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Tears for Fears / The Tipping Point

Vive la Fête en 2003, La Roux en 2008, Hurts en 2010, Chvrches en 2013, Roosevelt en 2016, Dua Lipa en 2020… Con el eterno retorno de los años 80, las bandas de aquella década tenían que esforzarse por volver para reivindicarse a sí mismas. New Order, OMD y Duran Duran han entregado buenos álbumes en los últimos tiempos -en ese orden en cuanto a calidad- y Tears for Fears se suman a ellos cuando se iban a cumplir 18 años de su última entrega.

Kanye West se inspiró en una canción de Tears for Fears -‘Memories Fade‘- en ‘Coldest Winter’, un tema de su disco de 2008; Drake sampleó ‘Ideas as Opiates‘ en ‘Lust for Life’ en 2009, Lorde versionaba ‘Everybody Wants to Rule the World’ en 2013, The Weeknd sampleaba ‘Pale Shelter’ en uno de los temas de ‘Starboy’ en 2016 (‘Secrets’) y podríamos seguir hablando de reivindicaciones de Tegan & Sara o Miley Cyrus, que justificaron aquella gira de Tears for Fears compartida con Hall & Oates.

Hace ya 5 años de esto último y el esperado álbum de «comeback» de Tears for Fears, que tan sólo es el 7º de su carrera, no siempre ha estado asegurado. Hubo un grave momento de crisis en el que el esquivo Curt Smith -que ya estuvo fuera de Tears for Fears entre 1991 y el año 2000- volvió a abandonar el barco debido a diferencias artísticas. Si alguien quiere adivinar qué le separa de Roland Orzabal, ‘Break the Man’, un tema feminista crítico con el patriarcado, de melodía un tanto arty, es el primer single de la discografía de la banda en el que Orzabal no ha firmado ningún crédito.

Lo importante es en cualquier caso la reconciliación, y hay una emotiva anécdota al respecto. ‘The Tipping Point’ es un álbum que habla de la muerte, marcado por el fallecimiento de la mujer de Roland en 2017, también por un grave problema de salud que sufrió el cantante después, en 2018, y tras el cual no dudó en coger el teléfono y llamar a Curt para decirle que le quería. «Cuando tuve una emergencia médica en 2018, la primera persona a la que pensé en llamar fue a Curt. No sabía si iba a sobrevivir, pedí que me lo pusieran al teléfono y le dije: «Puedes quedarte mis guitarras. Y mi ropa»», recibiendo la socarrona respuesta de este de que la ropa no la quería. Sabiéndose «hermanos» al haber compartido tantos años, algo «diferente a un matrimonio o a una amistad», la balada ‘Stay’ que cierra este disco versa precisamente sobre su relación. «Suficientemente jóvenes para jugar / suficientemente mayores para saber que es todo o nada».

‘The Tipping Point’ es un disco muy diferente a ‘Everybody Loves a Happy Ending’ (2004), donde algunas canciones sonaban bastante beatlianas y rockeras. Aquí la influencia de los Beatles y los Stones se limita a una mención a ambas bandas en ‘Master Plan’. En sus momentos más vistosos, lo que quieren ahora Tears for Fears es reivindicar su sonido clásico, algo que consiguen en el corte titular, que tras una intro de expectación, se transforma en un single 80’s también cercano a New Order. ‘My Demons’, con su sonido industrial, y ‘End of Night’, salvando una cara B llena de baladas, siguen esa línea estilística con éxito.

Y lo que es mejor, Tears for Fears no se han quedado en el revival. Si bien las lentas ‘Please Be Happy’, ‘Rivers of Mercy’ y ‘Master Plan’ no distan tanto de lo que nos han ofrecido Take That o a-ha de adultos, la mencionada ‘Stay’ es, en una palabra, bonita, como también lo son los coros de Carina Round en la notable ‘Long, Long, Long Time’. Pero la gran sorpresa es la canción de apertura, ‘No Small Thing’. Por primera vez en décadas Curt y Roland se han sentado con un par de guitarras acústicas, inspirados por Bob Dylan y Johnny Cash para hablar de la libertad, de las nuevas generaciones y de la vida, con un calado que empieza amable como Mumford & Sons pero termina torcido a lo Radiohead. Su vídeo político con imágenes de bombas y manifestaciones inspirado en la película ‘Koyaanisqatsi’ habla del «conflicto entre las libertades individuales y la responsabilidad colectiva». Fue publicado en diciembre pero, coincidiendo el lanzamiento de este disco con la guerra que Putin acaba de abrir en Europa, adquiere un nuevo significado. Tears for Fears aún tienen la capacidad de emocionarnos y de sorprendernos.

Dave Grohl habla de sus graves problemas de oído y de su versión perdida de Spice Girls

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Puede que algunos de los más fanáticos de Foo Fighters y de Nirvana ya lo sepan, pero Dave Grohl confesó ayer en su visita al programa de James Corden que una de sus canciones favoritas es ‘2 become 1’ de las Spice Girls. Además, reveló que hace 20 años los Foo Fighters estuvieron a punto de lanzar una versión de la misma.

En la entrevista, James Corden y Hillary Duff comentaban su experiencia en un concierto de las Spice allá por los 90, mientras que el líder de Foo Fighters bromeaba con que no pudiese ir porque estaría de gira en esas mismas fechas. Sin embargo, cuando Corden le sugirió “me encantaría una versión de ‘2 become 1’ de los Foo Fighters”, Dave Grohl desvelaba: “Escucha, no estoy bromeando. Amenazamos con hacerla hace como 20 años. Me encanta esa canción”.

Por otro lado, en otra entrevista para The Howard Stern Show, el ex baterista de Nirvana reconoció que está prácticamente sordo desde hace 20 años y que le cuesta incluso escuchar a los que tiene sentados a su lado. Grohl admitía que no le gusta usar pinganillos que le protegen del exceso de ruido en el escenario porque lo aíslan de la “atmósfera” del concierto. “No me he hecho pruebas desde hace mucho tiempo, pero sé lo que me van a decir. Tienes daño auditivo -tinnitus- en tu oído izquierdo más que en el derecho. Mi oído izquierdo está un poco peor que el derecho porque mi caja y mi monitor en el escenario cuando toco la batería están en ese lado”.

¿Una de «Chicken Teriyaki»?

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Os ofrecemos una opinión a favor y otra en contra de ‘CHICKEN TERIYAKI’, el tercer single de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía, que ha sido admitido en la playlist más influyente de todo el mundo, Today’s Top Hits, con 30 millones de seguidores, exactamente en la posición 33ª.

A favor
«Rosalía dice que sus discos siempre son un reflejo de su vida en el momento en que los graba, y ‘MOTOMAMI’ también lo será. La artista se ha pasado varios años viajando de Miami a Nueva York, de Nueva York a Puerto Rico, de Puerto Rico a la República Dominicana, empapándose de los sonidos y ritmos latinos que bailó en su adolescencia. Puede que las letras de ‘SAOKO‘ o ‘Con altura’ no las vayan a colgar en ningún museo, pero el reggaetón está para divertirse y ‘CHICKEN TERIYAKI’ cumple su cometido.

La letra vuelve a ser una bobada que rima «tu gata quiere maki» con «mi gata en Kawasaki» y la producción de El Guincho, Sky Rompiendo y compañía no tiene ningún misterio. Apenas es reseñable que presenta un punto sucio a propósito en alguna toma vocal, como si saliera de una mixtape de reggaetón de los 90. Pero el rap de Rosalía se pega, las frases curiosas se suceden una tras otra, y ella parece pasárselo pipa por el camino. No todo puede ser el drama de ‘El mal querer‘ y ‘CHICKEN TERIYAKI’ divierte sin más pretensiones». Jordi Bardají.

En contra
«Rosalía podía tener canciones mejores o peores, pero sí que podía presumir -en mi opinión- de no tener una sola canción mala… hasta ahora. Dios sabe que no soy muy entusiasta de ‘SAOKO’ pero, al lado de ‘CHICKEN TERIYAKI’, ‘SAOKO’ es ‘Malamente’.

Más allá de su (obvio) objetivo de baile que pueda viralizarse en tiktok, no hay prácticamente nada en condiciones aquí: la producción confunde “machacona” con “insoportable”, la melodía es un desastre y, más allá de lo de Naomi y Julio, no hay ganchos ni rimas de los que Rosalía sabe hacer. Como producto para tiktok que es, la canción dura dos minutos escasos, pero quién lo diría -jé- porque parecen el doble. La peor canción de Rosalía, con mucha diferencia». Pablo N. Tocino.

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BANKS detalla su disco y suena al primer Kanye para bien en su nuevo single

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BANKS, la artista que nos enamorara con los excelentes singles de dark pop ‘Begging for Thread’ y ‘Gemini Feed’, y con álbumes de la calidad de ‘Goddess‘, da detalles al fin de su cuarto álbum de estudio. ‘Serpentina’ saldrá el 8 de abril con un tracklist que incluirá 13 pistas, entre las cuales aparecen los singles ‘Skinnydipped’ y ‘The Devil’.

Hoy ve la luz el tercero, ‘Holding Back’, que trae un sonido que curiosamente recuerda al de los primeros discos de Kanye West. En ‘Serpentina’, BANKS se ha inspirado en las melodías del góspel que le inspiraban de joven, y el gancho principal de ‘Holding Back’ es una melodía apitufada que parece sampleada de un viejo tema de soul de los años 60 o 70, pero que en realidad es original.

La producción de ‘Holding Back’ es excelente y corre a cargo principalmente de la productora iraní TĀLĀ, que envuelve la voz de BANKS con una manta de distorsiones electrónicas.

El álbum traerá sonidos luminosos nuevos para BANKS, pero a la vez esconderá una «bestia debajo» de toda esa luminosidad, y esta descripción encaja con el sonido de ‘Holding Back’, cuyo sonido devanea entre la luz y la oscuridad. BANKS la ha presentado en la tele, como veréis bajo estas líneas.

1. Misunderstood
2. Meteorite
3. Fuck Love
4. Deadend
5. Holding Back
6. The Devil
7. Skinnydipped
8. Burn
9. Birds By The Sea
10. Spirit (feat. Samoht
11. Anything 4 U
12. Unleavable
13. I Still Love You

La música que salió en la semana del 22 del 2 de 2022

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Hoy salen nuevos discos de Avril Lavigne, Tears for Fears, La Plata, Superchunk, SASAMI, Gang of Youths, Huerco S. e Ilegales, y Johnny Marr (de los Smiths) completa su serie de epés. Sevdaliza (con un nuevo EP), Ayax i Prok, Scorpions, Albany, Sweet California, Cali y El Dandee y Despistaos se suman también a la lista de lanzamientos.

En la semana del 22 del 2 de 2022 (aunque antes fue lunes 21) ha decidido volver Florence + the Machine con el primer single de su nuevo disco, y a ella se han sumado los regresos de Regina Spektor (después de 6 años), !!!, Hercules & Love Affair o Porridge Radio.

Entre los artistas que han seguido avanzando sus próximos proyectos se encuentra Rosalía con un single que está llamado a dividir a la audiencia; y también Dorian, Hidrogenesse, BANKS, Joe Crepúsculo, Toro y Moi, Röyksopp o Bloc Party.

The Vaccines han publicado un single nuevo de la nada, y entre los temas sueltos que pueblan la playlist se encuentra también lo nuevo de Tyga con Doja Cat, Mura Masa con Lil Uzi Vert, Shygirl y PinkPantheress, Montaigne con David Byrne, Rakky Ripper, Yarea, Miqui Brightside o Adiós Amores.

Para escuchar muchas más novedades te invitamos a suscribirte a las playlist de Sesión de control -dedicada a la música en castellano – o Flores en el estiércol, en la que Raúl Guillén selecciona sus novedades favoritas de las últimas semanas.

Lizzo señala que «inesperadamente», su nuevo álbum trata de amor

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Lizzo ha hablado en una entrevista con Variety sobre su próxumo álbum de estudio, que puede ser una realidad pronto, y se ha sentido impactada al darse cuenta de que, sorprendentemente para ella, su nuevo LP trata de amor. “Voy a decir lo siguiente. Es un disco de amor. Estoy estupefacta”.

La artista ya había cantado antes sobre amor, por ejemplo, sus singles ‘Juice’ y ‘Good as Hell’ tratan claramente la autoestima y amor propio, e incluso el título de su último álbum es ‘Cuz I Love You’. Lo que no ha querido desvelar es si el tema principal de este nuevo trabajo es el amor desde una perspectiva romántica o el amor en general, como ya ha venido haciendo hasta la fecha.

Hace unas semanas la cantante confirmó que había estado trabajando junto a Max Martin y Benny Blanco en nueva música. Además, Lizzo ha contado que los temas de su nuevo disco seguirán siendo autobiográficos, pero por el simple hecho de que ella cree en contar historias que son reales, aunque solo digan “estoy hablando con una amiga por teléfono mientras escucho buena música a mis espaldas”. “Creo que nunca seré ese tipo de artista que dice ‘este álbum trata sobre una historia que escribí’». De momento y hasta próximo aviso, lo único que hemos podido escuchar de su nuevo disco es ‘Rumors‘, el single que lanzó junto a Cardi B el año pasado.

‘A Ballet of Lepers’, la novela perdida de Leonard Cohen verá la luz en otoño

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‘A Ballet of Lepers’ fue una novela que Leonard Cohen escribió en Montreal en el año 1956, pero que tras ser rechazada por dos editoriales acabó en un cajón. Ahora, este libro se va a publicar junto a 15 cuentos y el guión de una obra de radio escritos entre 1956 y 1961 por el propio Cohen en una colección llamada ‘A Ballet of Lepers: A Novel and Stories’.

La novela cuenta la historia de un empleado de ventas de 35 años que se ve en la obligación de llevar a su abuelo solitario y cascarrabias a vivir con él a una pensión. En esta historia Cohen se centra en las relaciones tóxicas y lo lejos que puede llegar uno por mantenerlas, según indica un comunicado de prensa.

El autor ya dijo una vez que ‘A Ballet of Lepers’ probablemente sea mejor novela que ‘El Juego Favorito’, libro que sí publicó en 1963. Además, Robert Kory, fideicomisario del fideicomiso de la familia Cohen declaró: “Leonard dijo antes de su muerte que la verdadera obra maestra de su vida era su archivo, guardado meticulosamente en beneficio de fans y académicos para que algún día lo descubrieran. Me complace que, con este libro, sus lectores y oyentes puedan comenzar ese rico viaje”.

El lanzamiento de proyectos póstumos como este suelen ser muy polémicos porque no cuentan con el visto bueno del artista, y muchas veces el material tiene que ser completado por gente ajena al autor al estar inacabado, pero este caso se distingue del resto ya que Leonard Cohen escribió el libro de principio a fin e incluso intentó ponerlo en el mercado en dos ocasiones.

La colección se publicará el 11 de Octubre de 2022 en el Reino Unido, y también verá la luz en Estados Unidos y Canadá. Todavía no hay noticias sobre su posible lanzamiento en España.

Rosalía propone su baile de TikTok en el vídeo de la breve pero machacona ‘CHICKEN TERIYAKI’

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A Rosalía le encanta estrenar sus singles los jueves a las 18.00 (hora peninsular española) y ese ha vuelto a ser el caso de ‘CHICKEN TERIYAKI’, el sencillo de ‘MOTOMAMI‘ que da continuidad a ‘SAOKO’, el tercero en total de esta era.

Es otro tema brevérrimo, de apenas dos minutos de duración, que sigue por la vía del reggaetón transitada ya por Rosalía en ‘SAOKO’ o ‘Con altura’, con la que guarda más parecido por su sonido directo y machacón que incluso permite alguna toma vocal como mal grabada a propósito. Sin desvíos jazz de ningún tipo, ‘CHICKEN TERIYAKI’ busca el gancho facilón de un estribillo que repite la frase «pa’ ti naki, chicken teriyaki» de manera martilleante, y está totalmente rapeada.

La canción está co-escrita por hasta 7 personas, entre ellas Rauw Alejandro, pareja de Rosalía, y celebra el éxito material, en concreto, la posibilidad de adquirir «una cadena que me arruine toa’s las cuentas», entre referencias a Naomi Campbell y Julio Iglesias; y también contiene una posible autorreferencia cuando se pregunta si «la fama es una condena».

El estribillo de ‘CHICKEN TERIYAKI’ tiene además una coreografía muy concreta que Rosalía ya había avanzado en TikTok y que presenta en el videoclip, que tiene lugar en un estudio de baile. Se suceden pasos lloricas y pasos gatunos, hechos a medida para la mencionada plataforma y para su viralización inmediata, y acompaña a Rosalía una tropa de bailarinas… y un patinete eléctrico.

El nuevo disco de Rosalía verá la luz el 18 de marzo, en menos de un mes, con ‘LA FAMA’ aún fuerte en el top 20 de éxitos en España, al contrario de lo que sucede con ‘SAOKO’, cuya tendencia a la baja puede haber propiciado el lanzamiento de este nuevo single, con más entidad que ‘SAOKO’ por otro lado, que funciona más como intro.

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Disco de la Semana: Beach House / Once Twice Melody

Antes de que las redes sociales fueran un nido de crispación y fake news, de vez en cuando se viralizaban unos de mapas de metro, en los que los líneas eran estilos y las paradas, grupos históricos. Las canciones de Beach House siempre han sido un viaje en sí mismas y, además, su evolución histórica es como si hubieran escogido transbordar solo allí donde podían encontrar una versión mejor y más variada del dream pop que producían.

‘Once Twice Melody’ es ya su 8º álbum y también es una 8ª maravilla. Algunos opinarán que continúan haciendo básicamente lo mismo que al principio, solo que primero cada vez con más recursos, y después de manera más depurada. Puede ser. También lo es que no es nada fácil llegar a un 8º álbum presentando algunas de las mejores canciones de tu carrera, y hay que irse a tiempos muy remotos y a artistas del tamaño de los Beatles o R.E.M. para encontrar gente que a estas mismas alturas consiguiera renovarse y con composiciones a la altura. No voy a caer en el error de comparar ‘Once Twice Melody’ con «Sgt Pepper’s» o ‘Automatic for the People’ porque solo puede jugar en contra de Beach House, un dúo completamente desprovisto de ambiciones que nunca quiso componer un himno generacional ni colarlo en la serie o el anuncio de moda. Se nota que no saben ni qué decir de la viralidad de ‘Space Song’ en TikTok. Pero sí voy a poner en valor que Victoria Legrand y Alex Scally llegan a los 40 años (ella los cumplió en 2021, él lo hará el próximo verano), con un nivel de inspiración inusitado para artistas que se dieron a conocer a los 25.

Comenzando por el principio, hay que agradecer el modo en que se ha promocionado ‘Once Twice Melody’. Aunque la estrategia se les ha vuelto en contra y la edición física no podrá llegar hasta abril por los conocidos problemas de las fábricas de vinilos, nueva música de Beach House nos ha acompañado durante los últimos 4 meses, mientras otros siguen guardando sus temas en cajones a la espera de la nueva normalidad definitiva. Cuando la pandemia nos lanzaba otra ola de mierda, ellos nos ofrecían su disco dividido en 4 EP’s, y a cada cual mejor.

La primera parte de ‘Once Twice Melody’ contenía la canción titular, una estupenda progresión de lo acústico hacia lo kraut vinculable a los Portishead de ‘Third’, en la que Legrand nos transportaba a una «tierra de nunca-nunca jamás». Mejor incluso era ‘Superstar‘, de emocionante coda instrumental en el último minuto, versando sobre la perdurabilidad del amor. La segunda parte comenzaba con ‘Runaway’, una de sus producciones más excitantes y juguetonas, casi bailables, como una versión espídica de su clásico ‘Myth’, hablando de alguien que se ha ido, y con un riff de percusión completamente hipnotizante. Y se cerraba con ‘Over and Over’, otra de esas canciones de Beach House que hacia la mitad se transforman, sonando como una puesta de sol más grande que la vida.

Tiene gracia que el grupo bromee sobre sacar un disco de versiones, otro minimalista casi sin instrumentos y otro «extremadamente bailable» porque también se acerca a las pistas de baile a su manera una de las canciones principales de la tercera parte, ‘Only You Know’. Una tercera parte en la que el tema estrella es ‘Masquerade’, en el que conviven las voces distorsionadas con cierto espíritu electropop e incluso algún sinte que recuerda a los tiempos de Ofra Haza y Enigma. Las voces susurradas de ultratumba a mitad de la grabación nos hacen pensar que Beach House -como hizo Thom Yorke- también podrían musicar una adaptación de Dario Argento.

Estamos en 2022 y parece obligatorio quejarse por todo, por lo que supongo que hay quien ha recibido ‘Once Twice Melody’ cansade incluso de estas primeras 13 canciones, lamentando que sólo quedaran 5 grabaciones nuevas en las que sumergirse. Pero es que esas 5 canciones que hemos conocido esta semana también han merecido la pena, pues varias de ellas están a la altura de lo mejor que han hecho los autores de ‘Bloom‘ y ‘Teen Dream‘. Los sintes de ‘Finale’ no son tan lejanos a la moda italo disco, ‘Hurts to Love’ es una de las composiciones más inmediatas que jamás hayan entregado Beach House, logrando que todo fan de Stereolab o Magnetic Fields se derrita ante la ausencia de unos y otros; y atención a las dos últimas pistas. Mucho se está escribiendo sobre el gran cierre de ‘Modern Love Stories’, que deriva en guitarra acústica, algo muy raro para Beach House… pero la sencilla ‘Many Nights’ resulta una de sus más hermosas nanas.

Sí hay algo de continuismo aquí: ‘Through Me’ o ‘New Romance’ son cosas que ya nos han contado antes en distintas etapas de su carrera. La diferencia está en los detalles. Las cuerdas orgánicas aportadas por David Campbell por ejemplo en ‘Pink Funeral’ son un tanto Western, en una canción que apela a la muerte y al ‘Lago de los Cisnes’, o como sugiere alguien en Genius, quizá más bien a ‘Black Swan’. El tratamiento de las voces es cada vez más y más atrevido, como se aprecia en una parte de ‘Over and Over’. ‘ESP’ y ‘Sunset’ nos transportan a la era hippie, esta última con su letra tan floral. ‘Another Go Around’, que parece como producida por Enya, se compone de tan sólo 2 versos con la tranquilidad sabia de un Leonard Cohen, mientras el estribillo de ‘The Bells’ te lleva a los cielos de una manera en que solo conseguían el autor de ‘Hallelujah’… y ABBA.

Hablan las canciones de ‘Once Twice Melody’ de desamor y desencuentros de una manera directa no siempre vista en los textos de Legrand. En ‘New Romance’ la oímos entonar un estribillo que dice «I-L-Y-S-F-M», es decir «te amo jodidamente tanto». También nos hablan de contemplar las estrellas, de «siglos de luz» y «rubíes en el pelo» (‘Illusion of Forever’) con el lirismo y el nivel de abstracción que siempre adoramos en el misterioso dúo, que aún a día de hoy no aclara su hipotética pertenencia al colectivo LGTB+ ni el amor platónico entre ambos. Y no es casualidad que a todo el mundo le dé igual. Para todos aquellos que sintieron algo tumbados frente a una noche de verano, este nuevo disco de Beach House es otro objeto de coleccionista, otro tesoro, incluso aunque tengamos que aguardar hasta abril por el placer de abrazarlo; el que supone disfrutar de un universo en inagotable expansión y formación.

Covaleda Fest, con Rojuu, La La Love You, Luna Ki… agota sus primeros 5.000 abonos en 6 horas

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“Music in the woods”: así se anuncia el Covaleda Fest, un festival en plena naturaleza que ha agotado sus primeras 5.000 entradas en cuestión de horas. Tendrá lugar en el recinto del Raso de La Nava en Soria entre el 4 y el 7 de agosto, y cuenta con varias opciones de alojamiento.

Una selección muy joven y novedosa de artistas hacen de este festival una opción atractiva para este verano, con nombres como Rojuu, Rusowsky, Luna Ki, Hens, Sticky M.A., Mori, Chico Blanco o La La Love You, además de distintas actividades relacionadas con la naturaleza y la sostenibilidad: “pasarelas, exposiciones, showcookings, market”… Tanto la sostenibilidad como la tolerancia y el respeto de culturas, colectivos y géneros se fomentarán a lo largo de los días, según la nota de prensa.

En cuanto a la zona de descanso, Covaleda cuenta con un camping en el propio recinto, un glamping como opción más exclusiva y un parking de autocaravanas para los que prefieran viajar de esta manera. Los abonos del alojamiento se pondrán a la venta próximamente.

Hasta agosto, el festival ha organizado varios conciertos bajo el lema “Road to the woods”, con los que acerca algunos de los artistas que estarán presentes en Covaleda a nuestras ciudades. De momento está programado el concierto de La La Love You en Gijón el 18 de marzo y todavía quedan entradas.

Tras el sold out en 6 horas de los primeros 5.000 abonos que salieron desde un precio de 19,90€, la organización ha abierto un nuevo cupo de 2.500 abonos, esta vez a un precio de 49.90€ . Una vez agotadas, los precios se seguirán incrementando hasta llegar a los 15.000 asistentes al festival. Pueden comprar los abonos aquí.

Hercules & Love Affair compone con ANOHNI buena parte de su nuevo disco: escucha ‘Grace’

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Hercules & Love Affair ha anunciado que su nuevo disco sale el 17 de junio. ‘In Amber’ llegará cinco años después del notable ‘Omnium‘ con la particularidad que ANOHNI ha formado parte de la composición de las canciones de manera relevante.

Andy Butler y ANOHNI han escrito juntos «buena parte» de este trabajo en palabras del líder de Hercules & Love Affair, pero se desconoce si también ha participado en la grabación de voces. No hay que olvidar que ANOHNI es intérprete de la canción más famosa de la banda, ‘Blind’ (entonces firmaba como Antony and the Johnsons), y tampoco que volvió a colaborar con «Hercules» en un remix de ‘Raise Me Up’ publicado en 2019.

‘Grace’, el primer adelanto de ‘In Amber’, incluye a ANOHNI en los créditos de composición, pero no es ningún rompepistas. La canción llega marcada por el sonido de una diáfana melodía de piano y alberga un punto afrobeat en el ritmo de tambores y punteos de guitarra, pero sobre todo transmite una atmósfera de calma y serenidad más próxima en realidad a The xx, mientras en la letra Andy clama no necesitar permiso de nadie para ser quien es.

‘In Amber’ contará también con las colaboraciones de Budgie de Siouxsie and the Banshees, la cantante islandesa Elin Eyþórsdóttir y el multiinstrumentista Reinhard Vanbergen, y el videoclip de ‘Grace’ se estrenará oficialmente en Youtube esta tarde a las 16 horas.

1. Grace
2. One
3. You’ve Won This War
4. Christian Prayers
5. Dissociation
6. Contempt for You
7. Gates of Separation
8. Killing His Family
9. Who Will Save Us?
10. The Eyes of the Father
11. Poisonous Storytelling
12. Repent


Metronomy: «El mundo no tiene otra opción que retirar las restricciones»

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Metronomy ha vuelto este año con un nuevo disco llamado ‘Small World‘ que es todo lo contrario al anterior: sencillo, corto, conciso. Es el disco post-pandemia de Joseph Mount y la experiencia colectiva del confinamiento ha sido una de sus inspiraciones, así como la naturaleza. Hablamos con el músico británico vía Zoom sobre este trabajo que sí podrá presentar en directo, como ya está haciendo en una gira que pasa por España en muy pocos días: el 4 de marzo estará en La Riviera de Madrid, el 5 en la sala Moon de Valencia, y el 6 en la Razzmatazz 1 de Barcelona.

El disco está inspirado en parte por la naturaleza, pero leyendo las letras no me queda muy claro dónde está esa inspiración.
Es más bien una cosa estética, cuando haces música que se inspira en el mundo natural no significa que las canciones incorporen sonidos de pájaros, sino que evocan una atmósfera. Cuando el ser humano interactúa con la naturaleza, esa interacción es muy simple y está totalmente sometida a los sentidos: lo que sucede y lo que escuchas es lo mismo, nada se altera. El disco es parecido, la instrumentación es simple y lo que ocurre en los oídos no es demasiado complicado.

El disco suena sencillo, que no simple.
En todos los años que Metronomy lleva en activo y he hecho muchas cosas y experimentado con diferentes sonidos, y con ‘Small World’ quería descubrir cómo sonaría un disco de Metronomy si nunca hubiera usado sintetizadores ni hecho música electrónica, quería liberarme de la idea de lo que se supone que es el grupo.

¿Has trabajado con la idea de hacer un disco conciso?
El disco anterior traía 17 pistas, era épico, y esta vez quería hacer un disco más corto, aunque parte de la razón por la que ‘Small World’ es corto es porque el año pasado saqué un EP con cinco canciones y artistas invitados, y publicar ese trabajo me permitió centrarme en que este nuevo disco fuera más conciso y cohesivo.

«Llevé estupendamente no salir de gira, no me venía un mal un descanso»

Cuando aludes a un “mundo pequeño”, ¿qué quieres decir?
El título posee dos significados, ambos relacionados con la pandemia. Yo me dedico a tocar y hacer giras y normalmente viajo mucho, pero con la pandemia de repente todo mi mundo se redujo a las cuatro paredes de mi casa y a todo lo que había en su interior, como mis hijos y mi prometida. Sin embargo, esta sensación de aislamiento en realidad era compartida a nivel global, porque todo el mundo se encontraba en la misma posición. Cuando compartes una experiencia de este tipo con el resto del mundo te das cuenta de que el mundo no es un lugar tan grande por mucho que nos separen distancias geográficas o económicas.

¿Cómo tiraste adelante durante el confinamiento?
Me centré en lo que había a mi alrededor. Tengo hijos y mi prometida y yo les impartíamos clases ya que no podían asistir a la escuela. E imaginaba cómo era mi vida antes de todo aquello… Mi profesión se convirtió de repente en un recuerdo.

¿Cómo llevaste no poder dar conciertos?
¡Lo llevé estupendamente! (ríe) Llevo desde 2006 haciendo giras y no me vino mal un descanso. El problema llegó cuando parecía que aquello no iba a tener fin, y que quizá ya no volvería a salir de gira nunca más. Hubo mucha incertidumbre… Y hay que tener en cuenta que en las giras no solo trabajan los artistas, sino que también trabajan cientos de miles de personas empleadas en los conciertos que también se quedaron sin trabajo y no sabían cuándo iban a volver.

El disco es optimista, pero tiene un fondo melancólico, ¿te interesa ese contraste?
Quería escribir canciones que reflejasen el estado de ánimo en el que me encontraba en aquel momento. Fue un placer estar en casa y disfrutar de mi familia pero también pasé incertidumbre por lo que sucedería con mi carrera, estaba preocupado por otros miembros de mi familia, por mis amigos y por la gente en general…

«El mundo no tiene otra opción que retirar las restricciones, es una cuestión económica»

En Reino Unido ya han quitado todas las restricciones.
El mundo no tiene otra opción. Es una cuestión económica, los países para que funcionen tienen que estar activos. En Reino Unido han tomado medidas un poco agresivas y mucha gente no está cómoda con la idea de que todos los sitios vuelvan a estar abiertos, pero es lo que tienen que hacer.

‘It’s good to be back’ llama la atención en el disco, como que pega pero no. ¿Es de las últimas que escribiste?
Es una canción que trata de estudiar las necesidades de la industria de la música desde una perspectiva externa y con un punto de humor. Un ejecutivo discográfico que se encontrase con un disco «introvertido» de Metronomy sobre «volver a las raíces», sugeriría que el grupo necesita hacer algo para «conectar con la gente joven». En ‘It’s good to be back’ intento hacer un beat de tecno, pero no entiendo el tecno y le añado una guitarra acústica. La canción empieza con ironía, pero se convierte en una cosa genuina.

Hay algo de easy-listening en ‘Things will be fine’ o en las cuerdecillas de ‘Right on time’. ¿Con qué referencias has trabajado en este disco?
Todo viene de la misma fuente, pero diría que más de los 60, lo que referencio son los artistas posteriores que se inspiraron en esa época, como los Dexys Midnight Runners. Más que la música original, me inspiro en el revival.

Aparte de escuchar música en el coche de tus padres, ¿qué otros recuerdos de tu infancia atesoras?
Cuando tienes hijos te das cuenta que, muchas veces, aquello que te emociona de pequeño se queda contigo y moldea la persona en la que te conviertes. Yo recuerdo la primera vez que vi ‘Jungla de cristal’ o que jugué a la Nintendo… son momentos que parecen insignificantes pero que después se convierten en recuerdos.

¿Cómo será el show que preparais?
¡Aún estamos en ello! Sea como fuere estaremos muy emocionados de poder tocar para los fans otra vez. Por supuesto habrá atrezzo y visuales pero lo más grande será la emoción de volver a subirnos a un escenario.

Lucius bailan a través de la adversidad en la divertida ‘Next to Normal’

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Entre los grandes temas que nos ha dejado 2022 y que nos ha descubierto nuestro compañero Raúl Guillén en su playlist Flores en el estiércol, está el tema principal del próximo disco de Lucius. El proyecto de Holly Laessig y Jess Wolfe debutaba en 2013, publicando un segundo disco en 2016, ‘Good Grief’. En este tiempo han realizado grandes colaboraciones como la vista en la mejor canción del último de The War on Drugs, o la ideada junto al mismísimo Harry Styles en este directo.

‘Next to Normal’, hoy nuestra «Canción del Día», al igual que el ya conocido single baladesco ‘White Lies’, estarán incluidos en ‘Second Nature’, el nuevo disco de Lucius que saldrá a la venta el próximo 8 de abril. También contendrá una colaboración con Brandi Carlile, con quien trabajaron en el que ha acabado siendo el mayor hit de su carrera, ‘You and Me on the Rock‘.

El álbum de Lucius ha sido co-producido por la misma Brandi Carlile y documenta cuestiones como la maternidad, el divorcio o el parón de su carrera musical, si bien no pretende «asentarse en los momentos difíciles, sino bailar a través de ellos». Y eso es lo que consigue ‘Next to Normal’, un tema alejado de sus sonoridades más country, para acercarse en cambio a los ritmos disco en un tema que muchos canturrearán con su mejor falsete, y que tiene un punto de comicidad en una letra que las muestra «sin habla»: «Cuando estoy a tu lado, soy algo parecido a normal, me siento inmortal, estoy colocada pero sin la paranoia». A destacar una producción ambiciosa por la que lo mismo se podrían asomar Black Keys que Björk en su momento más absorbente.

1. Second Nature
2. Next To Normal
3. 24
4. Heartbursts
5. Dance Around It (feat. Brandi Carlile and Sheryl Crow)
6. The Man I’ll Never Find
7. Promises
8. LSD
9. Tears in Reverse
10. White Lies

Lo mejor del mes

Yaunest nos habla de la influencia de Connie Francis y The Vogues en su single debut

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Yaunest es uno de los nuevos nombres que has podido descubrir en la playlist Sesión de control que renovamos cada miércoles. Su single lleva ya varios días rotando en redacción: su sonido de pop retro es un soplo de aire fresco.

Tras Yaunest se encuentra Jaume, un cantautor y vocalista empordanés que en su música «habla sin grandes ornamentaciones líricas, con sencillez y sinceridad, sobre el amor, la frustración, las inseguridades, el miedo al conformismo, a estancarse en una vida aburrida que no desea, y sobre rebelarse frente a las cosas que no nos hacen felices». El dúo de productores catalán b1n0, formado por Emili Bosch y Malcus Codolà, le acompaña en la producción.

El primer EP de Yaunest ‘Wonder Room’ verá la luz en primavera a través de Foehn Records, y llega con el apoyo de este single llamado ‘Broken Bones, Wasted Time’ en el que hoy nos detenemos. Un tema de corte bedroom-pop en baterías y guitarras, en forma de balada, que incorpora el sonido de unas cuerdas que suenan extraídas de una película romántica de los años 40 o 50.

Es una canción ensoñadora que transmite ese mismo romanticismo a través de la letra, con un estribillo que clama «prefiero echarte de menos sesenta veces al día, que ver cómo nuestro amor se desvanece», en alusión a una relación que ha llegado a su fin entre «peleas interminables». Hablamos con Yaunest sobre su proyecto y la Canción Del Día:

¿Cómo surge el proyecto de Yaunest?
Pues el proyecto nace de un par de canciones hace tiempo que tenía ganas de producir y grabar. No me atrevía demasiado a enseñarlas, pero acabé viendo qué necesitaba hacer algo con ellas para mi salud mental y me tope con Emili en el momento adecuado. Fue gracias a un colega, Marc, que me insistió en que tocara uno de estos temas un día que estaba de visita en Cardamomo, el estudio de los hermanos Bosch. A Emili le moló el tema y hablamos de cerrar algunas fechas.

¿Has estado antes en otras bandas o proyectos musicales?
Estuve en una banda de los 15 a los 18 con mis colegas del pueblo versionando la mayor parte del repertorio de The Strokes, Creepy Gentleman, nos llamábamos, hicimos algunos temas nuestros pero poco más, fueros unos años muy divertidos. Ahora mismo aparte de Yaunest también estoy tocando el bajo en el proyecto de MTINES, donde me divierto mucho.

¿El nombre de dónde viene?
Hahaha suponía que tendría que explicarlo en algún momento: Yaunest viene de una tergiversación de mi nombre, me llamo Jaume y, cuando se ponían finos, la mayoría de mis colegas me solían gritar yaume o yaune y se me quedó durante un tiempo. Al final se convirtió en Yaunest por ser en mejor que Yaune, que pudo ser, es una tontería heavy, pero ahí está.

Tu single tiene sonidos muy retro, tipo años 40/50. ¿Te inspira la música de la época? ¿Algún artista o canción en concreto?
La verdad es que sí, sobre todo durante el momento de componer y pensar este tema estaba escuchando un montón de canciones de la época y creo que el rollo pegaba mucho con el mensaje de la letra. Lo que más me molaba era cómo funcionaban las estructuras y los pequeños detalles como subir de tono para alargar los estribillos o finales, creo que estas partes definen mucho el estilo y ya no se usan demasiado. ‘Who’s Sorry Now’ de Connie Francis y ‘My Special Angel’ de The Vogues fueron los dos temas a los que más me enganché.

La producción es de b1n0, que son conocidos por sus beats electrónicos. ¿Cómo llegas a trabajar con ellos?
Sí produje el EP entero con Emili Bosch de b1n0 y estoy súper contento. Emili trabaja muy bien el timbre en los proyectos en los que se involucra y me ayudó mucho a definir el camino sonoro por donde dirigir el EP. Sabíamos que la electrónica en los beats no encajaba demasiado pero enseguida conseguimos encontrar lo que buscábamos para dar otra identidad al proyecto.

¿Algo que puedas adelantar de tu inminente EP?
Me gusta pensar en el EP como en un espacio donde he podido experimentar con hacer la música que me gusta y esto quizá me ha llevado a ir de lo retro a sonidos más actuales, creo que todo tiene coherencia pero hay distintos terrenos que intento explorar.

Revelación o Timo:

Sesión de control

Sesión de Control: Biznaga con Triángulo, Rorro, AKA Matador…

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Renovamos nuestra playlist «Sesión de Control» con las últimas novedades del pop en castellano. Triángulo de Amor Bizarro acompañan a Biznaga en el segundo adelanto del álbum de estos, un tanto The Cure en melodía. También Joe Crepúsculo, Dorian, Antònia Font, Soledad Vélez y Compro Oro continúan entregando singles de sus inminentes nuevos álbumes. En el caso de Escuelas Pías, ‘Los chicos salvajes’ es el primer adelanto del álbum que sacan este mismo viernes 25 de febrero.

Hay nuevos temas de habituales del site, como Rorro, La Plata, Ganges… y Mueveloreina publicaban un single especial por San Valentín inspirado en su «crush», Tom Cruise. Alice Wonder ha publicado su segundo sencillo este año tras ‘BOO’. Por su parte, One Path se suma a una de las canciones que ya nos habían conquistado de Valdivia, ‘La Cruz’.

Han salido los álbumes de Summer Spree, Ofrenda Floral y Estrella Fugaz. Entre los noveles, destacamos a AKA Matador (en la imagen) o 6orka, el proyecto de un joven vasco residente en Cataluña inspirado por el hyperpop de 100 gecs, AG Cook o PUTOCHINOMARICÓN.

Selbor, residente en UK, se inspira en el house noventero y el synth-pop de gente próxima a DFA como Hot Chip. El dream pop está representado por el dúo Capricornio Uno, el shoegaze por Salvana, el synth-pop por Fominder y el R&B con matices por la catalana Gigi Ros.

Dorian detallan su disco ‘Ritual’, con Alizzz, Ana Mena, Lido Pimienta…

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Dorian han compartido los detalles de su nuevo disco, ‘Ritual’, que verá la luz el 22 de abril con esta portada que recuerda a la de ‘Dangerous’ de Michael Jackson pero también a una visión psicodélica producida por la Ayahuasca. El álbum contendrá 11 pistas y colaboraciones de Alizzz (con un tema co-escrito junto a Dorian), Ana Mena, Lido Pimienta y Pimp Flaco, entre otras.

El segundo adelanto de ‘Ritual’ tras ‘Dual’ con Pimp Flaco se ha dado a conocer hoy y no incluye feauturings. Se titula ‘Tornado’ y habla sobre el fenómeno de la gentrificación. En concreto su letra está dedicada a aquella «generación que quedó atrapada entre el crack financiero de 2008 y la crisis del coronavirus» y su texto alude cual canción de Biznaga a un futuro y a una generación perdidos cual canción de Biznaga, eso sí, a través de un ritmo electropop.

Os recordamos que Dorian presentarán ‘Ritual’ a través de una gira que llevará a la banda por varias ciudades de España a lo largo de 2022, hasta concluir con dos grandes conciertos en el WiZink de Madrid y en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

1. Mundo perdido Feat. Youthstar
2. Dos vidas
3. No dejes que pase el tiempo Feat. Ana Mena
4. Rubik
5. Libre Feat. Lido Pimienta
6. Lento
7. Energía rara (compuesto por Dorian y Alizzz)
8. Tornado
9. Techos de cristal
10. Dual Feat. Pimp Flaco
11. Universal Feat. Suu

Detergente Líquido y la «tenacidad del error» indie pop

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El Benidorm Fest no ha inventado tanto. Hace 6 años, por ejemplo, Detergente Líquido se colaron entre los semifinalistas de la preselección de entonces. Les entrevistábamos y contestaban en 2016 sobre sus posibilidades en Eurovisión: «Si ha ganado Trump en USA, si Rajoy sigue como Presidente del Gobierno en nuestro país, cualquier cosa puede pasar».

Ahora acaban de publicar su cuarto disco, titulado ‘Contumacia en Primavera’, presentado por un single de corte «early Strokes» titulado ‘Corre, Kosecki’, pero en el que después aparecen producciones muy diferentes que navegan por el shoegaze, el indie pop, la balada densa de noise pop o incluso un poquito el folclore español, esto último presente en el ritmo y las palmas de ‘Naturaleza y sociedad’. El pop sintético de pequeños hits pasados como ‘Poesía eres tú, Robocop‘, y títulos tan vistosos como ‘Perraguarra‘ quedan aparcados.

El grupo ya autor en el pasado de discos como ‘Ponte en lo peor. Llámame el lunes’ (2015), ‘Mirad lo que me habéis hecho hacer. Por favor’ (2017) o ‘Con miedo al amor por las personas sin tiempo’ (2018) ha fichado por el sello mexicano Casete y también se ha aliado con el sello japonés Galaxy Train Records; recordando las famosas exportaciones históricas de Elefant o Jabalina a lugares tan remotos.

Alberto Rodway, habitual portavoz de la banda, explica el título del álbum recordando que «la RAE define la contumacia como la tenacidad y dureza en mantener un error», identificándolo con el grupo, pues «lo que hacemos, mirado desde cualquier punto de vista racional, no tiene ningún sentido».

El error y la pereza son los temas principales de ‘Nuevos contenidos’ y esa vocación pesimista inherente al indie español de los años 90 se encuentra en unas canciones cuyas letras hablan de la vida con cierta melancolía, perceptible en títulos sobre el fracaso como ‘Rollo poético existencial’; en melodías tan dramáticas como ‘Telegrama’ o en el desencuentro con el amor del que parte ‘El silencio detrás’. El álbum se afianza en los caminos más Klaus&Kinski y La Buena Vida, y menos en el pop Elefant, introduciendo casi al final la rockera y necesaria ‘Un desastre que pudo ser un estorbo’.

Detergente Líquido presentan en vivo ‘Contumacia en Primavera’ desde este mismo sábado 26 de febrero, cuando les aguarda la ciudad de Madrid (Maravillas Club), para después llegar a Valencia con motivo de los Concerts de La Marina a la Pèrgola, junto a Capitán Sunrise y Side Chick (sábado 12 de marzo); a su Cádiz natal el viernes 18 de marzo en Campus Rock junto a Australian Blonde; y finalmente al ciclo Microsonidos de Murcia (2 de abril).



Josef Salvat / Islands

La buena noticia para Josef Salvat es que sus seguidores saben la música que siempre le ha gustado: el electropop por la vía de Robyn y Years & Years siempre estuvo en su imaginería desde los tiempos de su debut ‘Night Swim‘, como también lo estaba la pesadumbre de una Lana del Rey.

La mala es que los temas principales de su tercer álbum ‘Islands’ suenan entre mucho y demasiado a los mayores hits en los últimos tiempos de Dua Lipa y The Weeknd, así que habrá quien piense al escuchar el tema estrella ‘I’m Sorry’ que estamos ante otro advenedizo de los años 80. Un tema al que además sucede en la secuencia del álbum un ‘Promiscuity’ muy fácil de asociar a las guitarras de INXS o Prince… Exactamente esto parece el paso de ‘Physical’ a ‘Break My Heart’ en la sucesión de singles de ‘Future Nostalgia‘.

Como anticipándose a las críticas, Josef Salvat ha explicado que escribió ‘I’m Sorry’ en 2013, nada menos que junto a Justin Parker, muy conocido entonces por haber estado componiendo con la misma Lana del Rey; y que simplemente estaba aguardando el momento adecuado para publicarlo. Quizá ese momento habría sido idóneo hace un par de años o tres, si bien es difícil negar su eficacia para adentrarnos en un álbum que no da palos de ciego, sino que se ciñe sin sonar repetitivo a una estética similar.

Si ‘I’m Sorry’ suena como todo un llenapistas en nuestros corazones, lo mismo sucede con el italo disco de ‘Changes – Without You’ o con ‘Happy’ cuando esta decide levantarse de la silla. Otros temas con potencial aportan detalles diferentes, pero sin alejarse demasiado del redil: ‘So Lite’, entre la Britney más pop y los sonidos tropicales, e incluso ‘Sunbeams’ y ‘Honey on the Tongue’ con su vocación de baladas guiadas por el piano apuestan por una producción sumergida en la década de la laca.

‘Islands’ es por tanto un disco muy cohesivo y natural, en el que el único featuring es el de los participantes de la orgía de ‘Promiscuity’, con la que Josef Salvat invita a hacer el amor en los tiempos de la crispación y el odio, «tengas 18 años u 80». Un himno hedonista en contraste con otras canciones que hablan de sus inseguridades (‘The Drum’), las relaciones en las que hacemos daño (‘I’m Sorry’), el despecho (‘Happy’) o la crisis de los 30 cuando tus amigos se empiezan a casar (‘Islands’).

No le ha sentado mal a Josef Salvat alejarse de las multinacionales para publicar ‘Islands’ en un sello pequeño. Para tratarse de un tercer disco se habría agradecido algo más de riesgo o sorpresa, pero por lo demás es un álbum fiel a sí mismo hasta el punto de la honestidad brutal. El artista escribió ‘The Drum’ justo tras la muerte de David Bowie y en ella se desnuda de esta manera: «Soy un campeón, pero no de los que ganan, sino de los que lo intentan».

!!! buscan atronar el mundo junto a Sink Ya Teeth en el primer single de su nuevo disco

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!!! -se pronuncia Chk Chk Chk por si a alguien se le ha olvidado ya- anuncian su noveno álbum de estudio, con el nombre de ‘Let It Be Blue’, a la venta el 6 de mayo de 2022. Será el sucesor de ‘Wallop’ (2019). El primer sencillo cuenta con Maria Uzor del dúo de electrónica post-punk británico Sink Ya Teeth, se llama ‘Storm Around The World’ y es la típica canción que va de menos a más, comenzando con pocos instrumentos que van sumando y sumando -lo que incluye guitarras acústicas- en busca de un clímax final.

Oficialmente, la canción es una conversación en un autobús nocturno entre Maria Uzor y el miembro de la banda Rafael Cohen. Así la presentan !!!: “Es una canción que hemos tenido desde el último álbum que realmente no se enfocó hasta que Maria Uzor de Sink Ya Teeth agregó su parte y la convertimos en un dúo. En principio era un entrenamiento ácido sobre padres que se van de gira, pero se convirtió en mucho más que eso con su voz, que es a partes iguales cantar y hablar, y cuyas letras ayudaron a agregar familiaridad y misterio a la canción».

Continúan explicando sobre el largo ‘Let It Be Blue’: «En este disco buscábamos arreglos mínimos básicos (principalmente subgraves, batería y voces) y ese enfoque es lo que finalmente nos permitió apoyar las partes vocales de una manera que funcionó». Su sello lo define también como «un disco de una escasa música dance». Os dejamos con sus fechas en España, previas al disco, y con el tracklist del álbum.

Mar 30 – Madrid, ES – Teatro Eslava
Mar 31 – Valencia, ES – Moon Valencia
Apr 01 – Barcelona, ES – Sala Apolo

1. Normal People
2. A Little Bit (More)
3. Storm Around The World (feat. Maria Uzor)
4. Un Puente (feat. Angelica Garcia)
5. Here’s What I Need To Know
6. Panama Canal (feat. Meah Pace)
7. Man On The Moon (feat. Meah Pace)
8. Let It Be Blue
9. It’s Grey, It’s Grey (It’s Grey)
10. Crazy Talk
11. This Is Pop 2

Florence + the Machine reflexiona sobre el género en la épica ‘KING’

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Florence + the Machine ha estrenado el vídeo de ‘King’, el «capítulo 1» de un nuevo proyecto que ya ha empezado a desvelar en su página web, en la que pueden verse 15 cartas del tarot colocadas del revés a excepción de la primera, que lleva precisamente el nombre de esta canción. En ‘King’, Florence declara «yo no soy madre, yo no soy novia, yo soy un rey». Os recordamos que la artista está confirmada en el cartel de Mad Cool de este año: es cabeza de cartel de la jornada del sábado 9.

La canción empieza bastante desnuda, con la voz distinguible de Florence acompañada por un ritmo de batería trotón y una cruda línea de bajo. Solo al final, con la aparición de instrumentos de viento y cuerda, ‘King’ se convierte en otra producción épica y barroca de Florence.

Florence cuenta que ‘King’ está inspirada en la idea de género. Cuenta que como artista nunca reflexionó sobre el género porque siempre se ha considerado igual de buena que los artistas masculinos, muchos de los cuales idolatra, pero que a medida que ha cumplido años se ha dado cuenta que los retos a los que se enfrenta como mujer en la industria no son los mismos a los que se enfrentan los hombres, lo cual ha provocado que sienta un cisma entre «mi identidad y mis deseos».

La imagen es obra de la fotógrafa Lillie Eiger, quien daba más pistas acerca del retorno de la autora de ‘High as Hope’. Mostraba una carta de tarot con dicha imagen impresa, en la que podía leerse la palabra «KING» a pie de página.

The Weeknd descenderá al purgatorio de ‘DAWN fm’, su «directo más sofisticado»

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The Weeknd continúa con la promoción de ‘DAWN fm‘ y ha anunciado el estreno global de ‘The Weeknd x The Dawn FM Experience’, un nuevo especial en directo que podrá verse en Amazon Prime a partir del próximo sábado 26 de febrero.

Será un espectáculo musical y teatral, ambientado en un club nocturno que simbolizará el purgatorio, y que se describe también como «experiencia inmersiva» para la audiencia. Abel presentará ocho canciones de ‘DAWN fm’ que después podrán escucharse en formato audio a través de un EP que estará disponible de manera exclusiva en la citada plataforma.

Y lo de teatral va en serio. El tráiler de ‘The Weeknd x The Dawn FM Experience’ muestra a The Weeknd caracterizado de anciano, como toca en esta era, llegando a un almacén que probablemente será ese club/nocturno que describe la nota de prensa.

En palabras para Amazon Prime, Abel ha declarado que “estoy feliz de unirme a Amazon para presentar el especial en directo más sofisticado que haya hecho nunca. Bienvenidos a la siguiente fase de Dawn FM—un purgatorio donde el directo, el teatro, y las interpretaciones artísticas tienen cabida en un club nocturno».

The Weeknd seguirá así apoyando el contenido de su nuevo disco, que ha resultado un éxito pero no tan grande como se esperaba, debido a su extraño lanzamiento en los primeros días de enero.

Ayuso presume de Primavera Sound, topando con críticas encontradas

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El mismo 23-F que Pablo Casado se ha despedido del Congreso de los Diputados tras perder el apoyo de los barones del Partido Popular en su guerra contra Ayuso por un posible caso de corrupción, esta ha comentado «grandes noticias» en Twitter. Aunque algunos esperaban otras cosas tras semejante encabezamiento, las que la presidenta de la Comunidad de Madrid consideraba tales eran la llegada del Primavera Sound a la provincia, a unos 40 kilómetros de la Puerta del Sol. Sucederá en 2023, una semana después de la edición en el Fòrum de Barcelona, en la localidad de Arganda del Rey. Donde aquel efímero invento de Rock In Rio.

Ayuso comentaba: «cada vez son más los proyectos culturales, gastronómicos o turísticos que eligen esta región libre, abierta y pujante», recibiendo el aplauso de muchos de sus followers. Pero esta vez su anuncio no ha sido el camino de rosas de su Instagram. Tan sólo un día después de que Anticorrupción confirme que va a investigar el caso de la compra de mascarillas que dejó a su hermano una comisión de 55.000 euros -según el propio PP esta cifra puede ascender a 286.000 euros sumando otros 3 contratos que según Ayuso no guardan relación con la Comunidad-, el recelo de los usuarios es evidente. Las bromas sobre si el hermano de Ayuso pasará entradas, montará los escenarios, hará las luces o los bocatas de calamares no se han hecho esperar; como tampoco la ocurrencia sobre si su amigo Nacho Cano será el cabeza de cartel.

Hay quien recuerda las largas listas de espera que existen en Madrid para asistir al médico de cabecera o a los centros de especialidades, aunque también hay quien subraya el apoyo a los músicos y los creadores con esta iniciativa. Recordemos que Ayuso porta un tatuaje de Depeche Mode en el brazo, en concreto de su disco ‘Violator’, aunque curiosamente Depeche Mode han sido siempre más de FIB o Bilbao BBK Live que de Primavera Sound.

Por otro lado, Ayuso no solo ha tenido que lidiar con quienes dudan de su ejemplaridad tanto como su ex amigo Pablo Casado, sino con la propia derecha. Hay quien también ha traído a colación aquel comunicado de prensa que Primavera Sound emitió tras el 1-O, cuando gobernaba Rajoy y la policía trató a palos los intentos de referéndum. El Primavera Sound se posicionó entonces en favor de «los activistas catalanes» y de «la democracia», instando “al debate y a la expresión serena, cívica y pacífica”, es decir, al diálogo por el que no apostó el PP.

Más feo aún, hay quien recuerda la vinculación entre Arganda del Rey y la trama Gürtel a través del exalcalde de la localidad Ginés López (Partido Popular), que dimitió en 2009 por su imputación. El Confidencial publicaba en 2020 un reportaje sobre el fiasco de la Ciudad del Rock de Arganda del Rey, afectada por la corrupción, la crisis económica de 2008, y las malas comunicaciones con la capital. Esperemos que esta vez se gestione el evento de mejor manera en una Comunidad de Madrid gestionada por el mismo partido desde hace 26 años, y muy necesitada de propuestas artísticas como esta.

Daft Punk celebran el 25º aniversario de ‘Homework’

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Daft Punk ha revuelto las redes con actividad en sus cuentas de Instagram y Twitter, publicando varias fotos que hacían plantearse la hipótesis de su regreso a muchos fans, un año después de haberse anunciado su separación de manera dramática para el mundo. Lo cierto es que parece muy difícil que vayan a volver con nueva música, pero sí parece que han tenido una separación civilizada a lo R.E.M., que les permitirá revisitar su obra de vez en cuando.

El grupo retransmitió a las 22:22 del 22/02/2022 vía Twitch un concierto que ofrecieron en el Mayan Theatre de Los Ángeles en 1997. Cuando se cumple el 25º aniversario del mismo, se cumple también el 25º aniversario de su álbum debut ‘Homework’, y por tanto lo reeditarán.

‘Homework’ fue un disco seminal a finales de los años 90 que cambió el curso de la electrónica para siempre gracias a maravillas como ‘Around the World’ -con vídeo coreografiado por la española Blanca Li– o ‘Da Funk’ y ahora lo revisitarán de la siguiente manera: con una edición nueva en vinilo de ‘Homework’, una digital con remixes y además otra reedición del directo ‘Alive 97’. ‘Homework (25th Anniversary Edition)’ quedará así:

Disc 1: Homework – Original Album:
01 Daftendirekt
02 WDPK 83.7 FM
03 Revolution 909
04 Da Funk
05 Phoenix
06 Fresh
07 Around the World
08 Rollin’ & Scratchin’
09 Teachers
10 High Fidelity
11 Rock’n Roll
12 Oh Yeah
13 Burnin’
14 Indo Silver Club
15 Alive
16 Funk Ad

Disc 2: Homework Remixes:
01 Around the World (I:Cube Remix)
02 Revolution 909 (Roger Sanchez & Junior Sanchez Remix)
03 Around the World (Tee’s Frozen Sun Mix)
04 Around the World (Mellow Mix)
05 Burnin’ (DJ Sneak Main Mix)
06 Around the World (Kenlou Mix)
07 Burnin’ (Ian Pooley Cut Up Mix)
08 Around the World (Motorbass Vice Mix)
09 Around the World (M.A.W. Remix)
10 Burnin’ (Slam Mix)
11 Around the World (Original Lead Only)
12 Burnin’ (DJ Sneak Mongowarrier Mix)
13 Around the World (Raw Dub)
14 Teachers (Extended Mix)
15 Revolution 909 (Revolution A Capella)

Kanye West presenta en vivo ‘Donda 2’, con Marilyn Manson, DaBaby, Alicia Keys…

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Hace escasas horas ha terminado el concierto ‘DONDA EXPERIENCE PERFORMANCE’ que Kanye West ha llevado a cabo para presentar su nuevo álbum, ‘Donda 2’. El evento, también llamado ‘Donda listening party’, se ha celebrado en Miami y ha contado con la compañía de varios polémicos artistas cuya presencia no ha sorprendido, y otros que sí.

Ye ha subido al escenario a Marilyn Manson y a DaBaby por segunda vez, fiel al ‘Donda listening party’ del año pasado que tanta polémica desató, pero esta vez la inclusión de estos dos artistas no es más que otra evidencia de su apoyo a los artistas cancelados.

El hecho de que Kanye se esté tomando tan a pecho el movimiento de la cancelación apoyando a estos artistas y que esté tan relacionado con ciertos valores negativos sí que ha sorprendido a la hora de ver a Alicia Keys en el escenario. Aunque no hay que olvidar que la cantante ha colaborado en el nuevo single de Fivio Foreign ‘City of Gods’ junto a Kanye West. Entre el resto de músicos que han colaborado en el evento de anoche también se encuentran Pusha T, Migos o Jack Harlow.

El propio álbum ‘Donda 2’ también ha salido a la luz esta noche, pero aquellos que quieran disfrutarlo deben saber que solo está disponible en un reproductor que el mismo Kanye ha creado, así que ni Spotify, ni Apple Music, ni Amazon contienen sus nuevos temas. El rapero tomó esta decisión tras su descontento con la industria musical actual y la injusta cantidad de royalties que los artistas se llevan de sus trabajos. Como consecuencia, Ye creó el Stem Player, un dispositivo de 200 dólares con el que se pueden remezclar y personalizar las canciones usando samples, efectos, sonidos de instrumentos…

Por tanto, va a ser difícil poder escuchar el nuevo álbum, pero gracias al ‘Donda listening party’ hemos podido tener una primera impresión de su nueva música. Ha llamado la atención la línea que West rapea “I stopped buying Louis bags after Virgil passed», haciendo referencia al recientemente fallecido amigo Virgil Abloh, director creativo de Louis Vuitton. Tampoco ha pasado desapercibido otro tema que incluye un sample del monólogo de Kim Kardashian en el Saturday Night Live en el que dice: ‘Me casé con el mejor rapero de todos los tiempos. No solo eso, es el hombre negro más rico de Estados Unidos. Un auténtico genio, talentoso, que me dio cuatro hijos increíbles».