ellos el menor descenso en su segunda semana para una película que debuta con más de 100 millones de dólares, superando la marca de ‘Shrek 2’. Esto último es importante porque, como veis, no es una marca reciente: las pelis de Marvel y demás taquillazos de sagas actuales acostumbran a que la mayoría de su público acuda en masa en los primeros días. Es más una marca de esa época de la que habla Sterling en su artículo, una marca propia de los espectadores adultos de blockbuster. Esos que los cines creían haber perdido. Y es clave para entender por qué ‘Top Gun: Maverick’ funciona tan bien.
‘Maverick’ consigue que incluso el espectador cero atraído por los avatares testosterónico-patrióticos (si no existe eso, inventado queda) de unos pilotos de guerra acabe viviendo intensamente con ellos su misión, incluso emocionándose. Joseph Kosinski, su director, ya había demostrado su capacidad para blockbusters de gran calidad como ‘Tron Legacy’ o la estupenda e infravalorada ‘Oblivion’ (con banda sonora de M83), y en el guión echa un capote Christopher McQuarrie, ganador de un Oscar por el guión de ‘Sospechosos habituales’, y presente en las últimas entregas de ‘Misión Imposible’.
Ambos apuestan por eliminar varios elementos del pasado (de las cuestionables ausencias de Meg Ryan y Kelly McGillis a la presencia testimonial de Val Kilmer) e introducir novedades que a su vez conectan con él: Miles Teller como el hijo del mítico Goose, Jennifer Connelly como un interés amoroso de Maverick que le aprieta las tuercas como hacía Charlie, o un escuadrón de pilotos con perfiles parecidos a los originales (¡ahora con extra de diversidad!). Y ojo porque otra constante es la interpretación marica de esta historia: ya no hay frases y escenas homoeróticas tan parodiables, pero esta secuela da aún más motivo a quienes defienden esta teoría, y la forma en que se habla de Goose, los recuerdos del protagonista, todo ello se plantea en unos códigos que no son los usados en Hollywood para una amistad precisamente. Maverick parece un viudo.
La nostalgia sobrevuela (jé) esta película, pero lo hace de una forma que resuena tanto en quienes bailaron ‘Take My Breath Away‘ en las discotecas como en quienes en estos meses nos hemos puesto la original en Netflix/HBO Max. ‘Maverick’ cuida y respeta a sus personajes, les da personalidad sin confundirla con gags, y cree en la historia que te está contando de tal modo que, por muy penca que ésta pueda tornarse (puedes acordarte de aquel “el país de Abu Fayed” de ’24’ con las no-menciones a ese “peligroso estado”), te importa por las implicaciones que tiene en sus protagonistas.
Una vez tienen esta base de mínimos, se preocupan de que ‘Maverick’ sea un espectáculo visual para ver en el cine. Cuenta Kosinski que vio con Cruise vídeos de pilotos de la Marina que pusieron GoPros en sus cabinas y ambos estuvieron de acuerdo en que “si está en Internet de forma gratuita y nosotros no podemos superar esto, no tiene sentido hacer la película”… Os podéis hacer una idea del resultado. El periodista de cine Javier P. Martín dijo para bien que ‘Maverick’ es “el tipo de película en que Tom Cruise le da la mano a Jennifer Connelly mientras Gaga dice “hold my hand””, y la verdad es que resume un poco su espíritu. Por cierto que el tema de Gaga no es ‘Take My Breath Away’ (ni tampoco ‘Shallow’), sí, pero porque su cometido en la película no es el de representar un clímax, sino el de cerrarla.
Cuando, en aquel pollo que montó en pandemia, Tom Cruise decía de sí mismo y su equipo que eran “el espejo en que los demás se miraban”, no era un ejercicio de egocentrismo sino la verdad: Cruise defiende con uñas y dientes a Hollywood porque Cruise es Hollywood. Ese ideal que nunca fue real, pero que con la velocidad de consumo actual es, ahora más que nunca, poco más que (breve) fama y franquicias. Y una de las frases más repetidas de ‘Top Gun: Maverick’ puede entenderse también como una reivindicación del actor-estrella frente al personaje-franquicia: “no es el avión, es el piloto”.
Rigoberta Bandini ha publicado su nuevo single, ‘A todos mis amantes’. Se trata de una canción acústica de cierto aroma portugués, una melodía de nuevo un tanto Mecano, y una producción aderezada con procesadores vocales que podrían haber realizado Hidrogenesse. La letra se dirige, como el nombre indica, a las personas a las que ha roto el corazón, y referencia ‘Perra‘.
Puede que no sea un tema llamado a suceder el pelotazo de ‘Ay mamá’, ni lo que esperabas para este verano, pero qué duda cabe de que sí asentará una base de fans que se cuenta ya por cientos de miles: la canción resulta preciosa en su equilibrio entre libertad y culpa, entre dramatismo y humor, muy presente en esa mención -y con esa forma- a los años 90.
‘A todos mis amantes’ es el primer tema de Rigoberta desde que ‘Ay mamá‘ alcanzara el número 1 de singles en España tras el fenómeno de Benidorm Fest. Desde que la catapultara a otra liga.
Previamente al anuncio de ‘A todos mis amantes’, un título más Julio Iglesias imposible, por parte de una artista que cuenta con un single llamado tal cual ‘Julio Iglesias’, Rigoberta había compartido un pequeño adelanto de la letra.
Esta semana, ‘Ay mamá’ ocupa el puesto 67 de la lista de singles española. Es el único tema de Paula Ribó en la tabla a día de hoy, después que el éxito de ‘Ay mamá’ provoca un efecto dominó en su repertorio con las entradas de ‘Perra’, ‘Too Many Drugs’, ‘In Spain We Call it Soledad’ y ‘A ver qué pasa’. Recientemente, Rigoberta estrenaba la versión primigenia de ‘Ay mamá’, que está formando parte de sus conciertos, y también el videoclip de la versión final, que trajo polémica.
Por otro lado, recientemente también reseñamos el libro ‘Vértigo‘ de Rigoberta. Joric valora que «funciona perfectamente como retrato generacional». Un texto en el que Paula «refleja muy bien la angustia, desorientación e incertidumbre vital de una veinteañera en plena ruptura sentimental y a punto de llegar a la treintena».
Estos días, Rigoberta sigue de gira con su «Rigotour», y entre los meses de junio y julio realizará una gira por festivales que le llevará a Primavera Sound, Bilbao BBK Live, Mallorca Live, o L’Scala Itaca Festival de Girona, Sónica de Cantabria o Cruïlla de Barcelona, entre otros. La gira seguirá en agosto por Castellón, Almería o Logroño y concluirá en Granada en septiembre.
‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny vuelve a ser el disco más popular en España y pasa una nueva semana en el número 1, pasado el paréntesis ‘Harry’s House’, que cae al 2. Rosalía y C. Tangana se mantienen en el #3 y en el #4 con ‘Motomami’ y ‘El Madrileño’ respectivamente, mientras la sorpresa la da en el número 5 FernandoCosta.
‘Tirititando’, el nuevo disco de FernandoCosta, es la entrada más fuerte en la lista de éxitos. El artista ibicenco da la sorpresa con su segundo álbum de estudio, y el primero desde ‘Yipiyou’ en 2018. Este incluyó éxitos como ‘Narcolepsia’ o ‘Pa que lo gocen’ y superó los 100 millones de escuchas en Spotify sumando todas sus pistas.
Con singles como ‘Hasta Cuando’ o ‘Fumando Serio’, y colaboraciones con artistas como Delaossa o Ayax y Prok, ‘Tirititando’ supone el regreso de uno de los raperos de referencia de la escena actual española.
Aunque en posición más modesta, también llega a la lista el nuevo álbum de Liam Gallagher, ‘C’mon You Know’. Eso sí, su puesto 21 sabe a poco en comparación con sus cifracas en Reino Unido (un número 1 por encima de las 70.000 unidades). El directo de Liam Gallagher ‘Down by the River Thames’ también aparece en el puesto 73 en nuestro país.
Dos entradas muy destacables en el pop nacional son la de Cupido en el #31 con ‘Sobredosis de amor’; y la de Rocío Márquez y Bronquio en el #77 con ‘Tercer cielo’. Son nuestros dos últimos «Discos de la Semana». Cupido no tienen soporte físico aún y el vinilo de ‘Tercer cielo’ no llegará hasta septiembre.
También entran Def Leppard con su nuevo disco, ’Diamond Star Halos’, en el puesto 16; Marta Soto en el 22 con ‘Todo lo que tengo’; Tate McRae en el 43 con ‘I Used to Think I Could Fly’; Michael Schenker Group en el 50 con ‘Universal’; la banda sonora de ‘Top Gun: Maverick’ en el 57; Kany Garcia en el 74 con ‘El amor que merecemos’; y Emilia en el 75 con ‘Tú crees en mí?’.
Cardi B ha sido acusada en redes sociales de intentar impulsar las ventas de su segundo álbum tras confirmar que los singles ‘WAP’ y ‘Up’, de 2020 y 2021 respectivamente, formarán parte del disco. El proyecto, aún sin nombre ni fecha de lanzamiento, será el primero de Cardi B desde ‘Invasion of Privacy‘ en 2018.
La chispa de la polémica fue una entrevista de la artista con Centerfold en la que confirmaba la presencia de ambos singles en el álbum. Tras llegar la noticia a Twitter, un usuario escribió que la culpa de esto la tenía «la era del streaming» y que «los artistas solo hacen esto para recibir certificaciones por su disco».
Antes de borrarse el tweet, Cardi B respondió recriminando al usuario: «¿Por qué no has dicho nada sobre otros artistas que han puesto recientemente canciones previas a la pandemia en sus discos, o sobre gente que ponen canciones de otros en lo suyo…? Imagina mi canción más grande no estando en ningún álbum».
El usuario aclaró más tarde que el mensaje «no era un tweet de odio para Cardi», sino «una crítica a la industria musical y cómo esta afecta a la creación de un tracklist».
Finalmente, no todo fueron críticas, ya que algunos fans defendieron la decisión de Cardi B. Un usuario en concreto apuntaba que «el segundo disco siempre se suponía que iba a ser el hogar de WAP y Up», matizando que Cardi «se quedó embarazada y entonces las cosas se retrasaron».
’Tití me preguntó’ de Bad Bunny continúa en el número 1 de la lista española de singles, con la novedad de que ahora mismo Bad Bunny ocupa el top 3 al completo. ‘Me porto bonito’ con Chencho Corleone sube al puesto 2 y ‘Ojitos lindos’ con Bomba Estéreo cae al puesto 3. Además, el álbum de Bad Bunny vuelve al número 1 de discos.
Pasando a algo que no sea Bad Bunny, la subida más fuerte de la semana es ‘Tigini’ de Rvfv y Kikimoteleba, que pasa del número 6 al puesto 4 con el mayor aumento de streamings. Y la entrada más fuerte de estos días es ‘La prendo’ de Bad Gyal, que llega directamente hasta el puesto 28. Actualmente este tema es puesto 39 en Spotify España, por lo que parece que tendrá cierta estabilidad en su segunda semana.
El resto de entradas oficiales al top 100 español son ‘Qué nos pasó’ de Anuel AA (#61), ‘Noche de teteo’ de Sech (#89), ‘Llueve’ de Wisin & Yandel, Sech y Jhay Cortez (#92) y ‘Meneito’ de Nil Moliner y Yera (#96). De todas ellas, la que mejor sobrevive en Spotify España y por tanto la que parece que tendrá algo más de recorrido es ‘Qué nos pasó’, la única ya en el top 100.
Otros movimientos interesantes de la semana son ‘Te felicito’ de Shakira y Rauw Alejandro, que sube al top 10 como previmos; y ‘Coronamos’ de JC Reyes, que asciende al número 22, consiguiendo un nuevo máximo.
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