Ni siquiera la avalancha audiovisual de la era de las redes sociales, donde todo es imagen y en concreto vídeo, ha podido acabar con el poder paralizador que ostenta una vieja instantánea. Topas con una foto de tus padres cuando eran guapos y jóvenes, cuando de hecho resulta que se parecían demasiado a ti, y durante unos segundos eres presa de esa nostalgia que decías odiar. Ese es en parte el punto de partida del 7º álbum de Kevin Morby, como nos aseguran tanto su ilustrativo título como su portada: el artista rodeado de retratos enmarcados.
‘This Is a Photograph’ está marcado por dos momentos determinantes: los problemas de salud del padre de Kevin Morby, que le hicieron temer que la enfermedad fuera a llevarle por delante, y un viaje a Memphis en que el autor de la histórica ‘I Have Been to the Mountain’ visitó lugares que han sido determinantes para la historia de la música underground. Entre ellos, un muro dedicado al fallecido Jay Reatard, o el río donde se ahogó Jeff Buckley. Al primero está dedicado el divertido single ‘Rock Bottom’, muy necesario como contrapunto al grueso del largo; mientras el segundo se asoma muy abiertamente por ‘Coat of Butterflies’ y quizá también por ‘Disappearing’ («si vas a Memphis / por favor no vayas a nadar al Río Mississippi»).
Como pasa con los grandes melómanos, el amor por su familia es indistinguible de su amor por los músicos que admira. Los unos le sirven para apreciar a los otros: los arreglos bajo la supervisión del productor Sam Cohen son igual de dedicados en ambos casos. El tema titular es aquel en el que Kevin contempla la foto de su padre, «una ventana al pasado en el césped de la puerta principal, posando sin camisa». Una canción que es puro nervio guitarrero y que concluye «esto es lo que echaré de menos cuando muera / esto es lo que echaré de menos de estar vivo / mi cuerpo / mis chicas, mi chico, el sol».
La misma filosofía la encontramos en el interludio ‘Forever Inside a Picture’, que en la voz de Jerry Phillips recuerda en verdad a otro gran músico que se desarrolló en Memphis: Johnny Cash. «Dentro de una foto, si miras bien la expresión de nuestras caras / te estoy diciendo que te quiero, a ti y solo a ti». Lo cual nos lleva a la canción que le dedica a su pareja Waxahatchee, ‘Stop Before I Cry’, una de las más preciosistas del disco.
Otros momentos de ‘This Is a Photograph’ son más amargos. Kevin Morby no solo tiene amor para regalar o nostalgia hacia tiempos mejores que recordar con una sonrisa. También arrastra consigo ciertos demonios, alimentados por el miedo a la pérdida de un familiar, y así se siente en el recitado de las cosas que se nos agotaron de ‘A Random of Kindness’, que se va creciendo hasta parecer un homenaje a la Velvet, o en la soledad y el amor separado por el envejecer y la enfermedad de que nos habla ‘Bittersweet, TN’.
Kevin Morby, con un timbre que resulta el cruce perfecto entre Lou Reed y Bob Dylan, está muy bien rodeado en este disco. Erin Rae convierte la mencionada ‘Bittersweet, TN’ en un delicioso dueto de música country, con el banjo de Eric Johnson. Cassandra Jenkins está entre las deliciosas coristas de ‘It’s Over’, mientras una docena de pianistas (Jared Samuel), violinistas (Meg, Charlotte y Oliver Hill), saxofonistas (Cochemea Gastelum), etc, dan a ‘This Is a Photograph’ el aire de americana que necesita.
El disco se cierra con ‘Goodbye to Good Times’, no una catarsis épica, pero sí una canción cuquísima en que Kevin Morby recuerda cómo su madre bailaba a los 19, «como Tina, como Tina Turner», y recuerda cómo algunos murieron demasiado jóvenes (Otis Redding), pero subraya cómo algunos de los buenos sobrevivieron (Diane Lane). Un muy bonito 7º disco que se ha redondeado con una exposición llamada ‘This Is A Photograph Of Memphis’ que se ha podido ver en Brooklyn este mes.
Kevin Morby presenta ‘This Is a Photograph’ por primera vez este viernes 19 de mayo en Tomavistas.
Entre las novedades que has podido escuchar esta semana en la playlist de novedades se encuentra el single de regreso de Lidia Damunt. La cantautora murciana afincada en Suecia saca disco el 10 de junio y lo presenta con un estupendo tema en el que nos detenemos hoy.
‘EX’ es un disco de de «melodías directas e inclinación pop» que nace durante la pandemia. En el confinamiento, Damunt se encontró reflexionando sobre el oficio de músico y cómo enfocar la creación en un momento de aislamiento social», y ‘EX’ es el «resultado de un periodo de inactividad musical y creativa durante el cual llegó a considerarse a sí misma “ex-artista”». Lo cual, por supuesto, no se corresponde con la realidad. Y la realidad es que Damunt sigue gozando de inspiración en su oficio.
Un ejemplo de ello es ‘Olvídate de mí’, el segundo avance de ‘EX’. Es uno de los temas más inmediatos jamás escritos por Damunt, lo cual es mucho decir después de que ‘Nacer en Marte‘ ya fuera uno de sus mejores trabajos. Es la Canción Del Día.
Aunque ‘EX’ apostará por el pop, ‘Olvídate de mí’ aún dialoga con el pop-rock de los 80, en concreto con el británico, con un pop-rock luminoso que podemos asociar a bandas como The Housemartins o Prefab Sprout. Hay algo de surfero en las guitarras y las baterías, mientras la voz de Damunt suena tan afectada y carismática como de costumbre. El colofón final lo ofrece un solo de guitarra eléctrica que se acaba solo porque se ha decidido que la canción dure 3 minutos y no 6.
La dimensión veraniega de ‘Olvídate de mí’ se plasma también en una letra que incluye referencias a una playa, a una «palmera que se ríe cuando fumas porque te mareas», y también a un «lago salado donde las palabras nunca han funcionado». Es enigmática la historia que cuenta ‘Olvídate de mí’, y Damunt tampoco es capaz de explicarla. «En ocasiones se escribe sabiendo lo que se quiere contar… y luego están esas otras veces, en las que las cosas surgen de algún lugar para enseñarme algo que antes no sabía», cuenta la artista en Instagram. «Si me preguntas de qué va ‘Olvídate de mí’, aún siendo algo muy mío, no te lo sabría explicar con palabras».
Damunt sí recuerda con detalles la génesis de la canción. ‘Olvídate de mí’ comenzó con una vaga idea en mi cabeza de cómo sería la canción. Tenía tres acordes que iba repitiendo con la guitarra y sobre los cuales cantaba las frases que me iban saliendo. En algún momento de este proceso me di cuenta de que mi idea inicial había desaparecido. Ya no era yo la que escribía una canción sino que la canción me estaba escribiendo a mí».
Según el relato hilvanado por Rolling Stone, Taylor Hawkins tenía dudas de girar y no estaba seguro de si podría seguir siendo un miembro a tiempo completo si la banda seguía realizando giras a ese nivel de exigencia. Hasta 4 testimonios coinciden en esa versión de los hechos, lo cual parece relevante, pues Hawkins falleció en mitad de una gira en Colombia.
Sin embargo, 2 de estos testimonios han emitido comunicados distanciándose de lo publicado por la revista casi de manera inmediata. Afirman que el relato está sesgado, y culpan al periodista de haberse enfocado tan sólo en una parte de sus palabras, pese a que Rolling Stone no es conocida precisamente por su sensacionalismo. Es decir, no es TMZ.
Se trata de Matt Cameron de Pearl Jam y Chad Smith de Red Hot Chili Peppers. El primero ofrecía a Rolling Stone la cita “(Taylor) me dijo que no podía puto hacer esto ya más. Esas fueron sus palabras”. Ahora, se retracta: “Cuando accedí a formar parte del artículo de Rolling Stone sobre Taylor, pensé que sería una celebración de su vida y trabajo. Mis citas han sido sacadas de contexto para construir una narrativa que no tiene nada que ver con mi intención. Taylor fue un querido amigo y un artista de otro nivel. Le echo de menos. Solo tengo amor y respeto por Taylor, Dave y la familia Foo Fighters. Siento haber formado parte de esta entrevista y me disculpo por si mi participación ha generado daño a aquellos que solo respeto y admiro”.
La misma línea sigue Chad Smith, que aparece en el reportaje original diciendo que Taylor estaba “exhausto” y “colapsado”, además de “deshidratado y todas esas cosas”. Ahora afirma: “Me pidieron que compartiera con Rolling Stone lo que pensé que iba a ser el encantador tributo que merecía. En su lugar, la historia que han escrito es sensacionalista y confusa, y si lo hubiera sabido nunca habría accedido a participar. Me disculpo con su familia y amigos por el dolor que esto puede haber causado. Echo de menos a Taylor todos los días”.
La artista emergente Mónica Morado estará este jueves 19 de mayo en Madrid como parte de Vibra Mahou dentro de la programación Escenarios. La iniciativa ayuda a descubrir voces del panorama musical, y esta vez es Mónica Morado la que animará la sala Siroco en Malasaña. La cantante solo tiene tres singles publicados en Spotify, pero en esta actuación presentará su nuevo y primer álbum ‘Ademanes’.
Mónica Morado es una artista con preferencia por lo acústico en el estudio, pero que en Siroco estará acompañada de toda una banda al completo. En sus primeros tres singles se aprecia la influencia jazz y blues con arreglos orquestales, percusiones elegantes y sutiles guitarras.
Aunque Mónica sea madrileña, sus canciones desprenden un aire internacional: ‘Dinamitas’, cuyo vídeo está grabado en diversos rincones de la geografía asturiana, tiene influencias del R&B y el neo-soul. Su segundo single, ‘Final Abierto’, es la canción en la que intenta «tener el look de Harry Styles y la actitud de Beyoncé»: atención a su uso del Auto-Tune. Desde luego, a veces hace falta tener la actitud de Beyoncé para escapar a la presión, reunir valor y marcharte, como dice la canción.
El último de los tres singles, ‘Tierra Quemada’, es la balada del disco, la canción más íntima. Se trata del tema más privado, más reservado, pero es la más luminosa de las tres. «Aunque no pueda volver a brillar lo que al arder se ha consumido, es el principio que se esconde en un final». Un principio que conoceremos en su álbum debut y que se podrá disfrutar este jueves 19 a las 21:00 en la sala Siroco de Madrid. Entradas disponibles aquí.
Como prometió, Kendrick Lamar ha publicado esta semana su nuevo álbum doble, un nada decepcionante ‘Mr. Morale & the Big Steppers’ que incluye colaboraciones de Sampha y Beth Gibbons y será nuestro «Disco de la Semana». El single principal del disco es ‘N95’, que no en vano abre la codiciada playlist de Spotify Today’s Top Hits, donde también aparece más adelante otro tema del álbum, ‘Die Hard’.
‘N95’, hoy nuestra «Canción del Día», es una de las producciones más inmediatas que jamás haya entregado Kendrick Lamar. Dura tan sólo 3 minutos, provocando el modo «on repeat», y lo mejor de ella es su sección de sintetizadores ochenteros. Son esos golpes de teclado lo que recuerda a bandas sonoras gloriosas construidas por bandas de pseudo-jevi, que se encajaron en films tipo ‘Rocky’. Nombres como Survivor, Journey o incluso Europe pueden venir a la mente. Después, el texto grita Kendrick Lamar por los cuatro costados, y la pandemia es lo que está en su punto de mira, de manera más o menos críptica.
Las N95 que dan nombre a la canción son un tipo de mascarillas de protección equivalentes a lo que en España hemos conocido como FFP2. La primera frase hablada de ‘N95’ se refiere de manera muy explícita a la pandemia: «Hola, nuevo mundo, chicos y chicas / Tengo algunas historias verdaderas que contar / Estáis en la calle de nuevo, pero aun así os han mentido».
Kendrick Lamar no se embarca en ninguna teoría de la conspiración, sino que dedica el primer verso -un tanto U2 circa ‘Numb’- a devolver al mundo la libertad, animándole a quitarse otro tipo de mascarillas. Entre sus enumeraciones, desconectar el Wi-Fi, olvidar a tus ídolos, deshacernos de nuestras inseguridades, de las «banderas falsas» y sobre todo de los lujos. Los Chanel, los Dolce y los Birkin no siguen con nosotros en la recomendación de Kendrick, en caso de que los tuvieras.
Cabe el humor en el estribillo, en concreto en referencia a los rostros desconocidos post-pandemia («eres feo como la mierda», proclama), mientras los siguientes versos vuelven a sonar apocalípticos. Entre las cosas que menciona, un «mundo en pánico de mujeres abandonadas y hombres que corren», como él en el videoclip que acaba de publicar para el tema.
Kendrick Lamar termina preguntándose quiénes son los hipócritas y por la empatía entre las diversas comunidades, acabando la canción con una referencia a Oprah y Jay Z, y otra a la cultura de la cancelación. En concreto, el debate entre Oprah y «Jigga» consistía en si hay que censurar la palabra «nigga» o más bien hay que darle un nuevo significado. No nos alecciona aquí, por tanto, el autor de ‘HUMBLE’, tanto como más bien nos da que pensar.
Rocío Saiz es cantante de Las Chillers y Monterrosa, y últimamente has podido verla en directo como artista en solitario presentando las canciones de su disco ‘Amor Amargo‘. Entre ellas, hits como ‘Autocensura’ o ‘Cortisol en sangre’.
La artista ha presentado ya el disco varias veces en directo, pero le aguardan muchas fechas como Mallorca Live Festival, Vida Festival, MadCool, Santander Music Faestival, Sonorama y un largo etcétera. Por eso es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», patrocinada por Jägermusic, en la que un artista escoge un tema que no tiene nada o casi nada que ver con su carrera. Para sorpresa de nadie, su opción han sido los afters.
¿Por qué has elegido hablar de afters y personas de afters?
Pues voy a ser sincera: porque son las personas más maravillosas, honestas y reales que he conocido en la noche. Cuando llegas al after ya estás de vuelta y media, no importa quién eres y lo que haces, estás en el mismo universo. Ese sí que es el metaverso de verdad. Aclaro que para mí los afters no son en los garitos, sino en el momento en el que ya has pasado por todos y acabas en una casa.
El hecho de que alguien a quien no conoces de nada decida compartir contigo tu intimidad y con otras 20 personas y ofrecerte lo que quieras y necesites coger de la cocina, me parece uno de los gestos más bonitos que te pueden hacer. Muchas veces conoces su verdadero yo, allí no hay trabajos, no hay horarios, no hay orientación sexual ni odio, allí puedes ser quien y como quieras. Puedes pasar de la alegría a la tristeza y viceversa en un segundo, que la gente te va a cuidar.
Evidentemente has pasado muchas fases hasta llegar a ese espacio seguro, se ha caído gente por el camino y ya solo quedáis los que, como decía una amiga mía, «he venido a dar la chapa y a recibirla». En los after se habla muchísimo, muchísimo más que en la vida real, muchísimas más cosas que no tendrías la valentía de hacer en tu día a día. Puede que no vuelvas a ver a esas personas nunca más y eso hace que sea un entorno mágico para dar vueltas a todas esas ideas que te remueven en tu cabeza. O puede que comiencen unas nuevas relaciones de amistad increíbles que nunca te van a fallar.
Para empezar claros: del 1 al 10, ¿cuánto de fácil te lían para ir a un after?
Un 2. Yo no suelo ir mucho de after porque siempre tengo que viajar y luego la cabeza me pasa factura, pero la verdad es que cuando me lío me lío de verdad y me voy tarde. Depende de la gente y el ambiente.
La gente tiene pensado con quién se tomaría un café si tuviera la ocasión. Yo creo que es mucho más divertido y sensato irse de after con esa persona. Dinos cinco personas que juntarías para iros de after.
¡Es que ha habido grandes mixes ya de after! No voy a desvelar secretos pero hay muchas personas con las que no he coincidido. Me encantaría coincidir a día de hoy con Brigitte Vasallo, Pol Guash, Yolanda Díaz, Emma Watson y aunque nunca quedaría con ella, me encantaría coincidir con Ayuso para ver qué diría con la guardia baja. Tengo muchísima curiosidad.
«Me encantaría coincidir con Ayuso en un after para ver qué diría con la guardia baja»
Una canción ajena imprescindible de after, y otra tuya propia que encajaría o incluso has llegado a escuchar.
Canciones mías de after, hemos quemado mucho ‘El Descanso del guerrero’ y ‘Si mañana me muero’. Las que tocan la patata entran mucho en los corazones. Yo siempre pongo ‘Only You’ de Yazoo, bastante en bucle, nos abrazamos todas y veo cómo nos empezamos a mirar y a decirnos a nosotras mismas si estas somos las que queremos ser. Tiene algo el riff de esta canción que te da paz, melancolía y a la vez te inquieta y hace que se muevan cosas en tu subconsciente.
¿Cuál ha sido el after más largo en el que has estado?
Uno en casa de Ana Morgade después de aquel concierto de Las Chillers en el Ocho y Medio cuando hicimos «sold-out». Me fui a las 19.00.
¿Cuando sale el sol, eres de las que les agobia el día y cierran todas las persianas o disfrutas de la radiación solar?
No lo soporto, cierro a muerte todo. Cuando sale el sol me da el sentimiento de culpa y en verano como haga calor con todo lo que llevas encima me parece hasta peligroso. Sobre todo cuando llega el momento de irte a casa y te tienes que ir andando porque estás en alguna ciudad pequeña de festival y no hay taxis.
¿Eres de las que ponen casa o esperas a que tus amigas lo organicen?
Yo nunca he puesto mi casa, excepto en Nochevieja y fue durísimo. Admiro muchísimo a las que incluso les gusta poner su casa. Una vez estuve en una en Barcelona después de una fiesta techno, que tenía un garito instalado en el salón, con luces, bola de discoteca… Estaba preparada para el after.
Un after que nunca olvidarás.
Uno en el piso de arriba del teatro Pavón después de las fiestas de San Cayetano cuando nos dijeron que iban a cerrar.
«Lo que saco de todo esto es que es increíble la voluntad y las ganas que hay de salir de fiesta porque en general todo el mundo lo está pasando mal o tiene una vida muy complicada»
Los afters pueden desencadenar conversaciones de un nivel que solo se pueden dar en esas circunstancias. ¿Alguna vez has dado con una melodía o con alguna canción en estas dilatadas horas?
Pues la obsesion con alguna melodía me suele dar un poco antes, durante la cena. Cuando llego ahí lo único que me importan son las personas, su vida y sus problemas. Y de todo eso sí que he escrito y escribo letras, ideas, o momentos. Lo que saco de todo esto es que es increíble la voluntad y las ganas que hay de salir de fiesta porque en general todo el mundo lo está pasando mal o tiene una vida muy complicada. Y se levantan día tras día con una sonrisa y sin que nadie se entere por lo que están pasando. Eso es lo que más valoro de las personas, la resiliencia.
Hoy, 17 de mayo, es el Día Internacional contra la LGTBIfobia y el Día de las Letras Gallegas. Ambos mundos se derriten y se unen en el último single de Tanxugueiras ‘Pano Corado (Paño Colorido)’. El trío gallego no lanzaba nueva música desde ‘Averno‘ hace casi cinco meses, su colaboración con Rayden, y lo han hecho deshaciéndose de las oscuridades, tinieblas y sombras que las caracterizan para firmar una oda al amor libre, luminoso y diverso.
«Llevamos tiempo guardando un paño. Tiene todos los colores y es para vosotros. Para todos los que merecéis amores». Así presentaron Tanxugueiras el single en sus redes sociales. El paño es un elemento del traje tradicional, y ellas lo transforman en uno lleno de colores: «Paño de todos los colores. Los que lo quieren negro, no merecen amores». La canción va acompañada de un videoclip que quiere romper moldes y estereotipos, con todo tipo de parejas besándose apasionadamente. Desde dos futbolistas contrincantes, a dos bomberos, el grupo ha intentado plasmar situaciones en las que la heteronormatividad está muy presente.
El trío canta para reventar las viejas cadenas de los amores prisioneros. Esos que no viven en libertad. «Queremos normalizar el amor y la vida. Queremos destruir barreras. Que cada cual se sienta libre de amar a quien quiera, que cada cual disfrute del amor, de la vida, de si misma, de su sexualidad o de su identidad como quiera». Es muy positivo que los más jóvenes puedan encontrar referentes que los entiendan y los apoyen como las tres pandeireteiras en esta canción.
Nuestro Disco de la Semana durante la semana pasada fue ‘Dance Fever’ de Florence + the Machine, y el de esta semana será ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ de Kendrick Lamar. Ambos parece que serán número 1 en sus respectivos países de origen: ella en Reino Unido, y él en Estados Unidos.
‘Dance Fever’ de Florence + the Machine ha vendido 26.000 copias durante el pasado fin de semana, sólo dentro de Reino Unido. 23.000 de ellas son físicas, lo que le sirve para doblar los números de Kendrick Lamar. ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ está en el equivalente a 13.000 unidades en UK, aunque ojo: todo su disco está tan fuerte en streaming en el top 75 de Spotify en Reino Unido que incluso podría dar un disgusto de última hora a Florence de seguir tan sólido.
Florence + the Machine fue número 1 en Reino Unido con sus tres primeros discos, pero el último hasta ahora ‘High As Hope’ tuvo que conformarse con el puesto 2 por culpa de ‘Scorpion’ de Drake, un disco que tenía 25 pistas, por las 18 de lo nuevo de Kendrick Lamar. ¿Se repetirá una historia similar? La resolución de la batalla se conocerá el próximo viernes.
Estados Unidos es, por supuesto, pan comido para Kendrick Lamar. Hits Daily Double está pronosticando entre 315.000 y 325.000 copias en la primera semana para el esperado ‘Mr. Morale & The Big Steppers’, lo que implicaría el número 1 más abultado de todo el año en Estados Unidos. Uno de los grandes éxitos de 2022.
Respecto a Florence + the Machine, de éxito más moderado al otro lado del Atlántico, se esperan unas 40.000 ó 50.000 copias de cara al Billboard 200, lo cual tampoco está nada mal para los tiempos que corren y teniendo en cuenta que Welch es británica.
Esa nueva versión, más torera y tribal, no se ha subido a las plataformas de streaming hasta que no ha pasado el día de Eurovisión, pero ha sido recibida con los brazos abiertos. Con el nombre “Eurovision’s Dancebreak Edit” y producción adicional de District 78, ha entrado directamente en el puesto 44 de Spotify España, así como en la lista de otros países como Suecia o Finlandia. De hecho, puede ser fundamental para llevar el tema al número 1 oficial en España.
Ha sido muy comentado que Chanel no ha llegado al número 1 en Spotify España este domingo, sino que quedaba en el puesto 2 por detrás de ‘Moscow Mule’ de Bad Bunny. Sin embargo, esa es solo la vieja versión. Si sumamos la nueva, como suponemos que el sello BMG encargará a Promusicae, ‘SloMo’ sí se transformaba en la canción número 1 de este domingo.
De hecho, en los datos de ayer lunes, aunque la vieja versión de ‘SloMo’ baja del puesto 2 al puesto 6, la nueva avanza del número 44 al número 30. La suma continúa dando para el número 1. La tendencia quizá sea indicativa de que esta nueva es la versión que sonará en todas las fiestas de este verano, la que incluye todos los efectos que nos hacen pensar en la puesta en escena de Chanel.
Por otro lado, es este nuevo «edit» el que encontramos en el número 1 de iTunes por mucha diferencia, lo cual termina siendo determinante en la lista oficial española, pues una sola descarga equivale a un par de cientos de streamings. Fue iTunes, por ejemplo, quien terminó dando hace unos meses el número 1 oficial en España a ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini, aunque en Spotify tenía números muy ajustados.
Las últimas horas han sido trepidantes para Chanel. La hemos visto interpretar ‘SloMo’ en las fiestas de San Isidro cuando ni habían pasado 24 horas desde el Festival de Eurovisión en Turín, la hemos visto acudir a una rueda de prensa en RTVE y recibir las felicitaciones y los ánimos tanto del presidente del gobierno Pedro Sánchez, cuyos gustos musicales apuntan más bien hacia el FIB, como de los Reyes de España.
Lana Del Rey ha ofrecido una entrevista a W Magazine en la que ha charlado con el director creativo de Gucci Alessandro Michele. En ella, además de conversar sobre el proceso creativo de la cantante, también ha revelado detalles de su próximo trabajo discográfico.
En los álbumes que ha publicado hasta la fecha, Lana Del Rey ha expresado una especial sensibilidad por los colores. Por ejemplo, su canción ‘God Knows I Tried’ de ‘Honeymoon‘ dice: «A veces despierto por la mañana a cielos rojos, azules y amarillos. Es tan loco, podría beberlo como Tequila Sunrise».
Sin embargo, al ser preguntada por qué colores describen su futuro trabajo, ella revela que su nuevo proceso creativo no tiene nada que ver con los colores: «He estado practicando la meditación del canto automático, donde no filtro nada. Simplemente grabo lo que sea que me viene a la cabeza en mi aplicación de notas de voz». «He estado mandando estos archivos muy crudos a un compositor, Drew Erickson, y él añade una orquesta bajo la letra». «Cuando estoy practicando el canto automático, no tengo tiempo para pensar en colores».
Este álbum no tiene nada que ver con los colores. «Es más como: estoy enfadada». Lana ha declarado que las nuevas canciones son muy conversacionales. La primera de ellas, por ejemplo, dice: «Cuando miro atrás, pasando las yemas de los dedos sobre las bolsas de plástico, creo que desearía poder extrapolar alguna pequeña intención o quizás llamar tu atención por un minuto o dos».
Además del nuevo álbum, Lana Del Rey ha confesado que ya no trabaja tan bien como antes cuando está sola. «Ahora hay muchas menos palabras que se me ocurren cuando estoy sola. Siento que necesito estar sentada con alguien. Es un poco frustrante, porque durante tantos años he sido muy rica en ideas. Ahora necesito a alguien que me obligue a entrar en el estudio. Las ideas ya no me vienen en un coche, mi sitio favorito».
Antes del clásico de Britney Spears ‘I’m not a Girl, Not Yet a Woman‘, Julio Iglesias tuvo una vez un disco llamado ‘De niña a mujer’. Aquella cassette siempre estuvo en casa de mis padres, con una inquietante foto de portada en que Julio posaba junto a su hija Chabeli. Había algo un poco perverso en todo aquello, mucho antes del ‘Lemon Incest’ de Serge Gainsbourg y su hija Charlotte. «Tu mirada buscaba la mía, jugabas a ser mujer», decía la letra de aquel tema entre unos efectos psicotrópicos más vinculables al segundo disco de Amaia que el mojigato baladón de Britney.
El éxito tipo «sleeper» de ‘El encuentro’ de Amaia junto a Alizzz ha marcado de manera decisiva el segundo álbum de la cantante. Se trataba de un single más gamberro y sexualizado, que dejaba atrás las referencias del también notable debut de Romero ‘Pero no pasa nada‘. ‘El relámpago’, ‘Quedará en nuestra mente’ y ‘Quiero que vengas’ eran temas que nos hacían pensar en Cecilia, La Buena Vida y Nosoträsh, y a ello contribuía su trabajo con dos hombres procedentes del indie nacional o latinoamericano como fueron primero Refree en alguna co-autoría y luego Santi de Él Mató a un Policía Motorizado. ‘Cuando no sé quién soy’ presenta un registro más atrevido, divertido y electrónico, producido por el mismo Alizzz, y ofreciendo lo que parecen los segundos, terceros y cuartos singles de un disco que se presentaba con ‘El encuentro’. Por mucho que este pertenezca realmente al disco de Alizzz, no desentonaría para nada como bonus track aquí.
Esos singles que tantas alegrías están dando ya a los seguidores de ‘El encuentro’ son ‘Quiero pero no‘ junto a Rojuu, ‘La canción que no quiero cantarte‘ junto a Aitana, ‘Bienvenidos al show‘ y también podría serlo en el futuro ‘Dilo sin hablar’. ‘Quiero pero no’ está surtida de gritos al igual que ‘Bienvenidos al show’, la canción que dice aquello de «ya no soy pequeña, tampoco soy mayor», una curiosa producción que nos hace pensar en musicales de la era glam por concepto, mientras sus teclados son más bien propios de Antònia Font circa ‘Wa Yeah!’ o, como ella asegura, de Mecano. Teniendo en cuenta que el disco lidia en parte con la salud mental (‘La persona’), esos pequeños arrebatos de locura en producción resultan todo un acierto.
El tema con Aitana está tan lleno de efectos grunge sacados de los 90, como de guasa. «¿Quieres ser mi amigo? ¡Cómeme el higo!» funcionará para siempre como invitación a alguien que ya no nos da bola en el amor, pero encima no quiere desaparecer de nuestras vidas. Y también muy destacable es el mencionado ‘Dilo sin hablar’. Hay voces pitcheadas, bajos llenos de soul, arreglos disco-funky… constituyendo una de las producciones más exquisitas que nos ha entregado Amaia. La evolución respecto a su debut es muy clara.
Cambiando de tercio, Beach House son la referencia concreta de ‘La vida imposible’, si bien su frase con «los 7 millones de veces» apunta a Los Planetas, lo mismo que las guitarras de ‘Pesimista’. Por no hablar de que una versión de ‘Santos que yo te pinte’ aparece en el tramo final de ‘Cuando no sé quién soy’. Con toda la pereza que pueda dar que Amaia incluya una versión en un disco suyo, tras haberse dado a conocer en Operación Triunfo, donde ya hizo suficientes versiones, esta es preciosa sobre todo en su caída de cuerdas y sus efectos de percusión.
El disco se completa con las baladas ‘Yo invito’, también muy peliculera, y con un tema de corte folclórico, ‘Yamaguchi‘. El registro le sienta muy bien a su voz y a su estilo, aunque es en las canciones más acústicas donde quedan más al descubierto ciertas debilidades compositivas aún. No es Amaia todavía «una mujer» en sus habilidades como autora, pero lo que sí consigue es imponer su estilo a los muy diferentes géneros mostrados en este disco, darles una perfecta unidad y desarrollo, y lograr que todo el talento desplegado en las sesiones de composición esté completamente a su servicio. Jugad vosotros a tratar de adivinar qué aportaron como co-autores C. Tangana, Confeti de Odio, Antonna, Rigoberta Bandini y compañía. Yo aquí solo siento la arrolladora personalidad de Amaia.
Parte de la redacción evalúa ‘SUPERMODEL’, el nuevo single que Måneskin estrenaron en vivo en la gala final de Eurovisión. Con Damiano cojo de una pata, por cierto.
«El otro día leía que la mitad de los oyentes de Måneskin quiere que Damiano David les reviente, y que la otra mitad quiere reventarle. Bestia pero cierto: la propia banda es consciente del estatus sexual de su cantante, y no duda en tirarde ello. Los guitarrazos dosmileros de ‘Supermodel’ no son lo único que comparten con Maroon 5 porque, al igual que el éxito de ese grupo se debía en un 90% a Adam Levine, el de los italianos lo tiene Damiano en su mano. ‘Supermodel’ vuelve a confiar en el carisma que el frontman derrocha tanto en imagen como, sobre todo, en su voz, perfecta para contar aquí cómo el morbo le atrae sin remedio a esta chica con todas las red flags posibles. La sugerente cadencia de Damiano hace piña con el siempre eficaz Max Martin y con una letra que tiene claro lo que quiere contar para crear otro hit más del grupo que -a estas alturas podemos decirlo- ha revitalizado Eurovisión para el público general». Pablo Tocino
«La fórmula Max Martin es distinguible desde los primeros acordes de guitarra de ‘SUPERMODEL’. Los diferentes ganchos melódicos (esos «ah ah ah» de las estrofas) no pueden llevar más su firma. Tanto que la personalidad de Måneskin queda completamente diluida en la canción. Se agradece el intento de hit, pero se echa en falta más alma y, sobre todo, más suciedad. Sobra la marca Max Martin y el apego a los clichés de su letra, dedicada a una «supermodelo de los 90 que toma drogas y está casada con el rock ‘n roll». ¿No las hay más actuales? Måneskin es el grupo de rock más creíble en años. Sus integrantes son la viva imagen de la «vida rockera» a la vieja usanza. No sé si Damiano es el nuevo Iggy Pop o el nuevo Mick Jagger, pero ‘Supermodel’ está muy lejos de ser la canción que el público quiere de Måneskin. Y el éxito de sus singles viejos lo demuestra». Jordi Bardají
La sobreimpresión, el efecto de hacer coincidir dos o más imágenes en un mismo fotograma, es una técnica poco utilizada en el audiovisual actual. Está asociada a una caligrafía clásica, incluso pasada de moda. Se usaba mucho en las películas para hacer transiciones suaves entre secuencias o como solución expresiva en la narración (la típica escena de una persona dormida que se levanta “desdoblada” en la sobreimpresión).
Uno de los cineastas actuales que más utiliza este efecto es Paul Thomas Anderson. Y otro es Jim Jarmusch (en ‘Ghost Dog’ hay escenas fabulosas). Tras quince años sin rodar un videoclip -‘Steady, As She Goes’, The Raconteurs– el director de ‘Paterson’ ha dirigido el nuevo clip de Cat Power. ‘A Pair of Brown Eyes’ destaca por el uso de la sobreimpresión. Jarmusch superpone hasta tres imágenes en movimiento en un mismo plano. Esta solución expresiva le permite al cineasta crear un ambiente hipnótico y evocador, en sintonía con la delicada reinterpretación que hace Chan Marshall del tema de The Pogues.
El otro recurso visual que destaca en el vídeo es el difuminado. Jarmusch, junto a su director de fotografía habitual, Frederick Elmes (también el de David Lynch), experimenta con este efecto para dotar a la imagen de un carácter etéreo, algodonoso, como si la música de Cat Power surgiera de una nebulosa, de un lugar celestial o fantasmal. Una sensación acrecentada por la profusión del uso del color blanco, en contraste con el negro de la vestimenta de la cantante.
‘A Pair of Brown Eyes’ es un buen ejemplo de cómo a veces la sencillez, la utilización de dos o tres recursos expresivos combinados con habilidad y talento, es suficiente para traducir a imágenes el discurso, el espíritu o la poética de una canción.
Amaia Romero Arbizu Roldán López López García Duque Rodríguez Pérez Murillo Elortegui Maestresadas ha vuelto a La Resistencia para presentar su segundo disco, ‘Cuándo no sé quién soy’. Sobre el álbum hemos podido hablar con la navarra en el podcast de JENESAISPOP.
La propia Amaia revela todos sus apellidos en el programa de David Broncano, preguntada por el presentador, que se interesa por ellos. No es el único momento entre divertido y surrealista que protagoniza la cantante en el programa.
La entrevista empieza con un recuerdo de la anterior, en la que Amaia mencionó de pasada que era fan de La La Love You. Desde entonces, el grupo ha ganado un premio MTV y obtenido millones de streamings. «Ahora son más famosos que yo», señala la artista.
La promo de ‘Cuándo no sé quién soy’ se limita a la muestra del vinilo y el CD, si bien Broncano tiene a bien de recordar a Supersubmarina porque la portada le recuerda a la de ‘Santacruz‘. A Amaia le suena el nombre de la banda pero reconoce no haberla escuchado nunca.
En otro punto curioso de la entrevista, Broncano pregunta a Amaia cuán viejo es el mensaje de WhatSapp que tiene sin contestar, y la cantante recupera un mensaje de 2018 en el que «Eva piano», una persona con la que tocó en una boda en Tudela, le felicita por su paso por Operación Triunfo. Amaia contesta cuatro años después.
Es habitual que los invitados a La Resistencia traigan un regalo a Broncano, pero Amaia se pasa el nivel y, en un momento casi propio de una película de David Lynch, saca al escenario al silbador profesional José Julio Apesteguía para que ofrezca una actuación de más de tres minutos.
Finalmente, Amaia se va del plató no sin antes merendar… y sin imitar el sonido de un semáforo para ciegos que se encuentra en Madrid. «Esto es lo más parecido a una conversación entre extraterrestres que hemos tenido», señala el presentador.
Han pasado muchas cosas en estos cuatro años desde el primer disco de Cariño. En un momento clave para la carrera de la banda, el mundo se paralizó por completo y los festivales, el salvavidas de muchos grupos nacionales, se aplazaban sine die. Pero ahora, en puertas de la primera gran temporada festivalera en tres años, la vida parece que les vuelve a sonreír a Cariño, quienes acaban de lanzar su segundo disco nada más regresar de su gira estadounidense y de su paso por Coachella. Hablamos con ellas horas antes del lanzamiento de su disco homónimo, una carta de presentación que en principio no sería su debut pero que en realidad muestra al mundo a una banda mucho más sabia y preparada que la de los tiempos de ‘Movidas’.
Daba mucha pena ver cómo en 2020 llegaba la pandemia en un año quizá muy clave para una banda como la vuestra: a dos años de su debut, preparadas para despegar completamente y confirmadas en Coachella. Después de ese bache, parece que todo ha salido bien: coincide vuestra actuación pospuesta allí con el lanzamiento de vuestro segundo disco. ¿Creéis en eso de que todo pasa por algo?
Alicia: «Pues sí, a veces somos un poco brujillas (risas). Creo que al final hemos tenido suerte porque hemos podido hacer el disco durante la pandemia y ha coincidido todo con el final del covid, Coachella, la gira por Estados Unidos… Ahora todo tiene más sentido».
Paola: «Sí, creo que tenemos suerte. Siempre hacemos las cosas sin pensar y sale bien. También gracias al equipo que tenemos y que nos aconseja tomar ciertas decisiones».
¿Había otro disco entre manos esperado para ser lanzado ese mismo 2020, con vistas a ir con él a esa edición cancelada del Coachella?
María: «No, todavía no estaba hecho en ese entonces».
Alicia: «Hubiésemos ido con el primer disco».
¿Por qué habéis querido que este fuera vuestro disco homónimo? Parece como si este realmente fuera vuestro debut.
Alicia: «Es que realmente es el primer disco largo».
María: «Sí, lo sentimos así. El primero fue muy rápido; con este hemos estado mucho más metidas, pensando todo bien. El primero era como un mini LP».
Es un álbum con un tracklist extenso, aunque con canciones bastante cortitas, por lo que no se hace nada largo. ¿Metisteis todo lo que quisisteis o se quedaron varios temas en el tintero? Cuatro años dan para componer mucho…
Paola: «También es la primera vez que nos enfrentamos a hacer un disco con el concepto de “disco”. Porque con ‘Movidas’ tampoco nos lo planteamos así, ¿sabes? Fue como: “Haced un disco, ¡vamos!”. Y ahora es como que lo hemos repensado más, y al final todas las canciones tienen la misma temática: amor y desamor».
Alicia: «Canciones enteras no hemos descartado ninguna. Lo que grabamos en el estudio es lo que ha quedado. Sí que nos costó un poco ordenarlas. Por eso precisamente, porque se entiende que tiene que tener un orden y un sentido. Y era como: “¿Qué sentido le damos a esto?”».
María: «Lo que sí hemos descartado han sido ideas. Pero no es un disco conceptual. Son nuestras vivencias, más bien. Pueden estar ordenadas por sensaciones: de una canción muy alegre y rápida pasa a una más lenta».
Paola: «Es que al final es pop, entonces es lo que es».
Alicia: «Sí, no tenemos un concepto claro del disco. Es nuestra presentación oficial que hacemos nosotras, con más tiempo para pensar y más conscientes de todo. Por eso se llama ‘CARIÑO’. Estas somos nosotras, más maduras y más viejas (risas)».
Estáis recién aterrizadas de vuestra gira por América. ¿Buscasteis hacer un sonido más accesible o popero por el hecho de saber que ibais a tocar al otro lado del charco y que, por lo tanto, muchas personas e industria americana os iba a ver?
María: «No, la verdad. No hay nada premeditado. Siempre somos muy naturales en lo que escribimos y en el sonido. No pensamos en hacer una estructura para hacer un hit. Nos sale solo».
Paola: «Sí, es lo que salga».
Se agradece que no metáis ni una canción o palabra siquiera en inglés y que llevéis una propuesta 100% española a un macrofestival de tal magnitud como Coachella. ¿Notasteis que la gente recibía de forma guay las propuestas que no fueran en inglés?
Alicia: «Sí, aunque nuestro público durante toda la gira estadounidense era público latino, de Sudamérica. Pero también había público gringo y les gustaba. Yo les preguntaba: “¿Pero entiendes algo de lo que estamos diciendo?”. Y ellos decían: “No, ¡pero me gusta!”. Lo disfrutaban».
María: «En Coachella no había mucha música en español. Sí estaban Anitta, Karol G… pero en el escenario principal, y esos conciertos estaban super llenos. El resto casi todo era en inglés».
«En Coachella los conciertos terminan a las 12 de la noche y tienen zonas acotadas para beber. No es ese rollo de fiesta a tope, desfase»
¿Cómo percibisteis la energía del público en vuestros conciertos allí en comparación con la que vivís en suelo español?
Paola: «Esta es nuestra casa, y se nota. Aquí noto que estamos más en familia. Más energía».
Alicia: «Pero creo que allí escuchan más atentamente. A las propuestas, en todos los conciertos. En España se puede beber por todas partes y estaría todo el mundo borracho (risas), y allí eso no se podía hacer. En Coachella no puedes tener un vaso de cerveza ni nada. También está bien porque atienden verdaderamente a lo que está pasando».
Paola: «Tienen zonas acotadas para beber y de allí no puedes salir con la bebida. Pero vamos, que si te la tapabas un poquito… (risas). Es que los conciertos terminan a las 12 de la noche. No es ese rollo de fiesta a tope, desfase…»
Alicia: «Sí, en Coachella es más el estar atento a la música. Y bueno, hacerse fotos y llevar el mejor look (risas)».
¿Está demasiado idealizado Coachella?
Paola: «Creo que hay festivales para todo. Depende de lo que te guste. Puedes elegir estar ahí gastándote mil euros en la entrada o no».
Alicia: «Pero sí es como te lo imaginas: un montón de influencers, un montón de gente con brillantina haciéndose fotos… Pero es divertido».
Paola: «Sí, mucho famoso, mucho guardaespaldas…»
Esto lo pregunto porque a mí creo que me hubiera pasado por todo lo que rodea al Coachella, sumado a que aquí en España todo éxito internacional se suele cuestionar y criticar. ¿En algún momento sentisteis presión o inseguridad cuando os confirmaron?
Paola: «A ver, hay presión. Pero nos han llamado y sabemos hacer lo que sabemos hacer. Nunca forzamos las cosas, sino que somos como somos. Entonces quien nos quiera que nos quiera y quien no, pues no. Es lo que hay».
Alicia: «Yo es que no tengo Twitter, entonces lo de los haters no lo he vivido… (risas). Pero era más presión en plan: “A ver quién va a venir a este concierto en Coachella de tres tías de España que cantan en español”. Pero sorprendentemente había gente».
Paola: «Sí, yo me esperaba literalmente a cinco personas. O diez».
«La sociedad ha aprendido que no hay que odiar a unas tías que empiezan en la música y les va bien»
Vosotras como grupo habéis recibido bastante hate, y cuando os confirmaron se leían cosas bastante paternalistas y machistas.
María: «Yo creo que, a nivel haters, teníamos muchos más antes. Aunque no sé si es eso o que nos afectaban más las críticas. Pero sí, creo que antes no se nos respetaba. Y tiempo después se han callado bocas».
Alicia: «Sí, como que dio mucha rabia que nos fuese bien de repente, apareciendo de la nada. Pero creo que ahora hay menos odio. Antes era: “Las putas Cariño”».
María: «Hubo una temporada bastante fea. No solo en Twitter, sino también de gente cercana del moderneo de Madrid. Pero, de repente, una vez que alguien te empieza a respetar, van todos en manada».
Alicia: «Pero creo que en general todo se respeta mucho más ahora. A las Hinds les pasó lo mismo: al principio todo el mundo las odiaba y creo que ellas ya no tienen ese odio encima. La sociedad ha aprendido que no hay que odiar a unas tías que empiezan en la música y les va bien. Creo que ha habido una evolución social. Pero nos molesta todo mucho; somos muy envidiosos en este país».
Paola: «El típico: “Como son pibas, no saben tocar”. Pff… Pero hemos aprendido a que nos importe una mierda».
Alicia: «Es que, aunque no sepa tocar, no pasa nada, estoy aprendiendo. A cualquier tío que no sepa tocar no se lo dices todo el rato. No es la crítica que le haces».
Mejor hablemos de cosas positivas que os ha dado el festi. ¿Alguna anécdota divertida sobre vuestra estancia allí?
Paola: «Nos dio la vida que en el concierto de Karol G empezaron a tirar pelucas azules y no conseguimos ninguna; pero, de repente, estábamos gozándolo tanto que un tío nos dijo: “Esto creo que os lo merecéis”. Y nos dio una peluca y nos hizo el viaje, la verdad (risas)».
María: «Bueno, también entre los dos pases del Coachella hay una semana en medio de descanso. Fuimos a un rancho al que nos invitó Ed Maverick y su banda. Nuestro técnico de sonido estaba haciendo una barbacoa y de repente empezó a arder. Nuestro manager con el extintor… En fin, incendio (risas)».
¿Es verdad eso de que te codeas con todo el famoseo por allí en el backstage?
Alicia: «Sí, ves a todo el mundo pero tampoco es en plan piña. Måneskin estaban a nuestro lado y nos dijimos un “hola” y ya está. Pero está todo el mundo muy a gusto, en plan “no te voy a molestar”. Hay muy buen rollo pero no es hablar todo el rato como en un camerino español».
María: «Menos Mac DeMarco, que estaba majisísimo».
Paola: «¡Sí! Nos preguntó dónde tocábamos pero al final no fue. ¡Pero preguntó! (risas)».
Volviendo al disco, vuestro sonido marca de la casa está ahí. Pero también veo pinceladas a lo Casa Azul en ‘antes’, o a Rojuu en ‘tamagotchi’. ¿Qué grupos o artistas os han inspirado en este trabajo?
Alicia: «Hombre, La Casa Azul siempre les hemos escuchado y está ahí en nuestra esencia al componer».
Paola: «Escuchamos a muchos grupos y eso se nota. En concreto, ‘Tamagotchi’ es la producción de Javiera Mena. Lo que queríamos hacer ahí era un glitchcore y por eso tira por ahí. Es muy jefa».
María: «Escuchamos mucho PC Music, que también está ahí como influencia. Pero no hemos hecho una lista de música de referencias. Ha salido natural por lo que escuchamos cada una. Cada canción es muy diferente: una es más urbana, otras son como siempre más tontipop o como se diga… No queremos decir tontipop ya (risas)».
Paola: «Más rock-pop con sintes».
No hay ninguna colaboración en el disco. ¿Fue una decisión premeditada, dado que es vuestro disco homónimo?
Paola: «Sentíamos que debíamos hablar como nosotras».
Alicia: «Grabamos todas las canciones y nos planteamos: “¿Podríamos hacer una colaboración?”. Pero nadie nos pegaba demasiado y no queríamos forzar, estábamos contentas así. Pero en el futuro sí queremos hacer. Estamos empezando a hacer canciones con más gente».
Lo que está claro es que es un buen timing para lanzar un disco popero y juguetón, con el verano y los festivales a la vuelta de la esquina. De hecho, ‘bonus trap’ apunta a hit del verano con esa base reggaetón, ¿no?
María: «¡Ojalá! Yo creo que va a sonar mucho en el Ochoymedio, me la imagino sonando durante mucho tiempo allí (risas)».
Alicia: «Y que desbanque a ‘Bisexual’ (risas)».
Paola: “’Bisexual’ no la sacamos como single, solo estaba dentro del disco. Y después fue la que más se escuchó, aparte de los singles. Es una canción fácil, que entra sola. Más de radio. Pero bueno, esto literalmente es un bingo».
María: «Yo creo que la que más se va a pegar es ‘Si Quieres’. Es una canción que nos ha hecho crecer mucho, en números por lo menos. Luego igual no es la realidad…»
Paola: “’bonus trap’ es una canción que hicimos en la cuarentena. Estábamos las tres aburridas y queríamos hacer una. Nos enviamos el beat y empezamos a mandar notas de audio que se iban montando. Al final es como una broma. No es trap pero tampoco considero que es reggaetón. Es un frikitón, un popggaetón».
Aunque me parece que vais a tener que competir con otros hits del verano porque compartís día de lanzamiento de disco con Bad Bunny a nivel internacional…
Paola: «Con Bad Bunny no se compite, no se puede (risas)».
María: «A ver si Bad Bunny se monta en el reggaetón, un remix (risas). Con Guitarrica también coincidimos… Es un día complicadillo».
Alicia: «¡¿Con Guitarrica también?! Bueno, pero yo creo que nos va a ir bien».
Paola: «Son estilos diferentes. Además, un disco no se escucha en un día».
Alicia: «Yo la verdad es que nunca me escucho los discos el día que salen».
Paola: «Yo depende. Sí que lo hice con ‘MOTOMAMI’. No escuché la filtración ni nada, esperé a las doce. ¡Estaba nerviosa! Más que con nuestro disco (risas)».
Alicia: «Fue el primer disco post-pandémico importante».
Justo hablé con una amiga hace poco sobre la idea de que ahora parece que no hay ninguna popstar internacional que genere tanta expectación e ilusión a nivel fenómeno fan como Rosalía.
Paola: «Es que es muy fuerte. ¡Yo lloré con el disco! Es muy jefa».
María: «Rosalía es la mejor del mundo».
Alicia: «Ha conseguido ser diva».
Paola: «Y todo el mundo, incluso de América, quiere colaborar con ella. Eso es muy loco. Eso no pasa».
Ahora comienza una gira de verano bastante extensa que primero os lleva a México y después por festivales en España, con el Tomavistas de Madrid a la vuelta de la esquina. ¿Qué se puede esperar de este nuevo show?
Paola: «Como es un sonido un poco diferente, hemos tenido que saber cómo llevar esos nuevos temas al escenario. Antes llevábamos como una sampleadora y ahora ya nos hemos equipado».
Alicia: «Se irán incorporando canciones del nuevo disco poco a poco. De primeras, a lo mejor en el Tomavistas, como el disco lleva poco tiempo fuera… Mezclaremos grandes éxitos (risas) con lo nuevo».
María: «En festivales es un tipo de concierto diferente al de las salas. En salas sí tiene sentido presentar el disco tal cual, pero en festivales los sets son más cortos, hay gente que no te conoce…»
Paola: «¡Y por fin podemos elegir el setlist! Porque hasta ahora teníamos tan pocas canciones que teníamos que tocarlas todas».
María: «Iremos viendo cómo evoluciona. Luego la gente se enfada si no hemos tocado alguna y nos escribe (risas)».
Paola: «Una vez no tocamos ‘Bisexual’ y dije: “Nos van a dar palos” (risas). No podemos no tocarla».
Por último, ahora que ya podéis fardar de haber ido a Coachella, ¿cuál es el siguiente hito-fantasía que os gustaría conseguir?
Paola: «Una colabo con MOTOMAMI, con Rosalía».
María: «Y con Bad Bunny, también. Ahora en el nuevo disco va a colaborar con The Marías y Buscabulla… ¡Se está acercando! (risas). No digo nada… Yo creo que puede pasar, la verdad».
Alicia: «Ir a Japón, a tocar. Es lo que más me apetece: ir a Asia».
María: «Ah sí… Pero lo de Benito también (risas)».
Mafalda es una de las artistas que participan en la tercera edición de los conciertos Johnnie Walker. La autora de ‘Decir adiós’ actúa este jueves 19 de mayo en el Casino Terraza de Sevilla. JENESAISPOP regala 10 entradas dobles a las 10 personas que envíen al mail jenesaispop(a)gmail.com las mejores respuestas a la siguiente pregunta: ¿por qué deberías ganar las entradas para el concierto de Mafalda?
Mafalda es una de las revelaciones que ha dejado últimamente el pop sumergido nacional. Y no solo porque en todo artículo sobre ella quepa recordar que es princesa. Su delicado sonido de pop electrónico ha cautivado en canciones como ‘Rotos’ o la mencionada ‘Decir adiós’.
Sin embargo, Mafalda ha ampliado su paleta de sonidos con composiciones más trip-hop como ‘Así lo hago yo’, la más escuchada de su repertorio, en la que Alizzz ha ejercido de productor ejecutivo, o ‘Glitter’, mientras su reciente single con Delaporte, ‘Que se acabe’, ha tirado hacia lo explosivo. El primer EP de Mafalda, ‘Bailando sin sentido’, vio la luz el año pasado.
‘Black Mirror’ volverá con una sexta temporada en Netflix, ha confirmado hoy Variety. La serie de ciencia ficción estrenó su última temporada en junio de 2019. Fue su temporada peor valorada por la crítica, pese a constar tan solo de tres capítulos, uno de los cuales estaba protagonizado por Miley Cyrus.
La sexta temporada de ‘Black Mirror’ contará con un formato parecido al de todas las temporadas previas. Sin embargo, Variety informa que será una temporada de «envergadura más cinematográfica» que las anteriores. ¿Más todavía? Parece que sí: cada capítulo será una «película individual», por lo que se espera que su duración alcance o supere los 60 minutos de metraje, lo cual ya venía sucediendo. Por otro lado, Variety confirma que la sexta temporada de ‘Black Mirror’ tendrá más de tres capítulos.
La llegada de una nueva temporada de ‘Black Mirror’ sorprende porque no hace tantos años Charlie Booker y Annabel Jones, creadores de la serie, aparcaron el proyecto para centrarse en su faceta cómica. Firmaron, por ejemplo, la película llena de estrellas ‘Death to 2020‘ y su continuación de 2021. De hecho, fue en el punto álgido de la pandemia cuando Booker declaró que lo último que le apetecía era seguir trabajando en una serie sobre «sociedades que se desmoronan». Dos años después, con la pandemia controlada, parece que es momento de recuperar esas oscuras historias.
Las palabras de Booker eran: «He estado ocupado haciendo cosas. No sé qué puedo decir sobre lo que estoy haciendo y lo que no. Por el momento, no sé qué aguante habría para historias sobre sociedades desmoronándose, así que no estoy trabajando en nada de eso. Tengo ganas de revisitar mi vis cómica, así que he estado escribiendo guiones destinados a hacerme reír».
El regreso de ‘Black Mirror’ se produce también tras varios cambios internos. En enero de 2020, sus creadores Charlie Booker y Annabel Jones abandonaron la productora que posee los derechos de la serie. La entidad que posee ahora los derechos ha llegado a un acuerdo con Netflix.
Pau Vegas lleva años dando conciertos como integrante del grupo Cuarto Burle y también como teclista de artistas como Amaia (puedes ver a Pau en la gira de ‘Cuándo no sé quién soy’) o Sofía Comas. 2022 es el año en que ha decidido dar un paso adelante y ponerse en el centro del huracán.
Los primeros singles de Pau Vegas (antes pau a secas y en minúscula, quizás un nombre poco apto agradecido para que lo encuentre el algoritmo), publicados este mismo año, presentaban un sonido jazz-pop que no renunciaba a los matices electrónicos. Son ‘Un día más’ y ‘Excusas para quedarme’. Sin embargo, el tercero arrasa con ellos… casi literamente.
‘Cuántas noches’ llega con una producción de órdago, firmada por Marcel Bagès (sí, el mismo) y David Soler, que se diferencia inmediatamente del sonido primigenio de Pau Vegas. ‘Cuántas noches’ opta por una producción electrónica densa y reptante que remite a la escuchada en la obra de orfebres nórdicas como iamamiwhoami o Fever Ray, o en el último disco de Goldfrapp.
El revestimiento digital de ‘Cuántas noches’ suena esculpido con sumo cuidado por los integrantes de Extintor Produccions, y termina engulliendo la propia voz de Pau. A la artista ya le ha dado tiempo de rememorar veranos pasados junto a una persona a la que desea volver a ver.
Una de las canciones que has podido escuchar recientemente en la playlist Sesión de control, ‘Cuántas noches’ “habla de la necesidad de ser libres y dejar hacer libremente, un deseo de pasado y añoranza, a la vez que un canto a la esperanza de volverse a encontrar en el camino”.
Spotify ha actualizado su chart de Spotify Global, que ordena a tiempo real las 200 canciones más escuchadas en la plataforma a nivel terráqueo. Naturalmente, la mayoría de entradas de hoy en la tabla pertenecen a Eurovisión, que se celebraba el pasado sábado con récord de audiencia.
Las tres entradas principales en la lista global de Spotify reflejan los resultados exactos vistos en la final del sábado. La entrada más importante pertenece lógicamente a Ucrania con la canción ganadora, ‘Stefania’ de la Kalush Orchestra, que aparece en el número 38 de la lista. Es la única entrada eurovisiva dentro del top 50 de Spotify. En segundo lugar entra ‘SPACE MAN’ de Sam Ryder, la propuesta británica que quedó en segunda posición, y que debuta en el 77, y la tercera entrada la firma Chanel con ‘SloMo’, que se sitúa en el 85.
La lista admite cuatro entradas más pertenecientes a Eurovisión. En el 105 entra ‘Hold Me Closer’ de Cornelia Jakobs, la canción sueca, que era una de las principales favoritas en las apuestas y quedó cuarta en la final. En el 117 asoman las cabezas de lobo de Subwoolfer con su hit friki ‘Give That Wolf a Banana’, y en el 122 aparecen Mahmood y Blanco con ‘Brividi’. Finalmente, ‘De Diepte’ de S10 llega al 128 de la lista tras quedar en undécimo lugar en la final.
Entre las ausencias destacadas en el chart cabe comentar por supuesto la de Serbia, que terminó en quinta posición en la gala pero cuya canción no está siendo de las más oídas dos días después; y las de Moldavia, Grecia y Portugal, que terminaron en séptimo, octavo y noveno lugar, respectivamente. Tampoco ha entrado, de momento, el nuevo single de Måneskin, ‘SUPERMODEL’, cuyo alcance pretende ser internacional: la letra está escrita en inglés, y Max Martin es uno de sus autores.
Guitarricadelafuente es una de las grandes revelaciones nacionales de los últimos años. Las cifras de algunos de sus singles, como ‘Guantanamera’, ‘ABC’, ‘Agua y mezcal’ o ‘Nana triste’ con Natalia Lacunza, se cuentan por las decenas de millones y las entradas para sus conciertos vuelan. A pesar de tremendo éxito, el valenciano Álvaro Lafuente no ha apresurado el lanzamiento de su primer disco, que ha llegado estos días con intención de descubrirnos a su autor en todo su esplendor.
‘La cantera’ es otro álbum que bebe de la tradición para traerla al presente. Raül Refree está involucrado como co-productor en otro proyecto de estas características, tras haber co-producido, por ejemplo, el debut de Rodrigo Cuevas. Junto a Raül, Álvaro enriquece su discurso con textos y referencias sonoras que le inspiraban, y que van más allá de lo que esperas.
Entre las referencias más o menos previsibles, que no por ello menos interesantes o enriquecedoras, se encuentra ‘El camino‘ de Miguel Delibes. Su protagonista, El Mochuelo, abandona el pueblo en el que vive para prosperar en la ciudad, y su historia es parecida a la de Álvaro, que vivió múltiples veranos de su infancia en un pueblo de Teruel y hoy reside en Barcelona. Por otro lado, sorprende que el final de ‘Quién encendió la luz’ incorpora un fragmento de la ‘Danza húngara Nº 5 de Johannes Brahms, nada menos.
Dentro de este entramado de influencias, entre las cuales se incluyen también una melodía de Boccherini en ‘Flor de caramelo’, una de Joaquín Carbonell en ‘Vidalita del mar’, o sonidos que remiten a algunos de los artistas favoritos de Álvaro, como Bon Iver, Devendra Banhart o Chavela Vargas, emerge un interesante debut que funciona mejor cuando no intenta emplear demasiadas ideas al mismo tiempo.
Se percibe en ‘La cantera’ cierta intención por sobrecargar el ambiente. La inaugural ‘Mil y una noches’ está a todas luces producida de más: el arreglo de viento es delicado y tiene sentido, pero cuando entran las percusiones el efecto no emociona sino que deja indiferente. En la bonita ‘Amanita’, que interpola una letra de Labordeta, los diferentes tipos de procesamiento vocal no aportan interés a la canción, como tampoco lo hace la sobredosis de autotune en ‘Rebozo’. Y ‘Antes que quieras olvidar’ está tan ornamentada que, cuando Álvaro se pone a cantar la melodía de ‘Jarama Valley‘, la que podría haber sido una de las cumbres emocionales del disco se desinfla en una especie de improvisación que podría haber ocurrido o no.
En otras pistas, Guitarricadelafuente halla ese deseado equilibrio entre tradición y «modernidad» que explora ‘La cantera’ con más o menos éxito. La jota aragonesa de ‘La Filipina’ es el ejemplo perfecto. Son simpáticas sus referencias a una «emperatriz de las Filipinas», a la «Virgen del Pilar» y a una vieja moneda española, pero sobre todo es adecuado su matrimonio de folclore y sonido contemporáneo. Lafuente y Refree no sobrecargan su discurso con sonidos y efectos que no vienen a cuento. Las tradicionalistas ‘Ya mi mama me decía’ y ‘Vidalita del mar’ también demuestran que ‘La cantera’ funciona mejor con menos, y la dulce rumbita de ‘Flor de caramelo’ lleva esta apreciación a su lado extremo, siendo la composición más sencilla de todas.
En el final de ‘La cantera’, Guitarrica aún tiene tiempo de sorprender de varias maneras: el sonido alegre y taberneno de ‘Quién encendió la luz’ le sienta muy bien, las Tanxugueiras se pasan a hacer coros en ‘La algarabía’ y el disco se cierra con una dramática composición llamada ‘A carta cabal’ que usa tanto cuerdas como efectos de vocoder de manera muy elegante.
‘La cantera’ pretende ser una «historia de juventud», la historia de un chico de pueblo que se ha ido a vivir a la ciudad y se ha enamorado, y su título alude a una generación futura, pues la «cantera» es el nombre con el que la gente mayor del pueblo se dirige a los jóvenes cuando se los cruzan por la calle. Sin embargo, el disco a veces no logra transmitir la frescura de la juventud. Demasiadas veces la producción colorea las canciones mucho más allá de las líneas, y melodías como la de ‘Mil y unas noches’ suenan esbozadas. Sin embargo, piezas como ‘La Filipina’ demuestran que ‘La cantera’ podía haber sido un cajón (de)sastre más equilibrado.
Enrique Bunbury ha comunicado la cancelación total de su gira debido a los problemas de salud que arrastra desde hace años. El autor de ‘Curso de levitación intensivo‘ había anunciado su retirada de los escenarios por este motivo pero se proponía antes terminar las fechas de la gira que le quedaban pendientes en Estados Unidos y España, lo cual ya no va a suceder.
Cuenta Bunbury que su gira por Estados Unidos había empezado bien, pero que en Chicago sus problemas en la garganta se han vuelto a agudizar y que no le ha quedado más remedio que cancelar el resto de fechas de la gira. «Mis problemas con la garganta y la respiración se acrecentaron y volvieron anoche con agudeza y, lo que pensaba iba a estar controlado, está totalmente fuera de mis manos y deseos».
A continuación, Bunbury confirma que el de Chicago será -por el momento- el último concierto que realice en toda su carrera. «A estas alturas no consideramos más cancelaciones, ni posponer más conciertos», escribe. «Con todo el dolor de mi corazón me toca adelantar lo que ya veía inminente. Me es imposible hacer más conciertos», explica el zaragozano en un texto publicado en sus redes.
El autor de ‘Lady Blue’ informa que «podréis devolver los tickets donde los adquiristeis» y pide «comprensión en este momento tan doloroso para mí y mi equipo».
Recientemente, Bunbury ha sido noticia por lanzar nuevo single junto a Mónica Maranjo, ‘EY!‘, un tema rockero y de temática social en el que ambos artistas cargan contra la corrupción política.
Esta noche se ha celebrado en Las Vegas una nueva edición de los Billboard Music Awards. Los artistas más premiados de la noche han sido Olivia Rodrigo con 7 premios, ye aka Kanye West con 6, Drake y Justin Bieber con 5 y Taylor Swift con 4. Por contra, The Weeknd se ha llevado tan solo un galardón pese a que era, con diferencia, el artista más nominado. Abel fue, de hecho, el artista más premiado el año pasado.
Entre los artistas que han actuado en la ceremonia se encuentran Florence + the Machine, que ha cantado ‘My Love’, y Travis Scott, que ha ofrecido su primera actuación televisada tras la tragedia de Astroworld. Además, Becky G ha estrenado en vivo su nuevo hit ‘BAILÉ CON MI EX‘ y también ha cantado ‘MAMIII‘, Ed Sheeran ha presentado ‘2step’, Megan Thee Stallion ha interpretado ‘Plan B’ y ‘Sweetest Pie’, y Rauw Alejandro ha repasado ‘Cúrame’, ‘MUSEO’ y ‘Todo de ti’.
El resto de «performers» de la noche han sido Burna Boy con ‘Last Last’ y ‘Kilometre’, Silk Sonic con ‘Love’s Train’, Machine Gun Kelly con ‘twin flame’, Latto con ‘Big Energy’ pero sin Mariah Carey, Morgan Wallen con ‘Wasted on You’, Dan + Shay con ‘You’, Elle King & Miranda Lambert con ‘Drunk (And I Don’t Wanna Go Home)’ y Maxwell con una versión de ‘The Lady in My Life’ de Michael Jackson. Esta última canción es la única que se ha subido oficialmente a Youtube de momento.
Por otro lado, Mary J. Blige ha recibido el premio «icono», el cual ha presentado Janet Jackson, que hoy cumple 56 años.
Mejor artista
Doja Cat Drake – GANADOR
Olivia Rodrigo
Taylor Swift
The Weeknd
Mejor artista nuevo
Givēon
Masked Wolf Olivia Rodrigo – GANADORA
Pooh Shiesty
The Kid LAROI
Mejor artista masculino Drake – GANADOR
Ed Sheeran
Justin Bieber
Lil Nas X
The Weeknd
Mejor Artista Femenina
Adele
Doja Cat
Dua Lipa Olivia Rodrigo – GANADORA
Taylor Swift
Mejor grupo BTS – GANADOR
Glass Animals
Imagine Dragons
Migos
Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak)
Mejor Artista Billboard 200
Adele
Drake
Juice WRLD
Morgan Wallen Taylor Swift – GANADORA
Mejor artista Hot 100
Doja Cat
Drake
Justin Bieber Olivia Rodrigo – GANADORA
The Weeknd
Mejor artista de canciones en streaming
Doja Cat
Drake
Lil Nas X Olivia Rodrigo – GANADORA
The Weeknd
Artista más vendido
Adele BTS – GANADOR
Dua Lipa
Ed Sheeran
Walker Hayes
Mejor artista de canciones en radio
Doja Cat
Ed Sheeran
Justin Bieber Olivia Rodrigo – GANADORA
The Weeknd
Mejor artista Billboard Global 200
Doja Cat
Ed Sheeran
Justin Bieber Olivia Rodrigo – GANADORA
The Weeknd
Artista Billboard Global
BTS
Dua Lipa Ed Sheeran – GANADOR
Olivia Rodrigo
The Weeknd
Mejor Tour
Eagles (Hotel California Tour)
Genesis (The Last Domino? Tour)
Green Day, Fall Out Boy & Weezer (The Hella Mega Tour)
Harry Styles (Love on Tour) The Rolling Stones (No Filter Tour) – GANADOR
Mejor artista R&B Doja Cat – GANADORA
Givēon
Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak)
Summer Walker
The Weeknd
Mejor artista R&B masculino
Givēon
Khalid The Weeknd – GANADOR
Mejor artista R&B femenina Doja Cat – GANADORA
Summer Walker
SZA
Mejor tour R&B Bruno Mars (Bruno Mars at Park MGM) – GANADOR
Omarion & Bow Wow (The Millennium Tour 2021)
Usher (The Vegas Residency)
Mejor artista rap Drake – GANADOR
Juice WRLD
Lil Baby
Moneybagg Yo
Polo G
Mejor artista de rap masculino Drake – GANADOR
Juice WRLD
Polo G
Mejor artista de rap femenina
Cardi B
Latto Megan Thee Stallion – GANADORA
Mejor tour de rap
J. Cole (The Off-Season Tour)
Lil Baby (The Back Outside Tour) Omarion & Bow Wow (The Millennium Tour 2021) – GANADOR
Mejor artista country
Chris Stapleton
Luke Combs
Morgan Wallen Taylor Swift – GANADORA
Walker Hayes
Mejor artista country masculino
Chris Stapleton
Luke Combs Morgan Wallen – GANADOR
Mejor artista country femenina
Carrie Underwood
Miranda Lambert Taylor Swift – GANADORA
Mejor grupo de Country Dan + Shay – GANADOR
Florida Georgia Line
Zac Brown Band
Mejor tour de country
Luke Bryan (Proud to Be Right Here Tour) Eric Church (Gather Again Tour) – GANADOR
Chris Stapleton (All-American Road Show Tour)
Mejor artista rock Glass Animals – GANADOR
Imagine Dragons
Machine Gun Kelly
Måneskin
twenty one pilots
Mejor tour de rock
Genesis (The Last Domino? Tour)
Green Day, Fall Out Boy & Weezer (The Hella Mega Tour) The Rolling Stones (No Filter Tour) – GANADOR
Mejor artista latino Bad Bunny – GANADOR
Farruko
Kali Uchis
Karol G
Rauw Alejandro
Mejor artista latino masculino Bad Bunny – GANADOR
Farruko
Rauw Alejandro
Mejor artista latino femenina Kali Uchis – GANADORA
Karol G
Rosalía
Mejor grupo latino
Calibre 50 Eslabón Armado – GANADOR
Grupo Firme
Mejor tour latino
Bad Bunny (El Último Tour Del Mundo)
Enrique Iglesias & Ricky Martin (Live in Concert) Los Bukis (Una Historia Cantada Tour) – GANADOR
Mejor artista dance/electrónica
Calvin Harris
David Guetta Lady Gaga – GANADORA
Marshmello
Tiësto
Mejor artista cristiano
Carrie Underwood
Elevation Worship
for King & Country
Lauren Daigle Ye – GANADOR
Mejor artista gospel
CeCe Winans
Elevation Worship
Kirk Franklin
Maverick City Music Ye – GANADOR
PREMIOS ÁLBUMES
Mejor álbum Billboard 200
Adele, 30
Doja Cat, Planet Her
Drake, Certified Lover Boy
Morgan Wallen, Dangerous: The Double Album Olivia Rodrigo, SOUR – GANADORA
Mejor soundtrack
Arcane League of Legends Encanto – GANADORA
In The Heights
Sing 2
tick, tick…BOOM!
Mejor álbum R&B Doja Cat, Planet Her – GANADORA
Givēon, When It’s All Said and Done…Take Time
Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak), An Evening With Silk Sonic
Summer Walker, Still Over It
The Weeknd, Dawn FM
Mejor álbum de rap Drake, Certified Lover Boy – GANADOR
Moneybagg Yo, A Gangsta’s Pain
Rod Wave, SoulFly
The Kid LAROI, F*ck Love
Ye, Donda
Mejor álbum de country
Florida Georgia Line, Life Rolls On
Lee Brice, Hey World
Taylor Swift, Fearless (Taylor’s Version) Taylor Swift, Red (Taylor’s Version) – GANADORA
Walker Hayes, Country Stuff: The Album
Mejor álbum de rock
AJR, OK Orchestra
Coldplay, Music of the Spheres
Imagine Dragons, Mercury – Act 1
John Mayer, Sob Rock twenty one pilots, Scaled and Icy – GANADOR
Mejor álbum latino
Eslabon Armado, Corta Venas
J Balvin, Jose
Kali Uchis, Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ Karol G, KG0516 – GANADORA
Rauw Alejandro, Vice Versa
Mejor álbum dance/electrónica
C418, Minecraft – Volume Alpha
FKA twigs, Caprisongs Illenium, Fallen Embers – GANADOR
Porter Robinson, Nurture
Rüfüs Du Sol, Surrender
Mejor álbum cristiano
Carrie Underwood, My Savior
CeCe Winans, Believe for It
Elevation Worship & Maverick City Music, Old Church Basement
Phil Wickham, Hymn of Heaven Ye, Donda – GANADOR
Mejor álbum de góspel
CeCe Winans, Believe for It
Elevation Worship & Maverick City Music, Old Church Basement
Maverick City Music, Jubilee: Juneteenth Edition
Maverick City Music & Upperroom, move your heart. Ye, Donda – GANADOR
PREMIOS CANCIONES
Mejor canción Hot 100
Doja Cat ft. SZA, “Kiss Me More”
Dua Lipa, “Levitating”
Olivia Rodrigo, “good 4 u” The Kid LAROI & Justin Bieber, “Stay” – GANADORA
The Weeknd & Ariana Grande, “Save Your Tears”
Mejor canción de streaming
Dua Lipa, “Levitating”
Glass Animals, “Heat Waves”
Olivia Rodrigo, “good 4 u” The Kid LAROI & Justin Bieber, “Stay” – GANADORA
The Weeknd & Ariana Grande, “Save Your Tears”
Canción más vendida BTS, “Butter” – GANADORA
BTS, “Permission to Dance”
Dua Lipa, “Levitating”
Ed Sheeran, “Bad Habits”
Walker Hayes, “Fancy Like”
Mejor canción de la radio Dua Lipa, “Levitating” – GANADORA
Ed Sheeran, “Bad Habits”
Olivia Rodrigo, “good 4 u”
The Kid LAROI & Justin Bieber, “Stay”
The Weeknd & Ariana Grande, “Save Your Tears”
Mejor colaboración
Doja Cat ft. SZA, “Kiss Me More”
Justin Bieber ft. Daniel Caesar & GIVĒON, “Peaches”
Lil Nas X ft. Jack Harlow, “Industry Baby” The Kid LAROI & Justin Bieber, “Stay” – GANADORA
The Weeknd & Ariana Grande, “Save Your Tears”
Mejor canción Billboard Global 200
Dua Lipa, “Levitating”
Ed Sheeran, “Bad Habits”
Olivia Rodrigo, “good 4 u” The Kid LAROI & Justin Bieber, “Stay” – GANADORA
The Weeknd & Ariana Grande, “Save Your Tears”
Mejor canción Billboard Global
BTS, “Butter”
Ed Sheeran, “Bad Habits”
Lil Nas X, “Montero (Call Me by Your Name)” The Kid LAROI & Justin Bieber, “Stay” – GANADORA
The Weeknd & Ariana Grande, “Save Your Tears”
Canción más viral Doja Cat ft. SZA, “Kiss Me More” – GANADORA
Gayle, “abcdefu”
Glass Animals, “Heat Waves”
Masked Wolf, “Astronaut In The Ocean”
Walker Hayes, “Fancy Like”
Mejor canción R&B
Doja Cat & The Weeknd, “You Right”
Givēon, “Heartbreak Anniversary”
Justin Bieber ft. Daniel Caesar & Givēon, “Peaches” Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak), “Leave the Door Open” – GANADORA
WizKid ft. Justin Bieber & Tems, “Essence”
Mejor canción de rap
Drake ft. 21 Savage, Project Pat, “Knife Talk”
Drake ft. Future & Young Thug, “Way 2 Sexy” Lil Nas X ft. Jack Harlow, “Industry Baby” – GANADORA
Masked Wolf, “Astronaut In The Ocean”
Polo G, “Rapstar”
Mejor canción de country
Chris Stapleton, “You Should Probably Leave”
Jason Aldean & Carrie Underwood, “If I Didn’t Love You”
Jordan Davis ft. Luke Bryan, “Buy Dirt”
Luke Combs, “Forever After All” Walker Hayes, “Fancy Like” – GANADORA
Mejor canción de rock
Coldplay X BTS, “My Universe”
Elle King & Miranda Lambert, “Drunk (And I Don’t Wanna Go Home)”
Imagine Dragons, “Follow You” Måneskin, “Beggin’” – GANADORA
The Anxiety: Willow & Tyler Cole, “Meet Me at Our Spot”
Mejor canción latina
Aventura x Bad Bunny, “Volví”
Bad Bunny, “Yonaguni”
Farruko, “Pepas” Kali Uchis, “telepatía” – GANADORA
Rauw Alejandro, “Todo De Ti”
Mejor canción dance/electrónica Elton John & Dua Lipa, “Cold Heart – PNAU Remix” – GANADORA
Farruko, “Pepas”
Regard x Troye Sivan x Tate McRae, “You”
Tiësto, “The Business”
Travis Scott & HVME, “Goosebumps”
Mejor canción cristiana
Anne Wilson, “My Jesus” Ye, “Hurricane” – GANADORA
Ye, “Moon”
Ye, “Off The Grid”
Ye, “Praise God”
Mejor canción góspel
Elevation Worship & Maverick City Music ft. Chandler Moore & Naomi Raine, “Jireh” Ye, “Hurricane” – GANADORA
Ye, “Moon”
Ye, “Off the Grid”
Ye, “Praise God”
Amaia ofrece entrevistas el día de salida de su segundo disco ‘Cuando no sé quién soy’ y también el día anterior. Lamentablemente, tiene que cancelar algunas por una indisposición: pasa las horas previas a la llegada del álbum a Spotify vomitando. Nuestro encuentro se tambalea. Encontramos a la cantante desmayaíca en un sofá, le agradecemos su voluntad de atendernos en un céntrico hotel de Madrid y nos pregunta si nos importa realizar la entrevista medio tumbada.
Poco a poco, va resucitando y su cara cambiando de expresión a medida que vamos ahondando en ‘Cuando no sé quién soy’. Se nota la ilusión que le hace este nuevo paso artístico en el que ha colaborado con Alizzz y con otros autores como Confeti de Odio, C. Tangana o Antonna de Los Punsetes. Por la tarde, hasta ofrecerá un concierto callejero sorpresa en los Cines Capitol de Madrid, para los transeúntes más casuales.
A continuación, os ofrecemos un resumen de nuestra charla con Amaia, que podéis escuchar en formato podcast a través de ivoox, Spotify, etcétera. Os recordamos que Amaia está de gira este año. Actúa en Primavera Sound, Low, Sonorama… Su único concierto en Madrid este año será en el Festival Brillante, del que JENESAISPOP es medio colaborador.
El disco se ha publicado esta medianoche, ¿cómo has vivido la salida del disco?
Me puse muy malita ayer, pero intenté estar pendiente, para subir las Historias (de Instagram)… Llevaba mucho tiempo con muchas ganas de que saliera y creo que la gente está contenta. Creo que está gustando. ¿Lees comentarios, Amaia?
Sí (sonríe), cuando saco alguna canción o el disco. O cuando me aburro.
‘El encuentro’ con Alizzz, sin ser de este disco, porque está en el de Alizzz, es como un punto de partida para este álbum. ¿Tú también lo ves así?
En esa colaboración conocí a Alizzz, cuando estaba pensando con quién quería hacer el segundo disco. También siento que fue un punto de partida. Conectamos a nivel artístico y personal. Su disco me parece increíble, lo he escuchado muchísimo, me encanta. El vídeo mostraba una imagen tuya diferente, como en la ruta del bakalao, meando detrás de unos coches…
Estaba muy a gusto. Era consciente de que era una nueva imagen. Igual que la imagen de este disco y todos los vídeos que han salido hasta ahora. Me están preguntando mucho en las entrevistas si me quiero deshacer de esa imagen de niña buena. Y no es que quiera deshacerme de eso. Es que he evolucionado y ahora me siento más madura. Aunque tampoco te crees que soy una adulta ejemplo… (risas) Dentro de unos años me veré como una niña, pero ahora me siento más segura, más confiada y más segura de las cosas.
Arrancas el disco «ya no soy pequeña, tampoco soy mayor». Recuerda al ‘I’m Not a Girl, Not Yet a Woman’ de Britney Spears.
¡Ahí va! Realmente no me había dado cuenta, pero es como un poco plagio (risas) No lo tenía en la cabeza, no lo había pensado.
Ella vivió muy acosada por los medios, ¿has tenido alguna vez miedo a acabar como Britney? ¿A sufrir un meltdown muy grande?
La verdad que no lo he tenido en la cabeza. Espero que no. Pero es que Britney es otro nivel. Me gusta tener una vida sencilla y normal, vivo en un piso en Barcelona…
«Me están preguntando mucho en las entrevistas si me quiero deshacer de esa imagen de niña buena. Y no es que quiera deshacerme de eso. Es que he evolucionado y ahora me siento más madura»
Dices eso porque eres muy humilde, pero por lo que has contado en el Especial Salud Mental de ‘Salvados’, sí que vas vivido un proceso similar, ¿no? Se ve en letras de este disco como «fue una pesadilla, pero ahora me abrazo a ese dolor», «estoy contenta y triste a la vez», todas las veces que te dices «eres una persona más». No sé en qué momento ha sido todo esto.
En el proceso de este disco he sentido que he estado en una etapa de cambio personal, de estar un poco perdida, pero con el tiempo he aprendido que no tiene por qué ser malo. A veces es positivo y necesario para la evolución como persona. Ha habido momentos de muchas inseguridades, de dudar mucho, de sentirme como disfrazada, pero también he querido salirme de mi zona de confort. Mi zona de confort ha terminado siendo abrir la mente y probar otras cosas nuevas y ver que también me puedo sentir cómoda en esos estilos nuevos.
¿Tienes aún el síndrome del impostor?
No, ha sido en la etapa de hacer el disco. Pero ya me siento más segura, más confiada. Ahora soy más consciente de todo. Me siento mucho mejor a nivel personal. Intento hacer cosas sola, voy al cine sola… estas tonterías me han ayudado mucho a sentirme mejor.
«A nivel compositivo este disco está más pensado. He querido que se vea una evolución»
Este disco es muy diferente en cuanto a producción. ¿También lo ves diferente líricamente?
También lo veo diferente. El anterior disco fue más como un diario personal. Lo primero que escribía, lo plasmaba, no pensaba en las letras. Lo primero que me pasaba por la cabeza, lo ponía. Esta vez también, pero están más trabajadas. He quedado con artistas que me gustan para componer, en sesiones de composición, y he visto diferentes maneras de trabajar. A nivel compositivo está más pensado. He querido que se vea una evolución.
C. Tangana está en los créditos. ¿Le has conocido o aparece a través de Alizzz?
Sí, tuvimos un par de sesiones, fue muy guay. Me parece una persona súper inteligente. En las sesiones era muy rápido en las referencias, en plasmar ideas, en letras y melodías, hacíamos letras juntos. Una letra que hacía yo, él la mejoraba muchísimo. Me parece un compositor increíble.
‘Yamaguchi’ no es una jota ni un pasodoble pero sí que es una cápsula de folclore, como ‘El Madrileño’, ¿no?
Esa música tradicional me ha acompañado mucho desde siempre. Siempre se ha escuchado mucho en mi casa. Estoy muy cómoda.
¿Y no era una tentación seguir por ahí, como Rodrigo Cuevas, Vicente Navarro, Klaus&Kinski?
‘Yamaguchi’ fue de las últimas que se hicieron. En un futuro sí me veo yéndome más a raíces tradicionales. Pero no lo sé. Estoy muy cómoda en este estilo.
Lo que más mola de este disco es los momentos de locura de la producción, como los gritos en ‘Bienvenidos al show’ o en ‘Quiero pero no’…
Hay mucho grito (risas)
O como los pitufos de ‘Dilo sin hablar’. ¿Esas cosas son más de Alizzz o de los dos?
Lo hemos hecho juntos, íbamos muchos días al estudio. Ha sido un disco bastante colaborativo, hecho en equipo. La composición y la producción iban a la par de manera paralela. Ha sido muy diferente al anterior disco. Íbamos poniendo en el ordenador mil sonidos, y eligiendo uno por uno. Cristian las iba mezclando y el primer día ya parecía que estaban las canciones para salir. Ha sido bastante rápido en general.
¿A qué canciones habéis dado más y menos vueltas?
‘La vida imposible’ era muy diferente. La hice con Antonna de Los Punsetes y también estaba Marcelo Criminal en la sesión de composición. Cristian no estaba y luego con él terminó siendo otra cosa. ‘Bienvenidos al show’ costó un poco más encontrarle el punto. Muchas canciones no han entrado en el disco porque no han terminado de encajar.
¿Saldrán como bonus o algo así?
No lo sé, son descartes. Igual en un futuro, pero no lo sé. No estoy convencida de esas canciones. Hay algo que no me termina de convencer.
«Escuchar el primer disco me da mucha ternura. Me gusta recordar el pasado, recordar el momento que vivía»
El disco suena como un diario que dice quién eres tú ahora. Cuando escuchas el primer disco, no sé si te sientes identificada.
Escuchar el primer disco me da mucha ternura. Me gusta recordar el pasado, recordar el momento que vivía, verlo con perspectiva, soy muy nostálgica, me gusta pensar en la infancia… Me gusta escuchar el primer disco y pensar en cómo era yo en ese momento.
¿Seguirás haciendo el primer disco en directo?
Hay algunas que no, pero creo que son 5 las que canto en el concierto de ahora.
Has hecho versiones de Bad Gyal, Bisbal, Camela… ¿hay algo imposible de versionar?
Ha habido muchos intentos que no han salido (risas) He intento hacer más canciones de Bad Gyal y eran muy difíciles.
Si versionas «Toto» yo me muero…
Yo también (risas)
La que sí está en el disco es la versión de Los Planetas ‘Santos que yo te pinte’. ¿Por qué te encajaba ahí?
Cristian y yo coincidíamos en gustos musicales. Los Planetas nos encanta a los dos. Esta canción era para el disco de Cristian, pero al final no le encajó.
¿Quizá porque Jota ya cantaba en su disco y era demasiado Jota?
Puede ser, no lo sé. Probando la canción veíamos que encajaba muy bien en el disco, sentía que me quedaba muy bien, la verdad. Es de mis favoritas.
‘Quiero pero no’ mola un montón, le augurábamos más éxito que a ‘Yo invito’. ‘Quiero pero no’ sonaba como ese hit como ‘Teléfono’ que decías que querías tener. Pero parece difícil acertar lo que le va a gustar a tu público… ¿Aciertas tú?
No lo sé, al hacer el disco, no me lo planteo. Sí me lo planteo cuando están hechas las canciones, al elegir los singles. Me rallé un poco, no sabía si sacar ‘Dilo sin hablar’, ‘Santos que yo te pinte’… Ha habido muchos quebraderos de cabeza. ‘Quiero pero no’ no se planteaba como single, pero era de mis favoritas y después de ‘Yo invito’, quería algo que contrastara.
Rojuu tiene como 300 discos, ¿cuál es tu favorito o qué te gustó de él?
Lo primero que vi de él fue el Gallery Session, su aura. Me hipnotizaban las caritas que pone, cómo se mueve… me enamoré un poco. Se lo dije y él me dijo que también había pensado en trabajar conmigo. Le hizo ilusión, y sí.
Esta canción contiene la frase «no me interesa tu opinión», que mola con la sobredosis de opiniones que tenemos hoy en día. Aunque es una canción de amor, ¿no?
El estribillo está dirigido a una persona, pero es como un pensamiento que yo estoy teniendo. Es algo que me ronda la cabeza, pero no lo estoy diciendo verbalmente. Es una cosa para mí.
«Con este disco Rosalía ha dado mil pasos por delante. Es como si fuera música del futuro, música de dentro de 15 años»
Fuiste de las primeras en hablar de Rosalía en televisión, en OT. ¿Sería posible una colaboración con ella?
(risas) Sería increíble. Yo no lo sé. Ojalá. Para mí sería un sueño. Me parece increíble todo lo que hace. Con este disco (‘MOTOMAMI’) ha dado mil pasos por delante, en imagen… Es como si fuera música del futuro, música de dentro de 15 años. Ella está en otro nivel.
En concierto te vimos cantando ‘Antes de morirme’ con Alizzz…
Fue una propuesta de Cristian y me hizo ilusión porque me encanta. La versión es más guitarrera y me encanta además.
Con quien sí hay colaboración es con Aitana, y está esta frase que le ha gustado a todo el mundo: «¿quieres ser mi amigo? ¡cómeme el higo!». Pero no has sido la primera en cantar algo así. Antes estuvieron Putirecords con su canción «tócame un poquito el higo».
(risas) ¡No la conocía!
Hablando de electro de los 2000, hay teclados en esta canción o en ‘Bienvenidos al show’, que también nos llevan a los 80. Un tipo de sintes que no están tan de moda.
Yo no sé qué está de moda. Grupos como Mecano siempre me han influenciado. Gente en Twitter me está diciendo que hay cosas del disco que les recuerda a Mecano. Hay una influencia de eso, es otra cosa que me conectaba con Cristian.
¿Por qué no está Aitana en el videoclip? Joer… fue imposible cuadrar, porque está a mil cosas. Si mi disco hubiera salido más tarde… fue una cosa de agendas. No se pudo cuadrar bien.
Y entonces habéis puesto su colonia en sustitución…
¡Fue idea mía! Quería que tuviese un punto divertido, que la canción lo tiene. Pero quería hacer la broma.
¿Hasta qué punto te involucras en la imagen, en el diseño del disco deluxe…?
El vídeo es de Virgili Jubero, que es amigo mío. La portada es de Geray Mena… la gente con que trabajo es gente que me encanta lo que hace. Me gusta dejarles libertad. Me proponen algo y yo opino. Pero la idea suele partir de ellos, de los artistas, y yo opino o doy ideas.
Hay un poso grunge en esta canción con Aitana, en los bajos y guitarras.
Son David Soler y Miquel Sospedra. Está hecho con un equipo increíble. Me siento muy bien rodeada.
¿Cuándo descubriste a Alizzz, realmente?
No me acuerdo bien. Le conocí sobre todo como productor de C. Tangana. Empecé a investigarle más cuando me propuso hacer la colaboración. Vi que había producido canciones de ahora, a todo el mundo…
Hablando de amigos guays, has conocido a Marisol.
Fue increíble, cuando le dieron el Goya de Honor conocí a sus hijas y me dijeron que le hacía ilusión conocerme. Fue increíble.
¿Nunca se planteó ir o actuar?
No tengo ni idea, ella ya está tranquila con la vida que lleva y me parece genial, la admiro un montón con todo lo que ha hecho.
¿Qué te llevas de este encuentro?
No sé decirte algo concreto. Fue un momento que no voy a olvidar nunca. Fue conectar con mi yo de la infancia. De niña siempre le decía a mi madre que quería conocer a Marisol y me decía que no, que ya estaba mayor. Fue un sueño increíble.
¿Te hiciste foto, le pediste autógrafo?
Yo no quise… Simplemente hablamos y fue una conversación que me sirvió de mucho. Es como si hubiese sido un sueño.
Si se hiciera un biopic suyo, no sé si te ves haciendo de Marisol. Joer, de físico no sé si me parezco mucho, pero sería increíble. Una cosa curiosa es que le enseñé una foto de mi madre y me dijo: «es mi madre de joven». Sentí que estaba conectada con ella de alguna forma.
Os parecéis en ese huir de la fama, en el gusto por estar retirada, por no salir en los medios. Te puedes ver representada ahí, ¿no?
Ella también es otro nivel, todo lo que vivió. Fue muchísimo más fuerte. Sí es verdad que con algunas cosas que contaba me sentía identificada a un nivel más pequeño, en lo que he vivido estos 4 años.
No cualquiera aguanta este nivel de exposición…
No es que me quite mérito, es verdad que fue muy, muy fuerte. No eres consciente en ese momento. Hay un momento de mi vida que no me acuerdo muy bien de las cosas. Tengo una temporada muy nebulosa.
«Hay un momento de mi vida que no me acuerdo muy bien de las cosas. Tengo una temporada muy nebulosa»
Dime que te acuerdas de nuestra entrevista con ‘Un nuevo lugar’, que es una canción que me encanta y no te gusta nada…
¡La canto en todos mis conciertos! Ahora la estoy cantando. No fue en el disco porque la produjo Refree y no encajaba a nivel estético. Pero me encanta.
Creo que de ahí viene mi confusión, porque sí que hay créditos de Refree en el primer disco. Alguna coautoría.
Muchas de las canciones del primer disco las empecé con Raúl y luego tomaron otro camino. Sí que Refree pertenece al primer disco.
¿Vas a ver Eurovisión?
¿Cuándo es? Lo voy a ver para sentirme bien de no estar ahí (risas) Creo que sí lo veré. Sé que va Chanel y le deseo muchísima suerte. ¿En qué puesto quedé yo? No me acuerdo…
¿Te arrepientes de haber entrado en OT?
No, para nada. Yo estoy muy contenta con mi paso por Operación Triunfo. Incluso con Eurovisión, aprendí muchísimo. Fue una locura el nivel de promoción nada más salir de OT, nos llevaron un poco como marionetas, pero aprendí muchísimas cosas. Y lo recuerdo con muchísimo cariño.
«Fue una locura el nivel de promoción nada más salir de OT, nos llevaron un poco como marionetas, pero aprendí muchísimas cosas»
Sacas disco a la vez que Florence, con lo que significó para ti ‘Shake It Out’. Su disco habla de ansiedad, de pandemia, de lo que significa el baile en todo esto…
Es un sentimiento que no solo tenemos los que nos dedicamos a esto, sino todo el mundo. Son sentimientos que todos tenemos, son comunes y hay que darles visibilidad. No pasa nada.
Finalmente, una pregunta absurda. ¿Con qué Amaia te quedas? ¿Amaia Montero, Amaya de Mocedades, Remedios Amaya, tú..?
Yo al final, porque La Oreja de Van Gogh es de mis grupos favoritos, me quedo con Amaia Montero. Me parece un icono, me encanta ella.
Death Cab for Cutie son uno de los grupos indies más importantes de los 2000, pero su sonido en los últimos años parecía haberse quedado algo estancado, por mucho que intentaran ofrecer algo nuevo. No es que ‘Kintsugi’ o ‘Thank You for Today’ fuesen totalmente desdeñables, pero no suponían nada particularmente memorable ni nada que no hubiésemos escuchado ya en la banda.
‘Roman Candles’, el primer single de su nuevo disco ‘Asphalt Meadows’, parece dispuesto a cambiar esta narrativa. En él, abrazan su sonido más “noise”, donde la voz de Ben Gibbard se envuelve en una percusión agresiva y una frenética y adictiva melodía de guitarras eléctricas y bajo. Durante solamente dos minutos la canción consigue crear un gran clímax gracias a la progresión de la instrumentación que transmite urgencia y deja con ganas de más. Tanto que es difícil no volver a reproducirla inmediatamente después de terminarla.
Aún quedan cuatro meses para saber cómo sonará su nuevo disco al completo, pero esta nueva dirección, a priori, supone un bienvenido soplo de aire fresco y es lo más interesante y refrescante que han sacado Death Cab for Cutie en años. El álbum estará a la venta el día 16 de septiembre y contendrá 11 pistas como puede apreciarse en Bandcamp.
