David Johansen, líder y cantante de los New York Dolls, banda precursora del punk e icono del glam, ha fallecido este viernes a los 75 años en su casa de su Nueva York, según ha informado su hija. Johansen llevaba años con un cáncer metastásico, un tumor cerebral y una fractura de espalda.
Johansen, que había cumplido 75 años el pasado 8 de enero, nació en Staten Island en 1950 y se unió a los New York Dolls en 1971 con Arthur Kane, Billy Murcia, Johnny Thunders y Sylvain Sylvain. Dos años más tarde llegaría su debut, en el que ya mostraban una estética drag muy marcada. Llegaron a lanzar dos discos, pero a pesar de ser aclamados por la crítica, recibieron muy poco éxito comercial.
En 1976, el grupo se separó y Johansen perisguió una carrera en solitario, a la vez que continuaba con su trabajo como actor. A finales de los ochenta empezó a usar el nombre de Buster Poindexter, llegando a actuar con la banda de Saturday Night Live. En 2004, los New York Dolls se reunieron gracias a Morrissey, gran fan del grupo, y lanzaron otros tres discos. En 2023, Martin Scorses llevó a Johansen a la gran pantalla con el documental ‘Una noche con David Johansen’.
Charli xcx ha teñido de verde los BRITS, literalmente. De las cinco nominaciones que había recibido, se ha llevado las cinco, incluidas Canción del año (por ‘Guess’ con Billie Eilish), Artista del año y Disco del año. Para este último galardón, la estatuilla fue pintada del verde característico de ‘BRAT’.
Chappell Roan ha sido el nombre estadounidense triunfante de la noche, llevándose los BRITS a Mejor canción internacional (‘Good Luck, Babe!’) y a Mejor artista internacional. Por otro lado, Dua Lipa, que contaba con cuatro nominaciones, se ha ido a casa de vacío.
En su lugar, JADE se ha llevado el BRIT a Mejor artista pop y ha demostrado cuánto se lo merece con una de las mejores actuaciones de la historia de los premios. ‘Angel Of My Dreams’ es así convertida en todo un número dividido en cinco actos en el que cabe de todo: un mini teatro, cambios de vestuario, coreografías, exhibición vocal… Una auténtica maravilla.
El resto de las actuaciones son protgonizadas por Sabrina Carpenter, Sam Fender, Teddy Swims, The Last Dinner Party, Myles Smith, Lola Young y Ezra Collective con Jorja Smith.
Palmarés de los BRITS
Disco del año Charli XCX – ‘Brat’
The Cure – ‘Songs Of A Lost World’
Dua Lipa – ‘Radical Optimism’
Ezra Collective – ‘Dance, No One’s Watching’
The Last Dinner Party – ‘Prelude To Ecstasy’
Artista del año
Beabadoobee
Central Cee Charli XCX
Dua Lipa
Fred Again..
Jamie xx
Michael Kiwanuka
Nia Archives
Rachel Chinouriri
Sam Fender
Grupo del año
Bring Me The Horizon
Coldplay
The Cure Ezra Collective
The Last Dinner Party
Artista revelación
English Teacher
Ezra Collective The Last Dinner Party
Myles Smith
Rachel Chinouriri
Canción del año
Artemas – ‘I Like The Way You Kiss Me’
The Beatles – ‘Now And Then’
Bl3ss with Camrin Watsin ft. bbyclose – ‘Kisses’
Central Cee ft. Lil Baby – ‘BAND4BAND’ Charli XCX ft. Billie Eilish – ‘Guess’
Chase & Status ft. Stormzy – ‘Backbone’
Coldplay – ‘feelslikeimfallinginlove’
Dua Lipa – ‘Training Season’
Ella Henderson ft. Rudimental – ‘Alibi’
JADE – ‘Angel Of My Dreams’
Jordan Adetunji – ‘KEHLANI’
KSI ft. Trippie Redd – ‘Thick Of It’
Myles Smith – ‘Stargazing’
Sam Ryder – ‘You’re Christmas To Me’
Sonny Fodera with Jazzy and D.O.D – ‘Somedays’
Artista internacional del año
Adrianne Lenker
Asake
Benson Boone
Beyoncé
Billie Eilish Chappell Roan
Kendrick Lamar
Sabrina Carpenter
Taylor Swift
Tyler, The Creator
Grupo internacional del año
Amyl And The Sniffers
Confidence Man Fontaines D.C.
Future and Metro Boomin
Linkin Park
Canción internacional del año
Benson Boone – ‘Beautiful Things’
Beyoncé – ‘Texas Hold ‘Em’
Billie Eilish – ‘Birds Of A Feather’ Chappell Roan – ‘Good Luck, Babe’
DJO – ‘End Of Beginning’
Eminem – ‘Houdini’
Hozier – ‘Too Sweet’
Jack Harlow – ‘Lovin On Me’
Noah Kahan – ‘Stick Season’
Post Malone ft. Morgan Wallen – ‘I Had Some Help’
Sabrina Carpenter – ‘Espresso’
Shaboozey – ‘A Bar Song (Tipsy)’
Taylor Swift ft. Post Malone – ‘Fortnight’
Teddy Swims – ‘Lose Control’
Tommy Richman – ‘MILLION DOLLAR BABY’
Mejor artista alt/rock
Beabadoobee
The Cure
Ezra Collective
The Last Dinner Party Sam Fender
Mejor artista hip hop/grime/rap
Central Cee
DAVE
Ghetts
Little Simz Stormzy
Mejor artista dance
Becky Hill Charli XCX
Chase & Status
Fred Again..
Nia Archives
Mejor artista pop
Charli XCX
Dua Lipa JADE
Lola Young
Myles Smith
Mejor artista R&B
Cleo Sol
FLO
Jorja Smith
Michael Kiwanuka RAYE
La última vez que Rels B estuvo en el Movistar Arena -Wizink Center, por aquel entonces- fue para celebrar el fin de gira de ‘AfroLOVA’ 23′. Ayer, en el Día de las Islas Baleares, el mallorquín presentó la gira mundial de ‘a new star (1 9 9 3)’ en un show que rebosaba nostalgia por todos los costados.
La conmovedora intro con ‘1 de Enero, Puntacana’ fijó el tono de todo el concierto, más bonito que espectacular, y antes de que Rels B apareciese agachado en una plataforma cantando ‘Caída del cielo’ ya conocíamos algunas de las novedades del tour, descrito como «el más ambicioso hasta la fecha». Entre estas, seis maravillosxs coristas que acompañaron al cantante durante prácticamente todo el concierto y que cobraban protagonismo en las outros, interpretadas a cappella junto al artista. Por supuesto, en estas el público ponía mucho de su parte. En realidad, había más de 15.000 coristas.
Manu Pasik
Los asistentes son un elemento clave en los conciertos de Rels B. Él mismo no para de recordarlo durante todo el set: «Sin público no hay show». Y a él le sobraba. ‘pa quererte’, ‘Un Rodeoooo’, ‘Sin Gato’ y ‘cómo dormiste?’ se sucedieron ante un público entregadísimo para cantar cada letra y ovacionar al cantante entre canciones, pero tranquilito. Quien prefiere bailar sin el riesgo de un pogo no tiene de qué preocuparse.
Y no es que el repertorio de Rels B no valga para ello. En 10 años da tiempo para hacer un poco de todo y ayer se aseguró de que sonase tanto «lo viejo» como «lo nuevo». Para él, el show es todo un viaje a través de los recuerdos. Gracias a la inmensa, y única, pantalla que acompaña el espectáculo, el artista puede rememorar toda su carrera a través de diferentes vídeos. «Qué pequeñitos éramos, quién iba a decir que íbamos a llenar este tipo de salas», exclamó antes de cantar ‘Tienes el Don’, una de las más antiguas de su catálogo.
Rels B es el centro de todo el concierto, transmitiendo una gran energía y una soltura, sobre todo al recorrerse la pasarela de lado a lado, envidiable. Su actitud es de: «Esto es la hostia y lo sabéis», pero a la vez agradecido. Cada vez que el público se arranca a cantar con él, da las gracias. Si es con los temas del nuevo disco, con los que no había una respuesta tan uniforme, todavía más. «¿Estáis dormidos o qué?», exclamó varias veces el cantante.
Manu Pasik
De alguna forma, es refrescante ver a un artista que tiene tantas ganas de cantar las canciones de su último disco, y en este sentido, Rels B fue insistente, aunque significase «parar el ritmo del show»: «Tengo que cantar mi favorita de ‘a new star'». Así, «se apaga // me apago» fue uno de los momentos más sobrios y efectivos del show, pero del nuevo álbum las que más brillaron fue, obviamente, ‘La Vida Sin Ti’ y ‘Detrás del DJ’.
Esta última fue el centro de un momentazo digno de cualquier concierto blockbuster de pop. Al final de la pasarela, y con una mesa de mezclas en el centro, Rels B hizo de maestro de ceremonias para una genial exhibición por parte de los bailarines y bailarinas, que aparecieron en momentos contados. Todo, mientras el cantante lanzaba camisetas al público.
Más secciones como esta no habrían venido nada mal. Por otro lado, el concierto va sobrado (quizás demasiado) de momentos calmados y emotivos. ‘Te Regalo’ dio lugar a una bonita interpretación acústica a ras de suelo junto a J Abecia, único invitado de la noche, y Omar Alcaide a la guitarra. ‘La Prisión’, descrita por el propio Rels B como «la favorita» de su carrera, dio lugar a una reflexión que también define su trayectoria: «A mí me gusta hacer música, no las cosas raras de la industria».
Manu Pasik
Ya en la recta final, ‘lo que hay x aquí’ mostró el verdadero poder de Rels B y lo que es capaz de conseguir un artista independiente. Es un momento de pura comunión entre los asistentes y en el que es complicado no notar los pelos de punta. Él mismo lo dice: «Mi show favorito de mi vida era el Wizink del año pasado, pero lo estamos superando». Hoy, 2 de marzo, es la segunda fecha del mallorquín en el Movistar Arena. ¿Se volverá a superar?
Hace 20 años, James Mangold estrenó ‘En la cuerda floja’, el biopic de Johnny Cash con Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon. Posteriormente, la carrera del cineasta americano se ha movido en superproducciones tan dispares como ‘Logan’, la comedia de espías con Tom Cruise y Cameron Diaz ‘Noche y día’ o ‘Indiana Jones y el dial del destino’. Con ‘A Complete Unknown’, regresa a la biografía musical volviendo a interesarse en otra de las figuras más importantes para el arte del siglo XX: Bob Dylan.
Ya existían muchos documentales sobre él, como los realizados por Martin Scorsese ‘No Direction Home’ y ‘Rolling Thunder Revue’, e incluso ficciones, como ‘I’m Not There’ de Todd Haynes, pero hasta el momento Hollywood no se había acercado al cantautor en su forma predilecta: el biopic académico. Para ello, Mangold recurre a una de las estrellas del momento, un Timothée Chalamet que ha estado preparándose para interpretar este papel durante cinco años. Sus esfuerzos se notan, ya que el actor muestra una entrega total, cantando él mismo las canciones de Dylan de forma más que solvente.
‘A Complete Unknown’, pese a ser una película que no se avergüenza en estar diseñada para ganar premios, muestra cierta personalidad, algo no tan habitual en este tipo de narraciones, y es ahí donde reside una de sus mayores virtudes y también algunos de sus puntos más débiles. El cineasta propone contar la historia de los primeros años de fama de Dylan no tanto indagando en las acciones de sus personajes, sino reflejando sus conflictos a través de las canciones. A lo largo de la cinta, hay multitud de escenas donde vemos al cantante actuando en directo, muchas más de lo que cabría esperar para este tipo de cine. Este recurso narrativo funciona especialmente bien hacia la mitad, donde las conexiones entre los personajes se describen mediante sus comportamientos en los escenarios.
Por otro lado, es inevitable sentir que hay una parte importante en el mundo interior de los protagonistas que queda sin explorar, o que resulta simplemente desaprovechado. Esto se evidencia sobre todo con los personajes secundarios, que rodean continuamente a Dylan, pero cuyos arcos quedan a veces desdibujados. Elle Fanning aparece en varios de los mejores momentos de la película, y está realmente bien interpretando a Sylvie, pero sus apariciones son demasiado breves para un personaje que tenía mucho más potencial. Algo parecido puede decirse de Monica Barbaro en el papel de Joan Baez. Se echa de menos más matices en la relación supuestamente tumultuosa -según los rótulos finales- entre ella y Dylan. La actriz, sin embargo, sí hace un gran trabajo, transmitiendo con facilidad ese encanto y carisma propios de la cantautora.
Precisamente, lo que impulsa a la película y la mantiene a flote son las interpretaciones de un reparto muy sólido (y, por supuesto, las brillantes canciones de Dylan). Edward Norton también encarna a Pete Seeger con solvencia. Aunque por encima de todos, brilla un Chalamet que captura muy bien la energía del artista, especialmente en la segunda parte de la película, donde el cantante está experimentando las consecuencias de la fama.
El trabajo de Mangold en la dirección es irregular, pero efectivo. En ocasiones repite excesivamente los mismos recursos visuales, pero en otras, consigue transportar al espectador al frenético ambiente que rodeaba a Dylan en los años 60, como en algunos logrados planos secuencia con steadicam.
Pese a querer aportar una visión diferente a la clásica biografía Made-in-Hollywood, ‘A Complete Unknown’ nunca consigue distanciarse lo suficiente del molde establecido. Aunque sí deja algunas bonitas secuencias, buenas interpretaciones y, lo más importante, muchas ganas de escuchar la discografía completa de Bob Dylan.
Saya Gray es una de las estrellas emergentes del indie anglosajón del último lustro. Llamó la atención de revistas y oyentes el innovador sonido indie-rock de su álbum debut, ’19 Masters’ (2022), evidente en cortes tan originales como ‘If There’s No Seat in the Sky (Will You Forgive Me??)’. Antes, Gray había sido bajista profesional y tocado en giras de artistas mainstream como Daniel Caesar (que es canadiense como ella) o el tristemente fallecido Liam Payne.
No se puede pasar por alto el linaje musical de Gray: su madre, Madoka Murata, japonesa, es fundadora de Discovery Through the Arts, una de los mayores colegios de música independientes de Toronto, y su padre, canadiense, es Charlie Gray, que ha tocado para grandes del jazz como Ella Fitzgerald.
‘SAYA’ no en vano lleva el apellido de esta artista fichada en Dirty Hit, el sello de Matt Healy de The 1975, porque, después de entregarse a diversos experimentos en su debut y epés anteriores, Gray ha decidido escribir canciones más disciplinadas y clásicas. El objetivo ha sido superar una ruptura. El medio, empollarse los discos de los Beatles, Led Zeppelin y Joni Mitchell durante un road trip por todo Japón que emprendió para despejarse. En el asiento de copiloto llevaba una guitarra para cuando brotara la inspiración.
No extraña que las letras de ‘SAYA’ ahonden en la psicología de su autora: en la inicial ‘Thus is Why (I Don’t Spring For Love)’, Gray avisa del riesgo de establecer una relación sentimental demasiado pronto y, en ‘Exhaust the Topic’, la frase «quizá he estado buscando un amor que yo nunca he dado» de repente pone en contexto todo el disco. En varias pistas, como ‘Shell (Of a Man)’ o ‘Puddle (Of Me)’, SAYA se compara con una «muñeca de vudú» con la que esa persona juega a su antojo.
Las canciones de ‘SAYA’ equilibran melodía clásica y experimentación sonora. A su lado, su hermano, Lucien Gray, produce las pistas y las envuelve en capas de instrumentación y efectos psicodélicos profundos y dinámicos. El sonido es crudo, pero rico. Las ideas sonoras son inusuales para canciones inspiradas en el folk, el country o la Americana y la riqueza instrumental favorece piezas como ‘Lie Down’, rica en percusiones. Aunque las producciones a veces presumen más músculo que las melodías.
Hallan equilibrio las canciones country de ‘SAYA’, como el bluegrass de ‘Shell (of a Man)’ o la balada ‘How Long Can You Keep a Lie’. El sentido melódico de Gray es original y su dinámico rango vocal eleva canciones como la guitarrera ‘Thus is Why (I Don’t Spring for Love)’ o la folk ’10 Ways to Lose a Crown’. Aunque, quizá, si las melodías fueran mejores, no necesitarían el exceso de producción al que las somete su autora: por ejemplo, la coda metal de ‘Exhaust the Topic’ suena forzada.
El potencial de las canciones de ‘SAYA’ es evidente, pero a las piezas rítmicas, como ‘Puddle (Of Me)’, les hace falta melodías más memorables, y la forma pesa sobre el fondo en el experimento trip-hop de ‘H.B.W.’ o el vals de ‘Line Back 22’, que, de nuevo, finaliza con una coda experimental sin mucho interés. Al final, en ‘SAYA’, destacan las canciones desnudas, como ’10 Ways to Lose a Crown’ y, sobre todo, un sentido de la composición muy peculiar que puede seguir creciendo.
Si alguien tenía dudas de la creatividad y el carisma único de Ca7riel y Paco Amoroso, de seguro han desaparecido con el primer lanzamiento después de su debut. ‘#TETAS’ es a la vez una hilarante radiografía a la cultura pop del siglo XXI y una oda a la autenticidad sin reservas. Es la Canción del Día.
Como ya demostraron en el trap experimental de ‘Ola Mina Xd’ y en menos medida en la viral ‘EL ÚNICO’, Ca7riel y Paco Amoroso están totalmente conectados con su tiempo. El del Internet. Es por eso que en los primeros segundos de ‘#TETAS’ no paran de sucederse términos como «glow up» o «vibe check», antes de que la canción se convierta en una reivindicación total del dab. Son ellos riéndose de lo absurda que es la época en la que vivimos.
La habilidad de los argentinos para equilibrar el humor con la calidad musical brilla en esta canción, que empieza con un beat cercano al funk más suave y se transforma en la segunda parte en un pop salido directamente de los 2000. Hasta hay una referencia muy sutil hacia el final del tema del icónico violín de ‘A Thousand Miles’ de Vanessa Carlton.
Sobre todo, la canción trata sobre confiar en la autenticidad de cada uno. «Mira mi cuerpo, siente mi botox / Ni siquiera necesito filtro en fotos», ironiza Paco en las primeras líneas. El estribillo lleva esto al siguiente nivel: «Si quieres ser alguien, no puedes ser tú / Tienes que ser alguien que no seas tú». La lección de todo esto es que, si ellos son alguien, es precisamente porque siempre han sido fieles a sí mismos.
Las capas continúan en el videoclip, que recuerda mucho a las parodias musicales de The Lonely Island, cosa que no puede ser casualidad. Mientras las referencias a los 2000 continúan con ambos artistas estilados como los Backstreet Boys, también se intuye una leve crítica a la industria y al consumo musical en la actualidad.
Suena la sintonía de ‘The Office’, llega el «ascensor» y aparecen esos cuatro chavales. Diego Ibáñez se equivoca en la primera frase de ‘Joderse La Vida’, que abre el set. Es el resultado esperable después de encontrarte de repente ante 15.000 personas. Hasta sus rivales más cercanos estuvieron ayer en el Movistar Arena. La última vez que Carolina Durante tocó en el recinto fue en 2023, delante de la mitad de asistentes. «En el primero lo mejor fue la gente, como siempre», recuerda Ibáñez.
Aquel concierto poco tuvo que ver con este. El decorado era prácticamente inexistente. Ahora, la producción es considerable. En la oficina de Carolina Durante puedes encontrar archivadores corporativos, amplificadores y aviones de papel infinitos. También te puedes subir a donde te de la gana. Obviamente, puedes tomar todo el café del mundo. Cuanto más, mejor. Hay que asegurarse de tener la energía apropiada para resistir las reacciones de un público, en su mayoría veinteañeros, que se mata y se ama en cada canción.
Ainhoa Laucirica
Porque detrás de la locura instantánea (y posibles codazos) que desata ‘Aaaaaa#$!&’, hay mucho amor. Puede que en canciones como ‘TOMÉ CAFÉ’ o ‘Monstruo’, que paró el show brevemente para dejar hueco a los pogos, no se note tanto, pero los fans de Carolina Durante en realidad son tan blandos como el turrón. La nostalgia de una adolescencia reciente, y que hay que dejar escapar, es la que los mueve. Por eso ‘El Parque De Las Balas’, rescatada exclusivamente para la ocasión junto a ‘Moreno de contrabando’, y ‘San Juan’ resultaron tan emocionantes. Todo lo que era tangana, ahora es abrazo.
Sin embargo, el proceso mental de Ibáñez parece otro. En la entrevista con JENESAISPOP, el vocalista contaba que, con este último disco, era la primera vez que se veía afectado por el contenido de las canciones encima del escenario: «Es guay que me rompa cantando la canción que he escuchado 257.000 veces». Mientras el público se vuelve loco con ‘Tempo 2’ o ‘Verdes Césped’, Diego, con su camisa blanca de volantes, está totalmente serio.
Su actitud, entre derrotada y errática a más no poder, no es nueva, pero sentir que estás en un momento clave de tu carrera seguro que le añade una capa de emoción. Así, ‘Colores’ parecía humedecerle levemente los ojos. Bueno, y a todos. Uno de los momentos más emotivos del concierto y un nuevo significado para eso de «elijo que esto no me duele».
Ainhoa Laucirica
Si el concierto de Carolina Durante fuese como el periplo del héroe, ahora llegaría el abismo. Durante el resto del set, el sonido no había sido el mejor. Costaba oír la voz de Diego, la batería se lo comía todo y se echaba mucho en falta la claridad del disco en los instrumentos. Y entonces, crisis: «Os explico lo que pasa, se nos ha roto la mesa de monitores y no oímos nada», cuenta Martín Vallhonrat. Diego entonces intenta ganar tiempo hablando con el público. Destaca un chaval que no estudió para selectividad por ir a la Wurlitzer a ver a Carolina Durante. «De la Wurli al Movistar Arena», suelta Ibáñez. Y en el mismo año.
Una chica les pide tocar ‘Necromántico’, que no estaba en el set. Deciden tocarla «por las risas», sin oírse a ellos mismos. Ole, porque además no suenan nada mal. De hecho, mejor que ayer. Después de una tensa pausa de dos minutos para resolver el embrollo técnico, ‘Elige tu propia aventura’, con violines y trompeta, fue hasta poético. Las cuerdas y vientos se quedaron para ‘La Noche de los Muertos Vivientes’, su primer lanzamiento, y ‘Probablemente Tengas Razón’, el clímax musical de la noche.
Ainhoa Laucirica
Un fallido ‘Interludio’, en el que se tenía que intuir la melodía, dio lugar al «momento montaña rusa», bautizado así por Ibáñez. Barry B y Gará Durán, sustituyendo a Amaia, intervinieron en unas disfrutonas ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’ y ‘Perdona (Ahora sí que sí)’ antes del colofón final. Qué bonito fue cantar ‘Hamburguesas’ junto a tantos miles de personas, a las que seguro que el grupo ya considera amigos. ‘Normal’, sin «la número 1», y el dulce pogo final de ‘Las Canciones de Juanita’ terminaron la noche sin ningún tipo de bis.
Sin fallos técnicos y con un sonido más claro, este concierto habría sido la consagración final del grupo… pero a quién le importa. Consagración o no, sea lo que sea que eso signifique, Carolina Durante están bendecidos. El repertorio es tan sólido, y las emociones tan auténticas, que en sus mejores momentos es como estar viendo la revolución. El sold out de Carolina Durante ha coincidido con la alineación de los planetas del sistema solar, algo que no se volverá a repetir hasta 2040. Para entonces, todavía nos seguiremos acordando.
Cuando en enero se anunciaron las nominaciones a los Oscar, parecía claro que la película ganadora saldría de las dos más nominadas: ‘Emilia Perez’ (13 nominaciones) o ‘The Brutalist’ (10 nominaciones). Casi todas las apuestas apuntaban hacia la segunda, con la cinta de Jacques Audiard como segura ganadora en la categoría de Mejor película internacional. La victoria en los Globos de Oro de los dos filmes refrendaba aún más esa sensación.
Sin embargo, en apenas un mes han ocurrido muchas cosas: el pasado se le ha echado encima a Karla Sofía Gascón con el peso de un mamotreto brutalista y el presente sionista ha vuelto antipático el discurso histórico de la película de Brady Corbet. La gran beneficiada ha sido ‘Anora’, que de forma discreta no ha parado de ganar premios en las últimas semanas. En realidad, da un poco igual: las tres son estupendas. Gane la que gane, se merecen todos los premios que les den.
El problema es que hay una amenaza creciendo en el horizonte. El 10 de febrero ocurrió una desgracia de dimensiones bíblicas: la mediocre ‘Cónclave’ triunfó en los Bafta compitiendo contra las tres películas mencionadas. Aunque es cierto que la nacionalidad –era la única producción británica de las cinco nominadas- pudo haber jugado a su favor, los pronósticos empezaron a tambalearse como la credibilidad de Gascón pidiendo disculpas por sus mensajes. Para más inri, hace unos días se reprodujo la tragedia: ‘Cónclave’ volvió a repetir triunfo en los premios del Sindicato de Actores. ¿Dará la sorpresa el domingo, el día del Señor?
‘Cónclave’ es un poco ‘El discurso del rey’ de este año (¿alguien se acuerda de ella?). Un entretenimiento eficaz, bien interpretado y con una tensión dramática muy medida, muy correcto todo, academicista, pero bastante limitado desde un punto de vista estético, narrativo o dramático, sobre todo si lo comparamos con sus tres rivales en los Oscar. El alemán Edward Berger (‘Sin novedad en el frente’) echa mano de una puesta en escena ampulosa (esos planos aéreos con todos los cardenales con sus paragüitas blancos) para vestir de seda un guion con más jirones que un sayo franciscano. Mucha pompa para tan poca sustancia.
La película no es más que una resultona intriga palaciega, beneficiada por un estupendo reparto (mención especial para Ralph Fiennes e Isabella Rossellini) y unos escenarios vaticanos muy llamativos, pero perjudicada por una banda sonora que subraya en vez de enriquecer, un discurso simplón y un golpe de efecto final que no hay por dónde cogerlo, mas risible que sorprendente. Es como decir misa en latín: da igual lo que digas, suena muy bonito, solemne y profundo.
Lady Gaga mantiene el número 1 de JENESAISPOP con ‘Abracadabra’, aunque es verdad que cada vez con un porcentaje más ajustado de votos, esta vez tan solo el 42% de los votos frente al 24% de Rigoberta. Veremos qué ocurre la semana que viene.
Entre las novedades de la semana, hay que hablar de la fuerte entrada de Marina y Addison Rae en el top 10, aunque lejos de competir por la primera plaza. Squid y La Plata entran a la zona media de la lista. En los últimos puestos encontramos a dos artistas españoles: Cupido y María Yfeu.
Después del fiasco que supuso ‘The Idol’, muchos pensábamos que la carrera de Lily-Rose Depp en Estados Unidos iba a tener menos futuro que la de Milei como criptobro. Sin embargo, un año después llegó ‘Nosferatu’ y nos calló la boca a todos. ¿Pasará lo mismo con Abel Tesfaye –horroroso en la serie- cuando se estrene ‘Hurry Up Tomorrow’, dirigida por el muy prometedor Trey Edward Shults (‘Krisha’, ‘Waves’)?
A falta de ver la película, solo con el tráiler, parece claro que ‘Open Hearts’ no es un mero reciclado de imágenes del filme: es un videoclip en toda regla. Por lo que se explica al principio, el clip está rodado para ver con las Vision Pro de Apple. Yo lo he visto con mis gafas de Ópticas Fernández. Y la sensación es un poco como cuando ves una película antigua rodada en 3D, tipo ‘Los crímenes del museo de cera’ (1953): hay muchos planos cuya única función es la de facilitar un efecto inmersivo para el dispositivo.
‘Open Hearts’, filmado en un formato de 180 grados y con una narrativa muy cinematográfica, está lleno de exteriores con planos aéreos con dron e interiores con muchísima profundidad de campo. Más allá de esta caligrafía visual al servicio de la tecnología, el clip presenta una trama protagonizada por The Weeknd tumbado en una camilla de una ambulancia. Mientras los paramédicos le atienden, vemos unas figuras negras con ojos brillantes que parecen un guiño al cartel de ‘Holy Motors’. Unas apariciones que funcionan como avance del tono onírico que irá impregnando el relato.
Tras un plano de una puesta de sol sobre unos rascacielos que parecen sacados del ‘Megalópolis’ de Coppola, el vídeo termina con el cantante metiéndose por un… ¿túnel de luz, como el que se ve en las experiencias cercanas a la muerte? The Weeknd pasa al “otro lado”, a un más allá donde parece reinar como un ídolo del pop en un escenario.
La primera película de ficción de RaMell Ross, tras su documental nominado al Oscar ‘Hale County This Morning, This Evening’, continúa explorando las heridas raciales de Estados Unidos. Adaptando la novela homónima ganadora del Pulitzer de ficción en 2020, narra la historia de amistad entre dos adolescentes en un reformatorio de Florida, históricamente conocido por sus métodos abusivos y denigrantes.
Desde el deslumbrante comienzo, donde la pantalla se inunda de una catarata de bellísimas imágenes (grandiosa la fotografía de Jomo Fray), Ross demuestra no solo ser un hábil narrador visual, sino también una sensibilidad y personalidad notables. El estilo poético y profundamente melancólico se acentúa con la atrevida propuesta formal que presenta el cineasta, quien compone toda la película desde la primera persona, contando la historia siempre en plano subjetivo.
La rigurosidad de la puesta en escena y el impresionante despliegue de ideas visuales son más que admirables, sobre todo considerando que se trata de su primera incursión en la ficción y tan solo su segunda película en total. Pese a -o en consecuencia de- ello, su enorme ambición artística se ve dañada por la barrera emocional que inintencionadamente acaba construyendo. A nivel narrativo, la cinta va perdiendo potencia conforme avanza, y la distancia entre el espectador y la historia se va haciendo progresivamente más grande, hasta el punto de que los temas tan impactantes que abarca terminan convirtiéndose en algo casi secundario.
Se agradece enormemente, eso sí, que Ross apueste por un cine de denuncia racial que no te grite a la cara, ni caiga en didactismos y obviedades. En su lugar, ‘Nickel Boys’ ofrece una visión absolutamente triste y enfadada pero exenta de esa literalidad tan molesta del cine comercial hollywoodiense. Por ello, su nominación al Oscar a mejor película sorprende -para bien-, por la radicalidad de la propuesta y su profunda vocación autoral, en donde se puede apreciar cierta influencia del Malick de ‘El árbol de la vida’.
Por supuesto, Ross aún está lejos del nivel de madurez de la obra magna de Malick, y su película nunca alcanza ese impacto filosófico-divino, pero sí deja la impresión de que estamos ante un cineasta valioso. Hay muchas cosas por pulir, pero nada que no parezca indicar que, con un equilibrio más sólido entre forma y contenido, Ross pueda convertirse en una figura clave para el cine independiente norteamericano. ‘Nickel Boys’ es una de esas películas que, aunque no entusiasmen, son toda una muestra de talento en bruto.
Ichiko Aoba es una de las superestrellas de ese género musical llamado ambient folk. Sus discos han encandilado al público por su minimalismo: su cristalina voz y el sonido de su guitarra acústica han sido suficientes para ennubilar a la audiencia. Y las portadas de discos como ‘Origami’ (2011) han exhibido un concepto minimalista radical que envidiaría hasta Kanye West.
A medida que la música de Aoba se ha popularizado, su investigación musical ha ganado enfoque. No han sido tan oníricos ni abstractos álbumes como ‘Windswept Adan’ (2020), que, escrito en torno al paisaje del archipiélago Ryukyu, proponía la banda sonora de una película imaginaria protagonizada por una niña que se muda a la fantástica isla de Adan. ‘Luminescent Creatures’ es la secuela de esa película, y ahora cuenta qué acontecería si la protagonista de ‘Windswept Adan’ «desapareciera junto con la música de los habitantes de la isla», por culpa del cambio climático.
Es ‘Luminescent Creatures’ un álbum preocupado por el folclore y la protección de las culturas remotas. Inspirado en la isla Hateruma, al sur de Okinawa, la pista ‘24° 03′ 27.0″ N 123° 47′ 7.5″ E’ se titula con las coordenadas que localizan el faro de la isla, y la melodía recupera una canción tradicional del lugar.
Pero ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más surrealista u onírico. ‘Lucifèrne‘ es una fantasía inspirada en las bandas sonoras de Studio Ghibli, una danza submarina como sacada de ‘Fantasia’ (1940), y ‘Coloratura’ abre el álbum imaginando una «escena de apertura en la que un barco pirata es engullido por las aguas tormentosas» y que da pie al nacimiento de un nuevo mundo lleno de luz y paz.
Aunque la Ichiko Aoba clásica, la que solo tira de guitarra y voz, no se va a ninguna parte en ‘Luminescent Creatures’, y su voz sigue sonando a la más pura calma y serenidad en pistas como ‘Flag’, el álbum experimenta con texturas electrónicas en dos de las pistas que se zambullen en el océano, ‘Sonar’ y ‘Pirsomnia’, que se inspiran en la vivencia de Aoba nadando junto a ballenas.
Los interludios con sonidos de caja de música, como ‘Cochlea’, empujan el álbum hacia el sueño total, por lo que ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más animados sus arreglos: en ‘Tower’ el oyente danza junto a la fauna abisal que inspira el álbum, en paz y armonía: ‘Luminescent Creatures’ es un disco que imagina un mundo maravilloso al que el cambio climático no ha llegado. Björk lo llamó ‘Utopia‘, pero ella voló a los cielos y Aoba se sumerge en el mar.
Ichiko Aoba presenta ‘Luminescent Creatures’ el próximo 10 de marzo en Barcelona en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 11 de marzo en el Teatro Rambleta de Valencia.
Contó Judeline anoche durante su concierto en la sala Razzmatazz que estaba muy contenta de tocar en Barcelona porque, la primera vez que programaron un concierto de ella en la ciudad, el show se tuvo que cancelar por la baja venta de entradas. Hoy, Judeline es una artista que se emociona cantando ‘zarcillos de plata‘ porque el público la corea como si fuera un clásico, tanto que la cantante de Cádiz ha de separarse del micrófono para llorar como una magdalena, y seguir cantando una vez se ha recompuesto.
Es el efecto que produce ‘zarcillos de plata‘, muy diferente al de ‘Zahara’ o ‘2+1’, que invitan al perreo ensoñador. Judeline se mueve entre ambas facetas en el concierto de ‘Bodhiria‘ (2024) y, sobre todo, presenta una fórmula de show que le beneficia y que es sobradamente mejor que los anteriores.
La misión de Judeline ha sido trasladar su urban-pop delicatessen al directo, pero dado que ella no es bailarina, ni posee un vozarrón que llene el espacio, ni su presencia escénica es arrolladora, a menudo ha dependido demasiado de su carisma y de una puesta en escena bonita pero funcional. Por eso, al show de ‘Bodhiria’ le favorece su concepto narrativo, desarrollado en torno al concepto de ‘Bodhiria’ y del «lore» de Judeline y su relación sentimental con el famoso canijo.
El canijo, de hecho, es el personaje secundario del show de ‘Bodhiria’ y aparece en el escenario desde el principio hasta el final, descamisado, bailando, caminando de un lado a otro del escenario o haciendo muecas, mientras Judeline interactúa con él o no, dependiendo de la canción. Pero su recuerdo está siempre presente en las letras y, por tanto, también, el bailarín lo está encima del escenario, entregando su cuerpo (y el enorme tatuaje de su espalda) a la música. El tatuaje en tinta roja -o rojo sangre- del Canijo refleja los que la propia Lara lleva marcados en la piel, redondeando el concepto del show.
Christian Bertrand
El movimiento sobre las tablas favorece el impacto de unas canciones que suenan maravillosamente soñadoras y tímidas. A este movimiento contribuye la original puesta en escena, en la que destaca la presencia encima del escenario de una estructura piramidal construida con armaduras metálicas o de acero a las que los bailarines y bailarinas de Judeline de vez en cuando se agarran como si fueran koalas. En medio de esta estructura cuelga una especie de columpio/péndulo al que Lara Fernández se sube para cantar varias canciones durante el espectáculo.
El repertorio de Judeline también es mejor y el público está encantado de responder a la Niña del Sur con su calor. Especialmente el coro «Me rompiste el corazón» de ‘Mangata’ se presta a la euforia colectiva, pero su producción house suena de absoluto lujo. La calidad de pistas como ‘angelA’ o ‘INRI‘ hace que el neo-soul de ‘De una manera’ suene desubicado de repente dentro del repertorio de directo de Judeline. Y este aún requiere la inclusión de esa curiosa versión de ‘La tortura’ que en voz de Lara y, bajo producción de DRUMMIE y varios, ya no es ninguna ídem. Shakira debería estar tomando notas, pero sabemos que está a otras cosas.
Un pero que ponerle al show de Judeline es su decisión de deconstruir ‘Canijo‘, que, pese a ser narrativamente una de las canciones clave del concierto, en directo asume una forma de UK garage muy diferente a la original y que prescinde de los «beat drops» que hacen de la original una producción tan excitante. Bien por renovar una producción conocida por todos, pero ¿tenía que ser una de las más divertidas rítmicamente?
Judeline se mete al público en el bolsillo hablando (lo que puede) catalán y poniendo en valor la juventud que asiste a los conciertos: le da la impresión de que la mayoría de fans en las primeras filas son de «su quinta» y seguramente fuera así, pero allá donde no le alcanzaba la vista también había fans que superan (superamos) los 30 años, o padres que acudían al concierto con sus hijas. ‘Bodhiria’ demuestra que, en España, la calidad ya es mainstream y transversal.
De hecho, Judeline es tan joven que, durante el show, recuerda que ella soñaba con visitar Barcelona cuando era adolescente porque admiraba a Bad Gyal. Tan joven es Judeline que Bad Gyal es ya referencia para ella y otras estrellas. Judeline, con su sonido cuidadísimo, preciosa voz y ahora, estupendo show de pop, ya da pasos para ser ella la referencia.
‘Bailar y llorar’ debe de ser la primera canción de Vicco que sale al mercado sin que ‘Nochentera’ esté en la lista de ventas española oficial. Al menos desde Benidorm Fest. En el top 100 aguantó años y sumó 9 discos de platino. Nada que ver con la suerte que corrió su álbum ‘Noctalgia‘ pese a que era notable.
Ahora la artista catalana continúa su carrera, aún en Sony, con un tema de corte noventero. ‘Bailar y llorar’ -nuestra Canción del Día hoy- no se parece a ‘Estoy llorando por ti’, no tiene esa vocación trance, sino más bien la de un medio tiempo de aquella década. Con un piano que ya solo puede sonar a Robert Miles, y una melodía eficiente como ella sabe, puede y debe gustar a aquellos que se saben de memoria los penúltimos hits de Ana Mena y Aitana, quienes tampoco es que inventaran nada después de todo. Kickbombo coproduce junto a Vicco.
Sony nos cuenta que ‘Bailar y llorar’ explora «la dualidad entre el amor y el odio», «tanto en la letra como en la producción». El tema «describe el proceso de comprender que algunas relaciones no nos hacen bien y la dificultad de dejarlas atrás». El vídeo dirigido por Albert Marcos presenta a Vicco bailando bajo la lluvia, «simbolizando el proceso de soltar y sanar a través del movimiento y la música», «convirtiendo el dolor en energía». Quizá un montón de lugares comunes al que pocos peros se pueden plantear.
Alma, el ciclo que el año pasado acogió en Madrid actuaciones como las de Alison Goldfrapp y Róisín Murphy, vuelve este 2025. La organización ya había anunciado que podremos ver en el Parque Tierno Galván a gente como Camila Cabello, Wilco, The Corrs o Dorian en un programa conjunto con Miranda!; y anoche celebró una fiesta en el Café Comercial para dar los últimos nombres.
En el evento pinchó Carlos Jean, quien defendió la calidad del ciclo destacando que las entradas para Rüfüs de Sol se han agotado porque «ese tipo de electrónica tranquila está de moda» o el «alma», el «soul» (LOL) del proyecto Rag N Bone Man.
Las nuevas confirmaciones incluyen proyectos de la calidad de Residente, uno de los mayores referentes de toda la generación urban de la década pasada; el proyecto que queda de Buenavista Social Club, «Buena Vista All Stars»; y Carlos Núñez. Las entradas para estos nuevos shows salen el próximo lunes a las 11.00 horas. El resto ya está en marcha.
Así quedan las fechas:
19/06 – Residente
20/06 – Dorian + Miranda!
21/06 – Carlos Núñez
25/06 – Camila Cabello
26/06 – Proyecto en vivo de Alan Parsons
27/06 – Wilco
28/06 – EL SOL SE RUEDA
29/06 – Los Tigres del Norte
30/06 – Los Corrs
1/07 – El hombre de trapo y hueso
2/07 – Grupo Nicho + Buena Vista All Stars
Lizzo, que se tomó 2024 de año sabático, tan pronto como en el mes de febrero de este loco 2025 produce su primera novedad musical, anticipo de su nueva era.
‘Love in Real Life’ es una canción de corte rockero que en sus primeros acordes remite claramente a los Strokes, y en su estribillo cambia bastante de melodía para tornarse en un hit de los Ramones.
Lizzo había advertido que su nuevo álbum hablaría sobre la depresión y a eso apuntan frases como «hay demasiada mierda ahí fuera, me siento más segura en mi habitación» y finalmente «necesito salir de mi cama, necesito amor en la vida real».
En cuanto al final del tema en estrepitoso «fade out», no puedo quitarme de la cabeza este divertido comentario de Popjustice: «parece que al sello se le ha ido la conexión a internet cuando estaban subiendo el tema».
‘Love In Real Life’ se estrena a la par que el videoclip, en el que Lizzo se sumerge en una fiesta nocturna en la que, entre coreografía y coreografía, aparecen «contratiempos»…
Con ‘Thriller’ de Michael Jackson como referente clarísimo, ‘Love in Real Life’ resulta tan pegadiza como dependiente de sus múltiples referencias. En sus inicios parecerse a otros fue el principal problema de los discos de Lizzo y parece que puede seguirlo siendo cuando encara ya el 5º.
Hoy se publican los discos de LISA, Panda Bear, Lela Soto y Rozalén, además del nuevo EP de shygirl. De todos ellos compartimos un pedacito en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend. En portada, el portadón de ADÉLA.
Si el single de LISA tiene el lujo de contar con Future, otros temas que han aparecido en playlist internacionales son los nuevos de Benson Boone, Damiano David o Lizzo. Tate McRae sigue completando el que es nuestro Disco de la Semana con «bonus», y también habemus nueva colaboración de Kali Uchis (el baladón ‘Crashing’ con d4vd al modo ‘Die With a Smile’).
Más underground son las novedades de Grimes, Skunk Anansie, girl in red (que de hecho dura 1 minuto y 25 segundos) o BANKS.
En el plano nacional no podemos quejarnos tampoco: hay temas de Rigoberta Bandini, Vicco, Papa Topo, Iván Ferreiro, Babi, Paul Thin, Dinamarca con AKRIILA una vez más o Las Migas.
Halsey no pierde el tiempo. Unos meses después de la salida de ‘The Great Impersonator’, la estadounidense lanza hoy una de las canciones más salvajes de su carrera. ‘safeword’ es una oda directa al BDSM y también un banger de punk rock absoluto.
El tema, breve pero peleón, podría formar parte de la edición deluxe de ‘The Great Impersonator’, pero todavía no está claro.
Cuando le preguntaron por una palabra para describir su próximo single, Halsey respondió: «Obediencia». Y eso es justo lo que hemos recibido. «Clávame en el suelo, balancéame del cuello / Encerrada tras una puerta, ¿ya es la hora?», canta en las primeras líneas, que sientan el tono perfecto para el resto del tema.
La guinda de ‘safeword’ es un videoclip hecho a medida en el que Halsey no para de servir -azotes, sobre todo- tanto en cuero como en cueros y que también tiene su punto de perturbador. Especialmente en los últimos instantes, en los que aparece con una inquietante máscara. Si es que es ella, claro.
Garbage han hecho el anuncio oficial de su octavo álbum, titulado ‘Let All That We Imagine Be The Light’. El nuevo disco de la banda estadounidense estará disponible el próximo 30 de mayo. Según un comunicado de prensa, el primer single llegará «en las próximas semanas».
Shirley Manson describe ‘No Gods No Masters’, lanzado en 2021, como lo contrario de este próximo lanzamiento: «Nuestro último disco era extremadamente directo, nacido de la frustración y la ira». Sin embargo, ‘Let All That We Imagine Be The Light’ tiene una «energía diferente»: «Estaba decidida a encontrar un mundo más esperanzador e inspirador para sumergirme en él», revela la cantante.
En cuanto a la música, Manson también describe el disco como «indudablemente Garbage» y detalla algunos de los elementos que siempre han caracterizado al grupo y que estarán incluidos en el nuevo disco: «Grandes guitarras angulares, beats precisos y paisajes sonoros cinematográficos», concluye.
Tracklist:
1. ‘There’s No Future In Optimism’
2. ‘Chinese Fire Horse’
3. ‘Hold’
4. ‘Have We Met (The Void)’
5. ‘Sisyphus’
6. ‘Radical’
7. ‘Love To Give’
8. ‘Get Out My Face AKA Bad Kitty’
9. ‘R U Happy Now’
10. ‘The Day That I Met God’
Kevin Kaarl es todo un fenómeno en México con solo dos elementos básicos: su voz y su guitarra. El artista de 24 años lanzó su cuarto disco el pasado San Valentín, ‘ULTRA SODADE’, y sus reproducciones ya se cuentan en las decenas de millones. El próximo septiembre estará en Barcelona, Valencia, Málaga y Madrid.
La música de Kaarl se caracteriza por un protagonismo total de su guitarra acústica, muy folk, y su profunda voz, además de unas letras sobre rupturas y anhelos románticos capaces de emocionar a cualquiera. «Sé de mí y yo de ti / Como cuando solías siempre reír», canta el mexicano en ‘siento tanto aquí’. En este sentido, puede recordar a artistas como Ed Maverick.
‘no me culpes por sentir’ y ‘búscame otra vez’, dos de los singles de ‘ULTRA SODADE’, sirven perfectamente para adentrarse en el mundo de Kaarl. En la primera de estas, además, prueba a añadir sintetizadores a su particular estilo. Resulta que las texturas del dream pop funcionan a la perfección con su atmósfera tan personal.
Por otro lado, ‘Vámonos a Marte’ y ‘San Lucas’, dos clásicos de su discografía, ya superan los 400 millones de reproducciones en Spotify. Cada una.
El original de Meoqui (Chihuahua) aterrizará en Barcelona (Razzmatazz), Valencia (Sala Moon), Málaga (Paris 15) y Madrid (La Riviera) los próximos 11, 13, 15 y 17 de septiembre, respectivamente. Las entradas han salido hoy mismo a la venta, a un precio desde los 33 euros.
Jordana B., la divertida banda medio surfera, medio verbenera, medio punk pop, de María Solá, publica su segundo álbum en Subterfuge. Lo mejor de ‘¿Tú y cuántos más?‘ eran sus cotidianas historias de amor y sexo, léase, ‘Leandro Tudela’ con Marta Movidas… y lo mismo vuelve a pasar en este largo que, para más señas, se titula ‘Otra vez el mismo drama’.
En ‘Holter (profecía autocumplida)’, Solá se niega a ejercer de psicóloga para su ex. ‘Demasiada mujer’ reivindica a alguien que era «demasiado cursi para él, demasiado grande para el papel, demasiado difícil de entender». Y esa visión a veces implica un ligero contenido social: ‘Paris Hilton’, un tema sobre no estar haciendo lo que de verdad quieres hacer en la vida, carga contra «el paternalismo que soportar», «toda esa idiotez que es deporte nacional».
Puede que la producción más transversal sea la adaptación de ‘Common People’ de Pulp, que castellanizaron hace un par de años con el objetivo de hacerla un poco más LGTBIQ+. Como en el disco anterior, les siguen funcionando las parodias realizadas sobre la capital. La letra de ‘Gente corriente’ primero dice: «las pijas de Madrid son insoportables / la llevé a un bar de mala muerte». Y al final termina con cosas de pijos: ir a un restaurante con mesa reservada.
También hay humor en ‘Nini’, sobre decirle a tus padres que estás saliendo con «un nini de mierda»; historias tan potentes que dejan en muy segundo plano la coartada conceptual de ‘Otra vez el mismo drama’. Estamos ante un álbum vertebrado en torno a un programa de radio imaginario, el cual se asoma por la primera y la última canción y deja un spot publicitario a modo de «interludio».
Quizá es más interesante comentar que el disco se deja producir por cuatro manos: Ganges, Guille Mostaza, Carlos Hernández y el también miembro de la banda Mané López, lo que explica la variedad estilística. Ganges es la productora detrás de un tema que pasa de la electrónica a los instrumentos de viento de corte sintético (‘Chicos malos’) y es el propio Mané quien se anima con la aventurera ‘Rumba B’, que contiene palmas sobre un beat más propio del trap.
No encajan tanto las colaboraciones de Camellos y Sienna, en especial la de este último, que parece más bien ideada para el disco de él de todo el protagonismo que tiene. La verdadera noticia es que después de 6 adelantos les sigan quedando composiciones con el potencial de ‘Mar menor’: un tema retro en el que aparecen el poliamor y la regla, como en la vida misma.
Como parte del tour Girando por Salas «GPS», Jordana B actúan en Tenerife el 29 de marzo, en Santiago el 4 de abril, el 25 de abril en Cáceres, el 26 de abril en Badajoz, el 9 de mayo en Salamanca y el 10 de mayo en Segovia. Otras fechas del grupo, aquí.
Little Simz, una de nuestras artistas de cabecera gracias a álbumes como ‘Sometimes I Might Be Introvert‘, ganador del Mercury Prize 2022, acaba de anunciar su sexto trabajo, ‘Lotus’. Saldrá a la venta dentro de unos meses, en concreto el 9 de mayo, a través de AWAL Recordings. Su primer sencillo, ‘Flood’, es nuestra Canción del Día hoy.
Se trata de una colaboración con Obongjayar y Moonchild Sanelly, marcada por dos cosas: en la producción, la percusión; y en lo visual, la estética torera. Solo que esta nos llega sobre un fondo oscuro, no viene acompañada del color que le atribuye el mundo taurino en España. El vídeo es obra del cineasta Salomon Lighthelm.
Obongjayar se encarga de desplagar la intro que en verdad va a ser el estribillo («mientras camino por este malvado suelo, mantenme lejos del diablo»), y Little Simz de escupir los versos, que incluyen frases como «Puedes cambiar de forma tanto como desees, pero sabes que yo soy la pieza que falta en el puzzle».
Ambos mantienen la tensión de la canción viva hasta que en una tercera estrofa Little Simz despliega una especie de 6 mandamientos, que incluyen consejos por la supervivencia. Algunos de ellos son «cuidate a ti misma», «no te lo tomes a lo personal» y «no reacciones ante los clones».
Según la nota de prensa de XL en España, «Lotus encarna renovación y crecimiento, reflejando el arte de la artista en evolución y el viaje temático del álbum a través de las intrincadas fases de la vida».
REPION acaban de ser citadas por Viva Suecia como una de sus bandas favoritas en una entrevista con JENESAISPOP.
El grupo formado por Marina y Teresa Iñesta está precisamente de actualidad por varios motivos. Tras colgar el cartel de sold-out este mes de febrero en ciudades como Madrid y Valencia, continúan una gira que les está llevando estas semanas por Almería, Murcia, L’Hospitalet de Llobregat, Boiro, Oviedo, Zaragoza, Huesca o Bilbao. Todos los detalles, en su linktree.
Además, REPION ha remozado una de las canciones extraídas de su EP del año pasado, ‘Entre todas lo arreglamos’, en compañía de Rufus T. Firefly. Se trata de ‘Viernes’, que comenzaba de manera muy característica («Volver a casa sola no es divertido / No quiero hacer la cena / Porque tú ya no estás para hacerla conmigo»), y hablaba de la soledad de manera muy poética («Y aún me sabe la boca / a lo último que dije»). Claramente, Rufus T Firefly han extraído el fondo pop-rock de la grabación original para llevársela a su terreno, más sintético y onírico. Más ‘Drive’.
No será su última colaboración porque Repion tienen previsto publicar el 11 de abril tanto en digital como en vinilo los cuatro temas del EP del año pasado con artistas amigos. El próximo EP -que también se llamará ‘Entre todas lo arreglamos’- incluirá los 4 temas publicados en 2024 en la cara A y en la cara B revisitados con Shego, Tulsa, Cora Yako y por supuesto Rufus T Firefly.
A su vez, Rufus T. Firefly también han sorprendido a sus fans anunciando que este año sacarán álbum. En el teaser colgado en Instagram anuncian como fecha «abril de 2025». Se tratará de su primer largo desde ‘El largo mañana‘, que salía en una fecha tan lejana como 2021. Os dejamos con el teaser y con el modo en que han revisitado a REPION.
El actor Gene Hackman ha sido hallado muerto en su casa de Santa Fe, Nuevo México, en la tarde de este miércoles, hora local. Estaban junto a él, también sin vida, su esposa la pianista Betsy Arakawa, y el perro de ambos.
Como informa la prensa local, la policía desconoce qué les ha pasado y lo están investigando, pero han descartado que se trate de un crimen. Gene tenía 95 años en el momento de su muerte, y su esposa, 63.
Gene Hackman fue muy popular durante varias décadas del siglo pasado, especialmente desde que apareciera en ‘Bonnie & Clyde’ en 1967. Ganó dos premios Oscar por ‘The French Connection’ y ‘Sin perdón’ y apareció en cintas como ‘Supermán’ o ‘La conversación’ de Coppola. También en series como ‘FBI’ y ‘Los invasores’.
En 2003 decidió retirarse tras haber participado durante nuestro siglo en ‘Heist’ y ‘Los Tenenbaums’ de Wes Anderson. Es decir, en el momento de su muerte, llevaba más de 20 años retirado.
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