Hoy publican nuevos discos Darkside, el dúo de electrónica de Nicolas Jaar y Dave Harrington; la cantante británico-alemana Anika; el rapero británico Dave, ganador del Mercury Prize en 2019, Leon Bridges o David Crosby. ‘Donda’ de Kanye West sigue sin ver la luz pese a haber sido presentado oficialmente este jueves durante un evento en Atlanta, y hace unos días en una primera «listening party» en Las Vegas. Suponemos que lo hará en algún momento de las próximas horas, pues parte de su contenido está filtrado en Youtube, junto a la que parece ser su portada, un retrato abstracto.
Una de las sorpresas de hoy viernes la dan Coldplay, que acaban de anunciar nuevo disco y hoy lanzan un segundo adelanto del mismo. Se trata de la pista final ‘Coloratura’, que no es una versión de Björk aunque lo parezca por su título, sino una canción original que alcanza los 10 minutos de duración. Por otro lado, y hablando de Kanye West, la banda de hip-hop Abstract Mindstate, que publicó tan solo un álbum en 2001, vuelve con un segundo trabajo producido por el rapero cuyo adelanto incluimos en la playlist.
Otros artistas que siguen avanzando sus próximos proyectos se encuentran The Hidden Cameras, Porches, Low, Tinashe, Deerhoof, Matthew E. White, Nite Jewel o Brandi Carlile. También presentan novedades Colectivo Da Silva con dani, Moor Mother, Belly con The Weeknd (que ultima ya su nuevo álbum) y Young Thug, Big Red Machine con Fleet Doxes, ghouljaboy, Sitcom (foto), PELIGRO!, Nil Moliner con Ana Mena o Ptazeta y Juacko, entre otros.
Uno de los lanzamientos internacionales más importantes que se esperan para este viernes, y que podrás escuchar enseguida en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», es ‘Don’t Go Yet’, el nuevo single de Camila Cabello anunciado por sorpresa. Es una tema verbenero, de sonido cumbiero, 100% Selena Quintanilla, a la que Camila se parece también mucho en el videoclip. ‘Don’t Go Yet’ es el primer avance del nuevo disco de Camila, titulado ‘Familia’.
Desde el lanzamiento de ‘Romance‘, el segundo disco de Camila, las novedades de la artista se han reducido a un villancico cantado junto a su pareja Shawn Mendes y editado el año pasado. ‘Don’t Go Yet’ es por tanto su gran single de «comeback». Entre los compositores y productores involucrados en el tema se encontrarían Scott Harris (‘Treat You Better’ de Shawn Mendes, ‘We’re Good’ de Dua Lipa) y Mike Sabath (‘Exactly How I Feel’ de Lizzo, ‘Wasabi’ de Little Mix). El videoclip es un festín visual ultra-pop ambientado en una comida familiar latina y llega marcado por unas coreografías absurdas que esperamos no se pongan de moda en TikTok.
A su vez, ‘Don’t Go Yet’ llega al mercado acompañado de su pequeña polémica de rigor. En redes y en los foros de música pop se ha advertido un parecido más que evidente entre la portada de ‘Don’t Go Yet’ con toda la estética de ‘Pang‘ de Caroline Polachek, especialmente con la portada del single titular. Y Caroline, una artista independiente que no cuenta con el apoyo de toda la maquinaria industrial con el que sí cuenta Camila, no se ha quedado callada.
En Twitter, la autora de ‘Bunny is a Rider‘ ha explicado: «Yo no tengo director creativo, por eso todo el mundo visual que creo tiene integridad, porque todos los elementos que lo componen están arraigados en mi profunda relación con la música. Veo que otros «artistas» contratan veladamente agencias de publicidad para hacerles parecer «cool» y, sinceramente, me parece cutre de cojones». Por otro lado, Caroline ha contestado a un fan de Camila que defendía a la artista americano-cubana: «Este tema tiene que ver con una manera de trabajar que se ha normalizado en la industria de la música. Esto no va sobre tu artista favorita, así que pírate de aquí con tus guerras de listas de éxitos, yo estoy en un mundo completamente diferente y es 100% a propósito».
Esta no es la primera vez que Caroline Polachek descubre que Camila ha podido inspirarse de manera nada disimulada en su obra. El libreto de ‘Romance’ guardaba un parecido más que evidente también con la estética de ‘Pang’ y, ya entonces, la artista dejó clara su postura al respecto, afirmando que «las imágenes no importan, pero sí el contexto y la integridad, y estas son cosas en las que los directores creativos no tienen tiempo de centrarse ni tampoco de robar. La similitud entre ambas estéticas no es culpa ni del sello ni la de popstar, es un síntoma de lo mucho que se ha normalizado el proceso de construir mundos imaginarios en base al trabajo de otros».
i don’t have a creative director. that’s why my world has visual integrity. cause the thru-line, quality control, & ideas are anchored in my deep relationship w the music. i see other “artists” hiring thinly-veiled ad agencies to make them look cool, and frankly it’s lame af
this is about a *workflow* that’s become status quo in the music industry, not ur fave. get out of here w your chart stan wars, i’m in a whole different world and it’s 100% on purpose
Lil Nas X ha estrenado su nuevo single ‘Industry Baby’, que cuenta con la colaboración del rapero Jack Harlow y co-producción de Kanye West. El autor de ‘ye‘, que acaba de presentar su nuevo disco durante un evento en Las Vegas, no suele hacer este tipo de favores a día de hoy, pero sus clásicos arreglos de viento metal están muy presentes en esta heroica canción que el artista vuelve a dedicar a su yo más joven e inseguro. En la letra canta que «esta es para los campeones» y recuerda «hace tiempo te dije que tengo lo que ellos están esperando».
Estos días, Lil Nas X ha estrenado un «teaser» del videoclip de ‘Industry Baby’ después de pasarse días bromeando en redes sobre supuestamente haber sido reclamado a los tribunales a causa de su pleito con una conocida marca de zapatillas deportivas.
Tiene pinta de que Lil Nas X se ha inventado la historia de su visita a los tribunales para promocionar el videoclip de ‘Industry Baby’. El mencionado adelanto escenifica dicha historia con el rapero declarando ante el juez, que está interpretado por él mismo, como la mayoría de personajes. El vídeo, de carácter cómico, pasa a tener mejor pinta cuando se revela que Lil Nas X es juzgado de repente por ser gay.
El videoclip oficial de ‘Industry Baby’, dirigido por Christian Breslaue, arranca con Lil Nas X ya en la cárcel, de la que intenta escapar junto a su compañero Jack Harlow, cuyo rap de 8 minutos no sabe si aporta demasiado a la grabación. Eso sí, el vídeo es un verdadero espectáculo de principio a fin. Atención a la coreografía en la ducha con Lil Nas X y sus bailarines desnudos. El vídeo es todo lo que le faltaba al hip-hop: es gay a más no poder y lo celebra a los cuatro vientos.
Las implicaciones políticas de ‘Industry Baby’ son evidentes: Lil Nas no solo combate la homofobia en su gremio, sino también la violencia que tiene lugar en las cárceles. Pero va más allá porque Montero ha anunciado que se ha asociado con una organización sin ánimo de lucro que busca acabar con la práctica de la libertad bajo fianza. Ha dicho que «es un asunto personal porque conozco el dolor que el encarcelamiento trae a las familias y el impacto desproporcionado que la libertad bajo fianza acarrea en la población afroamericana y en la comunidad LGBTQ».
El rapero sigue triunfando estos días con ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’, actual número 6 en las canciones más reproducidas en Spotify Global. El single siguiente, la balada ‘SUN GOES DOWN‘, ha pasado bastante más desapercibido.
Tras su última colaboración con Niall Horan, Anne-Marie ha confirmado a través de sus redes sociales cuál es su próximo single, que se estrena hoy mismo y en el que está acompañada por la banda británica Little Mix.
Este nuevo single se llama ‘Kiss My (Uh Oh)’, un título de lo más sugerente. También conocemos la portada de esta colaboración, en la que podemos ver a las cuatro artistas sentadas y tumbadas en una cama, en bata, con alguna que otra copa de por medio y pasándolo en grande. «¡Estoy TAN EMOCIONADA por que lo escuches! ¿Quién está listo para el vídeo?», escribía en su cuenta de Instagram.
A pesar de esa emoción, ha habido muchas dudas en torno a este single. A principios del año pasado la propia Anne-Marie no estaba muy segura de su colaboración con la banda, según una entrevista que realizó en LOS40: «No hemos estado en el estudio de grabación todavía así que no estoy segura de si esto va a suceder o no». Os dejamos con el resto de singles de este nuevo álbum que ya se habían estrenado.
James Blake ha estrenado ‘Say What You Will’, un tema co-producido por Dominic Maker y Jameela Jamil, pareja del cantante, compositor y productor británico. ‘Say What You Will’ es el primer single de su nuevo disco y es, también, una de las canciones más abiertamente soul-pop que ha escrito Blake jamás. Con perdón de casi todo lo ofrecido en ‘Assume Form‘, es probablemente su composición más retro-pop y con más estética de clásico, una que le sirve a Blake para lucirse en lo vocal.
‘Say What You Will’ es efectivamente el primer avance de un disco que llevará por título ‘Friends That Break Your Heart’ y que verá la luz el 10 de septiembre. Su tracklist presenta 12 pistas y colaboraciones con SZA, entre otras.
01 Famous Last Words
02 Life Is Not The Same
03 Coming Back [ft. SZA]
04 Funeral
05 Frozen [ft. J.I.D and SwaVay]
06 I’m So Blessed You’re Mine
07 Foot Forward
08 Show Me [ft. Monica Martin]
09 Say What You Will
10 Lost Angel Nights
11 Friends That Break Your Heart
12 If I’m Insecure
Como se ha ido adelantando estos días, en el nuevo lanzamiento de James Blake está involucrado FINNEAS, hermano de Billie Eilish, pero no como productor o co-productor, lo cual no sería raro, pues FINNEAS ha producido últimamente a gente como Demi Lovato o Tove Lo, además de a su hermana; sino como protagonista de este videoclip en el que Blake se ríe de sí mismo de la mejor manera posible.
En el clip, Blake juega con la idea de que FINNEAS le ha reemplazado en términos de popularidad: FINNEAS, inspirado por la música de Blake desde siempre, es capaz de ganar más Grammys y de ser más reconocido que el pionero artista de post-dubstep en todos los sentidos, hasta el punto de que Blake termina programado como telonero del estadounidense.
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Me encantan algunas canciones de Metallica, sobre todo las del álbum negro, las de poco antes y poco después; y me encantan algunas canciones de J Balvin, sobre todo las de su álbum naranja, las de poco antes y poco después. Pero ni por esas el colombiano era el personaje más apetecible de ese macrodisco de versiones que preparan Metallica, ‘The Metallica Blacklist’, de cara al próximo 10 de septiembre, con el que celebran el 30º aniversario del denominado «Black Album». ¿Miley Cyrus? Obvio que sí. ¿St Vincent? Está gracioso. ¿Imelda May? Por favor. Pero esto de J Balvin era carne de cañón para toda la gente con prejuicios hacia estilos antagónicos. Casi una provocación.
Con todas las reservas de aquellos que convirtieron este lanzamiento en un irrisorio «trending topic», me acerco a ‘Wherever I May Roam’. Fue el cuarto single del álbum negro y una de las canciones favoritas de Metallica de absolutamente todo el mundo, merced a una outro ultra coreable que elevaba una melodía sobresaliente tanto en lo vocal como en el icónico riff principal. Contra todo pronóstico, la adaptación de José Álvaro empieza muy bien. Después, la cosa se complica.
El productor Tainy y J Balvin han escogido estupendamente en qué canción embarcarse para este proyecto. La producción de la original es una rara avis en la carrera de Metallica, con una instrumentación muy particular, de corte asiático, que incluye un gong, una guitarra que emula un sitar y un bajo de 12 cuerdas.
J Balvin y el maestro Tainy se sirven de ese ambiente viajero para elaborar su propia historia: usan elementos habituales al fin y al cabo en el hip-hop (los samples, la inspiración en Oriente vista en Major Lazer o M.I.A.) para hacer una canción nueva, 100% de su estilo. ¡Qué demonios! ¡Se han llevado ‘Wherever I May Roam’ a su terreno! ¡Y pega todo con la serpiente de la portada del disco original!
Lamentablemente, al final aparece una parte de la grabación original de Metallica, insertada como un pegote, que ni resulta el estribillo de la grabación remozada, como se ha hecho en otras interpolaciones (la de Cranberries con Eminem, por ejemplo); ni tampoco un gran cénit. En esta grabación, volver a James Hetfield paradójicamente es una bajona. En el momento de redacción de esta crítica, el vídeo tiene un porcentaje escandaloso de «dislikes» en Youtube (41%). Todos lo esperábamos. Pero la noticia es lo cerca que quedaron de hacer algo realmente apañado a partir de donde no se podía.
La banda de rock experimental estadounidense Deerhoof ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum el próximo 22 de octubre, que tendrá por nombre ‘Actually, You Can’. Y para no dejarnos con las ganas, también han descrito en detalle y estrenado el single debut del álbum, ‘Department of Corrections’.
‘Actually, You Can’ será su decimoctavo álbum de estudio, producido por los propios integrantes de la banda (Satomi Matsuzaki, Ed Rodríguez, John Dieterich y Greg Saunier). Y contará con la siguiente tracklist:
Be Unbarred, O Ya Gates of Hell
Department of Corrections
We Grew, and We Are Astonished
Scarcity Is Manufactured
Ancient Mysteries, Described
Plant Thief
Our Philosophy Is Fiction
Epic Love Poem
Divine Comedy
El tema de este próximo álbum es descrito por la banda de la siguiente manera: «Piensa en toda la belleza, la positividad y el amor que los autoproclamados guardianes del ‘sentido común’ consideran feo, negativo y odioso. Difícilmente estaríamos destruyendo la sociedad desmantelando su economía colonial y las prisiones y los roles y la estética de género. ¡Lo estaríamos creando!».
En cuanto al single debut del álbum, que ya está disponible en YouTube, ‘Department of Corrections’, tal y como explica la banda: «trata sobre todos los maravillosos misterios de la vida que no se suman en una hoja de contabilidad ni figuran en un algoritmo de inteligencia artificial. Se trata de que Judas se vuelva eléctrico. Se trata de cómo la propia especia humana no tiene sentido sin un planeta en el que vivir. Cómo superaríamos en número a nuestros aspirantes a maestros si tan solo pudiéramos organizarnos».
‘Dance Monkey’ es la tercera canción más escuchada de la historia de Spotify con 2 mil millones de reproducciones, la más buscada en Shazam y ha superado el récord de semanas en el número de Reino Unido de dos clásicos como ‘Umbrella’ de Rihanna y ‘I Will Always Love You’ de Whitney Houston. Si hablamos de listas oficiales, ‘Dance Monkey’ ha sido número 1 en 30 (!!!) países. No hay que ser un lince para darse cuenta de que la canción tiene algo: por mucho que los berreos de Toni Watson te hagan querer arrancarte los pelos o recuperar tu disco favorito de Anastacia, por mucho que prefiera que me caiga un sofá encima antes que volver a escucharla; no se puede negar que es una canción pegadiza. ¿Puede tantísima gente que ha llevado esta canción infernal a lo más alto estar equivocada? Sí, por supuesto que puede.
Tones and I no ha querido desarrollar el sonido de ‘Dance Monkey’ en su primer disco en absoluto. Esto parece una buena noticia pero no lo es. En realidad, ‘Welcome to the Madhouse’ es un disco muy poco divertido, de producción caricaturesca, en el que Watson canta sobre sus problemas de salud mental o sobre una ruptura sin una pizca de humor ni imaginación, en letras harto genéricas que podría haber escrito cualquiera, y lo peor es que está plagado de baladas soporíferas que hacen sonar a Tones and I como un híbrido entre la peor Sia y Melanie Martínez, es decir, sin personalidad. El doo-wop machacón de ‘Lonely’ es uno de los pocos buenos temas que es posible encontrar por aquí y, entre los más animados, el EMD-pop de ‘Fly Away’ suena a que podría sonar en algún anuncio veraniego si no lo ha hecho ya; y el buenrollismo trompetero de ‘Cloudy Day’ da alguna idea de hacia dónde podría evolucionar para bien el sonido de esta artista.
La cantante y compositora australiana, que se dio a conocer cantando en las calles de Melbourne (existen viejos vídeos de ella en Youtube presentando ‘Dance Monkey’ meses antes de editarla oficialmente), no es una «one-hit-wonder» en su país, donde otras de sus composiciones, como ‘Johnny Run Away’ o ‘Never Seen the Rain’, han sido sendos éxitos. Pero ‘Dance Monkey’ claramente los ha eclipsado y lo hará para siempre salvo milagro. En ‘Welcome to the Madhouse’, como decimos, no hay posibles sucesores, más bien sucedáneos distorsionados de Melanie Martinez (‘Won’t Sleep’), otros de Paloma Faith con estribillos torpes (‘Just a Mess’), ritmos de dancehall-pop completamente insípidos que esperamos Aluna no escuche nunca (‘Westside Lobby’), baladas heroicas a lo Rag’N’Bone Man pero sin ser buenas (‘Not Going Home’), melodías más genéricas imposible (‘Sad Songs’) y un tema de «rap» (‘Bars’). Y todavía no he mencionado LA VOZ. ¿Hace falta?
RTVE anuncia hoy la vuelta del Festival de Benidorm, desde el cual se celebrará la preselección de España para Eurovisión 2022. Un cambio importante respecto a los últimos años, donde la propia cadena ha escogido a dicho representante a través de Operación Triunfo (Amaia y Alfred, Miki Núñez) o directamente a dedo (Blas Cantó).
El festival es análogo a San Remo de Italia o a Melodifestivalen de Suecia y desde 2006 no se ha vuelto a celebrar. Su primera edición tuvo lugar en el año 1959, basándose precisamente en Sanremo y, entre sus ganadores históricos, se encuentran Raphael con ‘Llevan’ y Julio Iglesias con ‘La vida sigue igual’. Otros artistas que han pasado por el festival de Benidorm son Tino Casal, Víctor Manuel, Los Bravos, Dyango, Coral Segovia, Alazán o Pasión Vega. El galardón volverá a ser la famosa Sirena dorada.
El evento, que ha sido presentado este mediodía con la actuación musical de Ruth Lorenzo, que ha cantado varias versiones de ABBA, buscará ser un «gran espectáculo televisivo» y constará de tres galas, dos semifinales y una final, y la organización quiere que acoja tanto a artistas noveles como a artistas consagrados, aunque hace especial hincapié en la música joven. La votación será mixta y tendrá en cuenta valoraciones del jurado y del público, sin que quede descartada una posible participación de expertos internacionales.
Según RTVE, «el acuerdo nace con el objetivo de perdurar en el tiempo y busca la renovación y modernización de un festival que nació en 1959, siguiendo la estela del exitoso y mítico Sanremo italiano. El renacimiento de este certamen se hace con la intención de darle un aire nuevo con perspectiva de futuro y aprovechando una marca que se conoce y que RTVE desea que evolucione de acuerdo al panorama musical actual». Un «grupo de trabajo de RTVE con profesionales conocedores del festival» será creado para la ocasión.
Hoy el Mercury Prize ha dado a conocer los 12 discos que compiten por el preciado galardón este año. Entre los nominados se encuentran dos debuts tan destacados como han sido los de Arlo Parks, ‘Collapsed in Sunbeams‘; y Celeste, ‘Not Your Muse‘, y también dos artistas que reciben la tercera nominación de su carrera, algo no al alcance de muchos; por un lado, Wolf Alice (que ya ganaron el premio en 2018) con el formidable ‘Blue Weekend‘ y, por el otro, Laura Mvula con su reinvención popera en el estupendo ‘Pink Noise‘. Otra de las revelaciones británicas de los últimos tiempos, la misteriosa banda SAULT, aparece nominada con ‘Rise‘, uno de los varios discos que ha sacado en el último año. El ganador de la edición de 2020 fue ‘KIWANUKA‘ de Michael Kiwanuka.
También recibe nominaciones el último disco de Mogwai, ‘As the Love Continues‘, que ha dado a la banda de post-rock su primer número 1 de álbumes en las islas británicas, tantos años después; y en un lado menos comercial y mucho más ambiental, jazz y experimental, el maravilloso ‘Promises‘ de Floating Points con Pharoah Sanders y la London Symphony Orchestra.
Curiosamente, el disco nominado con más opciones de ganar a día de hoy no es ninguno de los mencionados, aunque Wolf Alice, Floating Points y Laura Mvula tienen muchas posibilidades; sino ‘Conflict of Interest’ de Ghetts, actualmente es el disco mejor valorado de 2021 en Metacritic con un 95 sobre 100. Se trata del tercer álbum de estudio de este MC y artista de grime que en realidad lleva en activo desde 2003. ‘Conflict of Interest’ incluye colaboraciones de Ed Sheeran, Skepta, Emeli Sandé o Stormzy.
El resto de nominados son el hip-hop lo-fi de ‘Demotape/Vega’ de Berwyn, el post-punk de ‘For the First Time‘ de Black Country, New Road, la electrónica de ‘Fir Wave’ de Hannah Peel y el jazz de ‘Source’ de Nubya Garcia. El álbum de Black Country, New Road es el único nominado de la lista que tiene algo que ver con el post-punk, pues los excelentes ‘Bright Green Field‘ de Squid y ‘Cavalcade‘ de black midi (quienes compitieron en el Mercury conn su debut) no han recibido nominación alguna.
Son dos de las ausencias destacadas en las nominaciones de esta edición del Mercury Prize que se celebrará el día 9 de septiembre, y entre las que también cabe mencionar títulos como ‘Róisín Machine‘ de Róisín Murphy, muy querido por la crítica; el tremebubdo ‘Black to the Future‘ de Sons of Kemet, el fantástico segundo disco de Kelly Lee Owens o el álbum de Dry Cleaning, que, con su estilo híbrido de post-punk y spoken word, ha llegado a ser top 5 en Reino Unido.
Arlo Parks – Collapsed In Sunbeams
Berwyn – Demotape/Vega
Black Country, New Road – For The First Time
Celeste – Not Your Muse
Floating Points – Promises
Ghetts – Conflict of Interest
Hannah Peel – Fir Wave
Laura Mvula – Pink Noise
Mogwai – As The Love Continues
Nubya Garcia – Source
SAULT – Rise
Wolf Alice – Blue Weekend
Lorde ha dado señales de vida cuando acaba de cumplirse un mes del lanzamiento de ‘Solar Power’, su primer single en 4 años, que ha pasado completamente sin pena ni gloria por las listas de éxitos, y había anunciado que el segundo single de ‘Solar Power’ saldría hoy miércoles 21 de agosto, como así ha sido. El tema escogido es el que presenta el título más curioso de todo el disco, ‘Stoned at the Nail Salon’. Puedes comentar las novedades de Lorde en nuestro foro de la artista.
En una entrevista reciente con The Guardian, Lorde había comentado este tema. La neozelandesa habla de un “tipo de búsqueda, de sentirte insegura sobre el camino que has elegido o sobre sentirte sola”, pero añade que “no pienso que estas emociones sean malas o permanentes, todas forman parte de la vida, de sentir esa emoción trepidante”. El tema nace de una revelación que experimenta Lorde cuando descubre que «las modelos sexys de Instagram que me han hecho sentirme inferior… ellas también van a envejecer, todas estamos subidas en el mismo autobús y, en algún punto, nos tenemos que subir en el bus de vuelta».
En ‘Stoned at the Nail Salon’, Lorde canta que «todas las chicas hermosas caducarán como las rosas», pero la canción habla también de otras cosas. La cantante neozelandesa reflexiona sobre su vida, se pregunta si «hay algo que falta», recuerda momentos con su perra u otros que pasaba desnuda en la cama con su persona amada, aconseja que «pases todas las tardes que puedas con la gente que te ha criado» y concluye que «es momento de relajarse, me lleve esto donde me lleve».
En cuanto a la propuesta musical, si ‘Solar Power’ era minimalista, y eso que llegaba a recordar a ‘Loaded’ de Primal Scream y a ‘Freedom 90’ de George Michael a la vez, ‘Stoned at the Nail Salon’ lo es más todavía, al ser prácticamente una canción a guitarra y voz, si bien la voz de Lorde suena multiplicada por capas, enriqueciendo la grabación. Se trata de una bonita balada de folk luminosa y optimista, pero en la que también se percibe un poso de melancolía. Clairo y Phoebe Bridgers hacen coros pero a quien recuerda la composición es a la última Lana Del Rey.
En uno de sus curiosos mails, Lorde ha explicado que ‘Stoned at the Nail Salon’ nació después de un tiempo en que empezó a sentirse insegura por su lugar en la industria: «estaba empezando a sentirme fuera de la onda culturalmente, y sentía que la nueva tanda de adolescentes precoces estaban empezando a salir y podían comerse mi merienda en algún momento», y añade: «Sabía que estaba construyendo una vida hermosa para mí pero no estaba segura de que esa vida fuera a satisfacer a aquella persona sedienta y valiente que podía romper un escenario o estar en siete países distintos en siete días. Ahora sé que, por mucho que intente separar estas dos partes de mi vida, ambas forman parte de quien soy».
Mahmood no ganó Eurovisión en el año 2019, pero quedar en segundo puesto no le perjudicó en absoluto, más bien al contrario: ‘Soldi’ fue un hit en Europa y, en estos últimos tiempos, el artista italiano ha seguido sumando otros a su repertorio como ‘Rapide’, ‘Barrio‘, ‘Inuyasha’ o ‘Dorado’ en los que ha profundizado en unos sonidos más agresivos, oscuros y urbanos. ‘GHETTOLIMPO’, su segundo disco, ha salido este año y hace poco tuve oportunidad de reunirme con su autor en un hotel de Barcelona. Alessandro Mahmood no puede esconder su cansancio pues lleva días viajando de promoción pero aún así es un entrevistado amable y alegre que sigue con ganas de contar cada detalle de este trabajo. A veces hablando una especie de «espaliano» o «itañol» para que la conversación sea más fluida (y de todas formas se entiende perfectamente), Mahmood comenta ‘GHETTOLIMPO’, sus colaboraciones con Sen Senra o Woodkid o, por supuesto, Eurovisión.
¿Qué has querido expresar con el título de ‘GHETTOLIMPO’?
Es una mezcla de dos de mis grandes pasiones. Cuando era pequeño mi mamá me compró una enciclopedia para niños que incluía un diccionario mitológico, y me encantaba leer esas historias. Ghettolimpo alude a un nuevo mundo pero su significado real se encuentra en la mitad de este mundo. La cosa más alta es el Olimpo y la más baja el guetto pero para mí las dos son igual de importantes. Es un disco que habla de mitos pero que también está inspirado en el anime y en los videojuegos, donde cada canción es un personaje distinto.
¿Recuerdas qué mitos leías en aquella enciclopedia?
Me interesaban todos, por ejemplo la historia de Cronos, el padre de Zeus, que se come a sus hijos y después ellos le matan. El mito de Narciso es uno de mis favoritos, por eso he decidido ponerlo en la portada del disco.
En la portada eres Narciso, ¿él es el narrador del disco?
No es el narrador pero sí es uno de los discursos más importantes. En la canción ‘Ghettolimpo’ me comparo con él. Pero es un Naraciso al revés. El personaje clásico se enamora de su imagen reflejada en el agua, pero mi Narciso se mira en el reflejo y no se reconoce, ve su imagen distorsionada. Esta imagen expresa lo que sentí en 2019 cuando concursé en Eurovisión y mi familia me decía que me veía cambiado, aunque no había cambiado para nada, yo seguía y sigo siendo el mismo.
La producción es un poco oscura y dura, sobre todo en ‘Kobra’. Cuando vas a hacer un disco, ¿tienes clara la idea en tu cabeza o vas adonde te llevan las canciones?
Más bien me dejo llevar. Solo creando y escribiendo consigo ver la pintura final del disco. No me gusta pensar una cosa antes de escribirla porque te limita, me gusta ser siempre lo más libre posible.
En cuanto a las influencias presentes en el disco, ¿has trabajado con algún «moodboard»?
No pero al final sí hemos ajustado el tiro de los sonidos. A nivel de producciones la grabación de ‘GHETTOLIMPO’ fue una experimentación total, pero luego estas producciones tienen alguna conexión entre ellas. Por ejemplo, canciones como ‘Dorado’, ‘Kobra’ o ‘Talata’ están relacionadas en la producción porque incorporan sonidos que recuerdan a las sintonías de los videojuegos.
¿Cómo es tu relación con tu voz?
Muy buena, gracias (ríe).
Te lo pregunto porque tienes una voz muy potente que se impone bastante a las canciones.
Tengo que entrenarla porque si no… Yo tengo la fortuna de no fumar cigarrillos, aunque en los últimas semanas sí me he bebido algún gintonic, los fines de semana (ríe) Pero tengo que entrenar mi voz porque es muy «pigra», muy gandula, tengo que calentarla durante una hora.
En la portada soy un Narciso al revés, que se mira en el reflejo y no se reconoce
No es habitual que salgan canciones sobre personajes de manga. ¿Consideras ‘Inuyasha’ un personaje mitológico?
Realmente no. Esta canción la escribí por la cuestión del medio demonio. Yo veía Inuyasha constantemente en la MTV cuando tenía 13 años y me inspira mucho. En la serie, el personaje protagonista intenta cerrar su parte mala en una crisálida, y eso es algo que yo también he intentado hacer en mis relaciones.
¿Ves mangas actualmente?
Sí, ‘Demon Slayer’ es mi favorito ahora mismo. También estoy viendo la tercera temporada de ‘My Hero Academia’.
Me ha gustado el recuerdo que has contado de cuando estuviste en El Cairo. ¿Qué me puedes contar de esta ciudad? ¿Que es lo que más te gusta, lo que menos?
En El Cairo solo he estado dos veces, cuando era pequeño. Recuerdo los olores, los sonidos… En ‘Ghettolimpo’ he hecho una melodía que se inspira en un recuerdo que tengo de las Cinco Oraciones del Día (canta melodía). Fue en el desierto, estaba con mi padre. He visto las pirámides, la Esfinge… Quiero regresar a esta ciudad para crear nuevos recuerdos.
He leído que ‘Dorado’ se parece a ‘Con altura’. ¿Ha sido una influencia o en absoluto?
¿Sí? No creo que lo haya sido… ‘Dorado’ la escribí en Madrid con Sen Senra. Fue muy guay. Fue la primera vez que escribí en español en España. La compuso sobre un beat de Dardust y salió bastante natural porque la melodía vocal reproduce la misma que está presente en el beat. Hace dos meses estuve en España traduciendo ‘Klan’ en español con Marc Seguí y Xavibo.
Marc Seguí lo está petando ahora con ‘Tiroteo’ con Pol Granch.
¡Qué guay!
¿Cómo fue trabajar con Sen Senra?
Me ayudó con la letra y con la melodía. En ‘Dorado’ canto «sueño un Ferrari dorado, derrapando en medio del Cairo, piso a fondo nunca lo paro, apriétalo, préndelo, si este mundo fuese un mercado, yo sería el bolso más caro»… Yo no suelo decir palabras como Ferrari, mercado… Él ponía «derrapando»… Son palabras que a mí no me suelen salir.
No escucho rock italiano pero Måneskin merecían ganar Eurovisión
¿Qué canción de Lana Del Rey cantas en ‘Dorado’?
‘Video Games’. (Canta) «It’s you, it’s you, it’s all for you…»
Es mi favorita.
¿Sí? También me gustan ‘Born to Die’, ‘Blue Jeans’, ‘High By the Beach’…
¿Has escuchado lo último?
Sí. Pero el vídeo de ‘Chemtrails Over the Country Club’… está loca. Cuando se transforma en mujer lobo.
Se la ve un poco perdida anunciando discos cada dos por tres.
Sí, con esas portadas hechas con el iPhone. Pero yo la amo por eso.
¿De qué canción del disco estás más orgulloso?
De todas porque todas son como un hijo para mí, pero especialmente de ‘T’Amo’. Es el ADN del disco. En ‘T’Amo’ canta mi madre y colaboro con el coro sardo de mi país de origen, INTREMPAS, es un coro femenino compuesto por niñas y señoras. Fue muy divertido grabarla.
¿Cómo ha sido trabajar con Woodkid?
Fue increíble porque era la primera vez que intentaba escribir en inglés. ‘Karma’ surgió de unos primeros acordes que Woodkid tocó en un órgano, después yo escribí la melodía de la estrofa y la canción se fue desarrollando poco a poco. El estribillo al principio no nos salió, la melodía no nos gustaba y la modificamos una y otra vez. Viajé dos veces a París para trabajar con él, fue muy inspirador.
Obviamente te tengo que preguntar por Eurovisión. Italia ha ganado. ¿Qué te parecen Måneskin? ¿Te gusta la canción?
Yo no escucho mucho rock en italiano pero creo que son chicos muy talentosos y que se merecían ganar. A nivel de performance fueron los mejores.
‘VICE VERSA’ de Rauw Alejandro vuelve a ser el disco más popular del país, al recuperar el número 1 oficial de Promusicae, siendo además la subida más fuerte en número de copias de la semana.
El disco homónimo de ‘Flavio’ -conocido por su paso por Operación Triunfo- es la entrada más fuerte, pero ha de conformarse con el puesto 2. El disco incluye varios singles de adelanto, como la balada ‘Yo con yo mismo’ editada el año pasado; ‘Ya’ junto a daniel sabater, en estos momentos su canción más escuchada; y la popera y colorida ‘Dejarse llevar’.
Algo más abajo, en el número 8 encontramos ‘Cuídate’ de NIA, un EP de 6 canciones que supone el debut de la cantante también de OT, incluyendo ‘Cúrame’ con Blas Cantó, ‘Malayerba’ y la reciente ‘Mi luna llena’ con India Martínez, entre otras. Fuera del top 10, de hecho en un modesto puesto 29, queda ‘Magia’ de Álvaro Soler, incluyendo el tema titular, que suma 33 millones de streamings en Spotify.
Una entrada destacada es la de Muse con la Edición «XX Aniversario Remixx» de ‘Origin of Symmetry’. La encontramos en el puesto 14 de la lista general de discos, beneficiada por ser el número 1 en vinilos. La única otra entrada son los Rolling Stones con el directo ‘Bigger Bang’ en Copacabana Beach, en el puesto 64.
Destacamos la subida de ‘Grande Raffaella’ de Raffaella Carrá, el recopilatorio de la cantante de Sony Music que alcanza por primera vez el top 50 tras su fallecimiento. En concreto sube del 67 al 49, representando un nuevo máximo.
The Goon Sax llegan a su tercer álbum consolidados como favoritos de la escena indie pop: no es que este ‘Mirror II’ represente en su camino lo que a los Smiths ‘The Queen Is Dead’. Ni la producción de John Parish les da ese poso de madurez. A cambio, sí afianza una propuesta cada vez más particular en la que el protagonismo del contrapunto femenino de la batería Riley Jones, que se incorporó la última a la banda, es cada vez más relevante. Y digo particular porque puede que los australianos hayan puesto siempre muy fácil con qué compararlos y este nuevo disco no sea una excepción; pero la suma de los ingredientes -de sus talentos- da lugar a cosas cada vez más excepcionales.
Podemos continuar considerando a Louis Forster, hijo de Robert Forster de los míticos The Go-Betweens, el líder de The Goon Sax. Suyos son los dos singles principales del disco, un ‘In the Stone’ que nos habla de perder el sentido de uno mismo y también de nuestras adicciones («¿crees que es mejor no sentir nada de esto en absoluto?»), y un glorioso ‘Psychic’ en el que merece la pena detenerse. Una canción supuestamente influida por ‘Godstar’ de Psychic TV que se redondea con una sucesión de pre-estribillos y estribillos insigne, además de por un estupendo teclado. Adiós, Love y compañía. Hola, John Maus.
Louis dirige otros puntos importantes de ‘Mirror II’, si bien es muy visible que este disco no sería lo mismo sin las aportaciones de sus compañeros, las cuales van más allá de los cambios que sugirieron para ‘Bathwater’, la cual fue evolucionando «de Raincoats a más bien Kiss», con retazos de indie-rock, saxo y según ellos música disco. Y es que Riley por un lado aporta piezas tan interesantes como ‘Tag’ y ‘Desire’, que consigue con su producción noise pop convertirse en una de las claves del álbum (pese a que la supuesta influencia de Kylie Minogue anunciada ni se huele, suena a boutade); y por otro tiende a llevar con sus coros las canciones de Louis, no hacia los territorios de The xx, pero sí hacia los de The Raveonettes.
Y mención aparte merecen las composiciones de James Harrison: pueden ser inasibles, deliberadamente bobas y abstractas, como indican el mismo título de ‘Carpetry’, una letra como «I need carpetry me happy» y también su sonido saltarín. Cuenta el artista que le parecía demasiado sencilla, pero que después al grupo le gustó. Y es que hay algo en The Goon Sax que más que con el pop británico de los 80 por su evidente conexión cultural con Australia y con sus ancestros, hace pensar en el trío como una banda sui generis, capaz de rehuir la fama tanto como unos MGMT o como unos Foxygen. A veces da la impresión de que no quieren bordar sus ideas como un grupo realmente atemporal -‘Caterpillars’ es una cosa que habrían hecho mejor Vampire Weekend-. Otras, que ellos lo que quieren es volar libres.
‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro vuelve a ser esta semana la canción más escuchada de nuestro país. Además, algunas de las pistas de su último álbum también han subido respecto a la semana pasada como ‘Cúrame‘, que ahora está en el puesto 28, o ‘La Old Skul‘, que ha llegado al 81.
La subida más destacable esta semana ha sido para Farruko con su tema ‘Pepas‘, distribuido por SONY MUSIC y llegando al puesto número 10 de la lista con más de 13 millones y medio de visualizaciones en YouTube y a punto de alcanzar las 14 millones de reproducciones en Spotify. Es el actual número 1 Spotify España, por lo que podría ser el próximo top 1 oficial la semana que viene.
Esta semana recuperan posiciones artistas como Bad Bunny (3) con ‘Yonaguni’ o Marc Seguí, Pol Granch y, de nuevo, Rauw Alejandro con su tema ‘Tiroteo’ (4). En cuanto al resto de novedades, The Kid Laroi y Justin Bieber han entrado en el puesto número 69 con ‘Stay’; el remix de ‘Diablita’ de Fabbio, Omar Montes, Lennis Rodríguez y Chus Santa en el 73; Ozuna en el 82 con ‘Este Loko’; detrás de él el grupo BTS con su nuevo ‘Permission To Dance’; Nathy Peluso llega al puesto 89 con ‘Mafiosa‘ y finalmente Jennifer López junto a Rauw Alejandro en el 98 con ‘Cambia El Paso’.
The War on Drugs, uno de los grupos de rock americano más queridos de la última década gracias a discos como ‘Lost in the Dream‘, ha dado al fin los detalles de su esperado nuevo disco, el quinto de su carrera. ‘I Don’t Live Here Anymore’ saldrá el 29 de octubre vía Atlantic con un tracklist de 11 pistas. Será el primer álbum de la banda estadounidense desde 2017, año en que salió ‘A Deeper Understanding’, uno de los 10 mejores álbumes de aquel año.
En todo este tiempo es cierto que Granduciel ha aparecido en el último trabajo de los Killers, el Disco Recomendado ‘Imploding the Mirage’, que sonaba muy The War on Drugs, pero ‘I Don’t Live Here Anymore’ supone su regreso oficial aunque se presenta con un tema que, quizá, descolocará ligeramente a sus seguidores. No es que ‘Living Proof’ no lleve el sonido de la banda, que lo hace y mucho, sino que no es exactamente el primer single que probablemente esperabas.
‘Living Proof’ es el tema de apertura de ‘I Don’t Live Here Anymore’, pero también es una balada que se desarrolla con calma hasta alcanzar los cinco minutos de duración, entre rasgueos de guitarra acústica y notas de piano. Un corte emotivo en el que Granduciel reflexiona sobre la naturaleza de la vida y los baches con los que cualquier persona se puede encontrar: «llévame a casa, siempre estoy cambiando, ahora estoy en Chicago, ven a mí, conozco el camino, sé que está cambiando, conozco el dolor que has estado sintiendo, he estado en ese lugar del que has intentado escapar».
01 Living Proof
02 Harmonia’s Dream
03 Change
04 I Don’t Wanna Wait
05 Victim
06 I Don’t Live Here Anymore
07 Old Skin
08 Wasted
09 Rings Around My Father’s Eyes
10 Occasional Rain
Selbor es el alias de un artista andaluz afincado en Londres que algunos recordaréis de alguna playlist por un EP de pop electrónico que publicaba el año pasado bajo el nombre de ‘Smile to the Camera’. Dirigió su vídeo Nuria Giménez, conocida por haber estado detrás de la que fue una de las revelaciones de la temporada, cinematográficamente hablando, ‘My Mexican Bretzel‘.
En aquel momento, Selbor reconocía como influencias a Blood Orange, Lykke Li, Caribou y Rosalía, y nada menos que a Machado y Lorca entre los referentes de sus letras en inglés. La electrónica intimista y melosa, poco bailable -de Rhye a How to Dress Well- podían ser también una referencia, lo cual ha cambiado bastante desde que esta semana ha lanzado un nuevo tema al mercado.
‘Your Love’ es su tema más bailable, ya antes de que fuera remezclado por Hot Chip, con los que comparte definitivamente su gusto por el synth-pop, el funk ochentero y las bandas sonoras más divertidas de aquella época. Las «melodías de kalimba y arpegios al estilo Moroder» son citadas expresamente en la nota de prensa. Selbor, que lleva 15 años en Londres, ya había trabajado antes en los Hackney Road Studios de la ciudad, que además a de Hot Chip ha acogido a Jehnny Beth y Ghostpoet.
La obra machacona y repetitiva se ve complementada por una portada que es un dibujo de la artista LGTBQ+ madrileña Alejandría Cinque, y sobre todo un vídeo dirigido por Harry Deadman. Una obra sobre manías un tanto Roman Coppola (circa ‘Revolution 909‘) con final sorpresa.
Shakira ha publicado esta semana su gran single de regreso en inglés después de 5 años, un ‘Don’t Wait Up’ escrito junto a la co-autora de ‘Don’t Start Now’ Emily Warren, y co-producido junto al responsable de la misma canción de Dua Lipa, Ian Kirkpatrick.
La jugada, en cambio, no parece haber sido suficiente para encandilar al público, y ‘Don’t Wait Up’ ha desaparecido del top 200 de Spotify incluso de los países latinos en cuestión de días. Salvo que la rescate TikTok o alguna presentación en vivo realmente apoteósica, parece imposible que el tema llegue a las listas británicas y estadounidenses, pero es que puede que ni llegue al top 100 español. ¿Merece Shakira este descalabro? La redacción de JENESAISPOP ofrece una opinión a favor y otra en contra de la canción.
«Shakira se ha apuntado varios éxitos en los últimos tiempos: le salió bien subirse a lo último de Black Eyed Peas, pues por inexplicable que pueda parecer, estos siguen arrasando, y también la hemos visto triunfando en ‘Me gusta’ de Anuel AA. ‘Don’t Wait Up’ es su primer single en solitario en casi un lustro y por tanto el que tenía que ser un gran «comeback» tras el pelotazo dado por la cantante en la Super Bowl. De momento no lo está siendo, pero no sorprendería que este se convirtiera en uno de los muchos sleepers que Shakira ha ido acumulando a lo largo de su carrera.
En lugar de volver con otro reggaetoncito u otro vallenato, fórmula cada vez más agotada, la cantante colombiana se sube a la moda 90’s que tanto se ha visto recientemente a través de samples y beats, desde el mainstream (los mismos Black Eyed Peas) al underground (Róisín Murphy), y lo cierto es que le sienta muy bien a su voz y a la melodía, que brilla en esas notas tan machaconas y en ese puente de piano house. Irresistible como tantos «one hit wonders» noventeros, solo se le puede reprochar haber llegado un año más tarde que ‘Chromatica‘». Sebas E. Alonso.
«Shakira se ha fabricado junto a Ian Kirkpatrick este ‘Don’t Wait Up’ con ínfulas de ser el «perfecto hit 2021». ¿Synth-pop y neones ochenteros? Check. ¿Eurodance noventero? Check. ¿Gancho pegadizo (el riff de teclado)? Check. ¿Estribillo memorable? Pues aquí es cuando empieza a fallar la cosa, porque al tercer o cuarto «don’t wait up», la atención ya se va a otra cosa. Y es que este ‘Don’t Wait Up’ está milimétricamente pensado y facturado, pero es excesivamente repetitivo, escasamente imaginativo y carece del fulgor que sí tenían los macrohits de Dua Lipa (su referente obvio). Y lo peor es que, sin llegar a los tres minutos y medio, se hace interminable». Mireia Pería
Clairo iba a retirarse de la música, decepcionada con una industria a la que todavía le falta mucho para superar su machismo, después de vivir una serie de experiencias incómodas con algunos hombres que parecían saber mejor que ella lo que le convenía… y entonces adoptó a su perrita Joanie. A Clairo Cottrill, icono de la generación Z donde los haya, cuidar de su mascota le hizo descubrir que la «vida doméstica era aquello que anhelaba», que faltaba en su vida, pero que no podía expresar con palabras. Le hizo reflexionar sobre la maternidad y, en su segundo disco, le ha hecho acogerse a una música serena y reconfortante, inspirada en el pop de cantautor de los años 70.
Es significativo que el primer single de ‘Sling’ haya sido el pastoral e intimista ‘Blouse‘, un corte que versa sobre la sexualización que Clairo ha sentido dentro de la industria de la música y que, de manera simbólica, cuenta con dos coristas de lujo: Lorde y Phoebe Bridgers. No es un tema comercial, pero gana con las escuchas gracias a su bonito arreglo vocal y sí es representativo de un trabajo donde mandan las guitarras acústicas, los pianos Wurlitzer, el Mellotron, los violines, las flautas, los vientos metales y en general unos arreglos delicados y bucólicos, tan 70s que el propio Jack Antonoff se ha encargado de la producción, haciendo de ‘Sling’ un álbum hermano de los últimos de Lana Del Rey y Taylor Swift, pero más íntimo si cabe. Es un cambio radical respecto a ‘Immunity‘ pero que no deja de sonar personal.
En este disco tan otoñal, tan de escuchar en el porche café en mano, mientras sale el sol, la artista de Atlanta se transforma en una de esas cantautoras que más que narrar historias parecen contarte un secreto desde lo más hondo de su alma. Sería posible hablar de Clairo en los mismos términos en los que hablamos de Sybille Baier, Elliott Smith o incluso Stina Nordenstam, pero las canciones tienen un poso más clásico y vintage. ‘Bambi’, el conmovedor tema de apertura, que habla sobre los confusos primeros pasos de Clairo en la industria, es una pequeña joya que recuerda a los Carpenters, y el álbum está lleno de bonitas baladas que entran en los cánones de un folk introspectivo y pastoral que puede incorporar guiños country (‘Wade’), armonías celestiales (‘Managament’) o guitarras intensas a lo Joni Mitchell (‘Zinnias’).
Algunas de estas baladas, como ‘Partridge’ o ‘Harbor’, deben demasiado a sus floridos arreglos e instrumentación y, sin que sus melodías terminen de definirse del todo, terminan resultando algo pantanosas, sin destacar en el conjunto. Esta circunstancia es especialmente decepcionante porque, como letrista, Clairo puede dejar con la boca abierta en algunos momentos. Cuando describe las dificultades que ha pasado para llevar una relación adelante lidiando, a su vez, con su ansiedad y su depresión (‘Partridge’), cuando nos cuenta sus momentos más íntimos (‘Harbor’) o cuando vuelve a recordar aquel momento en que por poco acabó con su vida (‘Just for Today’), se revela como una letrista clara, lúcida y honesta que nada tiene que envidiar a su contemporánea Lorde. Si estas baladas tuvieran formas más definidas y sólidas, su mensaje calaría más profundamente, sin embargo, se quedan a medio camino de conseguirlo.
Que Clairo haya descubierto que lo que más desea en su vida es estar en casa, cuidar de su perrita y, quizá en un futuro, de sus hijos, y simplemente ser feliz en la montaña, tras mudarse de la ruidosa Nueva York a Massachusetts (qué envidia), significa que este disco siempre iba a ser profundamente introspectivo. Pero ‘Sling’ tiene más dimensiones de lo que parece a simple escucha. Más allá de los pequeños detalles de producción, de una melodía que se te revela como mágica en el momento más inesperado (‘Little Changes’) o de sus poéticas letras, el álbum se va de la tangente en algunos puntos para bien. El ritmillo disco-pop vintage de ‘Amoeba’ trae a la mente a la mejor Natalie Prass, dando lugar a otro tema ultra-adictivo de Clairo; pero también son gratificantes momentos como el clímax orquestal de ‘Wade’, muy Joanna Newsom, o una ‘Joanie’ que aporta un necesario momento de oxígeno instrumental al largo. No es un sonido que parta necesariamente de ‘Immunity’, pero a Clairo le sienta como un guante.
Coldplay han dado los detalles de su nuevo disco, el décimo de su carrera. ‘Music of the Spheres’ sale el 15 de octubre. El pre-pedido del álbum ya está disponible y la web de la banda británica muestra desde hoy todas las ediciones físicas con las que contará este trabajo, incluido un «cassette bundle» de lo más pintón.
El tracklist de ‘Music of the Spheres’ incluye 11 pistas, y cuatro de ellas están tituladas con emojis. En las plataformas de streaming está disponible también desde hoy una pista nueva de Coldplay llamada ‘Overtura’ que en realidad es el «trailer» del álbum, con el que se avanzan todas sus pistas, entre las que es posible apreciar producciones tipo llenaestadio, otras más electrónicas, otras más rockeros o baladas con arpas. El álbum ha sido íntegramente producido por Max Martin.
HIGHER POWER
HUMANKIND
✨
LET SOMEBODY GO
❤️
PEOPLE OF THE PRIDE
BIUTYFUL
🌎
MY UNIVERSE
♾️
COLORATURA
En redes, Coldplay anuncia que el viernes verá la luz la última pista de ‘Music of the Spheres’, ‘Coloratura’, pero que el siguiente single oficial del álbum no llegará hasta septiembre, sin que se conozca su título por el momento. Un rumor apunta a que el segundo single de ‘Music of the Spheres’ sería ‘My Universe’ y que contaría con la colaboración de BTS.
‘Higher Power’ ha sido un éxito modesto para la banda, especialmente tras la recepción más tibia que obtuvo su largo anterior, ‘Everyday Life‘. Aunque quizá lo subestimamos por llegar demasiado a la cola de ‘Blinding Lights’, como si eso fuera algo malo, ‘Higher Power’ es un buen tema de synth-pop que, con razón, se mantiene dignamente en el top 30 de la lista de singles británica.
‘Llámame’ de Ant Cosmos es una de las canciones que has podido escuchar recientemente en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» y también en la playlist de música nacional y escrita en castellano «Sesión de control«. ‘Llámame’ es un fresco tema de pop caribeño que va en camino de convertirse en el mayor éxito de Javier Auserón hasta la fecha, pues pronto alcanzará los números de ‘Tal vez‘ cuando este tema salió hace 5 meses y ‘Llámame’ hace dos semanas.
Como la de Tiburona, ‘Llámame’ es a todas luces una de esas canciones del verano alternativas de 2021 y, también, una producción muy Ant Cosmos en su fusión refinada y minimalista de ritmos propios del reggaetón-pop y guitarras luminosas entre el jangle-pop y el rock surfero. Con motivo de que ‘Llámame’ es hoy la Canción Del Día hemos solicitado a Ant Cosmos que arme una playlist con las que están siendo sus canciones del verano.
En la playlist sorprende, o no tanto, el gusto de Ant Cosmos por la música de los 80: es posible encontrar en la lista un tema de post-disco en francés, ‘Dans l’eau de Nice’ de Alec Mansion, irresistible, y otro en brasileño, ‘Moral Tem Hora’ de Cristina Camargo, muy boogie a su vez; pero también temas bastante conocidos de Madonna (‘Lucky Star‘) y Grace Jones (‘Pull Up to the Bumper’).
La reivindicación coterránea de la playlist de Ant Cosmos llega con la banda de Santa Cruz de Tenerife Palmera y su tema de 1983 ‘Luci’, a medio camino entre el rock’n’roll y las armonías del Dúo Dinámico. Pero la lista viaja por diversos lugares y sonidos: de la serenidad de ‘Guapa’ de Juan Wauters pasamos al chill-out de ‘Loverboy’ de Lomboy y de ahí al dancehall duro de ‘Popalik’ de CHO. El tema más reciente, de los que no son propios, es de Kali Uchis y en la playlist hay espacio también para los ritmos del UK garage y las melodías de piano.
Intercaladas entre todas estas pistas aparecen varias canciones de Ant Cosmos. A parte de ‘Llámame’ suenan la alegre ‘After Party’, una ‘Tal vez’ que ya fue Canción Del Día en estas páginas por su sonido melancólico a lo Drake; y finalmente el trap melódico y envolvente de ‘Tu tejado’.
Carolina Durante han cancelado su concierto en el Wizink Center de Madrid del 20 de diciembre. Es el mismo evento que ya había sido pospuesto en una ocasión (la fecha original era el 28 de diciembre de 2020). La devolución de los importes de las entradas se efectuará de manera automática o presencial, dependiendo de dónde se adquirieran las mismas.
En un comunicado, Sonido Muchacho explica que «el motivo de dicha cancelación es que (el concierto) no podrá celebrarse en las características y montaje con que fue previsto inicialmente, y tanto el grupo como el organizador han decidido cancelarlo a la espera de una mayor certidumbre a la hora de organizar eventos musicales». Carolina Durante han dicho que «lo sentimos mucho, para nosotros es muy frustrante todo esto. un abrazo y ojalá vernos pronto».
La noticia es a todas luces decepcionante para el grupo y las personas que planeaban acudir a verlos actuar en el que iba a ser el concierto más importante de su carrera. Quedan varios meses para diciembre y en España el ritmo de vacunación es el mejor de toda Europa. Sin embargo, y a pesar de que por ejemplo Lola Indigo acaba de actuar en el Wizink Center, parece que no termina de verse claro que este tipo de conciertos se celebren todavía. Como apunta Arturo Paniagua, «la luz está al final del túnel, pero parece que el túnel es cada vez más largo».
Carolina Durante acaban de ser noticia tras el lanzamiento de su divertido nuevo single, ‘Moreno de contrabando‘, que ha pasado por la sección Canción del Día. Un tema que precisamente está inspirado en la pandemia para hablar de una Madrid «vacía» y distópica donde el verano está prohibido. El nuevo disco de la banda sale «a la vuelta del verano».
cancelado el wizink de diciembre. lo sentimos mucho, para nosotros es muy frustrante todo esto. un abrazo y ojalá vernos pronto 🖤 pic.twitter.com/YWYfColHMh
BIME Live, uno de los festivales referencia del otoño, volverá este año para celebrarse los días 29 y 30 de octubre, en torno a las fechas habituales. Manteniendo el formato de festival de dos días y con un aforo adaptado a las circunstancias actuales, el festival se traslada al Bilbao Arena de Miribilla.
Hoy, el festival presenta su cartel completo, centrado en los sonidos urbanos. Entre los artistas confirmados se encuentran el dúo de raperos Natos y Waor, uno de los más exitosos de nuestro país; y también la archiconocida Bad Gyal, así como Trueno, autor del hit ‘Mamichula‘.
A ellos se suman Ana Tijoux, Iruña, Chill Mafia, Maikel Delacalle, Frente Cumbiero, el cuarteto liderado por el compositor y productor Mario Galeano; y la poeta Laura Sam junto al productor Juan Escribano en su proyecto conjunto.
Los abonos de BIME Live saldrán a la venta el jueves 22 de julio a las 12 horas y se podrán adquirir en la web del festival.
Mientras el debate en torno a la terminología de que lo que se llama «música urbana» continúa abierto siguen apareciendo artistas en España que florecen dentro de sus parámetros, como es el caso de Lix Molina. La artista valenciana empezó en la música tocando la batería, por lo que se considera músico antes que cantante, y después pasó también a ejercer de intérprete. Hoy tiene varios singles publicados en los que plasma su gusto por los sonidos del R&B y el neo-soul contemporáneos, a los que no se cierra en absoluto.
Ahí está, por ejemplo, uno de sus mayores éxitos. ‘Fasterossa’ está lleno de referencias a las motos, a «quemar llanta», pero Andrea Felix no solo se monta en una moto en esta canción, también se sube a una base de electro-house que nos lleva a las discotecas de Nueva York de finales de los 70 y primeros 80. De hecho, ‘Canino’ empieza como un tema de R&B contemporáneo lleno de detalles para terminar también en la pista de baile sin que nadie lo espere; y una de las mayores sorpresas de su repertorio es ‘TOY-ASK’: si pensabas que solo a Bruno Mars y Cardi B le interesaba hacer new jack swing en el siglo XXI, te equivocabas.
Entre otras interesantes producciones como ‘Trash’ termina destacando el single más reciente de Lix Molina. ‘Lento’ puede ser su grabación más sofisticada al moverse a medio camino entre el deep-house, el post-disco y las profundas y evocadoras producciones de Kaytranada. Una canción de voces susurradas que narra una noche de pasión con tirones del pelo pero también momentos de cierta violencia, con su amante enfadado de repente, al que ella advierte: «la cosa es muy simple, te he dicho que no me grites».
Sobre ‘Lento’, la comunidad de música independiente Acqustic, de la que forma parte Lix Molina, ha explicado que «es un tema que habla desde la libertad las noches de Madrid, de enamorarse, de pelear, de sentimientos viscerales del comienzo de una relación», y que «habla de ese momento que no quieres que acabe, pero que te da miedo que dure para siempre. Nos contextualiza las primeras citas en bares emborrachándote con un desconocido, el liarla por la calle, llegar a casa borrachos y bailar y besaros descalzos, despertaros con el suelo pegajoso de cerveza y vino y de esa incertidumbre sobre si os volveréis a ver… O no».
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